Robert Rauschenberg

Resumen

Milton Ernest «Robert» Rauschenberg (22 de octubre de 1925 – 12 de mayo de 2008) fue un pintor y artista gráfico estadounidense cuyas primeras obras anticiparon el movimiento del arte pop. Rauschenberg es conocido por sus Combines (1954-1964), un grupo de obras que incorporaban objetos cotidianos como materiales artísticos y que difuminaban las distinciones entre pintura y escultura. Rauschenberg fue pintor y escultor, pero también trabajó con la fotografía, el grabado, la fabricación de papel y la performance.

Rauschenberg recibió numerosos premios durante sus casi 60 años de carrera artística. Entre los más destacados están el Gran Premio Internacional de Pintura de la 32ª Bienal de Venecia en 1964 y la Medalla Nacional de las Artes en 1993.

Rauschenberg vivió y trabajó en la ciudad de Nueva York y en la isla de Captiva, Florida, hasta su muerte el 12 de mayo de 2008.

Rauschenberg nació como Milton Ernest Rauschenberg en Port Arthur, Texas, hijo de Dora Carolina (de soltera Matson) y Ernest R. Rauschenberg. Su padre era de ascendencia alemana y cherokee y su madre de ascendencia holandesa. Su padre trabajaba para Gulf States Utilities, una empresa de luz y electricidad. Sus padres eran cristianos fundamentalistas. Tenía una hermana menor llamada Janet Begneaud.

A los 18 años, Rauschenberg fue admitido en la Universidad de Texas en Austin, donde comenzó a estudiar farmacología, pero abandonó poco después debido a la dificultad de los cursos -sin darse cuenta en ese momento de que era disléxico- y a su falta de voluntad para disecar una rana en clase de biología. En 1944 fue reclutado por la Marina de los Estados Unidos. Con base en California, sirvió como técnico neuropsiquiátrico en un hospital de la Marina hasta su baja en 1945 o 1946.

Posteriormente, Rauschenberg estudió en el Instituto de Arte de Kansas City y en la Académie Julian de París, Francia, donde conoció a su compañera de estudios Susan Weil. En 1948, Rauschenberg se unió a Weil para matricularse en el Black Mountain College de Carolina del Norte.

En Black Mountain, Rauschenberg buscó a Josef Albers, fundador de la Bauhaus en Alemania, sobre el que había leído en un número de agosto de 1948 de la revista Time. Esperaba que los rigurosos métodos de enseñanza de Albers pudieran frenar su habitual dejadez. Los cursos preliminares de diseño de Albers se basaban en una estricta disciplina que no permitía ninguna «experimentación no influenciada».

Rauschenberg se convirtió, según sus propias palabras, en «el zopenco de Albers, el ejemplo más destacado de lo que no hablaba». Aunque Rauschenberg consideraba a Albers su maestro más importante, encontró una sensibilidad más compatible en John Cage, un compositor establecido de música de vanguardia. Al igual que Rauschenberg, Cage se había alejado de las disciplinarias enseñanzas de su instructor, Arnold Schönberg, en favor de un enfoque más experimental de la música. Cage proporcionó a Rauschenberg el apoyo y el estímulo que tanto necesitaba durante los primeros años de su carrera, y ambos siguieron siendo amigos y colaboradores artísticos durante décadas.

De 1949 a 1952, Rauschenberg estudió con Vaclav Vytlacil y Morris Kantor en la Art Students League de Nueva York, donde conoció a sus compañeros Knox Martin y Cy Twombly.

Rauschenberg se casó con Susan Weil en el verano de 1950 en la casa de la familia Weil en Outer Island, Connecticut. Su único hijo, Christopher, nació el 16 de julio de 1951. Los dos se separaron en junio de 1952 y se divorciaron en 1953. A partir de entonces, Rauschenberg mantuvo relaciones sentimentales con sus compañeros Cy Twombly y Jasper Johns, entre otros. Su pareja durante los últimos 25 años de su vida fue el artista Darryl Pottorf,

En los años 70 se trasladó a NoHo, en Manhattan, en la ciudad de Nueva York.

