Édouard Manet

Rezumat

Édouard Manet, născut la 23 ianuarie 1832 la Paris și decedat la 30 aprilie 1883 în același oraș, a fost un important pictor și gravor francez de la sfârșitul secolului al XIX-lea. A fost un precursor al picturii moderne, pe care a eliberat-o de academism, și este considerat, pe nedrept, ca fiind unul dintre părinții impresionismului: se deosebește de acesta prin faptul că stilul său este preocupat de realitate și nu folosește deloc sau foarte puțin noile tehnici de culoare și de tratare specială a luminii. Cu toate acestea, s-a apropiat de ea prin anumite teme recurente, cum ar fi portretele, peisajele marine, viața pariziană și naturile statice, în același timp pictând scene de gen în felul său într-o primă perioadă: subiecte spaniole după Velázquez și odalisce după Titian.

A refuzat să studieze dreptul și nu a reușit să devină ofițer de marină. În 1850, tânărul Manet a intrat în atelierul pictorului Thomas Couture, unde s-a format ca pictor, pe care l-a părăsit în 1856. În 1860, și-a prezentat primele tablouri, printre care Portretul domnului și doamnei Auguste Manet.

Următoarele sale tablouri, Lola de Valence, La Femme veuve, Combat de taureau, Le Déjeuner sur l”herbe și Olympia, au provocat un scandal. Manet a fost respins de la expozițiile oficiale și a jucat un rol important în „boemia elegantă”. Acolo a întâlnit artiști care îl admirau, cum ar fi Henri Fantin-Latour și Edgar Degas, și oameni de litere precum poetul Charles Baudelaire și romancierul Émile Zola, al cărui portret l-a pictat: Portrait d”Émile Zola. Zola l-a apărat activ pe pictor într-o perioadă în care presa și criticii o criticau pe Olympia. În această perioadă, a pictat Jucătorul de fitil (1866), subiectul istoric al Execuției lui Maximilian (1867), inspirat de gravura lui Francisco de Goya.

Printre lucrările sale se numără peisaje marine precum Clair de lune sur le port de Boulogne (1869) sau curse: Les Courses à Longchamp din 1864, care i-au adus pictorului un început de recunoaștere.

După Războiul franco-prusac din 1870, la care a luat parte, Manet i-a susținut pe impresioniști, printre care a avut prieteni apropiați, precum Claude Monet, Auguste Renoir și Berthe Morisot, care i-a devenit cumnată și al cărei faimos portret, Berthe Morisot cu un buchet de violete (1872), a fost unul dintre cele realizate de Manet. În contact cu ei, a abandonat parțial pictura de atelier pentru a picta în aer liber în Argenteuil și Gennevilliers, unde deținea o casă. Paleta sa a devenit mai clară, după cum arată Argenteuil în 1874. Cu toate acestea, el și-a păstrat abordarea personală de compoziție atentă și de preocupare pentru realitate și a continuat să picteze numeroase subiecte, în special locuri de agrement, cum ar fi Au Café (1878), La Serveuse de Bocks (1879) și ultima sa pânză de mari dimensiuni, Un bar aux Folies Bergère (1881-1882), dar și lumea celor umili cu Paveurs de la Rue Mosnier sau autoportrete (Autoportrait à la palette, 1879).

Manet a reușit să dea noblețe naturilor moarte, un gen care până atunci ocupase un loc decorativ, secundar în pictură. Spre sfârșitul vieții sale (1880-1883), s-a concentrat pe reprezentarea florilor, fructelor și legumelor prin aplicarea unor acorduri de culori disonante, într-o perioadă în care culoarea pură era în curs de dispariție, lucru pe care André Malraux a fost unul dintre primii care l-a subliniat în Les Voix du silence. Cel mai reprezentativ pentru această evoluție este L”Asperge, care arată capacitatea sa de a depăși toate convențiile. Manet și-a înmulțit, de asemenea, portretele de femei (Nana, La Blonde aux seins nus, Berthe Morisot) sau de bărbați care făceau parte din anturajul său (Stéphane Mallarmé, Théodore Duret, Georges Clemenceau, Marcellin Desboutin, Émile Zola, Henri Rochefort). Începând cu anii 1880, a câștigat o recunoaștere din ce în ce mai mare. A fost decorat cu Legiunea de Onoare la 1 ianuarie 1882. Cu toate acestea, victimă a sifilisului și a reumatismului, el suferea încă din 1876 de piciorul stâng, care a trebuit în cele din urmă să fie amputat.

În 1883, Édouard Manet a murit la vârsta de 51 de ani din cauza sifilisului și a gangrenei, pe care le-a contractat la Rio de Janeiro, lăsând în urmă peste patru sute de picturi, pasteluri, schițe și acuarele. Cele mai mari opere ale sale pot fi văzute în majoritatea muzeelor din lume, în special la Muzeul d”Orsay din Paris.

Nici impresionist, nici realist, Manet a adresat criticii de artă întrebări fără răspuns:

„Este el ultimul dintre marii pictori clasici sau primul dintre revoluționari? Să fi fost el copilul teribil al marii arte persistente, elevul ușor răutăcios al maeștrilor, restauratorul adevăratei tradiții dincolo de cea predată la Școala de Arte Frumoase? – Sau marele precursor, inițiatorul picturii pure? Bineînțeles, toate aceste lucruri în același timp, (răspunde Françoise Cachin), și în proporții pe care numai alternanțele gustului le pot judeca.

Copilărie

Édouard Manet s-a născut la 23 ianuarie 1832, la 5 rue des Petits-Augustins, în cartierul Saint-Germain-des-Prés, într-o familie burgheză pariziană. Tatăl său, Auguste Manet (31 august 1796-25 septembrie 1862), a fost funcționar public de rang înalt în cadrul Ministerului Justiției. Potrivit biografilor săi, a fost șef de cabinet al ministrului justiției sau secretar general al Ministerului Justiției. Mama lui Édouard, Eugénie Désirée Manet (născută Fournier) (11 februarie 1811-8 ianuarie 1885), era fiica unui diplomat detașat la Stockholm și fina mareșalului Bernadotte.

Deși crescut într-o familie austeră, tânărul Édouard a descoperit rapid lumea artei datorită influenței unui unchi monarhist destul de excentric (copilul a asistat la discuțiile politice pe care acesta le purta cu tatăl său, un republican fervent), căpitanul Édouard Fournier, care le-a făcut cunoștință nepoților săi Édouard și Eugène, fratele său, cu marii maeștri din galeriile Muzeului Luvru, ducându-i să viziteze în special Galeria spaniolă.

La vârsta de doisprezece ani, Édouard Manet a fost trimis la Collège Rollin, astăzi Collège-lycée Jacques-Decour, situat pe atunci pe rue des Postes (astăzi rue Lhomond), în cartierul Val-de-Grâce, unde locuia familia sa, nu departe de Grădinile Luxembourg. Profesorul său de istorie a fost tânărul Henri Wallon, al cărui amendament va deveni mai târziu piatra de temelie a celei de-a Treia Republici. Școlarizarea lui Manet pare să fi fost dezamăgitoare: tânărul băiat era în mod regulat disipat, nu foarte sârguincios și uneori dădea dovadă de insolență. Colegul său de clasă Antonin Proust relatează, de exemplu, o altercație între viitorul pictor rebel și Wallon pe tema unui text al lui Diderot despre modă: tânărul ar fi exclamat că „trebuie să fii din timpul tău, să faci ceea ce vezi fără să te preocupi de modă”.

Se știe foarte puțin despre copilăria lui Manet, care este rezumată în câteva pagini, cu referire la familia sa, care este înstărită în toate biografiile, de la cea a lui Théodore Duret până la cele mai recente, care evocă rapid mediul familial înainte de a trece la adolescență și apoi la pictorul însuși: „Artistul primește timp de patru ani o chirie anuală de 20.000 de franci pe un teren moștenit la moartea tatălui său, în 1862; nu are nevoie să își câștige existența în acest timp, deși mama sa pare să fi luat măsuri pentru a-l opri pe panta ruinătoare pe care s-a angajat.  „

De fapt, nu se cunosc multe lucruri despre intimitatea lui Manet în general, deoarece artistul a făcut tot posibilul să ridice bariere pentru a o păstra și pentru a păstra proprietatea.

Studii și ucenicie la Atelierul de cusut

Manet a obținut rezultate decente la Colegiul Rollin, unde l-a întâlnit pe Antonin Proust, ale cărui amintiri vor fi de neprețuit pentru cunoașterea artistului. În această perioadă, Proust și Manet mergeau adesea la Luvru sub îndrumarea unchiului matern al lui Manet, căpitanul Édouard Fournier, care a încurajat talentul nepotului său. Manet a părăsit Colegiul Rollin în 1848 și a depus o cerere pentru a se înrola în marină, dar a picat la concursul Borda. Apoi a decis să lucreze ca pilot pe o navă de antrenament cu destinația Rio de Janeiro.

S-a îmbarcat la 9 decembrie 1848, în Le Havre, pe Le Havre și Guadelupa, călătoria durând până în iunie 1849. Manet s-a întors cu o multitudine de desene; în timpul călătoriei a realizat portrete și desene ale întregului echipaj, precum și caricaturi ale camarazilor și ofițerilor săi. A contractat sifilisul la Rio. La întoarcerea sa la Le Havre, a picat pentru a doua oară examenul de admitere la Școala Navală; familia sa a fost de acord ca el să urmeze o carieră artistică.

Călătoriile sale cu barca l-au inspirat mai târziu să picteze peisaje marine cu scene portuare (Clair de lune sur le port de Boulogne, 1869 – Le Départ du vapeur de Folkestone, 1869) sau subiecte istorice precum Le Combat du Kearsarge et de l”Alabama (1865) sau L”Évasion de Rochefort (1881).

După ce a picat al doilea concurs pentru a deveni ofițer de marină, Manet a refuzat să se înscrie la Beaux-Arts. În 1850 a intrat în atelierul pictorului Thomas Couture împreună cu Antonin Proust, unde a rămas aproximativ șase ani. A fost înregistrat ca elev al lui Couture în registrul copiștilor de la Luvru. În curând și-a pierdut încrederea în maestrul său, mergând împotriva învățăturilor acestuia.

Thomas Couture a fost una dintre figurile emblematice ale artei academice din a doua jumătate a secolului al XIX-lea, cu o atracție accentuată pentru lumea antică, care i-a adus un succes imens cu capodopera sa The Romans of Decadence (Romanii decadenței) la Salonul din 1847. Elev al lui Gros și Delaroche, Couture se afla în culmea gloriei; Manet însuși a fost cel care a insistat ca părinții săi să-l înscrie în atelierul maestrului.

Manet dedică cea mai mare parte a acestor șase ani învățării tehnicilor de bază ale picturii și copierii unor lucrări ale marilor maeștri expuși la Luvru, în special: Autoportretul lui Tintoretto, Jupiter și Antiope atribuit lui Titian și Elena Fourment și copiii ei de Peter Paul Rubens. De asemenea, l-a vizitat pe Delacroix, căruia i-a cerut permisiunea de a copia Barca lui Dante, expusă atunci la Musée du Luxembourg. Dar mai ales călătoriile sale în Olanda, Italia și Spania, unde a vizitat muzee, i-au completat formarea și i-au alimentat inspirația.

Manet și-a completat formarea printr-o serie de călătorii prin Europa: Rijksmuseum din Amsterdam păstrează o înregistrare a vizitei sale din iulie 1852. A vizitat Italia de două ori: în 1853, în compania fratelui său Eugène și a viitorului ministru Émile Ollivier, călătoria i-a oferit ocazia de a copia celebra Venus din Urbino a lui Titian la Galeria Uffizi din Florența, iar la Haga a copiat Lecția de anatomie a lui Rembrandt. Manet i-a copiat pe maeștrii de acolo, aducând o copie a lui Venus din Urbino după Titian și a Capului unui tânăr de Fra Filippo Lippi, realizată la Muzeul Uffizi. În același an, 1853, a plecat la Roma. În timpul celei de-a doua sale călătorii în Italia, în 1857, Manet s-a întors în orașul Medici pentru a schița frescele lui Andrea del Sarto din claustrația Annunziata. Pe lângă Țările de Jos și Italia, în 1853, artistul a vizitat Germania și Europa Centrală, în special muzeele din Praga, Viena, München și Dresda.

