David Bowie

Streszczenie

David Bowie (IPA: ˈdeɪ.vɪd ˈboʊ.i), pseudonim David Robert Jones (Londyn, 8 stycznia 1947 – Nowy Jork, 10 stycznia 2016), był brytyjskim piosenkarzem-songwriterem, multiinstrumentalistą i aktorem.Jest uważany za jednego z najbardziej wpływowych artystów muzycznych XX wieku.

Pasja Bowiego do muzyki sprawiła, że już w młodym wieku nauczył się grać na saksofonie. Po założeniu zespołu, we wczesnych latach 70-tych rozpoczął działalność solową, obejmującą pięć dekad muzyki rockowej i zyskał reputację twórcy doskonałego gatunku glam rocka.

Jego współpraca z Tonym Visconti i Brianem Eno, weteranami wczesnego glam rocka lat 70-tych, była znacząca i owocna, a on sam nawiązał z nimi trwałą i głęboką przyjaźń, która trwała kilka lat.

Choć nie było to jego główne zajęcie, Bowie poświęcił się także malarstwu i filmowi, pracując jako aktor z takimi reżyserami jak Martin Scorsese, David Lynch i Christopher Nolan. Wystąpił w takich filmach jak „Człowiek, który spadł na ziemię”, „Furyo”, „Miriam budzi się o północy”, „Absolute Beginners”, „Labirynt”, „Basquiat”, „Prestiż” i „Mój zachód”.

David Bowie, który za życia sprzedał około 150 milionów albumów, jest jednym z najlepiej sprzedających się artystów na świecie, a w 2007 roku został uznany przez magazyn Forbes za czwartego najbogatszego piosenkarza na świecie.

W 2008 r. zajął 23. miejsce na liście 100 najlepszych piosenkarzy Rolling Stone”a, na której za najlepsze utwory uznano Life on Mars, Space Oddity, Fame i Heroes. Ponadto, pięć jego albumów znalazło się na liście Rolling Stone 500 Best Albums.

W 2019 roku Bowie został uznany za „największego konferansjera XX wieku” w plebiscycie przeprowadzonym przez BBC Two.

Dzieciństwo i dorastanie (1947-1961)

David Robert Jones urodził się 8 stycznia 1947 r. w Brixton, na przedmieściach południowego Londynu. Jego matka, Margaret Mary Burns, znana jako „Peggy”, była kasjerką w kinie, podczas gdy jego ojciec, Haywood Stenton Jones, był byłym żołnierzem, który właśnie wrócił z frontu, a później został naczelnikiem więzienia Bromley. W wieku sześciu lat wraz z rodziną przeprowadził się z domu przy Stansfield Road 42 do nowego domu w Bromley, na przedmieściach południowego Londynu, gdzie szybko zainteresował się muzyką ze Stanów Zjednoczonych: „Kiedy byłem bardzo mały, widziałem, jak moja kuzynka tańczyła do Hound Dog Elvisa” – wspominał później – „i nigdy nie widziałem, żeby wstawała i poruszała się w ten sposób do jakiejkolwiek innej piosenki. Siła tej muzyki naprawdę mnie uderzyła. David zaczął słuchać płyt Fatsa Domino i Little Richarda jeszcze w szkole i kultywował rosnące zainteresowanie rhythm and bluesem, skiffle i rock ”n” rollem, a także innymi formami sztuki. Kiedy nauczyciel zapytał go, kim chciałby zostać, gdy dorośnie, odpowiedział, że chce być brytyjskim Elvisem.

Kluczową rolę w jego muzycznym rozwoju odegrał przyrodni brat Terry Burns, urodzony w 1937 r. z poprzedniego związku z matką. „Terry był dla mnie początkiem tego wszystkiego – wspominał po latach David – czytał wielu beat writerów i słuchał jazzmanów takich jak John Coltrane i Eric Dolphy… kiedy ja byłem jeszcze w szkole, on co sobotę wieczorem jeździł do centrum miasta, żeby posłuchać jazzu w różnych klubach… zapuszczał włosy i na swój sposób był buntownikiem… wszystko to miało na mnie ogromny wpływ. i zamknięty na oddziale psychiatrycznym londyńskiego Cane Hill Hospital od lat 70. do 1985 roku, kiedy to odebrał sobie życie rzucając się pod pociąg, Terry inspirował piosenkarza na wiele sposobów, czego dowodem jest album The Man Who Sold the World z 1970 roku i utwory takie jak The Bewlay Brothers z 1971 roku i Jump They Say z 1993 roku.

