Renæssancen

Mary Stone | september 25, 2022

Resumé

Renæssance, renæssance eller renæssancecentisme er udtryk for den periode i Europas historie, der går fra midten af det 14. århundrede til slutningen af det 16. århundrede. Forskere er dog ikke nået til enighed om denne kronologi, og der er betydelige variationer i datoerne afhængigt af forfatteren. Selv om ændringerne var tydelige i kultur, samfund, økonomi, politik og religion og karakteriserede overgangen fra feudalisme til kapitalisme og betød en udvikling fra middelalderlige strukturer, bruges udtrykket mere almindeligt til at beskrive dens virkninger på kunst, filosofi og videnskab.

Den blev kaldt renæssancen på grund af den intense revurdering af den klassiske oldtids referencer, som førte til en gradvis afbødning af den religiøse dogmatismes og mysticismens indflydelse på kultur og samfund, og til en samtidig voksende anerkendelse af rationalitet, videnskab og natur. I denne proces fik mennesket en ny værdighed og blev sat i centrum for skabelsen, og derfor fik den vigtigste tankestrøm i denne periode navnet humanisme.

Bevægelsen manifesterede sig først i den italienske region Toscana med byerne Firenze og Siena som hovedcentre, hvorfra den spredte sig til resten af den italienske halvø og derefter til praktisk talt alle lande i Vesteuropa, drevet af pressens udvikling og udbredelsen af kunstnere og værker. Italien har altid været det sted, hvor bevægelsen kom mest typisk til udtryk, men renæssanceudfoldelser af stor betydning fandt også sted i England, Frankrig, Tyskland, Holland og på Den Iberiske Halvø. Den internationale udbredelse af italienske referencer gav generelt en kunst, der var meget forskellig fra sine forbilleder og påvirket af regionale traditioner, og som for mange bedst kan defineres som en ny stil, manierismen. Begrebet renæssance blev første gang anvendt af Giorgio Vasari i det 16. århundrede, en historiker, der forsøgte at placere Firenze som hovedaktør for alle de vigtigste nyskabelser, og hans skrifter har haft en afgørende indflydelse på senere kritik.

I lang tid blev perioden i USA og Europa opfattet som en homogen, sammenhængende og altid progressiv bevægelse, som den mest interessante og frugtbare periode siden antikken, og en af dens faser, højrenæssancen, blev indviet som apotheosen på den forudgående lange søgen efter det mest sublime udtryk og den mest perfekte efterligning af klassikerne, og dens kunstneriske arv blev betragtet som et uovertruffent paradigme for kvalitet. Undersøgelser i de seneste årtier har imidlertid revideret disse traditionelle synspunkter, idet de har anset dem for at være ubegrundede eller stereotype, og har set perioden som langt mere kompleks, forskelligartet, modsætningsfyldt og uforudsigelig, end man havde antaget i generationer. Den nye konsensus, der har bidt sig fast, anerkender imidlertid renæssancen som en vigtig milepæl i Europas historie, som en fase med hurtige og relevante forandringer på mange områder, som en konstellation af kulturelle tegn og symboler, der definerede meget af det, Europa var indtil den franske revolution, og som stadig har stor indflydelse i mange dele af verden, både i akademiske kredse og i populærkulturen.

Humanismen kan fremhæves som den vigtigste værdi, der blev dyrket i renæssancen, baseret på begreber, der havde en fjern oprindelse i den klassiske antikke oldtid. Ifølge Lorenzo Casini var “et af renæssancens fundamenter den idé, at den klassiske oldtid var et uvurderligt forbillede, som den moderne tid, der var så dekadent og uværdig, kunne se på for at reparere den skade, der var sket siden Romerrigets fald”. Man forstod også, at Gud kun havde givet verden én sandhed, nemlig den, der havde skabt kristendommen, og som den alene havde bevaret i sin helhed, men at fragmenter af den var blevet givet til andre kulturer, hvoraf den græsk-romerske kultur var den vigtigste, og derfor blev det, der var tilbage af antikken i form af bibliografi og andre levn, værdsat højt.

Flere elementer bidrog til, at humanismen i sin mest typiske form opstod i Italien. Erindringen om Romerrigets storhed, der er bevaret i ruiner og monumenter, og latinskets overlevelse som et levende sprog er relevante aspekter. Grammatikere, kommentatorer, læger og andre lærde skrev værker, der holdt referencer til klassikismen i omløb, og jurister, sekretærer, notarer og andre embedsmænd skulle generelt lære latinsk retorik og lovgivning for at kunne forberede sig. Den klassiske arv var aldrig helt forsvundet for italienerne, og Toscana var stærkt forbundet med den. Men selv om der havde overlevet denne dyrkelse af klassikerne, var den ringe sammenlignet med den interesse, som de antikke forfattere havde vakt i Frankrig og andre nordiske lande i hvert fald siden det niende århundrede. Det var da den klassicistiske mode begyndte at gå ned i Frankrig i slutningen af det 13. århundrede, at den begyndte at blive mere og mere udbredt i det centrale Italien, og det ser ud til, at det til dels skyldtes fransk indflydelse. Petrarca (1304-1374) kaldes traditionelt humanismens grundlægger, men i betragtning af at der fandtes flere bemærkelsesværdige forløbere, såsom Giovanni del Virgilio i Bologna eller Albertino Mussato i Padova, var han snarere den første store eksponent for bevægelsen end en grundlægger.

Humanismen var mere end en filosofi, den var også en litterær bevægelse og en læringsmetode, der havde en bred vifte af interesser, hvor filosofien ikke var den eneste og måske ikke engang den dominerende. Den lagde større vægt på brugen af den individuelle fornuft og analysen af empiriske beviser, i modsætning til middelalderens skolastik, som grundlæggende var begrænset til at konsultere fortidens autoriteter, hovedsageligt Aristoteles og de tidlige kirkefædre, og diskutere forskellene mellem forfattere og kommentatorer. Humanismen har ikke forkastet disse kilder, og en ikke ubetydelig del af dens opbygning stammer fra middelalderens fundamenter, men den begyndte at genoverveje dem i lyset af nye sætninger og et væld af andre gamle tekster, der blev genopdaget. I Encyclopaedia Britannica beskrivelsen,

Humanismen blev konsolideret fra det 15. århundrede og fremefter, især gennem skrifter af Marsilio Ficino, Lorenzo Valla, Leonardo Bruni, Poggio Bracciolini, Erasmus af Rotterdam, Rudolph Agricola, Pico della Mirandola, Petrus Ramus, Juan Luis Vives, Francis Bacon, Michel de Montaigne, Bernardino Telesio, Giordano Bruno, Tommaso Campanella og Thomas More, som diskuterede forskellige aspekter af naturen, mennesket, det guddommelige og samfundet, kunst og tænkning, der omfatter et væld af referencer fra antikken, som er blevet bragt i omløb gennem hidtil ukendte tekster – græske, latinske, arabiske, jødiske, byzantinske og andre – og som repræsenterer så forskellige skoler og principper som neoplatonisme, hedonisme, optimisme, individualisme, skepsis, stoiskhed, epikurisme, hermetisme, antropocentrisme, rationalisme, gnosticisme, kabbalistik og mange andre. Samtidig med alt dette gjorde genoptagelsen af studiet af det græske sprog, som man i Italien helt havde opgivet, det muligt at genbehandle originale tekster af Platon, Aristoteles og andre forfattere, hvilket gav anledning til nye fortolkninger og mere præcise oversættelser, som ændrede det indtryk, man fik af deres tankegods. Men selv om humanismen var bemærkelsesværdig for sin indflydelse på etik, logik, teologi, retorik, retorik, poetik, kunst og humaniora, for arbejdet med at opdage, eksegese, oversætte og formidle klassiske tekster og for sit bidrag til renæssancens filosofi inden for moral og politisk filosofi, blev det meste af det specifikt filosofiske arbejde i perioden ifølge Smith og andre udført af filosoffer, der var uddannet i den gamle skolastiske tradition og tilhængere af Aristoteles, og af metafysikere, der var tilhængere af Platon.

Renæssancens strålende kulturelle og videnskabelige opblomstring placerede mennesket og dets logiske ræsonnement og videnskab som målestok for og mægler i det åbenbare liv. Dette gav anledning til optimisme, åbnede mennesket for det nye og opmuntrede dets forskningsånd. Udviklingen af en ny livsholdning lagde gotikkens overdrevne åndelighed bag sig og så den materielle verden med dens naturlige og kulturelle skønheder som et sted, der skulle nydes, med vægt på den individuelle erfaring og menneskets latente muligheder. Desuden gav de italienske demokratiske eksperimenter, kunstnerens voksende prestige som lærd og ikke blot som håndværker og en ny opfattelse af uddannelse, der værdsatte den enkeltes individuelle talenter og søgte at udvikle mennesket til et fuldstændigt og integreret væsen med det fulde udtryk af dets åndelige, moralske og fysiske evner, næring til nye følelser af social og individuel frihed.

Teorierne om perfektion og fremskridt blev diskuteret, og den forberedelse, som humanisterne anbefalede til dannelsen af det ideelle menneske, et menneske med krop og ånd, som på samme tid var filosof, videnskabsmand og kunstner, udvidede middelalderens undervisningsstruktur med tre- og firefagligheden og skabte i denne proces nye videnskaber og discipliner, et nyt koncept for undervisning og uddannelse og en ny videnskabelig metode. I denne periode blev forskellige videnskabelige instrumenter opfundet, forskellige naturlove og hidtil ukendte fysiske objekter blev opdaget, og selve planetens ansigt ændrede sig for europæerne efter de store navigationsopdagelser, der førte fysik, matematik, medicin, astronomi, filosofi, ingeniørvidenskab, filologi og forskellige andre vidensgrene op på et hidtil uset niveau af kompleksitet, effektivitet og nøjagtighed, der hver især bidrog til en eksponentiel vækst i den samlede viden, hvilket førte til, at menneskehedens historie blev opfattet som en kontinuerlig udvidelse og altid til det bedre. Denne ånd af tillid til livet og mennesket forbinder renæssancen med den klassiske oldtid og definerer en stor del af dens arv. Følgende passage fra François Rabelais” Pantagruel (1532) er ofte citeret for at illustrere renæssancens ånd:

På trods af den idé, som renæssancen kunne gøre sig selv til, kunne bevægelsen aldrig være en bogstavelig efterligning af den antikke kultur, for det hele skete under katolicismens kappe, hvis værdier og kosmogoni var helt anderledes end den antikke hedenskabs. Renæssancen var således på en måde et originalt og eklektisk forsøg på at harmonisere den hedenske neoplatonisme med den kristne religion, eros med charitas, sammen med østlige, jødiske og arabiske påvirkninger, og hvor studiet af magi, astrologi og det okkulte spillede en vigtig rolle i udarbejdelsen af systemer til disciplinering og moralsk og åndelig forbedring og et nyt symbolsk sprog.

Hvis kristendommen førhen havde været den eneste vej til Gud, som var grundlaget for hele forklaringen på livet og verden og retfærdiggjorde den herskende samfundsorden, ville humanisterne vise, at der var mange andre veje og muligheder, at de ikke søgte at benægte troens væsen – det ville have været umuligt at opretholde i lang tid, da alle radikale benægtelser på den tid endte med voldelig undertrykkelse – men at de ændrede fortolkningen af dogmerne og deres forhold til livet og de sociale dramaer. Dette gav religionen større fleksibilitet og tilpasningsevne, men betød også et fald i dens prestige og indflydelse på samfundet, efterhånden som mennesket blev lidt mere frigjort fra religionens formynderi. I middelalderens tankegang var der en tendens til at se mennesket som et modbydeligt væsen, en “masse af råd, støv og aske”, som Peter Damian udtrykte det i det 11. århundrede. Men da Pico della Mirandola optrådte i det 15. århundrede, repræsenterede mennesket allerede universets centrum, et mutant, udødeligt, autonomt, frit, kreativt og magtfuldt væsen, som et ekko af Hermes Trismegistus” (“Mennesket er et stort mirakel”) og den arabiske Abdala (“Der er intet mere vidunderligt end mennesket”).

På den ene side så nogle af disse mænd sig selv som arvinger til en tradition, der var forsvundet i tusind år, og de troede, at de faktisk genoplivede en stor gammel kultur, og de følte sig endda lidt som romernes samtidige. Men der var også andre, der så deres egen tidsalder som adskilt fra både middelalderen og antikken, med en livsform, der aldrig var set før, og som ofte blev udråbt som århundredernes perfektion. Andre strømninger gik ind for en opfattelse af, at historien er cyklisk og har uundgåelige faser med opgang, højdepunkt og nedgang, og at mennesket er et væsen, der er underlagt kræfter, som ligger uden for dets magt, og at det ikke har fuldstændig kontrol over sine tanker, evner og lidenskaber og heller ikke over sit eget livs varighed. Og så var der de utilfredse, som ikke kunne lide den hurtige sekularisering af samfundet og de riges pralende adfærd og prædikede en tilbagevenden til middelalderens mystik og strenghed. Nyere forskning har vist, at mangfoldigheden af eklektiske værker, idiosynkratiske metodologier, divergerende meninger, ambitionen om encyklopædisk viden og omdefineringen af æstetiske og filosofiske kanoner og etiske kodekser skabte så megen debat på den tid, at det er blevet klart, at renæssancens tænkning var langt mere heterogen end tidligere antaget, og at perioden var så dynamisk og kreativ, bl.a. på grund af mængden af kontroverser.

Renæssancen er ofte blevet beskrevet som en optimistisk tidsalder – og dokumentationen viser, at den i sin tid blev opfattet sådan i indflydelsesrige kredse – men når filosofferne blev konfronteret med livet uden for bøgerne, kæmpede de altid med at håndtere sammenstødet mellem den edeniske idealisme, som de foreslog som menneskets naturlige arv, et væsen skabt i Guds lighed, og den brutale hårdhed af politisk tyranni, folkeoprør og krige, epidemier, endemisk fattigdom og sult og de kroniske moralske dramaer i det almindelige, virkelige menneske.

