Yves Klein
gigatos | enero 3, 2022
Resumen
Yves Klein fue un artista francés, nacido el 28 de abril de 1928 en Niza y fallecido el 6 de junio de 1962 en París.
En 1954, finalmente se dedicó al arte y comenzó su «aventura monocromática».
En su búsqueda de la inmaterialidad y el infinito, Yves Klein adoptó el azul ultramarino como vehículo de este azul más que azul, al que llamó «IKB» (International Klein Blue).
Desde sus monocromos, pasando por el vacío, la «técnica del pincel vivo» o la «Antropometría», hasta la utilización de los elementos de la naturaleza para manifestar su fuerza creadora o el oro, que utiliza como pasaje hacia lo absoluto, ha concebido una obra que cruza las fronteras del arte conceptual, corporal y del happening.
Justo antes de morir a los 34 años de un ataque al corazón, Yves Klein le confió a un amigo: «Voy a entrar en el mayor estudio del mundo. Y allí sólo haré obras inmateriales».
Yves Klein nació en Niza en 1928, hijo de dos pintores, Fred Klein (1898-1990) y Marie Raymond (1908-1989), que vivieron entre París y Niza durante su infancia. No eligió inmediatamente una carrera artística y estudió en la École nationale de la marine marchande y en la École nationale des langues orientales de Niza de 1944 a 1946.
En 1947, de joven, trabajó en Niza en la librería que su tía Rose Raymond había montado en su tienda. Durante el verano, Yves Klein conoció a Claude Pascal y a Armand Fernandez, el futuro Arman, en el club de judo de la jefatura de policía de Niza, una disciplina que en aquella época se consideraba tanto un método de educación intelectual y moral destinado al autocontrol como un deporte. Unidos por una gran atracción por el ejercicio físico, los tres aspiraban a la «Aventura» del viaje, la creación y la espiritualidad. El judo fue la primera experiencia de Yves en el espacio «espiritual». En la playa de Niza, los tres amigos eligieron «compartir el mundo»: Armand tenía la tierra y sus riquezas, Claude Pascal el aire e Yves el cielo y su infinidad.
Mientras leía la Cosmogonía de los Rosacruces de Max Heindel, también descubrió el misticismo rosacruz en 1947. La enseñanza esotérica de la Fraternidad Rosacruz, de la que fue miembro hasta 1953, a través del centro de Oceanside, en California, así como la lectura de Gaston Bachelard, forjarán las bases del pensamiento que alimentará su obra.
Atraído por los viajes, entre 1948 y 1954 realizó varios viajes al extranjero, primero a Italia, donde en 1950 Lucio Fontana realizó sus primeros monocromos, pero que perforó, titulados «Concetto spaziale» (concepto espacial) y fundó el espacialismo, luego a Inglaterra, del 2 de diciembre de 1949 al 25 de noviembre de 1950, donde perfeccionó su inglés y trabajó con el enmarcador Robert Savage, que le introdujo en el dorado, después a Irlanda, España y finalmente a Japón. Sus primeros experimentos pictóricos fueron pequeños monocromos realizados y expuestos de forma privada en 1950, durante su estancia en Londres. Al mismo tiempo, imaginó una Sinfonía del Silencio Monótono y escribió guiones cinematográficos sobre el arte.
El 3 de febrero de 1951, Yves Klein se fue a estudiar español a Madrid, donde se inscribió en un club de judo. Sustituyó a un instructor y, a partir de entonces, ocupó su puesto con regularidad, haciéndose muy amigo del director de la escuela, Fernando Franco de Sarabia, cuyo padre era editor. Tras sólo cinco años de practicar el judo, Yves Klein, que soñaba con convertirlo en su profesión, decidió ir a Japón para perfeccionar sus habilidades. El 22 de agosto de 1952, Klein se embarcó en Marsella en el transatlántico La Marseillaise y llegó a Yokohama el 23 de septiembre de 1952, que abandonó el 4 de enero de 1954 para volver a Marsella el 4 de febrero de 1954. Practicó judo en el instituto Kōdōkan de Tokio, donde llegó a ser cinturón negro 4º dan.