W 1958 roku David zaczął śpiewać jako chórzysta w kościele St. Mary”s Church z przyjaciółmi George”em Underwoodem i Geoffreyem MacCormackiem, a w następnym roku otrzymał swój pierwszy saksofon w prezencie od matki. Za radą Terry”ego zaczął pobierać lekcje u saksofonisty jazzowego Ronniego Rossa: „Dla mnie saksofon reprezentował Beat Generation z Zachodniego Wybrzeża, ten okres amerykańskiej kultury, który tak bardzo mnie fascynował. Ten instrument stał się dla mnie emblematem, symbolem wolności. W trakcie swojej kariery nauczył się grać na wielu instrumentach, wykazując więcej talentu na gitarze rytmicznej niż na gitarze prowadzącej.

Innym formatywnym doświadczeniem w muzycznej edukacji Davida była krótka praca w sklepie płytowym w Bromley, podczas której zafascynował się muzyką Jamesa Browna, Raya Charlesa i Jackie Wilsona, wówczas mało znaną w Europie. W 1960 roku dołączył do grupy uczniów w Bromley Technical High School, którzy interesowali się sztuką, a jego twórcze talenty były wspierane przez postępowego nauczyciela Owena Framptona, ojca gitarzysty Petera Framptona, z którym później współpracował. Dwa lata później pojawiła się możliwość dołączenia do George”a Underwooda w jednym ze szkolnych zespołów i rozpoczęła się artystyczna przygoda Davida.

Lata przed Deramem (1962-1966)

W połowie 1962 roku David i Underwood połączyli siły z kilkoma uczniami, którzy utworzyli grupę The Kon-rads, założoną przez uczniów Bromley Technical High School Neville”a Willsa i Dave”a Crooka na początku 1962 roku; Underwood zaproponował, że będzie dla nich śpiewał, a w czerwcu przyprowadził Davida, by zaśpiewał A Picture of You Joe Browna i pomógł wokalnie w coverze Hey! Baby by Bruce Channel. David zaczął używać swojego saksofonu tenorowego, a Kon-rads przeżyli renesans. Pierwszy udokumentowany koncert odbył się 16 czerwca na imprezie szkolnej. „Kon-radowie zrobili covery wszystkich piosenek, które trafiły na listy przebojów” – wspominał David 30 lat później. „Byliśmy jednym z najlepszych zespołów coverowych w okolicy i dużo pracowaliśmy”.

Pod koniec roku Underwood opuścił zespół i został zastąpiony przez nowego wokalistę Rogera Ferrisa, a David Crook został zastąpiony na perkusji przez Dave”a Hadfielda. Szeregi zespołu powiększyły się o Rocky”ego Shahana na basie, gitarzystę Alana Doddsa oraz wokalistki Christine i Stellę Patton. „Początkowo przyszedłem jako saksofonista”, powiedział David, „ale potem nasz wokalista Roger Ferris został pobity przez jakichś smarkaczy w Civic w Orpington, więc zająłem się śpiewaniem”. Kon-radowie grali w klubach młodzieżowych, salach parafialnych, a nawet mieli brązowy sztruksowy mundur. David zaczął eksperymentować ze swoją postawą sceniczną i wprowadzać nowe pomysły, aby uczynić zespół bardziej „atrakcyjnym”, zmienił nazwę na Dave Jay, zainspirowany grupą beatową Peter Jay and the Jaywalkers, a także zaczął komponować własne piosenki, z których część została dodana do repertuaru zespołu, który zawierał takie utwory jak In the Mood, China Doll i Sweet Little Sixteen. To właśnie w tym okresie Underwood, podczas kłótni w szkole o dziewczynę o nazwisku Carol Goldsmith, uderzył go w lewe oko, a pierścień na jego palcu spowodował przewlekłą traumatyczną mydriasis. W rezultacie doszło do trwałego rozszerzenia źrenicy, które na zawsze pozostanie cechą charakterystyczną jego oczu i spowoduje zmianę postrzegania głębi i światła („kiedy jadę samochodem, nie widzę samochodów jadących w moją stronę, widzę tylko, że stają się coraz większe” – powiedział w 1999 r.). Najbardziej oczywistym skutkiem tego ciosu było to, że źrenica w jego lewym oku pozostała na stałe rozszerzona. Wbrew powszechnej opinii tęczówka nie zmieniła koloru, choć z powodu sparaliżowanej źrenicy można odnieść wrażenie, że lewe oko jest zielonkawe, a prawe pozostało niebieskie.