Under alle omstændigheder ville den optimisme, som i det mindste blandt eliterne blev opretholdt, gå tabt igen i det 16. århundrede, hvor skepsis, pessimisme, ironi og pragmatisme igen dukkede op hos Erasmus, Machiavelli, Rabelais og Montaigne, som ærede skønheden i klassicismens idealer, men som desværre konstaterede, at det var umuligt at anvende dem i praksis. Mens en del af kritikken opfatter denne atmosfæreændring som renæssancens slutfase, har en anden del af kritikken defineret den som et af fundamenterne for en særskilt kulturel bevægelse, manierismen.

Renæssancen er normalt opdelt i tre store faser, Trecento, Quattrocento og Cinquecento, svarende til det 14., 15. og 16. århundrede, med et kort mellemspil mellem de to sidste, kaldet højrenæssancen.

Læs også, kampe – Slaget ved Zama

Trecento

Trecento (det 14. århundrede) er forberedelsen til renæssancen og er et grundlæggende italiensk fænomen, nærmere bestemt i Toscana, og selv om der i forskellige centre på dette tidspunkt var en begyndende humanisering af tankegangen og en bevægelse væk fra gotikken, f.eks. i Pisa, Siena, Padova, Venedig, Verona og Milano, var regeringsregimerne de fleste steder for konservative til at tillade væsentlige kulturelle ændringer. Det blev Firenze, der skulle påtage sig den intellektuelle førertrøje og føre an i transformationen fra den middelalderlige til den moderne model. Denne centralisering i Firenze blev dog først rigtig tydelig i slutningen af Trecento.

Identificeringen af de grundlæggende elementer i den italienske renæssance indebærer nødvendigvis en undersøgelse af den florentinske økonomi og politik og deres sociale og kulturelle virkninger, men der er mange uklare aspekter, og området er fyldt med kontroverser. Ifølge Richard Lindholm er der dog ret bred enighed om, at økonomisk dynamik, samfundets fleksibilitet over for udfordringer, dets evne til at reagere hurtigt i krisetider, dets risikovillighed og en ophedet borgerfølelse i stor skala var afgørende faktorer for den kulturelle, arkitektoniske og kunstneriske blomstring, der udviklede og styrkede sig.

Produktionssystemet udviklede nye metoder, med en ny arbejdsdeling og en gradvis mekanisering. Den florentinske økonomi var hovedsageligt drevet af produktion og handel med stoffer. Det var en ustabil, men dynamisk økonomi, der var i stand til at foretage radikale tilpasninger i forbindelse med uforudsete begivenheder som krige og epidemier. En gunstig periode begyndte omkring 1330, og efter pesten i 1348 kom den frem med fornyet styrke og endnu mere livskraftig og tilbød stoffer og tøj af høj luksus og raffinement.

Siden det forrige århundrede havde samfundet i Toscana oplevet en vækst af en middelklasse, der var blevet økonomisk frigjort ved at organisere sig i gilder, der var sammenslutninger af håndværkere, som havde monopol på levering af visse tjenesteydelser og produktion af visse materialer og genstande. I Firenze blev de opdelt i to kategorier: de store fag (pelsdyravlere, læger og apotekere) og de mindre fag, som omfattede et stort antal mindre prestigefyldte og rentable erhverv, såsom fiskere, taverneurer, skomagere, bagere, våbenhandlere, smede osv. The Art of Wool kontrollerede f.eks. produktion, farvning og handel med vævet stof, gardiner, tøj og uldgarn, herunder import og eksport, kontrollerede produkternes kvalitet, fastsatte priserne og afværgede enhver konkurrence. De andre arbejdede på samme måde. Gilderne var mange ting: en blanding af fagforening, broderskab, skole for lærlinge i håndværksfagene, et gensidigt hjælpeforbund for medlemmerne og en social klub. Arts Major blev rige og magtfulde, opretholdt overdådige kapeller og altre i de vigtigste kirker og rejste monumenter. De handlede alle i bemærkelsesværdig harmoni, havde fælles mål og dominerede praktisk talt den offentlige orden gennem deres delegerede i byråd og magistrat. De forskellige gilder i hver by beskæftigede tilsammen næsten hele den økonomisk aktive bybefolkning, og det var en næsten uoverstigelig hindring for erhvervsmæssig succes, hvis man ikke var medlem af det gilde, man arbejdede i, på grund af den strenge kontrol, de havde med markederne og arbejdskraftforsyningen. På den anden side gav tilhørsforholdet åbenlyse fordele for arbejderen, og denne models succes betød, at befolkningen for første gang kunne erhverve boliger i stor stil, hvilket var ledsaget af en større interesse for kunst og arkitektur.

Deres ledere ejede som regel store private virksomheder, havde stor prestige og steg også socialt ved at indtage offentlige stillinger, ved at støtte kunst og kirke og ved at bygge palæer og paladser, som de boede i, og de dannede et nyt patriciat. De store forretningsmænd havde ofte parallelle interesser i børshuse, som var forløbere for bankvæsenet, og de flyttede formuer ved at finansiere eller forvalte fyrsters, kejseres og pavers ejendomme. Dette styrkede borgerskab blev en grundpille i regeringen og et nyt marked for kunst og kultur. Familier fra denne klasse, som f.eks. Mozzi, Strozzi, Peruzzi og Medici, blev snart adelige, og nogle af dem kom endda til at regere stater.

I dette århundrede oplevede Firenze intense klassekampe, en mere eller mindre kronisk socioøkonomisk krise og led en klar tilbagegang i magt i løbet af århundredet. Det var en tid, hvor staterne investerede meget af deres energi i to hovedaktiviteter: enten angreb de deres naboer og plyndrede dem og indtog deres territorier, eller også stod de på den anden side og forsøgte at modstå angrebene. Firenzes domæner havde længe været truet, byen var involveret i adskillige krige, som den for det meste gik ud af, men til tider vandt den strålende sejre; flere vigtige banker gik konkurs, og byen led under pestepidemier; Den hurtige magtudskiftning mellem de modsatrettede fraktioner af guelfer og ghibelliner, der var involveret i blodige stridigheder, tillod hverken social ro eller etablering af langsigtede politisk-administrative mål, hvilket blev forværret af folkelige oprør og forarmelse af landdistrikterne, men i processen ville byernes borgerskab foretage demokratiske forsøg på at styre. Trods tilbagevendende vanskeligheder og kriser nåede Firenze frem til midten af århundredet som en magtfuld by på den italienske scene; i det sidste århundrede var den blevet større, men den var stadig underordnet flere andre byer og opretholdt en vigtig handelsflåde og økonomiske og diplomatiske forbindelser med flere stater nord for Alperne og omkring Middelhavet. Det skal bemærkes, at demokratiet i den florentinske republik adskiller sig fra moderne fortolkninger af begrebet. I 1426 sagde Leonardo Bruni, at loven anerkendte alle borgere som ligeværdige, men i praksis var det kun eliten og middelklassen, der havde adgang til offentlige embeder og en reel indflydelse på beslutningstagningen. Meget af dette skyldes den næsten konstante klassekamp i renæssancen.

På den anden side strukturerede den frie konkurrence og den stærke vægt på handel det økonomiske system efter kapitalistiske og materialistiske retningslinjer, hvor traditioner, herunder religiøse traditioner, blev ofret til fordel for rationalisme, finansiel spekulation og utilitarisme. Samtidig udviklede florentinerne aldrig, som det skete i andre regioner, en moralsk fordomme mod erhvervslivet eller mod selve rigdommen, der blev betragtet som et middel til at hjælpe sin næste og deltage aktivt i samfundet, og de var faktisk klar over, at intellektuelle og kunstneriske fremskridt i høj grad var afhængige af materiel succes, men da griskhed, stolthed, grådighed og åger blev betragtet som synder, associerede kirken sig med erhvervslivets interesser ved at dulme samvittighedskonflikter og tilbyde en række kompensationsmekanismer for skred.

Forestillingen var blevet indarbejdet i doktrinen om, at syndernes forladelse og sjælens frelse også kunne opnås gennem offentlig tjeneste og forskønnelse af byer og kirker med kunstværker, ud over udøvelsen af andre dydige handlinger, såsom at bestille messer og sponsorere præster og broderskaber og deres initiativer, ting, der var lige så gavnlige for ånden, som de var nyttige for at øge giverens prestige. Velgørenhed var faktisk et vigtigt socialt cement og en garanti for den offentlige sikkerhed. Ud over at støtte byernes forskønnelse ydede den også støtte til de fattige, hospitaler, asylcentre, skoler og finansiering af mange administrative krav, herunder krige, hvorfor staterne altid havde en stærk interesse i, at systemet fungerede gnidningsløst. En pragmatisk og verdslig kultur blev styrket på forskellige måder sammen med humanisternes bidrag, hvoraf mange var rådgivere for fyrster eller ansvarlige for høje borgerlige magistrater, hvilket ændrede samfundet og havde direkte indflydelse på kunstmarkedet og dets produktions-, distributions- og værdiansættelsesformer.

Selv om kristendommen aldrig var blevet sat alvorligt i tvivl, begyndte der i slutningen af århundredet en periode med en gradvis nedgang i kirkens prestige og i religionens evne til at kontrollere folk og tilbyde en sammenhængende kultur- og samfundsmodel, ikke kun på grund af den sekulariserende politiske, økonomiske og sociale kontekst, men også fordi videnskabsmænd og humanister begyndte at søge rationelle og påviselige forklaringer på naturfænomenerne og satte spørgsmålstegn ved transcendentale, traditionelle eller folkloristiske forklaringer, hvilket både svækkede den religiøse kanon og ændrede forholdet mellem Gud, mennesket og resten af skabelsen. Fra dette sammenstød, som fortsatte og fornyedes gennem hele renæssancen, ville mennesket igen fremstå som godt, smukt, magtfuldt og forstørret, og verden ville blive opfattet som et godt sted at leve.

Det florentinske demokrati, hvor ufuldkomment det end var, gik til sidst tabt i en række eksterne krige og interne uroligheder, og i 1370”erne syntes Firenze hurtigt at være på vej mod en ny herremandsregering. Mobiliseringen af den magtfulde Albizzi-familie afbrød denne proces, men i stedet for at bevare kommunesystemet overtog den det politiske hegemoni og indførte en oligarkisk republik med støtte fra allierede fra det borgerlige patriciat. Samtidig blev der dannet en opposition med Medici i centrum, som var begyndt at stige i graderne. På trods af at disse demokratiske eksperimenter var korte og at mange af deres ideelle mål ikke blev opfyldt, var de en milepæl i udviklingen af den europæiske politiske og institutionelle tænkning.

Læs også, historie – Første boerkrig

Quattrocento

Efter at Firenze havde oplevet øjeblikke med stor glans, var byen i slutningen af Trecento blevet angrebet af hertugdømmet Milanos fremrykning, havde mistet flere områder og alle tidligere allierede og havde fået afskåret sin adgang til havet. Quattrocento (det 15. århundrede) begyndte med Milanos tropper ved Firenzes porte, efter at de havde hærget landet i de foregående år. Men pludselig i 1402 dræbte en ny pestepidemi deres general, Giangaleazzo Visconti, og forhindrede byen i at lide samme skæbne som store dele af det nordlige og nordvestlige Italien, hvilket udløste en genopblussen af borgerånden. Fra da af begyndte lokale intellektuelle og historikere, også inspireret af Platons, Plutarchs og Aristoteles” politiske tanker, at organisere og proklamere diskursen om, at Firenze havde udvist en “heroisk modstand” og var blevet det største symbol på republikansk frihed og var blevet mesteren i al italiensk kultur, og de kaldte det Det Nye Athen.

Ved at kombinere opnåelsen af uafhængighed med den filosofiske humanisme, der var ved at vinde frem, blev nogle af de vigtigste elementer, der sikrede, at Firenze forblev i den politiske, intellektuelle og kunstneriske forreste række, samlet. I 1420”erne blev arbejderklasserne imidlertid frataget det meste af den magt, de havde opnået, og overgav sig til et nyt politisk landskab, der i hele århundredet blev domineret af Medici-regeringen, en regering, der nominelt var republikansk, men i virkeligheden var aristokratisk og herreagtig. Dette var en skuffelse for de borgerlige generelt, men det styrkede den sædvane med protektionisme, som var grundlæggende for udviklingen af klassicismen. De sociale spændinger blev aldrig helt kvalt eller løst, og de synes altid at have været en anden vigtig gæringsfaktor for byens kulturelle dynamik.

Udvidelsen af den lokale produktion af luksustekstiler ophørte i 1420”erne, men markederne kom sig og voksede igen i midten af århundredet inden for handel med spanske og orientalske stoffer og inden for produktion af mere populære stoffer, og på trods af de sædvanlige periodiske politiske omvæltninger gennemgik byen endnu en periode med velstand og intensiveret kunstmæcen, generobrede territorier og købte havnebyernes domæne for at omstrukturere sin internationale handel. Det fik politisk forrang i hele Toscana, selv om Milano og Napoli fortsat var en konstant trussel. Det florentinske borgerlige oligarki monopoliserede derefter hele det europæiske banksystem og erhvervede sig aristokratisk glans og stor kultur og fyldte sine paladser og kapeller med klassicistiske værker. Den prægtige stil skabte utilfredshed i middelklassen, hvilket udmøntede sig i en tilbagevenden til den gotiske stils mystiske idealisme. Disse to modsatrettede tendenser prægede den første halvdel af dette århundrede, indtil småborgerskabet opgav sin modstand og muliggjorde en første stor æstetisk syntese, som ville strømme fra Firenze til næsten hele det italienske område, defineret af rationalismens og de klassiske værdiers forrang.