Independența de spirit a lui Manet și insistența sa în alegerea unor subiecte simple l-au derutat pe Couture, care i-a cerut totuși părerea elevului său cu privire la unul dintre tablourile sale: Portrait de Mlle Poinsot. Manet a fost inspirat de portretele lui Couture: tablouri cu fețe luminate, pictură energică în care elementele vieții moderne erau deja evidente (costume negre, accesorii de modă). În 1859, Manet tocmai terminase Băutorul de absint, pe care Couture nu l-a înțeles; cei doi bărbați s-au certat. Încă din primele zile petrecute în atelier, Manet spunea: „Nu știu de ce mă aflu aici; când ajung la atelier, mi se pare că intru într-un mormânt”. În realitate, Manet nu a primit bine învățăturile lui Couture. Antonin Proust, care îi fusese coleg de atelier, își amintește în memoriile sale: „Manet avea invariabil probleme lunea, ziua în care se dădeau posturi pentru întreaga săptămână, cu modelele profesorului, care luau atitudini scandaloase – „Nu puteți fi naturale”, striga Manet. Manet a părăsit atelierul Couture în 1856 pentru a se muta în propriul său sediu din Rue Lavoisier împreună cu prietenul său, Albert de Balleroy.

În acest atelier a pictat portretul intitulat L”Enfant aux Cerises în 1859. Copilul avea 15 ani când Manet l-a angajat să îi spele pensulele. A fost găsit spânzurat în atelierul lui Manet, unde fusese mustrat și amenințat că va fi trimis înapoi la părinții săi. Pictorul, impresionat de această sinucidere, s-a mutat în 1860 într-un alt loc din Rue de la Victoire, unde nu a rămas, iar apoi s-a mutat din nou în Rue de Douai. În acel an, l-a întâlnit pe Baudelaire. Episodul dramatic din L”Enfant aux cerises l-a inspirat mai târziu pe Charles Baudelaire să scrie un poem: La Corde, pe care l-a dedicat lui Édouard Manet.

Manet nu a ales întâmplător atelierul lui Couture. În 1850, își dăduse mijloacele de a intra în carieră pe ușa principală. Couture era o figură importantă la acea vreme, apreciată de iubitorii de artă și susținută de autoritățile publice, iar la sfârșitul anului 1840 a atins prețuri foarte mari. „Lecția Couture” este mult mai importantă decât s-a recunoscut. Lunga ucenicie de șase ani a fost de mare anvergură. „Pictorul de maniere și pictorul politic al realismului controlat l-au reținut la fel de mult ca și gustul lui Couture pentru figurile din commedia dell”arte și pitorescul boem. Stéphane Guégan notează că primul mare succes al lui Couture la Salonul din 1844, L”Amour de l”or (Musée des Augustins, Toulouse), se bazează pe partea stângă a Judecății de la Paris de Marcantonio Raimondi, în timp ce Le déjeuner sur l”herbe de Manet își însușește partea dreaptă a aceleiași lucrări a lui Raimondi. Iar Couture a fost, în mod clar, una dintre căile care au dus la Bătrânul Muzician.

Manet a fost un mare admirator al lui Achille Devéria. Când a vizitat Muzeul din Luxemburg în compania lui Auguste Raffet și a lui Devéria, a exclamat, văzând Nașterea lui Henric al IV-lea de Devéria: „Totul este foarte frumos, dar există o capodoperă în Luxemburg: Barca lui Dante. Dacă mergeam să-l vedem pe Delacroix, ne foloseam de vizita noastră ca pretext pentru a-i cere permisiunea de a face o copie a bărcii sale.

Henry Murger a susținut că Delacroix era rece. La ieșirea din atelierul său, Manet i-a spus lui Proust: „Nu Delacroix este rece, ci doctrina lui este de gheață. În ciuda tuturor lucrurilor, haideți să copiem baraca. Este o piesă.” Barca lui Dante după Delacroix este singurul tablou realizat de Manet în timpul vieții artistului. Acesta este păstrat la Musée des Beaux-Arts din Lyon. Un al doilea exemplar, de dimensiuni ușor diferite, se află la Metropolitan Museum din New York, mai liber și mai colorat. A rămas în atelierul lui Manet la moartea acestuia.

A fost precedată de Scène d”atelier espagnol, ale cărei multe elemente au fost preluate din Les Petits cavaliers espagnols de Velázquez, copiată de Manet și gravată ulterior sub titlul Les Petits cavaliers (gravură), gravură și picătură uscată 1862, o versiune a căreia este păstrată la Muzeul Goya din Castres. Perioada hispanică a început aproape la fel de devreme ca și debutul pictorului. Nu au fost găsite toate lucrările din această perioadă, cu excepția primei sale lucrări, Cavaliers spanioli, 45 × 26 cm, care se află la Musée des Beaux-Arts din Lyon.

Perioada hispanică

Bătrânul muzician se remarcă drept cea mai monumentală și mai complexă dintre primele lucrări ale lui Manet. Analizele succesive au făcut posibilă descifrarea surselor compozite care formează cadrul vizual al lucrării. O succesiune de referințe picturale se regăsește în adunarea țiganilor: o figură mizerabilă împrumutată de la Henri Guillaume Schlesinger, trimiteri la Le Nain, Watteau: Manet se inspiră din ele fără limite pentru a-și inventa realismul.

Primele două tablouri cu tematică spaniolă, Jeune Homme en costume de majo și Mlle V. en costume d”espada, prezentate la Salonul refuzaților din 1863, alături de Le Déjeuner sur l”herbe, au nedumerit criticii și au provocat atacuri acerbe, în ciuda susținerii lui Émile Zola, care a văzut în ele „o lucrare de o vigoare rară și de o extremă putere a tonurilor (…) După părerea mea, pictorul a fost mai colorist decât obișnuiește să fie. Petele sunt îndrăznețe și pline de energie și sunt îndepărtate din fundal cu toată bruschețea naturii.

Tânărul în costum de Majo este fratele mai mic al lui Manet, Gustave. Mlle V. en costume d”espada, este un portret al modelului preferat al lui Manet, Victorine Meurent, deghizată în bărbat, în același an în care tânăra a început să pozeze pentru pictor. În acest tablou, Victorine ar trebui să participe ca espada la o coridă. Cu toate acestea, totul este făcut pentru a arăta că tabloul este o construcție artificială: Victorine, din cauza amenințării pe care o reprezintă taurul, nu ar trebui în mod normal să privească privitorul cu atâta insistență. Întreaga scenă este doar un pretext pentru a înfățișa modelul în haine masculine. Aceasta se dorește a fi o provocare a lui Émile Zola în timpul expoziției Jeune Homme en costume de majo și Le Déjeuner sur l”herbe.

„Cele trei tablouri ale lui Monsieur Manet par un pic o provocare pentru public, care se simte ofensat de culorile excesiv de vii. În mijloc, o scenă de baie, în stânga, un Majo spaniol; în dreapta, o doamnă pariziană în costum de espadrilă fluturându-și haina purpurie în circul unei lupte cu tauri. M. Manet adoră Spania, iar maestrul său de afecțiune pare să fie Goya, ale cărui tonuri vii și izbitoare și a cărui atingere liberă și plină de viață le imită. Există țesături uimitoare în aceste două figuri spaniole: costumul negru al majo și burduful greu stacojiu pe care îl poartă la braț, ciorapii de mătase roz ai tinerei pariziene deghizate în espada; dar sub aceste costume strălucitoare, persoana însăși lipsește oarecum, capetele ar trebui pictate altfel decât draperiile, cu mai mult accent și profunzime.”

Charles F. Suckey notează că „contradicțiile tabloului și detaliile absurde, caracteristice multor tablouri, atrag atenția asupra faptului că arta este, înainte de toate, un ansamblu de modele și costume. Mlle Victorine Meurant în costum de espadă este un exemplu: un model feminin care pozează în toreador este ridicol din punct de vedere al realismului.

Dar Mlle Meurent nu este singura femeie travestită în costum masculin. În același an, Manet a pictat o Tânără culcată în costum spaniol (New Haven, Yale University Art Gallery), al cărei model ușor îngroșat se crede că ar fi amanta lui Nadar sau a lui Baudelaire, dar a cărei identitate exactă nu este cunoscută. De asemenea, este îmbrăcată într-un costum spaniol bărbătesc, ceea ce corespunde codurilor erotice ale vremii în care costumul masculin era folosit în mod constant în galanterie. Félix Bracquemond a gravat o gravură cu ea în 1863, inversând subiectul. Manet a realizat și o acuarelă a aceluiași tablou.

Manet a vizitat Spania abia în 1865 și este posibil ca el să se fi familiarizat cu obiceiurile madrilene și cu detaliile luptei cu tauri doar prin intermediul cărții lui Théophile Gautier Voyage en Espagne sau prin detaliile luptei cu tauri prezentate de Prosper Mérimée. În plus, avea în atelierul său o colecție de costume pe care le folosea ca recuzită și care îi erau furnizate de un comerciant spaniol din Pasajul Jouffroy. După cum observă Beatrice Farwell, costumul domnișoarei V poate fi regăsit și în alte tablouri ale lui Manet: Cântăreața spaniolă și Tânărul în costum de Majo.

Perioada hispanică a lui Manet nu se limitează la figuri în costume spaniole. În Portretul lui Théodore Duret pot fi găsite urme de inspirație din Goya sau Velázquez (în funcție de critic). L-a întâlnit pe Duret la Madrid, în 1865, într-un restaurant. „Hispanismul acestui tablou este evident și îl evocă mai mult pe Goya decât pe Velázquez. În cartea lui Charles Blanc a găsit o posibilă sursă de inspirație cu reproducerea Tânărului în gri după Goya, în care regăsim poziția inversată și chiar bastonul. Este evident că Manet a făcut o aluzie deliberată pentru a-i reaminti lui Théodore Duret de tabloul pe care l-au văzut împreună la Madrid. Georges Mauner vede chiar o aluzie la Manuel la Peña, marchiz de Bondad, un portret pictat de Goya în 1799.

După mai mulți ani petrecuți copiind tablouri de mari dimensiuni, Manet a decis la Salonul din 1859 să prezinte oficial prima sa lucrare, intitulată Băutorul de absint. Tabloul, de factură realistă, arată influența lui Gustave Courbet, dar este mai ales un omagiu adus lui Diego Velázquez, pe care Manet l-a considerat întotdeauna „pictorul pictorilor”: „Am încercat, spunea el, să fac un tip de Paris, punând în execuție naivitatea meșteșugului pe care am găsit-o la Velázquez.

Cu toate acestea, The Absinthe Drinker, atât de puțin academic, a fost refuzat la Salonul din 1859. Juriul nu a înțeles această lucrare, care ilustrează într-un fel Vin des chiffonniers a lui Baudelaire „bând și bătându-se de perete ca un poet”. În mod similar, Thomas Couture consideră că singurul băutor de absint de aici este pictorul. Manet află de acest refuz în prezența lui Baudelaire, Delacroix și Antonin Proust, crezând că Thomas Couture este responsabil: „Ah! el m-a făcut să refuz! Ce trebuie să fi spus despre asta în fața semenilor săi (…)”. Cu toate acestea, tânărul artist a primit mai mulți susținători notabili, în special Eugène Delacroix, care i-a luat apărarea în fața juriului, și mai ales Charles Baudelaire, care tocmai îl cunoscuse și se străduia să-l facă cunoscut în societatea pariziană.

Manet a fost fascinat de arta spaniolă din acea perioadă, în primul rând de Velázquez, pe care l-a asociat cu realismul, spre deosebire de arta italienească a academicienilor. Cu mult timp înainte de prima sa călătorie în Spania, în 1865, Manet a dedicat mai multe pânze la ceea ce el însuși numea „subiecte spaniole”: dansatoarea Lola de Valencia și chitaristul din Cântărețul spaniol.

Cântăreața spaniolă i-a adus primul succes. A fost acceptat la Salonul de la Paris în 1861 cu portretul părinților săi. Criticii Jean Laran și Georges Le Bas relatează că a fost admirat de Eugène Delacroix și Ingres și că, probabil datorită intervenției lui Delacroix, tabloul a primit o mențiune „onorabilă”. De asemenea, a fost pe placul lui Baudelaire și al lui Théophile Gautier, care a declarat în Le Moniteur universel din 3 iulie 1861: „Există mult talent în această figură de mărime naturală pictată în plină pastă, cu o pensulă curajoasă și culori foarte adevărate.

Diferitele influențe asupra acestui tablou au fost subiectul a numeroase discuții. Potrivit lui Antonin Proust, Manet însuși a declarat: „Când am pictat această figură, m-am gândit la maeștrii madrileni, dar și la Hals. Istoricii de artă au menționat, de asemenea, influența lui Goya (în special gravura „Cântărețul orb”), Murillo, Diego Velázquez, precum și Gustave Courbet în tendința sa realistă.

Pictura a fost admirată și de un grup de tineri artiști: Alphonse Legros, Henri Fantin-Latour, Edgar Degas și alții. Această întâlnire cu tinerii pictori a fost decisivă, deoarece l-a desemnat pe Manet drept lider al avangardei.

