Renacimiento

Resumen

Renacimiento, Renacimiento o Renacimiento-ecentismo son los términos utilizados para identificar el periodo de la historia europea que se extiende aproximadamente desde mediados del siglo XIV hasta finales del siglo XVI. Sin embargo, los estudiosos no han llegado a un consenso sobre esta cronología, con considerables variaciones en las fechas según el autor. Aunque las transformaciones fueron bastante evidentes en la cultura, la sociedad, la economía, la política y la religión, caracterizando la transición del feudalismo al capitalismo y significando una evolución en relación con las estructuras medievales, el término se utiliza más comúnmente para describir sus efectos en las artes, la filosofía y las ciencias.

Se llamó Renacimiento por la intensa revalorización de los referentes de la Antigüedad clásica, que orientó un progresivo ablandamiento de la influencia del dogmatismo religioso y del misticismo en la cultura y la sociedad, con una concomitante y creciente valoración de la racionalidad, la ciencia y la naturaleza. En este proceso, el ser humano fue investido de una nueva dignidad y colocado en el centro de la Creación, por lo que la principal corriente de pensamiento de este periodo recibió el nombre de humanismo.

El movimiento se manifestó primero en la región italiana de la Toscana, teniendo como centros principales las ciudades de Florencia y Siena, desde donde se extendió al resto de la península italiana y luego a prácticamente todos los países de Europa Occidental, impulsado por el desarrollo de la prensa y la circulación de artistas y obras. Italia siguió siendo siempre el lugar donde el movimiento presentó su expresión más típica, aunque también se produjeron manifestaciones renacentistas de gran importancia en Inglaterra, Francia, Alemania, Holanda y la Península Ibérica. La difusión internacional de las referencias italianas produjo en general un arte muy diferente de sus modelos, influenciado por las tradiciones regionales, que para muchos se define mejor como un nuevo estilo, el manierismo. El término Renacimiento fue registrado por primera vez por Giorgio Vasari en el siglo XVI, un historiador que se esforzó por situar a Florencia como protagonista de todas las innovaciones más importantes, y sus escritos ejercieron una influencia decisiva en la crítica posterior.

Durante mucho tiempo se consideró en Estados Unidos y Europa como un movimiento homogéneo, coherente y siempre progresivo, como el periodo más interesante y fructífero desde la antigüedad, y una de sus fases, el Alto Renacimiento, se consagró como la apoteosis de la larga búsqueda anterior de la expresión más sublime y la imitación más perfecta de los clásicos, y su legado artístico se consideró un paradigma insuperable de calidad. Sin embargo, los estudios de las últimas décadas han revisado estas visiones tradicionales, considerándolas insustanciales o estereotipadas, y han visto el periodo como mucho más complejo, diverso, contradictorio e imprevisible de lo que se había supuesto durante generaciones. El nuevo consenso que se ha impuesto, sin embargo, reconoce el Renacimiento como un hito importante en la historia europea, como una fase de cambios rápidos y relevantes en muchos ámbitos, como una constelación de signos y símbolos culturales que definieron gran parte de lo que era Europa hasta la Revolución Francesa, y que sigue siendo ampliamente influyente aún hoy en muchas partes del mundo, tanto en los círculos académicos como en la cultura popular.

El humanismo puede señalarse como el principal valor cultivado en el Renacimiento, basado en conceptos que tenían un origen remoto en la Antigüedad clásica. Según Lorenzo Casini, «uno de los fundamentos del movimiento renacentista fue la idea de que el ejemplo de la Antigüedad clásica constituía un modelo de excelencia inestimable en el que los tiempos modernos, tan decadentes e indignos, podían mirarse para reparar el daño causado desde la caída del Imperio Romano». También se entendía que Dios había dado una sola Verdad al mundo, la que había producido el cristianismo y que sólo él había conservado en su totalidad, pero se habían concedido fragmentos de ella a otras culturas, destacando entre ellas la grecorromana, y por ello se tenía en gran estima lo que quedaba de la Antigüedad en bibliografía y otras reliquias.

Varios elementos contribuyeron al nacimiento en Italia del humanismo en su forma más típica. El recuerdo de las glorias del Imperio Romano conservado en ruinas y monumentos, y la supervivencia del latín como lengua viva son aspectos relevantes. Las obras de gramáticos, comentaristas, médicos y otros eruditos mantenían en circulación referencias al clasicismo, y la preparación de abogados, secretarios, notarios y otros funcionarios exigía generalmente el estudio de la retórica y la legislación latinas. La herencia clásica nunca había desaparecido del todo para los italianos, y la Toscana estaba fuertemente asociada a ella. Pero aunque allí había sobrevivido este cultivo de los clásicos, era pobre si se compara con el interés que suscitaban los autores antiguos en Francia y otros países nórdicos al menos desde el siglo IX. Fue cuando la moda clasicista empezó a decaer en Francia, a finales del siglo XIII, cuando empezó a calentarse en el centro de Italia, y parece que en parte se debió a la influencia francesa. Tradicionalmente se llama a Petrarca (1304-1374) el fundador del humanismo, pero teniendo en cuenta la existencia de varios precursores notables, como Giovanni del Virgilio en Bolonia, o Albertino Mussato en Padua, más que un fundador, fue el primer gran exponente del movimiento.

Más que una filosofía, el humanismo fue también un movimiento literario y un método de aprendizaje que tenía un amplio abanico de intereses, en el que la filosofía no era el único y quizá ni siquiera el predominante. Valoraba más el uso de la razón individual y el análisis de las pruebas empíricas, a diferencia de la escolástica medieval, que se limitaba básicamente a consultar las autoridades del pasado, principalmente Aristóteles y los primeros Padres de la Iglesia, y a debatir las diferencias entre autores y comentaristas. El humanismo no descartó estas fuentes, y una parte no despreciable de su formación deriva de los fundamentos medievales, pero comenzó a reexaminarlas a la luz de nuevas proposiciones y de otros muchos textos antiguos que fueron redescubiertos. En la descripción de la Enciclopedia Británica,

El humanismo se consolidó a partir del siglo XV, principalmente a través de los escritos de Marsilio Ficino, Lorenzo Valla, Leonardo Bruni, Poggio Bracciolini, Erasmo de Rotterdam, Rodolfo Agrícola, Pico della Mirandola, Petrus Ramus, Juan Luis Vives, Francis Bacon, Michel de Montaigne, Bernardino Telesio, Giordano Bruno, Tommaso Campanella y Tomás Moro, entre otros, que discutieron diversos aspectos del mundo natural, del hombre, de lo divino, de la sociedad, de las artes y el pensamiento, incorporando una plétora de referencias de la antigüedad puestas en circulación a través de textos hasta ahora desconocidos -griegos, latinos, árabes, judíos, bizantinos y de otros orígenes- que representan escuelas y principios tan diversos como el neoplatonismo, el hedonismo, el optimismo, el individualismo, el escepticismo, el estoicismo, el epicureísmo, el hermetismo, el antropocentrismo, el racionalismo, el gnosticismo, el cabalismo, y muchos otros. Junto a todo ello, la reanudación del estudio de la lengua griega, totalmente abandonada en Italia, permitió reexaminar los textos originales de Platón, Aristóteles y otros autores, generando nuevas interpretaciones y traducciones más precisas, que modificaron la impresión que se tenía de su conjunto de ideas. Pero si el humanismo fue notable por lo que influyó en los campos de la ética, la lógica, la teología, la jurisprudencia, la retórica, la poética, las artes y las humanidades, por la labor de descubrimiento, exégesis, traducción y difusión de los textos clásicos, y por la contribución que hizo a la filosofía del Renacimiento en los ámbitos de la filosofía moral y política, según Smith et alii la mayor parte de la labor específicamente filosófica de la época fue realizada por filósofos formados en la antigua tradición escolástica y seguidores de Aristóteles y por metafísicos seguidores de Platón.

El brillante florecimiento cultural y científico del Renacimiento situó al hombre y a su razonamiento lógico y a la ciencia como medidas y árbitros de la vida manifiesta. Esto dio lugar a sentimientos de optimismo, abriendo positivamente al hombre a lo nuevo y fomentando su espíritu de investigación. El desarrollo de una nueva actitud ante la vida dejó atrás la excesiva espiritualidad del gótico y vio el mundo material con sus bellezas naturales y culturales como un lugar para disfrutar, con un énfasis en la experiencia individual y las posibilidades latentes del hombre. Además, los experimentos democráticos italianos, el creciente prestigio del artista como erudito y no como mero artesano, y una nueva concepción de la educación que valoraba los talentos individuales de cada persona y buscaba desarrollar al hombre como un ser completo e integrado, con la plena expresión de sus facultades espirituales, morales y físicas, alimentaron nuevos sentimientos de libertad social e individual.

Se discutieron las teorías de la perfectibilidad y el progreso, y la preparación que los humanistas propugnaban para la formación del hombre ideal, de cuerpo y espíritu, al mismo tiempo filósofo, científico y artista, amplió la estructura docente medieval del trívio y el cuadrívio, creando en este proceso nuevas ciencias y disciplinas, un nuevo concepto de enseñanza y educación y un nuevo método científico. En este periodo se inventaron diversos instrumentos científicos, se descubrieron varias leyes naturales y objetos físicos hasta entonces desconocidos, y la propia faz del planeta cambió para los europeos tras los descubrimientos de las grandes navegaciones, llevando la física, las matemáticas, la medicina, la astronomía, la filosofía, la ingeniería, la filología y otras diversas ramas del saber a un nivel de complejidad, eficacia y precisión sin precedentes, contribuyendo cada una de ellas a un crecimiento exponencial del conocimiento total, lo que llevó a concebir la historia de la humanidad como una expansión continua y siempre a mejor. Este espíritu de confianza en la vida y en el hombre vincula al Renacimiento con la Antigüedad clásica y define gran parte de su legado. El siguiente pasaje del Pantagruel de François Rabelais (1532) se cita a menudo para ilustrar el espíritu del Renacimiento:

A pesar de la idea que el Renacimiento pudiera hacerse de sí mismo, el movimiento nunca pudo ser una imitación literal de la cultura antigua, pues todo ocurrió bajo el manto del catolicismo, cuyos valores y cosmogonía eran muy diferentes a los del paganismo antiguo. Así, en cierto modo, el Renacimiento fue un intento original y ecléctico de armonizar el neoplatonismo pagano con la religión cristiana, el eros con la charitas, junto con las influencias orientales, judías y árabes, y en el que el estudio de la magia, la astrología y el ocultismo desempeñaron un papel importante en la elaboración de sistemas de disciplina y mejora moral y espiritual y de un nuevo lenguaje simbólico.

Si antes el cristianismo había sido el único camino hacia Dios, que fundamentaba toda la explicación de la vida y del mundo y justificaba el orden social imperante, los humanistas mostrarían que había muchos otros caminos y posibilidades, que no pretendían negar la esencia del credo -esto habría sido imposible de sostener durante mucho tiempo, toda negación radical en aquella época acababa en represión violenta-, sino que transformaban la interpretación de los dogmas y sus relaciones con la vida y los dramas sociales. Esto dio a la religión más flexibilidad y adaptabilidad, pero significó un declive de su prestigio e influencia en la sociedad a medida que el hombre se emancipaba un poco más de su tutela. El pensamiento medieval tendía a ver al hombre como una criatura vil, una «masa de podredumbre, polvo y cenizas», como decía Pedro Damián en el siglo XI. Pero cuando Pico della Mirandola apareció en el siglo XV, el hombre ya representaba el centro del universo, un ser mutante, inmortal, autónomo, libre, creativo y poderoso, haciéndose eco de las voces más antiguas de Hermes Trismegisto («Gran milagro es el hombre») y del árabe Abdala («No hay nada más maravilloso que el hombre»).

Por un lado, algunos de aquellos hombres se veían a sí mismos como herederos de una tradición desaparecida desde hacía mil años, creyendo que en realidad estaban reviviendo una gran cultura antigua, e incluso sintiéndose un poco como contemporáneos de los romanos. Pero había otros que veían su propia época como algo distinto tanto de la Edad Media como de la antigüedad, con un modo de vida nunca visto antes, y a menudo proclamado como la perfección de los siglos. Otras corrientes defendían la percepción de que la historia es cíclica y tiene fases inevitables de auge, apogeo y decadencia, y que el hombre es un ser sometido a fuerzas que escapan a su poder y no tiene un dominio completo sobre sus pensamientos, capacidades y pasiones, ni sobre la duración de su propia vida. Y estaban los descontentos, que no apreciaban la rápida secularización de la sociedad y la ostentación de los ricos, y predicaban una vuelta al misticismo y la austeridad medievales. Investigaciones recientes han demostrado que la multiplicación de obras eclécticas, las metodologías idiosincrásicas, las opiniones divergentes, la ambición de un conocimiento enciclopédico y la redefinición de los cánones estéticos y filosóficos y de los códigos éticos, generaron tanto debate en la época que ha quedado claro que el pensamiento renacentista fue mucho más heterogéneo de lo que se creía, y que el periodo fue tan dinámico y creativo, entre otras cosas, por el volumen de la controversia.

