Edvard Munch

Rezumat

Edvard Munch (12 decembrie 1863 – 23 ianuarie 1944) a fost un pictor norvegian. Cea mai cunoscută lucrare a sa, Strigătul (1893), a devenit o imagine iconică a lumii artei.

Copilăria sa a fost umbrită de boală, de doliu și de teama de a moșteni o boală psihică de familie. După ce a studiat la Școala Regală de Artă și Design din Kristiania (astăzi Oslo), Munch a început să ducă o viață boemă sub influența nihilistului Hans Jæger, care l-a îndemnat să-și picteze propria stare emoțională și psihologică („pictura sufletului”). De aici a apărut stilul său distinctiv.

Călătoriile au adus noi influențe și debușeuri. La Paris, a învățat multe de la Paul Gauguin, Vincent van Gogh și Henri de Toulouse-Lautrec, în special în ceea ce privește utilizarea culorilor. La Berlin, l-a întâlnit pe dramaturgul suedez August Strindberg, pe care l-a pictat, în timp ce se lansa într-o serie majoră de picturi pe care le va numi mai târziu Friza vieții, înfățișând o serie de teme profunde, precum dragostea, anxietatea, gelozia și trădarea, impregnate de atmosferă.

The Scream a fost conceput în Kristiania. Potrivit lui Munch, se plimba la apus de soare, când „a auzit țipătul enorm, infinit al naturii”. Chipul agonizant al picturii este identificat pe scară largă cu angoasa omului modern. Între 1893 și 1910, a realizat două versiuni pictate și două în pastel, precum și o serie de gravuri. Unul dintre pasteluri va ajunge să fie al patrulea cel mai mare preț nominal plătit pentru un tablou la licitație.

Pe măsură ce faima și bogăția sa creșteau, starea sa emoțională a rămas nesigură. S-a gândit pentru scurt timp la căsătorie, dar nu s-a putut angaja. O cădere psihică în 1908 l-a forțat să renunțe la consumul excesiv de alcool și a fost înveselit de acceptarea sa tot mai mare de către oamenii din Kristiania și de expunerea în muzeele orașului. Ultimii săi ani au fost petrecuți lucrând în liniște și intimitate. Deși operele sale au fost interzise în Europa ocupată de naziști, cele mai multe dintre ele au supraviețuit celui de-al Doilea Război Mondial, asigurându-i o moștenire.

Copilărie

Edvard Munch s-a născut într-o fermă din satul Ådalsbruk din Løten, Norvegia, din Laura Catherine Bjølstad și Christian Munch, fiul unui preot. Christian era medic și ofițer medical care s-a căsătorit cu Laura, o femeie de jumătate din vârsta lui, în 1861. Edvard a avut o soră mai mare, Johanne Sophie, și trei frați mai mici: Peter Andreas, Laura Catherine și Inger Marie. Laura era talentată din punct de vedere artistic și este posibil să-i fi încurajat pe Edvard și Sophie. Edvard a fost înrudit cu pictorul Jacob Munch și cu istoricul Peter Andreas Munch.

Familia s-a mutat la Christiania (redenumită Kristiania în 1877, în prezent Oslo) în 1864, când Christian Munch a fost numit ofițer medical la fortăreața Akershus. Mama lui Edvard a murit de tuberculoză în 1868, la fel ca și sora preferată a lui Munch, Johanne Sophie, în 1877. După moartea mamei lor, frații Munch au fost crescuți de tatăl lor și de mătușa lor Karen. Adesea bolnav o mare parte a iernilor și ținut departe de școală, Edvard desena pentru a se ține ocupat. A fost îndrumat de colegii săi de școală și de mătușa sa. De asemenea, Christian Munch și-a instruit fiul în istorie și literatură și i-a distrat pe copii cu povești cu fantome vii și cu povestiri ale scriitorului american Edgar Allan Poe.

După cum își amintea Edvard, comportamentul pozitiv al lui Christian față de copiii săi era umbrit de pietismul său morbid. Munch a scris: „Tatăl meu era nervos din punct de vedere temperamental și obsesiv de religios – până la psihonevroză. De la el am moștenit semințele nebuniei. Îngerii fricii, ai durerii și ai morții au stat alături de mine din ziua în care m-am născut.” Christian își mustra copiii spunându-le că mama lor se uită din ceruri și se întristează din cauza comportamentului lor necorespunzător. Mediul religios opresiv, sănătatea precară a lui Edvard și poveștile vii cu fantome au contribuit la inspirarea viziunilor sale macabre și a coșmarurilor; băiatul simțea că moartea înainta constant spre el. Una dintre surorile mai mici ale lui Munch, Laura, a fost diagnosticată cu boli mintale la o vârstă fragedă. Dintre cei cinci frați, doar Andreas s-a căsătorit, dar a murit la câteva luni după nuntă. Munch avea să scrie mai târziu: „Am moștenit doi dintre cei mai înfricoșători dușmani ai omenirii – moștenirea tuberculozei și a nebuniei”.

Solda militară a lui Christian Munch a fost foarte mică, iar încercările sale de a dezvolta un cabinet privat au eșuat, menținându-și familia într-o sărăcie elegantă, dar permanentă. Ei se mutau frecvent dintr-un apartament ieftin în altul. Primele desene și acuarele ale lui Munch au descris aceste interioare, precum și obiecte individuale, cum ar fi flacoane de medicamente și instrumente de desen, plus câteva peisaje. În adolescență, arta a dominat interesele lui Munch. La treisprezece ani, Munch a avut primul contact cu alți artiști la nou înființata Asociație de Artă, unde a admirat lucrările școlii norvegiene de peisagistică. S-a întors pentru a copia picturile și, în curând, a început să picteze în ulei.

