Wolfgang Amadeus Mozart

Zusammenfassung

Wolfgang Amadeus Mozart (Salzburg, 27. Januar 1756 – Wien, 5. Dezember 1791) war ein produktiver und einflussreicher österreichischer Komponist der klassischen Epoche.

Mozart zeigte schon in seiner frühen Kindheit eine erstaunliche musikalische Begabung. Er beherrschte bereits Tasteninstrumente und die Violine und begann im Alter von fünf Jahren zu komponieren. Er trat vor den europäischen Königshäusern auf und verblüffte alle mit seinem frühzeitigen Talent. Als Jugendlicher wurde er als Hofmusiker in Salzburg angestellt, doch die Beschränkungen des Musiklebens in der Stadt veranlassten ihn, eine neue Stelle an anderen Höfen zu suchen, jedoch ohne Erfolg. Als er 1781 mit seinem Dienstherrn Wien besuchte, verkrachte er sich mit ihm und kündigte, um stattdessen in der Hauptstadt zu bleiben, wo er für den Rest seines Lebens zwar Ruhm, aber wenig finanzielle Stabilität erlangte. In seinen letzten Lebensjahren entstanden einige seiner bekanntesten Sinfonien, Konzerte und Opern sowie sein Requiem. Die Umstände seines vorzeitigen Todes gaben Anlass zu mehreren Legenden. Er hinterließ eine Frau, Constanze, und zwei Kinder.

Er ist Autor von mehr als sechshundert Werken, von denen viele in der Sinfonie-, Konzert-, Opern-, Chor-, Klavier- und Kammermusik angesiedelt sind. Sein Werk wurde von allen Kritikern seiner Zeit gelobt, obwohl viele es für zu komplex und schwierig hielten, und er übte seinen Einfluss auf verschiedene andere Komponisten im 19. und frühen 20. Heute wird Mozart von Kritikern als einer der größten Komponisten des Abendlandes angesehen, er genießt auch bei Laien großes Ansehen und sein Bild ist zu einer populären Ikone geworden.

Familie und frühe Jahre

Mozart wurde am 27. Januar 1756 in Salzburg geboren und am nächsten Tag im dortigen Dom getauft. Mit vollem Namen hieß er Joannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart, und sein Patenonkel war Joannes Theophilus Pergmayr. Später zog Mozart es vor, seinen Namen Theophilus in der französischen oder germanischen Version Amadé bzw. Gottlieb zu nennen, seltener in der lateinischen Form Amadeus. Die ersten beiden Namen wurden nur in seinen frühen Veröffentlichungen verwendet, und er nahm die germanische Form Wolfgang anstelle des lateinischen Wolfgangus an. Er war das siebte und letzte Kind von Leopold Mozart und Anna Maria Pertl. Von allen Kindern überlebten nur er und eine Schwester, Maria Anna, genannt Nannerl, die Kindheit. Die Familie seines Vaters stammte aus dem Augsburger Raum. Der Familienname ist seit dem 14. Jahrhundert in verschiedenen Formen – Mozarth, Motzhart, Mozhard oder Mozer – belegt. Viele Mitglieder waren im Steinmetz- und Baugewerbe tätig, einige auch als Künstler. Die Familie seiner Mutter stammte aus dem Salzburger Land und war im Allgemeinen bürgerlich geprägt.

Sobald Mozarts Talent in frühen Jahren erkannt wurde, gab sein Vater, ein erfahrener Musiker und renommierter Geiger, seine pädagogischen und kompositorischen Ambitionen auf, um sich der Erziehung seines Sohnes und seiner Schwester Nannerl zu widmen, die ebenfalls schon früh außergewöhnliche musikalische Begabungen zeigte. Es scheint sicher, dass ein Großteil der Professionalität, die Wolfgang in seiner Reife zeigte, auf die strenge Disziplin seines Vaters zurückzuführen ist. Seine musikalische Ausbildung begann im Alter von vier Jahren. Leopold hatte 1759 einen Band mit elementaren Kompositionen für die Lehre seiner Tochter zusammengestellt, der auch seinem Bruder als Lehrbuch diente. In diesem Band notiert Leopold Mozarts erste Kompositionen aus dem Jahr 1761, ein Andante und ein Allegro für Tasteninstrumente, aber es lässt sich nicht feststellen, inwieweit sie Mozarts integrale Werke sind oder ob sie einen väterlichen Beitrag tragen.

Erste Reisen

Bald waren die Kinder bereit, öffentlich aufzutreten, und noch im selben Jahr, 1761, hatte Mozart seinen ersten Auftritt als Wunderkind, bei einer Rezitation von Werken Johann Eberlins an der Universität von Salzburg. Es folgte eine Periode von etwa zwanzig Jahren, in denen er ausgedehnte Europareisen unternahm, die Leopold privat organisierte, mit dem erklärten Ziel, seine Söhne als frühreife Genies zu etablieren und finanziellen Gewinn zu erzielen. Zwischen den zahlreichen Konzerten, die sie gaben, den Prüfungen, denen sie unterzogen wurden, den beruflichen Kontakten und Höflichkeitsbesuchen, die sie machen mussten, und dem häufigen Hören von Aufführungen fremder Musik für den Unterricht der Kinder, neben der Fortsetzung ihres Musikstudiums und des Elementarunterrichts, war der Zeitplan dieser Reisen immer anstrengend und forderte manchmal ihren Tribut an die Gesundheit.

Ihre erste Reise führte sie 1762 nach München, wo sie vor dem Kurfürsten von Bayern spielten. Am Ende des Jahres begannen sie ein weiteres Konzert, das bis Januar 1763 dauerte. Sie reisten nach Wien und in andere Städte, spielten für verschiedene Adlige und zweimal für die Kaiserin Maria Theresia und ihren Gemahl. Nach Aufzeichnungen von Persönlichkeiten, die an ihnen teilnahmen, und von Leopold selbst, der ein produktiver Briefschreiber war und Reisetagebücher führte, spielte Mozart bereits „wunderbar“ und war ein „lebhaftes, geistreiches und charmantes“ Kind. Kurz nach seiner Rückkehr erkrankte Mozart anscheinend an rheumatischem Fieber, erholte sich aber bald wieder, so dass er im Februar 1763 zum ersten Mal am Salzburger Hof Violine und Cembalo spielen konnte. In einer Notiz in einer lokalen Zeitung heißt es, dass Mozart bereits wie ein Erwachsener spielen, in verschiedenen Stilen improvisieren, auf den ersten Blick begleiten, mit einem Tuch über den Tasten spielen, einen Bass zu einem vorgegebenen Thema hinzufügen und jede gespielte Note identifizieren konnte. Aus Berichten von Freunden geht hervor, dass er in diesem zarten Alter zwar immer noch eine kindliche Fröhlichkeit an den Tag legte, sein Geist sich aber bereits der Musik zugewandt hatte und nur bereit war, vor einem Publikum zu spielen, das die Musik ernst nahm und stolz auf sein Können war. Im selben Jahr machte er seinen ersten aufgezeichneten Versuch, ein Konzert zu schreiben, und obwohl seine Handschrift ein Gekritzel war, wurde seine Musik von Leopold als korrekt und angemessen komponiert angesehen.

Ebenfalls im Juni 1763 begaben sie sich auf eine weitere Reise, die bis 1766 dauerte und sie diesmal nach Deutschland, Frankreich, England, in die Niederlande und in die Schweiz führte, wobei sie mehrere wichtige Musikzentren passierten. Sie hatten nun ihre eigene Kutsche und wurden von einem Diener begleitet. Mozart spielte in den Kirchen der Städte, in denen sie übernachteten, die Orgel, und die Familie nutzte die freie Zeit für verschiedene Ausflüge. In Ludwigsburg lernten sie den Geiger Pietro Nardini und den Komponisten Niccolò Jommelli kennen; in Brüssel angekommen, warteten sie fünf Wochen, bis der Gouverneur sie zu einem Vorspiel empfing. Sie kamen am 18. November in Paris an und blieben dort fünf Monate lang, mit Ausnahme von zwei Wochen in Versailles, wo sie vor Ludwig XV. auftraten und höchstwahrscheinlich weitere private Auftritte hatten. Sie gaben zwei öffentliche Konzerte, kamen in Kontakt mit lokalen Musikern und mit einem einflussreichen Literatur- und Musikkritiker, Baron von Grimm. Leopold veröffentlichte in Paris die ersten gedruckten Werke Mozarts, zwei Sonatenpaare für Cembalo und Violine. Im April des folgenden Jahres reisten sie nach London, wo sie fünfzehn Monate lang blieben. Bald nach ihrer Ankunft wurden sie von Georg III. empfangen, der dem Jungen einige schwierige Proben auf dem Cembalo gab und ihn bei zwei weiteren Gelegenheiten hörte. Sie gaben öffentliche und private Konzerte, und Leopold lud Experten ein, um Mozart auf verschiedene Weise zu testen, aber die sensationslüsternen Anzeigen, die veröffentlicht wurden, reduzierten Mozarts Alter um ein Jahr, und die Aufführungen hatten manchmal einen fast zirkusartigen Charakter. Der Philosoph Daines Barrington untersuchte ihn und legte der Royal Society einen Bericht mit seinen Ergebnissen vor, in dem er seine Fähigkeit zur Improvisation und zur Komposition von Liedern im Opernstil bescheinigte. Möglicherweise komponierte und spielte Mozart in London seine ersten Sinfonien, kam mit der noch immer populären Musik Händels in Berührung und lernte dort Johann Christian Bach kennen, mit dem er eine lange Freundschaft begann und von dem er musikalisch beeinflusst wurde. Am 1. August 1765 schifften sie sich erneut nach Frankreich ein, doch bei seiner Ankunft in Lille erkrankte der Junge und war einen Monat lang bettlägerig. Die Reise ging weiter in die Niederlande, und in Den Haag erkrankte Mozart erneut, diesmal zusammen mit Nannerl an einer schweren Typhuserkrankung, die zwei Monate dauerte. Während dieser Zeit komponierte Mozart Variationen für Cembalo über holländische Lieder und sechs Sonaten für Violine und Cembalo. Dann kehrten sie nach Paris zurück, wo Baron von Grimm sie wieder hörte und über die Fortschritte des Jungen erstaunt war. Seine Sinfonien wurden gut aufgenommen, und er bestand die schwierigsten Prüfungen, die ihm gestellt wurden, mit Bravour und verblüffte sein Publikum. Von Paris aus fuhren sie weiter nach Südfrankreich, dann in die Schweiz und nach Deutschland und schließlich nach Salzburg, wo sie ein beachtliches finanzielles Ergebnis erzielten. Für einige der Königin von England gewidmete Sonaten hatte Mozart die Summe von fünfzig Guineen erhalten, was heute etwa zehntausend Dollar entspricht, was eine Vorstellung von der Rentabilität der Tourneen vermittelt, ganz zu schweigen von den kostbaren Geschenken, die er erhielt, wie Goldringe, Uhren und Schnupftabakdosen.

Die nächsten Monate verbrachte er in seiner Heimatstadt mit dem Studium von Latein, Italienisch und Rechnen, das ihm wahrscheinlich von seinem Vater beigebracht wurde. Außerdem schrieb er seine ersten Gesangswerke für die Bühne, darunter einen Auszug aus einem kollektiven Oratorium, die Komödie Apollo et Hyacinthus und einen Auszug aus einer Passion Christi. Letzteres war möglicherweise das Stück, das er allein in einem Zimmer eingeschlossen schreiben musste, um dem Fürsterzbischof zu beweisen, dass er es war, der seine Kompositionen schrieb. Er hat auch einige Bearbeitungen von Sonaten anderer Autoren in Form von Konzerten vorgenommen. Im September 1767 brach die Familie zu einer neuen Reise auf und blieb sechs Wochen lang in Wien. Eine Pockenepidemie in der Stadt veranlasste sie, nach Brünn und dann nach Olmütz umzuziehen, aber die beiden Kinder wurden von der Krankheit auf eine sanfte Weise dahingerafft, die unauslöschliche Spuren in Mozarts Gesicht hinterließ. Nach ihrer Rückkehr nach Wien wurden sie vom Hof angehört und planten die Aufführung einer Oper, La finta semplice, die jedoch nie aufgeführt wurde, sehr zur Empörung Leopolds. Andererseits wurde ein kurzes Singspiel, Bastien und Bastienne, in Franz Mesmers Villa aufgeführt und eine feierliche Messe, die er geschrieben hatte, wurde bei der Einweihung der Weisenhauskirche unter der Leitung des Komponisten selbst aufgeführt.

Fahrten nach Italien

Am 5. Januar 1769 waren sie wieder in Salzburg, wo sie etwa ein Jahr lang blieben. Mozart schrieb mehrere neue Stücke, darunter eine Reihe bedeutender Orchesterserenaden, mehrere kleinere geistliche Stücke und mehrere Tänze, und wurde am 27. Oktober zum Ehrenkonzertmeister des Hofes ernannt. Am 13. Dezember machten sich nur Vater und Sohn, ohne seine Schwester und Mutter, auf den Weg nach Italien. Die Reise verlief nach dem üblichen Muster mit Zwischenstopps überall dort, wo der Junge zu hören war und mit guten Geschenken belohnt werden konnte. In Verona wurde er von Mitgliedern der Philharmonischen Akademie geprüft, und in Mantua wurde dies wiederholt. In Mailand erhielten sie den Schutz des mächtigen Grafen von Firmian, Österreichs bevollmächtigtem Minister in Italien, und trafen Musiker wie Giovanni Battista Sammartini und Niccolò Piccinni. Mozart übernachtete in Lodi und vollendete dort sein erstes Streichquartett. In Bologna besuchten sie den berühmten Theoretiker Pater Martini, einen Prüfer an der angesehenen Philharmonischen Akademie, der Mozart prüfte und anerkannte und ihn in die Gesellschaft aufnahm, und trafen den Kastraten Farinelli. In Florenz schloss Mozart sofort eine intensive Freundschaft mit dem jungen englischen Komponisten Thomas Linley, und von dort aus reisten sie weiter nach Rom, wo sie vom Papst empfangen wurden und Mozart mit dem Orden der Goldenen Spitze in den Ritterstand erhoben wurde, eine außergewöhnliche Ehrung für einen Musiker in seiner Zeit. Er trug den Titel eine Zeit lang öffentlich, gab ihn dann aber auf. In der Sixtinischen Kapelle hörten sie das berühmte Miserere von Gregorio Allegri, ein Werk, das der Chor der Kapelle eifersüchtig als sein ausschließliches Eigentum hütete, aber Mozart transkribierte es vollständig und auswendig, nachdem er es gehört hatte. Nach seiner Rückkehr nach Bologna wurde er von der dortigen Philharmonischen Akademie geprüft und als Mitglied aufgenommen. Wieder in Mailand komponiert Mozart eine Oper, Mitridate, re di Ponto, die im Sommer mit großem Erfolg aufgeführt wird und zweiundzwanzig Abende lang auf der Bühne bleibt. Die ersten drei wurden von der Autorin durchgeführt. Auf der Durchreise durch mehrere andere Städte, in denen sie zahlreiche weitere Konzerte gaben und Beziehungen zu wichtigen politischen und musikalischen Persönlichkeiten knüpften, kehrten sie am 28. März 1771 nach Salzburg zurück.

Noch bevor sie Italien verließen, hatten sie ihre Rückkehr vorbereitet und einen Vertrag über die Aufführung einer Theaterserenade, Ascanio in Alba, für die Hochzeit des Erzherzogs Ferdinand in Mailand und eines Oratoriums, La Betulia liberata, für Padua unterzeichnet. Im August 1771 kehrte er nach Mailand zurück, wo der Ascanio mit großem Erfolg aufgeführt wurde und eine Oper von Hasse, einem gefeierten älteren Komponisten, überschattete, die bei denselben Feierlichkeiten zu hören war. Aus einem Brief des Erzherzogs an seine Mutter geht hervor, dass er in Erwägung gezogen hatte, Mozart eine Stelle an seinem Hof zu geben, aber in seiner Antwort riet ihm die Kaiserin, sich nicht mit „diesen nutzlosen Leuten“ zu belasten, deren Gewohnheit, „wie Bettler durch die Welt zu ziehen, seinen Dienst entwürdigen würde“. Am 15. Dezember kehrten sie nach Salzburg zurück, wo sie die nächsten Monate verbrachten.

