Jeff Koons

Resumo

Jeffrey Lynn Koons (nascido a 21 de Janeiro de 1955) é um artista americano reconhecido pelo seu trabalho sobre a cultura popular e as suas esculturas que retratam objectos quotidianos, incluindo animais de balão produzidos em aço inoxidável com superfícies de acabamento espelhado. Vive e trabalha tanto na cidade de Nova Iorque como na sua cidade natal, Pensilvânia. As suas obras têm sido vendidas por somas substanciais, incluindo pelo menos dois preços recorde de leilão para uma obra de um artista vivo: US$58,4 milhões para Balloon Dog (Orange) em 2013 e US$91,1 milhões para Rabbit em 2019.

Os críticos estão fortemente divididos nas suas opiniões sobre Koons. Alguns vêem o seu trabalho como pioneiro e de grande importância artístico-histórica. Outros rejeitam o seu trabalho como sendo kitsch, crass, e baseado em auto-merchandising cínico. Koons afirmou que não existem significados e críticas ocultas nas suas obras.

Koons nasceu em York, Pennsylvania, para Henry e Gloria Koons. O seu pai era comerciante de móveis e decorador de interiores. A sua mãe era costureira. Quando ele tinha nove anos de idade, o seu pai colocava quadros mestres antigos que Koons copiou e assinou na montra da sua loja, numa tentativa de atrair visitantes. Quando criança, ia de porta em porta depois da escola vendendo papel de embrulho e doces para ganhar dinheiro de bolso. Quando adolescente, reverenciava tanto Salvador Dalí que o visitou no Hotel St. Regis, em Nova Iorque.

Koons estudou pintura no Maryland Institute College of Art em Baltimore e na School of the Art Institute of Chicago. Enquanto estudante do Instituto de Arte, Koons conheceu o artista Ed Paschke, que se tornou uma grande influência e para quem Koons trabalhou como assistente de estúdio no final dos anos 70. Ele viveu em Lakeview, e depois no bairro de Pilsen na Halsted Street e na 19th Street.

Depois da faculdade, Koons mudou-se para Nova Iorque em 1977 e trabalhou na secretária dos membros do Museu de Arte Moderna enquanto se estabelecia como artista. Durante este tempo, pintou o seu cabelo de vermelho e usava frequentemente um bigode de lápis, depois de Salvador Dalí. Em 1980, tornou-se licenciado para vender fundos mútuos e acções e começou a trabalhar como corretor de mercadorias de Wall Street na First Investors Corporation. Após um Verão com os seus pais em Sarasota, Florida, onde trabalhou brevemente como angariador político, Koons regressou a Nova Iorque e encontrou uma nova carreira como corretor de mercadorias, primeiro na Clayton Brokerage Company e depois na Smith Barney.

Jeff Koons subiu à proeminência em meados dos anos 80 como parte de uma geração de artistas que exploraram o significado da arte numa era saturada pelos media. Ganhou reconhecimento na década de 1980 e subsequentemente montou um estúdio de fábrica num loft do SoHo na esquina da Houston Street com a Broadway em Nova Iorque. Foi dotado de mais de 30 assistentes, cada um deles designado para um aspecto diferente da produção do seu trabalho – num modo semelhante ao da Fábrica de Andy Warhol. O trabalho de Koons é produzido utilizando um método conhecido como fabricação de arte. Até 2019, Koons tinha uma fábrica de estúdio de 1.500 m2 (16.000 pés quadrados) perto dos antigos pátios ferroviários de Hudson em Chelsea e empregava mais de 90 a 120 pessoas Mais recentemente, Koons reduziu o seu pessoal e mudou para formas de produção mais automatizadas e deslocou-se para um espaço de estúdio muito mais pequeno. Koons utilizou um sistema cor por cor, para que cada um dos seus assistentes pudesse executar as suas telas e esculturas como se tivessem sido feitas “por uma só mão”.

Obras precoces e Insufláveis

Entre 1977 e 1979 Koons produziu quatro obras de arte separadas, a que mais tarde se referiu como Early Works. A partir de 1978 trabalhou na sua série Inflatables, composta por flores insufláveis e um coelho de várias alturas e cores, posicionado juntamente com espelhos.

As séries Pre-New, The New, and Equilibrium

Desde 1979 Koons tem produzido trabalhos em série. O seu primeiro trabalho foi sob a forma de escultura conceptual, um exemplo disso é The Pre-New, uma série de objectos domésticos ligados a luminárias, resultando em estranhas novas configurações. Outro exemplo é The New, uma série de aspiradores de pó, frequentemente seleccionados para marcas que apelavam ao artista como o icónico Hoover, que ele tinha montado em caixas de Perspex iluminadas. Koons expôs pela primeira vez estas peças na janela do Novo Museu, em Nova Iorque, em 1980. Escolheu uma combinação limitada de aspiradores e organizou-os em armários em conformidade, justapondo a verticalidade dos aspiradores verticais com os cilindros de agachamento do “Shelton Wet

Outro exemplo do trabalho inicial de Koons é The Equilibrium Series (1983), que consiste em uma a três bolas de basquetebol a flutuar em água destilada, um projecto que o artista tinha pesquisado com a ajuda do físico galardoado com o Prémio Nobel Richard Feynman. Os Tanques de Equilíbrio Total estão completamente cheios de água destilada e uma pequena quantidade de sal comum, para ajudar as bolas ocas a permanecerem suspensas no centro do líquido. Numa segunda versão, os 50

Série estatuária

Koons começou a criar esculturas utilizando brinquedos insufláveis na década de 1970. Pegando num coelho insuflável pronto a usar, Koons lançou o objecto em aço inoxidável altamente polido, resultando em Coelho (1986), uma das suas obras de arte mais famosas. Originalmente parte da colecção privada de Ileana Sonnabend, o coelho é hoje propriedade do Museu de Arte Contemporânea, Chicago. Uma prova da escultura é propriedade de Eli Broad.