Organizó exposiciones de sus padres en el lugar: Así, Marie Raymond expuso con Fred Klein en el Instituto Franco-Japonés de Tokio del 20 al 22 de febrero de 1953, luego en solitario en el Museo de Arte Moderno de Kamakura, y de nuevo con Fred Klein en noviembre en el Museo de Arte Bridgestone de Tokio. Fue también en 1953 cuando se celebró la primera exposición del Grupo de Discusión para el Arte Contemporáneo en el estudio de Jiro Yoshihara, en el barrio de Shibuya, en Tokio, con algunos de sus alumnos, entre ellos Shōzō Shimamoto, que constituyó los inicios del movimiento Gutai. En su manifiesto de arte Gutai de diciembre de 1956, Yoshihara afirma que los principios de este movimiento, precursor del arte de la performance, se habían iniciado en realidad tres años antes. Atsuko Tanaka, también miembro del grupo Gutai, expuso láminas monocromas en 1955. A principios de la década de 1960, presentó a los artistas Gutai a sus amigos del Grupo ZERO, que expusieron con ellos en Europa.
De vuelta a París, en enero de 1954, Yves Klein fundó su propia escuela de judo en Fontenay-aux-Roses, intentó en vano que la Federación Francesa de Judo aprobara su grado de japonés, y luego decidió abandonar de nuevo Francia para ir a Madrid, donde Fernando Franco de Sarabia le llamó. Allí se convirtió en director técnico de la Federación Española de Judo.
La primera presentación pública de la obra de Klein fue la publicación del libro del artista «Yves Peintures» el 18 de noviembre de 1954, seguido de Haguenault Peintures, colecciones producidas y editadas por el taller de grabado de Fernando Franco de Sarabia, en Jaén. Parodiando un catálogo tradicional, el libro presenta una serie de monocromos intensos relacionados con varias ciudades en las que había vivido durante los años anteriores. El prefacio de Yves Peintures está compuesto por líneas negras en lugar de texto. Las diez láminas en color consisten en rectángulos monocolor recortados en papel, fechados y acompañados de dimensiones en milímetros. Cada placa indica un lugar de creación diferente: Madrid, Niza, Tokio, Londres, París.
Yves Klein regresó a París en noviembre de 1954 tras la publicación en París, el 25 de octubre de 1954, con la ayuda de Igor Correa Luna, de un tratado sobre las seis katas del judo titulado «Les Fondements du Judo». En septiembre de 1955, abrió su propia escuela de judo en París, en el 104 del bulevar de Clichy, que decoró con monocromos, pero tuvo que cerrarla al año siguiente.
Cuando, en mayo de 1955, quiso exponer su cuadro monocromo Expression de l»univers de la couleur mine orange (M 60) en el Salon des Réalités Nouvelles celebrado en el Musée d»Art Moderne de la Ville de Paris, se le denegó y se le pidió que añadiera un segundo color, un punto o una línea, para que el cuadro fuera declarado «abstracto», tendencia general de esta exposición. Pero Klein se mantuvo firme en su idea de que el color puro representaba «algo» en sí mismo.
Su primera exposición de cuadros monocromos tuvo lugar en el Club des Solitaires el 15 de octubre de 1955 y pasó prácticamente desapercibida. Expone cuadros monocromos de diferentes colores (naranja, verde, rojo, amarillo, azul, rosa) bajo el título «Yves, peintures». Para evitar cualquier toque personal, las obras se pintan con rodillo: «Ya en el pasado, había rechazado el pincel, demasiado psicológico, para pintar con el rodillo, más anónimo, y así intentar crear una «distancia», al menos intelectual, constante, entre el lienzo y yo, durante la ejecución. También en 1955, Claude Bellegarde expuso su serie de monocromos «période blanche» en la galería Studio Fachetti de París. Pierre Restany se interesa por la pintura monocroma y funda el grupo «Espaces Imaginaires» con Gianni Bertini, Hundertwasser, Bruning, Halpern y el escultor Delahaye. Entonces presentó a Bellegarde a Yves Klein, que ya había empezado a producir y pintar sus propios monocromos.