El Renacimiento se ha descrito a menudo como una época optimista -y la documentación demuestra que así se consideraba en su momento en los círculos influyentes-, pero cuando se enfrentaron a la vida fuera de los libros sus filósofos siempre lucharon para hacer frente al choque entre el idealismo edénico que proponían como herencia natural del hombre, un ser creado a semejanza de Dios, y la dureza brutal de la tiranía política, las revueltas populares y las guerras, las epidemias, la pobreza y el hambre endémicas, y los dramas morales crónicos del hombre común y corriente.

En cualquier caso, el optimismo que se mantenía al menos entre las élites se perdería de nuevo en el siglo XVI, con la reaparición del escepticismo, el pesimismo, la ironía y el pragmatismo en Erasmo, Maquiavelo, Rabelais y Montaigne, que veneraban la belleza de los ideales del clasicismo pero constataban con tristeza la imposibilidad de su aplicación práctica. Mientras que una parte de la crítica entiende este cambio de ambiente como la fase final del Renacimiento, otra parte lo ha definido como una de las bases de un movimiento cultural distinto, el manierismo.

El Renacimiento suele dividirse en tres grandes fases, el Trecento, el Quattrocento y el Cinquecento, que corresponden a los siglos XIV, XV y XVI, con un breve paréntesis entre los dos últimos llamado Alto Renacimiento.

Trecento

El Trecento (siglo XIV) representa la preparación del Renacimiento y es un fenómeno básicamente italiano, más concretamente de la región de la Toscana, y aunque en varios centros hubo en esta época un incipiente proceso de humanización del pensamiento y de alejamiento del gótico, como Pisa, Siena, Padua, Venecia, Verona y Milán, en la mayoría de estos lugares los regímenes de gobierno eran demasiado conservadores para permitir cambios culturales significativos. A Florencia le correspondió asumir la vanguardia intelectual, liderando la transformación del modelo medieval al moderno. Sin embargo, esta centralización en Florencia sólo se hará patente a finales del Trecento.

La identificación de los elementos fundadores del Renacimiento italiano pasa necesariamente por el estudio de la economía y la política florentinas y sus repercusiones sociales y culturales, pero hay muchos aspectos oscuros y el campo está plagado de controversias. Sin embargo, según Richard Lindholm, existe un consenso bastante amplio en que el dinamismo económico, la flexibilidad de la sociedad ante los retos, su capacidad de reacción rápida en tiempos de crisis, su disposición a aceptar riesgos y un sentimiento cívico acalorado a gran escala, fueron factores determinantes para el florecimiento cultural, arquitectónico y artístico que se estaba desarrollando y fortaleciendo.

El sistema de producción desarrollaba nuevos métodos, con una nueva división del trabajo y una progresiva mecanización. La economía florentina estaba impulsada principalmente por la producción y el comercio de tejidos. Era una economía inestable pero dinámica, capaz de realizar adaptaciones radicales ante acontecimientos imprevistos como guerras y epidemias. Alrededor de 1330 se inició un período favorable y, tras la peste de 1348, surgió renovada e incluso más vigorosa, ofreciendo tejidos y prendas de alto lujo y sofisticación.

Desde el siglo anterior, la sociedad toscana había visto crecer una clase media que se emancipó económicamente gracias a la organización en gremios, corporaciones de oficios que monopolizaban la prestación de determinados servicios y la producción de ciertos materiales y artefactos. En Florencia se dividían en dos categorías: las Artes Mayores (Peleteros y Médicos y Boticarios) y las Artes Menores, que incluían un gran número de oficios menos prestigiosos y rentables, como las Artes de Pescadores, Taberneros, Zapateros, Panaderos, Armeros, Herreros, etc. El Arte de la Lana, por ejemplo, controlaba la producción, el teñido y el comercio de telas, cortinas, ropa e hilos de lana, incluidas las operaciones de importación y exportación, controlaba la calidad de los productos, fijaba los precios y evitaba cualquier competencia. Los demás trabajaron de la misma manera. Los gremios eran muchas cosas: una mezcla de sindicato, cofradía, escuela de aprendices de oficios, sociedad de ayuda mutua para los miembros y club social. Los Arts Major se hicieron ricos y poderosos, mantuvieron suntuosas capillas y altares en las principales iglesias y erigieron monumentos. Todos ellos actuaban en notable armonía, teniendo objetivos comunes, y prácticamente dominaban la dirección de los asuntos públicos a través de sus delegados en los consejos cívicos y las magistraturas. Los distintos gremios de cada ciudad empleaban conjuntamente a casi toda la población urbana económicamente activa, y no ser miembro del gremio del propio oficio era un impedimento casi insuperable para el éxito profesional, debido al estricto control que mantenían sobre los mercados y la oferta de mano de obra. Por otra parte, la pertenencia ofrecía ventajas evidentes para el trabajador, y el éxito de este modelo supuso que por primera vez la población pudiera adquirir una vivienda en propiedad a gran escala, un desarrollo que fue acompañado por un mayor interés por las artes y la arquitectura.

Sus dirigentes poseían, por lo general, grandes empresas privadas, gozaban de gran prestigio y ascendían socialmente también asumiendo cargos públicos, mediante el mecenazgo de las artes y la Iglesia, y construyendo mansiones y palacios para vivir, formando un nuevo patriciado. Los grandes empresarios a menudo mantenían intereses paralelos en casas de cambio, precursoras de la banca, y movían fortunas financiando o gestionando los patrimonios de príncipes, emperadores y papas. Esta burguesía empoderada se convirtió en un pilar del gobierno y en un nuevo mercado para el arte y la cultura. Las familias de esta clase, como los Mozzi, los Strozzi, los Peruzzi y los Médicis, pronto pasarían a formar parte de la nobleza y algunas llegarían a gobernar estados.

En este siglo, Florencia vivió intensas luchas de clases, una crisis socioeconómica más o menos crónica y sufrió un claro declive de poder a lo largo del siglo. Era una época en la que los Estados invertían gran parte de sus energías en dos actividades principales: o bien atacaban y saqueaban a sus vecinos y se apoderaban de sus territorios, o bien se situaban en el otro lado, tratando de resistir los ataques. Los dominios de Florencia estaban amenazados desde hacía tiempo, la ciudad se vio envuelta en varias guerras, de las que salió derrotada en la mayoría de los casos, aunque a veces logró brillantes victorias; varios bancos importantes quebraron; sufrió epidemias de peste; La rápida alternancia en el poder de facciones opuestas de güelfos y gibelinos, enzarzados en sangrientas disputas, no permitió la tranquilidad social ni el establecimiento de objetivos político-administrativos a largo plazo, agravándose todo ello con las revueltas populares y el empobrecimiento del campo, pero en el proceso la burguesía urbana haría ensayos democráticos de gobierno. A pesar de las dificultades y crisis recurrentes, Florencia llegaría a mediados de siglo como una ciudad poderosa en la escena italiana; en el último siglo había sido más grande, pero seguía subordinando a varias otras ciudades y mantenía una importante flota mercante y vínculos económicos y diplomáticos con varios estados al norte de los Alpes y alrededor del Mediterráneo. Cabe señalar que la democracia de la república florentina difiere de las interpretaciones modernas del término. En 1426 Leonardo Bruni dijo que la ley reconocía a todos los ciudadanos como iguales, pero en la práctica sólo la élite y la clase media tenían acceso a los cargos públicos y alguna voz real en la toma de decisiones. Gran parte de esto se debe a la casi constante lucha de clases del Renacimiento.

Por otra parte, la aparición de la noción de libre competencia y el fuerte énfasis en el comercio estructuraron el sistema económico según líneas capitalistas y materialistas, donde la tradición, incluida la religiosa, fue sacrificada ante el racionalismo, la especulación financiera y el utilitarismo. Al mismo tiempo, los florentinos nunca desarrollaron, como ocurrió en otras regiones, un prejuicio moral contra los negocios o contra la propia riqueza, considerada como un medio para ayudar al prójimo y participar activamente en la sociedad, y de hecho eran conscientes de que el progreso intelectual y artístico dependía en gran medida del éxito material, pero como la avaricia, el orgullo, la codicia y la usura eran considerados pecados, la Iglesia se asoció a los intereses de los negocios apaciguando los conflictos de conciencia y ofreciendo una serie de mecanismos compensatorios de los deslices.

Se había incorporado a la doctrina la idea de que el perdón de los pecados y la salvación del alma podían ganarse también mediante el servicio público y el embellecimiento de las ciudades e iglesias con obras de arte, además de la práctica de otras acciones virtuosas, como ordenar misas y patrocinar al clero y a las cofradías y sus iniciativas, cosas tan saludables para el espíritu como útiles para aumentar el prestigio del donante. De hecho, la caridad era un importante cemento social y una garantía de seguridad pública. Además de sostener el embellecimiento de las ciudades, también proporcionaba apoyo a los pobres, hospitales, asilos, escuelas y la financiación de muchas demandas administrativas, incluidas las guerras, por lo que los estados siempre tuvieron un gran interés en el buen funcionamiento de este sistema. La cultura pragmática y laica se fortaleció de diversas maneras, junto con la contribución de los humanistas, muchos de los cuales eran consejeros de los príncipes o estaban a cargo de las altas magistraturas cívicas, que transformaron la sociedad e influyeron directamente en el mercado del arte y sus formas de producción, distribución y valoración.

Aunque el cristianismo nunca se hubiera cuestionado seriamente, a finales de siglo se inició un periodo de progresivo declive del prestigio de la Iglesia y de la capacidad de la religión para controlar a las personas y ofrecer un modelo coherente de cultura y sociedad, no sólo por el contexto político, económico y social secularizador, sino también porque los científicos y humanistas empezaron a buscar explicaciones racionales y demostrables a los fenómenos de la naturaleza, cuestionando las explicaciones trascendentales, tradicionales o folclóricas, lo que debilitó el canon religioso y alteró la relación entre Dios, el hombre y el resto de la Creación. De este choque, continuado y renovado a lo largo del Renacimiento, el hombre resurgiría bueno, bello, poderoso, engrandecido, y el mundo pasaría a ser visto como un buen lugar para vivir.

La democracia florentina, por imperfecta que fuera, acabó perdiéndose en una serie de guerras externas y de agitación interna, y en la década de 1370 Florencia parecía dirigirse rápidamente hacia un nuevo gobierno señorial. La movilización de la poderosa familia Albizzi interrumpió este proceso, pero en lugar de preservar el sistema comunal asumió la hegemonía política e instauró una república oligárquica, con el apoyo de aliados del alto patriciado burgués. Al mismo tiempo se formó una oposición, centrada en los Medici, que comenzaban su ascenso. A pesar de la brevedad de estos experimentos de democracia y de la frustración de muchos de sus objetivos ideales, su aparición representó un hito en la evolución del pensamiento político e institucional europeo.

Quattrocento

Después de que Florencia viviera momentos de gran esplendor, el final del Trecento encontró a la ciudad acosada por los avances del Ducado de Milán, perdió varios territorios y todos los antiguos aliados, y vio cortado su acceso al mar. El Quattrocento (siglo XV) se abre con las tropas milanesas a las puertas de Florencia, tras haber devastado el campo en los años anteriores. Pero, de repente, en 1402, un nuevo episodio de peste mató a su general, Giangaleazzo Visconti, y evitó que la ciudad sucumbiera al destino de gran parte del norte y noroeste de Italia, provocando un resurgimiento del espíritu cívico. A partir de entonces, los intelectuales e historiadores locales, inspirados también en el pensamiento político de Platón, Plutarco y Aristóteles, comenzaron a organizar y proclamar el discurso de que Florencia había mostrado una «resistencia heroica» y se había convertido en el mayor símbolo de la libertad republicana, además de ser la dueña de toda la cultura italiana, llamándola La Nueva Atenas.

Combinando la consecución de la independencia con el humanismo filosófico que iba cobrando fuerza, confluyeron algunos de los principales elementos que aseguraron la permanencia de Florencia en la vanguardia política, intelectual y artística. Sin embargo, en la década de 1420, las clases populares se vieron privadas de la mayor parte del poder que habían obtenido y se rindieron ante un nuevo panorama político, dominado durante todo el siglo por el gobierno de los Médicis, un gobierno nominalmente republicano, pero en realidad aristocrático y señorial. Esto supuso una decepción para los burgueses en general, pero reforzó la costumbre del mecenazgo, fundamental para la evolución del clasicismo. La tensión social nunca se sofocó ni se resolvió del todo, y siempre parece haber sido otro fermento importante para el dinamismo cultural de la ciudad.

La expansión de la producción local de tejidos de lujo cesó en la década de 1420, pero los mercados se recuperaron y volvieron a expandirse a mediados de siglo en el comercio de telas españolas y orientales y en la producción de opciones más populares, y a pesar de las habituales convulsiones políticas periódicas, la ciudad atravesó otro periodo de prosperidad e intensificó el mecenazgo artístico, reconquistó territorios y compró el dominio de las ciudades portuarias para reestructurar su comercio internacional. Obtuvo la primacía política en toda la Toscana, aunque Milán y Nápoles siguieron siendo amenazas constantes. La oligarquía burguesa florentina acaparó entonces todo el sistema bancario europeo y adquirió brillo aristocrático y gran cultura, y llenó sus palacios y capillas de obras clasicistas. La ostentación generó un descontento en las clases medias, materializado en una vuelta al idealismo místico del estilo gótico. Estas dos tendencias opuestas marcaron la primera mitad de este siglo, hasta que la pequeña burguesía abandonó sus resistencias, haciendo posible una primera gran síntesis estética que se desbordaría desde Florencia a casi todo el territorio italiano, definida por la primacía del racionalismo y los valores clásicos.