O coelho voltou desde então à sua forma original suave, e muitas vezes maior a mais de 50 pés de altura, levado para o ar. A 13 de Outubro de 2009, o coelho gigante de cor monocromo metálico utilizado durante o desfile do Dia de Acção de Graças de 2007 da Macy’s foi exposto para Nuit Blanche no Centro Eaton em Toronto. Os outros objectos da série combinam objectos Koons encontrados em lojas de lembranças e imagens barrocas, jogando assim com a distinção entre arte baixa e arte alta.

A 15 de Maio de 2019, Koons estabeleceu o recorde da peça mais cara vendida por um artista vivo para a venda de “Coelho”. “Rabbit” foi vendido na Christie’s Auction House por 80 milhões de dólares – incluindo os honorários do leiloeiro – ao preço final de venda de 91.075.000 dólares.

Série Luxo e Degradação e Kiepenkerl

Exibida pela primeira vez nas exposições epónimas de Koons na International With Monument Gallery, Nova Iorque, e na Galeria Daniel Weinberg, Los Angeles, em 1986, a série Luxo e Degradação é um grupo de obras tematicamente centrado no álcool. Este grupo incluiu um cocktail de viagem em aço inoxidável, um decantador de cristal Baccarat e outras peças feitas à mão de parafernália relacionada com o álcool, bem como anúncios reimpressos e emoldurados para bebidas como o Gin de Gordon (“I Could Go for Something Gordon’s”), Hennessy (“Hennessy, The Civilized Way to Lay Down the Law”), Bacardi (“Aquí. … el gran sabor del ron Bacardi”), Dewars (“The Empire State of Scotch”), Martell (“I Assume You Drink Martell”) e Frangelico (“Stay in Tonight” e “Find a Quiet Table”) em cores sedutoramente intensificadas em tela Koons apropriou-se destes anúncios e revalorizou-os recontextualizando-os em obras de arte. Eles “fazem uma crítica à publicidade tradicional que apoia a visão censuradora de Baudrillard sobre a promiscuidade obscena dos sinais de consumo”. Outro trabalho, Jim Beam – J.B. Turner Engine (1986), baseia-se numa obra comemorativa, coleccionável em garrafa sob a forma de uma locomotiva criada por Jim Beam; no entanto, Koons apropriou-se deste modelo e mandou-o fundir em aço inoxidável cintilante. O modelo de comboio fundido em aço intitulado Jim Beam – Baggage Car (1986) contém até bourbon Jim Beam. Com a série Luxo e Degradação Koons interferiu nos reinos do social. Ele criou uma superfície artificial e cintilante que representava um luxo proletário. Foi interpretado como sedução por simulação porque se tratava de luxo falso. Ser o produtor deste engano levou-o a uma espécie de liderança, como ele próprio comentou.

O mesmo material de aço inoxidável foi utilizado para a estátua de Kiepenkerl. Após ter sido reconstruída nos anos 50, a figura do comerciante itinerante foi substituída por Jeff Koons em 1987 para a exposição decenal Skulptur Projekte. De pé sobre uma praça central em Münster, a estátua manteve um certo poder cultural como símbolo nostálgico do passado. Durante o processo de produção, a fundição onde a peça estava a ser feita quis derrubar a casca de cerâmica demasiado cedo, o que resultou na peça ser dobrada e deformada. Koons decidiu trazer um especialista e dar à peça “cirurgia plástica radical”. Depois desta experiência, ele sentiu-se libertado: “Estava agora livre para trabalhar com objectos que não existiam necessariamente previamente. Eu podia criar modelos”.

Série de banalidades

Koons passou então para a série Banality. Para este projecto, realizou workshops na Alemanha e Itália que tinham uma longa tradição de trabalho em cerâmica, porcelana e madeira. A série culminou em 1988 com Michael Jackson e Bubbles, uma série de três estátuas de porcelana dourada em tamanho real do cantor sentado que acariciava Bubbles, o seu chimpanzé de estimação. Três anos mais tarde, uma destas vendeu na Sotheby’s New York por 5,6 milhões de dólares. Duas destas esculturas estão agora no Museu de Arte Moderna de São Francisco e no Broad Contemporary Art Museum (BCAM), no centro de Los Angeles. A estátua foi incluída numa retrospectiva de 2004 no Museu de Arte Moderna Astrup Fearnley, em Oslo, que viajou um ano mais tarde para o Museu de Arte da Cidade de Helsínquia. Foi também incluída na sua segunda retrospectiva no Museum of Contemporary Art, Chicago, em 2008. A estátua está actualmente de volta ao recém-inaugurado Museu de Arte Moderna Astrup Fearnley, em Tjuvholmen, Oslo. Recentemente, a sua obra Christ and the Lamb (1988) foi analisada como um reconhecimento e crítica do poder espiritual e meditativo do Rococo.

Antecipando uma resposta crítica pouco generosa à sua exposição da série Banality de 1988, com todos os seus novos objectos feitos numa edição de três, permitindo exposições simultâneas e idênticas em galerias de Nova Iorque, Colónia e Chicago, Koons concebeu a série Art Magazine Ads (1988-1989). Colocados em Artforum, Art in America, Flash Art, e Art News, os anúncios foram concebidos como promoções para as suas próprias exposições em galerias. Koons também emitiu Placa de Assinatura, uma edição para a revista Parkett, com um decalque fotográfico a cores numa placa de porcelana com aro dourado. A jornalista de artes Arifa Akbar relatou para The Independent que, “numa época em que os artistas não eram considerados ‘estrelas’, Koons fez um grande esforço para cultivar a sua persona pública, empregando um consultor de imagem”. Apresentando fotografias de Matt Chedgey, Koons colocou “anúncios em revistas internacionais de arte de si próprio rodeado pelos adereços do sucesso” e deu entrevistas “referindo-se a si próprio na terceira pessoa”.