I mellemtiden var humanismen ved at modnes og spredes i Europa gennem Ficino, Rodolphus Agricola, Erasmus af Rotterdam, Mirandola og Thomas More. Leonardo Bruni indledte den moderne historieskrivning, og videnskaben og filosofien gjorde fremskridt med Luca Pacioli, János Vitéz, Nicolas Chuquet, Regiomontanus, Nicolau de Cusa og Georg von Peuerbach blandt mange andre. Samtidig førte interessen for den antikke historie til, at humanister som Niccolò de” Niccoli og Poggio Bracciolini gennemsøgte de europæiske biblioteker for at finde tabte bøger af klassiske forfattere. Der blev faktisk fundet mange vigtige dokumenter, såsom Vitruvius” De architectura, taler af Cicero, Quintilians Institutes of Oratory, Valerius Flaccos Argonautica og Lukrez” De rerum natura. Genovertagelsen af den iberiske halvø fra maurerne gjorde også en stor samling af tekster af Aristoteles, Euklid, Ptolemæus og Plotin, som var bevaret i arabiske oversættelser og ukendte i Europa, og af muslimske værker af Avicenna, Geber og Averroës tilgængelige for europæiske lærde, hvilket bidrog markant til en ny blomstring af filosofi, matematik, medicin og andre videnskabelige specialiteter.

Johannes Gutenbergs perfektionering af pressen i midten af århundredet gjorde det i høj grad lettere og billigere at formidle viden til en bredere offentlighed. Den samme interesse for kultur og videnskab fik store biblioteker til at blive grundlagt i Italien, og man forsøgte at genoprette latin, som var blevet en mangfoldig dialekt, til sin klassiske renhed og gøre det til Europas nye lingua franca. Genoprettelsen af latin skyldtes det praktiske behov for at forvalte dette nye renæssancebibliotek intellektuelt. Samtidig havde den den virkning at revolutionere pædagogikken og skabte et betydeligt nyt korpus af syntaktiske strukturer og ordforråd til brug for humanister og litterater, som således gav deres egne skrifter antikernes autoritet. Det var også vigtigt, at eliterne interesserede sig for at samle på antik kunst, hvilket stimulerede undersøgelser og udgravninger, der førte til opdagelse af forskellige kunstværker og dermed gav et løft til udviklingen af arkæologien og påvirkede billedkunsten.

Denne proces blev yderligere styrket af den græske lærde Manuel Crisoloras, som mellem 1397 og 1415 genindførte studiet af det græske sprog i Italien, og med det byzantinske riges undergang i 1453 af mange andre intellektuelle, såsom Demetrius Calcondilas, George af Trebizonda, John Argirópulo, Theodore Gaza og Barlaon af Seminara, emigrerede til den italienske halvø og andre dele af Europa, hvor de udbredte klassiske filosofiske tekster og underviste humanister i eksegese. En stor del af det, vi i dag kender til den græsk-romerske litteratur og lovgivning, blev bevaret af det byzantinske imperium, og denne nye viden om de klassiske originaltekster og oversættelserne heraf var efter Luiz Marques” mening “en af de største tilegnelser af en kultur til en anden, som i nogen grad kan sammenlignes med tilegnelsen af Grækenland til skyternes Rom i det andet århundrede f.Kr. Det afspejler desuden overgangen fra Aristoteles” intellektuelle hegemoni til Platon og Plotin, som er afgørende for Quattrocento”s historie. I denne store tilstrømning af idéer blev hele strukturen af den antikke Paideia, en samling af etiske, sociale, kulturelle og pædagogiske principper, som grækerne havde udtænkt for at danne en mønsterborger, genindført i Italien. Den nye information og viden og den dermed forbundne forandring på alle kulturens områder fik de intellektuelle til at føle, at de befandt sig midt i en fornyelsesfase, der kunne sammenlignes med de gamle civilisationers strålende faser, i modsætning til den tidligere middelalder, der blev betragtet som en tid med uklarhed og uvidenhed.

Lorenzo de Medicis død i 1492, som havde regeret Firenze i næsten tredive år og var blevet berømt som en af århundredets største mæcener, samt det aristokratiske styres sammenbrud i 1494, markerede afslutningen på byens gyldne fase. Gennem hele Quattrocento var Firenze det vigtigste – men aldrig det eneste – knudepunkt for udbredelsen af klassicismen og humanismen i det nord-midterste Italien og dyrkede den kultur, der blev berømt som det mest perfekte udtryk for renæssancen og den model, som alle andre udtryk blev sammenlignet med. Denne rosende tradition voksede sig stærkere, efter at Vasari i det 16. århundrede lancerede sine Kunstnerliv, den første milepæl i den moderne kunsthistorie, som tilskrev florentinerne den klare hovedrolle og den overlegne ekspertise. Dette værk fik store konsekvenser og påvirkede historieskrivningen i århundreder.

Læs også, historie – Kalmarunionen

Høj renæssance

Højrenæssancen omfatter kronologisk set de sidste år af Quattrocento og de første årtier af Cinquecento og er groft sagt afgrænset af Leonardo da Vincis modne værker (fra ca. 1480) og Roms plyndring i 1527. I denne periode overtog Rom den kunstneriske og intellektuelle førerposition og lod Firenze stå i baggrunden. Dette skyldtes især pavelig protektionisme og et program for byfornyelse og forskønnelse, som havde til formål at genoplive den tidligere kejserlige hovedstad, netop inspireret af kejsernes storhed, som paverne anså sig for at være de retmæssige arvinger til. Samtidig blev pavedømmets sæde og platform for dets imperialistiske ambitioner bekræftet som “verdenshoved”.

Dette afspejlede sig også i genskabelsen af sociale og symbolske praksisser, der efterlignede antikkens, såsom de store triumftog, overdådige offentlige fester, udmøntning af medaljer og storslåede teaterforestillinger med historiske, mytologiske og allegoriske figurer. Rom havde indtil da ikke frembragt nogen store renæssancekunstnere, og klassicismen var blevet plantet gennem midlertidig tilstedeværelse af kunstnere fra andre steder. Men efterhånden som mestere af Raphael, Michelangelo og Bramante slog sig ned i byen, blev der dannet en dynamisk lokal skole, som gjorde byen til den rigeste samling af højrenæssancens kunst.

På dette tidspunkt var klassicismen den dominerende æstetiske strømning i Italien, med mange vigtige centre for dyrkning og udbredelse. For første gang blev antikken forstået som en defineret civilisation med sin egen ånd, og ikke som en række isolerede begivenheder. Samtidig blev denne ånd identificeret som værende meget tæt på renæssancens ånd, hvilket på en vis måde fik kunstnere og intellektuelle til at føle, at de kunne føre en dialog på lige fod med fortidens mestre, som de beundrede. De havde endelig “behersket” det sprog, de havde modtaget, og kunne nu bruge det med større frihed og forståelse.

Gennem århundrederne er der opstået en bred enighed om, at højrenæssancen repræsenterede modningen af de mest værdsatte idealer fra hele den foregående renæssancegeneration, humanismen, forestillingen om kunstens autonomi, kunstnerens forvandling til videnskabsmand og lærd, stræben efter naturtroskab og begrebet geni. Den fik navnet “High” på grund af denne angiveligt eksemplariske karakter, som et højdepunkt i en kontinuerlig opstigning. Ikke få historikere har nedfældet lidenskabelige vidnesbyrd om beundring for arven fra periodens kunstnere og kaldte den en “mirakuløs”, “sublim”, “uforlignelig”, “heroisk” og “transcendent” epoke, som kritikerne har iklædt sig en aura af nostalgi og veneration for lang tid fremover. Som det har været tilfældet med alle de gamle konsensusser og myter, har den nyere kritik påtaget sig at dekonstruere og omfortolke mere af denne tradition, idet den betragter den som en noget eskapistisk, æstetisk og overfladisk vision af en social sammenhæng, der altid har været præget af enorme sociale uligheder, tyranni, korruption, forgæves krige og andre problemer, “en smuk, men i sidste ende tragisk fantasi”, som Brian Curran har bemærket.

Denne overvurdering er også blevet kritiseret for i for høj grad at være baseret på begrebet geni, for at tilskrive alle relevante bidrag til en håndfuld kunstnere og for kun at identificere en bestemt æstetisk strømning som “klassisk” og “den bedste”, mens en gennemgang af beviserne har vist, at både antikken og højrenæssancen var langt mere varieret, end den hegemoniske opfattelse hævder.

Man har imidlertid anerkendt højrenæssancens historiske betydning som et historiografisk begreb, der var mere, men stadig er meget indflydelsesrigt, og man har erkendt, at de æstetiske standarder, som især Leonardo, Raphael og Michelangelo indførte, etablerede en kanon, der adskilte sig fra deres forgængere og havde stor succes med at blive accepteret, og som ligeledes blev refererende i en lang periode. Disse tre mestre anses stadig, trods den nyere revisionisme og den deraf følgende relativisering af værdierne, for at være det højeste udtryk for perioden og den mest fuldstændige udmøntning af begrebet renæssancegeni. Deres stil i denne fase er kendetegnet ved en meget idealiseret og overdådig klassicisme, som syntetiserede udvalgte elementer fra særligt prestigefyldte klassiske kilder og afviste den realisme, som nogle af Quattrocento”s strømninger stadig praktiserede. Ifølge Hauser,

Under pavens eksil i Avignon var Rom gået i stor forfald, men siden deres tilbagevenden i det foregående århundrede havde paverne forsøgt at reorganisere og genoplive byen og havde ansat en hær af arkæologer, humanister, antikforskere, arkitekter og kunstnere til at undersøge og bevare ruiner og monumenter og forskønne byen, så den igen kunne blive sin glorværdige fortid værdig. Hvis det ifølge Jill Burke var blevet en vane for mange mennesker i renæssancen at hævde, at de levede i en ny guldalder, var dette aldrig før blevet bekræftet med så stor styrke og engagement som af paverne Julius II og Leo X, de hovedansvarlige for at gøre Rom til et af de største og mest kosmopolitiske europæiske kunstcentre i deres tid og de vigtigste forkyndere af ideen om, at århundrederne i deres generation havde nået deres fuldkommenhed.

Følgen af mentalitetsskiftet mellem Quattrocento og Cinquecento er, at mens formen i det første er et mål, er den i det andet en begyndelse; mens naturen i det første var det mønster, som kunsten efterlignede, vil samfundet i det andet have brug for kunsten til at bevise, at sådanne mønstre eksisterer. Den mest prestigefyldte kunst blev stærkt selvrefererende og fjernede sig fra den daglige virkelighed, selv om den blev påtvunget befolkningen i de vigtigste offentlige rum og i den officielle diskurs. Rafael opsummerede disse modsætninger i sin berømte fresko Athens skole, et af højrenæssancens vigtigste malerier, som genoplivede den filosofiske dialog mellem Platon og Aristoteles, dvs. mellem idealisme og empirisme.

Klassicismen i denne fase, som var moden og rig, og som formåede at skabe værker af stor styrke, havde en stærk formalistisk og retrospektiv karakter, og derfor er den af nogle nyere kritikere blevet betragtet som en konservativ snarere end progressiv tendens. Humanismen i sin romerske udgave mistede sin borgerlige og antiklerikale glød og blev censureret og domesticeret af paverne, som i det væsentlige omdannede den til en filosofisk begrundelse for deres imperialistiske program. Den etiske kodeks, der blev indført i de illustrerede kredse, som var en abstrakt konstruktion og et socialt teater i ordets mest konkrete betydning, foreskrev mådehold, selvbeherskelse, værdighed og høflighed i alt. Baldassare Castigliones “Kurtisanen” er dens teoretiske syntese.

På trods af den etiske kodeks, der cirkulerede blandt eliterne, er modsigelserne og manglerne i den dominerende ideologi i dag indlysende for forskerne. Roms forskønnelsesprogram er blevet kritiseret for at være et destruktivt snarere end konstruktivt initiativ, der efterlod en række værker ufærdige og raserede eller unødigt ændrede autentiske monumenter og bygninger fra oldtiden. Dette samfund forblev autoritært, ulige og korrupt, og at dømme ud fra visse beviser synes det at være blevet unormalt korrupt, så meget at dets samtidige kritikere betragtede byens plyndring i 1527 som en guddommelig straf for dens forbrydelser, synder og skandaler. I denne forstand er den anden vigtige “lærebog” fra perioden Machiavelli”s Fyrsten, en vejledning i, hvordan man kommer til magten og bliver der, hvor han erklærer, at “der findes ingen gode love uden gode våben”, og hvor han ikke skelner mellem magt og autoritet og legitimerer brugen af magt til at kontrollere borgerne. Bogen var en vigtig reference for renæssancens politiske tænkning i dens sidste fase og en vigtig inspiration for moderne statsfilosofi. Selv om Machiavelli undertiden beskyldes for at være kold, kynisk, beregnende og grusom, så meget at udtrykket “machiavellisk” stammer fra ham, er værket et værdifuldt historisk dokument som en omfattende analyse af tidens politiske praksis og dominerende værdier.

Begivenheder som opdagelsen af Amerika og den protestantiske reformation og teknikker som f.eks. bogtrykkeriet med bevægelige typer ændrede europæernes kultur og verdensbillede, samtidig med at hele Europas opmærksomhed rettede sig mod Italien og dets fremskridt, og stormagterne Frankrig, Spanien og Tyskland ønskede at få del i landet og gjorde det til et slag- og plyndringskvarter. Med de efterfølgende invasioner spredte den italienske kunst sin indflydelse over et stort område af kontinentet.

Læs også, biografier-da – Theodora

Cinquecento og den italienske manierisme

Cinquecento (det 16. århundrede) er den sidste fase af renæssancen, hvor bevægelsen forvandles og udvides til andre dele af Europa. Efter Roms plyndring i 1527 og protestanternes udfordring af den pavelige autoritet ændrede kontinentets politiske balance sig, og dets sociokulturelle struktur blev rystet. Italien fik de værste konsekvenser: ud over at blive invaderet og plyndret, ophørte det med at være Europas handelscentrum, da nye handelsruter blev åbnet af de store sejladser. Hele panoramaet ændrede sig, da den katolske indflydelse faldt, og der opstod en følelse af pessimisme, usikkerhed og fremmedgørelse, som kendetegnede manérismens atmosfære.