Rauschenberg compró la Beach House, su primera propiedad en la isla de Captiva, el 26 de julio de 1968. Sin embargo, la propiedad no se convirtió en su residencia permanente hasta el otoño de 1970.

Rauschenberg murió de un fallo cardíaco el 12 de mayo de 2008, en la isla de Captiva (Florida).

El enfoque de Rauschenberg se denominó a veces «neodadaísta», una etiqueta que compartía con el pintor Jasper Johns. Rauschenberg declaró célebremente que «la pintura se relaciona tanto con el arte como con la vida», y que quería trabajar «en la brecha entre ambos». Al igual que muchos de sus predecesores dadaístas, Rauschenberg cuestionaba la distinción entre objetos artísticos y objetos cotidianos, y su uso de materiales ready-made retomaba las cuestiones intelectuales planteadas por la Fuente de Marcel Duchamp (1917). La influencia dadaísta de Duchamp también puede observarse en las pinturas de Jasper Johns de dianas, números y banderas, que eran símbolos culturales familiares: «cosas que la mente ya conoce».

En el Black Mountain College, Rauschenberg experimentó con diversos medios artísticos, como el grabado, el dibujo, la fotografía, la pintura, la escultura y el teatro; sus obras solían presentar alguna combinación de ellos. Creó sus pinturas Night Blooming (1951) en Black Mountain presionando guijarros y grava con pigmento negro sobre lienzo. Ese mismo año realizó planos de cuerpo entero en colaboración con Susan Weil en su apartamento de Nueva York, que «esperan convertir en diseños de pantallas y papeles pintados».

Desde el otoño de 1952 hasta la primavera de 1953, Rauschenberg viajó a Italia y al norte de África con su compañero y artista Cy Twombly. Allí creó collages y pequeñas esculturas, como las Scatole Personali y Feticci Personali, a partir de materiales encontrados. Las expuso en galerías de Roma y Florencia. Para sorpresa de Rauschenberg, algunas de las obras se vendieron; muchas de las que no se vendieron las tiró al río Arno, siguiendo la sugerencia de un crítico de arte que reseñó su exposición.

A su regreso a Nueva York en 1953, Rauschenberg comenzó a crear esculturas con materiales encontrados en su barrio del Bajo Manhattan, como chatarra, madera y cordeles. A lo largo de la década de 1950, Rauschenberg se mantuvo diseñando escaparates para Tiffany & Co. y Bonwit Teller, primero con Susan Weil y más tarde en colaboración con Jasper Johns bajo el seudónimo de Matson Jones.

En un famoso incidente citado de 1953, Rauschenberg solicitó un dibujo al pintor expresionista abstracto Willem de Kooning con el propósito expreso de borrarlo como declaración artística. Esta obra conceptual, titulada Erased de Kooning Drawing (Dibujo borrado de Kooning), fue ejecutada con el consentimiento del artista mayor.

En 1961, Rauschenberg exploró un enfoque conceptual similar al presentar una idea como obra de arte en sí misma. Fue invitado a participar en una exposición en la Galerie Iris Clert de París, en la que los artistas debían presentar retratos de Clert, la galerista. La presentación de Rauschenberg consistió en un telegrama en el que declaraba: «Esto es un retrato de Iris Clert, si yo lo digo».

En 1962, los cuadros de Rauschenberg empezaron a incorporar no sólo objetos sino también imágenes encontradas. Tras una visita al estudio de Andy Warhol ese año, Rauschenberg comenzó a utilizar un proceso de serigrafía, normalmente reservado a los medios comerciales de reproducción, para transferir fotografías al lienzo. Las serigrafías realizadas entre 1962 y 1964 llevaron a los críticos a identificar la obra de Rauschenberg con el arte pop.