Série Made in Heaven

Em 1989, o Museu Whitney e o seu curador convidado Marvin Heiferman pediram a Koons que fizesse um trabalho artístico sobre os media num cartaz para a exposição “Image World”: Arte e Cultura dos Meios de Comunicação”. O cartaz foi concebido como um anúncio para um filme não feito, intitulado Made in Heaven. Koons empregou a sua então esposa Ilona Staller (“Cicciolina”) como modelo na filmagem que constituiu a base do trabalho resultante para o Whitney, Made in Heaven (1990-1991). Incluindo trabalhos com títulos como Dirty Ejaculation e Ilonaʼs Asshole, a série de enormes fotografias granuladas impressas em tela, obras de vidro e esculturas retrataram Koons e Staller em posições sexuais altamente explícitas e criaram considerável controvérsia. As pinturas da série fazem referência à arte dos períodos Barroco e Rococó – entre outros, Gian Lorenzo Bernini, Jean-Honoré Fragonard e François Boucher – e também recorrem aos avanços dos primeiros pintores modernos como Gustave Courbet e Édouard Manet.

A série foi apresentada pela primeira vez na Bienal de Veneza de 1990. Koons terá destruído grande parte do trabalho quando Staller levou o seu filho Ludwig com ela para Itália. Em celebração do 20º aniversário do Made in Heaven, Luxemburgo & Dayan optaram por apresentar uma edição redux da série. O Museu Whitney também exibiu várias das fotografias em tela na sua retrospectiva de 2014.

Cachorrinho

Koons não estava entre os 44 artistas americanos seleccionados para expor o seu trabalho na Documenta 9 em 1992, mas foi encarregado por três negociantes de arte de criar uma peça para o vizinho Castelo de Arolsen em Bad Arolsen, Alemanha. O resultado foi Puppy, uma escultura topiária de 43 pés (13 m) de altura de um cachorro de West Highland White Terrier, executada numa variedade de flores (incluindo Marigolds, Begonias, Impatiens, Petunias, e Lobelias) sobre uma subestrutura transparente de aço inoxidável cromado. As flores auto-limpantes cresceriam durante o período específico de tempo em que a peça fosse exposta. O tamanho e a localização do cachorro – o pátio de um palácio barroco – reconheceu o público de massa. Após o surto que se seguiu à sua série Made in Heaven, Koons decidiu fazer “uma imagem que comunicasse calor e amor às pessoas”. Em 1995, numa co-ventura entre Museum of Contemporary Art, Kaldor Public Art Projects e Sydney Festival, a escultura foi desmontada e reerigurada no Museum of Contemporary Art on Sydney Harbour sobre uma nova armadura de aço inoxidável, mais permanente, com um sistema de irrigação interna. Enquanto o cachorro Arolsen Puppy tinha 20.000 plantas, a versão de Sidnei tinha cerca de 60.000.

A peça foi comprada em 1997 pela Fundação Solomon R. Guggenheim e instalada no terraço fora do Museu Guggenheim Bilbao. Antes da dedicação no museu, um trio de Euskadi Ta Askatasuna (ETA) disfarçado de jardineiros tentou plantar vasos cheios de explosivos perto da escultura, mas foi abortado pelo agente da polícia basca José María Aguirre, que depois foi morto a tiro pelos membros da ETA. Actualmente, a praça onde a estátua é colocada ostenta o nome de Aguirre. No Verão de 2000, a estátua viajou para Nova Iorque para uma exposição temporária no Rockefeller Center.

O magnata dos media Peter Brant e a sua esposa, modelo Stephanie Seymour, encarregaram Koons de criar um duplicado da estátua de Bilbao Puppy (1993) para a sua propriedade de Connecticut, o Centro de Estudos de Arte da Fundação Brant. Em 1998, uma versão em miniatura de Puppy foi lançada como vaso branco de porcelana vidrada, numa edição de 3000.

Série de celebrações

A Celebração de Koons foi para honrar o regresso ardentemente esperado de Ludwig de Roma. Constituído por uma série de esculturas e pinturas em grande escala de cães balões, corações de Valentim, diamantes e ovos de Páscoa, foi concebido em 1994. Algumas das peças ainda estão a ser fabricadas. Cada uma das 20 esculturas diferentes da série vem em cinco “versões únicas” de cores diferentes, incluindo o Ovo rachado (Azul) do artista ganhou o Prémio Charles Wollaston 2008 para o trabalho mais distinto na Exposição de Verão da Academia Real. As peças Diamond foram criadas entre 1994 e 2005, feitas de aço inoxidável brilhante com sete pés de largura. Criada numa edição de cinco versões, a sua obra posterior Tulips (1995-2004) consiste num bouquet de flores de balão multicoloridas, sopradas até proporções gigantescas (mais de 2 m de altura e 5 m de diâmetro). Koons começou finalmente a trabalhar no Balloon Flower em 1995.

Koons estava a pressionar para terminar a série a tempo de uma exposição de 1996 no Museu Solomon R. Guggenheim em Nova Iorque, mas a exposição acabou por ser cancelada devido a atrasos de produção e custos excessivos. Quando o financiamento da “Celebration” se esgotou, o pessoal foi despedido, deixando uma equipa de dois elementos: Gary McCraw, gerente de estúdio de Koons, que estava com ele desde 1990, e Justine Wheeler, uma artista da África do Sul, que tinha chegado em 1995 e que acabou por se encarregar da operação de escultura. O artista convenceu os seus principais coleccionadores Dakis Joannou, Peter Brant, e Eli Broad, juntamente com os comerciantes Jeffrey Deitch, Anthony d’Offay, e Max Hetzler, a investir fortemente na dispendiosa fabricação da série Celebration na Carlson & Company, sediada na Califórnia do Sul (incluindo a sua série Balloon Dog and Moon), e mais tarde, na Arnold, uma empresa sediada em Frankfurt-Frankfurt. Os comerciantes financiaram o projecto em parte através da venda de obras a coleccionadores antes de serem fabricadas. Em 1999, a sua escultura “Pantera Cor-de-Rosa” de 1988 foi vendida em leilão por 1,8 milhões de dólares, e voltou para a galeria Sonnabend. Bem conscientes das necessidades e exigências sem fundo de Koons, Ileana Sonnabend e Antonio Homem, o seu director de galeria e filho adoptivo, receberam-no de volta; muito provavelmente sentiram (correctamente, afinal) que ele estava preparado para um segundo acto glorioso – algo que só ele, entre a sua geração de artistas excessivamente publicitados, conseguiu até agora realizar. Koons, contudo, já não se limita a uma única galeria. Larry Gagosian, o colosso dos concessionários de Nova Iorque, concordou em financiar a conclusão de toda a obra “Celebration” inacabada, em troca de direitos exclusivos para a vender.