Kurz nach seiner Ankunft starb Leopolds Arbeitgeber. Sigismund von Schrattenbach war sehr tolerant gegenüber Leopolds wiederholten und langen Abwesenheiten, obwohl er manchmal die Lohnzahlung aussetzte. Die reichen Geschenke, die Mozart auf seinen Reisen erhielt, waren jedoch eine bedeutende Entschädigung. Am 14. März 1772 stieg Hieronymus von Colloredo zum Fürst-Erzbischof auf, dessen Haltung gegenüber seinem Diener weitaus rigider war. In diesen Monaten komponierte Mozart eine neue theatralische Serenade, acht Symphonien, vier Divertimenti und einige bedeutende geistliche Werke. Am 9. Juli wurde er mit einem Gehalt von 150 Gulden offiziell als Violinist am Salzburger Hof aufgenommen, ein Amt, das er drei Jahre lang ehrenamtlich ausübte. Am 24. Juli brachen die Mozarts zu ihrer dritten und letzten Reise nach Italien auf, um in Mailand die Oper Lucio Silla aufzuführen, die aufgrund einer ungleichen Besetzung nicht ganz erfolgreich war, sowie weitere Kompositionen. Leopold wollte seinem Sohn eine Anstellung außerhalb Salzburgs verschaffen; er bewarb sich um eine Stelle beim Großherzog der Toskana, aber die Anfrage wurde nicht angenommen, und am 13. März 1773 waren sie wieder zu Hause.

Andere Reisen

Das Einkommen der Familie reichte zu diesem Zeitpunkt aus, um in ein größeres Haus umzuziehen, aber Leopold war weder mit seiner relativ untergeordneten Stellung in der Hofkapelle noch mit den geringen beruflichen Aufstiegschancen seines Sohnes in seiner Heimatstadt zufrieden. Dies waren wahrscheinlich die Gründe, die sie einige Monate später nach Wien führten, um eine Stelle am kaiserlichen Hof zu erhalten. Dieses Ziel wurde zwar nicht erreicht, aber Mozarts Musik profitierte vom Kontakt mit den Werken der Wiener Avantgarde und machte spürbare Fortschritte. Mitte 1774 führte er in München eine Oper, La finta giardiniera, auf und komponierte seine ersten Sonaten für Tasteninstrumente. Nach seiner Rückkehr im März 1775 begann für Mozart eine Zeit wachsender Frustration über die eingeschränkten Bedingungen des lokalen Musiklebens und die mangelnde Toleranz seines Arbeitgebers gegenüber längeren Abwesenheiten. Er hörte jedoch nicht auf zu komponieren, und es entstand eine Fülle neuer Werke in verschiedenen Gattungen, darunter Klavierkonzerte, Divertimenti, Serenaden, Sonaten und geistliche Werke. Im August 1777 reichte Mozart seinen Rücktritt ein, und die Unzufriedenheit des Fürsten mit Mozarts unregelmäßigem Dienst spiegelte sich im selben Akt auch im Rücktritt von Leopold wider. Letzterer konnte es sich nicht leisten, seinen Posten aufzugeben, und wurde wieder eingestellt.

Um seinen Lebensunterhalt zu bestreiten, nimmt Mozart das Reisen wieder auf und begibt sich am 23. September, nicht mehr in Begleitung seines Vaters, mit seiner Mutter auf eine Tournee durch Deutschland und Frankreich, gibt Konzerte und bewirbt sich an verschiedenen Höfen, jedoch ohne Erfolg. In Augsburg besuchten sie Verwandte und Mozart knüpfte eine liebevolle Beziehung zu seiner Cousine Maria Anna Thekla, genannt Bäsle, mit der er später in Briefkontakt blieb. In Mannheim freundete er sich mit mehreren Musikern des dortigen bedeutenden Orchesters an und verliebte sich in die Sängerin Aloysia Weber, die er nach Italien holen und zur Diva machen wollte. Da er in diese Beziehung verwickelt war, verschob er seine Reise nach Paris mehrmals, aber die Romanze trug keine Früchte. Er stand in regelmäßigem Briefkontakt mit seinem Vater, und in diesem Briefwechsel zeigte sich Leopold zunehmend irritiert und besorgt über die mangelnde Objektivität seines Sohnes, seine Verantwortungslosigkeit im Umgang mit Geld und seine Neigung, Entscheidungen aufzuschieben. Leopold war klar, dass sein Sohn nicht in der Lage war, sich selbst zu arrangieren, und er füllte seine Briefe mit einer Fülle von Empfehlungen, wie er sich verhalten sollte, wen er aufsuchen sollte, wie er den Mächtigen schmeicheln sollte, wie er mit Geld umgehen sollte und vieles mehr. Obwohl er mehrere Werke erfolgreich aufführte, war sein Aufenthalt in Paris nicht angenehm. Mozart beklagte sich über den mangelnden Geschmack der Franzosen, vermutete Intrigen gegen ihn, seine alte Freundschaft mit Grimm verschlechterte sich und er lehnte das einzige feste Stellenangebot ab, das er auf der ganzen Reise erhielt, die Stelle des Organisten in Versailles. Zu allem Übel erkrankte seine Mutter und starb am 3. Juli 1778. Als die Krise überwunden war, erhielt er einen Brief seines Vaters, in dem ihm mitgeteilt wurde, dass Colloredo seine Meinung geändert hatte und bereit war, ihn mit einem höheren Gehalt und Reisefreiheit wieder einzustellen. Er verließ Paris am 26. September, entschied sich jedoch, die Rückreise über Deutschland anzutreten, wodurch sich seine Ankunft in Salzburg verzögerte, sehr zum Ärger seines Vaters, der befürchtete, dass die Verzögerung seine Wiederzulassung am Hof gefährden würde. Er kam erst Mitte Januar des folgenden Jahres nach Hause, seine Pläne für die Unabhängigkeit waren zerschlagen, die Finanzen in einer prekären Lage und die Beziehungen zu seinem Vater angespannt.

Daraufhin stellte er ein förmliches Gesuch um Wiederaufnahme in den Hofdienst und wurde als Organist mit einem Gehalt von 450 Gulden eingestellt. Der Vertrag verpflichtete ihn auch, alles zu komponieren, was von ihm verlangt wurde, und den Chorknaben Unterricht zu erteilen. Die nächsten zwei Jahre waren ereignislos, aber er schrieb mehrere neue Werke, darunter Sinfonien, Messen und bedeutende Konzerte, in denen der Einfluss der internationalen Stile, die er kennengelernt hatte, deutlich wird, und er interessierte sich weiterhin für dramatische Musik. 1780 erhielt er einen Auftrag für eine Oper, die in München aufgeführt werden sollte. Daraus entstand Idomeneo, die erste seiner großen Opern, die Drama und Heldentum mit einer in seinem Schaffen beispiellosen Kraft und Tiefe darstellt und in dieser Hinsicht eine der bemerkenswertesten seiner gesamten Karriere bleibt.

Wien

Im März 1781 reiste sein Dienstherr nach Wien, um der Krönung Josephs II. beizuwohnen, und Mozart begleitete ihn. Der Status seiner Position am Hof war niedrig, und seine Korrespondenz aus dieser Zeit zeigt erneut eine wachsende Unzufriedenheit und gleichzeitig seine Begeisterung über die Aussicht, in der kaiserlichen Hauptstadt Karriere zu machen. An einem Abend wurde ein Fest für den neuen Kaiser gegeben, aber Colloredo hinderte ihn daran, zu spielen, was ihm eine Gratifikation in Höhe seines halben Salzburger Jahresgehalts eingebracht hätte. Die Spannungen zwischen den beiden nahmen zu, und am 9. März brach die unvermeidliche Krise aus, als er in einer stürmischen Audienz bei seinem Arbeitgeber erneut um seine Entlassung bat. Colloredo lehnte dies zunächst ab, doch bald darauf wurde es akzeptiert. Er zog dann in die Wohnung seiner Freunde, der Webers, in deren Tochter Aloysia er sich in Mannheim verliebt hatte. Dann begann Mozart eine emotionale Beziehung zu einer anderen Weber-Tochter, Constanze. In Briefen an seinen Vater wies er die Gerüchte über die Affäre zunächst zurück, doch um Peinlichkeiten zu vermeiden, zog er in ein anderes Haus. In der Zwischenzeit verdiente er seinen Lebensunterhalt mit Unterricht und Privatkonzerten und komponierte weiter. Im Dezember trat er bei Hofe in einem Wettbewerb mit Muzio Clementi auf und gewann, aber seine Hoffnungen auf eine offizielle Anstellung erfüllten sich nicht.

Seine Beziehung zu Constanze vertieft sich, und obwohl er sie gegenüber seinem Vater weiterhin verleugnet, erklärt er schließlich am 15. Dezember 1781 seine Absicht zu heiraten. Kurz nach der Uraufführung seiner neuen Oper Die Entführung aus dem Schloss, die ein großer Erfolg war, beeilte er sich auf Druck von Constanzes Mutter, die Hochzeit zu arrangieren und bat um ihren väterlichen Segen. Am 4. August 1782 wurden sie im Stephansdom getraut, aber erst am nächsten Tag traf das Schreiben des Vaters ein, in dem er seine widerwillige Zustimmung gab. Die Figur der Constanze und ihre Rolle in Mozarts Leben waren Gegenstand zahlreicher Kontroversen, aber es scheint, dass die Verbindung glücklich war, auch wenn sie kaum in der Lage war, ihrem desorganisierten Ehemann bei der Führung des Haushalts zu helfen. Wenige Wochen nach ihrer Hochzeit waren sie bereits gezwungen, einen Kredit aufzunehmen. Constanze wurde bald schwanger, und ihr erstes Kind, Raimund Leopold, kam am 17. Juli 1783 zur Welt. Wenige Tage nach seiner Geburt wurde er jedoch in der Obhut von Freunden gelassen, damit das Paar nach Salzburg reisen und Leopold besuchen konnte. Aus der späteren Korrespondenz geht hervor, dass Leopolds kühler Empfang den Besuch nicht besonders freundlich gestaltete.

Sie verließen Salzburg am 27. Oktober 1783, aber noch während sie dort waren, starb das Kind am 19. August, und es ist nicht bekannt, wann die Eltern davon erfuhren. Aus den Briefen Mozarts an Leopold am Ende des Jahres geht hervor, dass die finanzielle Situation des Paares nicht gut war und mehrere Schulden entstanden waren, dass er aber optimistische Pläne für die kommende Musiksaison machte. Er gab so viele Konzerte, dass ihm nur wenig Zeit zum Komponieren blieb, er gab gleichzeitig Unterricht, seine sicherste Einnahmequelle, und begann mit der Herausgabe mehrerer gedruckter Werke, die ihm ebenfalls einige Gewinne einbrachten. Im September 1784 wurde sein zweiter Sohn, Carl Thomas, geboren, und im Dezember trat er den Freimaurern bei und schrieb Musik für freimaurerische Rituale.

Anfang 1785 besuchte Leopold die beiden für einige Monate in Wien, und seine Briefe beschreiben die fieberhafte Aktivität seines Sohnes, der an zahlreichen Konzerten teilnahm, die komfortable Wohnung, in der sie lebten, die Rezitationen von Mozarts Musik, denen er beiwohnte, und bezeugen, dass das Prestige seines Sohnes auf dem Höhepunkt war. Zeitungsberichte aus dieser Zeit sprechen von Mozart als „allseits geschätzt“ und als Besitzer eines „wohlverdienten Ruhmes“. Doch das Einkommen eines selbständigen Musikers war alles andere als gesichert; bald gab es wieder Schwierigkeiten und er war gezwungen, weitere Kredite aufzunehmen. Das wichtigste Projekt des Jahres 1785 war die Komposition der Oper Die Hochzeit des Figaro mit einem Libretto von Lorenzo da Ponte, die im Mai 1786 mit großem Erfolg uraufgeführt wurde und bald zum festen Repertoire mehrerer Theater gehörte. Im Herbst 1786 plante er, nach England zu gehen, aber Leopold riet ihm davon ab und weigerte sich, sich um den Jungen Carl zu kümmern, und so wurde die Idee aufgegeben. Am 18. Oktober wurde sein dritter Sohn, Johann Thomas Leopold, geboren und lebte nur wenige Tage.

Im Jahr 1787 nahm er jedoch eine Einladung nach Prag an, wo der Figaro ein beachtlicher Erfolg und er ein beliebter Komponist geworden war. Dort erhielt er einen Auftrag für eine neue Oper, die in der folgenden Spielzeit uraufgeführt werden sollte, woraus Don Giovanni entstand. In der Zwischenzeit starb Leopold im Mai 1787. Mozart verzichtete zugunsten von Nannerl auf seinen Anteil am Erbe, erhielt aber seine Manuskripte zurück, die sich bei seinem Vater befanden. Im Mai zog er in eine andere, viel bescheidenere Wohnung hinter dem Dom, und in den folgenden Monaten gibt es keine Aufzeichnungen über öffentliche Auftritte Mozarts. Er war für kurze Zeit krank, gab aber weiterhin Unterricht. Es ist möglich, dass er dem jungen Beethoven bei seinem ersten kurzen Besuch in Wien einige Lektionen erteilte, und sicherlich unterrichtete er auch den damals etwa zehnjährigen Hummel, der möglicherweise einige Zeit bei ihnen lebte. Er veröffentlichte auch mehrere Kammermusikstücke und Lieder, die sich gut verkaufen ließen. Im Oktober kehrte er nach Prag zurück, um die Uraufführung von Don Giovanni zu spielen, die mit Begeisterung aufgenommen wurde. Nach seiner Rückkehr nach Wien im November erhielt er endlich die ersehnte Anstellung am Hof: Er wurde zum Kammermusiker ernannt, mit einem Gehalt von achthundert Gulden und der einfachen Aufgabe, Musik für Hofbälle zu schreiben. Trotz des größeren Ansehens, das ihm ein offizielles Amt einbrachte, und der Erleichterung, die ihm ein regelmäßiges Einkommen verschaffte, löste es keineswegs alle seine Probleme. Ende des Jahres musste er erneut umziehen, nun in die Vorstadt, erlebte am 27. Dezember die Geburt seiner Tochter Theresia, die innerhalb weniger Monate starb, und begann im folgenden Jahr eine Zeit wiederholter Bitten um finanzielle Unterstützung an seinen Freund Michael Puchberg. Der Briefwechsel verrät seine Demütigung und seine gedrückte Stimmung. Dennoch war diese Periode schöpferisch sehr fruchtbar, und es entstand eine bemerkenswerte Reihe bedeutender Werke.

Die letzten Jahre

Anfang 1789 nahm Mozart eine Einladung an, Fürst Karl Lichnowsky nach Deutschland zu begleiten und auf dem Weg dorthin in mehreren Städten zu spielen. Seine Bitten um Geld gingen weiter, und seine Frau war wieder schwanger. Ihre Tochter Anna wurde im November geboren und lebte nur einen Tag. In diesem Jahr schrieb er einige Quartette und Sonaten, war aber hauptsächlich mit einer neuen Oper beschäftigt, Così fan tutte, der dritten in Zusammenarbeit mit Da Ponte. Es wurde gut aufgenommen, lief aber nur kurze Zeit, und der daraus resultierende Gewinn war dürftig. Obwohl er offensichtlich arm war, lebte Mozart nicht im Elend. Er erhielt nach wie vor sein Gerichtssalär, er gab Unterricht, einige Konzerte brachten Einnahmen und er verkaufte weiterhin Theaterstücke. Ihre Grundbedürfnisse waren gedeckt und sie konnten sich noch einen Diener und eine Kutsche leisten. Seine Briefe aus dieser Zeit schwanken zwischen Klageliedern und hoffnungsvollen Visionen von künftigem Wohlstand. Mit dem Aufstieg des neuen Kaisers Leopold II. hoffte er auf eine Beförderung, die jedoch ausblieb; er bewarb sich um die Stelle des Domkapellmeisters und wurde als Stellvertreter ernannt, allerdings ohne Gehalt. Im Frühsommer 1791 wurde sein letztes Kind, Franz Xaver Wolfgang, geboren, und Mozart arbeitete mit dem Impresario Emanuel Schikaneder zusammen, der mit seiner Oper im Singspielstil, der Zauberflöte, einen großen Erfolg erzielte. Die Öffentlichkeit reagierte zunächst kühl, doch schon bald wurde es populär. In der Zwischenzeit erhielt er zwei weitere große Kompositionsaufträge, das Requiem, das von einem Auftraggeber, der Geheimhaltung verlangte und anonym bleiben wollte, in Auftrag gegeben wurde (heute weiß man, dass es von Graf Walsegg-Stuppach in Auftrag gegeben wurde), und seine letzte Oper, Die Gnade des Titus, die in Prag unter großem Beifall uraufgeführt wurde.