Unul dintre cele mai cunoscute tablouri ale lui Manet care tratează luptele cu tauri este „Omul mort”, din 1864. Inițial, lucrarea era doar o parte dintr-o compoziție mai amplă destinată Salonului din același an și intitulată Episodul unei curse de tauri: pictorul, nemulțumit de criticile dure ale lui Théophile Thoré-Burger și de caricaturile lui Bertall în „Le Journal amusant”, a tăiat Episodul în două părți care vor forma două pânze autonome: Omul mort și Cursa de tauri, care se află în Frick Collection din New York.

Manet a decupat La Corrida în așa fel încât să păstreze trei toreadori pe gard (primul titlu ales pentru această lucrare a fost Toreros în acțiune), dar dacă dorea să păstreze bărbații în picioare, trebuia să taie aproape tot taurul. În schimb, artistul a decis să taie picioarele toreadorului din stânga și să taie mulțimea din tribune.

Când Manet a pictat Episodul unei curse de tauri, nu fusese niciodată în Spania. În urma acestei călătorii și-a exprimat admirația pentru luptele cu tauri într-o scrisoare adresată lui Baudelaire la 14 septembrie 1865: „Unul dintre cele mai frumoase, mai curioase și mai teribile spectacole pe care le poți vedea este o coridă. Sper ca, la întoarcere, să pun pe pânză aspectul strălucitor, zburdalnic și în același timp dramatic al coridei la care am asistat. Pe aceeași temă a realizat mai multe formate mari: Le Matador saluant, pe care Louisine Havemeyer l-a cumpărat de la Théodore Duret și care se află în prezent la Muzeul d”Orsay din Paris. Étienne Moreau-Nélaton și Adolphe Tabarant sunt de acord că fratele lui Manet, Eugène, a servit drept model pentru personajul matadorului care salută și că este vorba, într-adevăr, de un toreador aplaudat de mulțime după moartea taurului.

Manet a început „Corida” la întoarcerea din călătoria sa în Spania, în 1865. În atelierul său din Paris, rue Guyot (astăzi rue Médéric), este posibil să se fi folosit atât de schițe realizate la fața locului în Spania (schițe care nu au fost găsite, cu excepția unei acuarele), dar și de gravuri ale lui La tauromaquia de Francisco de Goya pe care le deținea. Manet a avut o mare admirație pentru pictorul spaniol, care l-a influențat și în alte domenii decât cel al luptelor cu tauri, în special pentru Execuția lui Maximilian.

Pictură religioasă

În contrast cu arta Sfântului Sulpicianism, Manet a mers pe urmele maeștrilor italieni, precum Fra Angelico, sau hispanici, precum Zurbaran, în tratarea realistă a trupului în picturile sale religioase, fie că este vorba de trupul implorat așezat la marginea mormântului lui Hristos susținut de îngeri (1864, New York, Metropopolitan Museum of Art), preluând compoziția clasică a iconografiei creștine a lui Hristos cu răni, precum cea a lui Hristos mort susținut de doi îngeri, sau a unui „om din carne și oase, din piele și barbă, și nu un duh curat și sfânt în haină” în A Monk at Prayer (c. 1864). La Salonul din 1865 a expus, de asemenea, un Iisus insultat de soldați.

Aceste lucrări i-au atras ironiile lui Gustave Courbet și Théophile Gautier, dar au fost salutate de Émile Zola: „Îl găsesc aici pe Edouard Manet în totalitatea sa, cu prejudecata ochiului său și cu îndrăzneala mâinii sale. S-a spus că acest Hristos nu este un Hristos, și admit că s-ar putea să fie; pentru mine, este un cadavru pictat în plină lumină, cu franchețe și vigoare; și îmi plac chiar și îngerii din fundal, acești copii cu aripile lor mari și albastre, care au o stranietate atât de dulce și elegantă.

Această perioadă a operei lui Édouard Manet (în jurul anilor 1864-1865), respinsă de critici pentru că nu corespundea imaginii unui Manet laic și rebel, a fost pusă în valoare într-o sală a expoziției de la Muzeul d”Orsay (5 aprilie-17 iulie 2011). „Componenta religioasă a artei lui Manet i-a revoltat pe dușmanii săi la fel de mult cum i-a stânjenit pe prietenii săi.” În 1884, la expoziția postumă de la Ecole des Beaux-Arts, în omagiu lui Manet, primul dintre moderni, Antonin Proust a respins cei doi mari Cristoși, Iisus insultat și Hristos mort. Fostul ministru Gambetta a făcut o excepție pentru „Un călugăr la rugăciune”, datorită ostentației sale confesionale mai puțin pronunțate. „Imaginea unui Manet hotărât laic, la fel de rebel față de clișeele estetice ca și față de superstițiile bisericii, a fost apoi transmisă istoriei artei, gardian al templului, mai ales în aspectul său modern. Ar putea fi acceptat în secolul al XX-lea faptul că pictorul din Olimpia s-a ocupat de Biblie la mijlocul anilor 1860, în timp ce Pius al IX-lea, unul dintre cei mai represivi papi din istoria creștinismului, se afla la Roma? O astfel de poziție, între amnezia confortabilă și orbirea voită, ignoră în mod superb complexitatea unui pictor străin de diviziunile noastre estetice și ideologice. Manet, ca și Baudelaire, a arătat totuși un atașament, deși neortodox, față de Dumnezeul Scripturilor. El își grupase deja marile sale picturi religioase într-o expoziție specială în 1867, în Place de l”Alma. Această selecție a însemnat refuzul „specialității”, al cărei flagel Gautier și Baudelaire îl denunțau constant.

Picturile religioase ale lui Manet din perioada hispanică au fost mult mai legate de cultura italiană. Din șederile sale din 1853 și 1857, Manet a adus copii ale lui Rafael, Andrea del Sarto, Benozzo Gozzoli, Fra Angelico în primul rând. Numeroasele sale sanguine pentru Călugărul și Hristos grădinarul și gravurile pentru Hristos cu îngeri și Iisus insultat sunt cele mai izbitoare dovezi în acest sens. Mai exact, inspirația italiană poate fi găsită încă de la începutul carierei pictorului: The Monk in Profile, 1853-1857, sanguină pe hârtie, 34,2 × 22 cm, Bibliothèque Nationale de France, Saint Bernard îngenuncheat ținând o carte, după Crucificarea lui Fra Angelico, Florența, Convent of San Marco, 1857, creion negru și grafit 28, 8 × 21,2 cm, Musée d”Orsay Paris, Doi clerici îngenuncheați: Sfântul Ioan Galbert și Sfântul Petru Martirul după Crucificarea de Fra Angelico, Florența, Conventul San Marco, 1857, creion negru și grafit 28,8 × 21,2 cm Musée d”Orsay.

Muzică la Tuileries

Édouard Manet, conform descrierii lui Antonin Proust, era un tânăr încrezător în sine, prietenos și sociabil. De aceea, perioada primelor sale succese este și cea a intrării sale remarcabile în cercurile intelectuale și aristocratice pariziene.

„În jurul lui Manet s-a format o mică curte. Se ducea la Tuileries aproape în fiecare zi, de la ora 14 la 16. (…) Baudelaire era tovarășul său obișnuit. Descrierea lui Proust oferă o idee destul de precisă despre Manet, care era într-adevăr unul dintre dandy cu pălării de top din tablourile sale, un obișnuit al atelierului său, al Tuileries și al Café Tortoni din Paris, o cafenea elegantă de pe bulevard, unde își lua prânzul înainte de a merge la Tuileries. „Iar când se întorcea la Tortoni, de la ora cinci la șase, era la latitudinea oricui îl complimenta pentru studiile sale, care treceau din mână în mână.

În Muzică la Tuileries (1862), Manet descrie lumea elegantă în care trăia. Tabloul înfățișează un concert în grădinile Tuileries, în care pictorul înfățișează persoane apropiate.

De la stânga la dreapta, se poate observa un prim grup de figuri masculine, printre care se numără fostul său coleg de atelier Albert de Balleroy, Zacharie Astruc (așezat), Charles Baudelaire în picioare, iar în spatele lui Baudelaire, în stânga: Fantin-Latour. Printre bărbați, Manet i-a plasat pe fratele său Eugène Manet, Théophile Gautier, Champfleury, baronul Taylor și Aurélien Scholl. Prima doamnă îmbrăcată în alb din stânga este doamna Lejosne, soția comandantului Hippolyte Lejosne, unde Manet l-a întâlnit pe Baudelaire. Cei care frecventau Lejosne erau cu toții prieteni ai lui Manet. Alături de doamna Lejosne se află doamna Offenbach.

Pictorul s-a înfățișat pe sine însuși ca fiind figura bărboasă din partea stângă a compoziției. În dreapta sa, așezat lângă trunchi, îl recunoaștem pe „cel pe care Manet îl numea Mozart al Champs Élysées: Gioachino Rossini”.

Tabloul a fost judecat cu severitate de Baudelaire, care nu l-a menționat în 1863, și a fost puternic atacat de Paul de Saint-Victor: „Concertul său de la Tuileries zgârie ochii așa cum muzica din târguri face să sângereze urechea. Hippolyte Babou vorbea despre „mania lui Manet de a vedea prin pete (…) pata Baudelaire, pata Gautier, pata Manet”.

Muzica la Tuileries este, de fapt, primul model pentru toate picturile impresioniste și postimpresioniste care descriu viața contemporană în aer liber. A inspirat în următoarele decenii: Frédéric Bazille, Claude Monet și Auguste Renoir. Posteritatea sa va fi imensă. Cu toate acestea, la acea vreme, Manet nu era încă pictorul plein air care avea să devină mai târziu. Imaginea societății elegante a celui de-al Doilea Imperiu pe care a grupat-o sub copaci este cu siguranță o lucrare de atelier. Este posibil ca figurile, care sunt adevărate portrete, să fi fost pictate după fotografii.

Mai mult de zece ani mai târziu, în primăvara anului 1873, Manet a realizat un tablou asemănător cu Muzică la Tuileries, intitulat Bal mascat la Operă, în care apar mai multe dintre cunoștințele sale. Opera în cauză, situată pe strada Le Peletier din arondismentul 9, a fost incendiată în același an. O altă adunare mondenă pariziană a vremii, cursele de cai de la Longchamp, l-a inspirat pe pictor să picteze un tablou: Les Courses à Longchamp.

În 1863, pentru prima dată în istoria Salonului oficial anual de la Paris, artiștilor respinși li s-a permis să își expună lucrările într-o mică sală atașată expoziției principale, unde vizitatorii puteau să le descopere: acesta a fost celebrul Salon des refusés. Édouard Manet, expunând acolo trei lucrări controversate, s-a impus ca o figură a avangardei.

Baia, sau Prânzul pe iarbă (1862, Salon des Refusés din 1863)

Antonin Proust relatează că ideea tabloului i-a venit pictorului la Gennevilliers: „Câteva femei făceau baie, iar Manet avea privirea fixată pe carnea celor care ieșeau din apă: – Mi se pare că trebuie să fac un nud. Ei bine, o să le fac una în transparența atmosferei, cu oamenii pe care îi vedem acolo. Voi fi batjocorit. Oamenii vor spune ce vor. Manet nu era mulțumit de figura bărbatului în haină de dimineață din La Musique aux Tuileries. A vrut să-l plaseze pe acest bărbat într-un cadru mitologic, rural, alături de un nud pe care l-a vrut clar; aerul era „transparent”; nudul însuși ar fi fost o femeie.

Dintre cele trei tablouri expuse la Salon, compoziția centrală din Prânzul pe iarbă a provocat cele mai puternice reacții. În această lucrare, Manet a confirmat ruptura cu clasicismul și academismul pe care o începuse cu Muzica din Tuileries. Controversa provine mai puțin din stilul picturii, cât din subiectul acesteia: în timp ce nudul feminin era deja răspândit și apreciat, cu condiția să fie tratat într-o manieră modestă și eterică, era și mai șocant să apară doi bărbați complet îmbrăcați în aceeași compoziție. O astfel de punere în scenă exclude posibilitatea unei interpretări mitologice și conferă tabloului o puternică conotație sexuală. Criticul Ernest Chesneau, rezumând această neliniște, a declarat că nu putea „să găsească o operă perfect castă să aibă o fată stând în pădure, înconjurată de studenți în berete și paltoane, îmbrăcată doar la umbra frunzelor”, denunțând „o tendință de neconceput spre vulgaritate”. „Trebuie să spun că grotescul expoziției sale are două cauze: în primul rând, o ignoranță aproape infantilă a primelor elemente de desen și, în al doilea rând, o înclinație spre o vulgaritate de neconceput”. Cu toate acestea, Prânzul pe iarbă este inspirat doar de o lucrare a lui Rafael reprezentând două nimfe și de Concertul la țară al lui Titian, singura diferență față de aceste două tablouri fiind hainele celor doi bărbați. În acest fel, Manet relativizează și ridiculizează gusturile și interdicțiile timpului său.