Roms fald betød, at der ikke længere var “ét” center, der dikterede æstetik og kultur. Markant differentierede regionale skoler opstod i Firenze, Ferrara, Napoli, Milano, Venedig og mange andre steder, og renæssancen spredte sig derefter definitivt over hele Europa, idet den ændrede og diversificerede sig dybt, efterhånden som den indarbejdede en bred vifte af regionale påvirkninger. Kunst af sådanne langtidslevende kunstnere som Michelangelo og Titian har med sin stil registreret overgangen fra en tid med sikkerhed og klarhed til en tid med tvivl og dramatik. Højrenæssancens intellektuelle og kunstneriske resultater var stadig friske og kunne ikke let glemmes, selv om deres filosofiske substrat ikke længere var gyldigt i lyset af de nye politiske, religiøse og sociale forhold. Den nye kunst og arkitektur, der blev skabt, hvor navne som Parmigianino, Pontormo, Tintoretto, Rosso Fiorentino, Vasari, Palladio, Vignola, Romano, Cellini, Bronzino, Giambologna, Beccafumi, selv om de var inspireret af antikken, omorganiserede og oversatte dens systemer for proportioner og rumlig repræsentation og dens symbolske værdier i urolige, forvrængede, ambivalente og værdifulde værker.

Denne ændring havde været undervejs i nogen tid. I 1520”erne var pavedømmet blevet indviklet i så mange internationale konflikter, og presset omkring det var så stort, at kun få mennesker tvivlede på, at Rom var dømt til undergang, og at dets fald kun var et spørgsmål om tid. Raphael selv, der traditionelt anses for at være en af de reneste repræsentanter for den mådehold og balance, der anses for at være typisk for højrenæssancen, havde allerede længe før katastrofen i 1527 i flere vigtige værker udtænkt scenerne med så stærke kontraster, grupperne med så megen bevægelse og figurerne med så lidenskabeligt udtryk, og i så unaturlige og retoriske stillinger, at han ifølge Frederick Hartt kan placeres ikke blot som en forløber for manierismen, men også for barokken, og hvis han havde levet længere, ville han uden tvivl have ledsaget Michelangelo og andre i den fuldstændige overgang til en stil, der konsekvent adskilte sig fra stilen fra den tidlige del af århundredet.

Vasari, en af de førende lærde i Cinquecento, opfattede ikke en radikal løsning på kontinuiteten mellem højrenæssancen og den efterfølgende periode, som han selv levede i. Han betragtede sig selv stadig som en renæssancemand, og når han forklarede de åbenlyse forskelle mellem de to perioders kunst, sagde han, at Leonardos, Michelangelos og Rafaels efterfølgere arbejdede i en “moderne stil”, en “ny måde”, som søgte at efterligne nogle af de vigtigste værker fra antikken, som de kendte. Han henviste især til Laokoon-gruppen, som blev genopdaget i 1506 og vakte stor opsigt i romerske kunstnerkredse, og til Belvedere-torsoen, som samtidig var begyndt at blive berømt og meget studeret. Disse værker havde stor indflydelse på de tidlige manierister, herunder Michelangelo, men de hører ikke til den klassiske periode, men til den hellenistiske, som på mange måder var en antiklassisk skole. Renaissancerne forstod heller ikke begrebet “klassisk”, som det blev forstået fra det 18. århundrede og frem, som udtryk for et ideal af renhed, majestæt, perfektion, balance, harmoni og følelsesmæssig mådehold, en syntese af alt det gode, nyttige og smukke, som de identificerede i det antikke Grækenland mellem det 5. og 4. århundrede f.Kr. Det er vanskeligt at afgøre, hvordan renæssancen opfattede forskellene mellem de kontrasterende æstetiske strømninger i den græsk-romerske kultur som helhed (“antikken”), da næsten alle de værker fra antikken, som de havde adgang til på det tidspunkt, var hellenistiske og romerske genlæsninger af tabte græske modeller, et meget eklektisk formrepertoire, der omfattede flere referencer fra næsten tusind års græsk-romersk historie, en periode, hvor der var forskellige og dramatiske ændringer i smag og stil. De synes at have opfattet antikken mere som en monolitisk kulturperiode, eller i det mindste som en kulturperiode, fra hvis ikonografiske samling de kunne trække elementer, som de kunne vælge efter behag for at skabe en “brugbar antikken”, tilpasset tidens krav. Kritikeren Ascanio Condivi nævner et eksempel på denne holdning hos Michelangelo, idet han siger, at når mesteren ville skabe en ideel form, nøjedes han ikke med at betragte én model, men opsøgte mange og tog de bedste træk fra hver enkelt model. Raphael, Bramante og andre skulle have anvendt samme fremgangsmåde.

Efter det 17. århundrede blev manierismen imidlertid i lang tid betragtet som en degeneration af de autentiske klassiske idealer, udviklet af kunstnere, der var forstyrret eller mere optaget af en morbid og nytteløs virtuositets luner. Mange senere kritikere tilskrev periodens værker dramatik og asymmetri til en overdreven efterligning af Michelangelos og Giulio Romanos stil, men disse træk blev også tolket som en afspejling af en urolig og desillusioneret tid. Hartt påpegede den indflydelse, som kirkelige reformbevægelser havde på mentalitetsændringen. Nyere kritik forstår, at kulturelle bevægelser altid er resultatet af flere faktorer, og den italienske manierisme er ingen undtagelse, men man mener, at den i det væsentlige var et produkt af konservative hofmiljøer, kompleks ceremonialisme og eklektisk, ultra-sofistikeret kultur snarere end en bevidst anti-klassisk bevægelse.

Under alle omstændigheder havde polemikken den virkning, at de manieristiske lærde blev splittet op i to hovedstrømninger. For nogle mennesker skabte den italienske indflydelse i Europa i Cinquecento plastiske udtryk, der var så polymorfe og så forskellige fra dem fra Quattrocento og højrenæssancen, at det blev et problem at beskrive dem som en del af det oprindelige fænomen, idet de på mange måder syntes at være en modsætning til de klassiske principper, som de tidligere faser værdsatte så højt, og som skulle definere den “sande” renæssance. På den måde etablerede de manierismen som en selvstændig bevægelse, idet de anerkendte den som en udsøgt, fantasifuld og stærk udtryksform, hvilket blev forstærket af, at den var den første skole inden for moderne kunst. Den anden kritiske retning analyserer den derimod som en uddybning og berigelse af de klassiske forudsætninger og som en legitim afslutning på renæssancens cyklus; ikke så meget en negation eller forvrængning af disse principper, men en refleksion over deres praktiske anvendelighed på det historiske tidspunkt og en tilpasning – undertiden smertefuld, men generelt kreativ og vellykket – til tidens omstændigheder. For at gøre billedet endnu mere komplekst har selve identifikationen af de karakteristiske træk ved manierismen, såvel som dens kronologi og dens anvendelighed på andre områder end billedkunsten, været centrum for en anden monumental kontrovers, som mange anser for uløseligt.

Ud over de kulturelle forandringer, som den politiske omlægning af kontinentet medførte, var det 16. århundrede præget af en anden stor krise, nemlig den protestantiske reformation, som for altid omstødte romerkirkens gamle universelle autoritet. En af de vigtigste virkninger af reformationen på renæssancens kunst var fordømmelsen af hellige billeder, som fjernede de nordiske templer fra billed- og skulpturelle repræsentationer af helgener og guddommelige personer, og mange kunstværker blev ødelagt i bølger af ikonoklastisk vrede. Dermed vendte de repræsentative kunstarter under reformistisk indflydelse sig mod profane personer og naturen. Pavestolen indså imidlertid snart, at kunsten kunne være et effektivt våben mod protestanterne, idet den kunne bidrage til en bredere evangelisering og være mere forførende for de store folkemasser. Under modreformationen blev der indført nye regler, som i detaljer fastlagde, hvordan kunstneren skulle skabe værker med et religiøst tema, idet man søgte at fremhæve følelser og bevægelse, der blev anset for at være de mest forståelige og attraktive midler til at vinde folkets simple hengivenhed og dermed sikre sejren over protestanterne. Men selv om modreformationen på den ene side gav anledning til flere bestillinger af hellig kunst, forsvandt den tidligere frihed til kunstnerisk udfoldelse, som man havde set i tidligere faser, en frihed, der havde givet Michelangelo mulighed for at dekorere sin enorme tavle med den sidste dom, malet i hjertet af Vatikanet, med et væld af nøgne kroppe af stor sensualitet, selv om det profane område fortsat var lidt påvirket af censur.

Cinquecento var også grundlæggelsen af de første kunstakademier, såsom Akademiet for Designkunsten i Firenze og Sankt Lukas-akademiet i Rom, en videreudvikling af kunstnergilderne, der etablerede akademismen som et system for højere uddannelse og en kulturel bevægelse, der standardiserede læring, stimulerede teoretisk debat og fungerede som et regeringsinstrument til udbredelse og indvielse af ikke kun æstetiske, men også politiske og sociale ideologier. De manieristiske kunstteoretikere uddybede de debatter, som den foregående generation havde ført, fremhævede det menneskelige intellekts forbindelser med den guddommelige kreativitet og gav prestige til mangfoldighed. For Pierre Bourdieu betød skabelsen af det akademiske system, at der blev formuleret en teori, hvor kunsten var en legemliggørelse af principperne om skønhed, sandhed og godhed, en naturlig forlængelse af højrenæssancens ideologi, men manieristerne var åbne over for eksistensen af forskellige gyldige standarder, hvilket gav skaberne stor frihed i forskellige aspekter, især i den profane kunst, der var fri for kirkens kontrol. Akademiernes vægt på teknisk forbedring og den konstante henvisning til etablerede antikke modeller tjente også til at flytte en del af hovedinteressen fra at sige noget til at vise, hvor godt noget var blevet sagt, og dermed præsentere kunstneren som en lærd. Det tog et stykke tid for akademierne at få indflydelse, men i løbet af barokken og neoklassicismen kom de til at dominere hele det europæiske kunstsystem.

Renæssancen blev historisk set meget rost som indledningen på en ny æra, en æra oplyst af fornuften, hvor mennesket, skabt i guddommelighedens billede, ville opfylde profetien om at herske over verden med visdom, og hvis vidunderlige værker ville placere dem i selskab med helte, patriarker, helgener og engle. I dag forstår man, at den sociale virkelighed ikke afspejlede de høje idealer, der kom til udtryk i kunsten, og at den ophøjede ufanisme, der omgav bevægelsen, i vid udstrækning skyldtes renæssancen selv, hvis intellektuelle produktion, der selv præsenterede dem som grundlæggere af en ny guldalder, og som satte Firenze i centrum for alting, bestemte i høj grad retningen af den senere kritik. Selv senere anti-klassiske bevægelser, som f.eks. barokken, anerkendte klassikerne og deres arvtagere fra renæssancen som værdifulde værdier.

I midten af det 19. århundrede var perioden blevet et af de vigtigste områder for videnskabelig forskning, og udgivelsen i 1860 af Jacob Burckhardts klassiske The History of the Renaissance in Italy var kronen på værket i fem århundreders historiografisk tradition, der placerede renæssancen som den første milepæl i moderniteten og sammenlignede den med fjernelsen af et slør for menneskehedens øjne, så den kunne se klart. Men Burckhardts værk udkom, da en revisionistisk tendens i denne tradition allerede var mærkbar, og den reaktion, det gav anledning til, forstærkede kun polemikken. Siden da har en masse nye undersøgelser revolutioneret den måde, hvorpå man studerede og forstod den antikke kunst.

Tradition og autoritet blev tilsidesat til fordel for en foretrukken undersøgelse af primære kilder og mere kritiske, nuancerede, kontekstualiserede og inkluderende analyser; man indså, at der var langt større meningsforskelle blandt renæssancens egne medlemmer, end man havde troet, og at det i høj grad var denne forskellighed, der var skyld i periodens dynamik og originalitet; de hurtige fremskridt inden for videnskabelige daterings- og restaureringsteknikker og fysisk-kemiske analyser af materialer gjorde det muligt at konsolidere mange traditionelle tilskrivninger af forfatterskab og at opgive mange andre definitivt, hvilket i væsentlig grad ændrede kortet over den kunstneriske produktion; der blev fastlagt nye kronologier og omdefineret kunstneriske individualiteter og deres bidrag; der blev identificeret nye sprednings- og indflydelsesveje, og mange vigtige værker blev genopdaget. I denne proces blev en række historiografiske kanoner omstødt, og selve traditionen med at opdele historien i definerede perioder (“renæssance”, “barok”, “nyklassicisme”) blev opfattet som en kunstig konstruktion, der forvrænger forståelsen af en løbende social proces og skaber inkonsekvente begrebslige stereotyper. Desuden er studiet af hele den historiske, politiske og sociale kontekst blevet og bliver i høj grad uddybet, hvilket sætter de kulturelle udtryksformer på en værdifuld baggrund, som hele tiden opdateres og bliver mere pluralistisk.

Mange historikere begyndte derfor at konkludere, at renæssancen var blevet belastet med en overdrevent positiv vurdering, og at dette automatisk og uden solid begrundelse nedvurderede middelalderen og andre perioder. En stor del af den moderne debat har forsøgt at afgøre, om den faktisk var en forbedring i forhold til den tidligere periode. Det er blevet påpeget, at mange af de negative sociale faktorer, der almindeligvis forbindes med middelalderen – fattigdom, korruption, religiøs og politisk forfølgelse – synes at være blevet forværret. Mange mennesker, der levede i renæssancen, betragtede den ikke som en “guldalder”, men var opmærksomme på alvorlige sociale og moralske problemer, som Savonarola, der i slutningen af det 15. århundrede udløste en dramatisk religiøs vækkelse, der forårsagede ødelæggelse af mange kunstværker og i sidste ende førte til hans død på bålet. Johan Huizinga hævdede, at renæssancen i visse henseender var en nedgangsperiode i forhold til middelalderen og ødelagde mange ting, der var vigtige. Latin havde f.eks. formået at udvikle sig og forblive ret levende på det tidspunkt, men besættelsen af klassisk renhed afbrød denne naturlige proces og fik det til at vende tilbage til sin klassiske form. For Jacques Le Goff og andre af hans skole var renæssancen en periode, hvor kontinuiteterne fra middelalderen var vigtigere end bruddene – herunder varigheden af begrebet kongers guddommelige ret og ritualerne i det hellige monarki, det tekniske grundlag for den materielle produktion og historieopfattelsen, om søgen efter autoritet hos de gamle, om tænkningen om samfundets grundlag og dets opdeling i tre ordener og om kirkens dominerende rolle – og påpegede, at idéen om en renæssance og ønsket om en tilbagevenden til en idealiseret guldalder i antikken gennemsyrede den europæiske kultur indtil efter den franske revolution; Der var faktisk flere “renæssancer” før og efter den italienske, især den karolingiske, otonianske og neoklassiske. Mange forskere har påpeget, at der i denne fase var økonomisk tilbagegang i stedet for velstand, men andre har modsat sagt, at dette synes at have været et europæisk fænomen og ikke specifikt italiensk eller florentinsk, mens Eugenio Garin, Lynn Thorndike og flere andre mener, at de videnskabelige fremskridt måske faktisk var langt mindre originale, end man tror.