In Prag erkrankte er und erlangte offenbar nicht mehr die volle Gesundheit zurück. Spätere Berichte zeigen ihn zurück in Wien in einem intensiven Arbeitstempo, mit der Fertigstellung des Requiems beschäftigt und von Todesahnungen heimgesucht, aber vieles von dieser Atmosphäre mag Legende sein, und es ist schwierig, diese Beschreibungen mit mehreren seiner Briefe aus dieser Zeit in Einklang zu bringen, in denen er eine joviale Stimmung zeigt. Im November 1791 musste er sich ins Bett zurückziehen und sich ärztlich behandeln lassen. Anfang Dezember schien sich sein Gesundheitszustand zu verbessern, und er konnte mit einigen Freunden Teile des unvollendeten Requiems singen. Am 4. verschlimmerte sich sein Zustand; sein Arzt eilte herbei, konnte aber wenig tun. Gegen ein Uhr am Morgen des 5. Dezember verstarb er. Als Todesursache wurde akutes Pfeiffersches Drüsenfieber diagnostiziert. Über seinen Tod entstanden verschiedene Legenden, und es wurden verschiedene Diagnosen vorgeschlagen, darunter auch Verschwörungs- und Mordversuche, die auf Mozarts eigenem Verdacht beruhten, vergiftet worden zu sein, aber alle sind hypothetisch und einige sind ziemlich phantasievoll. Möglicherweise handelte es sich tatsächlich um einen tödlichen Rückfall des rheumatischen Fiebers, das ihn in der Kindheit befallen hatte; die Bezeichnung der Krankheit als akutes Milchfieber wurde für viele entzündliche Fieber mit Exanthem verwendet, was ein rheumatisches Fieber nicht ausschließt.

Mozart wurde am 6. Dezember im Dom betrauert und am 6. oder 7. Dezember diskret in einem nicht gekennzeichneten Grab auf dem Friedhof der Markuskirche am Stadtrand von Wien beigesetzt, ohne dass ihn jemand begleitete, was im Gegensatz zu den romantisierten Versionen, die seinen Tod unter erbärmlichen Bedingungen und sein einsames Begräbnis als eine Demütigung und einen tragischen Verrat der Wiener an dem großen Genie darstellten, zu seiner Zeit eine übliche Praxis war. Es wurde kein Grabstein errichtet, und die genaue Lage des Grabes ist bis heute unbekannt. Einem Bericht von Jahn aus dem Jahr 1856 zufolge ist es jedoch möglich, dass Salieri und Van Swieten zusammen mit seinem Schüler Süssmayr und zwei weiteren nicht identifizierten Musikern anwesend waren. Die Nachrufe würdigten einhellig Mozarts Größe, die Freimaurer ließen am 10. eine prächtige Messe feiern und veröffentlichten die ihm zu Ehren gehaltene Lobrede, mehrere Konzerte wurden zu seinem Gedenken gegeben, einige davon zugunsten von Constanze. In Prag waren die Begräbnisehrungen noch größer als in Wien. Mozart hinterließ ein beträchtliches Erbe in Form von Manuskripten, Instrumenten und anderen Gegenständen, aber der finanzielle Wert war gering.

Bildung, Ideen und Persönlichkeit

Laut Steptoe müssen alle Überlegungen zu Mozarts Persönlichkeit und dem familiären Umfeld, in dem er aufwuchs, über die Analyse der Figur seines Vaters Leopold laufen. Seine Mutter, Anna Maria, blieb im Leben ihres Sohnes eine undurchsichtige, im Grunde zweitrangige Figur, aber Leopold übte einen Einfluss auf ihn aus, der bis zu seiner Reife anhielt. Er wurde in Augsburg geboren und zog nach Salzburg, um Philosophie und Jura zu studieren, schloss sein Studium aber nicht ab. Er wandte sich der Musik zu und trat eine Stelle als Violinist und Violinlehrer in der Kapelle des Fürsterzbischofs von Salzburg an, wobei er sich auch der Komposition widmete. Später stieg er zum stellvertretenden Kapellmeister auf und erlangte beträchtliche Berühmtheit mit der Abhandlung Versuch einer gründlichen Violinschule (1756), die mehrfach neu aufgelegt und übersetzt wurde und nach wie vor eines der Standardwerke seiner Gattung aus dem 18. Leopold war ein typischer Vertreter des Rationalismus seiner Zeit. Er besaß eine hohe Intelligenz, interessierte sich für die Künste und Wissenschaften, korrespondierte mit Literaten und Philosophen wie Wieland und Gellert und war mit den verschlungenen Wegen der höfischen Welt seiner Zeit vertraut.

Die musikalische Ausbildung, die Leopold, ein erstklassiger Lehrer, seinem Sohn angedeihen ließ, war in jeder Hinsicht vollständig, und die Musik war im Familienleben ständig präsent, sowohl durch die häuslichen Übungen als auch durch die zahlreichen gesellschaftlichen Aktivitäten, an denen die Familie teilnahm und die oft mit Musik verbunden waren. Der kleine Mozart erlernte ab seinem vierten Lebensjahr das Klavierspiel, mit fünf Jahren begann er auf der Violine und der Orgel und ging bereits zur Komposition über. Mozarts Ausbildung über die Musik hinaus ist nicht gut dokumentiert, aber anscheinend sorgte Leopold dafür, dass er Französisch, Italienisch, Latein und Arithmetik lernte. Die internationalen Reisen dienten nicht nur dem finanziellen Gewinn und dem Streben nach Ruhm, sondern auch dazu, Mozart einer Vielzahl von Stilen auszusetzen, seinen Geschmack zu formen und neue Techniken zu erlernen. Leopold kümmerte sich auch um die Einstellung von Lehrern für diese Reisen, um jeden Aspekt, der notwendig erschien, zu ergänzen. In London suchte er den Kastraten Giovanni Manzuoli auf, um dem Jungen Gesangsunterricht zu geben, und in Bologna brachte er ihn zu Pater Martini, um Kontrapunktunterricht zu erhalten und Partituren zu erwerben, die in Salzburg schwer zu finden waren. Das Reisen diente auch der Erweiterung des kulturellen Horizonts, und wann immer es möglich war, besuchte Mozart das Theater und las ausländische Literatur. Darüber hinaus waren Erholung im Freien, soziale Interaktion und Bewegung ein integraler Bestandteil von Leopolds erzieherischen und hygienischen Werten, so dass das Bild von Mozart als einem einsamen Kind in einer Welt von Erwachsenen, eingeschlossen zwischen vier Wänden, ein Mythos ist.

Während der Wanderjahre nahm Leopold eine zentrale Stellung im Leben seines Sohnes ein: Er war sein Sekretär, Lehrer, Mitarbeiter, Manager, PR-Mann und sein größter Förderer. Er plante akribisch die Reiserouten, nutzte jeden Kontakt zu seinem Vorteil und organisierte alle Auftritte seines Sohnes, einschließlich der sensationellen Verbreitung seines Genies. Leopold übte starken Druck auf Mozart aus, um ihm Verantwortungsbewusstsein und Professionalität zu vermitteln, und war lange Zeit sein größter ästhetischer Berater. Die Art und die positiven oder negativen Auswirkungen dieser dominierenden Präsenz auf Mozart sind unter den Kritikern viel diskutiert worden, aber es scheint sicher, dass, obwohl es eine echte und tiefe Zuneigung zwischen Vater und Sohn gab und Leopold sichtlich ein stolzer Vater war, als der Junge erwachsen wurde, die väterliche kontrollierende Natur und seine Tendenz zu Sarkasmus und zur Manipulation von Gefühlen, um den Sohn dazu zu bringen, sich seinen Ideen zu beugen, eine Quelle wachsender Spannungen zwischen ihnen zu sein begann. Im Laufe der Jahre lernte Mozart, die häufigen Vorwürfe seines Vaters über sein Verhalten und seine Entscheidungen zu ignorieren, aber es sind Briefe von Leopold überliefert, in denen seine ohnmächtige Wut und Enttäuschung deutlich werden, und Briefe von Mozart, in denen er zwischen Schuldgefühlen und Ungeduld darum ringt, sich zu rechtfertigen und ihm zu versichern, dass er wusste, was er tat. Nach Mozarts Umzug nach Wien trafen sie sich nur zweimal. Einmal, als Leopold Constanze in Salzburg vorgestellt wurde, und das zweite Mal, als er sie 1785 in Wien besuchte. Er scheint zufrieden gewesen zu sein, da er den beruflichen Erfolg und das Ansehen seines Sohnes miterlebte und sah, dass dieser in einer komfortablen Situation lebte.

Der Vater scheint auch für einige der religiösen, sozialen und politischen Ideen seines Sohnes verantwortlich gewesen zu sein. Leopold, obwohl ein Mann von Welt, war zutiefst gläubig; auf einer seiner Reisen unterbrach er die Reiseroute, um einen Abtrünnigen zur Rückkehr zum Katholizismus zu bewegen, war ein eifriger Sammler von Heiligenreliquien und brachte in mehreren Briefen seine Sorge um das Seelenheil Mozarts zum Ausdruck. Er stand jedoch mit Aufklärern und anderen Antiklerikalen in Verbindung und brachte bei mehreren Gelegenheiten seine Verachtung für die verdorbenen Werte der Kirchenfürsten zum Ausdruck. Andererseits empfahl er seinem Sohn, sich an die hohen Hierarchen zu wenden und sich von seinen Musikerkollegen fernzuhalten, wobei er mehr Wert auf persönliche Verdienste als auf Adelstitel legte. Mozart schloss sich in gewisser Weise all diesen Überzeugungen und Meinungen an, wie seine Korrespondenz beweist. Er verurteilte die Atheisten – Voltaire nannte er einen „gottlosen Erzpatrioten“ – und erwähnte Gott bei vielen Gelegenheiten andächtig. Er besaß eine große Sensibilität für soziale Ungleichheiten und einen ausgeprägten Sinn für Selbstliebe. Ein Brief, den er nach der Konfrontation mit seinem Gönner Colloredo schrieb, ist in dieser Hinsicht bezeichnend. Darin sagt er: „Das Herz nobilitiert den Menschen, und wenn ich auch kein Graf bin, so habe ich doch mehr Ehre in mir als viele Grafen; und ob Lakai oder Graf, wenn er mich beleidigt, ist er ein Schurke“. Seine engste Verbindung zur Politik zeigte sich darin, dass er zusammen mit seinem Vater der Freimaurerei beitrat, einer Organisation, die sich damals offen für die gesetzliche Systematisierung der menschlichen Grundprinzipien, die Bildung, die Freiheit der politischen und religiösen Meinungsäußerung und den Zugang zum Wissen einsetzte, um, wie es damals hieß, eine „aufgeklärte Gesellschaft“ zu schaffen.

In anderen Punkten hatte er ganz andere Gedanken als sein Vater. Nur ein Vierzehnjähriger konnte in einem Brief an seine Schwester Leopold deren Ansichten zur Ästhetik ironisieren, die sich an den Vorbildern von Gellert und Wieland orientierten und der Kunst eine moralisierende und edle soziale Funktion innerhalb eines strengen und tugendhaften Ausdrucks zuweisen wollten. Diese Ansichten erschienen ihm bereits überholt, und in einem Brief an seinen Vater um 1780 verteidigte er die Gültigkeit der Opera buffa und lehnte ihre Anpassung an das Diktat der Opera seria ab. Auch eine Liebe zu anderen Künsten als der Musik ist in seiner Korrespondenz nicht zu erkennen – sie wurden nicht einmal erwähnt, und sein Inventar enthielt kein einziges Gemälde -, und er fühlte sich auch nicht besonders zur Naturlandschaft hingezogen. Er scheint kein großer Leser gewesen zu sein, aber er war bis zu einem gewissen Grad mit Shakespeare, Ovid, Fénelon, Metastasio und Wieland vertraut und las wahrscheinlich Werke über Geschichte, Bildung und Politik, aber ein Großteil dieser Lektüre diente offenbar in erster Linie dazu, Texte für Opern oder Lieder zu schreiben. Es sind jedoch Entwürfe für zwei seiner Prosakomödien und einige Gedichte überliefert, und er war ein großer Briefschreiber, dessen Inhalt eine große Vielfalt an Gefühlen und Ideen vermittelt, die in einer tiefgründigen und überschwänglichen Art und Weise dargeboten werden, die sich in ihrer literarischen Qualität mit der Korrespondenz der bedeutendsten Schriftsteller seiner Zeit messen kann.

Nachdem er die prägenden Jahre seiner Persönlichkeit stets auf anstrengenden Reisen verbracht hatte, von seinem Vater und der Öffentlichkeit, die von einem Wunderkind immer neue Leistungen verlangte, auf verschiedene Weise unter Druck gesetzt worden war und keine normale Ausbildung erhalten hatte, entwickelte sich Mozart überraschenderweise zu einem reifen Mann ohne ernsthafte psychische Probleme, aber sein Übergang in ein autonomes Leben war nicht ohne negative Auswirkungen, ein Phänomen, das auch bei anderen Wunderkindern zu beobachten ist. Als Junge gewann er durch seine Lebhaftigkeit und Spontaneität sowie sein unbestreitbares und erstaunliches Talent das Wohlwollen und die Zuneigung des Hochadels und konnte eine Intimität mit ihnen pflegen, die in keinem Verhältnis zu seiner unbedeutenden bürgerlichen Herkunft stand. Als er erwachsen wurde, verschwand die Anziehungskraft des kindlichen Genies, er wurde nur noch einer unter Tausenden von begabten Musikern, die in Europa tätig waren – obwohl er hochbegabt war -, und auch die Möglichkeiten, in alle gesellschaftlichen Bereiche einzudringen, die er zuvor gekannt hatte, verschwanden. Sein früher Erfolg hatte in ihm einen beträchtlichen Stolz auf seine Leistungen und eine daraus resultierende Verachtung für Mittelmäßigkeit entwickelt, aber als er seiner früheren Privilegien beraubt wurde und begann, Leopold als Organisator seines Lebens abzulehnen – eine Rolle, die sein Vater zuvor so gut ausgeübt hatte – Da er gezwungen war, seinen Lebensunterhalt zunächst als untergeordneter Hofmusiker zu verdienen und sich dann in ein unsicheres Leben als unabhängiger Musiker zu stürzen, fiel es ihm schwer, seinen häuslichen Alltag in Ordnung zu halten, sein Budget auszugleichen, sich an den Markt anzupassen und diplomatisch und gleichberechtigt mit seinesgleichen umzugehen. Ein Brief, den sein alter Freund, Baron von Grimm, aus Paris an seinen Vater schrieb, bringt die Meinung seiner Zeitgenossen über ihn weitgehend zum Ausdruck:

Auch Mozarts notorisch grober Sinn für Humor, den er mit der ganzen Familie, einschließlich seiner Mutter, teilte, hat für viel Aufsehen gesorgt. Anzügliche Witze, die sexuelle Situationen und wörtliche Beschreibungen der Ausscheidungsvorgänge des Körpers beinhalten, waren zwischen ihnen üblich, seine Korrespondenz ist voll davon, und Mozarts scherzhaftes Interesse am Anus und der Defäkation blieb sein ganzes Leben lang bestehen. Ein solches Verhalten schockierte die Gewohnheiten der eleganten Kreise, in denen er verkehrte, beeinträchtigte jedoch nicht die Anerkennung und Wertschätzung seines feinen musikalischen Talents. Diese Art von Humor schwappte jedoch manchmal in seine Musik über. Als Beispiel kann man den Kanon Leck mich im Arsch anführen, der wörtlich übersetzt Küss meinen Hintern bedeutet. Diese Polarität des Temperaments zeigte sich auch auf andere Weise. Es wird von häufigen plötzlichen Stimmungsschwankungen berichtet, die in einem Moment von einer erhabenen Idee beherrscht werden, im nächsten sich in Spott und Hohn ergehen und dann wieder düstere Gefühle hegen. Im Gegensatz zu diesen Schwankungen blieb sein Vertrauen in seine eigenen musikalischen Fähigkeiten stets unerschüttert und frohlockend, und es gibt nirgendwo in seiner Korrespondenz oder in den Erinnerungen seiner Zeitgenossen eine Spur, die ihm in dieser Hinsicht Zweifel oder Unsicherheit unterstellt. Im Allgemeinen war er jedoch gut gelaunt. Wenn er kompositorisch tätig war, schienen ihn die äußeren Umstände nicht zu beeinflussen. So arbeitete er beispielsweise an seinem Streichquartett KV 421, während seine Frau im Nebenzimmer das erste Kind des Paares zur Welt brachte; im Sommer 1788 komponierte er inmitten des Todes der kleinen Tochter Theresia und kritischer finanzieller Schwierigkeiten, die sie dazu veranlassten, in ein billiges Haus zu ziehen, nicht weniger als seine letzten drei Sinfonien, Werke von großer Bedeutung, sowie ein Trio, eine Sonate und andere bemerkenswerte Stücke. Das bedeutet jedoch nicht, dass sein musikalisches und sein persönliches Leben voneinander getrennt waren, und bei mehreren Gelegenheiten spiegelten sich sein Gesundheitszustand und insbesondere die Beziehung zu seiner Frau, die einen Großteil seiner erwachsenen Persönlichkeit prägte, in seinem Werk wider.