W sierpniu 1963 roku menadżer Decca Records Eric Easton zaprosił Kon-radów na przesłuchanie, po tym jak zobaczył ich na koncercie w Orpington. 30 sierpnia, w studiu West Hampstead wytwórni Decca, grupa zdecydowała się wykonać I Never Dreamed, piosenkę, którą David napisał na podstawie wiadomości o katastrofie lotniczej. Oprócz napisania tekstu do piosenki, 16-letni David pojawił się jako wokalista wspierający i zagrał na saksofonie na tym, co uważane jest za jego pierwsze znane nagranie studyjne. Przesłuchanie zakończyło się jednak niepowodzeniem, co przyczyniło się do jego odejścia z Kon-radów. Wkrótce Kon-rads stało się dla Davida zbyt ograniczające: „Chciałem iść w rhythm and blues”, wspominał później, „ale oni się nie zgodzili. Chcieli trzymać się Top 20. Więc wyszedłem.

Po ukończeniu Bromley Technical High School, David rozpoczął pracę jako praktykant ilustrator w amerykańskiej agencji reklamowej J. Walter Thompson. „Byłem młodszym wizualistą” – mówił w 1993 roku – „to były ważne kwalifikacje, ale tak naprawdę robiłem tylko kolaże. A ja nigdy nie miałem szansy się wykazać, bo w agencji roiło się od talentów. Jednym z pozytywnych aspektów tej pracy było spotkanie z Ianem, fanem Johna Lee Hookera: „Znalazłem album Johna Lee Hookera i album Boba Dylana w sklepie w Soho. Kupiłem dwa egzemplarze obu, a ponieważ Ian przedstawił mnie Johnowi, dałem mu płytę Dylana. Odkryłem tych dwóch artystów w ciągu jednego dnia. To było coś magicznego. „O wpływie muzyki amerykańskiego bluesmana świadczy nazwa tria, które David założył po Kon-radach z George”em Underwoodem na gitarze i harmonijce oraz perkusistą Vivem Andrewsem – The Hooker Brothers (choć czasem występowali pod innymi nazwami, takimi jak The Bow Street Runners i Dave”s Reds & Blues). Zespół grał covery i zaliczył kilka koncertów w Peter Melkin”s Bromel Club i Ravensbourne College of Art, ale na krótko i po kilku występach Andrews odszedł. David i Underwood położyli w ten sposób podwaliny pod trio, z którym nagrali pierwszą płytę King Bees, 45-kę zatytułowaną Liza Jane. Nazwa grupy została zainspirowana piosenką bluesmana Slima Harpo „I”m a King Bee”. Poza Davidem i Underwoodem w skład zespołu wchodzili Roger Bluck, Dave „Frank” Howard i Bob Allen, grający odpowiednio na gitarze, basie i perkusji. „Nie pamiętam nawet, jak się nazywali” – wyznał w 1993 roku – „pochodzili z północnego Londynu i byli prawie profesjonalistami. Dość przerażające.” Jednak on i Underwood, jak wyznał Underwood, szybko przejęli kontrolę nad zespołem: „Narzuciliśmy innym nasze gusta”.

Wiosną 1964 roku David nawiązał kontakt z menadżerem Leslie Connem, który zapewnił King Bees przesłuchanie w wytwórni Decca i możliwość nagrania singla, a także koncert w Marquee Club i występy w programach telewizyjnych BBC Juke Box Jury i The Beat Room. Conn początkowo załatwił King Bees występ na imprezie z okazji rocznicy ślubu Blooma w Soho. „To wszystko było dość niezręczne” – wspominał po latach David. Mieli czas na zagranie Got My Mojo Working i Hoochie Coochie Man, zanim Bloom krzyknął: „Zabierzcie ich! Oni rujnują moją imprezę!” Przesłuchanie w wytwórni Decca okazało się bardziej satysfakcjonujące i wkrótce potem pozwoliło im ostatecznie nagrać Lizę Jane. Tak więc 5 czerwca 1964 roku ukazała się pierwsza oficjalna 45-tka Bowiego, choć przypisana Davie Jonesowi z King Bees, a piosenkarz rzucił pracę w agencji reklamowej. Aby wypromować singiel, Conn załatwił zespołowi serię występów w różnych londyńskich lokalach. David miał okazję wystąpić po raz pierwszy w Marquee Club, a także w BBC Juke Box Jury (6 czerwca) i The Beat Room (27 czerwca). Jednak brak sukcesu Liza Jane, która sprzedała się w bardzo niewielkiej ilości z 3500 wydrukowanych egzemplarzy, oznaczał koniec jego współpracy z grupą.