Mientras tanto, el humanismo maduraba y se extendía en Europa a través de Ficino, Rodolphus Agricola, Erasmo de Rotterdam, Mirandola y Tomás Moro. Leonardo Bruni inauguró la historiografía moderna y la ciencia y la filosofía progresaron con Luca Pacioli, János Vitéz, Nicolas Chuquet, Regiomontanus, Nicolau de Cusa y Georg von Peuerbach, entre muchos otros. Al mismo tiempo, el interés por la historia antigua llevó a humanistas como Niccolò de» Niccoli y Poggio Bracciolini a buscar en las bibliotecas de Europa libros perdidos de autores clásicos. De hecho, se encontraron muchos documentos importantes, como el De architectura de Vitruvio, los discursos de Cicerón, los Institutos de Oratoria de Quintiliano, la Argonáutica de Valerio Flaco y el De rerum natura de Lucrecio. La reconquista de la Península Ibérica a los moros también puso a disposición de los eruditos europeos una gran colección de textos de Aristóteles, Euclides, Ptolomeo y Plotino, conservados en traducciones árabes y desconocidos en Europa, y de obras musulmanas de Avicena, Geber y Averroes, contribuyendo notablemente a un nuevo florecimiento de la filosofía, las matemáticas, la medicina y otras especialidades científicas.

El perfeccionamiento de la prensa por Johannes Gutenberg a mediados de siglo facilitó y abarató enormemente la difusión del conocimiento a un público más amplio. El mismo interés por la cultura y la ciencia hizo que se fundaran grandes bibliotecas en Italia, y trató de devolver al latín, convertido en un dialecto multiforme, su pureza clásica, convirtiéndolo en la nueva lengua franca de Europa. La restauración del latín derivó de la necesidad práctica de gestionar intelectualmente esta nueva biblioteca renacentista. Al mismo tiempo, tuvo el efecto de revolucionar la pedagogía, así como de proporcionar un nuevo corpus sustancial de estructuras sintácticas y vocabulario para su uso por parte de humanistas y literatos, que de este modo revistieron sus propios escritos con la autoridad de los antiguos. También fue importante el interés de las élites por el coleccionismo de arte antiguo, estimulando los estudios y las excavaciones que condujeron al descubrimiento de diversas obras de arte, impulsando así el desarrollo de la arqueología e influyendo en las artes visuales.

El erudito griego Manuel Crisoloras, que entre 1397 y 1415 reintrodujo el estudio de la lengua griega en Italia, y con el fin del Imperio Bizantino en 1453 muchos otros intelectuales, como Demetrio Calcondilas, inyectaron más fuerza en este proceso, Jorge de Trebizonda, Juan Argirópulo, Teodoro Gaza y Barlaon de Seminara, emigraron a la península italiana y a otras partes de Europa, difundiendo textos clásicos de filosofía e instruyendo a los humanistas en el arte de la exégesis. Gran parte de lo que hoy se conoce de la literatura y la legislación grecorromana fue conservada por el Imperio bizantino, y este nuevo conocimiento de los textos clásicos originales, así como de sus traducciones, fue, en opinión de Luiz Marques, «una de las mayores operaciones de apropiación de una cultura por otra, comparable en cierta medida a la de Grecia por la Roma de los escitas en el siglo II a.C. Refleja, además, el paso, crucial para la historia del Quattrocento, de la hegemonía intelectual de Aristóteles a la de Platón y Plotino. En esta gran afluencia de ideas se reintrodujo en Italia toda la estructura de la antigua Paideia, un conjunto de principios éticos, sociales, culturales y pedagógicos concebidos por los griegos y destinados a formar un ciudadano modelo. La nueva información y los nuevos conocimientos, así como la transformación concomitante en todos los ámbitos de la cultura, llevaron a los intelectuales a sentir que se encontraban en una fase de renovación comparable a las fases brillantes de las civilizaciones antiguas, en contraposición a la anterior Edad Media, que llegó a ser considerada como una época de oscuridad e ignorancia.

La muerte de Lorenzo de Médicis en 1492, que había gobernado Florencia durante casi treinta años y se había ganado la fama de ser uno de los mayores mecenas del siglo, más el colapso del dominio aristocrático en 1494, supuso el fin de la fase dorada de la ciudad. A lo largo del Quattrocento, Florencia fue el principal -pero nunca el único- centro de difusión del clasicismo y el humanismo en el centro-norte de Italia, y cultivó la cultura que llegó a la fama como la expresión más perfecta del Renacimiento y el modelo con el que se comparaban todas las demás expresiones. Esta tradición laudatoria se fortaleció después de que Vasari lanzara en el siglo XVI sus Vidas de los artistas, hito inaugural de la historiografía artística moderna, que atribuyó a los florentinos un claro protagonismo y una excelencia superior. Esta obra tuvo una amplia repercusión e influyó en el curso de la historiografía durante siglos.

Alto Renacimiento

El Alto Renacimiento abarca cronológicamente los últimos años del Quattrocento y las primeras décadas del Cinquecento, quedando delimitado a grandes rasgos por las obras de madurez de Leonardo da Vinci (a partir de c. 1480) y el saqueo de Roma en 1527. En este periodo, Roma asume la vanguardia artística e intelectual, dejando a Florencia en un segundo plano. Esto se debió principalmente al mecenazgo papal y a un programa de renovación y embellecimiento urbano, que pretendía revitalizar la antigua capital imperial inspirándose, precisamente, en la gloria de los Césares, de la que los papas se creían herederos legítimos. Al mismo tiempo, como sede del papado y plataforma de sus pretensiones imperialistas, reafirmó su condición de «Jefe del Mundo».

Esto se reflejó además en la recreación de prácticas sociales y simbólicas que imitaban las de la antigüedad, como las grandes procesiones triunfales, las suntuosas fiestas públicas, la acuñación de medallas, las grandilocuentes representaciones teatrales llenas de figuras históricas, mitológicas y alegóricas. Roma no había producido hasta entonces ningún gran artista del Renacimiento, y el clasicismo se había plantado gracias a la presencia temporal de artistas de otros lugares. Pero cuando maestros de la talla de Rafael, Miguel Ángel y Bramante se instalaron en la ciudad, se formó una dinámica escuela local que convirtió a la ciudad en el más rico depósito de arte del Alto Renacimiento.

En esta época el clasicismo era la corriente estética dominante en Italia, con muchos e importantes centros de cultivo y difusión. Por primera vez se entendió la antigüedad como una civilización definida, con un espíritu propio, y no como una secuencia de acontecimientos aislados. Al mismo tiempo, este espíritu se identificó como muy cercano al del Renacimiento, haciendo que los artistas e intelectuales sintieran en cierto modo que podían dialogar en pie de igualdad con los maestros del pasado a los que admiraban. Por fin habían «dominado» la lengua que habían recibido, y ahora podían utilizarla con mayor libertad y comprensión.

A lo largo de los siglos se ha ido formando un amplio consenso según el cual el Alto Renacimiento representó la maduración de los ideales más preciados de toda la generación renacentista anterior, el humanismo, la noción de autonomía del arte, la transformación del artista en científico y erudito, la búsqueda de la fidelidad a la naturaleza y el concepto de genio. Recibió el nombre de «Alto» por este supuesto carácter ejemplar, de clímax de una trayectoria de continuo ascenso. No pocos historiadores han recogido apasionados testimonios de admiración por el legado de los artistas de la época, calificándola de «milagrosa», «sublime», «incomparable», «heroica», «trascendente», siendo revestida por la crítica de un aura de nostalgia y veneración durante mucho tiempo. Como ha hecho con todos los consensos y mitos antiguos, la crítica reciente se ha encargado de deconstruir y reinterpretar más esta tradición, considerándola una visión un tanto escapista, esteticista y superficial de un contexto social marcado, como siempre ha sido, por enormes desigualdades sociales, tiranía, corrupción, guerras vanas y otros problemas, «una fantasía hermosa pero finalmente trágica», como ha observado Brian Curran.

Esta sobrevaloración también ha sido criticada por basarse excesivamente en el concepto de genio, atribuyendo todas las aportaciones relevantes a un puñado de artistas, y por identificar como «clásica» y como «la mejor» sólo a una corriente estética concreta, cuando la revisión de las pruebas ha demostrado que tanto la Antigüedad como el Alto Renacimiento fueron mucho más variados de lo que la visión hegemónica pretendía.

Sin embargo, se ha reconocido la importancia histórica del Alto Renacimiento como concepto historiográfico más pero aún muy influyente, y se ha reconocido que las normas estéticas introducidas por Leonardo, Rafael y Miguel Ángel, especialmente, establecieron un canon diferente al de sus predecesores y sumamente exitoso en su aceptación, convirtiéndose igualmente en referencial durante un largo período. Estos tres maestros, a pesar del revisionismo reciente y de la consiguiente relativización de los valores, siguen siendo ampliamente considerados como la máxima expresión de la época y la encarnación más completa del concepto de genio renacentista. Su estilo en esta fase se caracteriza por un clasicismo muy idealizado y suntuoso, que sintetizaba elementos selectos de fuentes clásicas especialmente prestigiosas, despreciando el realismo que aún practicaban algunas corrientes del Quattrocento. Según Hauser,

Durante el exilio de los papas en Aviñón, la ciudad de Roma había entrado en una gran decadencia, pero desde su regreso, el siglo anterior, los pontífices habían tratado de reorganizarla y revitalizarla, empleando un ejército de arqueólogos, humanistas, anticuarios, arquitectos y artistas para estudiar y conservar las ruinas y los monumentos y embellecer la ciudad para que volviera a ser digna de su ilustre pasado. Si para muchos renacentistas se había convertido en una costumbre afirmar que vivían en una nueva Edad de Oro, según Jill Burke, nunca antes se había reafirmado con tanto vigor y empeño como lo hicieron los papas Julio II y León X, principales responsables de convertir a Roma en uno de los mayores y más cosmopolitas centros artísticos europeos de su tiempo y principales proclamadores de la idea de que en su generación los siglos habían alcanzado su perfección.

El corolario del cambio de mentalidad entre el Quattrocento y el Cinquecento es que mientras que en el primero la forma es un fin, en el segundo es un principio; mientras que en el primero la naturaleza proporcionaba los patrones que el arte imitaba, en el segundo la sociedad necesitará del arte para demostrar que tales patrones existen. El arte más prestigioso se volvió fuertemente autorreferencial y alejado de la realidad cotidiana, aunque se impuso a la gente en los principales espacios públicos y en el discurso oficial. Rafael resumió los opuestos en su famoso fresco La escuela de Atenas, uno de los cuadros más importantes del Alto Renacimiento, que resucitó el diálogo filosófico entre Platón y Aristóteles, es decir, entre idealismo y empirismo.

El clasicismo de esta etapa, aunque maduro y rico, logrando conformar obras de gran potencia, tenía una fuerte carga formalista y retrospectiva, por lo que ha sido considerado por algunos críticos recientes como una tendencia más conservadora que progresista. El propio humanismo, en su versión romana, perdió su ardor cívico y anticlerical y fue censurado y domesticado por los papas, convirtiéndolo, en esencia, en una justificación filosófica de su programa imperialista. El código ético que se impuso entre los círculos ilustrados, una construcción abstracta y un teatro social en el sentido más concreto del término, prescribía la moderación, el autocontrol, la dignidad y la cortesía en todo. El cortesano de Baldassare Castiglione es su síntesis teórica.

A pesar del código ético que circulaba entre las élites, las contradicciones y los defectos de la ideología dominante hoy son evidentes para los investigadores. El programa de embellecimiento de Roma ha sido criticado como una iniciativa más destructiva que constructiva que dejó varias obras sin terminar y arrasó o modificó innecesariamente auténticos monumentos y edificios de la antigüedad. Esta sociedad siguió siendo autoritaria, desigual y corrompida, y a juzgar por algunos indicios, parece haber estado inusualmente corrompida, hasta el punto de que sus críticos coetáneos consideraron el saqueo de la ciudad en 1527 un castigo divino por sus crímenes, pecados y escándalos. En este sentido, el otro «libro de texto» importante de la época es El Príncipe de Maquiavelo, un tutorial sobre cómo llegar al poder y mantenerse en él, donde declara que «no hay buenas leyes sin buenas armas», no distinguiendo el Poder de la Autoridad, y legitimando el uso de la fuerza para el control ciudadano. El libro fue una referencia clave para el pensamiento político del Renacimiento en su fase final y una importante inspiración para la filosofía del Estado moderno. Aunque a veces se acusa a Maquiavelo de frialdad, cinismo, cálculo y crueldad, hasta el punto de que la expresión «maquiavélico» procede de él, la obra constituye un valioso documento histórico como análisis exhaustivo de la práctica política y los valores dominantes de la época.

Acontecimientos como el descubrimiento de América y la Reforma Protestante, y técnicas como la imprenta de tipos móviles, transformaron la cultura y la visión del mundo de los europeos, al tiempo que la atención de toda Europa se dirigía hacia Italia y su progreso, con las grandes potencias de Francia, España y Alemania deseando su reparto y convirtiéndola en campo de batalla y saqueo. Con las invasiones que siguieron, el arte italiano extendió su influencia sobre una vasta región del continente.