Beziehungen

Constanze wurde im Laufe der Zeit den unterschiedlichsten Bewertungen unterworfen, aber in den meisten wurde sie als ungebildet, vulgär, kapriziös, durchtrieben dargestellt, weil sie Mozart in eine Ehe verwickelte, die er, wie es scheint, gar nicht so sehr herbeiführen wollte, und als unfähig, ihn zu unterstützen und bei der Haushaltsführung zu helfen, was ihn zu einem sorglosen und unverantwortlichen Leben verleitete, das sie mehrmals in ernste finanzielle Schwierigkeiten brachte. Es wurde auch behauptet, dass sie ihm untreu war, obwohl es dafür keine Beweise gibt. Sicher scheint zu sein, dass sie, unabhängig davon, ob sie die ihr zugeschriebenen Fehler hatte oder nicht, bis zu seinem Tod die wichtigste emotionale Stütze ihres Mannes war, das Objekt seiner wahren Leidenschaft und ihn glücklich machte. In den Briefen Mozarts, die während der verschiedenen Abwesenheiten von Constanze zur Kur geschrieben wurden, kommt die ständige Sorge um ihr Wohlergehen zum Ausdruck, und es wird die Eifersucht deutlich, die er ihr gegenüber empfand, indem er ihr tausend Empfehlungen für ein anständiges Verhalten in der Öffentlichkeit gab. Und ihre angebliche Unfähigkeit als Hausfrau lässt sich nur schwer mit der geschickten Verwaltung des Erbes und des Namens ihres Mannes vereinbaren, die sie nach ihrer Verwitwung durchführte.

Mozart wurden in seiner Jugend mehrere Liebschaften nachgesagt, aber das Ausmaß ihrer Beteiligung ist ungewiss. Zu ihnen gehörten seine Cousine Anna Thekla, mit der er möglicherweise seine ersten sexuellen Erfahrungen machte, Lisel Cannabich, Aloysia Weber und die Baronin von Waldstätten. Auch nach der Heirat mag er weiterhin anderen Frauen den Hof gemacht haben, darunter den Sängerinnen Nancy Storace, Barbara Gerl, Anna Gottlieb und Josepha Duschek, seiner Schülerin Theresia von Trattner und Maria Pokorny Hofdemel, doch gibt es keine Hinweise darauf, dass er Constanze konkret untreu war. Nach seinem Tod kam das Gerücht auf, er habe Maria Hofdemel geschwängert.

Mozart hatte in seiner Laufbahn viele Gönner, und einige von ihnen pflegten eine echte Freundschaft zu ihm. Seine erste Beschützerin bei seiner Ankunft in Wien war die Gräfin Thun, in deren Haus er fleißig verkehrte. Weitere Freunde aus dem Adel waren Karl Lichnowsky, August von Hatzfeld, Gottfried von Jacquin und vor allem Baron Gottfried van Swieten, der vielleicht der treueste von allen war und der möglicherweise das Werk seines Freundes beeinflusste, indem er in ihm das Interesse an der Fuge weckte. Unter den Komponisten und anderen Fachleuten der Kunstwelt entwickelte sich eine intime, wenn auch manchmal flüchtige Freundschaft mit Johann Christian Bach, Thomas Linley, Christian Cannabich, Ignaz Holzbauer, Michael Puchberg, der ihm in verschiedenen finanziellen Krisen zu Hilfe kam, den Schauspielern Joseph Lange, Gottlieb Stephanie und Friedrich Schröder, den Instrumentalisten Anton Stadler und Joseph Leutgeb und den Mitgliedern der Theatertruppe von Emanuel Schikaneder, darunter auch er selbst. Mit Joseph Haydn verband ihn eine intensive Freundschaft, auch wenn sie nicht regelmäßig zusammenlebten. Sie entwickelten jedoch eine tiefe Bewunderung füreinander, und Mozarts Werk zeigt den Einfluss des älteren Komponisten. Sein ambivalentes Verhältnis zu Antonio Salieri wurde zu einem weiteren Zankapfel für die Kritiker, und um ihn rankten sich zahlreiche Legenden, darunter eine, die ihn als Mozarts Mörder beschuldigte. Möglicherweise beneidete Mozart den Kaiser um seine hohe Stellung und war ihm gegenüber zunächst misstrauisch, weil er vermutete, er wolle ihm mit Intrigen schaden. Später knüpfte er ein freundschaftliches Verhältnis zu seinem Konkurrenten, lud ihn zu einem Rezitativ der Zauberflöte ein und freute sich über die Komplimente, die Salieri ihm machte. Salieri zeigte auch seine Ehrerbietung, als er bei der musikalischen Gestaltung der Krönung Leopolds II. in Prag Werke von Mozart einbezog. Die von Salieris Freunden hinterlassenen Berichte besagen, dass er in seinem hohen Alter gestanden hätte, Mozart vergiftet zu haben, aber zu diesem Zeitpunkt hatte er bereits einen Selbstmordversuch unternommen und sich in einen wahnhaften Geisteszustand begeben, und heute halten Kritiker diesen Verdacht für unbegründet.

Erscheinungsbild und Ikonographie

Er war kleinwüchsig, dünn und blass, die Pocken hatten Spuren in seinem Gesicht hinterlassen, und Nannerl sagte, er habe keine körperliche Attraktivität, ein Umstand, dessen er sich bewusst war. Hummel und andere erinnerten sich jedoch an seine großen, strahlend blauen Augen, und der Tenor Michael Kelly, dass er eitel auf sein helles, dünnes, blondes Haar war. Sein linkes Ohr war deformiert und er versteckte es unter seinem Haar. Auch seine Finger waren verformt, aber das könnte auf das ständige Üben an der Tastatur zurückzuführen sein. In späteren Jahren bekam er eine Wange und seine Nase wurde markant, was zu Witzen in den Zeitungen Anlass gab. Auch wenn diese Beschreibungen übertrieben sein mögen, so wurde doch mehrfach sein Bestreben dokumentiert, seinen Mangel an körperlicher Schönheit durch Eleganz in seiner Kleidung, seinen Schuhen und seiner Frisur und sogar in seiner Unterwäsche zu kompensieren.

Mozart wurde zu seinen Lebzeiten mehrfach porträtiert. Es bleiben etwa vierzehn Porträts, die als authentisch gelten, und mehr als sechzig, deren Identifizierung zweifelhaft ist. Von den beglaubigten Gemälden stammen die meisten von Malern mit geringem Verdienst, aber wichtige Bilder sind das von Barbara Kraft, das posthum nach früheren Quellen gemalt wurde und laut Landon vielleicht seiner wirklichen Physiognomie am nächsten kommt, und das von seinem Schwager Joseph Lange, das sehr poetisch ist, aber unvollendet blieb. Erwähnenswert sind auch eine Lithographie von Lange, die möglicherweise nach einem verlorenen Gemälde angefertigt wurde, die Silberstiftzeichnung von Dora Stock, das Familienporträt von Johann Nepomuk della Croce und die Kinderporträts von Saverio dalla Rosa und Pietro Lorenzoni. Als Mozart starb, wurde eine Wachsmaske von seinem Gesicht angefertigt, die leider verloren gegangen ist. Im Laufe des 19. Jahrhunderts wurden zahlreiche weitere Porträts angefertigt, die jedoch eher romantische Nachbildungen sind, die die Vorstellungen des damaligen Bürgertums widerspiegeln, als die wahren Züge des Komponisten.

Hintergrund

Nach einem von der Ästhetik des Rokoko geprägten Anfang entwickelte Mozart den größten Teil seiner Karriere in der Periode der Musikgeschichte, die als Klassizismus bekannt ist und wegen ihrer Ausgewogenheit und formalen Vollkommenheit so genannt wird. Die Bewegung hatte Parallelen in den anderen Künsten unter dem Namen Neoklassizismus, der aus einem erneuten Interesse an der Kunst der klassischen Antike entstand, inmitten bedeutender archäologischer Entdeckungen auftrat und als einen seiner wichtigsten intellektuellen Mentoren den Deutschen Johann Joachim Winckelmann hatte. Der Neoklassizismus verdankt seine Entstehung auch dem Einfluss der Ideale der Aufklärung, die sich auf den Rationalismus stützten, Aberglauben und religiöse Dogmen bekämpften und die persönliche Verbesserung und den sozialen Fortschritt in einem starken ethischen Rahmen betonten. Im Gegensatz zu den anderen Künsten, die keine Kenntnis von musikalischen Relikten aus der Antike hatten, war der musikalische Klassizismus weitgehend eine kontinuierliche Entwicklung ohne scharfe Brüche aus den Wurzeln des Barock und des Rokoko. Gluck versuchte, dem Chor in der Oper eine Bedeutung zu geben, die derjenigen in der klassischen Tragödie entsprach, aber die wichtigsten musikalischen Gattungen, die im Klassizismus konsolidiert wurden, die Sinfonie, die Sonate und das Streichquartett, hatten Vorläufer im frühen 18. Zusammen mit Haydn war es Mozart, der sie auf ein hohes Niveau von Exzellenz und Beständigkeit brachte. Obwohl die ersten Komponisten dieser Gattungen immer Namen aus der zweiten oder dritten Reihe waren, wäre Mozarts Instrumentalmusik ohne sie nicht denkbar gewesen.

Salzburg, das auf eine alte Musiktradition zurückblicken konnte, war zur Zeit von Mozarts Geburt zu einem Zentrum von einiger Bedeutung in der österreichischen Musikwelt geworden, das im 18. Jahrhundert mit bedeutenden Namen wie Muffat und Caldara aufwartete. Zur Zeit von Mozarts Geburt gehörte sein Vater Leopold zu den führenden Vertretern einer lokalen Schule, die germanische Züge angenommen hatte und den Einfluss der zuvor vorherrschenden französischen und italienischen Stile verdrängte. In dieser Zeit entwickelte sich ein reiches Musikleben; die Hofkapelle und der Chor erlangten über die lokalen Grenzen hinaus Berühmtheit und zogen namhafte Instrumentalisten und Sänger an; mehrere wohlhabende bürgerliche Familien begannen, eigene Gruppen zu gründen, von denen einige in Qualität und Größe mit denen des Hofes konkurrieren konnten. Als Colloredo jedoch den Thron des Fürstentums bestieg, verordnete er, obwohl er selbst ein Musikliebhaber und Geiger war, eine erhebliche Reduzierung der Zahl seiner Musiker und lehnte das Ritual der religiösen Verehrung ab, indem er sich der Philosophie von Kaiser Joseph II. anschloss. Mit dieser gravierenden Einschränkung wurden Mozarts berufliche Zukunftschancen in der Stadt geschmälert.

Wien wiederum war als Reichshauptstadt ein viel wichtigeres musikalisches Zentrum. Trotz der Beschränkungen für die Kirchenmusik hatte die Hofkapelle ein hohes Niveau, und profane Musik wurde in Opernhäusern, öffentlichen Konzerten und bei den Soireen zahlreicher Familien, die private Orchester und Kammermusikgruppen unterhielten, in großer Zahl produziert. Einige von ihnen besaßen in ihren Palästen kleine Theater und konnten sogar die Voraussetzungen für Kammermusikaufführungen von Opern schaffen. Darüber hinaus gab es in der Stadt Musikverlage, zahlreiche Kopisten und renommierte Instrumentenbauer sowie einen regen Verkehr ausländischer Gastmusiker, die neue Ideen und Kompositionen verbreiteten. Mit den Auftritten von Haydn, Mozart und bald darauf auch Beethoven wurde es zu einer der größten musikalischen Referenzen in ganz Europa.

Übersicht

Wie alle klassischen Komponisten wählte Mozart die Sonatenform als Grundstruktur für die meisten der wichtigsten Sätze seiner Kompositionen. Diese Form hat ihren Ursprung in den zweistimmigen Strukturen von Domenico Scarlatti, die von Carl Philipp Emanuel Bach weiterentwickelt und von Joseph Haydn konsolidiert wurden, der sie in eine symmetrische Struktur umwandelte, die in drei klar definierte und kontrastierende Abschnitte unterteilt ist: eine Exposition, in der zwei verschiedene Themen vorgestellt werden, das erste in der Tonika des Stücks und das zweite in der Dominante; eine Durchführung, in der die beiden Themen auf verschiedene Weise erforscht und kombiniert werden, und eine Reprise, in der das Material der Exposition in Form eines Schlusses aufgegriffen wird. Die klassischen Komponisten brachten nicht nur die Sonatenform zur Perfektion, sondern trugen auch zur Vervollkommnung der mehrsätzigen Sonate bei, die im Allgemeinen aus vier Sätzen besteht: dem ersten schnellen Satz in Sonatenform, gefolgt von einem langsamen Satz, einem Adagio oder Andante, der einen liedhaften Charakter hat. Es folgte ein Menuett, ein leichtes, aus der Tanzmusik abgeleitetes Stück, und die Struktur endete mit einem Rondo oder Variationen, ebenfalls in schneller Bewegung. Die Formen der Sonatenform und der Sonate wurden in allen Gattungen der Komposition verwendet, von der geistlichen bis zur weltlichen Musik, in der Instrumental- oder Vokalmusik, in der Musik für Solisten oder für Gruppen.

Mozarts Musik ist im Wesentlichen homophon, d.h. eine melodische Linie, die von einer vertikalen Harmonie getragen wird, mit einem sparsamen Einsatz von Modulationen und Dissonanzen, die an strategischen Punkten platziert und bald aufgelöst werden. Seine stets klare Harmonik ist äußerst reich an Feinheiten und originellen Lösungen, und sein Einsatz von Dissonanzen, motivischer Gestaltung und Dynamik dient eminenten Ausdruckszwecken. Seine Rhythmen sind lebendig und sein Verständnis für die texturellen Möglichkeiten der Instrumente ist immens. Gleichzeitig nutzte er reichlich polyphone Mittel, darunter auch das strengste von ihnen, die Fuge, vor allem in seinen Messen. Seine Verwendung der Fuge kann jedoch je nach den Merkmalen der Themen zu formalen Freiheiten führen. Fugen mit langen Themen weisen eher traditionelle Merkmale auf, während Fugen mit kurzen Themen experimenteller sind und ihr melodisches Profil besser in die klassische Ästhetik passt. Sie erstrecken sich selten über einen ganzen Satz, sondern sind in den Schlussabschnitten üblich, ein Verfahren, das als rhetorische Betonung des musikalischen Diskurses verstanden wird. In der Instrumentalmusik sind strenge Fugen selten, und mehrstimmige Elemente werden als Episoden im Rahmen der Sonatenform strukturiert. Mozart studierte mit Interesse Bachs Fugen und komponierte mehrere davon. Er kam auch mit Händels Musik in Berührung, die ebenfalls reich an Polyphonie war und einen wichtigen Einfluss auf ihn ausübte.

Es ist bekannt, dass Mozart den kompositorischen Prozess als eine bewusste Tätigkeit verstand, die mit einem bestimmten Ziel und nach einem bestimmten Bedürfnis durchgeführt werden musste. Tagträume, die auf Inspiration warten, oder ein Verständnis von Inspiration als einer äußeren Kraft hatten keinen Platz in seiner Methode. Dies schloss jedoch weder die Phantasie aus, noch verhinderte es, dass seine Gefühle einen Einfluss auf sein Werk ausübten. Seine Zeitgenossen kannten seine kompositorischen Verfahren nicht, sie wussten nur, dass er viel und schnell komponierte. Aus seinen großen Fähigkeiten als Improvisator und einigen spärlichen Äußerungen, die er selbst gemacht hat, ist jedoch eine Folklore entstanden, dass er instinktiv schrieb, oder dass ihm die Lieder fertig in den Sinn kamen und er sie dann einfach mechanisch in die Partitur transkribierte, ohne die Notwendigkeit von Korrekturen, oder dass er ohne jegliche Hilfe von Instrumenten komponierte, aber diese Wahrnehmung, konfrontiert mit einer großen Menge anderer gegenteiliger Beweise, überlebt weitgehend nicht. Sicher ist hingegen, dass er über ein hervorragendes Gedächtnis und intellektuelle Fähigkeiten verfügte. In einem Brief gab er an, dass er eine Komposition im Geiste ausarbeitete, während er eine andere fertig auf Papier schrieb, in anderen berichtete er von langen Meditationen, in denen er Werke plante, und von seinen beträchtlichen Anstrengungen, bis sie zustande kamen. In einem Brief an seinen Vater heißt es, dass er den ganzen Tag über Musik nachdachte und es genoss, zu experimentieren, zu studieren und zu reflektieren, und dass sein Bewusstsein in Bezug auf Musik sehr aktiv war. Aus den Analysen der Manuskripte und seinen Aufzeichnungen geht hervor, dass er in der Regel wie folgt vorging: Zuerst hatte er eine Idee und definierte sie mit Hilfe seiner Fantasie, dann probierte er sie auf dem Klavier aus – er sagte, dass er ohne Klavier nicht oder nur schwer komponieren konnte. In der nächsten Phase verglich er seine Idee mit Modellen anderer Komponisten und brachte eine erste Skizze zu Papier, oft kryptisch, damit niemand verstand, was er vorhatte. Es folgten weitere, vollständigere Skizzen, in denen die harmonische Progression der Struktur und die wichtigsten melodischen Linien sowie die Basslinie, auf der der Rest aufbaut, skizziert wurden. Ich notierte mir untergeordnete Themen für die spätere Verwendung, und von da an nahm das Werk seine endgültige Form an. Die letzte Phase bestand in der Orchestrierung, die die endgültige Klangfülle des Stücks definierte.