A principios de 1956, Klein conoce a Pierre Restany en su segunda exposición titulada «Yves: propositions monochromes», que tuvo lugar del 21 de febrero al 7 de marzo de 1956 en la galería parisina de Colette Allendy. Con este crítico de arte estableció un intenso contacto, un entendimiento tácito, y esta relación se convirtió en una experiencia de «comunicación directa» que marcaría un punto de inflexión decisivo en la comprensión de su arte. En su prefacio, Pierre Restany explicó a los visitantes los antecedentes teóricos del nuevo concepto. El problema de trabajar con un solo color entró en la conciencia cultural de París. Klein se hizo famoso como «Yves le Monochrome». El 5 de junio de 1958, organizó su primer experimento público con «pinceles vivos» en el piso de Robert J. Godet, en la isla de Saint-Louis.
En otoño de 1956, creó el IKB, International Klein Blue, que para él es «la expresión más perfecta del azul» (véase más adelante) y el símbolo de la materialización de la sensibilidad individual, entre infinita e inmediata.
Del 2 al 12 de enero de 1957, su primera exposición en el extranjero, Proposte monocrome, epoca blu, se celebró en la Galerie Apollinaire de Milán, donde once monocromos IKB de idéntico tamaño (78 × 56 cm), pero de diferentes precios, fueron colgados a 20 cm de la pared mediante soportes para producir un efecto de saturación del espacio, uno de los cuales fue adquirido por Lucio Fontana. En mayo de 1957 se celebró una doble exposición en París, «Yves, Propositions monochromes» en la Galerie Iris Clert del 10 al 25 de mayo y «Pigment pur» en la Galerie Colette Allendy del 14 al 23 de mayo.
El 31 de mayo de 1957, la Galería Alfred Schmela (de) de Düsseldorf abrió sus puertas con la exposición Yves, Propositions monochromes, que más tarde se convirtió en el principal lugar de exposición del Grupo ZERO. De 1957 a 1959, realizó sus primeros relieves de esponja en Alemania para el vestíbulo del Teatro de Gelsenkirchen.
Del 4 de junio al 13 de julio de 1957, la exposición Monochrome Propositions de Yves Klein se presentó en la Gallery One de Londres. El 26 de junio, durante un debate organizado con Klein y Restany en el Instituto de Arte Contemporáneo, la polémica adquirió proporciones imprevistas. La prensa inglesa se hizo eco del escándalo causado por la exposición.
«Mis cuadros son ahora invisibles», declaró entonces. Y de hecho, su exposición de mayo de 1957 en la galería Colette Allendy incluía una sala completamente vacía titulada Espacios y volúmenes de sensibilidad pictórica inmaterial.
El 27 de octubre de 1960, en su piso del número 14 de la calle Campagne-Première de París, participa en la creación del Nouveau Réalisme, firmando la «Declaración Constitutiva del Nouveau Réalisme» con Pierre Restany, que la redactó, Arman, Raymond Hains, Martial Raysse, Daniel Spoerri, Jean Tinguely, Jacques Villeglé y François Dufrêne.
En abril de 1961, viajó por primera vez a Nueva York, donde sus monocromos IKB, que ya habían aparecido en la exposición New Forms – New Media celebrada en la Martha Jackson Gallery del 6 al 24 de junio y del 28 de septiembre al 22 de octubre de 1960, se mostraron del 11 al 29 de abril en la exposición Yves Klein le Monochrome de la Leo Castelli Gallery.
Tras la mala acogida de sus obras, tanto por parte de la crítica como de los artistas estadounidenses en sus conferencias, escribió su Manifiesto del Hotel Chelsea para justificar su enfoque. Del 29 de mayo al 24 de junio de 1961, su exposición se presentó también en la Dwan Gallery de Los Ángeles.
El 21 de enero de 1962, Yves Klein se casó con una joven artista alemana, Rotraut Uecker, a la que había conocido en casa de Arman en 1958, y que era hermana de uno de los miembros fundadores del Grupo ZERO, con el que mantenía una estrecha relación desde 1958.
A la ceremonia nupcial, orquestada por el artista en la iglesia de Saint-Nicolas des Champs de París, le sigue un seto de honor formado a la salida de la iglesia por caballeros de la Orden de los Arqueros de San Sebastián y, a continuación, una recepción en La Coupole, donde se sirve un cóctel azul a los invitados, la recepción termina en el estudio de Larry Rivers.