Déjeuner sur l”herbe a provocat un scandal, stârnind sarcasmul unora și strigătele de admirație ale altora, provocând peste tot polemici pasionale. Manet intrase în plină luptă.

În curând, Olympia (1865) va accentua și mai mult tonul acestor controverse. Caricaturiștii, dintre care Manet era capul de afiș, au avut o zi plină.

Olympia, sau intrarea în modernitate (1863, expusă la Salonul oficial din 1865)

Deși Manet a decis în cele din urmă să nu o expună la Salon des Refusés și să nu o prezinte decât doi ani mai târziu, Olympia a fost pictată în 1863. Lucrarea, care avea să stârnească și mai multe controverse decât „Prânzul pe iarbă”, înfățișează o prostituată care pare că tocmai a ieșit dintr-un harem oriental și care se pregătește vizibil să primească un client care se anunță cu un buchet de flori. Criticii de artă au văzut în acest tablou referințe la mai mulți pictori: Titian și Venus din Urbino, 1538, Florența, Muzeul Uffizi, Goya și Maja nud, 1802, Muzeul Prado din Madrid, Jalabert în anii 1840 și Odalisca sa 1842, Muzeul Carcassonne, Benouville și Odalisca sa, 1844, Muzeul Pau. „De asemenea, s-a emis ipoteza că unul dintre motivele scandalului provocat de expoziția „Olympia” a lui Manet a fost posibila analogie cu fotografiile pornografice foarte răspândite ale prostituatelor goale și îndrăznețe care își etalează farmecele pentru public. Ca exemplu, Françoise Cachin și ea prezintă o fotografie Nud pe o canapea de dormit, Studio Quinet, cca. 1834, Cabinet des estampes, Paris.

Spre deosebire de Prânzul pe iarbă, Olympia nu este atât de șocant prin tema sa, cât prin modul în care este tratată. Pe lângă nuditate, modelul Victorine Meurent afișează o insolență și o provocare de netăgăduit. Paul de Saint-Victor scria în La Presse din 28 mai 1865: „Mulțimea se strânge ca la Morgă în fața Olympiei răsfățate a lui M. Manet. Arta care a căzut atât de jos nu merită să fie blamată.

Atmosfera generală de erotism: „Olympia que font plus nue son ruban et autres menus accessoires”, este întărită de prezența pisicii negre cu coada ridicată la picioarele fetei. Animalul a fost adăugat de Manet, nu fără umor, pentru a înlocui câinele inocent din Venus din Urbino, și poate și pentru a desemna prin metaforă ceea ce ascunde tânăra fată cu mâna: „S-a subliniat îndeajuns, totuși, că ceea ce transferă servitoarea în tributul buchetului – o somptuoasă bucată de tablou cu o textură atât de clară în comparație cu restul pânzei – este dorința, dorința pentru singurul obiect refuzat privirii, sexul Olimpiei? Alte elemente ale compoziției i-au deranjat mult timp pe critici: buchetul de flori, o natură moartă plasată în mod incongruent într-un tablou de nud, brățara (care a aparținut mamei pictorului) și grosolănia perspectivei. Această pictură a fost cea care l-a atras atât de mult pe Émile Zola, care a apărat-o în scrierile sale de-a lungul întregii sale vieți, în special într-un articol publicat în 1866 și intitulat Mon Salon.

Criticile și caricaturile abundă. Ele arată că Manet a șocat, a surprins și a provocat râsul, care era un semn de neînțelegere și jenă. Printre acestea, caricatura cu umor gros de Cham din Le Charivari înfățișează o femeie goală culcată, intitulată Manet, nașterea micului dulgher, cu legenda: „Manet a luat lucrul prea literal, că era ca un buchet de flori, literele de notificare în numele mamei Michèle și al pisicii sale”. Émile Zola mărturisește: „Și toată lumea a strigat: au găsit acest corp gol indecent; trebuie să fi fost, fiindcă este carne, o fată pe care artistul a aruncat-o pe pânză în nuditatea ei tânără și deja decolorată. Criticile și râsetele pe care le-a primit l-au afectat foarte mult, iar sprijinul prietenului său Charles Baudelaire l-a ajutat să treacă peste această perioadă dificilă din viața sa.

1867 a fost un an plin de evenimente pentru Manet: pictorul a profitat de Expoziția Universală de primăvară de la Paris pentru a-și organiza propria expoziție retrospectivă și pentru a prezenta aproximativ cincizeci dintre tablourile sale. Inspirat de exemplul lui Gustave Courbet, care a recurs la aceeași metodă pentru a nu participa la Salonul oficial, Manet nu a ezitat să apeleze la economiile sale pentru a-și construi pavilionul de expoziție lângă Pont de l”Alma și să organizeze o adevărată campanie publicitară cu sprijinul lui Émile Zola. Succesul nu s-a ridicat însă la înălțimea așteptărilor artistului: atât criticii, cât și publicul au respins acest eveniment cultural.

Édouard Manet ajunsese totuși la maturitate artistică și timp de aproximativ douăzeci de ani a realizat lucrări de o varietate remarcabilă, de la portrete ale anturajului său (familie, prieteni scriitori și artiști) la peisaje marine și locuri de divertisment, precum și subiecte istorice. Toți aceștia vor avea o influență marcantă asupra școlii impresioniste și asupra istoriei picturii.

Victorine Meurent și alte portrete feminine

Victorine Louise Meurent, născută în 1844, avea 18 ani când Manet a cunoscut-o. Potrivit lui Duret, a întâlnit-o din întâmplare în mulțimea de la Palatul de Justiție și a fost frapat de „aspectul ei original și de felul ei de a fi clar”. Tabarant plasează întâlnirea în apropierea atelierului de gravură din rue Maître-Albert, deoarece în agenda lui Manet se găsește adresa tinerei cu numele ei scris greșit: „Louise Meuran, rue Maître-Albert, 17”. Este foarte posibil ca ambele versiuni să fie corecte și ca Manet însuși să i-o fi spus prima lui Théodore Duret. Victorine i-a fost model timp de 12 ani, dar a pozat și pentru pictorul Alfred Stevens, care i-a purtat o afecțiune puternică și durabilă. În orice caz, era un model profesionist și poza deja în atelierul Couture, unde se înscrisese la începutul anului 1862. Prima pictură pe care i-a inspirat-o lui Manet a fost La Chanteuse de rue, intitulată și La Femme aux cerises (Femeia cu cireșe), în jurul anului 1862. Amuzantă și vorbăreață, știa să rămână tăcută în timpul ședințelor de pozat, pielea ei roșie ca laptele „prinzând bine lumina”. Avea franchețea titirezului parizian”, maniere capricioase, un anumit talent la chitară și, după o poveste de dragoste cu Stevens și o poveste de dragoste fugară în Statele Unite, a început să picteze singură. Autoportretul ei a fost expus la Salonul din 1876.

Portretul lui Victorine Meurent, așa cum a surprins-o Manet atunci când a întâlnit-o pentru prima dată, îi dă trăsăturile unei femei, nu ale tinerei fete care a fost. În mod similar, albul pielii sale roșcate, pe care Manet l-a exploatat mai târziu în tablourile în care apare goală, nu este reflectat nici în portret, nici în tabloul Cântăreața de stradă. Puțin mai mult în cazul Mlle Victorine Meurent în costum de espadă pictat în același an.

Frumusețea izbitoare a acestei piei lăptoase este un factor important în tratarea nudului de către Manet în Le Déjeuner sur l”herbe și Olympia. Dar, deși acoperit de un veșmânt, portretul lui Victorine din „Cântăreața străzii” a provocat cel puțin la fel de mult scandal, prin compoziția sa modernistă, ca și celălalt portret în mărime naturală al lui Victorine Meurent: Femeie cu un papagal, intitulată ulterior O tânără doamnă în 1866. În ultimele două tablouri, problemele și inovațiile tehnice ale lui Manet deveniseră atât de importante, încât criticii nu au fost deloc interesați de subiect. La Femme au perroquet a fost foarte atacat. Marius Chaumelin a scris: „M. Manet, care nu ar fi trebuit să uite panica provocată acum câțiva ani de pisica sa neagră din tabloul Ofelia (sic), a împrumutat papagalul prietenului său Courbet și l-a așezat pe un postament lângă o tânără femeie în halat de baie roz. Acești realiști sunt capabili de orice! Ghinionul este că acest papagal nu este împăiat ca în portretele lui M. Cabanel și că halatul roz este de un ton mai degrabă bogat. Accesoriile ne împiedică să ne uităm măcar la figură. Dar nimic nu este pierdut.

În 1873, Victorine Meurent poza încă pentru Le Chemin de fer; locul în care Manet a pictat acest tablou nu era gara Saint-Lazare, ci grădina lui Alphonse Hirsch. Această informație provine dintr-un articol scris de Philippe Burty în toamna anului 1872, în urma vizitelor sale la atelier. Spre deosebire de Monet, Manet nu a fost atras de imaginea noilor obiecte: fumul, locomotivele, geamurile de sticlă ale gării. Victorine poartă „un coutil albastru care a fost la modă până în toamnă”, scrie Philippe Burty. Acesta nu este ultimul tablou al lui Manet cu Victorine. Ea pozează în continuare în grădina lui Alfred Stevens pentru La Partie de croquet.

Édouard Manet a fost un mare iubitor al prezențelor feminine. Antonin Proust, care îl cunoștea pe Manet încă din copilărie, avea avantajul de a-i cunoaște îndeaproape caracterul: potrivit acestuia, chiar și în momentele cele mai grele ale bolii pictorului, „prezența unei femei, a oricărei femei, îi reda sănătatea. Manet a pictat multe portrete de femei și, departe de a se limita la Suzanne Leenhoff și Victorine Meurent, pictorul a imortalizat trăsăturile multor prietene și rude ale sale.

De exemplu, Fanny Claus, o prietenă a lui Manet și a soției sale Suzanne, viitoarea soție a pictorului Pierre Prins (Manet a fost martor la nunta lor), este subiectul Portretului domnișoarei Claus (ea stă în picioare în dreapta) și este reprezentată așezată în Le Balcon. Există, de asemenea, Portretul contesei Albazzi, 1880 și Portretul doamnei Michel-Lévy, 1882.

El înfățișează actrițe precum Ellen Andrée în La Prune, unde actrița pozează mulțumită într-un decor de cafenea și pare încremenită într-o reverie moale și melancolică, sau Henriette Hauser, celebra Nana (1877). În aceeași ordine de idei cu Olympia, lui Manet îi place să descrie viața curtezanelor sau a „creaturilor” într-un mod mai lejer, fără pretenții, în acest tablou, care datează cu trei ani înainte de publicarea romanului omonim al lui Zola. Titlul ar fi putut fi dat de Manet după ce pictura a fost terminată, când a aflat titlul următoarei lucrări a lui Zola. O altă explicație este că Manet a fost inspirat de romanul L”Assommoir, în care o tânără Nana își face prima apariție și rămâne „ore întregi în cămașă în fața piesei de sticlă atârnată deasupra comodei”. Tabloul, așa cum era de așteptat, a fost respins la Salonul de la Paris din 1877.

Însoțitoarea lui, Suzanne Leenhoff

Suzanne Leenhoff, născută la Zaltbommel în 1830, a fost profesoara de pian a lui Édouard Manet și a fraților săi din 1849. A devenit amanta lui Édouard, iar în 1852 a dat naștere unui fiu, pe care l-a prezentat prietenilor săi ca fiind un frate mai mic, sub numele de Léon Koëlla. Copilul, botezat în 1855, a avut-o ca nașă pe mama sa, Suzanne, iar ca naș pe tatăl său, Édouard, care era un oaspete obișnuit al familiei Leenhoff din rue de l”hôtel de ville din Batignolles. Suzanne l-a însoțit adesea pe Manet și a pozat pentru el într-un număr mare de tablouri (La Pêche, La Nymphe surprise și altele). În 1863, după moartea tatălui său, Manet s-a căsătorit cu Suzanne la Zaltbommel. În 1863, Baudelaire îi scria lui Étienne Carjat că „era foarte frumoasă, foarte bună și o mare muziciană”.

Figura corpolentă a lui Suzanne apare de mai multe ori în opera lui Manet. În 1860-61, într-o sanguină: Après le bain 28 × 20 cm, Art Institute of Chicago, și în mai multe gravuri cu nuduri, în special în La Nymphe surprise, Suzanne apare, de asemenea, în mai multe portrete, în special în La Lecture (Manet), unde Madame Manet este în compania fiului ei, Léon. Acest tablou a fost identificat după moartea lui Manet ca fiind Portrait de Madame Manet et de Monsieur Léon Koella. Suzanne este, de asemenea, modelul pentru Madame Manet la pian, Le Départ du vapeur de Folkestone, La lecture, Les Hirondelles 1873, care o prezintă pe plaja din Berck, stând alături de soacra sa, Madame Manet sur un canapé, pastel, 1874, Madame Édouard Manet în sera Nasjonalgalleriet, Oslo.