Im Gegensatz zu den Legenden, die Mozart als angeborenes Wunderkind beschreiben, war sein umfangreiches Wissen über die europäische Musikkultur seiner Zeit und der vorangegangenen Epochen entscheidend für die Herausbildung seines persönlichen Stils. Seine Vorliebe für subtile und zarte Nuancen, sein geschickter Einsatz des Tonspektrums, um der Harmonie reichere Farben zu verleihen, und die Flexibilität seines Stils verhinderten, dass seine starke lyrische Ader in die Exzesse der Romantik abdriftete. Selbst bei Gelegenheiten, bei denen er die Tragik der menschlichen Existenz zum Ausdruck bringt, mildert er die Dramatik, indem er auf jede Affektiertheit verzichtet. Er pflegt die für den Klassizismus charakteristische Ausgewogenheit, den Charme und die Anmut, doch sein Werk ist von großer Lebendigkeit, Ausdruckskraft und Stärke, wobei er seine Ideen stets klar und direkt präsentiert. Sein Schaffen ist gewaltig, vielfältig und kann hier nur kurz in seinen Hauptgattungen angesprochen werden. Es umfasst etwa zwanzig Opern, siebzehn Messen, ein Requiem, 29 Klavierkonzerte, mehrere Konzerte für verschiedene Instrumente, 27 Quartette und sechs Streichquintette, 41 Sinfonien und eine große Anzahl kleinerer Kompositionen in verschiedenen Besetzungen. Der Köchel-Katalog listet 630 Werke aus seiner Feder auf, aber gelegentlich wurden weitere wiederentdeckt.

Opern

Zu seinen wichtigsten Kompositionen gehören seine Opern, die Elemente aus ganz unterschiedlichen Traditionen vereinen: dem deutschen Singspiel und der italienischen Opera seria und Opera buffa. Man darf diese Kategorien jedoch nicht zu wörtlich nehmen, und es gibt viele Werke, die gemeinsame Merkmale aufweisen. Sogar einige seiner opere buffe enthalten dramatische Elemente von großem Gewicht in der Handlung und im Charakter der Musik, so dass er zum Beispiel Don Giovanni als „scherzhaftes Drama“ bezeichnet. Seine frühen Schöpfungen in diesem Genre zeichnen sich dadurch aus, dass sie das Werk eines Kindes sind. Obwohl sie technisch korrekt sind, verfügen sie weder über größere dramatische Qualitäten noch über eine sehr reiche oder komplexe musikalische Architektur. Sein bester Moment in der Kindheitsphase ist Lucio Silla, komponiert im Alter von sechzehn Jahren, wo eine effektivere dramatische Kohärenz zwischen den Nummern skizziert wird, von besonderem Interesse ist das Ende des ersten Aktes, wo es ihm gelingt, eine düstere Atmosphäre von großem Interesse zu schaffen. Im Großen und Ganzen folgt das Werk jedoch strikt den Konventionen der Opera seria und konzentriert seine Kräfte auf Bravour-Arien zur Darstellung reiner vokaler Virtuosität. Schon in Idomeneo, dem ersten seiner großen opere serie, ist sein Ansatz ein ganz anderer. Er ist bereits bestrebt, seine Mittel bewusst und zielgerichtet zu beherrschen, und zeigt ein beachtliches Verständnis für die Konventionen des Theaters und die Möglichkeiten, die beste dramatische Wirkung zu erzielen. Er vermied Kadenzen mit starkem Schlusscharakter am Ende jeder Nummer, um die Integration zwischen ihnen natürlicher und kontinuierlicher zu gestalten, eliminierte den Dekorativismus der italienischen Tradition des Belcanto und schrieb mit einfachen Mitteln eine nüchterne und ausdrucksstarke Musik, die er mit großer pathetischer und lyrischer Intensität versah.

Die Entführung des Schlossers ist ein Schritt nach vorn, auch wenn das Werk nicht den dramatischen Anspruch von Idomeneo hat. Die zahlreichen Bravourarien sind musikalisch viel heller und reicher als in seinen früheren Werken, aber das Endergebnis ist eine verwirrende Mischung aus Opera seria und Opera buffa, in der die Integration der beiden Welten unzusammenhängend und inkonsequent ist. Ein Gleichgewicht wurde erst später in der Entwicklung seines musikalischen Denkens und seines Verständnisses des Charakters und der Psychologie der Figuren erreicht, was zu den drei Opern führte, die er auf Libretti von Lorenzo da Ponte schrieb, Die Hochzeit des Figaro, Don Giovanni und Così fan tutte, in der letzten Phase seiner Karriere. In allen Werken werden die bürgerlichen oder komischen Charaktere musikalisch und charakterologisch gleichwertig mit den heroischen und adligen Charakteren behandelt. Tatsächlich hat Mozart die Konventionen der Gattung nicht verändert, sondern sie übernommen und mit einer bis dahin nicht gekannten Klangkraft, dramatischen Spannweite und psychologischen Durchdringung versehen, zusammen mit der Schaffung eleganter Klangarchitekturen, einer transparenten und subtil gefärbten Harmonik, einer klaren und stimmungsvollen Orchestrierung und einer melodischen Inspiration voller Frische und Lebendigkeit. Nach Hindley verleihen diese Eigenschaften den Werken ihre phantastische Atmosphäre, ihre exakte Ausgewogenheit und ihre tiefe menschliche Bedeutung.

Seine beiden letzten Opern, Die Zauberflöte und Die Milde des Titus, die ebenfalls von großem Wert sind, hinterlassen bei den Kritikern faszinierende offene Fragen, die darüber spekulieren, wohin die von ihnen eingeführten Neuerungen ihn hätten führen können, wenn er länger gelebt hätte. Die Zauberflöte ist das beste Beispiel für Mozarts Interesse, eine germanische Nationaloper in Form und Ausdruck zu schaffen, indem er Deutsch als Sprache des Librettos verwendet und eine erweiterte Konzeption der Singspielform verwirklicht. Das Thema ist esoterisch und teilweise archäologisch und könnte von freimaurerischen Lehren beeinflusst sein. Es handelt kurz gesagt vom Sieg des Lichts über die Dunkelheit; das Protagonistenpaar durchläuft einen Initiationsritus, und das Ende ist eine Allegorie auf die Hochzeit von Weisheit und Schönheit, aber das Werk enthält auch wichtige Elemente von Märchen und Pantomime. Technisch gesehen dient die Komposition von Bravery nicht exhibitionistischen, sondern dramatischen Zwecken und ist recht sparsam; an mehreren Stellen wird der Versuch deutlich, die Handlung mehr auf die Mittel der Stimme als auf die Choreographie der Figuren zu stützen, mit innovativen deklamatorischen Passagen von starker dramatischer Qualität und harmonischer Kohärenz, die unvorhergesehene und ungewöhnliche Mutationen in der allgemeinen Struktur des Werks auslösen. Was Titus betrifft, so handelt es sich um eine reine Opera seria ohne komische Einlagen, ein politisches Drama, das den Adel und die Großzügigkeit des Protagonisten, des Kaisers – eine Allegorie auf Leopold II – vor dem Hintergrund von Intrigen, Verrat, Leidenschaft, Eifersucht, Feigheit und bürgerlichen Unruhen preist. Sie wurde in aller Eile komponiert, stellt aber eine späte und edle Beschwörung einer bereits aussterbenden Gattung dar, die zum Teil den Einfluss von Glucks Erneuerung der Opera seria aufnimmt und der Musik mit kluger Sparsamkeit der Mittel, großer Ausdruckskraft und einer in die Zukunft weisenden Instrumentierung die Atmosphäre einer echten klassischen Tragödie verleiht. Viele Autoren hielten sie damals für die Summe von Mozarts Leistungen in der Opera seria.

Interessant ist, dass er die Behandlung der Arien in seinen Opern an die Bedürfnisse und Fähigkeiten der einzelnen Sänger anpasste, die ihm zur Verfügung standen. Auch die literarische Form des Librettos gab ihm Anregungen für die Gestaltung des musikalischen Inhalts. Im sehr konventionellen Kontext der Opera seria ist die Arie eines der wichtigsten Elemente, denn in ihr wird der größte Teil des musikalischen Materials der gesamten Komposition dargeboten, während die Rezitative und Chöre einen weitaus geringeren Anteil ausmachen. Bei der Arie geht es jedoch nicht um einen Fortschritt im Verlauf der Handlung, sondern um eine Nummer, in der die Handlung eingefroren wird, damit der Solist eine private Meditation über die vorangegangenen Ereignisse anstellen oder eine zukünftige Handlung planen kann. Die Bewegung des Dramas findet hauptsächlich in den dialogischen Rezitativen statt, wo die Figuren interagieren und die Handlung vorantreiben können. Als statische Szene mit symmetrischem Aufbau steht die Arie im Grunde im Widerspruch zur natürlichen Entwicklung eines sich immer weiter ausbreitenden Dramas, und die Strenge der Symmetrie verhindert die freie Entfaltung der Charakterisierung. Daher muss der Komponist das Stück mit anderen Mitteln dramatisch interessant gestalten, insbesondere durch die Anhäufung und Strukturierung rein musikalischer Elemente. Mozart ging mit diesen Konventionen um, indem er sein Material in einer neuen Hierarchie der Proportionen, in einer kohärenteren und konsequenteren thematischen Abfolge organisierte und auch nach Libretti suchte, die eine dynamischere Dramaturgie boten. Auf diese Weise gelang es ihm, die der Arie innewohnende Rhetorik innerhalb des mehr oder weniger starren Rahmens der Oper definierter und funktionaler zu gestalten.

Konzerte

Nach Levin sind es nicht die Sinfonien, sondern die Opern und Konzerte, die die Entwicklung von Mozarts Orchesterkomposition in den Wiener Jahren am deutlichsten erkennen lassen, und beide weisen eine Reihe von technischen, expressiven und formalen Merkmalen in der Behandlung des Solistenparts im Verhältnis zum Orchester und in der Anpassung der Komposition an die Fähigkeiten der Interpreten auf, wie oben in Bezug auf die Opernarien beschrieben. Aber anders als eine theatralische dramatische Situation ist das Konzert nicht an ein Libretto oder an die kanonische Abfolge von Arie-Rezitativ-Rezitativ usw. gebunden, die für die Oper charakteristisch ist. Dies eröffnete dem Komponisten eine viel größere Freiheit in der Entwicklung der musikalischen Rhetorik, auch wenn ein Großteil dieser auf die Instrumente übertragenen Rhetorik denselben Gesetzen der Artikulation und Verständlichkeit unterworfen blieb, wie sich vor allem in den ersten Sätzen der Konzerte zeigt, die in der im Wesentlichen dialektischen Struktur der Sonatenform organisiert sind, in der alle Elemente dasselbe definierte rhetorische Ziel verfolgen und die Virtuosität mit den Erfordernissen des dramatischen Ausdrucks in Einklang gebracht wird. Dies ist ein Charakterzug, der sich in fast allen seinen Konzerten zeigt, insbesondere in den Konzerten seiner Reifezeit.

Die Anlehnung der Mozart-Konzerte an die Vokalsolomusik zeigt sich auch in vielen Details der langsamen Sätze, wie z.B. in den rezitativischen Passagen der Klavierkonzerte KV 466, KV 467, KV 595 und einigen anderen, in der Vielfalt der Orchesterbegleitung zum Solopart und in der Lebendigkeit, mit der das Orchesterensemble auf den Solisten reagiert und ihn zu einer Reaktion seinerseits provoziert. Ebenso passte er die Komposition der Soloinstrumente an die technischen Fähigkeiten ihrer Interpreten oder an die Möglichkeiten ihrer jeweiligen Instrumente an. So hat er beispielsweise im Konzert für Harfe und Flöte KV 299 die Basstöne re♭3 und C3 in die Flötenstimme aufgenommen, weil das Instrument des Ausführenden, des Grafen von Guines, eine Flöte mit einem Adapter besaß, der es ermöglichte, diese für Flöten im Allgemeinen unzugänglichen Töne zu spielen. Das Klarinettenkonzert KV 622 wurde speziell für Anton Stadler komponiert, dessen Instrument vier Halbtöne unter der üblichen Tessitura lag. Die für den Hornisten Joseph Leutgeb komponierten Konzerte zeugen vom allmählichen Verfall seines Könnens: Im ersten, K417 und K495, von 1783 bzw. 1786 enthalten sie die hohen Töne b4 und c5, aber im Konzert K447 von 1787 werden sie weggelassen, und in einem unvollendeten Entwurf eines anderen Konzerts von 1791 erscheint keine Note unter G3.

Mozart schuf seine frühen Konzerte, indem er den Solosonaten für Tasteninstrumente anderer Komponisten Orchesterstimmen hinzufügte, wobei er die Klavierstimme im Wesentlichen unverändert ließ, aber schon bald zeigte sich seine Fähigkeit, das thematische und strukturelle Material in der hinzugefügten Orchesterkomposition zusammenzufassen. Mozart übte die Konzertform bis etwa 1773 nur wenig, als seine fortgeschrittenen Opernversuche sein Interesse an der instrumentalen Rhetorik weckten und ihn darauf aufmerksam machten, dass die der Solokonzertform innewohnende Komplexität auf eine spezifische dramatische Situation hinauslaufen könnte. Seit seinem ersten Konzert mit Originalmaterial, dem Violinkonzert K207 von 1773, sind alle folgenden Konzerte stark individualisiert und weisen eine Fülle unterschiedlicher thematischer und struktureller Materialien auf. Im allgemeinen Modell des Expositionsteils der ersten Sätze seiner Konzerte tauchen etwa sieben verschiedene strukturelle Zellen auf, von denen sich einige jedoch von demselben Thema ableiten können. Mit dieser Fülle von Elementen und seiner Fähigkeit, sie zu integrieren, vermied Mozart die beiden Hauptprobleme der konzertanten Komposition seiner Zeitgenossen: mechanischer Formalismus und mangelnde Spannung, die einen losen, episodischen und sich wiederholenden musikalischen Diskurs erzeugten. Mit einer bemerkenswerten Integration von Form und Rhetorik verdrängte Mozart alle anderen Komponisten seiner Zeit, die sich dieser Gattung widmeten.

Mehrere Autoren sind der Ansicht, dass die Klavierstücke (eigentlich das Pianoforte), die Mozart für seine eigenen Auftritte als Solist komponierte, seine größte Leistung im Bereich der Konzertmusik darstellen. Sie überragen das gesamte Schaffen seiner Kollegen durch den Reichtum und die Originalität des Ensembles und die Subtilität und Komplexität der Beziehung zwischen Solist und Orchester, wobei die idiomatischen Merkmale sowohl des Solisten als auch des Ensembles beibehalten werden und ein Dialog zwischen den beiden entsteht, der eine große Fülle von Bedeutungen und Emotionen ausdrücken kann.

Sinfonien

Mozart leistete unmittelbar nach Joseph Haydn den größten Beitrag zur Sinfonie. Er arbeitete fast während seiner gesamten Laufbahn in diesem Genre, die frühesten Werke stammen aus dem Jahr 1764, die letzten aus dem Jahr 1788. Die ersten Werke zeigen den Einfluss von Komponisten wie Johann Christian Bach, Karl Friedrich Abel und anderen, denen er auf seinen internationalen Reisen begegnete, und vermischen italienische und germanische Stile. Die Struktur ist einheitlich: dreisätzig, ohne Menuett; der erste Satz ist in schnellem Tempo in Metrum 44 und in zwei Abschnitte unterteilt. Die zweiten Sätze sind langsam, ebenfalls in binärer Form und in der Regel im 24er-Takt, und die Schlusssätze sind in der Regel schnelle Rondòs im 38er-Takt. Allerdings finden sich in einigen von ihnen Variationen der Grundform der Sinfonie. Ab der Sinfonie K43 wird das Menuett als dritter Satz eingeführt, und die viersätzige Form wird zum üblichen Muster, die ersten Sätze sind weniger regelmäßig, und im letzten der Gruppe erscheint schließlich die voll entwickelte Sonatenform. Die nächste Phase umfasst die Zeit der ersten beiden Italienreisen, aber mehrere Stücke dieser Gruppe sind nur aus Sekundärquellen überliefert und haben daher eine zweifelhafte Autorschaft. Gesichert sind nur K74 und K 112, die zwischen 1770 und 1771 komponiert wurden, und angesichts dieser Autorenunsicherheit und der Diskrepanz zwischen den beiden gesicherten Werken ist es schwierig, sich ein Bild über den Grad des direkten italienischen Einflusses auf diese Phase zu machen.