Studii și influențe

În 1879, Munch s-a înscris la un colegiu tehnic pentru a studia ingineria, unde a excelat la fizică, chimie și matematică. A învățat desenul la scară și în perspectivă, dar bolile frecvente i-au întrerupt studiile. În anul următor, spre dezamăgirea tatălui său, Munch a părăsit colegiul hotărât să devină pictor. Tatăl său vedea arta ca pe o „meserie profană”, iar vecinii săi au reacționat cu amărăciune și i-au trimis scrisori anonime. În contrast cu pietismul turbat al tatălui său, Munch a adoptat o poziție nedogmatică față de artă. El și-a scris scopul în jurnalul său: „În arta mea încerc să-mi explic viața și sensul ei.”

În 1881, Munch s-a înscris la Școala Regală de Artă și Design din Kristiania, unul dintre fondatorii căreia a fost ruda sa îndepărtată Jacob Munch. Profesorii săi au fost sculptorul Julius Middelthun și pictorul naturalist Christian Krohg. În acel an, Munch și-a demonstrat rapiditatea cu care a asimilat pregătirea în domeniul figurilor de la academie în primele sale portrete, printre care unul al tatălui său și primul său autoportret. În 1883, Munch a luat parte la prima sa expoziție publică și a împărțit un atelier cu alți studenți. Portretul său în mărime naturală al lui Karl Jensen-Hjell, un boem notoriu, a primit un răspuns disprețuitor din partea unui critic: „Este impresionism dus la extrem. Este o parodie de artă”. Picturile cu nuduri ale lui Munch din această perioadă au supraviețuit doar sub formă de schițe, cu excepția lui Standing Nude (1887). Este posibil ca acestea să fi fost confiscate de tatăl său.

Încă de la o vârstă fragedă, Munch a fost influențat de impresioniști precum Édouard Manet și, mai târziu, de artiști din post-impresionism, printre care Vincent van Gogh și Paul Gauguin. În timpul acestor primii ani, a experimentat mai multe stiluri, inclusiv naturalismul și impresionismul. Unele lucrări de început amintesc de Manet. Multe dintre aceste încercări i-au adus critici nefavorabile din partea presei și i-au adus reproșuri constante din partea tatălui său, care, cu toate acestea, îi asigura totuși mici sume de bani pentru cheltuielile de întreținere. Cu toate acestea, la un moment dat, tatăl lui Munch, probabil influențat de opinia negativă a vărului lui Munch, Edvard Diriks (un pictor tradițional consacrat), a distrus cel puțin un tablou (probabil un nud) și a refuzat să mai avanseze bani pentru materiale de artă.

Munch a fost învrăjbit de tatăl său și pentru relația sa cu Hans Jæger, un nihilist local care trăia după codul „pasiunea de a distruge este și o pasiune creatoare” și care susținea sinuciderea ca fiind calea supremă spre libertate. Munch a căzut sub vraja sa malefică și anti-establishment. „Ideile mele s-au dezvoltat sub influența boemilor sau mai degrabă a lui Hans Jæger. Mulți oameni au afirmat în mod eronat că ideile mele s-au format sub influența lui Strindberg și a germanilor… dar acest lucru este greșit. Ele se formaseră deja pe atunci.” În acea perioadă, spre deosebire de mulți dintre ceilalți boemi, Munch era încă respectuos față de femei, precum și rezervat și manierat, dar a început să cedeze în fața beției și a bătăilor din cercul său. Era neliniștit de revoluția sexuală care avea loc la acea vreme și de femeile independente din jurul său. Mai târziu, a devenit cinic în ceea ce privește chestiunile sexuale, lucru exprimat nu numai în comportamentul și arta sa, ci și în scrierile sale, un exemplu fiind un lung poem intitulat Orașul iubirii libere. Încă dependent de familia sa pentru multe dintre mesele sale, relația lui Munch cu tatăl său a rămas tensionată din cauza îngrijorărilor legate de viața sa boemă.

După numeroase experimente, Munch a ajuns la concluzia că limbajul impresionist nu permitea o exprimare suficientă. L-a găsit superficial și prea asemănător cu experimentul științific. A simțit nevoia de a merge mai adânc și de a explora situații pline de conținut emoțional și energie expresivă. Conform poruncii lui Jæger ca Munch să-și „scrie viața”, adică să-și exploreze propria stare emoțională și psihologică, tânărul artist a început o perioadă de reflecție și autoexaminare, înregistrându-și gândurile în „jurnalul sufletului”. Această perspectivă mai profundă l-a ajutat să treacă la o nouă viziune asupra artei sale. El a scris că tabloul său „Copilul bolnav” (1886), bazat pe moartea surorii sale, a fost prima sa „pictură de suflet”, prima sa ruptură de impresionism. Pictura a primit un răspuns negativ din partea criticilor și a familiei sale și a provocat o altă „izbucnire violentă de indignare morală” din partea comunității.

Doar prietenul său, Christian Krohg, i-a luat apărarea:

El pictează, sau mai degrabă privește lucrurile într-un mod diferit de cel al altor artiști. El vede doar esențialul și, firește, asta este tot ceea ce pictează. Din acest motiv, tablourile lui Munch sunt, de regulă, „incomplete”, așa cum oamenii sunt atât de încântați să descopere singuri. Oh, da, sunt complete. Opera sa completă. Arta este completă atunci când artistul a spus cu adevărat tot ceea ce a avut în minte, și tocmai acesta este avantajul pe care Munch îl are față de pictorii din cealaltă generație, că știe cu adevărat să ne arate ceea ce a simțit și ceea ce l-a cuprins, iar pentru aceasta își subordonează orice altceva.