Léon Koëlla-Leenhoff

Declarat la naștere de Suzanne Leenhoff ca fiind Léon-Édouard Koëlla, dezbaterea în jurul paternității lui Léon Koëlla-Leenhoff permite afirmații vagi și nedovedite. În special, cei care susțin că acest copil s-a născut în urma unei relații între Suzanne și tatăl lui Manet. Această îndoială este menținută de unii critici: „Este fiul lui Édouard Manet sau fratele său vitreg? Dezbaterea rămâne deschisă. Françoise Cachin nu intră în detalii. Ea subliniază că știm foarte puține lucruri despre viața privată a lui Manet, inclusiv despre relațiile cu prietenii săi, și că corespondența nu adaugă nimic esențial la această cunoaștere a vieții private a lui Manet. Sophie Monneret afirmă cu precizie: „Léon, (Paris 1852-Bizy 1927). Fiu natural al lui Suzanne Leenhoff și, cel mai probabil, al lui Édouard Manet, care s-a căsătorit cu aceasta la doisprezece ani după nașterea copilului, Léon Koëlla a fost declarat la oficiul de stare civilă ca fiind născut de tânără și de un anume Koëlla, despre care nu se mai găsește nici o urmă nicăieri; botezat în 1855, copilul i-a avut ca naș pe Édouard și ca nașă pe Suzanne, care l-a prezentat ca fiind fratele ei mai mic. Abia după moartea lui Suzanne, Léon s-a referit la ea ca la mama lui și nu ca la sora lui”; Léon a fost răsfățat și răsfățat de Édouard, de mama lui, Suzanne, și de doamna Manet, care a locuit cu fiul și nora ei după căsătorie. Léon a fost adesea folosit ca model de către pictor și într-o gravură, probabil bazată pe tabloul Cavalerilor.

Este posibil să urmărim evoluția treptată a lui Léon prin intermediul portretelor lui Manet, din copilărie până în adolescență. Este încă un copil foarte tânăr care pozează, deghizat în paj de spaniol, în Copilul cu sabia, dar și în detaliul unui tablou din primele zile ale lui Manet, Cavalerii spanioli, detaliu din Léon Leenhoff, 1859, Musée des Beaux-Arts de Lyon; în perioada în care pictorul acumula subiecte spaniole. Asemănarea dintre copilul din Cavalerii și cel din Copilul cu sabia sugerează că Léon avea șapte sau opt ani la acea vreme. El poate fi găsit într-o acuarelă și într-o gravură din aceeași pictură. Mai târziu, în Les Bulles de savon, Léon, în vârstă de cincisprezece ani, se distrează făcând bule de aer într-un bol de săpun. Léon este înfățișat ca un adolescent visător în Déjeuner dans l”atelier, pictat în apartamentul familiei din Boulogne-sur-Mer, unde familia Manet își petrecea vara. Léon în adolescență apare din nou în lucrarea Young Boy Peeling a Pear, 1868, Nationalmuseum, Stockholm. Léon și Madame Manet sunt subiecții unui tablou intitulat Intérieur à Arcachon (Interior la Arcachon), care se inspiră puternic din stilul lui Degas. Léon este aplecat în fața mamei sale, care privește marea prin fereastra deschisă. Acest tablou din 1871 a fost realizat de Manet la sfârșitul asediului Parisului, când pictorul a plecat să se alăture familiei sale la Oloron-Sainte-Marie, unde a pictat mai multe vederi ale portului. În 1873, Léon, ca tânăr adult, apare în La Partie de croquet 1873.

Tabloul Le Déjeuner dans l”atelier, 1868, este caracteristic pentru imaginea lui Léon Leenhoff ca adolescent, la șapte ani după L”Enfant à l”épée. Adolphe Tabarant îl consideră „enigmatic” și sugerează că Manet ar fi făcut o schiță a tânărului înainte de a-l plasa în tablou. Dar ceea ce este ciudat nu este privirea visătoare din ochii adolescentului, pe care Manet o surprinde în alte tablouri, ci compoziția în care figurile par să se ignore unele pe altele și par să servească drept o folie pentru Léon. „Aceasta este o lucrare-cheie în evoluția lui Manet, prima scenă realistă adevărată, inaugurând o serie care va duce zece ani mai târziu la Barul (Un bar la Folies Bergère), care nu este fără analogie cu Prânzul.

Cumnata sa Berthe Morisot

Edma Morisot, sora lui Berthe Morisot, îi cunoștea pe Henri Fantin-Latour și Félix Bracquemond încă din 1860. Berthe l-a întâlnit pe Manet mai târziu, în 1867, când Fantin-Latour i-a prezentat pe cei doi la Luvru, unde Berthe făcea o copie după Rubens. La început, Manet a fost foarte ironic în legătură cu pictura lui Berthe. Într-o scrisoare adresată lui Fantin-Latour la 26 august 1868, acesta scria: „Sunt de acord cu tine că fetele Morisot sunt fermecătoare. Cu toate acestea, ca femei, ele ar putea servi cauza picturii căsătorindu-se fiecare cu câte un academician și aducând discordie în tabăra acestui bărbat docil. Ulterior, Berthe și Édouard au stabilit legături de afecțiune și stimă reciprocă. Între timp, Berthe nu a fost de acord cu ședințele de pozat pentru Balconul, la fel ca și celelalte modele din tablou: Fanny Claus și sculptorul Pierre Prins. Berthe îl găsea pe Manet incomod. Avea obiceiul de a retușa el însuși tablourile fetelor.

La începutul verii anului 1870, la aproximativ un an după Balconul, „Manet s-a lansat într-o serie de portrete orbitoare ale lui Berthe Morisot, inclusiv Le Repos, portrait de Berthe Morisot. I-a cerut lui Berthe să pozeze pentru el în timp ce el încă făcea un portret al Evei Gonzalès într-o rochie albă; metodele lui Manet o iritau pe Berthe.” Ea îi scria surorii sale la 31 august 1870: „Începe din nou fiecare portret pentru a douăzeci și cincea oară: ea pozează în fiecare zi, iar seara i se spală capul cu săpun negru. Acesta este un mod încurajator de a le cere oamenilor să pozeze. Mai târziu, Berthe și-a pierdut adesea răbdarea în timpul ședințelor de pozat cu Manet, pe care îl găsea prea pretențios. Într-adevăr, atunci când mai târziu a venit să retușeze propriile picturi ale lui Berthe, aceasta a așteptat ca el să se întoarcă cu spatele pentru a-și repune pânza în starea inițială. Berthe a purtat o rochie albă atunci când a pozat pentru Le Repos, un portret al lui Berthe Morisot, și nu a încetat niciodată să fie nerăbdătoare. Îi scria surorii sale: „Manet îmi dă lecții și îmi oferă ca model pe această eternă domnișoară Gonzales – ea știe să facă lucrurile bine, în timp ce eu nu sunt capabilă de nimic. Între timp, își face din nou portretul pentru a douăzeci și cincea oară. Berthe, care se afla într-o perioadă de îndoială, era convinsă că viitorul ei cumnat îi disprețuiește pictura și o preferă pe cea a Evei Gonzales, și are amintiri foarte proaste despre ședințele de pozat pentru acest portret. Cu piciorul stâng băgat sub rochie, nu i s-a permis să se miște pentru a nu desface aranjamentul pictorului.

Cu toate acestea, Manet a admirat talentul lui Berthe Morisot. I-a dovedit-o zece ani mai târziu, când i-a dăruit un șevalet de Anul Nou, cel mai încurajator cadou pe care i-l putea oferi.

Berthe Morisot a devenit cumnata lui Manet în 1874, când s-a căsătorit cu fratele mai mic al acestuia, Eugène Manet. Berthe a devenit apoi o figură cheie a mișcării impresioniste. S-a alăturat Societății anonime a artiștilor pictori, sculptori și graficieni, la care Manet a refuzat să se alăture, și a participat la Prima și A doua expoziție impresionistă, la care Manet a refuzat, de asemenea, să participe.

Frații Manet

Édouard Manet a fost cel mai mare dintre cei doi frați: Eugène Manet, născut în 1833. El apare în lucrarea lui Manet Muzica la Tuileries și este, de asemenea, modelul pentru bărbatul în haină de dimineață din Prânzul pe iarbă și pentru un desen în grafit al celor trei personaje principale din Prânzul pe iarbă 1862-1863 (Oxford, Ashmolean Museum), care nu este considerat a fi un studiu pregătitor, ci un desen ulterior pentru Prânzul pe iarbă. Eugène este unul dintre cele două personaje principale din tabloul Sur la plage, în care tânărul se află în compania lui Suzanne Manet, cu puțin timp înainte de căsătoria sa cu Berthe Morisot, pe plaja din Berck-sur-Mer. Moreau-Nélaton a mai afirmat că Eugène a pozat pentru Matadorul salutând, ceea ce pare foarte posibil, având în vedere asemănarea subiectului cu Eugène.

Gustave Manet, născut în 1835, a fost consilier municipal la Paris.

Probabil că prin intermediul lui, pictorul a intrat în contact cu Georges Clemenceau, al cărui portret l-a pictat. Se știu puține lucruri despre Gustave, care nu apare în niciunul dintre tablourile fratelui său.

Prietenii literare

Încă din tinerețe, Manet a câștigat deja prietenia lui Baudelaire. Cei doi bărbați s-au întâlnit încă din 1859 în salonul comandantului Lejosne, un prieten al familiei Manet. Deși Baudelaire nu a scris niciodată în public în sprijinul prietenului său, nici măcar în timpul scandalului de la Salon des Refusés din 1863, el a ținut în mare preț talentul tânărului încă de la prezentarea Băutorului de absint. Așa cum nota în 1865, cu puțin timp înainte de moarte, „există defecte, lipsuri, o lipsă de echilibru, dar există un farmec irezistibil. Știu toate astea, sunt unul dintre primii care au înțeles”.

Prietenia lui Baudelaire i-a fost deosebit de benefică lui Manet după prezentarea Olympiei: pictorul, abătut de criticile dure pe care le primise, i-a scris lui Baudelaire, care se afla la Bruxelles în mai 1865. Baudelaire i-a răspuns într-un mod care i-a dat curaj:

„Așa că trebuie să-ți spun mai multe despre tine. Trebuie să încerc să-ți arăt cât valorezi. Este o prostie ceea ce cereți. Se râde de tine; te enervează glumele; nu știi cum să-ți faci dreptate etc., etc., etc. Credeți că sunteți primul om în această situație? Aveți mai mult geniu decât Chateaubriand și Wagner? Au fost bine batjocoriți, totuși? Ei nu au murit. Și pentru a nu vă inspira prea multă mândrie, vă voi spune că acești oameni sunt modele, fiecare în genul său, și într-o lume foarte bogată, și că dumneavoastră nu sunteți decât primul în decrepitudinea artei dumneavoastră. Sper că nu vă veți supăra pe nerușinarea cu care vă tratez. Cunoști prietenia mea pentru tine.

Baudelaire apare în tabloul La Musique aux Tuileries, în fundal, purtând o pălărie de top. Manet i-a făcut un portret de profil, gravură din 1862.

Moartea prematură a lui Baudelaire în 1867 a fost o lovitură grea atât pentru Manet, cât și pentru soția sa Suzanne, care au pierdut atât un protector, cât și un prieten. Tabloul neterminat al lui Manet, „Înmormântarea”, aflat la Metropolitan Museum of Art (New York), pictat în 1867, a fost foarte inspirat de înmormântarea lui Baudelaire. Manet a fost prezent. În urma dricului funebru se aflau doar unsprezece persoane, deoarece era duminică și multă lume plecase din Paris. A doua zi erau o sută de oameni la biserică și tot atâția la cimitir.

În această perioadă, Édouard Manet a primit sprijinul unui tânăr autor de 26 de ani, Émile Zola. Acesta din urmă, indignat de respingerea Tabloului Jucătorul de fițe pentru Salonul oficial din 1866, a publicat în același an un articol răsunător în L”Événement, în care a apărat tabloul. În anul următor, Zola a mers până acolo încât i-a consacrat un studiu biografic și critic foarte detaliat lui Édouard Manet, pentru a permite „apărarea și ilustrarea” picturii sale, pe care o descrie ca fiind „solidă și puternică”.