Bald darauf, zwischen Ende 1771 und Mitte 1774, komponierte er eine weitere große Folge von siebzehn Sinfonien, die in Form und Ausdruck sehr viel vielfältiger und unberechenbarer sind und Elemente aus Italien, der Mannheimer Schule und einheimischer Komponisten wie Michael Haydn aufnehmen. In der letzten Hälfte dieser Gruppe werden die ersten Sätze konsequenter in Sonatenform ausgearbeitet, wobei der Kontrast der beiden Hauptthemen als Ausdrucks- und Strukturierungsmittel verwendet wird und ein wachsendes Interesse am Kontrapunkt zu erkennen ist. Die folgenden Jahre waren arm an neuen Sinfonien, aber er bearbeitete einige Ouvertüren aus alten Opern als Sinfonien und fügte Finals hinzu. Erst 1779 nahm er die Gattung wieder auf und schuf bis 1780 mehrere Werke mit erheblichen formalen Abweichungen. 1783 schrieb er die erste mit einem langsamen ersten Satz, aber es sind seine letzten drei Werke in dieser Form, KV 543, KV 550 und KV 551, die aus seinem gesamten Schaffen herausragen und zu den wichtigsten und einflussreichsten Symphonien des gesamten 18. Jahrhunderts gehören. Sie wurden im Sommer 1788 in nur sechs Wochen in einem Jet geschrieben. In ihnen zeigen sich deutlich die Elemente, die seinen wesentlichen Beitrag zur symphonischen Gattung ausmachen: eine perfekt ausbalancierte und proportionierte Struktur, ein harmonisches Vokabular von großem Reichtum, die Verwendung von thematischem Material mit strukturellen Funktionen und ein tiefes Interesse an orchestralen Strukturen, das sich vor allem in der sehr idiomatischen Komposition für die Blasinstrumente, insbesondere Klarinette und Horn, manifestiert, die als Stütze und Bindeglied zwischen den Streichern und Hölzern fungieren. Er war auch der erste, der ein elegisches Element in den ersten Satz der Sinfonie einführte, und obwohl sein Werk den homophonen Stil bevorzugt, war er ein Meister des Kontrapunkts und der fugierten Komposition, wofür das Finale der Sinfonie KV 551 (Jupiter) ein wichtiges Beispiel ist.

Geistliche Musik

Seine wichtigsten sakralen Werke, die Messen, folgen den Grundsätzen der Symphonik, sind aber mit einer großen Vielfalt von Kräften komponiert, von einem einfachen Vokalquartett, das von der Orgel begleitet wird, bis hin zu Stücken, die ein großes Orchester, eine Gruppe von Solisten und einen Chor erfordern, die sich in vielfältiger Weise zu Strukturen von großer Breite verbinden, die auch liturgische Zwecke erschließen können, wie im Fall der Großen Messe in c-Moll. Die wichtigsten direkten Vorbilder waren die Messen von Michael Haydn, Johann Eberlin und seinem Vater Leopold. Siebzehn Messen Mozarts werden derzeit als authentisch anerkannt, einige in Form der kurzen Messe, andere in Form der feierlichen Messe sowie das Totenrequiem. Seine ersten Werke in dieser Gattung sind unprätentiös, aber bereits im Alter von zwölf Jahren konnte er ein bedeutendes Stück komponieren, die Messe in c-Moll KV 139. Als Colloredo das Erzbistum übernahm, führte er einige von der Aufklärung beeinflusste Änderungen in der Liturgie ein und versuchte, eine weniger dekorative und mehr funktionale Kirchenmusik zu etablieren, indem er prägnante Strukturen bevorzugte, die die Verständlichkeit des Textes betonten. Mozarts Messen aus dieser Zeit spiegeln diese Ideen wider und sind alle interessant, mit einer reichen Klangfülle und kreativen Lösungen. Die Große Messe ist diejenige, die sowohl durch ihre Länge als auch durch ihren Stil am meisten hervorsticht, aber sie bleibt unvollständig. In ihr versuchte Mozart, die Tradition der gelehrten Messe zu retten, sie hat archaische Passagen, die auf barocke Bezüge verweisen, und andere, die den Einfluss der italienischen Oper erkennen lassen, mit kunstvollen Soli. Weitere bemerkenswerte Messen sind die sogenannte Waisenhausmesse und die Krönungsmesse.

Nach der Großen Messe kehrte Mozart erst in seinem letzten Lebensjahr zu dieser Gattung zurück, als er das Requiem, das bekannteste seiner geistlichen Werke, ebenfalls unvollendet komponierte. Es wurde im Geheimen auf anonymen Auftrag des Grafen von Walsegg-Stuppach komponiert, der das Werk offenbar als sein eigenes ausgeben und bei einer Gedenkfeier für seine Frau aufführen wollte. Die Situation ist jedoch umstritten, und es hat sich viel Gerede über die besonderen Umstände der Inbetriebnahme und Komposition gebildet. Das Werk erhielt Ergänzungen von Mozarts Schüler Joseph Eybler, der es jedoch nicht vollenden konnte. Die fehlenden Teile wurden schließlich von einem anderen Schüler, Franz Süssmayr, vervollständigt, wahrscheinlich teilweise unter Verwendung von Entwürfen Mozarts selbst, aber bis heute bleibt die Frage offen, wie viel Anteil die Schüler an dem heute bekannten Endergebnis haben. Mehrere Musikwissenschaftler haben alternative Versionen angeboten, um zu versuchen, Mozarts ursprüngliche Absichten wiederherzustellen. Der musikalische Inhalt ist sehr reichhaltig und verwendet Elemente des gelehrten Kontrapunkts, motivische Wiederholungen, die die gesamte Komposition einbinden, barocke Techniken – das Beispiel Händels ist wichtig -, mit der Freimaurerei verbundene Instrumentierung und opernhafte Züge, wodurch ein Werk von großer Feierlichkeit und bemerkenswerter ästhetischer Kohäsion für die Vielzahl der verwendeten Referenzen entsteht.

Neben den Messen komponierte Mozart im Rahmen seiner Tätigkeit am erzbischöflichen Hof in Salzburg eine große Anzahl weiterer geistlicher Werke. Am umfangreichsten sind die Vesper und die Litaneien, mit mitreißendem Streicherwerk und reichem Chorgesang, durchsetzt mit Passagen in gelehrtem Kontrapunkt. Die bekannteste Vesperreihe ist die Vesperae Solemnes von Confessore aus dem Jahr 1780, die eine Vielzahl stilistischer Mittel einsetzt, von Fugen über Abschnitte in Arienform bis hin zu solchen in antiphonaler Form. Zu den anderen Gattungen gehören die Motette Exultate, jubilate von 1773, eine dreisätzige, mit Rezitativen durchsetzte geistliche Kantate, die wenig bekannte Motette Venite populi und die kurze, aber berühmte Motette Ave verum corpus. Seine geistlichen Dramen Die Schuldigkeit des Ersten Gebots (1767) und La Betulia liberata (1771) gehören eher in den Bereich der Oper, und die rituellen Kantaten, die er für die Freimaurer schrieb, sind interessant, weil sie eine mit der Freimaurerei verbundene Klangsymbolik verwenden.

Kammermusik

Während seiner gesamten Karriere produzierte Mozart Kammermusik, die ein zentrales Element seines häuslichen Lebens war, nicht nur für öffentliche Aufführungen. Es umfasst etwa ein Fünftel seines Gesamtwerks und deckt eine Vielzahl von Formaten ab, von Streichquartetten und -quintetten über Sonaten für Tasteninstrumente, Trios und Duos bis hin zu Divertimentos, Kassationen, Tänzen und mehr. In all diesen Gattungen hat Mozart bedeutende Werke komponiert, besonders hervorzuheben sind jedoch seine Kompositionen für Streicher und die Sonaten für Klavier solo oder mit Begleitung, während seine Werke für gemischte Besetzungen nicht ausnahmslos als Ableitungen dieser anderen Grundgattungen und von geringerer Bedeutung angesehen werden. Als Mozart begann, sich der Kammermusik zu widmen, gab es keine klaren Grenzen zur symphonischen Musik, und das spiegelt sich in seinen Werken wider. Im Laufe der Jahre haben die Genres an Definition und Eigenständigkeit gewonnen. Eine eigene Kategorie bilden auch die Serenaden und Cassaten, Musik, die für das Spielen im Freien geschrieben wurde und eine wesentliche Rolle bei der fortschreitenden Abkehr von der Schreibweise mit durchgehendem Bass spielte.

Seine frühen Streichquartette zeigen den Einfluss von Giovanni Battista Sammartini und den norditalienischen Triosonaten in der Verwendung von kurzen Melodien, der Organisation der Sätze, der Einheit des Schlüssels und dem vorherrschenden homophonen Stil. Auch diese frühen Quartette weisen Ähnlichkeiten mit der Divertimentoform auf, und das Hauptinteresse liegt bei den beiden Oberstimmen. Die Sonatenform ist embryonal, mit kurzen Entwicklungen und Wiederholungen. Die sechs Quartette, die zwischen 1772 und 1773 entstanden, sind bereits geschlossener, haben einen ausgeprägteren kammermusikalischen Charakter und bilden einen logischen Zyklus von Tonalitäten, haben alle die gleiche Anzahl von Sätzen und die unteren Stimmen sind bereits dynamischer, was eine konzertante Wirkung ermöglicht. Die folgende Gruppe von sechs Quartetten entstand in Wien nach dem Kontakt mit dem Werk von Joseph Haydn, von dem sie stark beeinflusst sind. Ihre Qualität ist deutlich besser als die der vorhergehenden, ihre Technik ist reicher, sie verwenden den Kontrapunkt und alle Stimmen haben die gleiche Bedeutung; die Entwicklung ist thematisch und nicht abschnittsweise, sie verwenden manchmal langsame Einleitungen, Chromatizismen und in einer von ihnen gibt es eine Fuge. Seine späteren Quartette (1782-1790) sind reife Werke, die kanonische Form des Streichquartetts ist klar etabliert, sie sind wiederum von Haydn beeinflusst und sechs von ihnen wurden ihm als „Frucht langer und mühsamer Arbeit“ gewidmet, wie er in der Widmung schrieb. Sie verwenden kurze chromatische Linien und eine freiere Harmonik, die Sonatenform ist voll entwickelt, der Kontrapunkt bildet komplexe Texturen und die Codas sind ausgefeilter, was zu einer fast symphonischen Dichte führt. Das letzte der sechs Haydn-Quartette ist berühmt für seine emotionale Intensität und seine chromatische Offenheit und wird als Quartett der Dissonanzen bezeichnet, in dem die Definition der Tonalität eine Zeit lang in der Schwebe bleibt.

Von den sechs Streichquintetten ist eines ein jugendliches Werk und zeigt Einflüsse von Sammartini und Michael Haydn. Die anderen sind reif, bilden aber keine einheitliche Gruppe, sondern haben jeweils eigene Merkmale. Die ersten beiden Werke sind konzertant, die beiden letzteren eher kontrapunktisch und haben ein konzentrierteres thematisches Material. Unter den Serenaden für Streicher ist die Kleine Abendserenade KV 525 bei weitem die bekannteste, die sehr populär geworden ist.

Mozart war ein vollendeter Pianist, einer der größten Virtuosen aller Zeiten, auch wenn das zu seiner Zeit eine andere Bedeutung hatte als im 19. Jahrhundert nach dem Wirken von Clementi und Beethoven. Er schrieb für das Pianoforte, ein Instrument mit weniger Kraft und Klangunterstützung als das romantische Klavier. Seine Sonaten für Pianoforte und Violine zeigen die Entwicklung des Konzepts dieser Form. Historisch gesehen spielte die Violine bis ca. 1750 die Hauptrolle, da sie als Klaviatur für die harmonische Unterstützung zuständig war. Um 1750 gewann das Keyboard die Oberhand, so dass in vielen Werken dieser Form die Violine ad libitum mitwirkt und ohne großen Schaden weggelassen werden kann. Laut Einstein war es Mozarts Aufgabe, ein Gleichgewicht zwischen den beiden Instrumenten herzustellen und einen echten Dialog zu schaffen. Dies gelang ihm jedoch erst in seinen reifen Werken, während die früheren Werke lediglich Bearbeitungen von Werken anderer für Tasteninstrumente waren oder einen improvisatorischen Charakter hatten. Nach Ansicht von Carew verdienen die letzten vier Sonaten für Klavier und Violine einen Platz neben seinen größten Werken in anderen Gattungen. Auch seine beiden Streichquartette mit Klavier (1785-1786) sind wichtige und originelle Werke, denn Mozart hatte nicht viele Vorbilder, an denen er sich orientieren konnte. Das Klavier ist ein integraler Bestandteil des Diskurses und nicht nur eine Begleitung, die in manchen Momenten eine konzertante Wirkung erzielt. Ihr Inhalt offenbart die Komplexität seiner reifen Phase, in der er die Sonatenform, die Klangfarben, die motivischen Entwicklungen, die Dynamik und die Texturen eingehend erforscht. Sie sind auch wegen ihrer vorromantischen Atmosphäre, die Lyrik und Dramatik verbindet, besondere Werke.

Seine achtzehn Sonaten für Klavier solo zeugen ebenfalls von der Entwicklung der Form. Er produzierte nichts Bedeutendes, bevor er mit dem Schaffen der Franzosen in Berührung kam, insbesondere mit den Sonaten des in Paris lebenden Germanen Johann Schobert und den Werken von Johann Christian Bach, dem er in London begegnete. Ein weiterer wichtiger Einfluss waren die Sonaten von Joseph Haydn, die wenig später entstanden. Erst um 1775 begann er, einen persönlichen Stil zu entwickeln, wobei die Sonate in D KV 284 als Meilenstein gilt, die eine fast konzertante Lebendigkeit aufweist und in der einer der Sätze, die Variationen, sehr einheitlich ist. In den Jahren 1777-1778 komponierte er eine Serie von sieben Werken, eine kaleidoskopische Gruppe voller Passagen von großer pianistischer Brillanz und sehr empfindsamen langsamen Sätzen, in denen der Part der linken Hand die gleiche Bedeutung wie der der rechten hat. Aus dieser Gruppe stammt die Sonate in A-Dur KV 331, deren Finale das bekannte Rondò alla turca ist. Die Produktion von Sonaten wurde dann für sechs Jahre unterbrochen, und als er sie wieder aufnahm, schuf er eine Gruppe von Werken, die von Dramatik geprägt waren. Die Sonaten seiner letzten Jahre erinnern an Elemente seiner Rokoko-Anfänge, kombiniert mit einer großen Meisterschaft in der Kontrapunktik. Diese Werke werden vom modernen Publikum zu Unrecht vernachlässigt, das nur wenige kennt, da sie im Schatten der Werke Beethovens und der anderen romantischen Komponisten desselben Genres stehen. Ein Teil dieses Phänomens ist auf ihren täuschend einfachen Charakter zurückzuführen, immer mit einer klaren melodischen Linie und einer klaren Harmonie, ohne viele Modulationen und ohne außergewöhnliche Schwierigkeit für einen durchschnittlichen Instrumentalisten, was dazu führt, dass viele von ihnen eher in Klavierklassen als in Konzerten zu finden sind. Diese falsche Einfachheit ist jedoch eines der typischsten Stilmerkmale des Klassizismus, der sich bewusst um Anstand und Zurückhaltung in einer ausgewogenen Form bemüht. Leidenschaftliche Ausbrüche und ungezügelte Fantasie wurden damals als nicht vereinbar mit der intimen Atmosphäre der Sonate angesehen.

In der Gruppe der gemischten Formationen, die sich zwischen kammermusikalischen und symphonischen Dimensionen bewegen, stechen seine fünf Divertimenti für Streicher und Hörner hervor, leichte Werke, die in der Regel zur Feier eines besonderen Datums geschrieben wurden. Mit einer Ausnahme haben alle sechs Sätze, und in den langsamen Sätzen schweigen die Hörner. Die erste Violine spielt eine größere Rolle und ist virtuos geschrieben. Vier von ihnen werden von einem Marsch begleitet, der gespielt wird, wenn die Instrumentalisten den Veranstaltungsort betreten und verlassen. Von den Serenaden sind die Haffner-Serenade K250248b und die Posthorn-Serenade K320 von Bedeutung, und das Streichquartett mit Klarinette K581 ist ebenfalls erwähnenswert, da es eines der bekanntesten und umfangreichsten Kammermusikwerke Mozarts ist, ein Hauptwerk seiner Reife mit perfekt ausbalanciertem Zusammenspiel der Instrumente. Die Serenade für dreizehn Instrumente K361370a, Gran Partita genannt, für Bläser und Kontrabass, ist vielleicht seine größte Errungenschaft in der Erforschung verschiedener Instrumentenkombinationen. Durch die Verwendung von thematischem Material, das in dialogischer Form organisiert ist, oder durch die Schaffung von Kontrasten zwischen kleinen Gruppen und dem Rest des Ensembles, ähnlich dem alten Concerto grosso, schrieb er Musik von einzigartigem Klangreichtum, die große Möglichkeiten für die Demonstration der Virtuosität aller Instrumente bietet. Schließlich sein Quintett für Klavier und Bläser K452 aus dem Jahr 1784, das der Autor als sein bestes Werk bis dahin bezeichnete.