Marxistiske historikere har foretrukket at beskrive renæssancen i materialistiske termer og hævder, at ændringerne i kunst, litteratur og filosofi kun var en del af den generelle udvikling fra feudalsamfundet til kapitalismen, som resulterede i fremkomsten af en borgerlig klasse, der havde tid og penge til at hellige sig kunsten. Det hævdes også, at henvisning til klassiske referencer på den tid ofte var et påskud for at legitimere elitens formål, og at inspirationen i det republikanske Rom og især i det kejserlige Rom ville have givet anledning til dannelse af en ånd af konkurrence og lejesoldater, som arrivisten brugte til en ofte skruppelløs social opstigning.

Fra den moderne avantgarde i begyndelsen af det 20. århundrede og derefter i flere på hinanden følgende bølger af genopvarmning har den nyere kritik udvidet den kulturelle renæssances relationer til stort set alle aspekter af livet i denne periode og har fortolket dens arv på så forskellige måder, at de gamle konsensusser er smuldret på mange særlige emner. Der er dog bevaret et klart indtryk af, at perioden på mange områder var frugtbar med mesterlige og innovative resultater, og at den satte et dybt aftryk på Vestens kultur og samfund i lang tid fremover.

Selv om den nyere kritik i høj grad har rystet den traditionelle prestige for renæssancen, idet alle perioder er blevet vurderet lige højt og værdsat for deres særpræg, har dette samtidig muliggjort en ekstraordinær berigelse og udvidelse af den forståelse, vi har af den i dag, men denne prestige har aldrig været alvorligt truet, især fordi renæssancen på en ubestridelig måde var et af fundamenterne og en væsentlig del af den moderne vestlige civilisation og er en reference, der stadig er levende i dag. Nogle af de vigtigste værker er også blevet ikoner i populærkulturen, f.eks. Michelangelos David og Skabelsen og Da Vincis Mona Lisa. Antallet af undersøgelser om emnet, som vokser dag for dag, og den fortsatte kontrovers om mange aspekter viser, at renæssancen er rig nok til fortsat at tiltrække kritikernes og offentlighedens opmærksomhed.

Selv om der er vidt forskellige meninger om visse aspekter, synes der i dag at være enighed om, at renæssancen var en periode, hvor mange dybt forankrede overbevisninger, der blev betragtet som sande, blev diskuteret og testet ved hjælp af videnskabelige undersøgelsesmetoder, hvilket indledte en fase, hvor religionens og dens dogmers dominans ophørte med at være absolut og banede vejen for udviklingen af videnskab og teknologi, som vi kender dem i dag. Senere politisk tænkning ville ikke være blevet formuleret uden det humanistiske grundlag, der blev konsolideret i renæssancen, hvor filosoffer søgte præcedens i antikken for at forsvare det republikanske styre og den menneskelige frihed og opdaterede idéer, der fik afgørende indflydelse på retsvidenskab, forfatningsteori og dannelsen af moderne stater.

Inden for billedkunsten blev der udviklet midler, som gjorde det muligt at gøre et enormt fremskridt i forhold til middelalderen med hensyn til evnen til at fremstille rum, natur og menneskekroppen, idet man genoplivede teknikker, der var gået tabt siden antikken, og fra da af skabte nye teknikker. Det arkitektoniske sprog, som paladser, kirker og store monumenter har udviklet sig fra den klassiske arv, er stadig gyldigt i dag og anvendes, når man ønsker at give det moderne byggeri værdighed og betydning. I litteraturen blev de folkesproglige sprog værdige til at formidle kultur og viden, og gennem studiet af de græsk-romerske filosoffers tekster blev der udbredt maximer, som stadig er til stede i den folkelige stemme i dag, og som tilskynder til høje værdier som heltemod, samfundssind og altruisme, som er grundlæggende byggesten for opbygningen af et mere retfærdigt og frit samfund for alle. Ærbødigheden for den klassiske fortid og dens bedste værdier skabte et nyt syn på historien og grundlagde den moderne historieskrivning og dannede grundlaget for dannelsen af et uddannelsessystem, der dengang strakte sig ud over eliterne og stadig i dag strukturerer skolepensummet i store dele af Vesten og understøtter den sociale orden og regeringssystemerne i Vesten. Endelig tiltrækker den enorme kunstproduktion, der stadig eksisterer i så mange europæiske lande, stadig folk fra alle dele af verden og udgør en væsentlig del af selve definitionen af vestlig kultur.

Uanset hvor meget de lærde forsøger at kaste lys over emnet, er det stadig fyldt med legender, stereotyper og lidenskab, især i den populære opfattelse. Som John Jeffries Martin, leder af historisk afdeling på Duke University og redaktør af et stort bind med kritiske essays, der blev udgivet i 2003, hvor han opsummerede udviklingen i historiografien og tendenserne i den nyere kritik, siger,

Læs også, biografier-da – Matsuo Basho

Visuel kunst

Inden for kunsten var renæssancen meget generelt præget af inspiration fra de gamle grækere og romere og af en opfattelse af kunsten som en efterligning af naturen, hvor mennesket havde en privilegeret plads i dette panorama. Men mere end en efterligning måtte naturen, for at blive godt repræsenteret, gennemgå en oversættelse, der organiserede den i en rationel og matematisk optik, som et spejl af en guddommelig orden, som det var op til kunsten at afsløre og udtrykke i en periode præget af stor intellektuel nysgerrighed, en analytisk og organiserende ånd og en matematisering og videnskabeliggørelse af alle naturfænomener. Det var en tid med storslåede ambitioner, kunstneren nærmede sig videnskabsmanden og filosoffen, og humanisterne stræbte efter en encyklopædisk viden; der udkom vigtige standardiserende afhandlinger og forskellige essays om kunst og arkitektur, som lagde grunden til en ny historiografi og en ny tilgang til skabelsesprocessen. Alle kunstarter nød godt af de videnskabelige fremskridt, der førte til forbedringer af teknikker og materialer på forskellige områder. Blandt højdepunkterne er f.eks. genindvindingen af den tabte voksstøbningsteknik, der gjorde det muligt at skabe monumenter i en hidtil uset skala sammenlignet med middelalderens bronzestøbning, og populariseringen af optiske og mekaniske mekanismer som hjælpemidler til maleri og skulptur. På den anden side har videnskaben draget fordel af kunsten, idet den hævede niveauet af præcision og realisme i illustrationerne i videnskabelige afhandlinger og i ikonografien af historiske figurer og drog fordel af de idéer om geometri og rum, som kunstnerne lancerede, og af impulsen til at udforske og observere naturen.

Den græsk-romerske proportionsskala var igen afgørende for opbygningen af den menneskelige figur, og dyrkningen af den typisk klassiske skønhed vendte også tilbage. Studiet af den menneskelige anatomi, den voksende assimilering af græsk-romersk mytologi i den visuelle diskurs og genkomsten af den nøgne krop, der var befriet for de tabuer, som temaet havde været omgærdet af i middelalderen, fornyede i høj grad periodens ikonografi i maleriet og skulpturen og åbnede store nye områder for formel og symbolsk forskning, gav mulighed for at udforske forskellige følelser og sindstilstande, påvirkede mode og manerer, stimulerede samleri, antikvariat og arkæologi og skabte en ny visuel tradition med varig indflydelse, mens civil og privat mæcenat gav mulighed for en ekstraordinær blomstring af profan kunst. Interessen for at afbilde det naturlige genoplivede også traditionen for portrætmaleri, som efter Romerrigets fald stort set var blevet opgivet.

Læs også, biografier-da – Vasilij Kandinskij

Produktionssystemet

Kunstneren i renæssancen var en professionel kunstner. Indtil det 16. århundrede er dokumenterede eksempler på værker, der er skabt uden for bestillingssystemet, ekstremt sjældne, og langt de fleste professionelle kunstnere var tilknyttet et gilde. Florentinske malere tilhørte en af de store kunstarter, nemlig lægernes og apotekarernes kunst, hvilket er interessant. Bronzeskulptører var også en fornem klasse, som tilhørte Silkekunsten. De andre tilhørte derimod de mindre kunstnere, som f.eks. sten- og trækunstnere. De blev alle betragtet som professionelle inden for de mekaniske kunstarter, som på datidens prestigeskala lå under de liberale kunstarter, som var de eneste, adelen kunne beskæftige sig professionelt med uden at blive vanæret. Gilderne organiserede produktions- og handelssystemet og deltog i fordelingen af ordrerne mellem de forskellige private værksteder, som blev drevet af mestre, hvor der var mange hjælpere ansat, og hvor eleverne blev optaget og forberedt i faget. Postulantens familie betalte det meste af deres uddannelse, men de fik en vis hjælp fra mesteren, efterhånden som de blev i stand til at udføre deres pligter godt og samarbejde effektivt i værkstedets kommercielle forretning. Kvinder blev ikke optaget. Lærlingeuddannelsen var udtømmende, strengt disciplineret og varede mange år, eleverne studerede ikke blot håndværkets teknikker, men var også tjenere til rengøring og organisering af atelieret og andre opgaver efter mesterens skøn, de samarbejdede i uddannelsen af yngre elever, og før de havde afsluttet uddannelsen og var optaget i lauget, kunne ingen elev modtage ordrer i sit navn. Der var kunstnere, som ikke havde et fast værksted, men som rejste rundt i forskellige byer med midlertidige opgaver, hvor de sluttede sig til allerede organiserede grupper eller rekrutterede hjælpere i den by, hvor arbejdet skulle udføres, men de var et mindretal. På den anden side forhindrede det ikke værkstederne i at modtage bestillinger fra andre steder, især ikke hvis de havde en kendt mester.

Renæssancens kunstnere er bedst kendt for deres bidrag til de store altre, monumenter, skulpturer og malerier, men kunstværkstederne var virksomheder med et meget varieret marked. Ud over store værker til kirker, paladser og offentlige bygninger udførte de også mindre og mere populære bestillinger og udsmykkede private, civile og religiøse fester og begivenheder, skabte teaterkulisser og kostumer, luksusbeklædning, smykker, malede våbenskjolde og emblemer, De fremstillede rustninger, våben, beslag og dekorerede husgeråd og et væld af andre ting, og mange af dem havde butikker, der var åbne for offentligheden, hvor de udstillede en udstilling af husets specialiteter.

Kunstnerne var generelt dårligt betalt, der er mange beretninger om fattigdom, og kun mesterne og deres vigtigste hjælpere havde en behagelig situation, nogle af dem blev endda rige, men deres indkomst var altid underlagt et meget svingende marked. Gennem hele renæssancen arbejdede humanisterne og de førende kunstnere systematisk på at frigøre den kunstneriske klasse fra de mekaniske kunstarter og placere den blandt de liberale, og det lykkedes dem i høj grad, men ikke fuldstændigt. Det var en gammel skik at anerkende en kunstners fremragende talent; Giotto, Verrocchio, Donatello og mange andre blev rost begejstret og bredt af deres samtidige, men indtil Michelangelo, Raphael og Leonardo kom frem, havde ingen kunstner været genstand for smiger fra de magtfulde i så høj grad, hvilket næsten vendte autoritetsforholdet mellem arbejdstager og arbejdsgiver og mellem elite og plebejere om, og dette skyldtes i lige så høj grad ændringen i forståelsen af kunstens rolle som kunstnernes bevidsthed om deres værdi og deres vilje til at få den anerkendt.

Renæssancemaleriets største bidrag var dets nye måde at fremstille naturen på, idet det var i stand til at skabe en effektiv illusion af et tredimensionelt rum på en flad flade overflade ved hjælp af billedteknikken og det centrale perspektiv. En sådan præstation betød et radikalt brud med middelalderens repræsentationssystem med dets statiske karakter, dets dybdeløse rum, dets figurative skematisme og dets symbolske proportionssystem, hvor de vigtigste figurer var større i størrelse. Den nye parameter var matematisk og fysisk funderet, resultatet var “realistisk” (i den forstand, at det skabte en illusion om et effektivt rum), og dets organisation var centreret om observatørens synsvinkel. Heri kan vi se en afspejling af populariseringen af rationalismens, antropocentrismens og humanismens principper. Det billedsprog, som renæssancemalerne formulerede, var så vellykket, at det stadig er gyldigt i dag og af mange mennesker betragtes som den mest naturlige måde at repræsentere rummet på.

Renæssancemaleriet er i bund og grund lineært; tegning blev nu betragtet som grundlaget for al billedkunst, og det var en forudsætning for enhver kunstner at beherske den. I den forbindelse var studiet af antikkens skulpturer og relieffer af stor betydning, som dannede grundlag for udviklingen af et stort repertoire af temaer, kropsbevægelser og kropsholdninger, men også den direkte observation af naturen var et vigtigt element. I maleriets opbygning udgjorde linjen traditionelt det demonstrative og logiske element, mens farven indikerede affektive tilstande eller specifikke kvaliteter. En anden forskel i forhold til middelalderens kunst var indførelsen af større dynamik i scener og gestus og opdagelsen af skygger eller chiaroscuro som en plastisk og mimetisk ressource.