Rauschenberg había experimentado con la tecnología en sus obras de arte desde la realización de sus primeros Combines a mediados de la década de 1950, donde a veces utilizaba radios, relojes y ventiladores eléctricos en funcionamiento como materiales escultóricos. Más tarde, exploró su interés por la tecnología mientras trabajaba con el científico investigador de los Laboratorios Bell, Billy Klüver. Juntos realizaron algunos de los experimentos más ambiciosos de Rauschenberg basados en la tecnología, como Soundings (1968), una instalación de luz que respondía al sonido ambiente. En 1966, Klüver y Rauschenberg lanzaron oficialmente Experiments in Art and Technology (E.A.T.), una organización sin ánimo de lucro creada para promover la colaboración entre artistas e ingenieros.

En 1969, la NASA invitó a Rauschenberg a presenciar el lanzamiento del Apolo 11. En respuesta a este acontecimiento histórico, Rauschenberg creó su serie de litografías Stoned Moon. Para ello, combinó diagramas y otras imágenes de los archivos de la NASA con sus propios dibujos y textos manuscritos.

A partir de 1970, Rauschenberg trabajó desde su casa y su estudio en Captiva, Florida. Las primeras obras que creó en su nuevo estudio fueron Cartones (1971-72) y Primeros egipcios (1973-74), para las que utilizó materiales locales como el cartón y la arena. Mientras que sus obras anteriores solían resaltar la imaginería y los materiales urbanos, Rauschenberg favorecía ahora el efecto de las fibras naturales que se encuentran en la tela y el papel. Imprimió sobre telas utilizando su técnica de transferencia de disolventes para hacer el Hoarfrost (este último presentaba grandes extensiones de tela collageada sobre paneles de madera. Rauschenberg creó su serie Jammer (1975-76) con telas de colores inspiradas en su viaje a Ahmedabad, India, una ciudad famosa por sus tejidos. La simplicidad sin imágenes de la serie Jammer contrasta con las Hoarfrosts, llenas de imágenes, y con el carácter arenoso de sus primeras obras realizadas en Nueva York.

Los viajes internacionales se convirtieron en una parte fundamental del proceso artístico de Rauschenberg a partir de 1975. En 1984, Rauschenberg anunció el inicio de su Rauschenberg Overseas Culture Interchange (ROCI) en las Naciones Unidas. Financiado casi en su totalidad por el artista, el proyecto ROCI consistía en una gira de siete años por diez países de todo el mundo. Rauschenberg tomó fotografías en cada lugar y realizó obras de arte inspiradas en las culturas que visitó. Las obras resultantes se presentaban en una exposición local en cada país. Rauschenberg solía donar una obra a una institución cultural local.

A partir de mediados de la década de 1980, Rauschenberg se centró en la serigrafía de imágenes sobre una variedad de metales tratados de forma diferente, como el acero y el aluminio espejado. Creó muchas series de las llamadas «pinturas metálicas», entre ellas: Borealis (1988-92), Urban Bourbons (1988-1996), Phantoms (1991) y Night Shades (1991). Además, a lo largo de la década de 1990, Rauschenberg continuó utilizando nuevos materiales sin dejar de trabajar con técnicas más rudimentarias. Como parte de su compromiso con las últimas innovaciones tecnológicas, en su última serie de pinturas transfirió imágenes fotográficas digitales de inyección de tinta a diversos soportes de pintura. Para su obra Arcadian Retreats (1996) transfirió las imágenes a un fresco húmedo. De acuerdo con su compromiso con el medio ambiente, Rauschenberg utilizó tintes y pigmentos biodegradables, y agua en lugar de productos químicos en el proceso de transferencia.