Klein murió de un ataque al corazón el 6 de junio de 1962, dos meses antes del nacimiento de su hijo, el 6 de agosto. La primera vez que cayó enfermo fue el 12 de mayo de 1962, tras la proyección de la película Mondo cane, de Paolo Cavara y Gualtiero Jacopetti, en el Festival de Cannes: Klein fue calificado de «pintor checoslovaco», y una de sus representaciones públicas de «antropometría de la época azul», realizada para esta película los días 17 y 18 de julio de 1961, insertada en una sucesión de secuencias asombrosas, fue ridiculizada y desvirtuada.
Yace en el cementerio de La Colle-sur-Loup, en los Alpes Marítimos.
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Monocromo
Inspirado por el cielo que había firmado con su nombre en la playa de Niza en 1946, quiso pintar un espacio de color infinito: el «mundo del color puro».
Yves Klein pintaba monocromos porque prefería la expresión de la sensibilidad a la figuración de la forma: «Para pintar el espacio, tengo que ir allí, a ese mismo espacio. Sin trucos ni artimañas, ni en avión, ni en paracaídas, ni en cohete: debe ir por sí mismo, con una fuerza individual autónoma, en una palabra, debe ser capaz de levitar» y «Nunca por medio de la línea se ha podido crear una cuarta, quinta o cualquier otra dimensión en la pintura; sólo el color puede intentar esta hazaña».
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Azul Klein Internacional
En 1956, con la ayuda del comerciante de colores parisino Édouard Adam y de un químico de Rhône-Poulenc, utilizó un medio de fijación (con una resina sintética llamada Rhodopas) que se encoge al secarse, dejando así al descubierto el pigmento puro. El azul ultramarino se percibe así en toda su identidad original, mientras que los aglutinantes tradicionales utilizados para fijar los pigmentos en el soporte alteran siempre su brillo.
En 1957, eligió pintar en azul porque, en su opinión, era el color más abstracto: «El azul no tiene dimensión, no tiene dimensión, mientras que los otros colores sí la tienen. Todos los colores llevan a asociaciones concretas de ideas, mientras que el azul nos recuerda como mucho el mar y el cielo, las cosas más abstractas de la naturaleza tangible y visible», refiriéndose así también al vacío, ya que fomenta la imaginación.
En mayo de 1957, Yves Klein celebró el advenimiento de la «era azul» con la doble exposición Propositions monochromes en París, anunciada mediante el envío de tarjetas postales azules canceladas con sellos IKB que Klein había conseguido que los servicios postales aceptaran, con su primer cuadro de fuego compuesto por un monocromo azul sobre el que se fijaron 16 luces de Bengala en la galería Colette Allendy y una suelta de 1.001 globos la noche de la inauguración en la galería Iris Clert. Este gesto, que Klein calificaría más tarde de «escultura aerostática», se reproduciría 50 años después en la plaza del Centro Beaubourg, con motivo de la clausura de la exposición que le dedicó el Museo Nacional de Arte Moderno en 2006-2007.
El 19 de mayo de 1960, Yves Klein registró la fórmula de su invento en el Institut national de la propriété industrielle (INPI), con el sobre Soleau nº 63 471, que denominó IKB, «International Klein Blue». Describe el aglutinante, compuesto por una original pasta fluida que sustituye al óleo tradicionalmente utilizado en la pintura y que fija el pigmento azul ultramar.
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Esculturas de esponja y relieves de esponja
Yves Klein comenzó utilizando esponjas naturales en su obra antes de optar definitivamente por la pintura a rodillo a partir de 1956. En 1957 dijo que la extraordinaria capacidad de la esponja para impregnarse de cualquier líquido le sedujo. Se fijó en la belleza del azul de la esponja y este instrumento de trabajo se convirtió en una materia prima para él.
A partir de entonces trabajó en sus primeros relieves en esponja, estudios para el proyecto del vestíbulo del Teatro de Gelsenkirchen. De 1957 a 1959, Klein se vio inmensamente estimulado en la expansión de sus actividades por su colaboración en la construcción del teatro de Gelsenkirchen. La música, el teatro y la idea de la obra de arte total fueron impulsos decisivos para él, que trabajaba en relieves de esponja de dimensiones poco habituales en la época. La inauguración del teatro en diciembre de 1959 marcó el triunfo oficial de la «monocromía». Todo el espacio se pintó de azul Klein. Según Klein, consiguió que el espacio interior se convirtiera en un lugar de encanto mágico para el público.