Munch a continuat să folosească o varietate de tehnici de pensulare și palete de culori în anii 1880 și la începutul anilor 1890, în timp ce se străduia să-și definească stilul. Limbajul său a continuat să oscileze între naturalist, așa cum se vede în Portretul lui Hans Jæger, și impresionist, ca în Rue Lafayette. Tabloul său Inger On the Beach (1889), care a provocat o altă furtună de confuzie și controverse, sugerează formele simplificate, contururile grele, contrastele ascuțite și conținutul emoțional ale stilului său matur care va urma. A început să își calculeze cu atenție compozițiile pentru a crea tensiune și emoție. Deși a fost influențat stilistic de postimpresioniști, ceea ce a evoluat a fost un subiect cu un conținut simbolist, descriind mai degrabă o stare de spirit decât o realitate exterioară. În 1889, Munch a prezentat prima sa expoziție personală cu aproape toate lucrările sale de până atunci. Recunoașterea pe care a primit-o a dus la o bursă de stat de doi ani pentru a studia la Paris cu pictorul francez Léon Bonnat.

Munch pare să fi fost un critic timpuriu al fotografiei ca formă de artă și a remarcat că aceasta „nu va concura niciodată cu pensula și paleta, până când fotografiile vor putea fi făcute în Rai sau în Iad!”.

Sora mai mică a lui Munch, Laura, a fost subiectul Melancoliei interioare din 1899: Laura. Amanda O’Neill spune despre această lucrare: „În această scenă claustrofobă și încinsă, Munch nu doar descrie tragedia Laurei, ci și propria sa teamă de nebunia pe care ar fi putut să o moștenească”.

Paris

Munch a sosit la Paris în timpul festivităților de la Expoziția Universală (1889) și a stat în cameră cu doi colegi artiști norvegieni. Tabloul său Dimineața (1884) a fost expus în pavilionul norvegian. Și-a petrecut diminețile în atelierul foarte ocupat al lui Bonnat (care includea modele feminine) și după-amiezile la expoziție, în galerii și muzee (unde se aștepta ca studenții să facă copii ca modalitate de a învăța tehnica și de a observa). Munch a consemnat puțin entuziasm pentru lecțiile de desen ale lui Bonnat – „Mă obosește și mă plictisește – este anesteziant” -, dar s-a bucurat de comentariile maestrului în timpul călătoriilor la muzeu.

Munch a fost captivat de vasta expoziție de artă modernă europeană, inclusiv de lucrările a trei artiști care aveau să se dovedească influenți: Paul Gauguin, Vincent van Gogh și Henri de Toulouse-Lautrec – toți remarcabili pentru modul în care au folosit culoarea pentru a transmite emoții. Munch a fost inspirat în special de „reacția lui Gauguin împotriva realismului” și de crezul său că „arta era o operă umană și nu o imitație a naturii”, o convingere afirmată anterior de Whistler. După cum a spus mai târziu unul dintre prietenii săi berlinezi despre Munch, „nu era nevoie să meargă până în Tahiti pentru a vedea și a experimenta primitivul din natura umană. El își poartă propriul Tahiti în el”. Influențat de Gauguin, precum și de gravurile artistului german Max Klinger, Munch a experimentat cu gravurile ca mediu pentru a crea versiuni grafice ale operelor sale. În 1896 a creat primele sale xilogravuri – un mediu care s-a dovedit ideal pentru imaginile simbolice ale lui Munch. Împreună cu contemporanul său Nikolai Astrup, Munch este considerat un inovator al xilogravurii în Norvegia.

În decembrie 1889, tatăl său a murit, lăsând familia Munch în sărăcie. S-a întors acasă și a aranjat un împrumut mare de la un colecționar norvegian bogat, atunci când rudele bogate nu au reușit să îl ajute, și și-a asumat responsabilitatea financiară pentru familia sa de atunci încolo. Moartea lui Christian l-a deprimat și a fost chinuit de gânduri sinucigașe: „Trăiesc cu cei morți – mama mea, sora mea, bunicul meu, tatăl meu… Omoară-te și apoi se termină totul. De ce să trăiești?” Picturile lui Munch din anul următor au inclus scene de tavernă schițate și o serie de peisaje urbane luminoase în care a experimentat stilul pointilist al lui Georges Seurat.

Berlin

Până în 1892, Munch și-a formulat estetica sintetistă caracteristică și originală, așa cum se vede în Melancolie (1891), în care culoarea este elementul încărcat de simboluri. Considerată de artistul și jurnalistul Christian Krohg ca fiind prima pictură simbolistă a unui artist norvegian, Melancolie a fost expusă în 1891 la Expoziția de toamnă de la Oslo. În 1892, Adelsteen Normann, în numele Uniunii Artiștilor din Berlin, l-a invitat pe Munch să expună la expoziția din noiembrie, prima expoziție personală a societății. Cu toate acestea, picturile sale au stârnit controverse aprinse (supranumite „Afacerea Munch”), iar după o săptămână expoziția s-a închis. Munch a fost mulțumit de „marea agitație” și a scris într-o scrisoare: „Niciodată nu m-am simțit atât de bine – este incredibil că ceva atât de inocent ca pictura a creat o asemenea agitație”.