Las Pinturas Blancas, las Pinturas Negras y las Pinturas Rojas

En 1951, Rauschenberg creó su serie White Painting en la tradición de la pintura monocromática establecida por Kazimir Malevich, que redujo la pintura a sus cualidades más esenciales para una experiencia de pureza estética e infinidad. Las White Paintings se expusieron en la Stable Gallery de Eleanor Ward en Nueva York en otoño de 1953. Rauschenberg utilizó pintura blanca de uso cotidiano y rodillos de pintura para crear superficies lisas y sin adornos que, al principio, parecen lienzos en blanco. Sin embargo, en lugar de percibirlas como carentes de contenido, John Cage describió las White Paintings como «aeropuertos para las luces, las sombras y las partículas»; superficies que reflejaban los delicados cambios atmosféricos de la habitación.El propio Rauschenberg dijo que se veían afectadas por las condiciones ambientales, «de modo que casi se puede saber cuánta gente hay en la habitación».Al igual que las White Paintings, las pinturas negras de 1951-1953 se ejecutaron en múltiples paneles y fueron obras predominantemente monocolor. Rauschenberg aplicó pintura negra mate y brillante sobre fondos texturizados de papel de periódico sobre lienzo, dejando ocasionalmente el papel de periódico a la vista.

En 1953, Rauschenberg había pasado de las series Pintura blanca y Pintura negra al expresionismo exacerbado de su serie Pintura roja. Consideraba que el rojo era «el color más difícil» para pintar, y aceptó el reto goteando, pegando y exprimiendo capas de pigmento rojo directamente sobre lienzos que incluían telas estampadas, periódicos, madera y clavos. Las complejas superficies materiales de las Pinturas rojas fueron precursoras de la conocida serie Combine de Rauschenberg (1954-1964).

Combina

Rauschenberg recogía objetos desechados en las calles de Nueva York y los llevaba a su estudio, donde los integraba en su obra. Afirmaba que «quería algo distinto de lo que podía hacer yo mismo y quería utilizar la sorpresa y la colectividad y la generosidad de encontrar sorpresas. Así que el propio objeto cambió por su contexto y, por tanto, se convirtió en algo nuevo».

El comentario de Rauschenberg sobre la brecha entre el arte y la vida es el punto de partida para entender sus contribuciones como artista. Veía la belleza potencial en casi cualquier cosa; en una ocasión dijo: «Me da mucha pena la gente que piensa que cosas como las jaboneras o los espejos o las botellas de Coca-Cola son feas, porque están rodeados de cosas así todo el día, y eso debe hacerles sentir miserables». Su serie Combine dotó a los objetos cotidianos de un nuevo significado al introducirlos en el contexto de las bellas artes junto a los materiales de pintura tradicionales. Los Combines eliminaban los límites entre el arte y la escultura para que ambos estuvieran presentes en una sola obra de arte. Aunque «Combines» se refiere técnicamente a la obra de Rauschenberg de 1954 a 1964, Rauschenberg siguió utilizando objetos cotidianos como ropa, periódicos, desechos urbanos y cartones a lo largo de su carrera artística.

Sus piezas de transición que llevaron a la creación de Combines fueron Charlene (1954) y Collection (1954

En un principio, los críticos consideraban las Combines en términos de sus cualidades formales: color, textura y composición. La visión formalista de los años sesenta fue refutada posteriormente por el crítico Leo Steinberg, quien afirmó que cada Combine era «una superficie receptora en la que se dispersan los objetos, en la que se introducen datos». Según Steinberg, la horizontalidad de lo que él llamaba el «plano de la imagen de Rauschenberg» había sustituido a la verticalidad tradicional de la pintura, y posteriormente permitió las superficies de materialidad única de la obra de Rauschenberg.