Más tarde creó los Relieves de esponja y las Esculturas de esponja, que pretendían representar a los espectadores de sus obras, impregnados por la intensidad del azul IKB. En 1958 dijo: «Gracias a las esponjas, materia viva y salvaje, iba a poder hacer retratos de los lectores de mis monocromos que, después de haber visto, después de haber viajado en el azul de mis cuadros, vuelven totalmente impregnados de sensibilidad como esponjas».
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Intangible
En 1958, pintó de blanco las paredes de la galería parisina Iris Clert en el marco de la «Exposition du Vide» (La especialización de la sensibilidad a la materia prima en la sensibilidad pictórica estabilizada, Le Vide). Las «Antropometrías», grabados de cuerpos femeninos desnudos recubiertos de azul sobre lienzo blanco, aparecieron en 1960. Numerosas «Antropometrías» fueron filmadas como hechos reales y pueden verse en algunos museos (Centro Pompidou entre otros).
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Hacia una unión de la vanguardia internacional
Tras su exposición «Proposition monocrome, Époque bleue» en la Galería Apollinaire de Milán en enero de 1957, el antiguo pintor Alfred Schmela (de) decidió exponer a Yves Klein en mayo de 1957 con motivo de la inauguración de su galería en Düsseldorf, en un momento en el que el clima general seguía siendo el del expresionismo abstracto y, más concretamente en Europa, el de la tendencia al arte informal conocida como abstracción lírica. Esta galería pronto se convirtió en el lugar principal de la orquestación del Grupo ZERO, fundado por Heinz Mack, Otto Piene y Günther Uecker, con cuya hermana Rotraut Klein se casó cuatro meses y medio antes de su muerte, el 21 de enero de 1962.
Klein fue uno de los primeros franceses que expusieron en Alemania en la posguerra, cuando ambos países estaban sumidos en una total ausencia de comunicación e intercambio artístico. De hecho, Heinz Mack ya había visitado a Yves Klein en su estudio de París a finales de 1955, durante el cual también conoció a Jean Tinguely, que más tarde se involucraría en el Grupo ZERO. A finales de la década de los 50, Klein viajó con frecuencia a Alemania, sobre todo por los trabajos que realizó para la Ópera de Gelsenkirchen. Poco a poco, se fueron forjando vínculos con el grupo de Düsseldorf, al que se sentía cada vez más cercano. Klein llegó a exponer con los artistas alemanes por primera vez en abril de 1958 en su séptima «exposición de una noche». Ese mismo año, Piero Manzoni, que también estaba muy interesado en la obra de Klein y Lucio Fontana, que había visto en Milán, viajó a los Países Bajos, donde entró en contacto con los futuros artistas holandeses del Grupo NUL, cercanos a ZERO, encabezados por Herman de Vries, Jan Schoonhoven (nl), Armando (nl), Jan Henderikse (nl) y Henk Peeters (en).
Esta red internacional de las Vanguardias europeas fue tomando forma hasta la primavera de 1959, cuando Tinguely organizó la exposición «Motion in Vision – Vision in Motion» en Amberes. Esta fue la exposición unificadora del grupo, que reunió a Bury, Mack, Manzoni, Piene, Soto, Spoerri y Klein, entre otros, que actuó declarando que su única presencia física en el lugar asignado era la obra correspondiente a su aportación. Fue aquí donde pronunció las ya famosas palabras de Gaston Bachelard: «Primero no hay nada, luego hay una nada profunda, luego una profundidad azul».
Se creó el movimiento CERO. A partir de entonces, se celebraron numerosas exposiciones colectivas que reunieron a los círculos artísticos de las cuatro principales ciudades: Ámsterdam, Düsseldorf, Milán y París, en particular la celebrada en el Stedelijk Museum de Ámsterdam en marzo de 1962, en la que Klein, que no estaba de acuerdo con el título «Monochromes», se negó a participar, y luego otra en 1965, en la que estuvo representado post-mortem, así como Yayoi Kusama y los miembros del grupo japonés Gutai, pioneros de la performance contemporánea, a los que Klein había introducido previamente en los demás movimientos de la red. A partir de principios de los años sesenta, Lucio Fontana llegó a exponer en compañía de esta joven generación, que, fortalecida por su trabajo como teórico, lo veía como un padre espiritual. Su participación en el movimiento ZERO supuso, en cierto modo, la consagración del grupo, o al menos un importante apoyo de esta figura, que en aquel momento ya era reconocida en el arte contemporáneo.