Cinquecento y manierismo italiano

El Cinquecento (siglo XVI) es la última fase del Renacimiento, cuando el movimiento se transforma y se expande a otras partes de Europa. Tras el saqueo de Roma en 1527 y el desafío de los protestantes a la autoridad papal, el equilibrio político del continente cambió y su estructura sociocultural se tambaleó. Italia sufrió las peores consecuencias: además de ser invadida y saqueada, dejó de ser el centro comercial de Europa al abrirse nuevas rutas comerciales gracias a las grandes navegaciones. Todo el panorama cambió, ya que la influencia católica disminuyó y surgieron sentimientos de pesimismo, inseguridad y alienación, que caracterizaron el ambiente del manierismo.

La caída de Roma significó que ya no había «un» centro que dictara la estética y la cultura. En Florencia, Ferrara, Nápoles, Milán, Venecia y otras muchas ciudades aparecieron escuelas regionales claramente diferenciadas, y el Renacimiento se extendió definitivamente por toda Europa, transformándose y diversificándose profundamente al incorporar un variado conjunto de influencias regionales. El arte de longevos como Miguel Ángel y Tiziano registró con estilo el paso de una época de certeza y claridad a otra de duda y dramatismo. Los logros intelectuales y artísticos del Alto Renacimiento estaban todavía frescos y no podían olvidarse fácilmente, aunque su sustrato filosófico ya no podía seguir siendo válido ante los nuevos hechos políticos, religiosos y sociales. El nuevo arte y arquitectura que se hizo, donde nombres como Parmigianino, Pontormo, Tintoretto, Rosso Fiorentino, Vasari, Palladio, Vignola, Romano, Cellini, Bronzino, Giambologna, Beccafumi, aunque inspirados en la Antigüedad, reorganizaron y tradujeron sus sistemas de proporción y representación espacial y sus valores simbólicos en obras inquietas, distorsionadas, ambivalentes y preciosas.

Este cambio se venía gestando desde hace tiempo. En la década de 1520, el papado se había visto envuelto en tantos conflictos internacionales y la presión a su alrededor era tan grande que pocos dudaban de que Roma estaba condenada, considerando su caída sólo cuestión de tiempo. Desde mucho antes de la catástrofe de 1527 el propio Rafael, tradicionalmente considerado como uno de los más puros representantes de la moderación y el equilibrio considerados típicos del Alto Renacimiento, en varias obras importantes había concebido las escenas con tan fuertes contrastes, los grupos con tanto movimiento, las figuras con tan apasionada expresión, y en posiciones tan antinaturales y retóricas, que según Frederick Hartt podría situarse no sólo como precursor del manierismo, sino también del barroco, y si hubiera vivido más tiempo sin duda habría acompañado a Miguel Ángel y otros en la transición completa a un estilo consistentemente diferenciado del de principios de siglo.

Vasari, uno de los principales estudiosos del Cinquecento, no percibía una solución de continuidad radical entre el Alto Renacimiento y el periodo siguiente en el que él mismo vivió, se consideraba todavía un hombre del Renacimiento y, al explicar las evidentes diferencias entre el arte de los dos periodos, decía que los sucesores de Leonardo, Miguel Ángel y Rafael trabajaban en un «estilo moderno», una «nueva forma», que pretendía imitar algunas de las obras más importantes de la antigüedad que conocían. Se refería principalmente al Grupo del Laocoonte, redescubierto en 1506, causando una gran sensación en los círculos artísticos romanos, y al Torso del Belvedere, que al mismo tiempo empezaba a ser famoso y muy estudiado. Estas obras ejercieron una amplia influencia en los primeros manieristas, incluido Miguel Ángel, aunque no pertenecen al periodo clásico sino al helenístico, que en muchos aspectos era una escuela anticlásica. Los renacentistas tampoco entendían el término «clásico» tal y como se entendía a partir del siglo XVIII, expresión de un ideal de pureza, majestuosidad, perfección, equilibrio, armonía y moderación emocional, síntesis de todo lo bueno, útil y bello, que identificaban existente en la antigua Grecia entre los siglos V y IV a.C. Es difícil determinar cómo percibía el Renacimiento las diferencias entre las contrastadas corrientes estéticas de la cultura grecorromana en su conjunto (la «Antigüedad»), pues casi todas las obras de la Antigüedad a las que tenían acceso en aquella época eran relecturas helenísticas y romanas de modelos griegos perdidos, un repertorio formal muy ecléctico que incorporaba múltiples referentes de casi mil años de historia grecorromana, un periodo en el que se produjeron diversos y dramáticos cambios de gusto y estilo. Parece que veían la Antigüedad más bien como un periodo cultural monolítico, o al menos como uno de cuya colección iconográfica podían extraer elementos elegidos a voluntad para crear una «Antigüedad utilizable», adaptada a las exigencias de la época. El crítico Ascanio Condivi relata un ejemplo de esta postura en Miguel Ángel, diciendo que cuando el maestro quería crear una forma ideal, no se contentaba con observar un solo modelo, sino que buscaba muchos y extraía de cada uno los mejores rasgos. Se dice que Rafael, Bramante y otros utilizaron el mismo enfoque.

Sin embargo, después del siglo XVII y durante mucho tiempo, el manierismo se consideró una degeneración de los auténticos ideales clásicos, desarrollada por artistas perturbados o más preocupados por los caprichos de un virtuosismo mórbido y fútil. Muchos críticos posteriores atribuyeron el dramatismo y la asimetría de las obras del periodo a una imitación exagerada del estilo de Miguel Ángel y Giulio Romano, pero estos rasgos también se interpretaron como el reflejo de una época agitada y desilusionada. Hartt ha señalado la influencia de los movimientos de reforma de la Iglesia en el cambio de mentalidad. La crítica reciente entiende que los movimientos culturales son siempre el resultado de múltiples factores, y el manierismo italiano no es una excepción, pero se considera que fue en esencia el producto de ambientes cortesanos conservadores, un ceremonialismo complejo y una cultura ecléctica y ultrasofisticada, más que un movimiento intencionadamente anticlásico.

En cualquier caso, la polémica tuvo el efecto de dividir a los estudiosos manieristas en dos corrientes principales. Para algunos, la extensión de la influencia italiana por Europa en el Cinquecento produjo expresiones plásticas tan polimorfas y tan distintas de las del Quattrocento y el Alto Renacimiento que se convirtió en un problema describirlas como parte del fenómeno original, pareciéndoles en muchos aspectos una antítesis de los principios clásicos tan apreciados por las fases anteriores, y que definirían el «verdadero» Renacimiento. De este modo, establecieron el manierismo como un movimiento independiente, reconociéndolo como una forma de expresión exquisita, imaginativa y vigorosa, una importancia reforzada por ser la primera escuela de arte moderno. La otra vertiente crítica, sin embargo, lo analiza como una profundización y enriquecimiento de los presupuestos clásicos y como una conclusión legítima del ciclo renacentista; no tanto una negación o distorsión de esos principios, sino una reflexión sobre su aplicabilidad práctica en ese momento histórico y una adaptación -a veces dolorosa pero generalmente creativa y exitosa- a las circunstancias de la época. Para complicar aún más el panorama, la propia identificación de los rasgos característicos del manierismo, así como su cronología y su aplicabilidad a regiones y ámbitos distintos de las artes plásticas, han sido el centro de otra monumental polémica, que muchos consideran insoluble.

Además de los cambios culturales provocados por la reordenación política del continente, el siglo XVI estuvo marcado por otra gran crisis, la Reforma Protestante, que derrocó para siempre la antigua autoridad universal de la Iglesia romana. Uno de los impactos más importantes de la Reforma en el arte del Renacimiento fue la condena de las imágenes sagradas, que despojó a los templos del norte de representaciones pictóricas y escultóricas de santos y personajes divinos, y muchas obras de arte fueron destruidas en oleadas de furia iconoclasta. Con ello, las artes representativas bajo la influencia reformista se volvieron hacia los personajes profanos y la naturaleza. El papado, sin embargo, pronto se dio cuenta de que el arte podía ser un arma eficaz contra los protestantes, ayudando a una evangelización más amplia y más seductora para las grandes masas del pueblo. Durante la Contrarreforma se sistematizaron nuevos preceptos que determinaban detalladamente cómo el artista debía crear obras de tema religioso, buscando enfatizar la emoción y el movimiento, considerados los recursos más inteligibles y atractivos para ganar la simple devoción del pueblo y así asegurar la victoria contra los protestantes. Pero si por un lado la Contrarreforma dio lugar a más encargos de arte sacro, desapareció la antigua libertad de expresión artística que se había visto en fases anteriores, libertad que había permitido a Miguel Ángel decorar su enorme panel del Juicio Final, pintado en el corazón del Vaticano, con una multitud de cuerpos desnudos de gran sensualidad, aunque el ámbito profano siguiera estando poco afectado por la censura.

El Cinquecento fue también la época de fundación de las primeras Academias de Arte, como la Academia de las Artes del Diseño de Florencia y la Academia de San Lucas de Roma, una evolución de los gremios de artistas que instauró el Academicismo como sistema de enseñanza superior y movimiento cultural, normalizando el aprendizaje, estimulando el debate teórico y sirviendo como instrumento de los gobiernos para la difusión y consagración de ideologías no sólo estéticas, sino también políticas y sociales. Los teóricos del arte manierista profundizaron en los debates promovidos por la generación anterior, acentuaron las conexiones del intelecto humano con la creatividad divina y prestigiaron la diversidad. Para Pierre Bourdieu la creación del sistema académico supuso la formulación de una teoría en la que el arte era una encarnación de los principios de Belleza, Verdad y Bondad, una extensión natural de la ideología del Alto Renacimiento, pero los manieristas estaban abiertos a la existencia de varias normas válidas, lo que permitía a los creadores una gran libertad en varios aspectos, especialmente en el arte profano, libre del control de la Iglesia. El énfasis de las academias en el perfeccionamiento técnico y la constante referencia a los modelos antiguos establecidos también sirvió para que parte del interés principal pasara de decir algo a mostrar lo bien que se había dicho, presentando al artista como un erudito. La influencia de las academias tardaría en imponerse, pero durante el Barroco y el Neoclasicismo llegaron a dominar todo el sistema artístico europeo.

El Renacimiento fue históricamente muy ensalzado como la apertura de una nueva era, una era iluminada por la Razón en la que los hombres, creados a imagen de la Divinidad, cumplirían la profecía de reinar sobre el mundo con sabiduría, y cuyas maravillosas obras los situarían en compañía de héroes, patriarcas, santos y ángeles. Hoy se entiende que la realidad social no reflejaba los elevados ideales expresados en el arte, y que ese ufanismo exaltado que rodeaba al movimiento era en gran parte obra de los propios renacentistas, cuya producción intelectual, que los autopresentaba como fundadores de una nueva Edad de Oro, y que situaba a Florencia en el centro de todo, determinó gran parte de la orientación de la crítica posterior. Incluso los movimientos anticlásicos posteriores, como el Barroco, reconocieron en los clásicos y en sus herederos renacentistas valiosos valores.

A mediados del siglo XIX, el periodo se había convertido en uno de los principales campos de investigación académica, y la publicación en 1860 del clásico La historia del Renacimiento en Italia, de Jacob Burckhardt, fue la culminación de cinco siglos de tradición historiográfica que situaba el Renacimiento como el hito inicial de la modernidad, comparándolo con la retirada de un velo de los ojos de la humanidad, que le permitía ver con claridad. Pero la obra de Burckhardt apareció cuando ya se percibía una tendencia revisionista de esta tradición, y la repercusión que causó no hizo sino acentuar la polémica. Desde entonces, una gran cantidad de nuevos estudios ha revolucionado la forma de estudiar y comprender el arte antiguo.

La tradición y la autoridad se dejaron de lado en favor del estudio preferente de las fuentes primarias y de análisis más críticos, matizados, contextualizados e integradores; se comprendió que había mucha más diversidad de opiniones entre los propios renacentistas de lo que se pensaba, y que a esa diversidad se debe en gran medida el dinamismo y la originalidad del periodo; el rápido avance de las técnicas científicas de datación y restauración y de análisis físico-químico de los materiales permitió consolidar numerosas atribuciones tradicionales de autoría y abandonar definitivamente muchas otras, reorganizando significativamente el mapa de la producción artística; se definieron nuevas cronologías y se redefinieron las individualidades artísticas y sus aportaciones; se identificaron nuevas vías de difusión e influencia y se redescubrieron muchas obras importantes. En este proceso, se derrumbaron varios cánones historiográficos, y la propia tradición de dividir la historia en períodos definidos («Renacimiento», «Barroco», «Neoclasicismo»), pasó a considerarse una construcción artificial que distorsiona la comprensión de un proceso social que está en marcha y crea estereotipos conceptuales incoherentes. Además, se ha profundizado y se profundiza enormemente en el estudio de todo el contexto histórico, político y social, situando las expresiones culturales en un marco valorado de forma cada vez más actualizada y plural.

