Henry Moore

Samenvatting

Henry Spencer Moore OM CH FBA (30 juli 1898 – 31 augustus 1986) was een Engels kunstenaar. Hij is vooral bekend om zijn semi-abstracte monumentale bronzen sculpturen die zich over de hele wereld als openbare kunstwerken bevinden. Naast beeldhouwwerk maakte Moore veel tekeningen, waaronder een serie met afbeeldingen van Londenaren die schuilden voor de Blitz tijdens de Tweede Wereldoorlog, samen met andere grafische werken op papier.

Zijn vormen zijn meestal abstracties van de menselijke figuur, meestal moeder-en-kind of liggende figuren. Moore”s werken zijn meestal suggestief voor het vrouwelijk lichaam, afgezien van een fase in de jaren vijftig toen hij familiegroepen beeldhouwde. Zijn vormen zijn over het algemeen doorboord of bevatten holle ruimtes. Veel interpretatoren vergelijken de golvende vorm van zijn liggende figuren met het landschap en de heuvels van zijn geboorteplaats Yorkshire.

Moore werd bekend door zijn gebeeldhouwde marmeren en grootschaliger abstracte gegoten bronzen beelden, en speelde een belangrijke rol bij de introductie van een bepaalde vorm van modernisme in het Verenigd Koninkrijk. Zijn vermogen om op latere leeftijd grote opdrachten uit te voeren maakte hem uitzonderlijk rijk. Desondanks leefde hij sober; het grootste deel van het geld dat hij verdiende ging naar de Henry Moore Foundation, die nog steeds het onderwijs en de bevordering van de kunsten steunt.

Vroege leven

Moore werd geboren in Castleford, West Riding of Yorkshire, Engeland, als zoon van Mary (née Baker) en Raymond Spencer Moore. Zijn vader was Ier en werd mijnopzichter en daarna onder-directeur van de Wheldale kolenmijn in Castleford. Hij was een autodidact met belangstelling voor muziek en literatuur. Vastbesloten dat zijn zonen niet in de mijnen zouden werken, zag hij in formeel onderwijs de weg naar hun vooruitgang. Henry was het zevende van acht kinderen in een gezin dat vaak met armoede te kampen had. Hij ging naar de kleuterschool en de lagere school in Castleford, waar hij begon met boetseren in klei en houtsnijwerk. Hij vertelde dat hij op zijn elfde besloot beeldhouwer te worden, nadat hij tijdens een lezing op de zondagsschool had gehoord over de prestaties van Michelangelo.

Bij zijn tweede poging werd hij aangenomen op de Castleford Secondary School, waar verschillende van zijn broers en zussen hadden gezeten. Het schoolhoofd merkte al snel zijn talent en belangstelling voor middeleeuwse beeldhouwkunst op. Zijn kunstlerares, Alice Gostick, verbreedde zijn kennis van kunst, en met haar aanmoediging besloot hij van kunst zijn beroep te maken; eerst door examens af te leggen voor een studiebeurs voor de plaatselijke kunstacademie. Moore”s eerste houtsnijwerk – een gedenkplaat voor de Scott Society op de Castleford Secondary School, en een erelijst ter nagedachtenis aan de jongens die vanuit de school in de Eerste Wereldoorlog gingen vechten – werden rond deze tijd gemaakt.

Ondanks zijn vroege belofte waren Moore”s ouders ertegen geweest dat hij een opleiding tot beeldhouwer zou volgen, een roeping die zij beschouwden als handenarbeid met weinig carrièrevooruitzichten. Na een korte introductie als leerling-leraar, werd Moore leraar op de school die hij had bezocht. Toen hij achttien werd, meldde Moore zich als vrijwilliger voor legerdienst in de Eerste Wereldoorlog. Hij was de jongste man in het Prince of Wales” Own Civil Service Rifles regiment en raakte in 1917 gewond bij een gasaanval, op 30 november in Bourlon Wood. Nadat hij in het ziekenhuis hersteld was, bracht hij de rest van de oorlog door als instructeur lichamelijke oefening, en keerde pas naar Frankrijk terug toen de wapenstilstand getekend werd. Hij zei later: “Voor mij ging de oorlog voorbij in een romantische waas van pogingen om een held te zijn.” Deze houding veranderde toen hij nadacht over de destructiviteit van de oorlog en in 1940 schreef hij in een brief aan zijn vriend Arthur Sale dat “een jaar of twee daarna de aanblik van een kaki uniform alles in het leven begon te betekenen wat verkeerd en verkwistend en tegen het leven gericht was. En dat gevoel heb ik nog steeds.”