W sierpniu dołączył do Manish Boys, którzy działali już od czterech lat i byli uważani za czołówkę tzw. Medway beat, a pod koniec roku udzielił pierwszego wywiadu telewizyjnego. Działający już od czterech lat Johnny Flux, Paul Rodriguez, Woolf Byrne, Johnny Watson, Mick White i Bob Solly nie byli entuzjastycznie nastawieni do przybycia Davida, jak sam Solly powiedział brytyjskiemu miesięcznikowi Record Collector w 2000 roku: „Na początku nie chcieliśmy, ale Conn powiedział: „On ma kontrakt płytowy, właśnie wydał płytę i to może być dla was korzyść””. David przejął pozycję dominującą i skierował grupę w stronę rhythm and bluesa. 18 sierpnia Chatham Standard donosił: „kolejną wiadomością od chłopców jest to, że towarzyszą teraz gwiazdorowi Decca Davie Jonesowi, którego zespół The King Bees porzucił”. Następnego dnia David zagrał po raz pierwszy z Manish Boys w Eel-Pie Island, słynnym miejscu jazzowym w Twickenham.

6 października zespół dokonał pierwszego nagrania w Regent Sound Studios, gdzie zarejestrował covery „Hello Stranger” Barbary Lewis, „Duke of Earl” Gene”a Chandlera oraz „Love is Strange” Mickey”a & Sylvii. Chociaż pierwszy utwór był rozważany do wydania na 45rpm, żaden z utworów nie został wydany. Miesiąc później Bowie udzielił pierwszego poważnego wywiadu telewizyjnego, ale nie miał on wiele wspólnego z jego muzyką. Teraz, w blond włosach, chcąc zyskać rozgłos, twierdził, że założył stowarzyszenie o nazwie Międzynarodowa Liga Ochrony Sierści Zwierząt, i to właśnie jako „prezes” znalazł się w wywiadzie przeprowadzonym przez powieściopisarza Leslie Thomasa w wydaniu Evening News and Star z 2 listopada (nagłówek brzmiał „Kto kryje się za grzywką?”). 1 grudnia zespół rozpoczął sześciodniową trasę koncertową, podczas której występował jako backing band dla Gene Pitney, the Kinks, Marianne Faithfull i Gerry and the Pacemakers. Z wyjątkiem utworów Liza Jane i Last Night (napisanego przez Manish Boys i użytego jako otwieracz), brzmienie ich występów opierało się głównie na amerykańskim bluesie i soulu, począwszy od Jamesa Browna, Raya Charlesa i The Yardbirds.

Kariera nagraniowa The Manish Boys nabrała tempa na początku 1965 roku, kiedy to zostali zauważeni przez amerykańskiego producenta Shel”a Talmy”ego, znanego z aranżacji i produkcji płyty You Really Got Me zespołu The Kinks, a nieco później debiutanckiego albumu The Who. W rezultacie, 5 marca zespół wydał w wytwórni Parlophone 45 rpm I Pity the Fool, na którym pojawił się również nieznany wówczas tokarz Jimmy Page. Jednak nagranie i miksowanie singla nie spotkało się z aprobatą pozostałych członków zespołu, a efekt końcowy niezadowolił większość zespołu. Kiedy Leslie Conn zdołał zapewnić im miejsce w telewizji BBC na 8 marca dla Gadzooks! David wziął udział w drugiej kampanii reklamowej, w której wykorzystano jego włosy. Daily Mirror zamieścił artykuł zatytułowany „Wojna o włosy Davida”, a następnego dnia Daily Mail doniósł, że zespół został wyrzucony z programu, a David powiedział: „Nie dałbym się ostrzyc, nawet gdyby premier mnie o to poprosił, a co dopiero BBC”. W dniu emisji programu, Evening News opublikował zdjęcie, na którym najbardziej nagłośniona piosenkarka pop tygodnia obcina włosy, aby wystąpić w programie.