Em 2006, Koons apresentou Hanging Heart, um coração de aço de 9 pés de altura altamente polido, um de uma série de cinco exemplos de cores diferentes, parte da sua série de Celebration. Grandes esculturas dessa série foram exibidas no Metropolitan Museum of Art em Nova Iorque, em 2008. Adições posteriores à série incluem Balloon Swan (2004-2011), um Balloon Swan de 11,5 pés (3,5 metros), ave de aço inoxidável, Balloon Rabbit (2005-2010), e Balloon Monkey, todos para os quais os favores das festas infantis são reconcebidos como formas monumentais hipnotizantes.

A série inclui também, para além de esculturas, dezasseis

Easyfun e Easyfun-Ethereal

Encomendado pela Deutsche Guggenheim em 1999, Koons criou as primeiras sete pinturas da nova série, Easyfun, incluindo pinturas e esculturas montadas na parede. Em 2001, Koons empreendeu uma série de pinturas, Easyfun-Ethereal, utilizando uma abordagem de colagem que combinava biquinis, alimentos e paisagens pintadas sob a sua supervisão por assistentes. A série acabou por se expandir para vinte e quatro pinturas.

Split-Rocker

Em 2000, Koons concebeu Split-Rocker, a sua segunda escultura floral feita de aço inoxidável, terra, tecido geotêxtil, e um sistema de irrigação interna, que foi mostrado pela primeira vez no Palais des Papes em Avignon, França. Tal como Puppy, é coberto com cerca de 27.000 flores vivas, incluindo petúnias, begónias, impacientes, gerânios e calêndulas. Pesando 150 toneladas e elevando-se acima dos 37 pés de altura, Split-Rocker é composto por duas metades: uma baseada num pónei de brinquedo de um dos filhos de Koons, a outra baseada num dinossauro de brinquedo. Juntos, eles formam a cabeça de um roqueiro infantil gigante. Koons produziu apenas duas edições da escultura. A partir de 2014, ele é dono de uma delas; a outra está exposta em Glenstone, em Maryland. No Verão de 2014, Split-Rocker foi instalado no Rockefeller Plaza em Nova Iorque durante vários meses, em coincidência com a abertura da retrospectiva de Koons no Museu Whitney de Arte Americana.

Série Popeye e Hulk Elvis

Pinturas e esculturas da série Popeye, que Koons iniciou em 2002, apresentam as figuras de desenhos animados de Popeye e Olive Oyl. Uma dessas figuras é uma reprodução em aço inoxidável de uma figura de Popeye em PVC do mercado de massas. O artista voltará também a utilizar animais insufláveis, desta vez em combinação com escadas, latas de lixo e vedações. Para criar estas esculturas, os brinquedos recebem uma camada de revestimento depois de encontrarem a forma certa. Depois é feita uma cópia impressa e enviada para a fundição para ser fundida em alumínio. De volta ao estúdio, as esculturas são pintadas de modo a obter o aspecto brilhante das almofadas insufláveis originais. Para estas instalações surrealistas, Acrobat em particular, Koons inspirou-se no Chicago Imagist H.C. Westermann. A escultura Popeye foi comprada pelo bilionário Steve Wynn por 28 milhões de dólares e está exposta no exterior da entrada do casino no hotel e na propriedade do casino Wynn’s Encore Boston Harbor.

Hulk Elvis é uma série de trabalhos de Jeff Koons, criada entre 2004 e 2014. As obras vão desde esculturas de bronze de precisão – inspiradas por um insuflável do popular herói da banda desenhada e extrudidas em três dimensões – até pinturas a óleo em grande escala. O título da série de obras combina o popular herói de banda desenhada Hulk com o ícone pop Elvis. A imagem tripla da figura de Hulk recorda a serigrafia de Andy Warhol Triple Elvis (1963), tanto no que diz respeito à multiplicação como à postura da figura de Hulk.

De acordo com o artista, a série Hulk Elvis com a sua imagem forte e heróica do Hulk representa “um corpo de trabalho de muito alta testosterona”. Koons também vê a série como “uma ponte entre o Oriente e o Ocidente”, uma vez que pode ser traçado um paralelo entre o herói da banda desenhada Hulk e os Deuses guardiães asiáticos.

Os trabalhos tridimensionais Hulk (Friends) e Hulks (Bell) (ambos 2004-2012) apresentam Hulks aparentemente insufláveis Incríveis que pesam quase uma tonelada cada e são feitos de bronze e madeira. A escultura Hulk (Órgão) (2004-2014) inclui um instrumento musical totalmente funcional cujos sons profundos potenciais combinam com a aparência poderosa e masculina da figura.

As pinturas da série são colagens feitas de várias camadas de photoshop. As imagens vão desde paisagens abstractas a elementos de iconografia americana (comboios, cavalos, carruagens) e incluem personagens como o Hulk ou um macaco de plástico insuflável. As pinturas paisagísticas têm frequentemente um conteúdo sexual explícito ou implícito. Por exemplo, um desenho recorrente de uma vulva em linha bruta refere-se a Courbets L’Origine du Monde (1866).

A série Hulk Elvis foi exposta em vários locais de arte internacionais como a Gagosian Gallery em Londres (2007), a Gagosian Gallery em Hong Kong, China (2014) e o Österreichische Galerie Belvedere em Viena, Áustria (2015).

Série de antiguidades

Referindo-se à antiga estátua de mármore romana Callipygian Venus, Metallic Venus (2010-2012) era feita de aço inoxidável de alto cromo com revestimento de cor transparente e plantas de floração viva.

No centro de cada cena das pinturas da Antiguidade (2009-2013) encontra-se uma escultura antiga ou clássica famosa, meticulosamente trabalhada em tinta a óleo e dimensionada para o mesmo tamanho que as esculturas. Os cenários igualmente detalhados incluem uma visão Arcadiana.

Em Ballerinas (2010-2014), Koons retrata figuras de bailarinos, derivadas de obras de porcelana decorativas concebidas pela artista ucraniana Oksana Zhnikrup, à escala imponente da escultura clássica.