Actuación y danza

Rauschenberg comenzó a explorar su interés por la danza tras mudarse a Nueva York a principios de la década de 1950. Su primer contacto con la danza de vanguardia y las artes escénicas fue en el Black Mountain College, donde participó en la pieza teatral nº 1 (1952) de John Cage, considerada a menudo como el primer Happening. Comenzó a diseñar decorados, iluminación y vestuario para Merce Cunningham y Paul Taylor. A principios de la década de 1960 participó en los experimentos radicales de danza-teatro en la Judson Memorial Church de Greenwich Village, y coreografió su primer espectáculo, Pelican (1963), para el Judson Dance Theater en mayo de 1963. Rauschenberg era muy amigo de los bailarines afiliados a Cunningham, como Carolyn Brown, Viola Farber y Steve Paxton, todos los cuales aparecen en sus obras coreografiadas. La relación a tiempo completo de Rauschenberg con la Merce Cunningham Dance Company terminó tras su gira mundial de 1964. En 1966, Rauschenberg creó el espectáculo Open Score para parte de 9 Evenings: Teatro e Ingeniería en el 69th Regiment Armory de Nueva York. La serie fue fundamental para la formación de Experiments in Art and Technology (E.A.T.).

En 1977, Rauschenberg, Cunningham y Cage volvieron a colaborar por primera vez en trece años para crear Travelogue (1977), para la que Rauschenberg contribuyó con los diseños de vestuario y escenografía. Rauschenberg dejó de coreografiar sus propias obras después de 1967, pero siguió colaborando con otros coreógrafos, como Trisha Brown, durante el resto de su carrera artística.

Comisiones

A lo largo de su carrera, Rauschenberg diseñó numerosos carteles en apoyo de causas que eran importantes para él. En 1965, cuando la revista Life le encargó la visualización de un moderno Infierno, no dudó en descargar su rabia contra la guerra de Vietnam y otros problemas sociopolíticos contemporáneos, como la violencia racial, el neonazismo, los asesinatos políticos y el desastre ecológico.

El 30 de diciembre de 1979, el Miami Herald imprimió 650.000 ejemplares de Tropic, su revista dominical, con una portada diseñada por Rauschenberg. En 1983, ganó un premio Grammy por el diseño del álbum Speaking in Tongues de Talking Heads. En 1986, BMW le encargó que pintara un BMW 635 CSi de tamaño natural para la sexta entrega del famoso BMW Art Car Project. El coche de Rauschenberg fue el primero del proyecto que incluía reproducciones de obras del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, así como sus propias fotografías.

En 1998, el Vaticano encargó a Rauschenberg una obra en honor del Jubileo del año 2000 para exponerla en el Aula Litúrgica del Padre Pío, en San Giovanni Rotondo (Italia). Trabajando en torno al tema del Juicio Final, Rauschenberg creó El Apocalipsis Feliz (1999), una maqueta de seis metros de largo. Finalmente fue rechazada por el Vaticano por considerar que la representación de Dios como una antena parabólica era una referencia teológica inapropiada.

Rauschenberg realizó su primera exposición individual en la Galería Betty Parsons en la primavera de 1951. En 1953, durante su estancia en Italia, Irene Brin y Gaspero del Corso se fijaron en él y organizaron su primera exposición europea en su famosa galería de Roma. En 1953, Eleanor Ward invitó a Rauschenberg a participar en una exposición conjunta con Cy Twombly en la Stable Gallery. En su segunda exposición individual en Nueva York, en la Charles Egan Gallery, en 1954, Rauschenberg presentó sus Red Paintings (1953-1953) y Combines (1954-1964). Leo Castelli organizó una exposición individual de Combines de Rauschenberg en 1958. La única venta fue la adquisición por parte del propio Castelli de Bed (1955), que ahora forma parte de la colección del Museo de Arte Moderno de Nueva York.

La primera retrospectiva de la carrera de Rauschenberg fue organizada por el Museo Judío de Nueva York en 1963. En 1964 se convirtió en uno de los primeros artistas estadounidenses en ganar el Gran Premio Internacional de Pintura de la Bienal de Venecia (Mark Tobey y James Whistler habían ganado anteriormente los premios de pintura en 1895 y 1958 respectivamente). La Colección Nacional de Bellas Artes (actual Museo Smithsoniano de Arte Americano) de Washington D.C. organizó una retrospectiva a mitad de carrera que viajó por todo Estados Unidos entre 1976 y 1978.