Así, muchos historiadores comenzaron a concluir que el Renacimiento había sido cargado con una apreciación demasiado positiva, y que esto automáticamente, y sin una justificación sólida, devaluaba la Edad Media y otros períodos. Gran parte del debate moderno ha tratado de determinar si efectivamente representó una mejora con respecto al periodo anterior. Se ha señalado que muchos de los factores sociales negativos comúnmente asociados a la Edad Media – pobreza, corrupción, persecución religiosa y política – parecen haber empeorado. Muchas personas que vivieron el Renacimiento no lo consideraron una «Edad de Oro», sino que eran conscientes de los graves problemas sociales y morales, como Savonarola, que desencadenó un dramático renacimiento religioso a finales del siglo XV que provocó la destrucción de numerosas obras de arte y que finalmente lo llevó a la hoguera. Johan Huizinga sostenía que el Renacimiento fue, en ciertos aspectos, un período de decadencia de la Edad Media, que destruyó muchas cosas que eran importantes. Por ejemplo, el latín había logrado evolucionar y mantenerse bastante vivo para entonces, pero la obsesión por la pureza clásica interrumpió este proceso natural y lo hizo volver a su forma clásica. Para Jacques Le Goff y otros miembros de su escuela, el Renacimiento fue un periodo en el que las continuidades con respecto a la Edad Media fueron más importantes que las rupturas, incluyendo la permanencia del concepto del derecho divino de los reyes y los rituales de la monarquía sagrada, las bases técnicas de la producción material, la concepción de la historia, de la búsqueda de autoridad en los antiguos, del pensamiento sobre los fundamentos de la sociedad y su división en tres órdenes, y del papel dominante de la Iglesia-, y señaló que la idea de un renacimiento y el deseo de volver a una Edad de Oro idealizada situada en la antigüedad impregnaron la cultura europea hasta después de la Revolución Francesa; De hecho, antes y después del italiano florecieron varios «renacimientos», en particular el carolingio, el otoniano y el neoclásico. Muchos estudiosos han señalado que en esta fase la recesión económica predominó sobre los periodos de prosperidad, pero otros rebaten diciendo que esto parece haber sido un fenómeno europeo y no específicamente italiano o florentino, mientras que Eugenio Garin, Lynn Thorndike y varios otros consideran que quizás el progreso científico realizado fue en realidad mucho menos original de lo que se supone.

Los historiadores marxistas han preferido describir el Renacimiento en términos materialistas, sosteniendo que los cambios en el arte, la literatura y la filosofía sólo formaban parte de la tendencia general de alejamiento de la sociedad feudal hacia el capitalismo, que dio lugar a la aparición de una clase burguesa que tenía tiempo y dinero para dedicarse a las artes. También se argumenta que el recurso a las referencias clásicas era en aquella época a menudo un pretexto para legitimar los propósitos de la élite, y la inspiración en la Roma republicana y sobre todo en la imperial habría dado lugar a la formación de un espíritu de competitividad y mercenarismo que el arribista utilizó para una escalada social a menudo sin escrúpulos.

A partir de la aparición de las vanguardias modernas a principios del siglo XX, y luego en varias oleadas sucesivas de recalentamiento, la crítica reciente ha extendido las relaciones del Renacimiento cultural a prácticamente todos los aspectos de la vida de ese periodo, y ha ido interpretando su legado de formas tan diversas que los antiguos consensos se han desmoronado en muchos temas concretos. Sin embargo, se ha conservado la impresión definitiva de que en muchos ámbitos el periodo fue fértil en logros magistrales e innovadores y que dejó una profunda huella en la cultura y la sociedad de Occidente durante mucho tiempo.

Aunque la crítica reciente ha sacudido fuertemente el prestigio tradicional del Renacimiento, valorando todos los periodos por igual y apreciándolos por sus especificidades, ello ha posibilitado al mismo tiempo un extraordinario enriquecimiento y ampliación en la comprensión que hoy tenemos de él, pero ese prestigio nunca se ha visto seriamente amenazado, principalmente porque el Renacimiento, de manera innegable, fue uno de los fundamentos y una parte esencial de la civilización occidental moderna, y es una referencia que sigue viva. Algunas de sus obras más importantes también se han convertido en iconos de la cultura popular, como el David y La Creación de Miguel Ángel y la Mona Lisa de Da Vinci. El número de estudios sobre el tema, que crece día a día, y la continua controversia sobre numerosos aspectos, demuestran que el Renacimiento es lo suficientemente rico como para seguir atrayendo la atención de la crítica y del público.

Aun con opiniones muy divergentes sobre determinados aspectos, hoy parece haber consenso en que el Renacimiento fue un periodo en el que muchas creencias profundamente arraigadas y tomadas como verdaderas fueron puestas en discusión y comprobadas mediante métodos científicos de investigación, inaugurando una fase en la que el predominio de la religión y sus dogmas dejó de ser absoluto y allanó el camino para el desarrollo de la ciencia y la tecnología tal y como las conocemos hoy. El pensamiento político posterior no se habría articulado sin las bases humanistas consolidadas en el Renacimiento, cuando los filósofos buscaron precedentes en la Antigüedad para defender el régimen republicano y la libertad humana, actualizando ideas que tuvieron un impacto decisivo en la jurisprudencia, la teoría constitucional y la formación de los Estados modernos.

En el campo de las artes plásticas se desarrollaron recursos que permitieron un inmenso salto en relación con la Edad Media en cuanto a la capacidad de representar el espacio, la naturaleza y el cuerpo humano, recuperando técnicas que se habían perdido desde la antigüedad y creando otras nuevas a partir de entonces. El lenguaje arquitectónico de los palacios, las iglesias y los grandes monumentos que se estableció a partir de la herencia clásica sigue siendo válido hoy en día y se emplea cuando se quiere dar dignidad e importancia a la construcción moderna. En la literatura, las lenguas vernáculas se convirtieron en dignas transmisoras de cultura y conocimiento, y el estudio de los textos de los filósofos grecorromanos difundió máximas que aún hoy están presentes en la voz popular y que fomentan altos valores como el heroísmo, el espíritu público y el altruismo, que son piezas fundamentales para la construcción de una sociedad más justa y libre para todos. La veneración por el pasado clásico y sus mejores valores creó una nueva visión de la historia y fundó la historiografía moderna, y proporcionó la base para la formación de un sistema de educación que en su momento se extendió más allá de las élites y que todavía hoy estructura el currículo escolar de gran parte de Occidente y sustenta su orden social y sus sistemas de gobierno. Por último, la vasta producción artística que sobrevive en tantos países de Europa sigue atrayendo a multitudes de todo el mundo y constituye una parte importante de la propia definición de la cultura occidental.

Con tantas asociaciones, por mucho que los estudiosos se esfuercen en arrojar luz sobre el tema, sigue estando plagado de leyendas, estereotipos y pasiones, sobre todo en la visión popular. En palabras de John Jeffries Martin, director del Departamento de Historia de la Universidad de Duke y editor de un amplio volumen de ensayos críticos publicado en 2003, donde resumía la evolución de la historiografía y las tendencias de la crítica más reciente,

Artes visuales

En las artes, el Renacimiento se caracterizó, en términos muy generales, por la inspiración en los antiguos griegos y romanos, y por la concepción del arte como imitación de la naturaleza, ocupando el hombre un lugar privilegiado en este panorama. Pero más que una imitación, la naturaleza debía, para ser bien representada, sufrir una traducción que la organizara bajo una óptica racional y matemática, como espejo de un orden divino que correspondía al arte desvelar y expresar, en una época marcada por una gran curiosidad intelectual, un espíritu analítico y organizador y una matematización y cientifización de todos los fenómenos naturales. Era una época de aspiraciones grandiosas, el artista se acercaba al científico y al filósofo, y los humanistas aspiraban a un conocimiento enciclopédico; aparecieron importantes tratados normalizadores y diversos ensayos sobre arte y arquitectura, que sentaron las bases de una nueva historiografía y un nuevo enfoque del proceso de creación. Todas las artes se beneficiaron de los avances científicos, introduciendo mejoras en las técnicas y los materiales en diversos campos. Destacan, por ejemplo, la recuperación de la técnica de fundición a la cera perdida, que permite crear monumentos a una escala sin precedentes en comparación con los bronces medievales, y la popularización de los mecanismos ópticos y mecánicos como ayudas a la pintura y la escultura. Por otra parte, la ciencia se benefició del arte, elevando el nivel de precisión y realismo de las ilustraciones en los tratados científicos y en la iconografía de los personajes históricos, y aprovechando las ideas sobre la geometría y el espacio lanzadas por los artistas y el impulso de explorar y observar el mundo natural.

El canon grecorromano de las proporciones volvió a determinar la construcción de la figura humana; también regresó el cultivo de la belleza típicamente clásica. El estudio de la anatomía humana, la creciente asimilación de la mitología grecorromana en el discurso visual y la reaparición del desnudo, libre de los tabúes de los que se había revestido el tema en la Edad Media, renovaron ampliamente la iconografía de la pintura y la escultura de la época y abrieron nuevos y vastos campos de investigación formal y simbólica, favoreció la exploración de diferentes emociones y estados de ánimo, influyó en la moda y las costumbres, estimuló el coleccionismo, el anticuariado y la arqueología, y creó una nueva tradición visual de influencia duradera, mientras que el mecenazgo civil y privado proporcionó los medios para un extraordinario florecimiento del arte profano. El interés por la representación del natural también revivió la tradición del retrato, que tras la caída del Imperio Romano se había abandonado en gran medida.

El sistema de producción

El artista del Renacimiento era un profesional. Hasta el siglo XVI los ejemplos documentados de obras creadas fuera del sistema de encargos son extremadamente raros, y la inmensa mayoría de los profesionales estaban vinculados a un gremio. Los pintores florentinos pertenecían a una de las Artes Mayores, curiosamente la de los Médicos y Boticarios. Los escultores de bronce eran también una clase distinguida, perteneciente al Arte de la Seda. Los demás, en cambio, pertenecían a las Artes Menores, como los artistas de la piedra y la madera. Todos ellos eran considerados profesionales de las artes mecánicas, que en la escala de prestigio de la época estaban por debajo de las artes liberales, las únicas en las que la nobleza podía dedicarse profesionalmente sin deshonor. Los gremios organizaban el sistema de producción y comercio, y participaban en la distribución de los encargos entre los distintos talleres privados mantenidos por los maestros, donde se empleaban muchos ayudantes y donde se admitían y preparaban discípulos en el oficio. La familia del postulante pagaba la mayor parte de su formación, pero recibía alguna ayuda del maestro a medida que iba siendo capaz de desempeñar bien sus funciones y de colaborar eficazmente en el negocio comercial del taller. Las mujeres no fueron admitidas. El aprendizaje era exhaustivo, rigurosamente disciplinado y duraba muchos años, los alumnos además de estudiar las técnicas de los oficios eran sirvientes para tareas de limpieza y organización del taller y otras a criterio del maestro, colaboraban en la formación de los alumnos más jóvenes, y antes de completar el curso y ser admitido en el gremio ningún alumno podía recibir encargos en su nombre. Había artistas que no mantenían un taller permanente y permanecían itinerantes por varias ciudades en trabajos temporales, uniéndose a grupos ya organizados o reclutando ayudantes en la propia ciudad donde se iba a realizar el trabajo, pero eran una minoría. Mantener una base fija, por otra parte, no impedía que los talleres recibieran encargos de otros lugares, especialmente si sus maestros eran de renombre.

La contribución de los artistas del Renacimiento es más recordada por los grandes altares, monumentos, esculturas y pinturas, pero los talleres de arte eran empresas con un mercado muy variado. Además de grandes obras para iglesias, palacios y edificios públicos, respondían a encargos más pequeños y populares, decorando fiestas y eventos privados, cívicos y religiosos, creando escenografías y trajes teatrales, ropa de lujo, joyas, pintando escudos y emblemas, Fabricaban armaduras, armas, monturas y utensilios domésticos decorados, y un sinfín de artículos más, y muchos mantenían tiendas abiertas al público de forma permanente, en las que exponían una muestra de las especialidades de la casa.

Los artistas en general estaban mal pagados, hay muchos informes sobre la pobreza, y sólo los maestros y sus principales ayudantes lograron una situación cómoda, algunos maestros incluso se hicieron ricos, pero sus ingresos siempre estaban sujetos a un mercado muy fluctuante. A lo largo del Renacimiento los humanistas y los principales artistas llevaron a cabo una labor sistemática para emancipar a la clase artística de las Artes Mecánicas e instalarla entre los liberales, teniendo en esto un éxito considerable pero no completo. La costumbre de reconocer el talento superlativo de un artista ya existía; Giotto, Verrocchio, Donatello y muchos otros fueron elogiados con entusiasmo y ampliamente por sus contemporáneos, pero hasta que llegaron Miguel Ángel, Rafael y Leonardo, ningún artista había sido objeto de la adulación de los poderosos en tan alto grado, invirtiendo casi la relación de autoridad entre empleado y empleador, y entre la élite y la plebe, y esto se debió tanto al cambio en la comprensión del papel del arte como a la conciencia de estos artistas de su valía y su determinación de hacerla reconocer.

La mayor aportación de la pintura del Renacimiento fue su nueva forma de representar la naturaleza, gracias a un dominio tal de la técnica pictórica y de la perspectiva del punto central que le permitió crear una eficaz ilusión de espacio tridimensional en una superficie plana. Semejante logro supuso un alejamiento radical del sistema de representación medieval, con su estaticidad, su espacio sin profundidad, su esquematismo figurativo y su sistema simbólico de proporciones, donde los personajes más importantes eran de mayor tamaño. El nuevo parámetro establecido tenía un fundamento matemático y físico, su resultado era «realista» (en el sentido de crear una ilusión de espacio eficiente), y su organización estaba centrada en el punto de vista del observador. En esto podemos ver un reflejo de la popularización de los principios del racionalismo, el antropocentrismo y el humanismo. El lenguaje visual formulado por los pintores del Renacimiento tuvo tanto éxito que sigue siendo válido hoy en día, siendo considerado por muchos la forma más natural de representar el espacio.