Begin als beeldhouwer

Na de oorlog ontving Moore een ex-militairenbeurs om zijn opleiding voort te zetten en in 1919 werd hij student aan de Leeds School of Art (nu Leeds Arts University), die speciaal voor hem een beeldhouwstudio inrichtte. Op de school ontmoette hij Barbara Hepworth, een medestudente die ook een bekende Britse beeldhouwer zou worden, en er begon een vriendschap en een milde professionele rivaliteit die vele jaren zou duren. In Leeds had Moore ook toegang tot de modernistische werken in de collectie van Sir Michael Sadler, de vice-kanselier van de universiteit, wat een uitgesproken effect had op zijn ontwikkeling. In 1921 won Moore een beurs om aan het Royal College of Art in Londen te studeren, samen met Hepworth en andere tijdgenoten uit Yorkshire. In Londen breidde Moore zijn kennis van primitieve kunst en beeldhouwkunst uit door de etnografische collecties van het British Museum te bestuderen.

De studentenbeeldhouwwerken van zowel Moore als Hepworth volgden de standaard romantische Victoriaanse stijl, en omvatten natuurlijke vormen, landschappen en figuratieve modellering van dieren. Moore voelde zich later ongemakkelijk bij klassiek afgeleide idealen; zijn latere vertrouwdheid met het primitivisme en de invloed van beeldhouwers als Constantin Brâncuși, Jacob Epstein, Henri Gaudier-Brzeska en Frank Dobson leidden hem tot de methode van direct carving, waarbij onvolkomenheden in het materiaal en door gereedschap achtergelaten sporen deel gingen uitmaken van het voltooide beeldhouwwerk. Toen Moore deze techniek had aangenomen, kwam hij in conflict met academische docenten die zo”n moderne aanpak niet waardeerden. Tijdens een oefening van Derwent Wood (professor in de beeldhouwkunst aan het Royal College) werd Moore gevraagd een marmeren reliëf van Domenico Rosselli”s De Maagd met Kind te reproduceren door het reliëf eerst in gips te modelleren en het vervolgens in marmer te reproduceren met behulp van een mechanisch hulpmiddel dat bekend staat als een “aanwijsmachine”, een techniek die “pointing” wordt genoemd. In plaats daarvan sneed hij het reliëf rechtstreeks uit, waarbij hij zelfs het oppervlak markeerde om de priksporen na te bootsen die de aanwijsmachine zou hebben achtergelaten.

In 1924 won Moore een reisbeurs voor zes maanden die hij in Noord-Italië doorbracht om de grote werken van Michelangelo, Giotto di Bondone, Giovanni Pisano en verschillende andere oude meesters te bestuderen. In deze periode bezocht hij ook Parijs, nam deel aan de tekenlessen aan de Académie Colarossi en bekeek in het Trocadero een gipsafgietsel van een beeldhouwwerk van de Tolteken-Maya, de Chac Mool, dat hij eerder in boekillustraties had gezien. De liggende figuur zou een diepgaand effect hebben op Moore”s werk en het hoofdmotief van zijn beeldhouwkunst worden.

Hampstead

Na zijn terugkeer naar Londen ging Moore zeven jaar lesgeven aan het Royal College of Art. Hij was verplicht twee dagen per week te werken, waardoor hij tijd overhield voor zijn eigen werk. Zijn eerste openbare opdracht, West Wind (1928-29), was een van de acht reliëfs van de ”vier winden” hoog aan de muren van het hoofdkantoor van de Londense metro in 55 Broadway. De andere ”winden” werden gebeeldhouwd door hedendaagse beeldhouwers, waaronder Eric Gill, terwijl de stukken op de begane grond werden geleverd door Epstein. In 1928 had Moore zijn eerste solotentoonstelling in de Warren Gallery in Londen. Op 19 juli 1929 trouwde Moore met Irina Radetsky, een studente schilderkunst aan het Royal College. Irina was geboren in Kiev in 1907. Haar vader werd gedood in de Russische Revolutie en haar moeder werd geëvacueerd naar Parijs waar ze trouwde met een Britse legerofficier. Irina werd een jaar later naar Parijs gesmokkeld en ging daar tot haar 16de naar school, waarna ze bij de familie van haar stiefvader in Buckinghamshire ging wonen.