I Pity the Fool nie skorzystał ani z występu w telewizji, ani z rozgłosu, który się z nim wiązał, a David rozstał się z grupą po kłótni o pojawienie się jego nazwiska na singlu (piosenka została przypisana po prostu Manish Boys, mimo że początkowo zgodzili się, by pojawiła się jako dzieło Davie Jonesa i Manish Boys). Mimo porażki I Pity the Fool, producent Shel Talmy zdołał zapewnić sobie kontrakt z wytwórnią Parlophone. W kwietniu David był już liderem Lower Third. Zespół, który pochodził z Margate i powstał w 1963 roku, potrzebował nowych członków po tym, jak trzech z nich odeszło, a David odbył przesłuchanie w La Discotheque w Soho wraz ze Stevem Marriottem, który natychmiast odszedł, by założyć Small Faces. W tym czasie Bowie prowadził również przesłuchania (głównie w klubie Marquee) dla innych grup, w tym High Numbers, którzy wkrótce mieli eksplodować jako The Who. 17 maja 1965 roku, podczas występu w Grand Hotel w Littlestone, oficjalnie narodził się Davy Jones and the Lower Third, w skład którego wchodzili Denis ”Tea-Cup” Taylor na gitarze, Graham ”Death” Rivens na basie i Les Mighall na perkusji (później zastąpiony przez Phila Lancastera). „Myślę, że chciałem, żeby to był zespół rhythm and bluesowy” – mówił Bowie w 1983 roku. „Robiliśmy dużo utworów Johna Lee Hookera i próbowaliśmy zaadaptować jego rzeczy do big beatu, bez większego powodzenia. Ale to było wtedy modne: wszyscy wybierali muzyka bluesowego… naszym był Hooker”.

20 sierpnia grupa wydała singiel You”ve Got a Habit of Leaving, nagrany w IBC Studios podczas sesji, podczas której oprócz strony B Baby Loves That Way, nagrane zostały dwa inne dema (dostępne na kolekcji Early On z 1991 roku): I”ll Follow You i Glad I”ve Got Nobody. W tym samym dniu, w którym ukazał się singiel, Lower Third otworzyli koncert The Who w Bournemouth Pavilion i David po raz pierwszy spotkał Pete”a Townshenda, kolejne wielkie źródło inspiracji dla angielskiego wokalisty. Niedługo potem opuścił Leslie Conn na rzecz swojego pierwszego pełnoetatowego menedżera, Ralpha Hortona. Ten 45 rok również okazał się porażką i David wyrzucił Leslie Conna na rzecz swojego pierwszego pełnoetatowego menadżera Ralpha Hortona, którego pierwszą decyzją było nadzorowanie transformacji czterech długowłosych nastolatek: ubrany w najnowsze spodnie i krawaty w kwiaty z Carnaby Street, zmusił je do fryzury w stylu modnym i zachęcał do używania lakieru do włosów. To ostatnie zdenerwowało niektórych członków grupy, ale nie Davida, który był już zauroczony dandysowatym wizerunkiem modsów i ich nowym rzecznikiem, The Who. Horton zapewnił Lower Third serię letnich koncertów, a zespół zaczął zachowywać się jak grupa Rogera Daltreya i Pete”a Townshenda, rozbijając swoje instrumenty na koniec występów. „Byliśmy znani jako drugi najbardziej awanturniczy zespół w Londynie” – wspominał po latach Denis Taylor. 31 sierpnia Lower Third nagrali demo z dwoma utworami, Baby That”s a Promise i Silly Boy Blue, w których nadal widać wpływ takich grup jak Kinks i Small Faces, ale także wpływ Motown R&B.

W tym czasie piosenkarz oficjalnie przyjął pseudonim sceniczny „David Bowie”, aby uniknąć pomyłek z Davy Jonesem z Monkees. Później opowiadał, że wybrał nazwę w nawiązaniu do noży myśliwskich o tej samej nazwie: „Chciałem czegoś, co wyrażałoby chęć przecięcia kłamstw i tego wszystkiego”. Podobno inspiracja przyszła do Davida po obejrzeniu filmu „Bitwa o Alamo” z 1960 roku, w którym w rolę nożownika Jima Bowiego wcielił się Richard Widmark.