La Berlin, Munch s-a implicat într-un cerc internațional de scriitori, artiști și critici, inclusiv dramaturgul suedez și intelectualul de marcă August Strindberg, pe care l-a pictat în 1892. De asemenea, l-a cunoscut pe scriitorul și pictorul danez Holger Drachmann, pe care l-a pictat în 1898. Drachmann era cu 17 ani mai mare decât Munch și i-a fost tovarăș de pahar la Zum schwarzen Ferkel în 1893-94. În 1894, Drachmann a scris despre Munch: „Se luptă din greu. Mult noroc cu luptele tale, norvegian singuratic”.

În timpul celor patru ani petrecuți la Berlin, Munch a schițat cele mai multe dintre ideile care vor constitui opera sa majoră, Friza vieții, concepută inițial pentru ilustrarea unei cărți, dar exprimată ulterior în picturi. A vândut puțin, dar a obținut unele venituri din perceperea unor taxe de intrare pentru a vedea picturile sale controversate. Munch manifesta deja o reticență în a se despărți de picturile sale, pe care le numea „copiii” săi.

Alte picturi ale sale, inclusiv scene de cazinou, prezintă o simplificare a formei și a detaliilor care a marcat stilul său timpuriu de maturitate. Munch a început, de asemenea, să favorizeze un spațiu pictural puțin adânc și un fundal minimal pentru figurile sale frontale. Deoarece pozițiile erau alese pentru a produce cele mai convingătoare imagini ale stărilor de spirit și ale condițiilor psihologice, ca în Cenușă, figurile conferă o calitate monumentală, statică. Figurile lui Munch par să joace roluri pe o scenă de teatru (întrucât fiecare personaj întruchipează o singură dimensiune psihologică, ca în Urletul, bărbații și femeile lui Munch au început să pară mai mult simbolice decât realiste. El a scris: „Nu ar mai trebui să fie pictate interioare, oameni care citesc și femei care tricotează: ar fi oameni vii, care respiră și simt, suferă și iubesc.”

Țipătul

Țipătul există în patru versiuni: două pasteluri (1893 și 1895) și două picturi (1893 și 1910). Există, de asemenea, mai multe litografii ale Urletului (1895 și ulterior).

Pastelul din 1895 a fost vândut la licitație pe 2 mai 2012 pentru 119 922 500 USD, inclusiv comisionul. Este cea mai colorată dintre versiuni și se distinge prin poziția în jos a uneia dintre figurile din fundal. Este, de asemenea, singura versiune care nu este deținută de un muzeu norvegian.

Versiunea din 1893 a fost furată din Galeria Națională din Oslo în 1994 și a fost recuperată. Tabloul din 1910 a fost furat în 2004 de la Muzeul Munch din Oslo, dar a fost recuperat în 2006 cu pagube limitate.

Țipătul este cea mai faimoasă lucrare a lui Munch și unul dintre cele mai ușor de recunoscut tablouri din întreaga artă. A fost interpretată pe scară largă ca reprezentând anxietatea universală a omului modern. Pictată cu benzi largi de culori stridente și forme foarte simplificate, și folosind un punct de vedere înalt, pictura reduce figura agonizantă la un craniu îmbrăcat în haină în plină criză emoțională.

Cu acest tablou, Munch și-a atins scopul declarat de „studiu al sufletului, adică studiul propriului meu eu”. Munch a scris despre modul în care a luat naștere acest tablou: „Mergeam pe drum cu doi prieteni când soarele a apus; deodată, cerul a devenit roșu ca sângele. M-am oprit și m-am sprijinit de gard, simțindu-mă nespus de obosit. Limbi de foc și de sânge se întindeau peste fiordul negru albăstrui. Prietenii mei au continuat să meargă, în timp ce eu am rămas în urmă, tremurând de frică. Apoi am auzit țipătul enorm și infinit al naturii.” Mai târziu, a descris angoasa personală din spatele picturii: „Timp de câțiva ani am fost aproape nebun… Știți tabloul meu, „Țipătul”? Eram întins la limită – natura urla în sângele meu… După aceea am renunțat să mai sper că voi mai putea iubi vreodată”.

În 2003, comparând tabloul cu alte opere mari, istoricul de artă Martha Tedeschi a scris:

Mama lui Whistler, Goticul american al lui Wood, Mona Lisa a lui Leonardo da Vinci și Strigătul lui Edvard Munch au reușit ceva ce majoritatea picturilor – indiferent de importanța lor istorică, frumusețea sau valoarea lor monetară – nu au reușit: ele comunică un înțeles specific aproape imediat pentru aproape fiecare privitor. Aceste câteva lucrări au reușit să facă cu succes tranziția de la tărâmul elitist al vizitatorului de muzeu la uriașa locație a culturii populare.

Friza vieții – un poem despre viață, dragoste și moarte

În decembrie 1893, pe Unter den Linden din Berlin a avut loc o expoziție a lucrărilor lui Munch, care a prezentat, printre altele, șase tablouri intitulate Studiu pentru o serie: Dragoste. Astfel a început un ciclu pe care mai târziu l-a numit Friza vieții – Un poem despre viață, dragoste și moarte. Motivele Frizei Vieții, cum ar fi Furtuna și Luceafărul de lună, sunt impregnate de atmosferă. Alte motive iluminează latura nocturnă a iubirii, cum ar fi Trandafir și Amelie și Vampir. În Moartea în camera de bolnavi, subiectul este moartea surorii sale Sophie, pe care a reluat-o în multe variante viitoare. Focalizarea dramatică a tabloului, care înfățișează întreaga sa familie, este dispersată în figurile separate și deconectate ale durerii. În 1894, a lărgit spectrul de motive adăugând Anxietate, Cenușă, Madona și Femei în trei etape (de la inocență la bătrânețe).