Irina vond geborgenheid in haar huwelijk met Moore en poseerde al snel voor hem. Kort na hun huwelijk verhuisde het echtpaar naar een studio in Hampstead op 11a Parkhill Road NW3, waar ze zich aansloten bij een kleine kolonie avant-garde kunstenaars die daar wortel schoten. Kort daarna verhuisden Hepworth en haar tweede echtgenoot Ben Nicholson naar een studio om de hoek van Moore, terwijl Naum Gabo, Roland Penrose, Cecil Stephenson en de kunstcriticus Herbert Read ook in de buurt woonden (Read noemde de buurt “een nest van zachtaardige kunstenaars”). Het gebied was ook een stopplaats voor veel gevluchte kunstenaars, architecten en ontwerpers van het Europese vasteland op weg naar Amerika.

In 1932, na zes jaar les te hebben gegeven aan het Royal College, werd Moore hoofd van de afdeling beeldhouwkunst aan de Chelsea School of Art. In artistiek opzicht zouden Moore, Hepworth en andere leden van The Seven and Five Society steeds abstracter werk ontwikkelen, deels beïnvloed door hun veelvuldige reizen naar Parijs en hun contact met vooraanstaande progressieve kunstenaars, met name Pablo Picasso, Georges Braque, Jean Arp en Alberto Giacometti. Moore flirtte met het surrealisme en sloot zich aan bij Paul Nash”s moderne kunstbeweging “Unit One”, in 1933. In 1934 bezocht Moore Spanje; hij bezocht de grot van Altamira (die hij beschreef als de “Koninklijke Academie voor Grotschilderkunst”), Madrid, Toledo en Pamplona.

In 1936 sloot Moore zich aan bij een groep surrealistische kunstenaars, opgericht door Roland Penrose, en in datzelfde jaar was hij honorair penningmeester van het organisatiecomité van de Londense Internationale Surrealistische Tentoonstelling. In 1937 kocht Roland Penrose een abstracte ”Moeder en kind” in steen van Moore, dat hij in de voortuin van zijn huis in Hampstead tentoonstelde. Het werk bleek controversieel bij andere bewoners en de lokale pers voerde de volgende twee jaar een campagne tegen het werk. In deze periode stapte Moore geleidelijk over van direct beeldhouwen naar bronsgieten, waarbij hij voorlopige maquettes boetseerde in klei of gips in plaats van voorbereidende tekeningen te maken.

In 1938 ontmoette Moore Kenneth Clark voor het eerst. Vanaf dat moment werd Clark een onwaarschijnlijke maar invloedrijke voorvechter van Moore”s werk, en door zijn positie als lid van de Arts Council of Great Britain verzekerde hij tentoonstellingen en opdrachten voor de kunstenaar.

Tweede Wereldoorlog

Bij het uitbreken van de Tweede Wereldoorlog werd de Chelsea School of Art geëvacueerd naar Northampton en Moore legde zijn onderwijspost neer. Tijdens de oorlog maakte Moore krachtige tekeningen van Londenaren die in de Londense ondergrondse sliepen en schuilden voor de Blitz. Kenneth Clark, de voorzitter van het War Artists” Advisory Committee (WAAC), had eerder geprobeerd Moore aan te werven als full-time oorlogskunstenaar in loondienst en stemde nu in met de aankoop van enkele van de schuiltekeningen en gaf contracten uit voor verdere voorbeelden. De schuiltekeningen die WAAC verwierf werden voltooid tussen de herfst van 1940 en de lente van 1941 en worden beschouwd als een van de beste producten van het WAAC-programma. In augustus 1941 gaf WAAC Moore de opdracht om mijnwerkers te tekenen die ondergronds werkten in de Wheldale Colliery in Yorkshire, waar zijn vader aan het begin van de eeuw had gewerkt. Moore tekende de mensen in de schuilkelders als passief wachtend op het alles veilig terwijl de mijnwerkers agressief de kolenvelden bewerkten. Deze tekeningen droegen bij aan Moore”s internationale reputatie, vooral in Amerika waar voorbeelden werden opgenomen in de WAAC Britain at War tentoonstelling die gedurende de oorlog door Noord-Amerika toerde.

Nadat hun huis in Hampstead in september 1940 door bomscherven was getroffen, verlieten Moore en Irina Londen om in een boerderij te gaan wonen, Hoglands genaamd, in het gehucht Perry Green bij Much Hadham, Hertfordshire. Dit zou Moore”s huis en werkplaats worden voor de rest van zijn leven. Hoewel hij later in zijn leven aanzienlijke rijkdom verwierf, voelde Moore nooit de behoefte om naar een groter pand te verhuizen en, afgezien van de toevoeging van een aantal bijgebouwen en ateliers, veranderde het huis in de loop der jaren weinig. In 1943 kreeg hij een opdracht van de St Matthew”s Church, Northampton, om een Madonna met kind te hakken; dit beeld was het eerste in een belangrijke serie van familiegroep sculpturen.