Trabalho recente

Para a temporada 2007-2008 na Ópera Estatal de Viena, Jeff Koons concebeu o quadro em grande escala (176 m2) Geisha como parte da série de exposições “Safety Curtain”, concebida pelo museu em curso. Koons trabalhou com a artista pop americana Lady Gaga no seu álbum de estúdio Artpop 2013, incluindo a criação da sua arte de capa com uma escultura que fez de Lady Gaga. Em Setembro de 2014 a publicação bianual de arte e cultura GARAGE Magazine publicou a primeira obra de arte digital de Jeff Koons para a frente da sua edição impressa. A peça, intitulada Lady Bug, é uma escultura de realidade aumentada que só pode ser vista em dispositivos móveis através de uma aplicação da GARAGE Magazine, que permite aos espectadores explorar a peça de vários ângulos, como se estivesse em cima dela.

Em 2012, Koons comprou a Advanced Stone Technologies, uma filial da divisão de pedra do Instituto Técnico Johnson Atelier de Escultura, sem fins lucrativos. Mudou a oficina de pedra de alta tecnologia de Nova Jersey para um espaço maior de 5.600 m2 (60.000 pés quadrados) em Morrisville, condado de Bucks, Pensilvânia. A instalação existe apenas para fabricar as obras de Koons feitas de pedra.

Em 2013 Koons criou a escultura Gazing Ball (Farnese Hércules), que foi inspirada pelo Farnese Hércules. A escultura é feita de gesso branco e pode ser interpretada como perpetuando o colorismo na forma como vemos o mundo antigo.

Outros projectos

Em 1999 Koons encomendou uma canção sobre si próprio no álbum Stars Forever de Momus.

Um desenho semelhante ao seu Tulip Balloons foi colocado na página principal do motor de busca da Internet Google. O desenho saudou todos os que visitaram a página principal do Google a 30 de Abril de 2008, e 1 de Maio de 2008.

Em 2006, Koons apareceu no Artstar, uma série de televisão não codificada no mundo artístico de Nova Iorque. Teve um papel menor no filme de 2008, Milk, o montador estatal Art Agnos.

Em Setembro de 2012, o Governador de Nova Iorque Andrew Cuomo deu a Koons a tarefa de ajudar a rever os desenhos para uma nova ponte Tappan Zee.

No final de 2016 Koons revelou planos para Bouquet of Tulips, uma escultura comemorativa de 11 metros de altura em Paris modelada na Estátua da Liberdade, em homenagem às vítimas dos ataques de Novembro de 2015.

Koons actuou como curador de uma exposição de Ed Paschke na Gagosian Gallery, Nova Iorque, em 2009. Também comissariou uma exposição em 2010 de obras da colecção privada do bilionário grego Dakis Joannou no New Museum, na cidade de Nova Iorque. A exposição, Skin Fruit: Selecções da Colecção Dakis Joannou, gerou um debate sobre o compadrio dentro do mundo da arte, uma vez que Koons é fortemente recolhido por Joannou e tinha previamente concebido o exterior do iate de Joannou Culpado.

Koons foi o artista nomeado para desenhar o décimo sétimo da série de “Art Cars” da BMW. O seu trabalho artístico foi aplicado a um E92 BMW M3 de especificação de corrida, e revelado ao público no The Pompidou Centre em Paris no dia 2 de Junho de 2010. Apoiado pela BMW Motorsport, o carro competiu então nas 24 Horas de Le Mans 2010 em França.

Em 1989, Koons e o colega Martin Kippenberger trabalharam juntos numa edição da revista de arte Parkett; no ano seguinte, Koons concebeu um cartaz de exposição para Kippenberger.

Em 2013, Koons colaborou com a cantora-compositora e artista performativa americana Lady Gaga para o seu terceiro álbum de estúdio, ARTPOP. A capa do álbum retrata uma escultura nua de Gaga feita por Koons atrás de uma escultura de bola azul, e peças de outras obras de arte de fundo como Birth of Venus pintado por Sandro Botticelli, que inspirou a imagem de Gaga através da nova era, incluindo no seu vídeo musical para “Aplausos” e a actuação da canção no MTV Video Music Awards 2013. A imagem da capa foi revelada peça por peça numa campanha de marketing social onde os seus fãs tiveram de tweetar a hashtag do Twitter”.

Em Abril de 2017, Jeff Koons colaborou com a casa de moda de luxo francesa Louis Vuitton para a ‘Masters Collection’ e concebeu uma série de bolsas e mochilas com reproduções das suas obras-primas favoritas dos antigos mestres, tais como Leonardo da Vinci, Ticiano, Vincent van Gogh, Peter Paul Rubens e Jean-Honoré Fragonard. Ainda este ano, apresentou mais um punhado de bolsas e acessórios com reproduções de obras de Claude Monet, J. M. W. Turner, Édouard Manet, Paul Gauguin e François Boucher. Os preços variam entre $585 para um porta-chaves e $4.000 para o grande porta-chaves.

Koons também produziu algumas boas comissões relacionadas com o vinho. Em Dezembro de 2012, Chateau Mouton Rothschild anunciou que Koons era o artista para o seu rótulo da colheita de 2010 – uma tradição que foi iniciada em 1946. Outros artistas para desenhar rótulos incluem Pablo Picasso, Francis Bacon, Salvador Dalí e Joan Miró, entre outros. Em Agosto de 2013, Dom Pérignon lançou a sua colheita de 2004, com uma edição especial feita por Koons, bem como uma caixa por encomenda chamada ‘Balloon Venus’. Este tem um preço de venda a retalho recomendado de 15.000 euros.

De 15 de Fevereiro a 6 de Março de 2008, Koons doou uma visita privada do seu estúdio à Fundação de Doenças Hereditárias para leilão na Charitybuzz. Da sua edição limitada 2010 Tulip designs para o Crème de Corps de Kiehl, uma parte das receitas foi para o Instituto Koons Family, uma iniciativa do Centro Internacional para Crianças Desaparecidas e Exploradas. Desde o início da sua relação com o Centro Internacional, Koons já deu mais de 4,3 milhões de dólares ao Instituto que leva o nome da sua família.