La începutul secolului al XX-lea, Munch a lucrat pentru a termina „Friza”. El a pictat o serie de tablouri, dintre care mai multe în format mai mare și care, într-o oarecare măsură, prezentau estetica Art Nouveau a vremii. A realizat un cadru din lemn cu reliefuri sculptate pentru tabloul de mari dimensiuni Metabolism (1898), numit inițial Adam și Eva. Această lucrare dezvăluie preocuparea lui Munch pentru „căderea omului” și filozofia sa pesimistă despre dragoste. Motive precum Crucea goală și Golgota (ambele c. 1900) reflectă o orientare metafizică și, de asemenea, reflectă educația pietistă a lui Munch. Întreaga Friză a fost prezentată pentru prima dată la expoziția secesionistă din Berlin din 1902.

Temele „Friza vieții” se repetă de-a lungul întregii opere a lui Munch, dar acesta s-a concentrat asupra lor în special la mijlocul anilor 1890. În schițe, picturi, pasteluri și gravuri, el a exploatat profunzimile sentimentelor sale pentru a examina motivele sale majore: etapele vieții, femeia fatală, lipsa de speranță a iubirii, anxietatea, infidelitatea, gelozia, umilința sexuală și separarea în viață și în moarte. Aceste teme sunt exprimate în picturi precum Copilul bolnav (1893-94), Cenușă (1894) și Podul. Acesta din urmă prezintă figuri șchioape cu fețe fără trăsături sau ascunse, peste care se profilează formele amenințătoare ale copacilor grei și ale caselor melancolice. Munch a portretizat femeile fie ca suferinde fragile și inocente (vezi Pubertate și Dragoste și durere), fie ca fiind cauza unor mari dorințe, gelozie și disperare (vezi Despărțire, Gelozie și Cenușă).

Munch folosește adesea umbre și inele de culoare în jurul figurilor sale pentru a sublinia o aură de frică, amenințare, anxietate sau intensitate sexuală. Aceste tablouri au fost interpretate ca fiind reflectarea anxietăților sexuale ale artistului, deși se poate susține, de asemenea, că ele reprezintă relația sa turbulentă cu dragostea însăși și pesimismul său general cu privire la existența umană. Multe dintre aceste schițe și picturi au fost realizate în mai multe versiuni, cum ar fi Madonna, Hands and Puberty, și au fost transcrise și sub formă de xilogravuri și litografii. Munch ura să se despartă de tablourile sale, deoarece își vedea opera ca pe un singur corp de expresie. Așa că, pentru a valorifica producția sa și pentru a obține un venit, a apelat la artele grafice pentru a reproduce multe dintre picturile sale, inclusiv cele din această serie. Munch a recunoscut scopurile personale ale operei sale, dar și-a oferit arta sa și pentru un scop mai larg: „Arta mea este de fapt o mărturisire voluntară și o încercare de a-mi explica mie însumi relația mea cu viața – este, prin urmare, de fapt un fel de egoism, dar sper în mod constant că prin aceasta îi pot ajuta pe alții să ajungă la claritate.”

Deși a atras reacții puternic negative, în anii 1890 Munch a început să primească o oarecare înțelegere a obiectivelor sale artistice, după cum scria un critic: „Cu un dispreț nemilos pentru formă, claritate, eleganță, integralitate și realism, pictează cu o forță intuitivă a talentului cele mai subtile viziuni ale sufletului”. Unul dintre marii săi susținători din Berlin a fost Walther Rathenau, mai târziu ministru de externe german, care a contribuit puternic la succesul său.

Paris, Berlin și Kristiania

În 1896, Munch s-a mutat la Paris, unde s-a concentrat asupra reprezentărilor grafice ale temelor sale din Friza Vieții. Și-a dezvoltat în continuare tehnica xilogravurii și a litografiei. Autoportretul lui Munch cu brațul scheletului (1895) este realizat cu o metodă de gravură cu acul și cerneala folosită și de Paul Klee. Munch a realizat, de asemenea, versiuni multicolore ale tabloului The Sick Child (Copilul bolnav), referitor la tuberculoză, care s-a vândut bine, precum și mai multe nuduri și mai multe versiuni ale tabloului Kiss (1892). În mai 1896, Siegfried Bing a organizat o expoziție cu lucrările lui Munch în interiorul Maison de l’Art Nouveau a lui Bing. Expoziția a prezentat șaizeci de lucrări, printre care Sărutul, Țipătul, Madona, Copilul bolnav, Camera morții și Ziua de apoi. Expoziția lui Bing a contribuit la prezentarea lui Munch publicului francez. Cu toate acestea, mulți dintre criticii parizieni continuau să considere lucrările lui Munch „violente și brutale”, chiar dacă expozițiile sale se bucurau de o atenție serioasă și de o bună audiență. Situația sa financiară s-a îmbunătățit considerabil, iar în 1897, Munch și-a cumpărat o casă de vară cu vedere spre fiordurile din Kristiania, o mică cabană de pescari construită la sfârșitul secolului al XVIII-lea, în orășelul Åsgårdstrand din Norvegia. El a supranumit această casă „Casa fericită” și s-a întors aici aproape în fiecare vară în următorii 20 de ani. De acest loc îi era dor atunci când se afla în străinătate și când se simțea deprimat și epuizat. „Să te plimbi în Åsgårdstrand este ca și cum te-ai plimba printre tablourile mele – mă simt atât de inspirat să pictez când sunt aici”.