Latere jaren

Na de oorlog en na verschillende miskramen, beviel Irina in maart 1946 van hun dochter, Mary Moore. Het kind werd vernoemd naar Moore”s moeder, die twee jaar eerder was overleden. Zowel het verlies van zijn moeder als de komst van een baby richtten Moore”s gedachten op het gezin, wat hij tot uitdrukking bracht in zijn werk door veel “moeder-en-kind” composities te maken, hoewel liggend en inwendig

Voor de oorlog was Moore benaderd door Henry Morris, die het onderwijs probeerde te hervormen met zijn concept van het Village College. Morris had Walter Gropius aangetrokken als architect voor zijn tweede dorpscollege in Impington bij Cambridge, en hij wilde dat Moore een groot publiek beeldhouwwerk voor de locatie zou ontwerpen. De County Council kon zich echter niet het volledige ontwerp van Gropius veroorloven, en het project werd teruggeschroefd toen Gropius naar Amerika emigreerde. Wegens geldgebrek moest Morris Moore”s beeldhouwwerk, dat niet verder was gekomen dan het maquette-stadium, annuleren. Moore kon het ontwerp in 1950 hergebruiken voor een soortgelijke opdracht voor een middelbare school in de nieuwe stad Stevenage. Ditmaal werd het project voltooid en werd Family Group Moore”s eerste grote openbare bronzen beeld.

In de jaren vijftig begon Moore steeds grotere opdrachten te krijgen. Hij exposeerde Reclining Figure: Festival op het Festival of Britain in 1951, en in 1958 maakte hij een grote marmeren liggende figuur voor het UNESCO-gebouw in Parijs. Met veel meer openbare kunstwerken nam de schaal van Moore”s sculpturen aanzienlijk toe en hij begon een toenemend aantal assistenten in dienst te nemen om in Much Hadham met hem samen te werken, waaronder Anthony Caro

Op de campus van de Universiteit van Chicago werd in december 1967, op de minuut af 25 jaar nadat het team natuurkundigen onder leiding van Enrico Fermi de eerste gecontroleerde, zichzelf in stand houdende nucleaire kettingreactie tot stand bracht, Moore”s Nuclear Energy onthuld op de plaats van wat ooit de tribune van het voetbalveld van de universiteit was, in de rackets-baan waaronder de experimenten hadden plaatsgevonden. Vaak wordt gedacht dat dit 12 voet hoge kunstwerk in het midden van een groot, open plein een paddestoelwolk voorstelt met daarop een massieve menselijke schedel, maar Moore”s interpretatie was heel anders. Hij vertelde ooit aan een vriend dat hij hoopte dat kijkers “er omheen zouden gaan, naar buiten kijkend door de open ruimtes, en dat ze het gevoel zouden krijgen dat ze in een kathedraal waren”. In Chicago, Illinois, herdacht Moore ook de wetenschap met een grote bronzen zonnewijzer, plaatselijk Man Enters the Cosmos (1980) genoemd, die in opdracht was gemaakt ter erkenning van het ruimteverkenningsprogramma.

De laatste drie decennia van Moore”s leven gingen op dezelfde voet verder; er vonden verschillende grote retrospectieven plaats over de hele wereld, met name een zeer prominente tentoonstelling in de zomer van 1972 op het terrein van het Forte di Belvedere bij Florence. Na de baanbrekende documentaire ”Henry Moore”, geproduceerd door John Read in 1951, verscheen hij in vele films. Zo was Moore in 1964 te zien in de documentaire “5 British Sculptors (Work and Talk)” van de Amerikaanse filmmaker Warren Forma. Tegen het einde van de jaren 1970 waren er zo”n 40 tentoonstellingen per jaar met zijn werk. Het aantal opdrachten bleef toenemen; hij voltooide Knife Edge Two Piece in 1962 voor College Green bij de Houses of Parliament in Londen. Moore zegt hierover: “Toen ik het terrein bij het House of Lords aangeboden kreeg… vond ik de plek zo mooi dat ik niet de moeite nam om naar een alternatieve plek in Hyde Park te gaan kijken – één eenzame sculptuur kan verloren gaan in een groot park. De plaats van het Hogerhuis is heel anders. Het staat naast een pad waar mensen langs lopen en het heeft een paar zitjes waar ze kunnen zitten en erover nadenken.”