Manet i-a fost foarte recunoscător noului său prieten și, în 1868, a pictat Portretul lui Émile Zola, care a fost acceptat la Salonul din același an. Tabloul conține mai multe elemente anecdotice și discrete care dezvăluie prietenia dintre cei doi bărbați: pe lângă reproducerea Olympia atârnată pe perete, în care privirea lui Victorine Meurent a fost ușor modificată față de original pentru a-l fixa pe Zola, pe birou este vizibilă cartea albastră ca cerul pe care scriitorul o scrisese în apărarea lui Manet. Cu toate acestea, înțelegerea dintre cei doi bărbați nu a durat mult: din ce în ce mai perplex de evoluția impresionistă a stilului lui Manet, care era departe de realismul pe care el îl aprecia, Zola a rupt în cele din urmă orice contact.

Mai târziu în viață, Manet va găsi într-un om de litere prietenia profundă și spirituală pe care o simțise pentru Baudelaire, în persoana lui Stéphane Mallarmé.”  Relația dintre Mallarmé și Manet datează cel puțin din 1873, anul sosirii poetului la Paris. O scrisoare a lui John Payne către Mallarmé, datată 30 octombrie, amintește de o vizită comună la atelierul pictorului. Se cunoscuseră cu câteva luni mai devreme, fie prin intermediul lui Philippe Burty, fie prin intermediul Ninei de Callias, al cărei portret Manet l-a pictat. Relația lor a fost atât de strânsă și de regulată, încât Mallarmé îi scria lui Verlaine în mini biografia sa din 1947: „Timp de zece ani l-am văzut în fiecare zi pe dragul meu Manet, a cărui absență pare astăzi improbabilă. Cei doi bărbați se întâlneau zilnic. (…) În 1876, Manet a ales o pânză mică pentru a-și picta modelul într-o atitudine relaxată. Acesta din urmă, mai tânăr cu zece ani, a simțit o asemenea admirație pentru arta lui Manet încât a publicat un articol elogios despre el la Londra în 1876. În acest articol, intitulat Les Impressionnistes et Édouard Manet, Mallarmé îi ia apărarea compatriotului său și, în special, a tabloului Le Linge, o reprezentare nepretențioasă a unei tinere din Les Batignolles care își spală hainele, o lucrare care a fost respinsă la Salon pentru că îmbina o temă banală cu un stil impresionist. Manet a pictat apoi un Portret al lui Stéphane Mallarmé. Scriitorul Georges Bataille a fost cel care a definit minunatul succes al acestui portret al poetului. „În istoria artei și a literaturii, acest tablou este excepțional. Radiază prietenia a două mari minți; în spațiul acestei pânze nu mai este loc pentru acele multe trânteli care împovărează rasa umană. Forța ușoară a zborului, subtilitatea care disociază și frazele și formele, marchează aici o adevărată victorie. Spiritualitatea cea mai aerisită, fuziunea celor mai îndepărtate posibilități, ingeniozitățile și scrupulele compun imaginea cea mai perfectă a jocului care este omul în cele din urmă, greutatea lui odată depășită.” Paul Valéry a asociat ceea ce el a numit „triumful lui Manet” cu întâlnirea cu poezia, mai întâi în persoana lui Baudelaire, apoi a lui Mallarmé. Acest triumf, se pare, a fost obținut în acest tablou, în cel mai intim mod.

Această apropiere între artist și scriitor l-a determinat pe Édouard Manet să realizeze ilustrațiile care au însoțit două dintre textele lui Mallarmé: Le Corbeau, o traducere a poemului lui Edgar Allan Poe, în 1875, și L”Après-midi d”un faune, în 1876.

Prietenii artistice: „banda lui Manet”.

Pe măsură ce Manet a îmbătrânit, un număr tot mai mare de tineri artiști i-au revendicat spiritul, opunându-se academismului. Susținând pictura în aer liber și numindu-se, pe rând, intransigenți, realiști sau naturaliști, criticii i-au numit în cele din urmă, în mod ironic, „impresioniști”. Printre aceste tinere talente, unii dintre ei se vor apropia de Manet și vor forma așa-numitul grup „Batignolles”, numit astfel cu referire la cartierul Batignolles, unde se aflau atelierul lui Manet și principalele cafenele pe care le frecventa grupul. Din acest grup făceau parte pictori precum Paul Cézanne, Auguste Renoir, Frédéric Bazille și Claude Monet.

Dintre toți acești tineri discipoli, cel mai intim prieten al lui Manet a fost, fără îndoială, Claude Monet, viitorul lider al impresionismului. Familiile celor doi pictori au devenit curând foarte apropiate și au petrecut zile lungi împreună în verdele din Argenteuil, la casa lui Monet. Aceste vizite regulate i-au oferit lui Édouard Manet ocazia de a picta mai multe portrete intime ale prietenului său, cum ar fi cel numit ironic Claude Monet, pictat în atelierul său, și mai ales de a încerca să imite stilul și temele preferate ale acestuia din urmă, în special apa. Emulația este vizibilă în Argenteuil, unde Manet își forțează în mod deliberat linia pentru a se apropia mai mult de impresionismul inerent mai ascuțit al lui Monet, cu o Sena de un albastru scandalos.

Totuși, această admirație reciprocă nu i-a împiedicat pe cei doi bărbați să își dezvolte propriile stiluri, independent unul de celălalt. Este util să comparăm două vederi ale Parisului pictate în aceeași zi pe același subiect, în 1878, cu ocazia Expoziției Universale: în timp ce Rue Mosnier aux drapeaux a lui Manet prezintă un peisaj auster și aproape sterp, splendoarea luxuriantă a Rue Montorgueil a lui Monet dezvăluie un punct de vedere radical diferit.

Édouard Manet a fost, de asemenea, asociat îndeaproape cu pictorul Edgar Degas, deși acesta din urmă nu a fost în mod specific membru al grupului Batignolles. Cei doi bărbați au fost de nedespărțit în timpul orelor întunecate ale războiului franco-prusian din 1870, când, prins în Parisul asediat împreună cu prietenul său, Manet nu putea comunica decât prin scrisori cu soția sa, Suzanne, care se refugiase în provincie. Manet și Degas și-au găsit alte afinități în timpul Comunei din Paris, prin opoziția lor comună față de partidul de la Versailles. Deși cei doi bărbați s-au certat adesea și s-au confruntat pentru preeminența în avangarda artistică, Degas l-a prețuit întotdeauna pe Manet și a contribuit la promovarea operei acestuia după moartea sa.

Bătălia de pe Kearsarge și Alabama

Pictura istorică, din cauza caracterului său foarte academic, a rămas un gen marginal în opera lui Manet, deși unele evenimente contemporane importante i-au atras interesul. În 1865, de exemplu, Manet a imortalizat o bătălie navală din timpul Războiului Civil care a avut loc în largul coastei Cherbourg la 19 iunie 1864 între nava federală Kearsarge și nava confederată Alabama: Le Combat du Kearsarge et de l”Alabama (134 × 127 cm). În 1872, Barbey d”Aurevilly a declarat că „tabloul lui Manet este mai presus de toate o magnifică marină”, subliniind că „marea în jurul căreia se învârte este mai teribilă decât lupta”. Tabloul expus la Alfred Cadart a fost lăudat de criticul Philippe Burty.

În același an, Manet a realizat mai multe tablouri pe tema Kearsarge și pe tema bărcilor de pescuit, care stau mărturie a activităților maritime ale vremii: L”arrivée à Boulogne du Kearsarge(1864), Le Steam-boat, marine ou Vue de mer, temps calme (1864-1865) sau portrete ale membrilor echipajului său (Pierrot ivre, o acuarelă care îl caricaturizează pe pilotul Pontillon, viitorul soț al Edmei Morisot, sora pictoriței Berthe Morisot, cu care Manet s-a împrietenit).

Execuția lui Maximilian

Manet era încă afectat de eșecul expoziției sale de la Alma când, la 19 iunie 1867, deși Expoziția Universală nu se încheiase încă, vestea execuției lui Maximilian de Habsburg în Mexic a ajuns în capitala Franței. Édouard Manet, care a fost întotdeauna un republican fervent, a fost scandalizat de modul în care Napoleon al III-lea, după ce a impus instaurarea lui Maximilian în Mexic, a retras sprijinul trupelor franceze. Pictorul a lucrat timp de mai bine de un an la o mare pânză comemorativă și istorică, din vara anului 1867 până la sfârșitul anului 1868.

A realizat mai multe versiuni ale aceluiași subiect. Prima se află la Muzeul din Boston, fragmente din cea de-a doua se află la Galeria Națională din Londra, schița finală se află la Ny Carlsberg Glyptotek din Copenhaga, iar compoziția finală la Muzeul Mannheim.

„Versiunea din Boston este cea mai apropiată de Goya, atât prin spiritul romantic care o animă, cât și prin tonurile calde, pe care o armonie rece de griuri, verzi și negre le va înlocui în următoarele versiuni. În timp ce Goya a surprins momentul în care soldații își îndreaptă armele, Manet fixează imaginea. Această versiune ar fi laboratorul primitiv al compoziției.

Inspirată de Tres de mayo de Goya, dar tratată într-un mod radical diferit, scena execuției lui Maximilian l-a satisfăcut pe Manet, care ar fi propus-o, fără îndoială, salonului, dacă nu ar fi fost anunțat în prealabil că va fi refuzată. Dar tabloul, care era bine cunoscut în lumea artei, avea să fie imitat, în special de Gérôme și de execuția mareșalului Ney. „Prin secvența sa de execuții, Manet este un exemplu al ultimului efort de a recrea marea pictură istorică. Abia după Guernica (1937) a lui Picasso și, mai ales, după Masacrele din Coreea, a fost acceptată provocarea lui Manet, o provocare pe care Manet însuși o lansase lui Goya și marii tradiții.”

Expus în Statele Unite de prietena pictorului, cântăreața Émilie Ambre, în timpul turneelor sale din 1879 și 1880, tabloul nu a avut decât un succes relativ. Triumful impresionismului a înăbușit pentru o vreme ambiția de a picta marile evenimente ale vremii.

Comuna din Paris – Manet republican

Republican convins, Manet s-a înrolat în Garda Națională în timpul războiului din 1870, alături de Degas, sub ordinele pictorului Meissonier, care era colonel. După capitulare, a rămas la Bordeaux înainte de a se întoarce la Paris, unde și-a găsit atelierul din strada Guyot. Ultimele convulsii ale Comunei au sfâșiat Parisul, iar Manet, pe care îl alesese în Federația Artiștilor, s-a disociat de excesele acesteia. Cu toate acestea, a privit cu groază natura sălbatică a represiunii și a exprimat-o în două litografii La Barricade (1871-1873 (Boston Museum of Fine Arts), unde pistolarii trași din spate evocă execuția lui Maximilien sau Guerre civile (1871, o stampă din 1874 este păstrată la Bibliothèque nationale de France) în care Manet inversează imaginea Torero mort în desenul unui cadavru întins la poalele unei baricade părăsite, iar încărcătura emoțională a lucrării este întărită și mai mult „printr-o încadrare strânsă, artistul concentrează atenția privitorului asupra acestui ghemuit a cărui singurătate vorbește despre inepția represiunii rapide și sălbatice.  „

La fel ca și contemporanii săi, Manet a fost impresionat de aventura lui Henri Rochefort care, deportat în Noua Caledonie după Comună, a evadat în 1874 și a ajuns în Australia pe o mică balenieră. Republican, dar prudent, „artistul a așteptat triumful republicanilor în Senat și în Cameră, în ianuarie 1879, precum și votarea unei legi de amnistie pentru comuniști, în iulie 1880, care autoriza întoarcerea evadatului în Franța, înainte de a aborda subiectul”.

Manet, care era bolnav în acea perioadă, a cerut să se întâlnească cu Rochefort pentru a obține detalii despre această aventură, iar la 4 decembrie 1880 îi scria lui Stéphane Mallarmé: „L-am văzut ieri pe Rochefort, barca care i-a servit era o balenieră gri închis; șase persoane, două vâsle. Salutări.” Din relatările lui Rochefort a compus două tablouri intitulate L”Évasion de Rochefort, dintre care unul, în care personajele sunt mai precise, este păstrat la Muzeul d”Orsay din Paris, iar celălalt se află la Kunsthaus din Zurich. În ianuarie 1881, în ianuarie anul următor, Manet a realizat un portret în mărime naturală al lui Henri Rochefort, care se află în prezent la Muzeul din Hamburg.

Puțin mai devreme (în 1879-1880) pictase Portretul lui Clemenceau, pe vremea când Georges Clemenceau era președinte al Consiliului, legat de Gustave Manet, fratele pictorului, și consilier municipal în La Chapelle (1878-1881), în arondismentul 18 din Paris, fieful electoral al lui Clemenceau.

Lumea mării

Începând din 1868, soții Manet și-au făcut un obicei din a-și petrece verile la Boulogne-sur-Mer, în Pas-de-Calais, unde au cumpărat un apartament. Pe lângă Le Déjeuner dans l”atelier, aceste sejururi repetate i-au permis lui Édouard Manet să dezvolte un gen care l-a atras dintotdeauna: peisajele marine și lumea mării. Boulogne, un important port de pescuit, a fost o sursă inepuizabilă de inspirație pentru un pictor care iubea subiectele naturaliste.