În 1897, Munch s-a întors la Kristiania, unde a fost de asemenea acceptat cu reticență – un critic a scris: „Un număr destul de mare dintre aceste tablouri au mai fost expuse înainte. După părerea mea, acestea se îmbunătățesc odată cu cunoașterea”. În 1899, Munch a început o relație intimă cu Tulla Larsen, o femeie „eliberată” din clasa superioară. Au călătorit împreună în Italia și, la întoarcere, Munch a început o altă perioadă fertilă în arta sa, care a inclus peisaje și ultimul său tablou din seria „Friza vieții”, Dansul vieții (1899). Larsen era nerăbdătoare să se căsătorească, iar Munch a refuzat. Băutura și sănătatea precară i-au întărit temerile, așa cum a scris la persoana a treia: „Încă de când era copil, ura căsătoria. Casa lui bolnavă și nervoasă îi dăduse sentimentul că nu avea dreptul să se căsătorească”. Munch a fost cât pe ce să cedeze în fața Tulliei, dar a fugit de ea în 1900, îndepărtându-se și de averea ei considerabilă, și s-a mutat la Berlin. Fetele sale de pe dig, create în optsprezece versiuni diferite, au demonstrat tema tinereții feminine fără conotații negative. În 1902, și-a expus lucrările în mod tematic în sala Secesiunii din Berlin, producând „un efect simfonic – a făcut o mare vâlvă – mult antagonism și multă aprobare”. Criticii berlinezi începuseră să aprecieze opera lui Munch, chiar dacă publicul încă îi găsea lucrările străine și ciudate.

Presa bună a atras atenția lui Munch asupra lui Albert Kollman și Max Linde, patroni influenți. În jurnalul său, Munch a descris această schimbare de situație astfel: „După douăzeci de ani de luptă și mizerie, forțele binelui îmi vin în sfârșit în ajutor în Germania și mi se deschide o ușă luminoasă”. Cu toate acestea, în ciuda acestei schimbări pozitive, comportamentul autodistructiv și haotic al lui Munch l-a implicat mai întâi într-o ceartă violentă cu un alt artist, apoi într-o împușcătură accidentală în prezența Tulllei Larsen, care se întorsese pentru o scurtă reconciliere, care l-a rănit la două degete. Ulterior, Munch a tăiat cu fierăstrăul un autoportret care îi înfățișa pe el și pe Larsen în două, ca urmare a împușcăturii și a evenimentelor ulterioare. Ea l-a părăsit în cele din urmă și s-a căsătorit cu un coleg mai tânăr al lui Munch. Munch a luat acest lucru ca pe o trădare și a meditat asupra umilinței pentru o perioadă de timp, canalizându-și o parte din amărăciune în noi picturi. Tablourile sale Natura moartă (Ucigașa) și Moartea lui Marat I, realizate în 1906-2007, fac referire în mod clar la incidentul cu împușcături și la efectele emoționale ulterioare.

În 1903-1904, Munch a expus la Paris, unde Fauviștii, renumiți pentru culorile lor false și îndrăznețe, i-au văzut probabil lucrările și s-ar putea să se fi inspirat din ele. Atunci când Fauves și-au organizat propria expoziție în 1906, Munch a fost invitat și și-a expus lucrările alături de cele ale lor. După ce a studiat sculpturile lui Rodin, Munch a experimentat probabil plastilina ca ajutor pentru design, dar a produs puține sculpturi. În această perioadă, Munch a primit numeroase comenzi pentru portrete și gravuri, ceea ce i-a îmbunătățit situația financiară, de obicei precară. În 1906, a pictat paravanul pentru o piesă de Ibsen în micul teatru Kammerspiele situat în Deutsches Theater din Berlin, în care a fost atârnată Friza Vieții. Directorul teatrului, Max Reinhardt, a vândut-o mai târziu; în prezent se află la Nationalgalerie din Berlin. După o perioadă anterioară de peisaje, în 1907 și-a îndreptat din nou atenția către figuri și situații umane.

Avarie și recuperare

În toamna anului 1908, anxietatea lui Munch, agravată de consumul excesiv de alcool și de bătăi, a devenit acută. După cum a scris mai târziu: „Starea mea era la limita nebuniei – era o situație de tip „touch and go”.” Supus halucinațiilor și sentimentelor de persecuție, a intrat în clinica lui Daniel Jacobson. Terapia pe care Munch a primit-o în următoarele opt luni a inclus dietă și „electrificare” (un tratament la modă pe atunci pentru afecțiunile nervoase, care nu trebuie confundat cu terapia electroconvulsivă). Șederea lui Munch în spital i-a stabilizat personalitatea, iar după ce s-a întors în Norvegia în 1909, opera sa a devenit mai colorată și mai puțin pesimistă. Înveselindu-i și mai mult starea de spirit, publicul larg din Kristiania s-a încălzit în cele din urmă la lucrările sale, iar muzeele au început să-i achiziționeze tablourile. A fost numit Cavaler al Ordinului Regal al Sfântului Olav „pentru servicii în artă”. Prima sa expoziție americană a avut loc în 1912 la New York.