Naarmate zijn rijkdom groeide, begon Moore zich zorgen te maken over zijn nalatenschap. Met de hulp van zijn dochter Mary richtte hij in 1972 de Henry Moore Trust op, met de bedoeling zijn nalatenschap te beschermen tegen successierechten. Tegen 1977 betaalde hij bijna een miljoen pond per jaar aan inkomstenbelasting; om zijn belastingdruk te verlichten richtte hij de Henry Moore Foundation op als een geregistreerde liefdadigheidsinstelling met Irina en Mary als trustees. De stichting werd opgericht om het publiek aan te moedigen de beeldende kunsten en in het bijzonder de werken van Moore te waarderen. De stichting beheert nu zijn huis en landgoed in Perry Green, met een galerie, een beeldenpark en ateliers.

In 1979 werd Henry Moore onverwacht bekend in Duitsland toen zijn beeldhouwwerk Large Two Forms werd geïnstalleerd op het voorplein van de Duitse Kanselarij in Bonn, de hoofdstad van West-Duitsland vóór de Duitse hereniging in oktober 1990.

Moore overleed op 31 augustus 1986 in zijn huis in Perry Green. Zijn lichaam werd bijgezet op het kerkhof van St Thomas”s Church.

.

Moore”s kenmerkende vorm is een liggende figuur. Moore”s verkenning van deze vorm, onder invloed van de Tolteek-Mayaanse figuur die hij in het Louvre had gezien, zou hem naar toenemende abstractie leiden naarmate hij zijn gedachten verlegde naar het experimenteren met de elementen van de vormgeving. Moore”s vroegere liggende figuren handelen hoofdzakelijk over massa, terwijl zijn latere figuren de solide elementen van het beeldhouwwerk contrasteren met de ruimte, niet alleen eromheen maar in het algemeen er doorheen, omdat hij de vormen doorboorde met openingen.

Eerdere figuren zijn op een conventionele manier doorboord, waarbij gebogen ledematen zich van het lichaam scheiden en zich weer bij het lichaam voegen. De latere, meer abstracte figuren zijn vaak doorboord door ruimtes die dwars door het lichaam lopen, waarbij Moore concave en convexe vormen verkent en afwisselt. Deze extremere piercings ontwikkelden zich parallel met de sculpturen van Barbara Hepworth. Hepworth doorboorde voor het eerst een torso nadat ze een recensie van een van Henry Moore”s vroege shows verkeerd had gelezen. De gipsen Liggende figuur: Festival (1951) in de Tate, is kenmerkend voor Moore”s latere sculpturen: een abstracte vrouwenfiguur doorsneden met leegtes. Zoals veel van het naoorlogse werk, zijn er verschillende bronzen afgietsels van dit beeld. Toen Moore”s nichtje vroeg waarom zijn sculpturen zulke eenvoudige titels hadden, antwoordde hij,

Alle kunst moet een zeker mysterie hebben en moet eisen stellen aan de toeschouwer. Door een beeldhouwwerk of een tekening een te expliciete titel te geven, wordt een deel van dat mysterie weggenomen, zodat de toeschouwer naar het volgende voorwerp gaat en geen moeite doet om na te denken over de betekenis van wat hij zojuist heeft gezien. Iedereen denkt dat hij of zij kijkt, maar eigenlijk doet hij of zij dat niet, weet je.

Moore”s vroege werk is gericht op direct houtsnijwerk, waarbij de vorm van het beeld evolueert naarmate de kunstenaar herhaaldelijk het blok weghakt. In de jaren dertig liep Moore”s overgang naar het modernisme parallel met die van Barbara Hepworth; de twee wisselden nieuwe ideeën uit met elkaar en met verschillende andere kunstenaars die toen in Hampstead woonden. Moore maakte veel voorbereidende schetsen en tekeningen voor elk beeldhouwwerk. De meeste van deze schetsboeken zijn bewaard gebleven en geven inzicht in Moore”s ontwikkeling. Hij hechtte veel belang aan tekenen; op hoge leeftijd, toen hij artritis had, bleef hij tekenen.