Giotto, der virkede mellem det 13. og 14. århundrede, var den største maler i den tidlige italienske renæssance og den vigtigste pioner inden for naturalistisk maleri. Hans revolutionerende arbejde, der stod i kontrast til de sengotiske mestre som Cimabue og Duccio, gjorde et stærkt indtryk på hans samtidige og kom til at dominere alt italiensk maleri i Trecento på grund af dets logik, enkelhed, præcision og naturtrohed. Ambrogio Lorenzetti og Taddeo Gaddi fortsatte Giottos linje uden at forny sig, selv om andre progressive karakteristika blev blandet med elementer fra den stadig stærke gotik, som det ses i Simone Martinis og Orcagnas værker. Giottos naturalistiske og ekspressive stil var imidlertid den førende i denne fases billedkunst og spredte sig til Siena, som i en periode var foran Firenze i kunstneriske fremskridt. Derfra spredte den sig til Norditalien.

I Quattrocento fik repræsentationerne af den menneskelige figur soliditet, majestæt og magt og afspejlede selvtilliden i et samfund, der blev meget rigt og komplekst og dannede et mangesidet panel af tendenser og påvirkninger. Men gennem det meste af århundredet ville kunsten afsløre sammenstødet mellem de ultimative ekkoer af den åndelige og abstrakte gotik, som blev illustreret af Fra Angelico, Paolo Uccello, Benozzo Gozzoli og Lorenzo Monaco, og de nye organiserende, naturalistiske og rationelle kræfter i klassicismen, som blev repræsenteret af Botticelli, Pollaiuolo, Piero della Francesca og Ghirlandaio.

I denne forstand var den næste milepæl i udviklingen efter Giotto Masaccio, i hvis værker mennesket har et klart forædlet aspekt, og hvis visuelle tilstedeværelse er decideret konkret med en effektiv brug af virkningerne af volumen og det tredimensionelle rum. Han ydede et vigtigt bidrag til udformningen af Vestens moderne billedsprog; alle de store florentinske malere i den følgende generation blev påvirket af ham, og da hans værk blev “genopdaget” af Leonardo da Vinci, Michelangelo og Rafael, blev det endnu mere værdsat og forblev populært i seks århundreder. For mange kritikere er han den sande grundlægger af renæssancen i maleriet, og det er blevet sagt om ham, at han var “den første, der forstod at male mænd, der virkelig rørte deres fødder til jorden”.

I Venedig, som også var et vigtigt centrum og måske Firenzes største rival i dette århundrede, var der en gruppe af berømte kunstnere som Jacopo Bellini, Giovanni Bellini, Vittore Carpaccio, Mauro Codussi og Antonello da Messina. Siena, som tidligere havde været en del af avantgarden, var nu i tvivl mellem gotikkens åndelige tiltrækningskraft og klassicismens profane tiltrækningskraft og var ved at miste momentum. I mellemtiden var klassicismen også begyndt at vinde frem i andre regioner i Norditalien gennem Perugino i Perugia, Cosimo Tura i Ferrara, Pinturicchio, Melozzo da Forli og Mantegna i Padova og Mantova. Pisanello var aktiv i en lang række byer.

Man bør også huske på den fornyende indflydelse på de italienske malere fra oliemaleriet, som i Quattrocento var under udvikling i Nederlandene og havde nået et højt raffinement, hvilket gjorde det muligt at skabe meget mere præcise og skarpe billeder og med en meget mere subtil nuancering end med fresko, encaustic og tempera, en nyhed, der havde en vigtig indflydelse på portræt- og landskabsmaleriet. Flamske lærreder var meget værdsat i Italien netop på grund af disse kvaliteter, og et stort antal af dem blev importeret, kopieret eller efterlignet af italienerne.

Senere, i højrenæssancen, trængte Leonardo da Vinci ind i terrænet af tvetydige og mystiske atmosfærer med en sofistikeret olieteknik, samtidig med at han kombinerede kunst og videnskab på en stærk måde. Med Rafael nåede det klassicistiske fremstillingssystem en storslået skala og skabte imponerende illusionistiske arkitekturer og landskaber, men han overførte også en hidtil ukendt sødme til sine madonnaer, som snart blev meget populær. I Venedig skiller Titian sig især ud ved at udforske nye farvesammensætninger og en friere, mere gestisk maleteknik. Michelangelo, der kronede menneskets ophøjelsesproces i det Sixtinske Kapel, førte den til et oppustet udtryk for det mytiske, det sublime, det heroiske og det patetiske. Mange andre efterlod vigtige bidrag, f.eks. Correggio, Sebastiano del Piombo, Andrea del Sarto, Jacopo Palma, Giorgione og Pontormo.

Men denne fase med stor formel balance varede ikke længe, og den skulle snart blive ændret og give plads til manierismen. Med manieristerne blev hele rumopfattelsen ændret, perspektivet blev opsplittet i flere synsvinkler, og den menneskelige figurs proportioner blev forvrænget af udtryksmæssige eller æstetiske årsager, og der blev formuleret et mere dynamisk, levende, subjektivt, dramatisk, værdifuldt, intellektuelt og sofistikeret billedsprog.

Inden for skulpturen er tegnene på en revaluering af den klassicistiske æstetik gamle. Nicola Pisano fremstillede omkring 1260 en prædikestol til Pisas baptisterium, som anses for at være den første manifestation af renæssancen inden for skulptur, hvor han indsatte en stor mandlig nøgenfigur, der forestillede dyden styrke, og det synes klart, at hans primære inspiration kom fra observationer af romerske sarkofager dekoreret med relieffer, der fandtes på kirkegården i Pisa. Selv om hans bidrag er begrænset til meget få værker, anses det for at være lige så relevant for skulpturens historie som Giottos for maleriets. Faktisk står Giottos kunst i høj grad i gæld til Nicola Pisanos forskning.

Hans søn Giovanni Pisano og andre vigtige efterfølgere, såsom Arnolfo di Cambio og Lapo di Ricevuto, ville drage værdifuld lære af deres kontakt med klassicismen, men deres stil udvikler sig ujævnt i denne henseende. Giovanni skulle senere dominere scenen i Firenze, Pisa og Siena i begyndelsen af det 14. århundrede, han skabte andre vigtige nøgne, herunder et kvindeligt nøgenbillede, der gengiver den klassiske Venus pudica, og han var en af indførerne af en ny genre, nemlig de smertefulde kruxifikser, der har stor dramatik og stor indflydelse, men som indtil da var ualmindeligt udbredt i Toscana. Hans alsidige talent ville give anledning til værker med rene, rene linjer, som f.eks. portrættet af Enrico Scrovegni. Hans madonnaer, relieffer og prædikestolen i Pisa-katedralen er derimod langt mere bevægende og dramatiske.

I midten af århundredet blev Andrea Pisano kendt som ophavsmand til reliefferne på syddøren til døbefonten i Firenze og som arkitekt af katedralen i Orvieto. Han var mester for Orcagna, hvis tabernakel i Orsanmichele er et af periodens mesterværker, og for Giovanni di Balduccio, der er ophavsmand til et udsøgt og komplekst gravmonument i Portinari-kapellet i Milano. Hans generation var domineret af Giottos maleri. På trods af de fremskridt, som en række aktive mestre har gjort, afspejler deres værker stadig et krydsfelt af strømninger, som ville være typisk for hele Trecento, og gotiske elementer er stadig fremherskende eller vigtige i dem alle.

Mod slutningen af Trecento dukkede Lorenzo Ghiberti op i Firenze, som var ophavsmand til relieffer i Johannesdøbefonten, hvor de klassiske modeller var fast etableret. Donatello ledede derefter fremskridtene på forskellige fronter og udøvede en stor indflydelse. Hans hovedværker omfatter statuer af profeter fra Det Gamle Testamente, hvoraf Habakkuk og Jeremias er blandt de mest imponerende. Han var også nyskabende inden for rytterstatuer og skabte Gattamelata-monumentet, det vigtigste af sin art siden Marcus Aurelius” monument i det andet århundrede. Endelig er hans bødige Magdalene af træ fra 1453 et billede af smerte, strenghed og forvandling, som ikke havde nogen parallel i sin tid, og som indførte en gribende følelse af dramatik og virkelighed i statuen, som kun var set i hellenismen.

I den næste generation skiller Verrocchio sig ud ved sine kompositioners teatralitet og dynamik. Han var maler, billedhugger, scenograf og dekoratør og var en af Medici”s største favoritter. Hans Kristus og Sankt Thomas er meget realistisk og poetisk. Han komponerede et barn med en delfin til Neptun-fontænen i Firenze, som er prototypen på den serpentinfigur, der skulle blive den mest prestigefyldte formelle model i manierismen og barokken, og med sin Dame med en buket blomster præsenterede han en ny brystmodel, der omfattede armene og halvdelen af kroppen, og som blev populær. Hans største værk, ryttermonumentet for Bartolomeo Colleoni i Venedig, er et udtryk for magt og styrke, der er mere intenst end Gattamelata. Verrocchio øvede indflydelse på mange malere og billedhuggere i det 15. århundrede, herunder Leonardo, Perugino og Rafael, og anses for at være en af århundredets største kunstnere.

Andre bemærkelsesværdige navne er Luca della Robbia og hans familie, et dynasti af pottemagere, der skabte en ny teknik til glasering og forglasning af keramik. En lignende teknik, majolica, havde været kendt i århundreder, men Luca udviklede en variant og anvendte den med succes til store skulpturer og dekorative sæt. Hans opfindelse gjorde stykkerne mere holdbare og stærke, bevarede de levende farver og gjorde det muligt at installere dem udendørs. Luca var også en kendt marmorskulptør, og Leon Battista Alberti placerede ham blandt lederne af den florentinske avantgarde sammen med Masaccio og Donatello. De store popularisatorer af den keramiske teknik var dog hans nevø Andrea della Robbia og hans søn Giovanni della Robbia, som udvidede dimensionerne af samlingerne, berigede den farvede palet og forfinede finishen. Teknikken blev holdt hemmelig i lang tid.

Firenze forblev centrum for avantgarden indtil Michelangelo, der arbejdede for Medici og i Rom for paverne, og som var det mest indflydelsesrige navn inden for skulptur fra højrenæssancen til midten af det 50. århundrede. Hans arbejde bevægede sig fra den rene klassicisme i David og Bacchus til manierismen, der kom til udtryk i voldsomme og dramatiske værker som Slaverne, Moses og nøgenbillederne i Medici-kapellet i Firenze. Kunstnere som Desiderio da Settignano, Antonio Rosselino, Agostino di Duccio og Tullio Lombardo efterlod sig også værker af stor mesterlighed og betydning, såsom Lombardos Adam, den første nøgenfigur i naturlig størrelse, der er kendt siden oldtiden.

Renæssancecyklussen afsluttes med bl.a. Giambologna, Baccio Bandinelli, Francesco da Sangallo, Jacopo Sansovino og Benvenuto Cellini med en stil af stor dynamik og udtryksfuldhed, som Giambolognas bortførelse fra Sabinerne er et eksempel på. Fremtrædende kunstnere fra andre europæiske lande var allerede begyndt at arbejde efter klart italienske retningslinjer, såsom Adriaen de Vries og Germain Pilon, hvilket spredte den italienske smag over et stort geografisk område og gav anledning til forskellige synkretistiske formuleringer med regionale skoler.

Skulptur var til stede overalt, i gaderne som monumenter og udsmykning af bygninger, i adelssalene, i kirkerne, og i det simpleste hjem var der altid et billede til andagt. Vaser, møbler og dagligdags redskaber fra eliten havde ofte udskårne eller indgraverede detaljer, og miniaturer som f.eks. mindemedaljer kan også henregnes til dette område. I denne periode blev der udviklet tekniske ressourcer, som gjorde det muligt at gøre et enormt spring fremad i forhold til middelalderen med hensyn til evnen til at skabe frie former i rummet og til at repræsentere naturen og den menneskelige krop, og med udgivelsen af forskellige afhandlinger og kommentarer om denne kunst blev der indført metoder og teorier, som udvidede forståelsen af området og grundlagde det med en mere videnskabelig konceptualisering, hvilket grundlagde en indflydelsesrig kritisk tradition. Forbedringen af skulpturteknikkerne gjorde det muligt at skabe værker i et omfang, som kun var kendt i antikken, og florentinernes borgerlige ånd stimulerede opfindelsen af nye modeller for offentlige monumenter, en typologi, der var forbundet med en anden forståelse af menneskets repræsentationsevne som en social og pædagogisk praksis.

Læs også, biografier-da – Vladislav 3. af Polen

Musik

Generelt set byder renæssancens musik ikke på et panorama af bratte brud på kontinuiteten, og hele den lange periode kan betragtes som et terræn for den langsomme transformation fra modal- til tonalunivers og fra horisontal polyfoni til vertikal harmoni. Renæssancen var også en periode med stor fornyelse i behandlingen af stemmen og i orkestreringen, i instrumentalmusikken og i konsolideringen af rent instrumentale genrer og former med dansesuiterne til baller, da der var stor efterspørgsel efter musikalsk underholdning ved alle fester og ceremonier, offentlige eller private.

I kompositionsteknikken opgives organonernes melismatiske polyfoni, der er direkte afledt af den gregorianske sang, til fordel for en slankere komposition, hvor stemmerne behandles på en mere og mere afbalanceret måde. Tidligt i perioden bruges parallelbevægelsen sparsomt, akkidentaler er sjældne, men hårde dissonanser er almindelige. I det videre forløb begynder man at bruge treklange treklange, hvilket giver et indtryk af tonalitet. For første gang forsøger man sig med beskrivende eller programmatisk musik, stive rytmiske modi giver plads til isorytmik og friere, mere dynamiske former som balladen, chansonen og madrigalen. I den kirkelige musik blev messeformen den mest prestigefyldte. Notationen udvikler sig i retning af lavere noder, og mod slutningen af perioden bliver tertsintervallet accepteret som konsonans, hvor det før kun var tilfældet med kvint, oktav og unisont.

Forløberne for denne forvandling var ikke italienske, men franske som Guillaume de Machaut, forfatteren af Trecento”s største musikalske præstation i hele Europa, messen i Notre Dame, og Philippe de Vitry, som Petrarca roste meget. Der er kun meget lidt overleveret af den italienske musik fra denne tidlige fase, selv om man ved, at aktiviteten var intens og næsten udelukkende i den profane verden, idet de vigtigste kilder til partiturer er Codex Rossi, Codex Squarcialupi og Codex Panciatichi. Blandt dens repræsentanter var Matteo da Perugia, Donato da Cascia, Johannes Ciconia og frem for alt Francesco Landini. Først i Cinquecento begyndte den italienske musik at udvikle sine egne karakteristika, idet den indtil da var meget afhængig af den fransk-flamske skole.