Ca parte a recuperării sale, Dr. Jacobson l-a sfătuit pe Munch să socializeze doar cu prieteni buni și să evite să bea în public. Munch a urmat acest sfat și, în acest proces, a realizat mai multe portrete în mărime naturală de înaltă calitate ale prietenilor și patronilor – portrete oneste, lipsite de lingușire. A creat, de asemenea, peisaje și scene cu oameni la muncă și la joacă, folosind un nou stil optimist – tușe largi și libere de culori vibrante, cu o utilizare frecventă a spațiului alb și rareori a negrului – cu referiri ocazionale la temele sale morbide. Având mai multe venituri, Munch a putut cumpăra mai multe proprietăți care i-au oferit noi priveliști pentru arta sa și, în sfârșit, a putut să-și întrețină familia.

Izbucnirea Primului Război Mondial l-a găsit pe Munch cu loialități împărțite, după cum a declarat: „Toți prietenii mei sunt germani, dar eu iubesc Franța”. În anii 1930, patronii săi germani, mulți dintre ei evrei, și-au pierdut averile, iar unii și-au pierdut viața în timpul ascensiunii mișcării naziste. Munch a găsit tipografi norvegieni care să îi înlocuiască pe germanii care îi tipăreau lucrările grafice. Având în vedere istoricul său de sănătate precară, în 1918, Munch s-a considerat norocos că a supraviețuit unui atac de gripă spaniolă, pandemia mondială din acel an.

Ultimii ani

Munch și-a petrecut cea mai mare parte a ultimelor două decenii în singurătate, pe proprietatea sa aproape autosuficientă din Ekely, la Skøyen, Oslo. Multe dintre picturile sale târzii celebrează viața la fermă, inclusiv câteva în care și-a folosit calul de muncă „Rousseau” ca model. Fără niciun efort, Munch a atras un flux constant de modele feminine, pe care le-a pictat ca subiecte ale numeroaselor picturi de nuduri. Probabil că a avut relații sexuale cu unele dintre ele. Munch își părăsea ocazional casa pentru a picta picturi murale la comandă, inclusiv cele realizate pentru fabrica de ciocolată Freia.

Până la sfârșitul vieții sale, Munch a continuat să picteze autoportrete fără menajamente, adăugând la ciclul său de autocercetare a vieții sale și la seria sa de analize neclintite ale stărilor sale emoționale și fizice. În anii 1930 și 1940, naziștii au catalogat lucrările lui Munch drept „artă degenerată” (alături de cele ale lui Picasso, Klee, Matisse, Gauguin și ale multor alți artiști moderni) și i-au retras cele 82 de lucrări din muzeele germane. Adolf Hitler a anunțat în 1937: „Din partea noastră, acei barbari din cultura preistorică a Epocii de Piatră și acei babeți ai artei pot să se întoarcă în peșterile strămoșilor lor și acolo să aplice zgârieturile lor internaționale primitive”.

În 1940, germanii au invadat Norvegia, iar partidul nazist a preluat conducerea guvernului. Munch avea 76 de ani. Având aproape întreaga sa colecție de artă la etajul al doilea al casei sale, Munch a trăit cu teama unei confiscări naziste. Șaptezeci și unu dintre tablourile luate anterior de naziști fuseseră returnate în Norvegia prin cumpărare de către colecționari (celelalte unsprezece nu au fost niciodată recuperate), inclusiv Țipătul și Copilul bolnav, și acestea au fost și ele ascunse de naziști.

Munch a murit în casa sa din Ekely, lângă Oslo, la 23 ianuarie 1944, la aproximativ o lună după ce împlinise 80 de ani. Înmormântarea sa orchestrată de naziști le-a sugerat norvegienilor că era un simpatizant nazist, un fel de însușire a artistului independent. Orașul Oslo a cumpărat moșia Ekely de la moștenitorii lui Munch în 1946; casa acestuia a fost demolată în mai 1960.

La moartea lui Munch, lucrările rămase au fost lăsate moștenire orașului Oslo, care a construit Muzeul Munch la Tøyen (inaugurat în 1963). Muzeul deține o colecție de aproximativ 1.100 de tablouri, 4.500 de desene și 18.000 de gravuri, cea mai vastă colecție din lume a operelor sale. Muzeul Munch servește ca moștenire oficială a lui Munch; a fost activ în a răspunde la încălcările drepturilor de autor, precum și în a compensa drepturile de autor pentru lucrări, cum ar fi apariția tabloului The Scream al lui Munch într-o campanie publicitară M&M’s din 2006. Reprezentantul SUA pentru drepturile de autor al Muzeului Munch și al Estate of Edvard Munch este Artists Rights Society.

Arta lui Munch era foarte personalizată și nu prea preda prea mult. Simbolismul său „privat” era mult mai personal decât cel al altor pictori simboliști, precum Gustave Moreau și James Ensor. Munch a avut totuși o mare influență, în special asupra expresioniștilor germani, care i-au urmat filosofia: „Nu cred în arta care nu este rezultatul compulsiv al îndemnului omului de a-și deschide inima”. Multe dintre tablourile sale, inclusiv Țipătul, au o atracție universală, pe lângă semnificația lor extrem de personală.

Lucrările lui Munch sunt acum reprezentate în numeroase muzee și galerii importante din Norvegia și din străinătate. Cabana sa, „Casa fericită”, a fost dăruită municipalității din Åsgårdstrand în 1944; aceasta servește drept un mic muzeu Munch. Inventarul a fost păstrat exact așa cum l-a lăsat el.