La pintura del Renacimiento es, en esencia, lineal; el dibujo se considera ahora la base de todas las artes visuales y su dominio, un requisito previo para todo artista. Para ello, fue de gran utilidad el estudio de las esculturas y relieves de la antigüedad, que proporcionaron la base para el desarrollo de un amplio repertorio de temas y de gestos y posturas corporales, pero la observación directa de la naturaleza fue otro elemento importante. En la construcción de la pintura, la línea constituía convencionalmente el elemento demostrativo y lógico, y el color indicaba estados afectivos o cualidades específicas. Otra diferencia en relación con el arte de la Edad Media fue la introducción de un mayor dinamismo en las escenas y los gestos, y el descubrimiento del sombreado, o claroscuro, como recurso plástico y mimético.

Giotto, que actuó entre los siglos XIII y XIV, fue el mayor pintor del primer Renacimiento italiano y el principal pionero de los naturalistas en la pintura. Su obra revolucionaria, en contraste con la producción de maestros del gótico tardío como Cimabue y Duccio, causó una fuerte impresión en sus contemporáneos y dominaría toda la pintura italiana del Trecento por su lógica, sencillez, precisión y fidelidad a la naturaleza. Ambrogio Lorenzetti y Taddeo Gaddi continuaron la línea de Giotto sin innovar, aunque en otros se mezclaron características progresistas con elementos del todavía fuerte gótico, como se ve en la obra de Simone Martini y Orcagna. El estilo naturalista y expresivo de Giotto, sin embargo, representó la vanguardia en la visualidad de esta fase, y se extendió a Siena, que durante un tiempo pasó por delante de Florencia en los avances artísticos. Desde allí se extendió al norte de Italia.

En el Quattrocento, las representaciones de la figura humana adquieren solidez, majestuosidad y poder, reflejando el sentimiento de autoestima de una sociedad que se vuelve muy rica y compleja, formando un panel multifacético de tendencias e influencias. Pero a lo largo de la mayor parte del siglo, el arte revelaría el choque entre los últimos ecos del gótico espiritual y abstracto, ejemplificados por Fra Angelico, Paolo Uccello, Benozzo Gozzoli y Lorenzo Monaco, y las nuevas fuerzas organizadoras, naturalistas y racionales del clasicismo, representadas por Botticelli, Pollaiuolo, Piero della Francesca y Ghirlandaio.

En este sentido, después de Giotto, el siguiente hito evolutivo fue Masaccio, en cuyas obras el hombre tiene un aspecto claramente ennoblecido y cuya presencia visual es decididamente concreta, con un uso eficaz de los efectos del volumen y del espacio tridimensional. Realizó una importante contribución a la articulación del lenguaje visual moderno de Occidente; todos los principales pintores florentinos de la generación siguiente se vieron influidos por él, y cuando su obra fue «redescubierta» por Leonardo da Vinci, Miguel Ángel y Rafael, ganó aún más aprecio, manteniéndose popular durante seis siglos. Para muchos críticos es el verdadero fundador del Renacimiento en la pintura, y se ha dicho de él que fue «el primero que supo pintar a hombres que realmente tocaban la tierra con los pies».

En Venecia, otro centro de gran importancia y quizá el principal rival de Florencia en este siglo, había un grupo de artistas ilustres, como Jacopo Bellini, Giovanni Bellini, Vittore Carpaccio, Mauro Codussi y Antonello da Messina. Siena, que había formado parte de la vanguardia en años anteriores, dudaba ahora entre el atractivo espiritual del gótico y el encanto profano del clasicismo, y perdía impulso. Mientras tanto, también en otras regiones del norte de Italia el clasicismo comenzaba a fortalecerse, a través de Perugino en Perugia; Cosimo Tura en Ferrara, Pinturicchio, Melozzo da Forli y Mantegna en Padua y Mantua. Pisanello estuvo activo en un gran número de ciudades.

Hay que recordar también la influencia renovadora en los pintores italianos de la técnica del óleo, que en el Quattrocento se estaba desarrollando en los Países Bajos y había alcanzado un alto grado de refinamiento, permitiendo crear imágenes mucho más precisas y nítidas y con un sombreado mucho más sutil que el conseguido con el fresco, la encáustica y el temple, novedad que tuvo un importante impacto en el retrato y la pintura de paisaje. Los lienzos flamencos eran muy apreciados en Italia precisamente por estas cualidades, y un gran número de ellos fueron importados, copiados o emulados por los italianos.

Más tarde, en el Alto Renacimiento, Leonardo da Vinci se adentró en el terreno de las atmósferas ambiguas y misteriosas con una sofisticada técnica al óleo, combinando con fuerza el arte y la ciencia. Con Rafael el sistema de representación clasicista alcanzó una escala grandiosa, creando imponentes arquitecturas y escenarios ilusionistas, pero también tradujo en sus madonnas una dulzura hasta entonces desconocida que pronto se hizo muy popular. En Venecia destaca sobre todo Tiziano, que explora nuevas relaciones cromáticas y una técnica pictórica más libre y gestual. Miguel Ángel, coronando el proceso de exaltación del hombre, en la Capilla Sixtina lo llevó a una expresión inflada de lo mítico, lo sublime, lo heroico y lo patético. Muchos otros dejaron importantes contribuciones, como Correggio, Sebastiano del Piombo, Andrea del Sarto, Jacopo Palma, Giorgione y Pontormo.

Pero esta fase, de gran equilibrio formal, no duró mucho, y pronto se transformaría profundamente, dando paso al manierismo. Con los manieristas se alteró toda la concepción del espacio, se fragmentó la perspectiva en múltiples puntos de vista y se distorsionaron las proporciones de la figura humana con fines expresivos o estéticos, formulando un lenguaje visual más dinámico, vibrante, subjetivo, dramático, preciosista, intelectualista y sofisticado.

En la escultura los signos de revalorización de una estética clasicista son antiguos. Nicola Pisano realizó hacia 1260 un púlpito para el Baptisterio de Pisa, que se considera la manifestación precursora del Renacimiento en la escultura, en el que insertó un gran desnudo masculino que representaba la virtud de la Fortaleza, y parece claro que su principal inspiración provino de la observación de los sarcófagos romanos decorados con relieves que existían en el Cementerio de Pisa. Su contribución, aunque limitada a muy pocas obras, se considera tan relevante para la historia de la escultura como la de Giotto para la pintura. De hecho, el arte de Giotto es en gran parte deudor de las investigaciones de Nicola Pisano.

Su hijo Giovanni Pisano y otros importantes seguidores, como Arnolfo di Cambio y Lapo di Ricevuto, sacarían valiosas lecciones de su contacto con el clasicismo, pero su estilo progresa de forma desigual en este sentido. Giovanni dominaría más tarde la escena de Florencia, Pisa y Siena a principios del siglo XIV, creó otros desnudos importantes, entre ellos uno femenino que reproduce el modelo clásico de la Venus pudica, y sería uno de los introductores de un nuevo género, el de las cruxifijas dolorosas, de gran dramatismo y amplia influencia, hasta entonces infrecuente en la Toscana. Su talento versátil daría lugar a obras de líneas limpias y puras, como el retrato de Enrico Scrovegni. Sus Madonnas, relieves y el púlpito de la catedral de Pisa son, en cambio, mucho más conmovedores y dramáticos.

A mediados de siglo, Andrea Pisano adquirió notoriedad como autor de los relieves de la puerta sur del Baptisterio de Florencia y arquitecto de la catedral de Orvieto. Fue maestro de Orcagna, cuyo tabernáculo en Orsanmichele es una de las obras maestras de la época, y de Giovanni di Balduccio, autor de un exquisito y complejo monumento funerario en la capilla Portinari de Milán. Su generación estuvo dominada por la influencia de la pintura de Giotto. A pesar de los avances promovidos por algunos maestros en activo, su obra sigue reflejando una intersección de corrientes que sería típica de todo el Trecento, y los elementos góticos siguen siendo predominantes o importantes en todos ellos.

Hacia el final del Trecento, apareció en Florencia Lorenzo Ghiberti, autor de los relieves del Baptisterio de San Juan, donde los modelos clásicos estaban firmemente establecidos. Donatello lideró entonces los avances en varios frentes, ejerciendo una amplia influencia. Sus principales obras incluyen estatuas de profetas del Antiguo Testamento, entre las que destacan Habacuc y Jeremías. También innovó en la estatuaria ecuestre, creando el monumento Gattamelata, el más importante de su clase desde el de Marco Aurelio en el siglo II. Por último, su Magdalena penitente de madera, de 1453, es una imagen de dolor, austeridad y transfiguración que no tuvo parangón en su época, introduciendo en la estatuaria un conmovedor sentido del drama y la realidad que sólo se había visto en el helenismo.

En la siguiente generación, Verrocchio destaca por la teatralidad y el dinamismo de sus composiciones. Fue pintor, escultor, escenógrafo y decorador, uno de los principales favoritos de los Medici. Su Cristo y Santo Tomás tiene un gran realismo y poesía. Compuso un Niño con delfín para la Fuente de Neptuno de Florencia que es el prototipo de la figura serpentina, que sería el modelo formal más prestigioso en el Manierismo y el Barroco, y con su Dama con ramo de flores presentó un nuevo modelo de busto, incluyendo los brazos y la mitad del cuerpo, que se hizo popular. Su mayor obra, el monumento ecuestre a Bartolomeo Colleoni en Venecia, es una expresión de poder y fuerza más intensa que la Gattamelata. Verrocchio ejerció su influencia en muchos pintores y escultores del siglo XV, como Leonardo, Perugino y Rafael, y está considerado como uno de los más grandes artistas del siglo.

Otros nombres destacados son Luca della Robbia y su familia, una dinastía de alfareros, creadores de una nueva técnica de esmaltado y vitrificación de la cerámica. Una técnica similar, la mayólica, se conocía desde hacía siglos, pero Luca desarrolló una variante y la aplicó con éxito a esculturas y conjuntos decorativos de gran tamaño. Su invento aumentó la durabilidad y resistencia de las piezas, conservó los colores vivos y permitió su instalación en el exterior. Luca fue también un notable escultor en mármol, y Leon Battista Alberti lo situó entre los líderes de la vanguardia florentina, junto con Masaccio y Donatello. Sin embargo, los grandes divulgadores de la técnica cerámica fueron su sobrino Andrea della Robbia y su hijo, Giovanni della Robbia, que ampliaron las dimensiones de los ensamblajes, enriquecieron la paleta cromática y refinaron el acabado. La técnica se mantuvo en secreto durante mucho tiempo.

Florencia siguió siendo el centro de la vanguardia hasta la aparición de Miguel Ángel, que trabajó para los Medici y en Roma para los papas, y fue el nombre más influyente en la escultura desde el Alto Renacimiento hasta mediados del siglo XX. Su obra pasó del clasicismo puro de David y Baco y llegó al manierismo, expresado en obras vehementes y dramáticas como los Esclavos, el Moisés y los desnudos de la Capilla de los Médicis de Florencia. Artistas como Desiderio da Settignano, Antonio Rosselino, Agostino di Duccio y Tullio Lombardo también dejaron obras de gran maestría e importancia, como el Adán de Lombardo, el primer desnudo de tamaño natural conocido desde la antigüedad.

El ciclo del Renacimiento se cierra con Giambologna, Baccio Bandinelli, Francesco da Sangallo, Jacopo Sansovino y Benvenuto Cellini, entre otros, con un estilo de gran dinamismo y expresividad, tipificado en el Rapto de las Sabinas de Giambologna. Destacados artistas de otros países europeos ya empezaban a trabajar siguiendo líneas claramente italianas, como Adriaen de Vries y Germain Pilon, extendiendo el gusto italiano por una amplia zona geográfica y dando lugar a diversas formulaciones sincréticas con escuelas regionales.

La escultura estaba presente en todas partes, en las calles como monumentos y adornos de los edificios, en los salones de la nobleza, en las iglesias, y en el hogar más sencillo siempre había una imagen devocional. Los jarrones, los muebles y los utensilios cotidianos de la élite solían tener detalles tallados o grabados, y las miniaturas, como las medallas conmemorativas, pueden incluirse en este campo. En este periodo se desarrollaron recursos técnicos que permitieron un inmenso salto respecto a la Edad Media en cuanto a la capacidad de crear formas libres en el espacio y de representar la naturaleza y el cuerpo humano, y la publicación de diversos tratados y comentarios sobre este arte introdujo metodologías y teorías que ampliaron la comprensión del campo y lo fundamentaron con una conceptualización más científica, fundando una influyente tradición crítica. El perfeccionamiento de las técnicas escultóricas permitió la creación de obras a una escala sólo conocida en la antigüedad, y el espíritu cívico de los florentinos estimuló la invención de nuevos modelos de monumento público, una tipología asociada a otra comprensión de la capacidad de representación del hombre como práctica social y educativa.