«No es casualidad que individualidades artísticas tan fuertes como Manzoni, Klein y Piene se unan y trabajen juntas. El sustrato de este fenómeno es una intuición común que subyace en sus relaciones personales y en sus investigaciones.
Sin embargo, las muertes similares por infarto de Klein, líder del Nuevo Realismo, en junio de 1962, y 8 meses más tarde de Manzoni, precursor del Arte Povera teorizado en 1967, dos de los tres principales teóricos de esta nueva vanguardia internacional junto a Heinz Mack, dificultarían gravemente esta incipiente colaboración europea; mientras que el Grupo NUL holandés se disolvería tras la gran exposición de todos estos movimientos organizada en 1965 en el Stedelijk Museum. En 2015, el Stedelijk Museum organizó una exposición retrospectiva para celebrar el 50 aniversario de esta histórica exposición, titulada ZERO, Let Us Explore the Stars.
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Su relación con el cuerpo
El enfoque de Yves Klein no puede entenderse sin el bagaje de autodisciplina, comunicación intuitiva y dominio del cuerpo que supone el judo. Klein tenía una relación muy especial con el cuerpo en su actividad artística. Esta relación se sitúa en varios niveles:
En primer lugar, la presencia de cuerpos desnudos (la gran mayoría de ellos femeninos) en su estudio es necesaria para la creación de sus monocromos con su color azul IKB. Utiliza esta desnudez para, según él, «estabilizar el material pictórico» (extracto de Dimanche). Suele decir: «Esta carne, por tanto, presente en el estudio, me estabilizó durante mucho tiempo durante la iluminación provocada por la ejecución de los monocromos».
No pintaba a partir de un modelo como los artistas figurativos, sino en su compañía, lo que, según él, le hacía sentir: «una atmósfera bondadosa», «un clima sensual», o «un clima emocional puro». Este sentimiento se hace explícito en una de las citas de Klein en la que lo describe: «¡Mis modelos se reían mucho al verme ejecutar tras ellas espléndidos monocromos azules bien combinados! Se reían, pero cada vez se sentían más atraídos por el azul.
Klein pronto se dio cuenta de que su mera presencia en su estudio era insuficiente. Incluso si, según él, impregnaron la atmósfera que crearon en los monocromos, esta impregnación sería aún más exitosa si los propios modelos pintaran el monocromo.
Siguieron estas obras, calificadas de «antropometrías», en las que el cuerpo, esta vez en la pintura, desempeñaba el mismo papel de «estabilizador» de la materia pictórica. El 5 de junio de 1958 se organizó una primera sesión pública (en pequeño grupo) en casa de Robert Godet. Esta sesión se mantuvo en continuidad con los monocromos, pero constituyó la segunda etapa de la evolución del cuerpo en su arte. Durante esta sesión, una única modelo femenina actúa como un «pincel vivo» sobre el lienzo, con su cuerpo recubierto de color. La modelo se arrastró sobre la hoja de papel en el suelo bajo la mirada de Yves Klein, que la dirigió y la invitó a repasar las zonas en las que aún no se había aplicado la pintura. Todos los movimientos del modelo han sido ensayados de antemano y Klein se cede la iniciativa a sí mismo o al modelo, según sus diversos escritos.
Klein se refiere a este ejercicio como «colaboración». Esta palabra está muy presente y se repite en estos textos como una obsesión. Dice: «Nunca los toqué, y por eso confiaron en mí y les gustó colaborar, y todavía les gusta colaborar de esta manera, con todo su cuerpo en mi pintura.