En la década de los noventa se celebró una retrospectiva en el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York (1997), que viajó a museos de Houston, Colonia y Bilbao hasta 1999. En el Metropolitan Museum of Art de Nueva York se presentó una exposición de Combines (que viajó al Museum of Contemporary Art de Los Ángeles, al Centre Georges Pompidou de París y al Moderna Museet de Estocolmo hasta 2007). La primera retrospectiva póstuma de Rauschenberg se montó en la Tate Modern (viajó al Museo de Arte Moderno de Nueva York y al Museo de Arte Moderno de San Francisco hasta 2017).

Otras exposiciones son: Robert Rauschenberg: Jammers, Gagosian Gallery, Londres ( A Visual Lexicon, Leo Castelli Gallery (Rauschenberg in China, Ullens Center for Contemporary Art, Beijing (y Rauschenberg: The 1

Rauschenberg creía firmemente en el poder del arte como catalizador del cambio social. El programa Rauschenberg Overseas Culture Interchange (ROCI) se inició en 1984 como un esfuerzo por suscitar el diálogo internacional y mejorar el entendimiento cultural a través de la expresión artística. En 1991 se presentó una exposición de ROCI en la National Gallery of Art, D.C., con la que concluyó una gira por diez países: México, Chile, Venezuela, China, Tíbet, Japón, Cuba, la R.S.U., Alemania y Malasia.

En 1970, Rauschenberg creó un programa llamado Change, Inc. para conceder subvenciones de emergencia únicas de hasta 1.000 dólares a artistas visuales en función de sus necesidades económicas. En 1990, Rauschenberg creó la Fundación Robert Rauschenberg (RRF) para promover la concienciación sobre las causas que le preocupaban, como la paz mundial, el medio ambiente y las cuestiones humanitarias. En 1986, Rauschenberg recibió el Golden Plate Award de la American Academy of Achievement. En 1993, el Presidente Bill Clinton le concedió la Medalla Nacional de las Artes. En el año 2000, Rauschenberg fue galardonado con el Premio a la Excelencia por la Contribución Artística a la Lucha contra el Sida de amfAR.

La RRF posee hoy muchas obras de Rauschenberg de todos los periodos de su carrera. En 2011, la fundación presentó La Colección Privada de Robert Rauschenberg en colaboración con la Galería Gagosian, con selecciones de la colección de arte personal de Rauschenberg. Los ingresos de la exposición ayudaron a financiar las actividades filantrópicas de la fundación. También en 2011, la fundación lanzó su proyecto «El artista como activista» e invitó al artista Shepard Fairey a centrarse en un tema de su elección. La obra editada que realizó se vendió para recaudar fondos para la Coalición para los Sin Techo. El FRR sigue apoyando a los artistas emergentes y a las organizaciones artísticas con becas y colaboraciones filantrópicas cada año. El FRR tiene varios programas de residencia que tienen lugar en la sede de la fundación en Nueva York y en la propiedad del difunto artista en Captiva Island, Florida.

En 2013, Dale Eisinger, de Complex, situó Open Score (1966) en el séptimo lugar de su lista de las mejores obras de arte de performance de todos los tiempos.

En 2010 Studio Painting (1960-61), uno de los Combines de Rauschenberg estimado originalmente entre 6 y 9 millones de dólares, fue comprado a la colección de Michael Crichton por 11 millones de dólares en Christie»s, Nueva York. En 2019, Christie»s vendió la pintura serigrafiada Buffalo II (1964) por 88,8 millones de dólares, pulverizando el récord anterior del artista.