Impresionantul Clair de lune sur le port de Boulogne (Clair de lune sur le port de Boulogne) înfățișează întoarcerea unei bărci de pescuit la căderea nopții și așteptarea soțiilor marinarilor sub lumina lunii. Din această scenă obișnuită, Manet creează un clar-obscur misterios și dramatic, inspirat probabil de peisajele nocturne flamande și olandeze din secolul al XVII-lea sau de peisajele marine la lumina lunii ale lui Vernet. De asemenea, este posibil ca Manet să se fi inspirat dintr-un format mic al lui Van der Neer pe care l-a deținut și pe care l-a oferit la o vânzare înainte de a-l retrage. Aproximativ cincizeci de lucrări ale lui Van der Neer pe teme similare au fost vândute la Paris între 1860 și 1880.

Vacanța de la Boulogne a dat naștere altor tablouri importante, în special Plecarea vaporului de la Folkestone, în 1869: Manet înfățișează vaporul cu zbaturi care asigura legătura cu portul englezesc Folkestone și pe care pictorul se îmbarcase în anul precedent pentru a vizita Londra. Se spune că doamna îmbrăcată în alb din partea stângă a compoziției ar fi Suzanne Manet, însoțită de fiul ei, Léon. Pictura, spre deosebire de Moonlight, este unul dintre cele mai izbitoare exemple ale abilității lui Manet de a se juca cu lumina și culoarea. Barca cu smoală a fost pictată pe plaja de la Berck și are ca temă munca pescarilor.

Debarcaderul de la Boulogne este, de asemenea, subiectul mai multor lucrări, majoritatea aparținând unor colecționari privați, cu excepția uneia de la Muzeul Van Gogh din Amsterdam, aproape toate fiind intitulate Jetée de Boulogne.

Manet a revenit la tema bărcilor în 1872-1873 cu un tablou care se află acum la Muzeul de Artă Modernă André Malraux din Le Havre. Lucrarea intitulată Bărci pe mare. Soleil couchant, (MNR 873), de format mic, destul de neobișnuit pentru o marină, a fost realizată probabil în timpul uneia dintre șederile pictorului la Berck. La scurt timp după aceea, Claude Monet a prezentat două tablouri la expoziția din 1874, Impression, soleil levant și Impression soleil couchant, care au dat „startul” mișcării impresioniste căreia i-a dat numele.

Cafenele și cafenele concert

Rolul cafenelelor, al braseriilor și al sălilor de concerte a fost la fel de important în viața artistică a secolului al XIX-lea ca și în viața politică. Pictori, scriitori, jurnaliști și colecționari se întâlneau adesea acolo. În jurul lui Manet s-a format un „cenaclu” care, începând din 1866, potrivit lui Théodore Duret, se întâlnea vinerea seara la Café Guerbois, situată la numărul 11 din Grand-Rue-des-Batignolles, actuala Avenue de Clichy. Două mese sunt rezervate pentru acest grup, care poartă discuții tumultoase din care vor ieși noile criterii ale artei. În jurul pictorului se aflau toți camarazii săi din atelierul Couture și din grupul din 1863, printre care Fantin-Latour, Whistler și Renoir.

Pictorul, care și-a avut atelierul la numărul 34 din boulevard des Batignolles între 1864 și 1866, se întâlnea în fiecare seară în această cafenea mare, care mai târziu s-a numit Brasserie Muller. Apoi, după războiul din 1870, în jurul anului 1875, Manet și-a stabilit reședința în La Nouvelle Athènes, place Blanche. Aceste două cafenele erau locuri înalte ale impresionismului, dar Manet frecventa și locul de întâlnire al republicanilor avansați, viitori membri ai Comunei din Paris, precum Raoul Rigault sau Jules Vallès.

Manet a abordat tema cafenelelor de mai multe ori, de exemplu cu Le Bon Bock în 1873 (Philadelphia Museum of Art, Philadelphia, 94 × 83 cm), dar mai ales după 1878, tema a devenit notabilă cu tabloul de mari dimensiuni intitulat Reichshoffen, care înfățișa interiorul noului cabaret din rue Rochechouart, în cartierul Montmartre din Paris. Manet a împărțit tabloul în două tablouri distincte: Au café (Muzeul Oskar Reinhart „Am Römerholz”, Winterthur, Elveția) și Coin de Café-Concert au cabaret de Reichshoffen – National Gallery, Londra, ulei pe pânză, 97,1 × 77,5 cm), din care există o versiune pictată câteva luni mai târziu, în 1878-79 și expusă la Musée d”Orsay: La Serveuse de bocks (ulei pe pânză, 77,5 × 65 cm). Din aceeași perioadă datează și alte tablouri, cum ar fi Au café și La Prune, precum și o lucrare mai puțin finisată și mai puțin cunoscută, Intérieur d”un café (cca. 1880), care se află la Kelvingrove Art Gallery and Museum, Glasgow, Marea Britanie.

Însă o altă atmosferă, cea a unui restaurant cu grădină, situat pe Avenue de Clichy, este cea care l-a inspirat pe artist să picteze Chez le père Lathuille (1879), unde vedem un tânăr care se grăbește spre o tânără și îi face curte.” La Salonul din acest an, are un portret foarte remarcabil al lui M. Antonin Proust și o scenă în aer liber, Chez le père Lathuille, două figuri la o masă de cabaret, de o veselie fermecătoare și de o delicatețe de ton.

În 1881-1882, Manet, care se ocupa încă de lumea cafenelelor și a locurilor de plăcere, a realizat în 1881-1882 una dintre ultimele sale lucrări importante, intitulată Un bar la Folies Bergère. Contrar aparențelor, scena nu a fost pictată în barul de la Folies Bergère, ci a fost recreată în întregime în atelier. Tânăra folosită ca model, Suzon, este o angajată reală a acestei celebre cafenele-concert. Numeroasele elemente de pe barul de marmură, fie că este vorba de sticle de alcool, flori sau fructe, formează o formă piramidală care culminează cu florile de pe bluza chelneriței. Dar aspectul care a atras cel mai mult atenția criticilor a fost reflectarea lui Suzon în oglindă. Oglinda nu pare să reflecte o imagine exactă a scenei, atât în ceea ce privește postura tinerei femei, cât și prezența bărbatului din fața ei, care este atât de aproape încât ar trebui, în mod logic, să ascundă totul privitorului. Acest lucru, potrivit lui Huysmans, „îi stupefiază pe cei prezenți, care se înghesuie în jur, schimbând observații dezorientate asupra mirajului acestui tablou. Subiectul este foarte modern, iar ideea lui M. Manet de a plasa figura feminină în acest fel, în mediul ei, este ingenioasă. Este cu adevărat deplorabil să vezi un om de valoarea lui M. Manet sacrificându-se la astfel de subterfugii și, pe scurt, realizând tablouri la fel de convenționale ca și cele ale altora! O regret cu atât mai mult cu cât, în ciuda tonurilor sale de ghips, barul său este plin de calități, soția sa este bine turnată, iar mulțimea sa este plină de viață. În ciuda a toate acestea, acest bar este cu siguranță cel mai modern, cea mai interesantă imagine pe care o conține acest salon.

Nu este exclus ca ideea unei compoziții în fața unei oglinzi să-i fi fost inspirată lui Manet de tabloul lui Gustave Caillebotte Dans un café, în care un bărbat în picioare, cu genunchii tăiați, se sprijină de o masă în fața unei oglinzi (o compoziție derivată, la rândul ei, din Déjeuner dans l”atelier de Manet.

Această falsă perspectivă, atât de bogată în implicații poetice, a surprins de la bun început. Caricatura lui Stop din Le Journal amusant stă mărturie în acest sens. Legenda desenului este următoarea: „La Marchande de consolation aux Folies-Bergère: spatele ei este reflectat într-o oglindă, dar, fără îndoială, ca urmare a unei distrageri din partea pictorului, un domn cu care vorbește și a cărui imagine poate fi văzută în oglindă, nu există în tablou. Credem că trebuie să reparăm această omisiune – Salonul 1882 – Ziarul de amuzament. La fel ca multe alte scene din tablourile lui Manet, Barul de la Folies-Bergères a fost reconstituit în întregime în atelier, după cum atestă relatarea lui Pierre Georges Jeanniot, care a venit să-l viziteze pe pictor în atelierul său în acea perioadă. Manet, care era deja foarte bolnav, l-a întâmpinat pe tânăr spunând: „Pe atunci picta Barul de la Folies-Bergères, iar modelul, o fată drăguță, poza în spatele unei mese încărcate cu sticle și provizii. M-a recunoscut imediat, mi-a întins mâna și mi-a spus: „E plictisitor, trebuie să stau nemișcat. Mă dor picioarele. Stai acolo.

Natură moartă

Lui Manet îi plăceau, de asemenea, naturile statice: „Un pictor poate spune totul cu ajutorul fructelor sau al florilor, sau doar al norilor”, spunea el. O parte semnificativă a operei sale este dedicată acestui gen, în special înainte de 1870 și apoi în ultimii ani de viață, când boala l-a imobilizat în atelierul său. Anumite elemente din tablourile sale constituie adevărate naturi moarte, cum ar fi coșul de fructe din Déjeuner sur l”herbe, buchetul de flori din Olympia sau ghiveciul cu flori, masa pusă și diverse obiecte din Petit déjeuner dans l”atelier. Același lucru este valabil și în cazul portretelor, cu tava care poartă un pahar și o carafă în Portretul lui Théodore Duret sau masa și cărțile din Portretul lui Émile Zola. Dar nu lipsesc nici naturile statice autonome din opera lui Manet: artistul a pictat astfel pești, stridii sau alte feluri de mâncare de mai multe ori (Nature morte au cabas et à l”ail, 1861-1862, Louvre Abu Dhabi, sau La Brioche, 1870 – Metropolitan Museum of Art, New York), aducându-i astfel un fel de omagiu lui Chardin. Chiar mai des, a pictat subiecte florale care aminteau de pictura olandeză (trandafiri, bujori, liliac, violete) sau fructe și legume (există o anecdotă legată de O grămadă de sparanghel: când Charles Ephrussi a cumpărat tabloul pentru mai mult decât prețul oferit, Manet i-a trimis un mic tablou (aflat acum la Muzeul d”Orsay) reprezentând un singur sparanghel, cu mențiunea: „Din grămada ta lipsea unul”.

Dincolo de genul tradițional, naturile statice ale lui Édouard Manet atrag atenția prin faptul că uneori constituie adevărate decoruri dramatice, așa cum arată tabloul Vază cu bujori pe un piedestal (1864): prin compoziția florilor ofilite, a petalelor căzute pe pământ și încadrarea foarte strânsă a vazei, privirea privitorului este captată și atrasă spre o mișcare descendentă.

„Aproape toate gravurile lui Manet datează de la începutul carierei sale, între 1862 și 1868. Deși aproximativ jumătate din cele aproximativ o sută de gravuri au rămas nepublicate în timpul vieții sale, toate au fost, fără îndoială, realizate în vederea publicării, iar cele mai multe dintre ele după picturi. Acestea sunt mai degrabă reproduceri de stampe în sensul secolului al XVIII-lea, nu încă stampe originale în sensul impresioniștilor. Ne aflăm între două lumi: nu mai este Ancien Régime, nu mai este încă Republica. Capitalismul francez oferă un nou public. Pictura lui Manet din jurul anului 1868 reflectă noi valori. În acel moment, însă, a încetat să mai graveze, ca să spunem așa: acest lucru s-a datorat faptului că existau alte obstacole în calea gravurii, pe care eforturile lui Manet le-au zguduit, dar nu au fost suficiente pentru a le înlătura.

– Michel Melot

Începând cu 1860-1861, Manet a lucrat la gravură și a produs în total aproape o sută de gravuri – șaptezeci și trei de gravuri și douăzeci și șase de litografii și xilogravuri -, dintre care unele au fost preluate din subiectele unor tablouri ale sale, celelalte fiind complet originale. S-a dedicat acestei lucrări cu regularitate până în 1869, la care a revenit apoi episodic până în 1882. După moartea sa au fost realizate și tipărituri și retipăriri.

A fost inițiat în această artă de Alphonse Legros și publicat sub formă de albume de Alfred Cadart, care, prin intermediul Société des aquafortistes, a realizat două numere începând din septembrie 1862.

O cronologie exactă a celor 99 de tipărituri rămâne foarte greu de stabilit. Primul pare să fi fost Manet père I, gravură în drypoint și gravură datată și semnată, executată la sfârșitul anului 1860. Putem nota Le Guitarero (1861), Le Buveur d”absinthe (1861-1862), Lola de Valence (1862), L”Acteur tragique (1866), Olympia (1867, publicat de Dentu în studiul pe care Émile Zola l-a consacrat picturii), L”Exécution de Maximilien (1868, litografie), Le Torero mort (1868), La Barricade și Guerre civile (1871, litografii), Berthe Morisot (1872) și Le Polichinelle (singura sa litografie color, 1876).