Dijo que veía «las »marcas del cuerpo» que aparecían en cada sesión, que desaparecían muy rápidamente porque todo tenía que volverse monocromo». Esta cita se refiere a su segunda actividad, el judo, donde podía observar las marcas corporales sudorosas de los judokas en las polvorientas colchonetas blancas durante los grandes combates, o un tipo de dibujo japonés hecho con huellas de pescado. Esta decisión de realizar las antropometrías se debe también a un acontecimiento de su tiempo que le marcó: las huellas de personas que quedaron en las paredes durante la explosión de Hiroshima, de las que también hará una antropometría. En este lienzo, se pueden observar varias huellas de cuerpos en movimiento
En esta relación de movimiento, Klein afirma que, en comparación con los figurativos, liberó a las modelos de desnudos femeninos, porque las dejó actuar en su obra, mientras que ellas crearon sus obras a partir de sus cuerpos inmóviles.
Sólo los monocromos creados con pinceles vivos no permitían percibir la presencia de la carne. Por ello, Klein desarrolló progresivamente el procedimiento de dejar huellas de un modelo en un soporte. Tras varios intentos, consideró que había perfeccionado esta técnica y se la presentó a Restany. El 23 de febrero de 1960, ante el crítico acompañado por un director de museo, una modelo, cuyo busto, vientre y muslos habían sido embadurnados con pintura azul, imprimió su cuerpo coloreado en hojas de papel colocadas en el suelo. Fue en esta sesión donde Restany acuñó el término «antropometrías del periodo azul». Klein organizó una velada en la Galerie Internationale d»Art Contemporain de París el 9 de marzo de 1960, a la que asistieron un centenar de invitados entre artistas, críticos, amantes del arte y coleccionistas.
Klein, vestido de noche, dio una señal a los nueve músicos que estaban a su lado para que comenzaran la Sinfonía Monótona-Silencio, compuesta por él mismo en 1949, una única nota continua de veinte minutos seguida de veinte minutos de silencio. Durante este tiempo, tres mujeres comienzan a embadurnarse los pechos, el estómago y los muslos con pintura azul. A continuación, realizan diversas antropometrías, la más conocida de las cuales se titula «Antropometría del periodo azul» (ANT 100), de 1960. Ensayó, organizó la puesta en escena, invitó a fotógrafos y camarógrafos que conocía y controló la distribución de las imágenes. Sin embargo, aunque creía hacer todo lo posible para que sus nuevas técnicas fueran claras, surgieron malentendidos y a algunos les pareció masoquista u obsceno.
También creó la serie de «retratos-relieves», calcos a tamaño natural de otros miembros del Nuevo Realismo, pintados en azul IKB y colocados sobre un panel dorado, que no tuvo tiempo de completar, o utilizó estatuillas de yeso de esculturas famosas, como la Victoria de Samotracia y la Venus de Milo pintadas en IKB.
Posteriormente, diversificó sus métodos y diferenció entre antropometría estática y dinámica. Al crear los «estáticos», el cuerpo de la mujer se coloca simplemente como un sello en el soporte y deja su huella. Estos grabados estáticos de mujeres y, a veces, de hombres, a menudo se agrupaban para formar, si no una composición, al menos un conjunto. Las antropometrías realizadas sobre telas se refieren a un objeto de culto que es la Sábana Santa.
En las imágenes en negativo, como «Hiroshima», la pintura se proyecta y el cuerpo de la modelo se utiliza como plantilla. La antropometría dinámica consiste en hacer que un modelo se arrastre por el soporte, dejando un rastro dinámico. También ha invitado a varios modelos a simular una batalla en la que los cuerpos ya no son tan distintos. El propio proceso se concibe como un ritual. Es un ritual de paso del lienzo blanco a la carne: «fue la propia carne la que aplicó el color al soporte bajo mi dirección» y luego de la carne a lo invisible. Al reutilizar el azul IKB, reutiliza el color, reutiliza el espacio conquistado por lo inmaterial y evita el parecido con el rosa. Klein también opta por no representar las manos por las siguientes razones: «Las manos no deberían estar impresas, ya que esto habría dado un humanismo chocante a las composiciones que buscaba». «Por supuesto, todo el cuerpo está hecho de carne, pero la masa esencial es el tronco y los muslos. Aquí es donde el universo real queda oculto por el universo de la percepción. (esta visión es similar a las nociones japonesas de Katas y Hara).