O versiune a tabloului „The Scream” a fost furată din Galeria Națională în 1994. În 2004, o altă versiune a tabloului „The Scream”, împreună cu una a Madonnei, a fost furată de la Muzeul Munch în timpul unui jaf îndrăzneț în plină zi. Toate aceste tablouri au fost recuperate în cele din urmă, dar picturile furate în timpul jafului din 2004 au fost grav avariate. Acestea au fost restaurate meticulos și sunt din nou expuse. Trei lucrări ale lui Munch au fost furate de la Hotel Refsnes Gods în 2005; acestea au fost recuperate în scurt timp, deși una dintre lucrări a fost deteriorată în timpul jafului.

În octombrie 2006, gravura pe lemn color Două persoane. Singurătatea (To mennesker. De ensomme) a stabilit un nou record pentru gravurile sale atunci când a fost vândută la o licitație din Oslo pentru 8,1 milioane de coroane (1,27 milioane de dolari, echivalentul a 1 700 000 de dolari în 2021). De asemenea, a stabilit un record pentru cel mai mare preț plătit la o licitație în Norvegia. La 3 noiembrie 2008, tabloul Vampire a stabilit un nou record pentru picturile sale când a fost vândut pentru 38 162 000 USD (echivalentul a 48 000 000 USD în 2021) la Sotheby’s New York.

Imaginea lui Munch apare pe bancnota norvegiană de 1.000 de coroane, alături de imagini inspirate de operele sale de artă.

În februarie 2012, o expoziție majoră Munch, Edvard Munch. The Modern Eye, a fost deschisă la Schirn Kunsthalle Frankfurt; expoziția a fost inaugurată de Mette-Marit, Prințesa Moștenitoare a Norvegiei.

În mai 2012, The Scream a fost vândut pentru 119,9 milioane de dolari (echivalentul a 141.500.000 de dolari în 2021), fiind a doua cea mai scumpă operă de artă vândută vreodată la o licitație deschisă. (A fost depășită în noiembrie 2013 de Three Studies of Lucian Freud, care s-a vândut pentru 142,4 milioane de dolari).

În 2013, patru dintre picturile lui Munch au fost ilustrate într-o serie de timbre de către serviciul poștal norvegian, pentru a comemora în 2014 cea de-a 150-a aniversare a nașterii sale.

La 14 noiembrie 2016, o versiune a tabloului Fetele de pe pod de Munch a fost vândută cu 54,5 milioane de dolari (echivalentul a 61 500 000 de dolari în 2021) la Sotheby’s, New York, devenind astfel al doilea cel mai mare preț obținut pentru unul dintre tablourile sale.

În aprilie 2019, British Museum a găzduit expoziția Edvard Munch: Love and Angst, cuprinzând 83 de lucrări de artă și incluzând o imprimare originală rară a operei The Scream.

Aula Universității

În 1911, Munch și Emanuel Vigeland au participat la concursul final pentru decorarea marilor pereți ai Aula Universității din Oslo (sala de ședințe). Episodul este cunoscut sub numele de „controversa Aula”. În 1914, Munch a fost în cele din urmă însărcinat să decoreze Aula, iar lucrarea a fost finalizată în 1916. Această lucrare majoră în pictura monumentală norvegiană include 11 picturi care acoperă 223 m2 (2.400 de metri pătrați). Soarele, Istoria și Alma Mater sunt lucrările cheie din această secvență. Munch a declarat: „Am vrut ca decorațiunile să formeze o lume completă și independentă de idei și am vrut ca expresia lor vizuală să fie atât distinctiv norvegiană, cât și universal umană”. În 2014, s-a sugerat că picturile din Aula au o valoare de cel puțin 500 de milioane de coroane.

Surse generale

sursele

  1. Edvard Munch
  2. Edvard Munch
  3. ^ Wells 2008.
  4. ^ Eggum 1984, p. 15
  5. ^ a b Eggum 1984, p. 16
  6. ^ Prideaux 2005, p. 17
  7. 4,0 4,1 «Большая советская энциклопедия» (Ρωσικά) The Great Russian Encyclopedia. Μόσχα. 1969. Ανακτήθηκε στις 28  Σεπτεμβρίου 2015.
  8. James F. Masterson: Search For The Real Self. Unmasking The Personality Disorders Of Our Age, Chapter 12: The Creative Solution: Sartre, Munch, and Wolfe, S. 208–230, Simon and Schuster, New York 1988, ISBN 1451668910, S. 212–213, eingeschränkte Vorschau in der Google-Buchsuche.
  9. Tove Aarkrog: Edvard Munch: the life of a person with borderline personality as seen through his art, Lundbeck Pharma A/S, Denmark 1990, ISBN 87-983524-0-7.
  10. Albert Rothenberg: Bipolar illness, creativity, and treatmernt. In: The Psychiatric quarterly, Band 72, Nummer 2, 2001, S. 131–147, ISSN 0033-2720, PMID 11433879, doi:10.1023/A:1010367525951.
  11. Lecture de l’œuvre du philosophe par l’influence de Stanislas Przybyszewski, amenant également la rencontre avec la sœur du penseur, Elisabeth Förster, à Weimar. Cette dernière lui commande un portrait à partir d’une photographie familiale quelques années après la disparition de Friedrich à l’asile.
  12. Une autre graphie ancienne française est « Christiania ». Il s’agit de la capitale, Oslo.
  13. Lionel Richard, « J’aime la vie, la vie, même malade », Beaux Arts, hors-série Edvard Munch, L’œil moderne au Centre Pompidou.
Ads Blocker Image Powered by Code Help Pro

Ads Blocker Detected!!!

We have detected that you are using extensions to block ads. Please support us by disabling these ads blocker.