Die etwa dreißig kurzen Lieder für Solostimme und Klavierbegleitung, die Mozart schuf, verdienen eine kurze Erwähnung. Die meisten von ihnen sind unbedeutend, Mozart selbst scheint ihnen keinen großen Wert beigemessen zu haben, aber die besten, die zwischen 1785 und 1787 entstanden sind, haben einen Platz in der Musikgeschichte, sowohl wegen ihrer außergewöhnlichen Qualität, die über den Bereich der Miniaturen hinausgeht, als auch als Vorläufer der Entwicklung der Gattung des deutschen Liedes.

Tänze und Arrangements

Mozarts Tänze nehmen in seiner Produktion einen großen Raum ein: Es gibt etwa 120 Menuette, mehr als fünfzig deutsche Tänze und etwa vierzig Kontratänze, die er größtenteils komponierte, nachdem er die Stelle als Kammermusiker am Hof übernommen hatte, wo seine Haupttätigkeit darin bestand, die kaiserlichen Bälle musikalisch zu begleiten. Im Allgemeinen ist seine Instrumentierung für Streicher ohne Bratsche und verschiedene Blasinstrumente. Sie verdienen eine Aufzeichnung nicht wegen ihres Umfangs, denn sie haben nur 16 bis 32 Takte, sondern wegen der beeindruckenden Vielfalt an formalen Lösungen, die er innerhalb dieser begrenzten Formen eingeführt hat, wegen der reichen Harmonisierung und wegen seiner großen melodischen Inspiration.

Obwohl sie in Mozarts Schaffen eine untergeordnete Rolle spielen, sind die verschiedenen Bearbeitungen anderer Komponisten aus zwei Gründen wichtig: Erstens sind die verschiedenen Bearbeitungen aus seiner frühen Karriere musikalisch fast nur Kuriositäten, aber von großem Interesse, um die Einflüsse kennen zu lernen, denen er ausgesetzt war, und um zu erfahren, wie er seinen eigenen Stil entwickelte. Zweitens weckten die verschiedenen Bearbeitungen von Fugen Bachs sowie von Opern und Oratorien Händels, die er in den 1780er Jahren im Auftrag des Barons van Zwieten, eines Liebhabers der Barockmusik, anfertigte, sein Interesse an den gelehrten Stilen der Vergangenheit und übten einen bedeutenden Einfluss auf sein Werk aus, der besonders in seinem Requiem sichtbar wird. Seine Bearbeitungen von Händel genossen im 19. Jahrhundert großes Ansehen, werden aber heute aufgrund von Bedenken hinsichtlich der historischen Authentizität kaum noch gehört.

Mozart als Lehrer

Das Unterrichten war für Mozart nie eine Lieblingsbeschäftigung, aber er sah sich gezwungen, mehrere Klavierschüler aufzunehmen, um sein Einkommen zu verbessern. Das Unterrichten machte ihm nur dann Spaß, wenn er eine freundschaftliche und ungezwungene Beziehung zu den Schülern aufbauen konnte. In solchen Fällen könnte er ihnen sogar Kompositionen widmen. Über seine Methoden ist wenig bekannt, aber aus einigen Berichten und der Erhaltung eines Übungsbuchs seines Schülers Thomas Attwood weiß man einiges. Ein anderer Schüler, Joseph Frank, beschrieb eine seiner Unterrichtsstunden mit dem Meister mit den Worten, dass er selbst es vorzog, Stücke zu spielen und durch lebendiges Beispiel die richtige Interpretation zu zeigen, anstatt ihn durch verbale Empfehlungen zu belehren. Einige Schüler sagten, er sei oft nachlässig gewesen und habe sie während des Unterrichts zum Karten- oder Billardspielen eingeladen, anstatt Musik zu studieren, aber Eisen & Keefe widersprechen diesem Eindruck und halten ihn für einen sorgfältigen Lehrer. Mozart unterrichtete nicht nur den praktischen Teil, sondern auch die Musiktheorie, wobei er das bekannte Handbuch Gradus ad Parnassum von Johann Joseph Fux als Grundlage verwendete. Aus Attwoods Notizbuch geht hervor, dass Mozart dem Schüler einen Bass vorgab, um einen Kontrapunkt zu liefern, und dann das Ergebnis korrigierte. Bei fortgeschrittenen Schülern kann er ihre Kompositionen prüfen und korrigieren und sogar lange Passagen umschreiben. Der bekannteste Schüler von allen war Johann Nepomuk Hummel, der etwa zwei Jahre bei den Mozarts lebte, sie bei Festen und am Hof begleitete und später ein berühmter Klaviervirtuose wurde.

Erste Rezeption und späterer Einfluss

Die Kritiker seiner Zeit erkannten einhellig sein überragendes Talent an, doch viele hielten seine Musik für zu komplex, so dass sie für den ungebildeten Hörer schwer zu verstehen und selbst für Kenner eine Herausforderung war. Eine Würdigung durch den Komponisten Karl von Dittersdorf ist anschaulich:

Symptomatisch war aber auch die Position des Kritikers Adolph von Knigge, der nach einer Vielzahl von Einwänden gegen verschiedene Aspekte von Mozarts Werk, die ihm zu extravagant erschienen, nicht davor zurückschreckte, hinzuzufügen: „Ach ja, alle Komponisten sollten in der Lage sein, solche Fehler zu machen!“ Einige berichteten, dass seine Stücke nach wiederholtem Vorspielen zugänglicher wurden, während andere meinten, dass sie vor allem durch mittelmäßige Interpretationen von weniger kompetenten Musikern behindert wurden und in den Händen von Virtuosen viel klarer wurden. Dennoch gelang es ihm auf dem Höhepunkt seiner Karriere, in den 1780er Jahren, mit seinen Kompositionen ein großes Publikum zu erreichen, das sie in vielen Teilen Europas mit Erfolg hörte. Bald nach seinem Tod wurde er immer noch Orpheus oder Apollo genannt und war ein berüchtigter Name geworden.

Trotz seines hohen Ansehens, das er zu Lebzeiten erlangte, schuf Mozart nicht gerade eine ästhetische Schule, aber seine Musik überlebte den Übergang zur Romantik und übt noch heute einen gewissen Einfluss auf Komponisten aus. Seine Nachfolger versuchten nicht, seinen Stil zu imitieren, sondern fühlten sich eher von Aspekten der Form, der Technik und der musikalischen Syntax angezogen, nämlich: von den Möglichkeiten, die Mozart für die Erweiterung der musikalischen Formen aufzeigte, von seiner Fähigkeit, heterogene Elemente zu einem einheitlichen Ganzen zu koordinieren, von der Art und Weise, wie er einer beredten Phrasierung Konsistenz verlieh, und von der Fruchtbarkeit der Ideen, die den Hauptthemen untergeordnet waren und als komplexe und strukturierende Ornamente verwendet wurden. Mit Ausnahme von Hummel hatte er keine direkten Schüler von Rang, aber mehrere Vertreter der nachfolgenden Generationen, in einer ununterbrochenen Reihe bis in die heutige Zeit, waren ihm in gewissem Maße zu Dank verpflichtet und zitierten ihn ausdrücklich als Vorbild für einen oder mehrere Aspekte ihrer eigenen Musik. Zu den prominentesten gehören Ludwig van Beethoven, Franz Schubert, Robert Schumann, Johannes Brahms, Richard Wagner, Anton Bruckner, Gustav Mahler, Max Reger, Richard Strauss, Igor Strawinsky, Arnold Schönberg und in jüngerer Zeit John Cage und Michael Nyman. Für viele andere Autoren ist er auch heute noch, wenn nicht eine Inspiration, so doch ein Vorbild.

Neben diesen Aspekten sind weitere Verzerrungen in seinen Biografien dadurch entstanden, dass er als Genie angesehen wurde. Das enorme Talent Mozarts bot sicherlich Raum dafür, aber alle romantischen biografischen Konstruktionen waren von einer vorgefassten Meinung darüber geprägt, wie ein Genie sein und sich verhalten sollte. Da sich der Begriff des Genies seit dem 18. Jahrhundert gewandelt hat, haben sich verschiedene Bilder von Mozart herausgebildet. Diese Tradition wurde von seinem Vater Leopold begründet, der das Genie als ein von Gott gesegnetes Wesen betrachtete. Mit diesem angeborenen Privileg war es an Mozart, diese Prophezeiung zu verwirklichen. Katholische Biographen wie Adolphe Boschot, Theodor de Wyzewa und Georges de Saint-Foix verfolgten das Thema so, als ob das Genie dem Musiker äußerlich sei, als ob es durch ihn spreche, und betonten die Vorstellung, dass Mozart kein Studium, keine Anstrengung und kein Nachdenken gebraucht habe, um zu komponieren, als ob er aus dem Nichts geboren worden sei, Es ist jedoch erwähnenswert, dass Mozart selbst, obwohl er sich seiner außergewöhnlichen Fähigkeiten bewusst war, sich nie als Genie in diesem Sinne bezeichnete und seine Schuld gegenüber anderen Musikern anerkannte. Dennoch kam 1815 ein gefälschter Brief Mozarts ans Licht, in dem er seinen kompositorischen Prozess als schlafwandlerische Inspiration beschreibt. Diese Vision machte Mozart nicht nur zu einem besonderen Wesen, sondern zu einem wahrhaft engelhaften Wesen, das im Wesentlichen gütig, gesund und ausgeglichen war und somit ein Klassiker par excellence.

All diese verzerrten oder phantastischen Ideologien über Mozart wurden auch von anderen romantischen Künstlern genutzt, um ihn in die fiktive Literatur einzubringen. Die Praxis begann mit E. T. A. Hoffmann, der 1814 die Erzählung Don Juan verfasste, in der die Oper Don Giovanni als Allegorie auf den Fall eines Geistes bei seiner irrtümlichen Suche nach dem Göttlichen durch die Liebe zu einer Frau analysiert wird. Alexander Puschkin steuerte zwei kurze Tragödien bei, „Mozart und Salieri“ – von Rimski-Korsakow zu einer Oper verarbeitet – und „Der steinerne Gast“, wobei die erste die Legende von Mozarts Vergiftung verstärkt und die andere eine Nacherzählung des ursprünglichen „Don Giovanni“ ist, in der der Protagonist ein Alter Ego des Komponisten ist. Diese Oper zog übrigens mehrere andere romantische Schriftsteller wie Søren Kierkegaard, Eduard Mörike und George Bernard Shaw mit einer Vielzahl von philosophischen, moralischen und psychologischen Interpretationen an.

Verbreitung Ihrer Musik

Zu Mozarts Lebzeiten wurden seine Kompositionen durch handschriftliche Kopien oder gedruckte Ausgaben verbreitet. Während Mozarts Kindheit und Jugend kümmerte sich sein Vater um die Verbreitung, aber es wurde relativ wenig gedruckt und kopiert, um die Interessen seines Sohnes zu schützen, denn nachdem die Werke die Hände des Komponisten verlassen hatten, war es nicht ungewöhnlich, dass sie ohne seine Erlaubnis neu kopiert und veröffentlicht wurden. Was im Druck erschien, waren Kammermusikwerke, da Opern und große Orchesterwerke nur in Manuskripten zirkulierten. In den 1780er Jahren weitete sich die Verbreitung aus. Wien war inzwischen zu einem bedeutenden Verlagszentrum geworden, und Mozarts finanzielle Bedürfnisse erforderten den Verkauf von Werken. So wurde bis zu seinem Tod eine beträchtliche Anzahl seiner Kompositionen der Öffentlichkeit angeboten, insgesamt etwa 130, die viele europäische Länder erreichten, so dass sein Ruhm nur mit dem von Haydn verglichen wurde. Er wurde regelmäßig in theoretischen Werken und musikalischen Wörterbüchern zitiert, und seine Opern wurden von Tourneetheatern vertrieben.

Unmittelbar nach seinem Tod kamen zahlreiche neue Werke auf den Markt, was zum Teil auf den großen Erfolg der Zauberflöte, den Ruhm des Komponisten und auch auf die wahrscheinliche Veröffentlichung mehrerer unveröffentlichter Werke von Constanze zurückzuführen ist. Dann traten die Verleger Breitkopf & Härtel aus Leipzig und André aus Paris an die Witwe heran, um weitere Werke zu erwerben. Breitkopfs Projekt war so ehrgeizig, dass 1798 mit der ersten Sammlung seines Gesamtwerks begonnen wurde, die jedoch nicht zustande kam. Bis 1806 waren jedoch siebzehn Bände erschienen. 1799 verkaufte Constanze den größten Teil seiner geerbten Manuskripte an André, doch führte der Verkauf nicht zu einer Massenpublikation. Da der Verleger jedoch auf Originaltreue bedacht war, sind die von ihm gedruckten Werke wertvoll und einige von ihnen sind die einzigen Quellen für bestimmte Stücke, deren Originale später verloren gingen.

Jahrhunderts lebte das Interesse an Mozarts Musik wieder auf, zusammen mit einer weit verbreiteten Wiederentdeckung der Musik der Vergangenheit, aber die Anzahl seiner Werke, die noch gehört wurden, war nicht groß. Von den Opern blieben „Don Giovanni“, „Le nozze di Figaro“ und „Die Zauberflöte“ lebensfähig, von der Instrumentalmusik die Stücke in Moll und die letzten Sinfonien, die jedoch dem romantischen Empfinden zugänglich waren, das nun in Europa die ästhetische Vorherrschaft übernahm und den Klassizismus verdrängte. Mozart wurde von den deutschen Kritikern als typisch romantischer Komponist angesehen, der die tiefsten Sehnsüchte der deutschen Seele perfekt zum Ausdruck brachte, und man fand in seiner Musik, insbesondere in den in Moll komponierten Werken und in der Oper Don Giovanni, dionysische, verstörende, leidenschaftliche, zerstörerische, irrationale, geheimnisvolle, dunkle und sogar dämonische Elemente, die in diametralem Gegensatz zu den klassizistischen Idealen standen. Nichtsdestotrotz herrschte im Europa des 19. Jahrhunderts allgemein das Bild von Mozart als klassischem Komponisten vor, doch seine Musik wurde eher ambivalent und oft stereotyp verstanden. Für manche war der Klassizismus ein formalistischer und leerer Stil, wie für Berlioz, der die Opern Mozarts nicht mehr ertragen konnte, weil er sie alle gleich fand und in ihnen eine kalte und langweilige Schönheit sah. Andere wiederum, wie Brahms, konnten in seinen letzten Sinfonien oder in seinen besten Konzerten wichtigere Werke finden als die Beethovens in denselben Gattungen, auch wenn letztere als wirkungsvoller angesehen wurden. Schumann versuchte, Mozarts Musik in den Bereich der Zeitlosigkeit zu erheben, indem er sagte, dass Klarheit, Heiterkeit und Anmut die Kennzeichen der Kunstwerke der Antike seien, und dass sie auch die der „Mozartschen Schule“ seien, und beschrieb die Sinfonie K550 als von „flatternder griechischer Anmut“. Andere wie Wagner, Mahler und Czerny sahen in Mozart eher einen notwendigen Vorläufer Beethovens, der die Kunst der Musik zu der von Mozart prophezeiten, aber nicht verwirklichten Vollendung gebracht hätte.

Mozarts Opern wurden in Salzburg zwischen dem späten 19. und dem frühen 20. Jahrhundert in sporadischen Festspielen wiederaufgeführt, aber die modernen Mozartfestspiele begannen erst in den 1920er Jahren, nach Initiativen von Hermann Bahr, Max Reinhardt, Richard Strauss und Hugo von Hofmannsthal, und sobald sie sich stabilisiert hatten, zogen sie die Teilnahme der besten Dirigenten der damaligen Zeit an, wie Bruno Walter, Clemens Krauss und Felix Weingartner. Fritz Busch spielte eine große Rolle bei der Übertragung von Aspekten des österreichisch-germanischen Ansatzes von Mozart auf das Glyndebourne Festival im Vereinigten Königreich, das den Aufführungsstil für das ganze Jahrhundert festlegte. Mit dem Auftritt von John Christie und seiner Frau wurde Glyndebourne zu einem Festival, das sich fast ausschließlich Mozart widmete und außerdem die Opern in ihrer Originalsprache präsentierte, was in nicht-deutschsprachigen Ländern selten war. In den 1950er Jahren wurden Idomeneo und Così fan tutte in das Opernrepertoire aufgenommen, und in den 1970er Jahren, als die Konventionen der Opera seria besser akzeptiert wurden, begannen andere seiner Opern gelegentlich wiederaufgenommen zu werden. Auch andere von ihm gepflegte Gattungen, insbesondere die Klavierkonzerte und Sinfonien, fanden Eingang in das Standardrepertoire, und die Verbreitung seiner Musik auf Schallplatten trug wesentlich dazu bei, Mozart zu einem populären Namen zu machen; zwischen den 1960er und 1970er Jahren erschienen Gesamtaufnahmen ganzer Gattungen.