Desde uma instalação de montras no New Museum of Contemporary Art em Nova Iorque em 1980, o trabalho de Koons tem sido amplamente exposto internacionalmente em exposições individuais e colectivas. Em 1986, apareceu numa exposição colectiva com Peter Halley, Ashley Bickerton, Ross Minoru Laing e Meyer Vaisman na Sonnabend Gallery em Nova Iorque. Em 1997, a galeria parisiense Jerome de Noirmont organizou a sua primeira exposição individual na Europa. A sua série Made in Heaven foi exibida pela primeira vez na Bienal de Veneza em 1990.

Como jovem artista, Koons foi incluído em muitas exposições com curadoria de Richard Milazzo, incluindo The New Capital at White Columns em 1984, Paravision at Postmasters Gallery em 1985, Cult and Decorum at Tibor De Nagy Gallery em 1986, Time After Time at Diane Brown Gallery em 1986, Spiritual America at CEPA em 1986, e Art at the End of the Social at The Rooseum, Malmö, Sweden em 1988. Estas exposições estariam ao lado de outros artistas notáveis tais como Ross Bleckner, Joel Otterson, e Kevin Larmon.

As suas exposições individuais no museu incluem o Museum of Contemporary Art em Chicago (1988), Walker Art Center em Minneapolis (1993), Deutsche Guggenheim em Berlim (2000), Kunsthaus Bregenz (2001), o Museo archeologico nazionale di Napoli (2003), e um levantamento retrospectivo no Astrup Fearnley Museum of Modern Art, Oslo (2004), que viajou para o Helsinki City Art Museum (2005). Em 2008, a série Celebration foi exibida na Neue Nationalgalerie, Berlim, e no telhado do Museu Metropolitano de Arte.

Considerada como a sua primeira retrospectiva em França, a exposição de 2008 de 17 esculturas Koons no Château de Versailles marcou também a primeira exposição ambiciosa de um artista americano contemporâneo organizada pelo château. O New York Times relatou que “várias dezenas de pessoas manifestaram-se fora dos portões do palácio” num protesto organizado por um grupo de direita pouco conhecido, dedicado à pureza artística francesa. Foi também criticado que noventa por cento dos 2,8 milhões de dólares em financiamento para a exposição vieram de mecenas privados, principalmente François Pinault.

A retrospectiva de Koons de 31 de Maio – 21 de Setembro de 2008 no Museum of Contemporary Art, Chicago, que foi amplamente divulgada na imprensa, bateu o recorde de público do museu com 86.584 visitantes. A exposição incluiu numerosas obras da colecção MCA, juntamente com pinturas e esculturas recentes do artista. A exposição retrospectiva reflecte o compromisso da MCA com o trabalho de Koons ao apresentar o primeiro inquérito americano do artista em 1988. Para a exposição final no seu edifício Marcel Breuer, o Museu Whitney planeia apresentar uma retrospectiva de Koons em colaboração com o Museum of Contemporary Art, Los Angeles e o Centre Pompidou, Paris.

Em Julho de 2009, Koons teve a sua primeira grande exposição individual em Londres, na Serpentine Gallery. Intitulado Jeff Koons: Popeye Series, a exposição incluiu modelos de alumínio fundido de brinquedos de piscina para crianças e “pinturas densas e realistas de Popeye segurando a sua lata de espinafres ou fumando o seu cachimbo, uma lagosta vermelha a pairar sobre a sua cabeça”.

Em Maio de 2012, Koons teve a sua primeira grande exposição individual na Suíça, no Museu Beyeler em Basileia, intitulada Jeff Koons. Apresentadas são obras de três séries: A Nova, Banalidade e Celebração, bem como a escultura florida Split-Rocker.

Também em 2012, Jeff Koons. O pintor de Schirn Kunsthalle Frankfurt concentrou-se principalmente no desenvolvimento do artista como pintor, enquanto na exposição Jeff Koons. O Escultor no Liebieghaus em Frankfurt, as esculturas de Jeff Koons entraram em diálogo com o edifício histórico e uma colecção de esculturas que se estendeu por cinco milénios. Em conjunto, ambas as exposições formam a maior mostra do trabalho de Koons até à data.

O artista apreciou uma retrospectiva de 2014 no Museu Whitney de Arte Americana em Nova Iorque. Scott Indrisek, escrevendo para ARTINFO.com, descreveu-a como “arrojada, bastante divertida, e tão digerível como um pacote de M&Ms”.

Em 2019, uma exposição chamada Jeff Koons no Ashmolean Museum em Oxford, Reino Unido, foi realizada no Ashmolean Museum em Oxford, Reino Unido.

Koons recebeu o Prémio Cultural BZ da Cidade de Berlim em 2000 e a Medalha Skowhegan para Escultura em 2001. Foi nomeado Cavaleiro da Legião de Honra Francesa em 2002 e depois promovido a Oficial em 2007. Recebeu um doutoramento honoris causa da Escola do Instituto de Arte de Chicago em 2008. Recebeu o Prémio Wollaston 2008 da Royal Academy of Arts em Londres. Em 2013, recebeu a Medalha das Artes do Departamento de Estado dos EUA. Em 2014, Koons recebeu o Prémio Prata de Ouro da Academia Americana de Conquistas, atribuído pelo membro do Conselho de Prémios Wayne Thiebaud durante a Cimeira Internacional de Conquistas em São Francisco. Em 2017 aceitou o Prémio Anual de Membro Honorário pela Contribuição Excepcional para a Cultura Visual da Edgar Wind Society, Universidade de Oxford.

Koons é amplamente recolhido na América e Europa, onde alguns coleccionadores adquirem o seu trabalho em profundidade. Eli Broad tem 24 peças, e Dakis Joannou é proprietário de cerca de 38 obras de todas as fases da carreira do artista.

Koons tem sido representado por comerciantes como Mary Boone (1979-1980), Sonnabend Gallery (1986-2021), Galerie Max Hetzler, Jérôme de Noirmont e Gagosian Gallery. O direito exclusivo à venda primária da série “Celebration” foi durante muitos anos detido pela Gagosian Gallery, o seu concessionário dominante. Desde 2021, a Galeria Pace tem representado a Koons exclusivamente em todo o mundo.