Tot el a gravat ilustrații pentru librărie, precum Fleur exotique, inspirată de Goya, pentru colecția Sonnets et eaux-fortes (A. Lemerre, 1868), Le chat et les fleurs în Les Chats de Champfleury (Jules Rothschild, 1869, fără a uita Le Rendez-vous des chats, litografie pentru afișul de lansare), cele două portrete ale lui Charles Baudelaire publicate în studiul semnat Charles Asselineau (A. Lemerre, 1869), frontispiciul pentru Les Ballades de Théodore de Banville (vara 1874) și, mai ales, trei lucrări pentru care a fost singurul ilustrator original, și anume opt planșe pentru Le Fleuve de Charles Cros (La Librairie de l”eau-forte, 1874), patru planșe și două viniete pentru Le Corbeau (Richard Lesclide, 1875) de Edgar Allan Poe, tradus de Stéphane Mallarmé, și, din aceeași sursă, patru xilogravuri pentru L”Après-midi d”un faune (A. Derenne, 1876).

În 1875, Manet a ilustrat Corbul de Edgar Allan Poe, care fusese tradus de Baudelaire. A realizat autografe pentru ex-libris și patru ilustrații.

Potrivit lui Étienne Moreau-Nélaton, autografele au avut o importanță deosebită pentru Manet, care a avut mare grijă la alegerea hârtiei și a tehnicii. Autografele sunt șase desene cu pensula în cerneală autografă, transferate pe zinc și tipărite de Lefman. Foile cu imagini au fost inserate între foile duble de text. Editorul trebuia să se adapteze gusturilor rafinate ale poetului și ale artistului. Stéphane Mallarmé relatează că a fost speriat de mătasea neagră pe care Manet voia să o pună pe spatele cartonului și că pictorul a cerut în continuare „un pergament, o hârtie moale, verde sau galbenă, apropiată de tonul copertei”. Ilustrația primei strofe este un desen destul de precis care îl detaliază pe poet la masa sa. Următorul, refăcut de mai multe ori de artist, este mai impresionant, cu un peisaj întunecat și trist. În cea de-a treia planșă, corbul este încă cocoțat pe bustul lui Pallas, repetându-și sinistrul Nevermore, iar Manet, urmărind foarte atent textul, a inventat o imagine extraordinară pentru a exprima confruntarea dintre corb și poet. Și cu cât avansezi mai mult în text, cu atât mai întunecate devin plăcile, până când ultima imagine este aproape ilizibilă, cu jocul de umbre și tușele largi. Soarta Corbului, deși este o operă foarte rafinată, a fost foarte dezamăgitoare. Potrivit lui Henri Mondor și Jean Aubry, „formatul său prea mare, ilustrațiile lui Édouard Manet, încă foarte dezbătute în 1875, singularitatea poemului lui Poe pentru majoritatea cititorilor și numele lui Mallarmé, care era încă aproape necunoscut, au contribuit la îndepărtarea potențialilor cumpărători. În anul următor, L”Après-midi d”un faune de Mallarmé, care va fi publicat de Alphonse Derenne, va avea o mai bună primire, dar nu va fi un succes.

Potrivit lui Léon Rosenthal, patru dintre plăcile lui Manet au dispărut și există doar sub formă de fotografii: Cântărețul străzii, Bărbații cu pălării de paie, Posada și Călătorii.

Manet a folosit, de asemenea, grafit și cerneală pentru două Annabel Lee (1879-1881). Prima, Young Woman by the Sea (46,2 × 29 cm), se află la Muzeul Boijmans Van Beuningen din Rotterdam, iar cea de-a doua la Statens Museum for Kunst din Copenhaga. Anterior, el folosise această tehnică cu À la fenêtre (27 × 18 cm, Musée du Louvre, Cabinet des dessins) și Marine au clair de lune (20 × 18 cm, idem).

În 1877-1878, Manet a realizat două trăsuri. Una este în grafit (Cabinet des dessins du Louvre), cealaltă în creion negru și spălare cu cerneală albastră. Man with Crutches (27 × 20 cm), care se află acum la Metropolitan Museum din New York, este figura văzută din spate în Rue Mosnier aux drapeaux. Invalizatul era un locuitor al cartierului european și a fost desenat cu cerneală indiană. Desenul era o copertă pentru Les Mendiants, un cântec al prietenului său Ernest Cabaner cu versuri de Jean Richepin.

În 1879, Édouard Manet, care era bolnav, a stat împreună cu soția sa timp de șase săptămâni în stabilimentul de hidroterapie fondat de doctorul Louis Désiré Fleury în Meudon-Bellevue. Când s-a întors acolo pentru o cură de patru luni, în mai 1880, a stat pe traseul Pierres-Blanches, unde a pictat mai multe tablouri. A câștigat chiar un premiu la Salonul din 1881 și a fost decorat cu Legiunea de Onoare de către prietenul său Antonin Proust, care devenise ministru al Artelor Frumoase: distincția a fost decisă în ciuda opoziției la sfârșitul anului 1881, iar ceremonia a avut loc la 1 ianuarie 1882.

Slăbit timp de mai mulți ani, în ultimii doi ani a pictat mici pânze pe care le-a executat stând așezat (numeroase mici naturi moarte cu fructe și flori, cum ar fi Trandafiri în vază), dar mai ales portrete ale vizitatorilor săi în pastel, o tehnică mai puțin obositoare decât pictura în ulei. În cele din urmă, a murit la 30 aprilie 1883, la vârsta de 51 de ani, la 39, rue de Saint-Pétersbourg, în urma unei ataxii locomotorii provocate de sifilisul contractat la Rio. Boala, pe lângă numeroasele suferințe și paralizia parțială a membrelor pe care i le-a provocat, a degenerat apoi în gangrenă, ceea ce a făcut necesară amputarea piciorului stâng cu unsprezece zile înainte de moarte.

Înmormântarea a avut loc la 3 mai 1883, în cimitirul Passy, în prezența lui Émile Zola, Alfred Stevens, Claude Monet, Edgar Degas și a multor alte foste cunoștințe ale sale. Potrivit lui Antonin Proust, prietenul său de-o viață, cortegiul funerar a inclus „coroane, flori și multe femei”. Degas, la rândul său, ar fi spus despre Manet că „a fost mai mare decât am crezut”.

Mormântul său se află în divizia a 4-a a cimitirului, iar epitaful gravat de Félix Bracquemond în 1890 „Manet et manebit” (în latină: „El rămâne și va rămâne”, un joc de cuvinte cu numele pictorului) poate rezuma sentimentul general al lumii artei după moartea sa. Este înmormântat alături de soția sa Suzanne, de fratele său Eugène și de cumnata sa Berthe. Bustul de pe piatra sa funerară este opera sculptorului și pictorului olandez Ferdinand Leenhoff, fratele însoțitorului lui Manet.

Manet a fost înjurat, insultat și ridiculizat, dar a devenit liderul recunoscut al „avangardei”. Dacă pictorul a fost legat de actorii mișcării impresioniste, astăzi este considerat, pe nedrept, ca fiind unul dintre părinții acesteia. A fost o sursă puternică de inspirație, atât în pictură, cât și în temele sale preferate. Felul său de a picta, preocupat de realitate, rămâne fundamental diferit de cel al lui Claude Monet sau Camille Pissarro. Unele dintre lucrările sale sunt apropiate de impresionism, cum ar fi L”Évasion de Rochefort, Portrait de Claude Monet peignant sur son bateau-atelier à Argenteuil și Une allée dans le jardin de Rueil. Deși Manet s-a ținut departe de impresionism, i-a susținut pe reprezentanții acestuia, în special pe cumnata sa Berthe Morisot, la prima expoziție a primei expoziții a pictorilor impresioniști.

Maestrul a lăsat peste 400 de pânze și nenumărate pasteluri, schițe și acuarele, care constituie o operă picturală majoră, cu o influență certă asupra artiștilor din vremea sa, cum ar fi grupul Batignolles, și nu numai: Manet este într-adevăr recunoscut la nivel internațional ca fiind unul dintre cei mai importanți precursori ai picturii moderne; picturile sale majore pot fi văzute în cele mai mari muzee din lume. În 1907, printr-o ironie a istoriei picturii, Olympia, „refuzată” în 1863, a intrat în Muzeul Luvru la 44 de ani de la creație (acum se află la Muzeul d”Orsay).

Édouard Manet joacă un rol important în romanul Un chasseur de lions (2008) al lui Olivier Rolin, alături de aventurierul comic și derizoriu Eugène Pertuiset, al cărui portret l-a pictat în 1881 „ca Tartarin”.

În 2000, unul dintre tablourile sale s-a vândut cu peste 20 de milioane de dolari. În 2014, la casa Christie”s din New York, tabloul „Primăvara”, deținut de un colecționar și de familia sa de peste o sută de ani, a fost vândut cu 65 de milioane de dolari (52 de milioane de euro).

În 2004, un negustor de vechituri din Geneva ar fi descoperit un tablou necunoscut de Manet ascuns sub o crustă. El susține că a identificat în portretul unei tinere frumoase, Méry Laurent, modelul și o amantă a lui Édouard Manet. Pictura inițială, considerată scandaloasă din cauza naturii sale erotice, a fost mascată și uitată. Cu toate acestea, atribuirea acestui tablou lui Édouard Manet nu este confirmată.

La 22 iunie 2010, un autoportret al lui Édouard Manet a fost vândut la Londra pentru 22,4 milioane de lire sterline (27 milioane de euro), o sumă record pentru o lucrare a pictorului francez.

În 2012, în urma unei licitații, Muzeul Ashmolean din Oxford a reușit să achiziționeze Portretul domnișoarei Claus pictat în 1868, datorită unei subscripții publice de 7,83 milioane de lire sterline. Comitetul de examinare a exportului de opere de artă a interzis exportul tabloului din Marea Britanie.

Singura sa elevă cunoscută a fost Eva Gonzalès (1849-1883), care i-a fost prezentată în 1869 de Alfred Stevens. În atelierul lui Manet a întâlnit-o pe Berthe Morisot, care era geloasă pe prietenia ei cu maestrul. În 1870, a pictat un tablou cu ea pictând o natură moartă, care se află acum în colecțiile Galeriei Naționale din Londra.

Legături externe

sursele

  1. Édouard Manet
  2. Édouard Manet
  3. En mai 1874, Manet s”est tenu à l”écart de la première exposition impressionnistes, de ceux qu”une partie de la presse va railler. Il passait pourtant alors pour leur « chef », désignation dont certains de ses amis vont s”emparer afin de renforcer son autorité. (…) Plutôt que d”adopter l”esthétique émergente, Manet va l”adapter à ses visées, dont le Salon – espace public par excellence – reste le lieu idéal. » Manet, inventeur du Moderne, exposition au musée d”Orsay 5 avril – 3 juillet 2011.
  4. « Cher Monsieur Zola, je suis heureux et fier d”être défendu par un homme de votre talent […] Si cela vous allait, je suis tous les jours au Café de Bade de 5h et demi à 6h et demi- Première lettre de celles écrites à Zola, le 7 mai 1866 – O.C. XII pp.768-818 ».
  5. La correspondance de Manet pendant le siège de Paris par les Prussiens (et pendant la Commune) montre à quel point, passionné par l”observation des événements, il néglige la peinture. Édouard Manet, Correspondance du siège de Paris et de la Commune 1870-1871, textes réunis et présentés par Samuel Rodary, éd. L’Échoppe, 2014.
  6. ^ Lemaire, p. 5.
  7. ^ Cricco, Di Teodoro, p. 1578.
  8. ^ quoting Desnoyers, Fernand (1863). Le Salon des Refusés (in French).[8]
  9. Arlette Camion/Simona Hurst (Hrsg.): Les lettres parisiennes du peintre Victor Müller, PU Paris-Sorbonne, Paris 2015, S. 25
  10. Nitsche, Diana: Absinth – Medizin- und Kulturgeschichte einer Genussdroge, Dissertation Institut Geschichte der Medizin, Ruprecht-Karls-Universität Heidelberg, Betreuer Wolfgang U. Eckart, 2005, S. 99+100.
  11. Kunsthalle Bremen. Abgerufen am 8. Februar 2022.
  12. Waldemar Januzczak: Manet: The Man Who Invented Modern Art. 13. Juni 2009, abgerufen am 29. September 2017.
Ads Blocker Image Powered by Code Help Pro

Ads Blocker Detected!!!

We have detected that you are using extensions to block ads. Please support us by disabling these ads blocker.