Música

En general, la música del Renacimiento no ofrece un panorama de rupturas bruscas de continuidad, y todo el largo periodo puede considerarse el terreno de la lenta transformación del universo modal al tonal, y de la polifonía horizontal a la armonía vertical. El Renacimiento fue también un periodo de gran renovación en el tratamiento de la voz y en la orquestación, en lo instrumental y en la consolidación de géneros y formas puramente instrumentales con las suites de baile para los bailes, existiendo una gran demanda de entretenimiento musical en cada fiesta o ceremonia, pública o privada.

En cuanto a la técnica compositiva, se abandona la polifonía melismática de los organones, derivada directamente del canto gregoriano, en favor de una escritura más ligera, con voces tratadas de forma cada vez más equilibrada. Al principio del período, el movimiento paralelo se utiliza con moderación, los accidentes son raros, pero las disonancias duras son comunes. Más adelante, la escritura a tres voces comienza a presentar tríadas, dando una impresión de tonalidad. Se intenta por primera vez la música descriptiva o programática, los modos rítmicos rígidos dan paso a la isorritmia y a formas más libres y dinámicas como la balada, la chanson y el madrigal. En la música sacra, la forma de misa se convirtió en la más prestigiosa. La notación evoluciona hacia la adopción de notas de menor valor, y hacia el final del periodo se acepta el intervalo de terceras como consonancia, cuando antes sólo lo eran la quinta, la octava y el unísono.

Los precursores de esta transformación no fueron italianos, sino franceses como Guillaume de Machaut, autor del mayor logro musical del Trecento en toda Europa, la Misa de Notre Dame, y Philippe de Vitry, muy elogiado por Petrarca. De la música italiana de esta primera etapa nos ha llegado muy poco, aunque se sabe que la actividad fue intensa y casi en su totalidad en el ámbito profano, siendo las principales fuentes de partituras el Codex Rossi, el Codex Squarcialupi y el Codex Panciatichi. Entre sus representantes estaban Matteo da Perugia, Donato da Cascia, Johannes Ciconia y, sobre todo, Francesco Landini. Sólo en el Cinquecento la música italiana comenzó a desarrollar sus propias características originales, siendo hasta entonces muy dependiente de la escuela franco-flamenca.

El predominio de las influencias nórdicas no significa que el interés italiano por la música fuera escaso. A falta de ejemplos musicales de la antigüedad que emular, los filósofos italianos como Ficino recurrieron a los textos clásicos de Platón y Aristóteles en busca de referencias para poder crear una música digna de los antiguos. En este proceso desempeñaron un papel importante Lorenzo de» Medici en Florencia, que fundó una academia musical y atrajo a varios músicos europeos, e Isabel de Este, cuya pequeña pero brillante corte en Mantua atrajo a poetas que escribían poemas sencillos en italiano para ser musicalizados, y allí la recitación de poesía, como en otros centros italianos, solía ir acompañada de música. El género preferido era la frottola, que ya mostraba una estructura armónica tonal bien definida y contribuiría a renovar el madrigal, con su típica fidelidad al texto y a los afectos. Otros géneros polifónicos, como la misa y el motete, ya utilizan plenamente la imitación entre las voces y todos son tratados de forma similar.

Importantes compositores flamencos trabajan en Italia, como Adriaen Willaert y Jacob Arcadelt, pero las figuras más famosas del siglo son Giovanni da Palestrina, italiano, y Orlando de Lasso, flamenco, que marcaron una pauta para la música coral que se seguiría en todo el continente, con una escritura melodiosa y rica, de gran equilibrio formal y noble expresividad, preservando la inteligibilidad del texto, aspecto que en la época anterior era a menudo secundario y se perdía en la intrincada complejidad del contrapunto. La impresión de su música coincide con la grandeza idealista del Alto Renacimiento, que florece en una fase en la que el manierismo ya se manifiesta con fuerza en otras artes como la pintura y la escultura. A finales de siglo aparecieron tres grandes figuras, Carlo Gesualdo, Giovanni Gabrieli y Claudio Monteverdi, que introducirían avances en la armonía y un sentido del color y del timbre que enriquecerían la música dándole una expresividad y un dramatismo manieristas y la prepararían para el Barroco. Monteverdi, en particular, es importante por ser el primer gran operista de la historia, y sus óperas L»Orfeo (1607) y L»Arianna (1608, perdida, de la que sólo queda una famosa aria, el Lamento) representan el noble ocaso de la música renacentista y los primeros grandes hitos del Barroco musical.

Arquitectura

La permanencia de muchas huellas de la Antigua Roma en suelo italiano no ha dejado de influir en la plástica constructiva local, ya sea en el uso de elementos estructurales o materiales utilizados por los romanos, o en mantener vivo el recuerdo de las formas clásicas. Aun así, en el Trecento, el gótico siguió siendo el estilo dominante y el clasicismo sólo emergería con fuerza en el siglo siguiente, en medio de un nuevo interés por los grandes logros del pasado. Este interés se vio estimulado por el redescubrimiento de bibliografía clásica considerada perdida, como el De Architectura de Vitruvio, hallado en la biblioteca de la abadía de Montecassino en 1414 o 1415. En él, el autor exaltaba el círculo como la forma perfecta, y se explayaba sobre las proporciones ideales del edificio y de la figura humana, así como sobre la simetría y la relación de la arquitectura con el hombre. Sus ideas serían luego desarrolladas por otros arquitectos, como el primer gran exponente del clasicismo arquitectónico, Filippo Brunelleschi, que también se inspiró en las ruinas que había estudiado en Roma. Fue el primero en utilizar de forma coherente los órdenes arquitectónicos modernos, estableciendo un nuevo sistema de proporciones basado en la escala humana. También fue responsable del uso precursor de la perspectiva para la representación ilusionista del espacio tridimensional en un plano bidimensional, una técnica que se desarrollaría mucho en los siglos siguientes y que definiría todo el estilo del arte futuro, inaugurando una fructífera asociación entre arte y ciencia. Leon Battista Alberti es otro arquitecto de gran importancia, considerado un ejemplo perfecto del «hombre universal» del Renacimiento, versátil en varias especialidades. Fue el autor del tratado De re aedificatoria, que llegaría a ser canónico. Otros arquitectos, artistas y filósofos se sumaron al debate, como Luca Pacioli en su De Divina Proportione, Leonardo con sus diseños de iglesias centradas y Francesco di Giorgio con el Trattato di architettura, ingegneria e arte militare.

Entre los rasgos más notables de la arquitectura renacentista se encuentra el retorno del modelo de templo centralizado, diseñado sobre una cruz griega y coronado por una cúpula, reflejando la popularización de los conceptos de la cosmología neoplatónica y con la inspiración concomitante de edificios reliquia como el Panteón de Roma. El primero de este tipo que se construyó en el Renacimiento fue quizás San Sebastiano en Mantua, obra de Alberti de 1460, pero que quedó sin terminar. El modelo se basaba en una escala más humana, abandonando el intenso verticalismo de las iglesias góticas y teniendo la cúpula como corona de una composición que destacaba por su inteligibilidad. Especialmente en lo que se refiere a la estructura y las técnicas de construcción de la cúpula, se consiguieron grandes logros en el Renacimiento, pero fue una adición tardía al esquema, ya que se preferían los techos de madera. Entre las más importantes están la cúpula octogonal de la catedral de Florencia, de Brunelleschi, que no utilizó andamios ni hormigón en su construcción, y la de la basílica de San Pedro de Roma, de Miguel Ángel, ya del siglo XVI.

Antes del Cinquecento no existía una palabra para designar a los arquitectos en el sentido en que se les entiende hoy, y se les llamaba maestros de obras. La arquitectura era el arte más prestigioso del Renacimiento, pero la mayoría de los principales maestros de la época, cuando empezaron a ejercer las artes de la construcción, eran ya reputados artistas pero no tenían formación en la materia, y procedían de la escultura o la pintura. Se recurría a ellos para los grandes proyectos de edificios públicos, palacios e iglesias, y la arquitectura popular se confiaba a pequeños constructores. A diferencia de la práctica medieval, caracterizada por la funcionalidad y la irregularidad, los maestros concebían los edificios como obras de arte, estaban llenos de ideas sobre geometrías divinas, simetrías y proporciones perfectas, estaban deseosos de imitar los edificios romanos, y creaban dibujos detallados y un modelo de madera a pequeña escala del edificio, que servía de plano para los constructores. Estos diseños eran estructural y plásticamente innovadores, pero prestaban poca atención a su viabilidad práctica y a las necesidades del uso diario, especialmente en la distribución de los espacios. Eran los constructores los que tenían que resolver los problemas técnicos que surgían durante la obra, intentando mantener el diseño original, pero a menudo realizando importantes adaptaciones y cambios sobre la marcha, si el diseño o alguna parte del mismo resultaba inviable. Según Hartt, cuando se iniciaban obras grandes y complejas como las iglesias, los constructores rara vez estaban seguros de poder llegar al final. Sin embargo, algunos maestros trabajaron en ella durante largos años y se convirtieron en grandes conocedores del tema, introduciendo importantes novedades técnicas, estructurales y funcionales. También diseñaron fortificaciones, puentes, canales y otras estructuras, así como urbanismo a gran escala. La mayoría de los numerosos planes urbanísticos del Renacimiento nunca llegaron a realizarse, y de los que se iniciaron ninguno llegó muy lejos, pero desde entonces han sido una fuente de inspiración para los urbanistas de todas las generaciones.

En el lado secular, aristócratas como los Medici, los Strozzi, los Pazzi, aseguraron su estatus ordenando la construcción de palacios de gran grandeza y originalidad, como el Palacio Pitti (Brunelleschi), el Palacio Medici Riccardi (Michelozzo), el Palacio Rucellai (Alberti) y el Palacio Strozzi (Maiano), todos transformando el mismo modelo de los palacios medievales italianos, con un cuerpo más o menos cúbico, pisos con techos altos, estructurados en torno a un patio interior, con una fachada rústica y coronados por una gran cornisa, que les da un aspecto de solidez e invencibilidad. Las formas más puramente clásicas se ejemplifican en la Villa Medici de Giuliano da Sangallo. En Venecia se encuentran interesantes variaciones de este modelo, dadas las características de inundación del terreno.

Tras la figura señera de Donato Bramante en el Alto Renacimiento, llevando el centro de interés arquitectónico de Florencia a Roma, y siendo el autor de uno de los edificios sagrados más modélicos de su generación, el Tempietto, encontramos al propio Miguel Ángel, considerado como el inventor del orden colosal y durante algún tiempo arquitecto de las obras de la Basílica de San Pedro. Miguel Ángel, en opinión de sus propios contemporáneos, fue el primero en desafiar las reglas hasta entonces establecidas de la arquitectura clasicista, desarrollando un estilo personal, pues fue, según Vasari, el primero en abrirse a la verdadera libertad creativa. Representa, pues, el fin del «clasicismo colectivo», bastante homogéneo en sus soluciones, y el inicio de una fase de individualización y multiplicación de los lenguajes arquitectónicos. Abrió el camino, a través del inmenso prestigio del que gozaba entre los suyos, para que la nueva generación de creadores llevara a cabo innumerables experimentos a partir del canon clásico de la arquitectura, independizando este arte de los antiguos -aunque en gran medida en deuda con ellos-. Algunos de los nombres más destacados de esta época fueron Della Porta, Sansovino, Palladio, Fontana, Peruzzi y Vignola. Entre las modificaciones que introdujo este grupo se encuentran la relajación de la estructura del frontispicio y la anulación de las jerarquías de los órdenes antiguos, con gran libertad para el empleo de soluciones poco ortodoxas y el desarrollo del gusto por un juego puramente plástico con las formas, dando mucho más dinamismo a los espacios interiores y a las fachadas. De todos los renacentistas tardíos, Palladio fue el más influyente, y aún hoy es el arquitecto más estudiado del mundo. Fue el creador de una fértil escuela, llamada palladiana, que perduró, con altibajos, hasta el siglo XX.

Con el creciente movimiento de artistas, humanistas y profesores entre las ciudades del norte de los Alpes y la península italiana, y con la gran circulación de textos impresos y obras de arte a través de reproducciones en grabado, el clasicismo italiano inició a mediados del siglo XV una etapa de difusión por todo el continente. Francisco I de Francia y Carlos V, emperador del Sacro Imperio Romano Germánico, pronto reconocieron el potencial del prestigio del arte italiano para promover sus imágenes reales, y fueron agentes decisivos para su intensa difusión más allá de los Alpes. Pero esto fue a principios del siglo XVI, cuando el ciclo del Renacimiento ya había madurado en Italia durante al menos doscientos años y ya estaba en su fase manierista.

Hay que señalar, por tanto, que en el resto de Europa no hubo Quattrocento ni Alto Renacimiento. En el Cinquecento, periodo en el que la italianización europea alcanzó su punto álgido, las tradiciones regionales, aunque en cierta medida conocedoras del clasicismo, seguían muy impregnadas de estilos ya obsoletos en Italia, como el románico y el gótico. El resultado fue muy heterogéneo y ricamente híbrido, produjo la apertura de múltiples caminos, y su análisis se ha llenado de polémica, donde el único gran consenso que se ha formado destaca la diversidad del movimiento, su amplia irradiación y la dificultad de una descripción generalista coherente para sus manifestaciones, en la perspectiva de la existencia de escuelas regionales y nacionales con fuerte individualidad, cada una con una historia y valores específicos.