Muitas das obras de Koons têm sido vendidas em leilão em privado. Os seus registos de leilões foram obtidos principalmente a partir das suas esculturas (especialmente as da sua série Celebration), enquanto que as suas pinturas são menos populares. Em 2001, uma das suas três esculturas de porcelana Michael Jackson e Bubbles foi vendida por 5,6 milhões de dólares. Em 14 de Novembro de 2007, Hanging Heart (Magenta

Durante a recessão do final dos anos 2000, contudo, os preços da arte caíram e as vendas em leilão de obras de alto valor da Koons caíram 50% em 2009. Um Coração Pendurado Violeta vendido por 11 milhões de dólares numa venda privada. Contudo, os preços das anteriores séries de Luxo e Degradação do artista parecem estar a aguentar-se. The Economist relatou que Thomas H. Lee, um investidor privado, vendeu Jim Beam J.B. Turner Train (1986) num pacote intermediado por Giraud Pissarro Segalot por mais de 15 milhões de dólares. Em 2012, a Tulips (1995-2004) trouxe um preço recorde de leilão para Koons na Christie’s, vendendo a um licitante por 33,6 milhões de dólares, bem acima da sua elevada estimativa de 25 milhões de dólares. Na Christie’s, em 2015, o óleo sobre tela Triple Elvis (2009) estabeleceu um recorde mundial de leilão para uma pintura do artista, realizando 8.565.000 dólares, mais de 5 milhões de dólares a mais do que a alta anterior. O coelho de aço inoxidável Koons (1986) vendido por $91,1 milhões em leilão em 2019, tornando-o o trabalho mais caro vendido por um artista vivo em leilão.

Em 2018, o coleccionador de arte e bilionário Steven Tananbaum intentou uma acção judicial contra Koons e Gagosian Gallery por não ter entregue três esculturas, Balloon Venus, Eros e Diana, pelas quais pagou 13 milhões de dólares. Pouco depois, o produtor de Hollywood Joel Silver intentou uma acção judicial semelhante contra Gagosion e Koons por não entrega de uma escultura de 8 milhões de dólares em 2014. Ambos os processos foram resolvidos em 2019 e 2020.

Entre curadores e coleccionadores de arte e outros no mundo da arte, o trabalho de Koons é rotulado como Neo-pop ou Pós-Pop como parte de um movimento da década de 1980 em reacção à arte pared down do Minimalismo e Conceptualismo na década anterior. Koons resiste a tais comentários: “Um espectador pode inicialmente ver ironia no meu trabalho … mas eu não vejo nenhuma. A ironia causa demasiada contemplação crítica”. Koons rejeita qualquer significado oculto na sua obra de arte.

Causou controvérsia pela elevação do kitsch sem vergonha para a arena de alta arte, explorando mais assuntos descartáveis do que, por exemplo, as latas de sopa Campbell’s Campbell’s de Warhol. O seu trabalho Balloon Dog (1994-2000) baseia-se em balões torcidos em forma de balões para fazer um cão de brincar.

O teórico Samito Jalbuena escreveu: “Desde o início da sua controversa carreira, Koons derrubou a noção tradicional de arte por dentro e por fora. Concentrando-se nos objectos banais como modelos, questionou os padrões de valores normativos na arte, e, em vez disso, abraçou as vulnerabilidades das hierarquias estéticas e dos sistemas gustativos”.

Koons tem recebido reacções polarizadas ao seu trabalho. A crítica Amy Dempsey descreveu o seu Balloon Dog como “uma presença espectacular… um monumento maciço e duradouro”. Jerry Saltz em artnet.com comentou estar “impressionado com o virtuosismo técnico e a explosão visual” da arte de Koons. Koons estava entre os nomes da lista de Blake Gopnik de 2011 “Os 10 Artistas mais importantes de hoje”, com Gopnik a argumentar, “Mesmo após 30 anos, os mashups de Koons de alto e baixo – um cão atado de balões, depois ampliado para um monumento público; um busto em tamanho real de Michael Jackson e do seu chimpanzé em porcelana dourada e branca – ainda se sentem significativos”.

Mark Stevens da Nova República despediu-o como “um artista decadente que não tem a vontade imaginativa de fazer mais do que banalizar e trivializar os seus temas e a tradição em que trabalha… Ele é outro dos que servem os ricos pirosos”. Michael Kimmelman, do The New York Times, viu “um último e patético arfar do tipo de entusiasmo e sensacionalismo que caracterizou o pior dos anos 80” e chamou à obra de Koons “artificial”, “barata”, e “incessantemente cínica”.

Num artigo que compara a cena artística contemporânea com o mundo do espectáculo, o célebre crítico Robert Hughes escreveu que Koons é

uma manifestação extrema e auto-satisfeita da santimónia que se prende com os grandes dólares. Koons pensa realmente que é Miguel Ângelo e não é tímido de o dizer. O significativo é que existem coleccionadores, especialmente na América, que acreditam nisso. Ele tem a garantia viscosa, a conversa grosseira sobre a transcendência através da arte, de um batista que vende acres de pântanos na Florida. E o resultado é que não se pode imaginar a cultura singularmente depravada da América sem ele.

Hughes colocou o trabalho de Koons imediatamente acima do de Seward Johnson e foi citado num artigo do New York Times como tendo afirmado que comparar as suas carreiras era “como debater os méritos dos excrementos de cão versus excrementos de gato”.

Influenciou artistas mais jovens como Damien Hirst (por exemplo, em Hirst’s Hymn, uma versão de 18 pés (5,5 m) de um brinquedo anatómico de 14 polegadas (0,36 m)), Jack Daws, e Mona Hatoum. Por sua vez, a sua extrema ampliação de objectos mundanos deve uma dívida a Claes Oldenburg e Coosje van Bruggen. Muito do seu trabalho também foi influenciado por artistas que trabalharam em Chicago durante os seus estudos no Instituto de Arte, incluindo Jim Nutt, Ed Paschke, e H. C. Westermann.