Na de Tweede Wereldoorlog kregen Moore”s bronzen beelden een grotere schaal, die bijzonder geschikt was voor openbare kunstopdrachten. Uit praktische overwegingen liet hij het directe beeldhouwen grotendeels achter zich en nam verscheidene assistenten aan om de grotere vormen op basis van maquettes te helpen vervaardigen. Tegen het einde van de jaren 1940 vervaardigde hij steeds meer sculpturen door ze te modelleren, waarbij hij de vorm uitwerkte in klei of gips alvorens het uiteindelijke werk in brons te gieten met behulp van de verloren-wastechniek. Deze maquettes begonnen vaak als kleine vormen die door Moore”s handen waren gevormd – een proces dat zijn werk een organisch gevoel geeft. In zijn huis in Much Hadham legde Moore een collectie aan van natuurlijke voorwerpen: schedels, drijfhout, kiezels, rotsen en schelpen, die hij gebruikte als inspiratie voor organische vormen. Voor zijn grootste werken maakte hij meestal een werkmodel op halve schaal, voordat hij de schaal vergrootte voor het uiteindelijke gieten in een bronsgieterij. Moore verfijnde vaak de uiteindelijke volledige gipsen vorm en voegde oppervlaktetekens toe voordat hij ging gieten.

Moore maakte tenminste drie belangrijke voorbeelden van architectonische beeldhouwkunst tijdens zijn carrière. In 1928 aanvaardde hij, ondanks zijn zelf beschreven “extreme terughoudendheid”, zijn eerste openbare opdracht voor West Wind voor het Londense metrogebouw op 55 Broadway in Londen, waarbij hij zich aansloot bij het gezelschap van Jacob Epstein en Eric Gill. In 1953 voltooide hij een vierdelig betonnen scherm voor het Time-Life Building in New Bond Street, Londen, en in 1955 wijdde Moore zich aan zijn eerste en enige werk in gebeeldhouwde baksteen, “Wall Relief” in het Bouwcentrum in Rotterdam. Het baksteenreliëf werd met 16.000 bakstenen gebeeldhouwd door twee Nederlandse metselaars onder toezicht van Moore.

De nasleep van de Tweede Wereldoorlog, de Holocaust en het tijdperk van de atoombom brachten de beeldhouwkunst in het midden van de jaren veertig het gevoel bij dat de kunst moest terugkeren naar haar pre-culturele en pre-rationele oorsprong. In de literatuur van die tijd bepleitten schrijvers als Jean-Paul Sartre een soortgelijke reductieve filosofie. Tijdens een inleidende toespraak in New York City voor een tentoonstelling van een van de beste modernistische beeldhouwers, Alberto Giacometti, had Sartre het over “Het begin en het einde van de geschiedenis”. Moore”s gevoel dat Engeland onverslagen uit een belegering te voorschijn kwam, leidde ertoe dat hij zich concentreerde op stukken die gekenmerkt werden door duurzaamheid en continuïteit.

De meeste beeldhouwers die opkwamen tijdens het hoogtepunt van Moore”s roem, en in de nasleep van zijn dood, bevonden zich in zijn schaduw. Tegen het eind van de jaren veertig was Moore een wereldwijde beroemdheid; hij was de stem van de Britse beeldhouwkunst, en van het Britse modernisme in het algemeen. De volgende generatie werd voortdurend met hem vergeleken, en reageerde door zijn nalatenschap, zijn “establishment” geloofsbrieven en zijn positie in twijfel te trekken. Op de Biënnale van Venetië van 1952 stelden acht nieuwe Britse beeldhouwers hun Geometry of Fear-werken op als een direct contrast met de idealen achter Moore”s idee van Endurance, Continuity; zijn grote bronzen Double Standing Figure stond buiten het Britse paviljoen, en contrasteerde sterk met de ruwere en hoekigere werken binnen.

Toch had Moore een directe invloed op verschillende generaties beeldhouwers van zowel Britse als internationale reputatie. Onder de kunstenaars die het belang van Moore voor hun werk hebben erkend zijn Sir Anthony Caro en Isaac Witkin, die alle drie assistenten van Moore zijn geweest. Andere kunstenaars wier werk door hem werd beïnvloed zijn Helaine Blumenfeld, Drago Marin Cherina, Lynn Chadwick, Eduardo Paolozzi, Bernard Meadows, Reg Butler, William Turnbull, Robert Adams, Kenneth Armitage, en Geoffrey Clarke.

De Henry Moore Foundation helpt zijn nalatenschap in stand te houden door beeldhouwers te steunen en tentoonstellingen te maken, met als doel waardering voor beeldende kunst te ontwikkelen. De Stichting werd in 1977 door Henry en zijn familie in Engeland opgericht, en is nog steeds actief.