Francia

La influencia del Renacimiento a través de Flandes y Borgoña ya existía desde el siglo XV, como se observa en la producción de Jean Fouquet, pero la Guerra de los Cien Años y las epidemias de peste retrasaron su florecimiento, que sólo se produce a partir de la invasión francesa de Italia por Carlos VIII en 1494. El periodo se extiende hasta aproximadamente 1610, pero su final es tumultuoso con las guerras de religión entre católicos y hugonotes, que devastaron y debilitaron el país. Durante su mandato, Francia inicia el desarrollo del absolutismo y se expande por mar para explorar América. El punto central se estableció en Fontainebleau, sede de la corte, y allí se formó la Escuela de Fontainebleau, integrada por franceses, flamencos e italianos como Rosso Fiorentino, Antoine Caron, Francesco Primaticcio, Niccolò dell»Abbate y Toussaint Dubreuil, siendo una referencia para otros como François Clouet, Jean Clouet, Jean Goujon, Germain Pilon y Pierre Lescot. Leonardo también estuvo presente. A pesar de ello, la pintura conoció un desarrollo relativamente pobre y poco innovador, más centrado en el detalle preciosista y el virtuosismo, ningún artista francés de esta época adquirió una fama continental como la que alcanzaron tantos italianos, y el clasicismo sólo es perceptible a través del filtro manierista. Por otro lado, surgió un estilo de decoración que pronto fue ampliamente imitado en Europa, que combinaba pintura, estuco en relieve y elementos de madera tallada.

La arquitectura fue una de las artes más originales del Renacimiento francés, y no aparecieron en toda Europa, fuera de Italia, edificios comparables a los grandes palacios franceses como los de Fontainebleau, Tuileries, Chambord, Louvre y Anet, la mayoría de ellos con grandes jardines formales, destacando los arquitectos Pierre Lescot y Philibert de l»Orme, fuertemente influenciados por la obra de Vignola y Palladio, defensores de un clasicismo más puro, y organizadores de fachadas y planos simétricos. En cualquier caso, su clasicismo no era en realidad puro: reorganizaron los órdenes clásicos de diferentes maneras, crearon variantes, dinamizaron las plantas y los volúmenes y pusieron gran énfasis en la decoración exuberante y caprichosa, contradiciendo los principios de racionalidad, sencillez y economía formal del clasicismo más típico, además de conservar las tradiciones locales propias del gótico.

En la música se produjo un gran florecimiento a través de la Escuela de Borgoña, que dominó la escena musical europea durante el siglo XV y que daría lugar a la Escuela Franco-Flamenca, que produciría maestros como Josquin des Prez, Clément Janequin y Claude Le Jeune. La chanson francesa del siglo XVI intervendría en la formación de la canzona italiana, y su Musique mesurée establecería un patrón de escritura vocal declamatoria en un intento de recrear la música del teatro griego, y favorecería la evolución hacia la tonalidad plena. También apareció un género de música sacra distinto de sus modelos italianos, conocido como chanson spirituelle. En la literatura destacaron Rabelais, precursor del género fantástico, Montaigne, popularizador del género ensayístico donde aún hoy es uno de los grandes nombres, y el grupo que formó la Pléyade, con Pierre de Ronsard, Joachim du Bellay y Jean-Antoine de Baïf, que buscaban una actualización vernácula de la literatura grecorromana, la emulación de formas específicas y la creación de neologismos basados en el latín y el griego.

Países Bajos y Alemania

Los flamencos estaban en contacto con Italia desde el siglo XV, pero sólo en el siglo XVI el contexto se transforma y se caracteriza como renacentista, teniendo una vida relativamente corta. En esta fase la región se enriquece, la Reforma Protestante se convierte en una fuerza decisiva, opuesta a la dominación católica de Carlos V, dando lugar a graves conflictos que dividirían la zona. Las ciudades comerciales de Bruselas, Gante y Brujas refuerzan los contactos con el norte de Italia y encargan obras o atraen a artistas italianos, como los arquitectos Tommaso Vincidor y Alessandro Pasqualini, que pasaron allí la mayor parte de su vida. La afición al grabado trajo a la región numerosas reproducciones de obras italianas, Durero dejó una huella indeleble a su paso, Erasmo mantuvo vivo el humanismo y Rafael hizo ejecutar tapices en Bruselas. Vesalio realizó importantes avances en anatomía, Mercator en cartografía y la nueva prensa encontró las condiciones en Amberes y Lovaina para la fundación de influyentes editoriales.

En el campo de la música, los Países Bajos, junto con el noroeste de Francia, se convierten en el principal centro de toda Europa a través de la escuela franco-flamenca. En pintura desarrolló una escuela original, que popularizó el óleo y prestó una enorme atención al detalle y a la línea, manteniéndose muy fiel a la temática sagrada e incorporando su tradición gótica a las innovaciones manieristas italianas. Jan van Eyck, Rogier van der Weyden y Hieronymus Bosch fueron sus precursores en el siglo XV, y pronto la región haría su propia contribución al arte europeo, consolidando la pintura de paisaje con Joachim Patinir y la de género con Pieter Brueghel el Viejo y Pieter Aertsen. Otros nombres destacados son Mabuse, Maarten van Heemskerck, Quentin Matsys, Lucas van Leyden, Frans Floris, Adriaen Isenbrandt y Joos van Cleve.

Alemania impulsó su Renacimiento fusionando su rico pasado gótico con elementos italianos y flamencos. Uno de sus primeros maestros fue Konrad Witz, seguido por Albrecht Altdorfer y Albrecht Dürer, que estuvo en Venecia en dos ocasiones y quedó profundamente influenciado allí, lamentando tener que volver al norte. Junto con el erudito Johann Reuchlin, Durero fue una de las principales influencias para la difusión del Renacimiento en Europa central y también en los Países Bajos, donde sus famosos grabados fueron muy elogiados por Erasmo, que lo llamó «el Apeles de las líneas negras». La escuela romana fue un elemento importante en la formación del estilo de Hans Burgkmair y Hans Holbein, ambos de Augsburgo, visitados por Tiziano. En el ámbito musical, baste mencionar a Orlando de Lasso, miembro de la escuela franco-flamenca afincado en Múnich, que se convertiría en el compositor más famoso de Europa en su generación, hasta el punto de ser nombrado caballero por el emperador Maximiliano II y nombrado caballero por el papa Gregorio XIII, algo extremadamente raro para un músico.

Portugal

La influencia del Renacimiento en Portugal se extiende desde mediados del siglo XV hasta finales del XVI. Aunque el Renacimiento italiano tuvo un impacto modesto en el arte, los portugueses influyeron en la ampliación de la visión del mundo de los europeos, estimulando la curiosidad humanista.

Pionero de la exploración europea, Portugal floreció a finales del siglo XV con sus navegaciones a Oriente, obteniendo inmensos beneficios que impulsaron a la burguesía comercial y enriquecieron a la nobleza, permitiendo lujos y el cultivo del espíritu. El contacto con el Renacimiento se produjo a través de la influencia de ricos comerciantes italianos y flamencos que invirtieron en el comercio marítimo. Los contactos comerciales con Francia, España e Inglaterra fueron asiduos y el intercambio cultural se intensificó.

Como gran potencia naval, atrajo a especialistas en matemáticas, astronomía y tecnología naval, como Pedro Nunes y Abraão Zacuto; a los cartógrafos Pedro Reinel, Lopo Homem, Estevão Gomes y Diogo Ribeiro, que realizaron avances cruciales en la cartografía del mundo. Y los enviados a Oriente, como el boticario Tomé Pires y el médico García de Orta, recogieron y publicaron obras sobre las nuevas plantas y medicinas locales.

En arquitectura, los beneficios del comercio de especias en las primeras décadas del siglo XVI financiaron un suntuoso estilo de transición, que mezcla elementos marinos con el gótico y el manuelino. El Monasterio de los Jerónimos, la Torre de Belém y la ventana del Capítulo del Convento de Cristo en Tomar son los más conocidos, Diogo Boitaca y Francisco de Arruda fueron los arquitectos. En pintura, destacan Nuno Gonçalves, Gregório Lopes y Vasco Fernandes. En música, Pedro de Escobar y Duarte Lobo, así como cuatro cancioneros, entre ellos el Cancioneiro de Elvas y el Cancioneiro de París.

En literatura, Sá de Miranda introdujo las formas de verso italianas; García de Resende compiló el Cancioneiro Geral en 1516 y Bernardim Ribeiro fue pionero en el bucolismo. Gil Vicente los fusionó con la cultura popular, relatando el cambio de los tiempos y Luís de Camões inscribió los logros de los portugueses en el poema épico Os Lusíadas. La literatura de viajes en particular floreció: João de Barros, Castanheda, António Galvão, Gaspar Correia, Duarte Barbosa, Fernão Mendes Pinto, entre otros, describieron nuevas tierras y fueron traducidas y difundidas por la nueva prensa. Tras participar en la exploración portuguesa de Brasil, en 1500, Américo Vespucio, agente de los Médicos, acuñó el término Nuevo Mundo.

El intenso intercambio internacional produjo varios eruditos humanistas y cosmopolitas: Francisco de Holanda, André de Resende y Damião de Góis, amigo de Erasmo, que escribieron con rara independencia en el reinado de Manuel I; Diogo y André de Gouveia, que hicieron importantes reformas en la educación a través de Francia. Los informes y productos exóticos del puesto comercial portugués de Amberes atrajeron el interés de Tomás Moro y de Durero hacia el resto del mundo. En Amberes, los beneficios y conocimientos portugueses contribuyeron a impulsar el Renacimiento holandés y la Edad de Oro de los Países Bajos, especialmente tras la llegada de la culta y rica comunidad judía expulsada de Portugal.

España

En España, las circunstancias fueron en varios puntos similares. La reconquista del territorio español a los árabes y la fantástica afluencia de riqueza procedente de las colonias americanas, con el intenso intercambio comercial y cultural asociado, apuntalaron una fase de expansión y enriquecimiento del arte local sin precedentes. Artistas como Alonso Berruguete, Diego de Siloé, Tomás Luis de Vitoria, El Greco, Pedro Machuca, Juan Bautista de Toledo, Cristóbal de Morales, Garcilaso de la Vega, Juan de Herrera, Miguel de Cervantes y muchos más dejaron notables obras de estilo clásico o manierista, más dramáticos que sus modelos italianos, ya que el espíritu de la Contrarreforma tenía allí un baluarte y, en escritores sagrados como Teresa de Ávila, Ignacio de Loyola y Juan de la Cruz, grandes representantes. Sobre todo en la arquitectura, la exuberante ornamentación se convirtió en el estilo conocido como plateresco, una síntesis única de influencias góticas, moriscas y renacentistas. La Universidad de Salamanca, cuya enseñanza tenía moldes humanistas, más el asentamiento de italianos como Pellegrino Tibaldi, Leone Leoni y Pompeo Leoni inyectaron fuerza adicional al proceso.

El Renacimiento posterior incluso cruzó el océano y arraigó en América y Oriente, donde aún se conservan muchos monasterios e iglesias fundados por los colonizadores españoles en centros de México y Perú, y por los portugueses en Brasil, Macao y Goa, algunos de los cuales son ahora Patrimonio de la Humanidad.

Inglaterra

En Inglaterra, el Renacimiento coincidió con la llamada época isabelina, de gran expansión marítima y relativa estabilidad interna tras la devastación de la larga Guerra de las Rosas, cuando se pudo pensar en la cultura y el arte. Como en la mayoría de los países de Europa, la herencia gótica aún viva se mezcló con referencias del Renacimiento tardío, pero sus rasgos distintivos son el predominio de la literatura y la música sobre las demás artes, y su vigencia hasta aproximadamente 1620. Poetas como John Donne y John Milton investigan nuevas formas de entender la fe cristiana, y dramaturgos como Shakespeare y Marlowe se mueven ágilmente entre temas centrales de la vida humana -traición, trascendencia, honor, amor muerte – en tragedias célebres como Romeo y Julieta, Macbeth, Otelo, el Moro de Venecia (Shakespeare) y el Doctor Fausto (Marlowe), así como en sus aspectos más prosaicos y desenfadados en fábulas encantadoras como El sueño de una noche de verano (Shakespeare). Filósofos como Francis Bacon desvelaron nuevas fronteras para el pensamiento abstracto y reflexionaron sobre una sociedad ideal, y en música la escuela madrigalesca italiana fue asimilada por Thomas Morley, Thomas Weelkes, Orlando Gibbons y muchos otros, adquirió un inconfundible sabor local y creó una tradición que sigue viva hoy en día, junto a grandes polifonistas sagrados como John Taverner, William Byrd y Thomas Tallis, este último dejando el famoso motete Spem in alium, para cuarenta voces divididas en ocho coros, una composición sin parangón en su época por su maestría en el manejo de grandes masas vocales. En arquitectura, destacaron Robert Smythson y los palladistas Richard Boyle, Edward Lovett Pearce e Inigo Jones, cuya obra tuvo repercusión incluso en Norteamérica, haciendo discípulos a George Berkeley, James Hoban, Peter Harrison y Thomas Jefferson. En la pintura, el Renacimiento se recibió principalmente a través de Alemania y los Países Bajos, con la figura principal de Hans Holbein, floreciendo después con William Segar, William Scrots, Nicholas Hilliard y varios otros maestros de la Escuela Tudor.

Artes y ciencias

Fuentes

  1. Renascimento
  2. Renacimiento
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