A principios de 1961, Klein realizó la serie Fire Paintings (Pinturas de fuego), en la que pretendía imprimir las huellas del fuego en diversos soportes. Alberto Burri ya había utilizado la fuerza de este elemento en 1954-1955 en su serie Combustioni, que consistía en capas quemadas de plástico. Fue en el centro de pruebas de Gaz de France en Plaine-Saint-Denis, donde se le proporcionó equipo industrial, donde aprendió a dominar el fuego y a realizar ajustes precisos para utilizar sus diferentes grados de potencia.
En estas Pinturas de fuego, al igual que en las Cosmogonías, grabados de lluvia y viento sobre lienzo, que realizó a partir de 1960, el artista convoca a los elementos de la naturaleza para que manifiesten su fuerza creativa. Pero aquí combinó el elemento natural con el cuerpo, ya que las Pinturas de fuego se realizaron con la ayuda de modelos desnudos que Klein utilizó a su vez. Humedece el soporte alrededor del cuerpo para determinar qué partes quedarán en reserva y completa los trazos de fuego con huellas de pintura. Mezclando así las dos técnicas, Klein jugó con la plenitud y el vacío de las formas trazadas alternativamente en negativo y en positivo.
Así, las huellas de los cuerpos de las mujeres se revelaron bajo la acción del fuego. Las antropometrías sirven, pues, de paso de lo visible a lo invisible, de lo material a lo espiritual y de lo carnal a lo divino. Lo hacen ante la espectacular ausencia del artista.
En sus Cosmogonías, el artista sometió el lienzo a la intemperie en el techo de su coche mientras viajaba. En colaboración con los arquitectos Claude Parent y Werner Ruhnau, imagina en sus Architectures de l»air vastas construcciones con techos mantenidos en levitación por aire pulsado, destinadas a mantener un ambiente templado y controlado, donde el hombre, como en un Edén redescubierto, ya no estaría sujeto a los caprichos del clima.
También pintó relieves planetarios de yeso de Francia y globos terráqueos en IKB, encantado de saber que la Tierra debía parecer azul desde el espacio.
Tres meses antes de su muerte, la exposición «Antagonismes II: l»objet», presentada el 7 de marzo de 1962 en el Musée des Arts Décoratifs, exhibía maquetas de la Architecture de l»air y del Rocket pneumatique realizadas con la ayuda del diseñador Roger Tallon. En un diorama, una lluvia simulada es desviada por una hoja de aire, mientras que el cohete, una especie de pequeña nave espacial movida por la pulsación del aire, está destinado a desaparecer en el vacío del espacio.
El fuego, el aire, el agua y la tierra -los cuatro elementos de la tierra- se ponen así en práctica. Pero la muerte prematura del artista interrumpió sus investigaciones y experimentos sobre la arquitectura del aire y sobre el tema de la exploración espacial.
El azul no es el único color presente en las antropometrías, que pueden ser diferentes como en una de estas primeras antropometrías, la ANT121, fechada hacia 1960, que es dorada sobre fondo negro. Los monocromos dorados denominados Monogold se componen esencialmente de pan de oro, que representa el acceso a lo inmaterial, lo absoluto y la eternidad. Klein también pintó monocromos rosas llamados Monopink.
Afirma, para sus antropometrías creadas con fuego, que «el fuego es azul, dorado y rosa también. Son los tres colores básicos de la pintura monocroma, y para mí es un principio explicativo universal, una explicación del mundo. Los tres colores básicos del azul, el dorado y el rosa en su obra también se articulan perfectamente en el fuego. De hecho, cuando se observa el color de una llama, se pueden ver claramente estos tres colores.
Creó varios trípticos utilizando estos tres colores primarios y también los reunió en esculturas como Ci-git l»Espace (MNAM, París), que consiste en una losa funeraria cubierta con hojas de oro, una corona hecha de esponja IKB y rosas. Por último, su obra Ex-voto, creada para el santuario de Rita en Cascia, será la conclusión de su trabajo, reuniendo todas sus ideas en una sola obra compuesta por sus tres colores, rosa, azul y oro.
Yves Klein es, por su obra y su postura, una de las grandes figuras del arte contemporáneo francés e internacional. Se adelantó a su tiempo y fue consciente de la radicalidad de su postura. Abrió el arte a lo inmaterial. Para él, el oro, el rosa y el azul son un mismo color y forman una completa «trilogía cromática».
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Catálogos de exposiciones individuales
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Enlaces externos
Fuentes