Controverse

In december 2005 werd de twee ton wegende Liggende figuur (1969-70) – verzekerd voor 3 miljoen pond – met een kraan van het terrein van de Henry Moore Foundation op een vrachtwagen getakeld en niet teruggevonden. Twee mannen werden in 2012 tot een jaar gevangenisstraf veroordeeld voor het stelen van een sculptuur genaamd Sundial (1965) en de bronzen sokkel van een ander werk, ook uit het landgoed van de stichting. In oktober 2013 werd Standing Figure (1950), een van de vier Moore-werken in Glenkiln Sculpture Park, met een geschatte waarde van 3 miljoen pond, gestolen.

In 2012 kondigde de gemeenteraad van de London Borough of Tower Hamlets zijn plannen aan om een andere versie te verkopen van Draped Seated Woman 1957-58, een bronzen beeld van 1,6 ton. Moore, een bekend socialist, had het beeld voor een fractie van de marktwaarde verkocht aan de voormalige London County Council, met dien verstande dat het in een openbare ruimte zou worden tentoongesteld en een verrijking zou zijn voor de bewoners van een sociaal achtergesteld gebied. Het beeld, dat de bijnaam Old Flo kreeg, werd in 1962 in de wijk Stifford geïnstalleerd, maar werd door vandalisme in 1997 naar het Yorkshire Sculpture Park overgebracht. De gemeenteraad van Tower Hamlets overwoog later om de Draped Seated Woman te verplaatsen naar privéterrein in Canary Wharf, maar koos ervoor om “de mogelijkheden voor een verkoop te onderzoeken”. Als reactie op de aankondiging verscheen in The Guardian een open brief, ondertekend door Mary Moore, de dochter van de kunstenaar, door Sir Nicholas Serota, directeur van de Tate Gallery, door filmmaker Danny Boyle, en door kunstenaars waaronder Jeremy Deller. In de brief staat dat de verkoop “ingaat tegen de geest van Henry Moore”s oorspronkelijke verkoop” van het werk.

Populair belang

Tegenwoordig beheert de Henry Moore Foundation het voormalige huis van de kunstenaar in Perry Green in Hertfordshire als een bezoekersbestemming, met 70 hectare aan beeldentuinen en zijn gerestaureerde huis en ateliers. De stichting beheert ook het Henry Moore Institute in Leeds, dat tentoonstellingen en onderzoeksactiviteiten op het gebied van internationale beeldhouwkunst organiseert. Sommigen vonden dat de belangstelling voor Moore”s werk in het VK een tijdje was afgenomen, maar de laatste tijd is die belangstelling weer toegenomen door tentoonstellingen in onder meer Kew Gardens in 2007, Tate Britain in 2010, en Hatfield House in 2011. De door hem opgerichte stichting blijft door haar beurzen en tentoonstellingsprogramma een essentiële rol spelen bij de bevordering van hedendaagse kunst in het Verenigd Koninkrijk en daarbuiten.

Engeland

De grootste collectie van Moore”s werk ter wereld is opengesteld voor het publiek en is ondergebracht in het huis en het terrein van het 40 hectare grote landgoed in Perry Green in Hertfordshire, waar Moore 40 jaar lang woonde. Het terrein en de collectie zijn nu eigendom van de Henry Moore Foundation.

In december 2005 drongen dieven een binnenplaats van de Henry Moore Foundation binnen en stalen een afgietsel van Moore”s Liggende figuur 1969-70 (LH 608) – een 3,6 meter lange, 2,1 ton wegende bronzen sculptuur. Op beelden van een gesloten televisiecircuit was te zien dat zij een kraan gebruikten om het stuk op een gestolen dieplader te laten zakken. De stichting loofde een aanzienlijke beloning uit voor informatie die zou leiden tot het terugvinden van het beeld. In mei 2009, na een grondig onderzoek, zeiden de Britse ambtenaren dat ze geloven dat het werk, dat ooit getaxeerd was op 3 miljoen pond, waarschijnlijk verkocht was voor schroot en ongeveer 5.000 pond opbracht. In juli 2012 werd de 22 inch (56 cm) bronzen Zonnewijzer 1965, getaxeerd op £500.000, gestolen uit de Moore Foundation. Later dat jaar, nadat de details van de diefstal bekend waren gemaakt in het BBC-televisieprogramma Crimewatch, werd het werk teruggevonden en werden de dieven veroordeeld tot twaalf maanden hechtenis.

Moore schonk in 1978 36 sculpturen, tekeningen, maquettes en andere werken aan de Tate Gallery.

Toronto

Het Henry Moore Sculpture Centre in de Art Gallery of Ontario, Toronto, werd in 1974 geopend. Het omvat ”s werelds grootste openbare collectie van Moore”s werk, waarvan het grootste deel door hem geschonken is tussen 1971 en 1974. Moore”s Three Way Piece No. 2 (The Archer) is sinds 1966 ook te zien op Nathan Phillips Square in het stadhuis van Toronto.