De nordiske påvirkninger er ikke ensbetydende med, at den italienske interesse for musik var lille. Da der ikke fandtes musikalske eksempler fra antikken at efterligne, brugte italienske filosoffer som Ficino klassiske tekster af Platon og Aristoteles som referencer, så man kunne skabe musik, der var de gamle værdig. I denne proces spillede Lorenzo de” Medici i Firenze en vigtig rolle, idet han grundlagde et musikakademi og tiltrak flere europæiske musikere, og Isabella d”Este, hvis lille, men strålende hof i Mantova tiltrak digtere, som skrev enkle digte på italiensk, der skulle sættes i musik, og her blev digtoplæsningen, som i andre italienske centre, normalt ledsaget af musik. Den foretrukne genre var frottolaen, som allerede havde en veldefineret tonalharmonisk struktur og ville bidrage til at forny madrigalen med dens typiske troskab mod tekst og følelser. Andre polyfone genrer som messen og motetten gør nu fuld brug af imitation mellem stemmerne, og alle behandles på samme måde.

Vigtige flamske komponister arbejder i Italien, såsom Adriaen Willaert og Jacob Arcadelt, men de mest berømte personer i århundredet er Giovanni da Palestrina, italiener, og Orlando de Lasso, flamsk, som satte en standard for kormusikken, der skulle blive fulgt på hele kontinentet, med en melodisk og rig skrift, med stor formel balance og ædel udtryksfuldhed, der bevarer tekstens forståelighed, et aspekt, der i den foregående periode ofte var sekundært og gik tabt i kontrapunktets indviklede kompleksitet. Indtrykket af hans musik passer til højrenæssancens idealistiske storhed, der blomstrede i en fase, hvor manierismen allerede var stærkt manifesteret i andre kunstarter som maleri og skulptur. I slutningen af århundredet dukkede tre store personligheder op, Carlo Gesualdo, Giovanni Gabrieli og Claudio Monteverdi, som ville indføre fremskridt i harmonien og en sans for farver og klangfarver, der ville berige musikken ved at give den en manieristisk udtryksfuldhed og dramatik og forberede den på barokken. Monteverdi er især vigtig for at være historiens første store operakunstner, og hans operaer L”Orfeo (1607) og L”Arianna (1608, forsvundet, kun én berømt arie er bevaret, Klagesangen) repræsenterer renæssancemusikkens ædle solnedgang og de første store milepæle i den musikalske barok.

Læs også, biografier-da – Rabindranath Tagore

Arkitektur

De mange spor fra det gamle Rom, som stadig findes i Italien, har altid haft indflydelse på den lokale byggekunst, hvad enten det drejer sig om brugen af strukturelle elementer eller materialer, som romerne brugte, eller om at holde mindet om de klassiske former i live. Alligevel forblev gotikken den dominerende stil i Trecento, og klassicismen kom først stærkt frem i det følgende århundrede, hvor der opstod en ny interesse for fortidens store bedrifter. Denne interesse blev stimuleret af genopdagelsen af klassiske bibliografier, som man troede var gået tabt, såsom Vitruvius” De Architectura, der blev fundet i biblioteket i klosteret Monte Cassino i 1414 eller 1415. I den ophøjede forfatteren cirklen som den perfekte form og uddybede de ideelle proportioner for bygningen og den menneskelige figur, samt symmetri og arkitekturens forhold til mennesket. Hans ideer blev derefter udviklet af andre arkitekter, såsom den første store repræsentant for den arkitektoniske klassicisme, Filippo Brunelleschi, som også lod sig inspirere af de ruiner, han havde studeret i Rom. Han var den første til at anvende moderne arkitektoniske ordener på en sammenhængende måde og etablerede et nyt system af proportioner baseret på den menneskelige skala. Han var også ansvarlig for den indledende brug af perspektivet til illusionistisk fremstilling af tredimensionelle rum på et todimensionelt plan, en teknik, som skulle blive stærkt udviklet i de kommende århundreder og definere hele den fremtidige kunsts stil og indlede en frugtbar forbindelse mellem kunst og videnskab. Leon Battista Alberti er en anden arkitekt af stor betydning, der anses for at være et perfekt eksempel på renæssancens “universelle mand”, der er alsidig inden for forskellige specialer. Han var forfatter til afhandlingen De re aedificatoria, som skulle blive kanonisk. Andre arkitekter, kunstnere og filosoffer bidrog til diskussionen, f.eks. Luca Pacioli med sin De Divina Proportione, Leonardo med sine tegninger af centrerede kirker og Francesco di Giorgio med Trattato di architettura, ingegneria e arte militare.

Blandt de mest bemærkelsesværdige træk ved renæssancens arkitektur er tilbagevenden til den centraliserede tempelmodel, der er udformet som et græsk kors og kronet af en kuppel, hvilket afspejler populariseringen af begreber fra den neoplatoniske kosmologi og samtidig inspireret af relikviebygninger som Pantheon i Rom. Den første af sin art, der blev bygget i renæssancen, var måske San Sebastiano i Mantova, Albertis værk fra 1460, men det blev ikke fuldført. Modellen var baseret på en mere menneskelig skala, idet den opgav den intense vertikalisme i de gotiske kirker og havde kuplen som kronen på en komposition, der udmærkede sig ved at være forståelig. Især hvad angår kuplens struktur og konstruktionsteknik, blev der gjort store fremskridt i renæssancen, men den blev først sent tilføjet til systemet, da man foretrak trætage. Blandt de vigtigste er den ottekantede kuppel i Firenzes domkirke af Brunelleschi, som ikke brugte stilladser eller beton til opførelsen, og Peterskirken i Rom af Michelangelo, som allerede stammer fra det 16. århundrede.

Før Cinquecento fandtes der ikke noget ord for arkitekter i den betydning, som man forstår dem i dag, og de blev kaldt bygherrer. Arkitekturen var renæssancens mest prestigefyldte kunstart, men de fleste af periodens førende mestre var, da de begyndte at arbejde med bygningskunst, allerede anerkendte kunstnere, men havde ingen uddannelse inden for området og kom fra skulptur eller maleri. De blev tilkaldt til de store projekter med offentlige bygninger, paladser og kirker, mens den folkelige arkitektur blev overladt til små bygherrer. I modsætning til middelalderens praksis, der var præget af funktionalitet og uregelmæssighed, opfattede mesterne bygningerne som kunstværker, var fulde af idéer om guddommelige geometrier, symmetrier og perfekte proportioner, var ivrige efter at efterligne romerske bygninger og lavede detaljerede tegninger og en lille træmodel af bygningen i lille skala, som tjente som en plan for bygherrerne. Disse konstruktioner var strukturelt og plastisk innovative, men der blev ikke lagt megen vægt på deres praktiske gennemførlighed og de daglige behov, især hvad angår fordelingen af rummene. Det var bygherrerne, der skulle løse de tekniske problemer, der opstod under arbejdet, idet de forsøgte at bevare det oprindelige design, men ofte foretog vigtige tilpasninger og ændringer undervejs, hvis designet eller en del af det viste sig at være upraktisk. Ifølge Hartt var bygherrerne sjældent sikre på, at de kunne nå til vejs ende, når de begyndte på store og komplekse værker som kirker. Nogle mestre arbejdede imidlertid med det i mange år og blev store kendere af emnet, idet de introducerede vigtige tekniske, strukturelle og funktionelle nyskabelser. De designede også befæstninger, broer, kanaler og andre strukturer samt byplanlægning i stor skala. De fleste af renæssancens mange byplaner blev aldrig ført ud i livet, og af dem, der blev påbegyndt, kom ingen særlig langt, men siden da har de været en kilde til inspiration for byplanlæggere i alle generationer.

På den verdslige side sikrede aristokrater som Medici, Strozzi og Pazzi deres status ved at lade bygge paladser af stor pragt og originalitet, f.eks. Palazzo Pitti (Brunelleschi), Palazzo Medici Riccardi (Michelozzo), Palazzo Rucellai (Alberti) og Palazzo Strozzi (Maiano), alle efter samme model som de italienske middelalderpaladser, med en mere eller mindre kubisk krop, etager med højt til loftet, struktureret omkring en indre gård, med en rustik facade og kronet af en stor gesims, som giver dem et udseende af soliditet og uovervindelighed. De mere rent klassiske former er et eksempel på Giuliano da Sangallo”s Villa Medici. I Venedig findes der interessante variationer af denne model på grund af terrænets oversvømmede karakteristika.

Efter Donato Bramante, der var den førende person i højrenæssancen, og som flyttede centrum for arkitektonisk interesse fra Firenze til Rom, og som var ophavsmand til en af de mest forbilledlige helligbygninger i sin generation, Tempietto, finder vi Michelangelo selv, der betragtes som opfinderen af kolossalordenen og i nogen tid var arkitekt for Peterskirken. Michelangelo var efter hans samtidiges mening den første, der udfordrede de hidtil gældende regler for den klassicistiske arkitektur og udviklede en personlig stil, for han var ifølge Vasari den første, der åbnede sig for ægte kreativ frihed. Han repræsenterer således afslutningen på den “kollektive klassicisme”, der er ret homogen i sine løsninger, og begyndelsen på en fase med individualisering og mangfoldighed af arkitektoniske sprog. Med den enorme prestige, som han nød blandt sine egne, åbnede han vejen for den nye generation af kunstnere til at udføre utallige eksperimenter med den klassiske arkitekturkanon, hvilket gjorde denne kunst uafhængig af de gamle – om end i høj grad i gæld til dem. Nogle af de mest bemærkelsesværdige navne fra denne periode var Della Porta, Sansovino, Palladio, Fontana, Peruzzi og Vignola. Blandt de ændringer, som denne gruppe indførte, var en lempelse af frontispicens struktur og ophævelse af de gamle ordeners hierarkier, med stor frihed til at anvende uortodokse løsninger og udvikling af en smag for en rent plastisk leg med formerne, hvilket gav meget mere dynamik til de indre rum og facader. Palladio var den mest indflydelsesrige af alle senrenæssancerne, og han er stadig den mest studerede arkitekt i verden i dag. Han var ophavsmand til en frugtbar skole, kaldet palladianismen, som med op- og nedture varede indtil det 20. århundrede.

Med den voksende bevægelse af kunstnere, humanister og lærere mellem byerne nord for Alperne og den italienske halvø, og med den store udbredelse af trykte tekster og kunstværker gennem reproduktioner i stik, begyndte den italienske klassicisme i midten af det 15. århundrede at blive spredt over hele kontinentet. Frans I af Frankrig og Karl V, den hellige romerske kejser, erkendte hurtigt, at den italienske kunsts prestige kunne bruges til at fremme deres kongelige billeder, og de var afgørende aktører for dens intensive udbredelse uden for Alperne. Men det var i begyndelsen af det 16. århundrede, da renæssancecyklussen allerede havde været under udvikling i Italien i mindst to hundrede år og allerede var i sin manieristiske fase.

Det skal derfor bemærkes, at der ikke var nogen Quattrocento eller højrenæssance i resten af Europa. I Cinquecento, den periode, hvor den europæiske italianisering nåede sit højdepunkt, var de regionale traditioner, selv om de til en vis grad var bevidste om klassicismen, stadig stærkt præget af stilarter, der allerede var forældede i Italien, såsom romansk og gotisk stil. Resultatet var meget heterogent og rigt hybridt, det åbnede flere veje, og analysen af det har været fyldt med kontroverser, hvor den eneste større konsensus, der er blevet dannet, understreger bevægelsens mangfoldighed, dens brede udstråling og vanskeligheden ved at give en sammenhængende generel beskrivelse af dens manifestationer i lyset af eksistensen af regionale og nationale skoler med en stærk individualitet, hver med en specifik historie og værdier.

Læs også, biografier-da – John Huston

Frankrig

Renæssancens indflydelse via Flandern og Bourgogne havde allerede eksisteret siden det 15. århundrede, som det fremgår af Jean Fouquets værker, men Hundredårskrigen og pestepidemier forsinkede dens blomstring, som først indtraf efter Karl VIII”s franske invasion af Italien i 1494. Perioden strækker sig til omkring 1610, men dens afslutning er turbulent med religionskrigene mellem katolikker og huguenotter, som ødelagde og svækkede landet. I løbet af denne periode begynder Frankrig at udvikle enevælden og ekspanderer ad søvejen for at udforske Amerika. Det centrale punkt blev etableret i Fontainebleau, hvor hoffet havde sit sæde, og Fontainebleau-skolen blev dannet der, hvor franskmænd, flamlændere og italienere som Rosso Fiorentino, Antoine Caron, Francesco Primaticcio, Niccolò dell”Abbate og Toussaint Dubreuil var med til at danne grundlag for andre som François Clouet, Jean Clouet, Jean Goujon, Germain Pilon og Pierre Lescot. Leonardo var også til stede der. På trods af dette oplevede maleriet en forholdsvis svag og lidt innovativ udvikling, mere fokuseret på kostbare detaljer og virtuositet, ingen fransk kunstner fra denne periode opnåede en kontinental berømmelse, som så mange italienere opnåede, og klassicismen er kun synlig gennem det maneristiske filter. På den anden side opstod der en udsmykningsstil, som snart blev efterlignet i Europa, og som kombinerede maleri, reliefstukkatur og udskårne træelementer.

Arkitekturen var en af de mest originale franske renæssancekunstarter, og ingen bygninger, der kunne sammenlignes med de store franske paladser som Fontainebleau, Tuilerierne, Chambord, Louvre og Anet, opstod i hele Europa uden for Italien, de fleste af dem med store formelle haver, hvor arkitekterne Pierre Lescot og Philibert de l”Orme stod frem, stærkt påvirket af Vignola og Palladio, der var fortalere for en renere klassicisme og tilrettelæggere af symmetriske facader og planer. Under alle omstændigheder var deres klassicisme ikke ren: de omorganiserede de klassiske ordener på forskellige måder, skabte varianter, dynamiserede planer og volumener og lagde stor vægt på en frodig og finurlig udsmykning, hvilket var i modstrid med principperne om rationalitet, enkelhed og formel økonomi i den mere typiske klassicisme, og de bevarede lokale traditioner, der er karakteristiske for gotikken.