Gegen Ende des Jahrhunderts führten spezialisierte Studien einen Stil der musikalischen Praxis ein, der versucht, authentische Mittel und Techniken des achtzehnten Jahrhunderts zu rekonstruieren. Die jüngste Tendenz der Interpreten besteht darin, ihre gesamte Musik von der für die Romantik typischen Interpretations- und Orchestertradition zu befreien, die in der klassizistischen Musik Mozarts nur unzureichend überlebt hat. Andererseits wirken sich auch heute noch die Stereotypen, die sich aufgrund oberflächlicher Lektüre der Klassik um die Musik Mozarts gebildet haben und sie nur als etwas „Elegantes“, „Ruhiges“ oder „Vollkommenes“ verstehen, obwohl sie eine gewisse Grundlage haben, negativ auf die richtige Würdigung seiner Werke aus, die viel reicher, überraschender und vielfältiger sind, als die unreflektierten und uninformierten Analysen vermuten lassen. Harnoncourt zufolge verkörpert Mozarts Musik heute für viele den Gipfel der heiteren und leuchtenden Harmonie, die Interpretationen, die sich durch eine stilistische Perfektion auszeichnen, ohne Spannungen, ohne Nuancen, ohne jegliche Härte, Konflikte oder Verzweiflung, die die musikalische Substanz auf „ein süßes Lächeln“ reduzieren, und alles, was von dieser Norm abweicht, wird abgelehnt, weil es Mozart zu sehr in die Nähe der von Beethoven geweihten dramatischen Ästhetik bringt. Dieses falsche oder zumindest partielle Verständnis des Mozart“schen Klassizismus steht im Gegensatz zu den Eindrücken seiner Zeit, die mehrere seiner Werke mit Ausdrücken wie „feurig“, „leidenschaftlich bewegend“, „erschreckend schön“, „von der melancholischsten bis zur erhabensten Stimmung“ und anderen Adjektiven beschreibt, die auf Intensität, Vielfalt und Dynamik hinweisen.

Kritische Studien

Die erste kritische Mozart-Biographie wurde von Otto Jahn in den Jahren 1856-1859 verfasst, eine monumentale und wissenschaftlich fundierte Studie, die die früheren Biographien zusammenfasste und versuchte, Fakten von Legenden zu unterscheiden, soweit dies für die damalige Zeit möglich war. Er idealisierte Mozart teilweise, aber seine Leistung war, wie King sagte, spektakulär und wurde mehrfach mit bedeutenden Ergänzungen neu aufgelegt. Ein weiterer Meilenstein in der Mozart-Forschung war die 1862 von Ludwig von Köchel durchgeführte katalographische Gesamtaufnahme seines Werks. Es folgte die ebenso monumentale Biografie von Wysewa und Saint-Foix, eines der außergewöhnlichsten biografischen Werke über einen Komponisten, mit einem hohen Grad an Detailgenauigkeit. So wichtig es auch war, es war in mehrfacher Hinsicht ein mangelhaftes Werk, vor allem in Bezug auf die Chronologie, die heute veraltet ist, und die kritische Ausnahme, die auch dazu neigt, den Gegenstand zu idealisieren, aber dennoch bleibt es eine Referenz für sein scharfes Eindringen in die Feinheiten des Mozartschen Werks. 1954 legte Alfred Einstein eine Biografie vor, die zu einem Klassiker des Genres wurde, da sie nicht nach chronologischen, sondern nach thematischen Gesichtspunkten untersucht wurde. In den letzten Jahrzehnten war die wichtigste und umfassendste die Biografie von Erich Schenk von 1955, die 1975 erweitert wurde, sehr detailliert ist und auf dokumentierten Fakten und neueren Forschungen beruht.

Im 20. Jahrhundert haben neben den Biographien auch die Studien zu spezifischen Aspekten seines Werks einen beeindruckenden Fortschritt erfahren, wobei alle Aspekte der Kompositionstechnik, des Stils, der Orchestrierung, der Bedeutung, der Quellen, der Ausgaben, des Kontexts, der Einflüsse, der Ableitungen, der Authentizität, der Interpretation, des Vermächtnisses, der Gattungen, der Vergleiche und viele andere mehr behandelt wurden, ganz zu schweigen von den zahlreichen Zeitschriften, die ausschließlich Mozartiana gewidmet sind, was zu einem Material geführt hat, das so umfangreich ist, dass allein für den Überblick über die angesammelte Bibliographie Bücher herausgegeben werden müssen.

Vor Köchels Werkverzeichnis erschienen mehrere andere Versuche, Mozarts Werke zusammenzustellen, aber keiner verdiente streng genommen die Bezeichnung vollständig. In der Tat verdiente auch Köchel“s nicht den Namen vollständig, als es veröffentlicht wurde, obwohl es sich etabliert hat und in Gebrauch bleibt, ständig aktualisiert mit den jüngsten Entdeckungen. Diesem Anspruch wurde erst mit der Veröffentlichung der Alten Mozart-Ausgabe (AMA) von 1877-1883, die 1910 fertiggestellt wurde, weitgehend entsprochen, und zwar auch auf Köchels Initiative hin, der seine früheren Studien genauer überarbeitete und durch vertiefte kritische Kommentare einer großen Gruppe von Mitarbeitern, zu denen unter anderem Johannes Brahms, Philipp Spitta und Joseph Joachim gehörten, ergänzte. Das Ergebnis war insgesamt bemerkenswert und auch heute noch kaum vorstellbar, doch litt diese Ausgabe unter einer schwachen redaktionellen Einheitlichkeit und ließ einige wichtige Aspekte unberücksichtigt. Mit dem ununterbrochenen Erscheinen der Studienreihe wurde bald deutlich, dass die AMA in einigen Punkten veraltet war, und eine komplette Neuauflage war geplant. Nach einer durch den Zweiten Weltkrieg verursachten Verzögerung kündigte die Internationale Stiftung Mozarteum in Salzburg 1954 die Veröffentlichung der Neuen Mozart-Ausgabe (NMA) an, die ab 1955 unter der redaktionellen Leitung einer Gruppe angesehener Musikwissenschaftler unter der Leitung von Otto Deutsch erschien und von privaten Unternehmen in Partnerschaft mit der deutschen Regierung finanziert wurde. Das wichtigste Unterscheidungsmerkmal der NMA war ihr Ansatz, eine Ausgabe anzubieten, die sich durch Originaltreue auszeichnet und die neuesten Forschungsergebnisse im Bereich der historischen Authentizität von Musik nutzt. Das Hauptwerk wurde erst 1991 abgeschlossen und umfasst 120 Bände, aber die Ausgabe wird noch mit Nachträgen fortgesetzt.

Die Analyse seiner Korrespondenz ist ein wichtiger Bestandteil der Erforschung von Mozarts Werk. Laut Eisen umfassen die Briefe der Familie Mozart die umfangreichste und detaillierteste Korrespondenz über einen Komponisten des achtzehnten Jahrhunderts oder früher. Insgesamt sind fast 1 600 Briefe Mozarts und seiner Familienangehörigen überliefert, die nicht nur unschätzbare Informationen über sein Leben, sondern auch über das kulturelle Umfeld seiner Zeit liefern, sowie wertvolle Daten über die Chronologie seiner Werke und seinen Kompositionsprozess, die manchmal detaillierte Beschreibungen verschiedener Aspekte einzelner Stücke enthalten.

Weniger gelehrte Biografien und andere Erzählungen erschienen im 20. Jahrhundert in Hülle und Fülle und beschrieben ihn auf unterschiedlichste Weise. Es gab diejenigen, die an die romantischen Mythen anknüpften und von ihm mit Begriffen wie „Sohn der Sonne“ und „seine Musik ist gleich der Zivilisation“ sprachen, oder „nur mit der Ehrfurcht, die Heiligen und Märtyrern gebührt, kann man von Mozarts Leben und Tod sprechen“, oder beklagten, dass er „verhungert und in einem Armengrab begraben worden“ sei; In Nazi-Deutschland stellte man ihn als Nationalisten dar, während andere Länder ihn zum Ausgleich als Kosmopolit, Menschenfreund und das Beste, was die germanische Kultur zu bieten hatte, beschreiben mussten; Werke aus Osteuropa zogen es vor, ihn als Komponisten des Volkes, eine Art sozialistischer Avant la lettre, zu sehen, und die verschiedensten intellektuellen Strömungen des 20. Er wurde sogar auf die psychoanalytische Couch gelegt, erlangte den Status eines New-Age-Gurus und wurde zu einer Punk-Ikone. Aufgrund der Komplexität seiner Person, seiner Musik und seiner Zeit und aufgrund der großen Menge an erhaltenen Dokumenten zu all diesen Aspekten kann fast jede Ansicht über ihn zumindest mit einigen Beweisen untermauert werden.

Andererseits, so erinnerte Sadie, ändern sich die „Fakten“ seines Lebens ständig, da immer wieder neues Material entdeckt wird, darunter auch musikalische Werke, was eine ständige Neubewertung der Auswirkungen dieser Entdeckungen auf das bereits Bekannte impliziert und zu neuen Interpretationen und Schlussfolgerungen führt. Ein Beispiel für diese Situation ist die fragile Substanz der Einstufung Mozarts als Klassiker und der Definition des Klassizismus selbst, gegen die verschiedene historische und zeitgenössische Einwände erhoben wurden – es genügt, daran zu erinnern, dass er für viele Romantiker auch ein Romantiker war. Im Zuge der jüngsten Forschungen wurden viele geweihte Konzepte überprüft, und der Klassizismus ist keine Ausnahme von der Regel. Einige Autoren haben darauf hingewiesen, dass der Begriff zu ihrer Zeit noch gar nicht existierte und die Musiker sich damals als „modern“ bezeichneten. Jahrhunderts, zunächst als Kompliment, mit der einfachen Bedeutung von „vorbildlich“, und als ästhetische Definition, die aus einer Spaltung der germanischen Intelligenz zwischen denjenigen, die sich für die Prinzipien der Romantik aussprachen, und denjenigen, die eine konservative Haltung einnahmen und sich gegen die Romantiker stellten, entstanden ist. Andere weisen darauf hin, dass die üblichen Definitionsbegriffe des Klassizismus – Vollkommenheit, Einheit, Synthese, Gleichgewicht, Zurückhaltung und Integration von Form und Inhalt – perfekt auf andere künstlerische Manifestationen angewandt werden können, wodurch das Konzept seiner tiefen Bedeutung beraubt wird. Dennoch ist sie nach wie vor weit verbreitet.

Nach allgemeiner Meinung der zeitgenössischen Fachkritiker ist Mozart einer der größten Namen in der gesamten Geschichte der abendländischen Musik, und nach Eisen & Keefe, den Herausgebern der von der Universität Cambridge herausgegebenen Enzyklopädie The Cambridge Mozart, ist er eine Ikone der gesamten westlichen Gesellschaft, aber die zentrale Stellung, die er heute in dieser Geschichte einnimmt, wurde erst in jüngster Zeit erreicht; bis dahin wurde er geschätzt, manchmal sogar vergöttert, aber in einem begrenzten Rahmen. Er war kein Revolutionär, er akzeptierte die meisten musikalischen Konventionen seiner Zeit, aber seine Größe liegt in der Komplexität, der Breite und der Tiefe, mit der er sie ausarbeitete und sich von seinen Zeitgenossen abhob. Wie Rushton sagte, wächst seine Popularität, und auch wenn seine Werke in bestimmten Punkten kritisiert werden können, ist er ein Komponist, der keine Anwälte mehr braucht, um ihn zu verteidigen.

Mozart in der Populärkultur

In jüngerer Zeit ist das Image Mozarts dank seines weltweiten Ruhms zu einem weithin ausgebeuteten Produkt geworden, das laut Jary den Punkt des Missbrauchs erreicht hat, die Grenzen der Musikwelt überschreitet und in der Tourismus-, Handels-, Werbe-, Film- und Politikindustrie verwendet wird, oft ohne jegliche Verbindung zu seinen legitimen historischen und künstlerischen Eigenschaften. In diesem Kontext, in dem sehr unterschiedliche Bedürfnisse befriedigt werden müssen, werden die Grenzen des guten Geschmacks leicht überschritten. Sein Bild erscheint auf Porzellanfiguren, auf Verpackungen von Eiscreme, Zigaretten, Schokolade, Parfüm, Kleidung, Postkarten, Kalendern, Rezeptbüchern und unzähligen anderen Konsumgütern. Heute gibt es Unternehmen, die sich ausschließlich der kommerziellen Verwertung seines Images widmen und dabei enorme Gewinne erzielen.

Vor einigen Jahren veröffentlichten Rauscher und Shaw Arbeiten, in denen sie feststellten, dass High-School-Schüler nach dem Hören einer Mozart-Sonate ihre Ergebnisse in einem Test zur räumlich-motorischen Leistung verbesserten. Schon bald gingen diese Studien über den so genannten Mozart-Effekt durch die Presse und fanden weite Verbreitung, doch die öffentliche Interpretation lautete, dass Mozarts Musik die Menschen klüger mache, und es wurde Mode, Kinder dazu zu bringen, Mozart-Musik zu hören. Es wurden jedoch mehrere andere kontrollierte Tests von anderen Forschern durchgeführt, die versuchten, diese Ergebnisse zu reproduzieren, was jedoch durchweg nicht bestätigt werden konnte. Ein solcher Test reproduzierte genau die Bedingungen der ursprünglichen Studie, und selbst dann war die Reaktion negativ. Frances Rauscher selbst wies die Verbindung ihrer Testergebnisse mit erhöhter Intelligenz zurück und sagte, dass sie sich speziell auf mentale Visualisierungs- und zeitliche Ordnungsaufgaben bezogen. Dies reichte jedoch nicht aus, um den Mozart-Effekt in der Laienöffentlichkeit zu diskreditieren; er wird weiterhin als Tatsache beworben, und „Music for The Mozart Effect“ ist zu einem Markenzeichen geworden, das ausgewählte Aufnahmen anbietet, die laut Werbung „Millionen von Menschen“ geholfen haben, und ein Audioprogramm mit dem Titel Mozart als Heiler enthält. Die Wirkung dieser Werbung geht weit über den reinen Handel hinaus. In den Vereinigten Staaten schenkt der Bundesstaat Georgia den Eltern jedes neugeborenen Babys – etwa 100.000 pro Jahr – eine CD mit klassischer Musik. In Florida schreibt ein Gesetz vor, dass alle öffentlich finanzierten Bildungs- und Kinderbetreuungsprogramme für Kinder unter fünf Jahren täglich dreißig Minuten lang klassische Musik spielen müssen. Die Kontroverse geht weiter, da einige neue Studien behaupten, den Mozart-Effekt zu bestätigen, während andere weiterhin Zweifel an ihm äußern.

Diese oft akribische Vervielfachung der Präsenz Mozarts trägt einerseits dazu bei, das allgemeine Interesse an ihm zu steigern, andererseits werden dadurch aber auch Stereotypen aufrechterhalten, die in Filmen, fiktionalen Büchern und Theaterstücken, in denen er immer wieder die Hauptrolle spielt, deutlich werden, wie z. B. in Gunnar Gällmos Wolfgangerl, Milos Formans Amadeus (nach dem gleichnamigen Theaterstück von Peter Shaffer) und Thornton Wilders Mozart und der graue Steward. Selbst in der Welt der klassischen Musik gibt es eine klare Tendenz, die Tatsachen zu verzerren; einige wenige Stücke werden wiederholt und in großem Umfang aufgenommen, während der Rest seines umfangreichen Schaffens der breiten Öffentlichkeit unbekannt bleibt. Dieselben ausgewählten Stücke werden auch in anderen Situationen als Soundtracks verwendet, da ihre große Popularität die Anziehungskraft auf die Verbraucher für andere Produkte garantiert. Schwerwiegender ist die Aneignung durch die Politik, z. B. die Verwendung des Bildes von Mozart durch das Nazi-Regime in Deutschland. Im Jahr 1938 wurde bei den Salzburger Festspielen anlässlich des Anschlusses Österreichs an Deutschland der Slogan Mozart als Apollo verwendet, und 1939 wurde der Musiker zum Symbol für Hitlers Pakt mit Mussolini. Nach Aussagen des nationalsozialistischen Propagandaministers Joseph Goebbels diente Mozarts Musik der Verteidigung der deutschen Soldaten gegen die „Barbaren Osteuropas“. Auch nach dem Krieg setzte der österreichische Staat Mozart als eine Art Botschafter Österreichs ein und behauptete, dass sein Genie weiterhin über dem Land schwebe. Diese umfangreiche Verwendung von Mozart in den verschiedensten Situationen scheint im Laufe der Jahre nicht nachzulassen, und in Helmut Eders Oper Mozart in New York heißt es ironisch, ob auf touristischen Souvenirs oder auf dem österreichischen Fünftausend-Schilling-Schein: „Mozart ist Geld!“

Quellen

  1. Wolfgang Amadeus Mozart
  2. Wolfgang Amadeus Mozart
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