In 1948 won Moore de Internationale Prijs voor Beeldhouwkunst op de Biënnale van Venetië. In 1951 wees hij een ridderorde af, omdat hij vond dat de toekenning van een ridderorde zou leiden tot een beeld van hem als een establishmentfiguur en dat “zo”n titel me zou kunnen afsnijden van collega-kunstenaars wier werk gelijksoortige doelen heeft als het mijne”. Hij werd echter wel onderscheiden met de Companion of Honour in 1955, en met de Erasmusprijs in 1968.

Hij was trustee van zowel de National Gallery als de Tate Gallery. Zijn voorstel om een vleugel van de laatste te wijden aan zijn beeldhouwwerken riep bij sommige kunstenaars vijandigheid op. In 1975 werd hij de eerste voorzitter van de Turner Society, die was opgericht om campagne te voeren voor een apart museum waarin het hele Turner Bequest zou kunnen worden samengebracht, een doel dat door de National Gallery en de Tate Gallery was afgewezen.

Knife Edge Two Piece 1962-65 werd in 1967 door Moore en de Contemporary Art Society geschonken aan de stad Londen. Het hangt in Abingdon Street Gardens, tegenover de Houses of Parliament, waar het regelmatig op de achtergrond te zien is bij nieuwsuitzendingen van Westminster, wat het tot Moore”s meest prominente werk in Groot-Brittannië maakt. Het eigendom van Knife Edge Two Piece 1962-65 werd betwist tot het in 2011 werd aangekocht door de Parliamentary Art Collection.

Tegen het einde van zijn carrière was Moore ”s werelds meest succesvolle levende kunstenaar op veilingen. In 1982, vier jaar voor zijn dood, verkocht Sotheby”s in New York een 6 ft Reclining Figure (1945), voor $1.2 miljoen aan verzamelaar Wendell Cherry. Hoewel een eerste record van 4,1 miljoen dollar werd gevestigd in 1990, zakte Moore”s markt in tijdens de recessie die volgde. In 2012 werd zijn acht meter hoge brons, Reclining Figure: Festival (1951) voor een recordbedrag van 19,1 miljoen pond verkocht bij Christie”s, waarmee hij na Francis Bacon de duurste Britse kunstenaar van de 20ste eeuw werd.

Bronnen

  1. Henry Moore
  2. Henry Moore
  3. ^ Grohmann, 16.
  4. ^ “1898–1925: Childhood and Education”. Henry Moore Foundation. Retrieved 24 January 2017.
  5. ^ Grohmann, 15.
  6. (en) Norfolk Museums & Archaeology Service. pag 1
  7. a b c d e f g h i j Henry Moore Foundation
  8. Grohmann, 16
  9. Grohmann, 15.
  10. Moore, Henry; Beckett, Jane; Russell, Fiona. “Henry Moore”. Ashgate, 2003. ISBN 0-7546-0836-0
  11. 1953 : Londres, 1958 : Harvard, 1959 : Cambridge et Reading, 1968 : Toronto et d”autres, Russoli, Mitchinson, Moore p. 304-305.
  12. For me, the war passed in a romantic haze of hoping to be a hero. Sometimes in France there were 3 or 4 days of great danger, when you thought there wasn”t any chance of getting through. Then all one felt was sadness, at having taken so much trouble for no purpose. But on the whole I enjoyed the army.” And again in 1986, shortly before his death, he said: « I was not horrified by war, I wanted to win a medal. »
  13. a b c d e f g «Biography: 1898 – 1925» (en inglés). Henry Moore Foundation. Archivado desde el original el 4 de agosto de 2013. Consultado el 2 de enero de 2010.
  14. a b c d e f g h i j Chilvers, Ian; Arturo Colorado Castellary y Teresa Garín Sanz de Bremond. Diccionario del arte del siglo XX. Madrid: Editorial Complutense. pp. 545-546. ISBN 8-474-91600-3.  La referencia utiliza el parámetro obsoleto |coautores= (ayuda)
  15. a b «Yellow Brick Studio (Carving Studio)» (en inglés). Henry Moore Foundation. Archivado desde el original el 12 de marzo de 2010. Consultado el 2 de enero de 2010.
  16. «Henry Moore: Abstraction and Surrealism: The 1930s» (en inglés). Galería Nacional de Arte (Washington). Archivado desde el original el 15 de enero de 2009. Consultado el 24 de enero de 2009.