Em 2005, foi eleito como Fellow da Academia Americana de Artes e Ciências.

Koons foi processado várias vezes por violação de direitos de autor por causa da sua utilização de imagens pré-existentes, as obras originais de outros, na sua obra. Em Rogers v. Koons, 960 F.2d 301 (2d Cir. 1992), o Tribunal de Apelação dos EUA para a Segunda Circunscrição manteve uma sentença contra ele pela sua utilização de uma fotografia de cachorros como base para uma escultura, Cordão de cachorros.

Koons também perdeu processos no United Features Syndicate, Inc. v. Koons, 817 F. Supp. 370 (S.D.N.Y. 1993), e Campbell v. Koons, No. 91 Civ. 6055, 1993 WL 97381 (S.D.N.Y. Abr. 1, 1993).

Ganhou uma acção judicial, Blanch v. Koons, No. 03 Civ. 8026 (LLS), S.D.N.Y., 1 de Novembro de 2005 (op. slip), afirmado pelo Segundo Circuito em Outubro de 2006, trouxe o seu uso de um anúncio fotográfico como material de base para pernas e pés numa pintura, Niagara (2000). O tribunal decidiu que Koons tinha transformado suficientemente o anúncio original de modo a qualificá-lo como uma utilização justa da imagem original.

Em 2015, Koons enfrentou alegações que utilizou a fotografia de 1986 do fotógrafo Mitchel Gray para Gordon’s Gin numa das suas pinturas de Luxo e Degradação sem autorização ou compensação.

Em 2018, um tribunal francês decidiu que a sua obra Fait d’Hiver de 1988, que retrata um porco de pé sobre uma mulher que está deitada de costas, tinha copiado um anúncio para uma cadeia de roupa e considerou Koons e o Centre Pompidou culpados de violar os direitos de autor do fotógrafo Franck Davidovici. Esta decisão foi confirmada em 2021 no recurso. O resultado é que a obra, propriedade da Foundazione Prada, não pode ser exibida em França e o museu e o artista não podem exibir reproduções fotográficas online (sem uma penalização de 600 euros por dia). Além disso, o museu e o artista foram condenados a pagar em conjunto 190.000 euros e a editora 14.000 euros.

Em 2019, um tribunal francês decidiu que a sua obra de 1988 Naked, que retrata um rapazinho a oferecer flores a uma menina, ambos nus, tinha infringido os direitos de autor de uma fotografia de 1975 do artista francês Jean-Francois Bauret.

Koons também acusou outros de violação de direitos de autor, alegando que uma livraria em São Francisco violou os seus direitos de autor em Balloon Dogs ao vender livros sob a forma de cães-balão. Koons desistiu da acção judicial depois de o advogado da livraria ter apresentado uma moção para a concessão de tutela declarativa afirmando: “Como praticamente qualquer palhaço pode atestar, ninguém tem a ideia de fazer um cão balão, e a forma criada ao torcer um balão numa forma semelhante a um cão faz parte do domínio público”.

Uma escultura Koons de uma bailarina assemelha-se à peça Ballerina Lenochka criada pela artista ucraniana Oksana Zhnykrup em 1974.

Numa queixa apresentada em 2021 no Tribunal Distrital dos Estados Unidos para o Distrito Sul de Nova Iorque, o artista Michael Hayden que fez uma escultura em 1988 de uma serpente envolta numa pedra para Ilona Staller alegou que Koons utilizou ilegalmente a escultura nas suas obras.

Koons é membro do Conselho de Administração do International Centre for Missing & Exploited Children (ICMEC), uma organização global sem fins lucrativos que combate a exploração sexual infantil, pornografia infantil, e rapto de crianças. Em 2007, Koons, juntamente com a sua esposa Justine, fundou o ICMEC Koons Family Institute on International Law and Policy.

Após o fim do seu primeiro casamento em 1994 com a actriz italiana nascida na Hungria Ilona Staller, Staller partiu para Itália com o seu filho de dois anos, em violação de uma ordem judicial dos EUA. Koons passou cinco anos a perseguir os seus direitos parentais. O Supremo Tribunal italiano decidiu a favor de Staller. Koons criou subsequentemente o Instituto da Família Koons. Em 2008, Staller apresentou queixa contra Koons por não ter pago a pensão de alimentos para crianças.

Enquanto estudante no Maryland Institute College of Art, Koons foi pai de uma filha, Shannon Rodgers. O casal colocou a criança para adopção. Rodgers voltou a relacionar-se com Koons em 1995.

Em 1991, casou-se com a estrela da pornografia italiana naturalizada húngara Ilona Staller (Cicciolina) que na altura era membro do Parlamento italiano (1987-1992). Koons colaborou com Staller para as pinturas e esculturas “Made in Heaven” em vários meios de comunicação social, com a esperança de fazer um filme. Enquanto mantinham um lar em Manhattan, Koons e Staller viviam em Munique. Em 1992, tiveram um filho, Ludwig. O casamento terminou pouco depois, no meio de alegações de que Koons tinha submetido Staller a abusos físicos e emocionais.

Koons é actualmente casado com Justine Wheeler, uma artista e antiga funcionária que começou a trabalhar no estúdio de Koons em 1995. O casal tem seis filhos. A família vive actualmente numa casa no Upper East Side Townhouse.

Koons doou 50.000 dólares para Corrigir o Registo, um Super PAC que apoiou a campanha presidencial de Hillary Clinton em 2016, em Junho de 2016.

Fontes

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  2. Jeff Koons
  3. ^ a b “Jeff Koons’ $91M ‘Rabbit’ sculpture sets new auction record”. CNN. May 15, 2019.
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  13. Jeff Koons, Rabbit, 1986, polierter Edelstahl, 41 x 19 x 12 in. (104,1 x 48,3 x 30,5 cm.), Exemplar Nummer 2/3. Resultat 91.0750.000 USD
  14. Katy Siegel: Statuary. In: Hans Werner Holzwarth (Hrsg.): Jeff Koons. 1. Auflage. Taschen, Köln 2009, ISBN 978-3-8365-0328-0, S. 227.