Inden for musikken var der en enorm opblomstring gennem Bourgogne-skolen, som dominerede den europæiske musikscene i det 15. århundrede og skulle give anledning til den fransk-flamske skole, som skulle frembringe mestre som Josquin des Prez, Clément Janequin og Claude Le Jeune. Den franske chanson fra det 16. århundrede ville spille en rolle i dannelsen af den italienske canzona, og dens Musique mesurée ville etablere et mønster af deklamatorisk vokalskrivning i et forsøg på at genskabe det græske teaters musik og ville fremme udviklingen mod fuld tonalitet. Der opstod også en genre af kirkemusik, der adskilte sig fra sine italienske forbilleder, kendt som chanson spirituelle. Inden for litteraturen er der Rabelais, en forløber for den fantastiske genre, Montaigne, der har populariseret essaygenren, hvor han stadig er et af de største navne i dag, og gruppen Plejaden med Pierre de Ronsard, Joachim du Bellay og Jean-Antoine de Baïf, der har forsøgt at opdatere den græsk-romerske litteratur i folkemunde, at efterligne bestemte former og at skabe neologismer baseret på latin og græsk.

Læs også, biografier-da – Sol LeWitt

Nederlandene og Tyskland

Flammerne havde været i kontakt med Italien siden det 15. århundrede, men først i det 16. århundrede forandrer konteksten sig og bliver karakteriseret som renæssance, der har en relativt kort levetid. I denne fase bliver regionen rigere, og den protestantiske reformation bliver en afgørende kraft, som modsætter sig Karl V”s katolske dominans, hvilket fører til alvorlige konflikter, der deler området. Handelsbyerne Bruxelles, Gent og Brugge udviklede tættere kontakter med Norditalien og bestilte værker eller tiltrak italienske kunstnere som f.eks. arkitekterne Tommaso Vincidor og Alessandro Pasqualini, der tilbragte det meste af deres liv her. Kærligheden til gravering bragte talrige reproduktioner af italienske værker til regionen, Dürer efterlod et uudsletteligt mærke, da han kom forbi, Erasmus holdt humanismen i live, og Raphael fik udført gobeliner i Bruxelles. Vesalius gjorde vigtige fremskridt inden for anatomi, Mercator inden for kartografi, og den nye presse skabte betingelser i Antwerpen og Leuven for oprettelsen af indflydelsesrige forlag.

Inden for musik bliver Nederlandene sammen med det nordvestlige Frankrig det vigtigste center for hele Europa gennem den fransk-flamske skole. Inden for maleriet udviklede det en original skole, som populariserede oliemaleriet og lagde stor vægt på detaljer og linjer, idet det forblev meget trofast over for de hellige emner og indarbejdede sin gotiske tradition i de italienske manieristiske nyskabelser. Jan van Eyck, Rogier van der Weyden og Hieronymus Bosch var dens forløbere i det 15. århundrede, og snart kom regionen til at yde sit eget bidrag til den europæiske kunst og konsoliderede landskabsmaleriet med Joachim Patinir og genremaleriet med Pieter Brueghel den Ældre og Pieter Aertsen. Andre bemærkelsesværdige navne er Mabuse, Maarten van Heemskerck, Quentin Matsys, Lucas van Leyden, Frans Floris, Adriaen Isenbrandt og Joos van Cleve.

Tyskland fik sat skub i sin renæssance ved at fusionere sin rige gotiske fortid med italienske og flamske elementer. En af de første mestre var Konrad Witz, efterfulgt af Albrecht Altdorfer og Albrecht Dürer, som var i Venedig to gange og blev dybt påvirket der og beklagede, at han måtte vende tilbage nordpå. Sammen med den lærde Johann Reuchlin var Dürer en af de vigtigste påvirkere for udbredelsen af renæssancen i Centraleuropa og også i Nederlandene, hvor hans berømte stik blev rost af Erasmus, der kaldte ham “Apeles af sorte linjer”. Den romerske skole var et vigtigt element i dannelsen af stilen hos Hans Burgkmair og Hans Holbein, begge fra Augsburg, som Titian besøgte. På det musikalske område er det nok at nævne Orlando de Lasso, et medlem af den fransk-flamske skole, der var bosat i München, og som blev den mest berømte komponist i Europa i sin generation, så meget at han blev udnævnt til ridder af kejser Maximilian II og slået til ridder af pave Gregor XIII, hvilket er yderst sjældent for en musiker.

Læs også, biografier-da – Filippo Brunelleschi

Portugal

Renæssancen i Portugal har haft indflydelse fra midten af det 15. til slutningen af det 16. århundrede. Selv om den italienske renæssance havde en beskeden indflydelse på kunsten, var portugiserne med til at udvide europæernes verdenssyn og stimulere den humanistiske nysgerrighed.

Som pioner inden for europæisk udforskning blomstrede Portugal i slutningen af det 15. århundrede med sine sejladser til Østen og opnåede enorme fortjenester, som gav det kommercielle borgerskab et løft og berigede adelen, hvilket gav mulighed for luksus og dyrkelse af ånden. Kontakten med renæssancen kom gennem indflydelsen fra rige italienske og flamske købmænd, som investerede i søhandel. Handelskontakten med Frankrig, Spanien og England var livlig, og den kulturelle udveksling blev intensiveret.

Som en stor flådemagt tiltrak det specialister i matematik, astronomi og søfartsteknologi, såsom Pedro Nunes og Abraão Zacuto, samt kartograferne Pedro Reinel, Lopo Homem, Estevão Gomes og Diogo Ribeiro, som gjorde afgørende fremskridt i kortlægningen af verden. Og udsendinge til Østen, såsom apotekeren Tomé Pires og lægen Garcia de Orta, indsamlede og udgav værker om de nye lokale planter og lægemidler.

I arkitekturen finansierede overskuddet fra krydderihandelen i de første årtier af det 16. århundrede en overdådig overgangsstil, der blander maritime elementer med gotiske og manuelinske elementer. Jerónimos-klosteret, Belém-tårnet og vinduet i kapitlet i Kristusklosteret i Tomar er de mest kendte, og Diogo Boitaca og Francisco de Arruda var arkitekterne. Inden for maleriet skiller Nuno Gonçalves, Gregório Lopes og Vasco Fernandes sig ud. På musikområdet Pedro de Escobar og Duarte Lobo, samt fire sangbøger, herunder Cancioneiro de Elvas og Cancioneiro de Paris.

Inden for litteraturen introducerede Sá de Miranda italienske versformer, Garcia de Resende udarbejdede Cancioneiro Geral i 1516, og Bernardim Ribeiro var pioner inden for bucolicismen. Gil Vicente blandede dem med populærkulturen og fortalte om de skiftende tider, og Luís de Camões indskrev portugisernes bedrifter i det episke digt Os Lusíadas. Især rejselitteraturen blomstrede: João de Barros, Castanheda, António Galvão, Gaspar Correia, Duarte Barbosa, Fernão Mendes Pinto m.fl. beskrev nye lande og blev oversat og udbredt af den nye presse. Efter at have deltaget i den portugisiske udforskning af Brasilien i 1500 opfandt Amerigo Vespucci, der var agent for Medici, udtrykket Den Nye Verden.

Den intense internationale udveksling skabte flere humanistiske og kosmopolitiske lærde: Francisco de Holanda, André de Resende og Damião de Góis, ven af Erasmus, som skrev med en sjælden uafhængighed under Manuel I, Diogo og André de Gouveia, som via Frankrig gennemførte vigtige reformer inden for uddannelse. Eksotiske rapporter og produkter fra den portugisiske handelspost i Antwerpen tiltrak Thomas More og Durers interesse for den store verden. I Antwerpen var portugisisk profit og viden med til at give næring til den hollandske renæssance og Hollands guldalder, især efter ankomsten af det kulturelle og velhavende jødiske samfund, der var blevet fordrevet fra Portugal.

Læs også, biografier-da – Ronald Ross

Spanien

I Spanien var forholdene på flere punkter ens. Genovertagelsen af det spanske territorium fra araberne og den fantastiske tilstrømning af rigdom fra de amerikanske kolonier og den dermed forbundne intense kommercielle og kulturelle udveksling var grundlaget for en fase med en hidtil uset ekspansion og berigelse af den lokale kunst. Kunstnere som Alonso Berruguete, Diego de Siloé, Tomás Luis de Vitoria, El Greco, Pedro Machuca, Juan Bautista de Toledo, Cristóbal de Morales, Garcilaso de la Vega, Juan de Herrera, Miguel de Cervantes og mange flere efterlod sig bemærkelsesværdige værker i klassisk eller manieristisk stil, mere dramatiske end deres italienske forbilleder, da modreformationens ånd havde en højborg der og i hellige forfattere som Teresa af Avila, Ignatius af Loyola og Johannes af Korset havde store repræsentanter. Især inden for arkitekturen blev den overdådige ornamentik typisk for den stil, der er kendt som plateresque, en unik syntese af gotiske, mauriske og renæssancemæssige påvirkninger. Universitetet i Salamanca, hvis undervisning var præget af humanistiske metoder, samt bosættelsen af italienere som Pellegrino Tibaldi, Leone Leoni og Pompeo Leoni satte yderligere skub i processen.

Den senere renæssance krydsede endda havet og slog rod i Amerika og Østen, hvor mange klostre og kirker, som blev grundlagt af de spanske kolonisatorer i Mexico og Peru og af portugiserne i Brasilien, Macao og Goa, hvoraf nogle nu er på verdensarvslisten, stadig eksisterer.

Læs også, vigtige_begivenheder – Revolutionerne i 1848

England

I England faldt renæssancen sammen med den såkaldte elizabethanske æra, som var præget af stor maritim ekspansion og relativ indenlandsk stabilitet efter ødelæggelserne under den lange Rosenkrig, hvor det blev muligt at tænke på kultur og kunst. Som i de fleste andre lande i Europa blandede den stadig levende gotiske arv sig med referencer fra den sene renæssance, men dens særlige kendetegn er litteraturens og musikkens overvægt over de andre kunstarter og dens gyldighed indtil omkring 1620. Digtere som John Donne og John Milton udforsker nye måder at forstå den kristne tro på, og dramatikere som Shakespeare og Marlowe bevæger sig behændigt mellem temaer, der er centrale for menneskelivet – forræderi, transcendens, ære, kærlighed døden – i berømte tragedier som Romeo og Julie, Macbeth, Othello, Moren i Venedig (Shakespeare) og Doktor Faustus (Marlowe), såvel som deres mere prosaiske og lette aspekter i charmerende fabler som En midsommernatsdrøm (Shakespeare). Filosoffer som Francis Bacon viste nye grænser for abstrakt tænkning og reflekterede over et idealsamfund, og inden for musikken blev den italienske madrigaleske skole tilegnet af Thomas Morley, Thomas Weelkes, Orlando Gibbons og mange andre, fik et umiskendeligt lokalt præg og skabte en tradition, der stadig lever i dag, sammen med store hellige polyfonikere som John Taverner, William Byrd og Thomas Tallis, hvoraf sidstnævnte efterlod den berømte motet Spem in alium for 40 stemmer fordelt på otte kor, en komposition uden sidestykke i sin tid for sin mesterlige håndtering af store vokalmasser. Inden for arkitekturen var Robert Smythson og palladianisterne Richard Boyle, Edward Lovett Pearce og Inigo Jones fremtrædende, hvis arbejde fik eftervirkninger selv i Nordamerika, hvor de fik disciple i George Berkeley, James Hoban, Peter Harrison og Thomas Jefferson. Inden for maleriet blev renæssancen især modtaget gennem Tyskland og Holland med Hans Holbein som hovedperson, og senere blomstrede den op med William Segar, William Scrots, Nicholas Hilliard og flere andre af Tudor-skolens mestre.

Læs også, biografier-da – George Grosz

Kunst og videnskab

Kilder

1. Renascimento
2. Renæssancen
3. a b c Schmitt, Charles B. et al. (eds.). The Cambridge History of Renaissance Philosophy. Cambridge University Press, 1988, pp. 127-135
4. a b c d e “Renaissance”. In: Encyclopædia Britannica online.
5. a b c “Western Philosophy: Renaissance Philosophy”. In: Encyclopadedia Britannica online, consulta em 17/10/2017
6. a b c d e f g h Heller, Ágnes. Renaissance Man. Routledge, 2015, pp. 1-25
7. a b c Brotton, Jerry. The Renaissance: A Very Short Introduction. Oxford University Press, 2006, s/pp.
8. ^ French: [ʁənɛsɑ̃s] (listen), meaning ”re-birth”, from renaître ”to be born again”; Italian: Rinascimento [rinaʃʃiˈmento], from rinascere, with the same meanings.[2]
9. ^ So Europe in 1300 was considerably more similar to Europe in 1520 than it was in (say) 800, even though 800 and 1300 are both considered to be in the Middle Ages, and conversely, Europe in 1700 was more similar to Europe in 1520 than it was in (say) 1900, even though 1700 and 1900 are both considered to be in the modern period.
10. ^ It is thought that Leonardo da Vinci may have painted the rhombicuboctahedron.[66]
11. ^ Joseph Ben-David wrote: Rapid accumulation of knowledge, which has characterized the development of science since the 17th century, had never occurred before that time. The new kind of scientific activity emerged only in a few countries of Western Europe, and it was restricted to that small area for about two hundred years. (Since the 19th century, scientific knowledge has been assimilated by the rest of the world).
12. ^ It is sometimes thought that the Church, as an institution, formally sold indulgences at the time. This, however, was not the practice. Donations were often received, but only mandated by individuals that were condemned.
13. «Renacimiento». Oxford University Press. Consultado el 8 de marzo de 2022.
14. Le Moyen Âge se termine en 1453 ou 1492 selon les auteurs, mais la Renaissance a commencé bien plus tôt en Italie