Presionando por los derechos de reventa de los artistas

A principios de la década de 1970, Rauschenberg presionó al Congreso de Estados Unidos para que aprobara un proyecto de ley que compensara a los artistas cuando sus obras se revendieran en el mercado secundario. Rauschenberg emprendió su lucha por los derechos de reventa de los artistas después de que el barón del taxi Robert Scull vendiera parte de su colección de obras de arte expresionista abstracto y pop por 2,2 millones de dólares. Scull había comprado originalmente las pinturas de Rauschenberg Thaw (aproximadamente una década después, Scull vendió las piezas por 85.000 y 90.000 dólares en una subasta de 1973 en Sotheby Parke Bernet de Nueva York.

Los esfuerzos de Rauschenberg se vieron recompensados en 1976, cuando el gobernador de California, Jerry Brown, promulgó la Ley de Derechos de Reventa de 1976. Tras la victoria de California, el artista continuó con su empeño de legislar sobre los derechos de reventa en todo el país.

Fuentes

  1. Robert Rauschenberg
  2. Robert Rauschenberg
  3. ^ Marlena Donohue (November 28, 1997). «Rauschenberg»s Signature on the Century». Christian Science Monitor. Archived from the original on July 7, 2006. Rauschenberg»s mammoth career retrospective at the Solomon R. Guggenheim Museum (and other New York sites) from Sept. 19 to Jan. 7, 1998… along with longtime friends pre-Pop painter Jasper Johns and the late conceptual composer John Cage, Rauschenberg pretty much defined the technical and philosophic art landscape and its offshoots after Abstract Expressionism.
  4. ^ Franklin Bowles Galleries. «Robert Rauschenberg». FranlinkBowlesGallery.com. Archived from the original on 2007-08-21. Significantly, given his use of print media imagery, he was also the first living American artist to be featured by Time magazine on its cover.
  5. ^ «American Art Great Robert Rauschenberg Dies at 82». The Ledger. Archived from the original on May 19, 2008.
  6. Helmut Schneider: Zeichnungen von Robert Rauschenberg in Tübingen: Irgendwo zwischen Kunst und Leben. In: Die Zeit. 25. Mai 1979, ISSN 0044-2070 (zeit.de [abgerufen am 23. Februar 2020]).
  7. First Time Painting wurde in den 60er Jahren von Karl Ströher erworben, kam dann 1981 mit dem von der Stadt Frankfurt für das Museum für Moderne Kunst erworbenen Konvolut der Ströher Sammlung als Leihgabe an das MMK und wurde von den Ströher Erben schließlich an die Sammlung Marx verkauft.
  8. Peter Iden, Rolf Lauter: Bilder für Frankfurt. Bestandskatalog des Museums für Moderne Kunst. München 1985, S. 191f. ISBN 978-3-7913-0702-2
  9. ^ Explore Modern Art | Multimedia | Interactive Features | Robert Rauschenberg»s Erased de Kooning Drawing, su sfmoma.org, SFMOMA. URL consultato il 20 marzo 2011 (archiviato dall»url originale il 6 gennaio 2011).
  10. ^ Kristine Stiles & Peter Selz, Theories and Documents of Contemporary Art: A Sourcebook of Artists» Writings (Second Edition, Revised and Expanded by Kristine Stiles) University of California Press 2012, p. 453
  11. ^ Birmingham Museum of Art, Birmingham Museum of Art : guide to the collection, [Birmingham, Ala], Birmingham Museum of Art, 2010, p. 235, ISBN 978-1-904832-77-5.
  12. ^ Signs of the Times: Robert Rauschenberg’s America, su mmoca.org, Madison Museum of Contemporary Art. URL consultato il 27 gennaio 2012 (archiviato dall»url originale il 13 ottobre 2011).
  13. ^ The Daily Telegraph
  14. Il changea de prénom une fois adulte.
  15. Walter Hopps, Robert Rauschenberg: The Early 1950»s, (ISBN 0-940619-07-5)