Ralph Horton nie okazał się najlepszym nabytkiem Lower Third pod względem możliwości finansowych i potencjału, do tego stopnia, że to właśnie on, świadomy własnych ograniczeń, skontaktował się z Kennethem Pittem, menedżerem Manfreda Manna (i Boba Dylana podczas jego trasy koncertowej po Wielkiej Brytanii) i poprosił go o pomoc dla Lower Third. Pitt odmówił, ale doradził Davidowi zmianę nazwiska, aby nie mylono go z Davy Jonesem, który stawał się sławny z Monkees. Kilka dni później, 17 września 1965 roku, David ogłosił reszcie zespołu, że od tej pory będzie znany jako David Bowie. Niedługo potem Bowie i Lower Third podpisali kontrakt z wytwórnią Pye Records, która wkrótce wyprodukowała ich pierwszą płytę z producentem Tonym Hathem.

2 listopada zespół nie przeszedł przesłuchania do programu telewizyjnego BBC, gdzie wykonał rockową wersję Chim Chim Cheree (utwór z filmu Mary Poppins), Out of Sight (cover Jamesa Browna) i Baby That”s a Promise. Jeden z ostrych komentarzy komisji na temat Bowiego brzmiał: „Typ cockneya, nieszczególnie oryginalny, wokalista bez osobowości, śpiewający złe nuty i bez melodii”.

Rok 1965 zakończył się nagraniem trzech piosenek w Pye Studios w Marble Arch: Now You”ve Met The London Boys (przerobionej i wydanej rok później jako The London Boys), oraz tego, co miało być stronami A i B nowej płyty 45: Can”t Help Thinking About Me i And I Say To Myself. W Sylwestra grupa zagrała z Arthurem Brownem w Paryżu i została na kilka dni. Wydanie singla było bliskie, ale preferencyjne traktowanie Davida podczas kampanii reklamowej przyczyniło się do powstania rozdźwięku między nim a resztą grupy. Wszystko stanęło na głowie 29 stycznia 1966 roku w Bromel Club w Bromley, kiedy to Lower Third odmówili gry po tym, jak Horton powiedział im, że nie dostaną zapłaty tego wieczoru. Rozpad zespołu sprawił, że Bowie został z jednym singlem do wypromowania i bez zespołu, który mógłby mu towarzyszyć. Mimo kilku zachęcających recenzji, płyta (jego pierwsza w USA) okazała się klapą jak jej poprzedniczki, ale wzbudziła na tyle duże zainteresowanie, że Bowie udzielił pierwszego wywiadu w Melody Maker 26 lutego, a 4 marca wystąpił w programie ITV Ready Steady Go!, gdzie wykonał utwór z nowym zespołem The Buzz.

David Bowie i The Buzz, czyli John Hutchinson (gitara), Derek Fearnley (bas), John Eager (perkusja) i Derek Boyes (klawisze), dali pierwszy z serii występów na żywo na Uniwersytecie w Leicester 10 lutego 1966 roku. O swoim spotkaniu z Bowiem, Hutchinson powiedział po latach: „Po raz pierwszy spotkałem go po tym, jak spędziłem rok grając rhythm and bluesa z Apaches w Göteborgu w 1965 roku. Pojawiłem się na bardzo profesjonalnym przesłuchaniu w klubie Marquee na Wardour Street w Londynie w sobotni poranek i wszystko poszło dobrze. Myślę, że David wybrał mnie, ponieważ miałem na sobie szwedzkie ubrania, zamszową kurtkę, dżinsy i niebieskie chodaki, nikt w Anglii nie widział czegoś takiego do tego czasu i myślę, że Bowie był pod wrażeniem. Byłem też najlepszym z gitarzystów, którzy i tak stawili się na przesłuchanie!”.

Trzy dni po telewizyjnym występie w programie Ready, Steady, Go! zespół nagrał płytę Do Anything You Say, która została wydana jako 45-ka 1 kwietnia i przypisana tylko Davidowi, co pozwoliło uniknąć nieporozumień obecnych w poprzednich zespołach. „Od pierwszego dnia”, powiedział perkusista John Eager, „zdawaliśmy sobie sprawę, że tak naprawdę jesteśmy Davidem i jego backing bandem”. Ralph Horton ponownie skontaktował się z Kennethem Pittem, a w międzyczasie zespół rozpoczął serię koncertów w Marquee Club, nazwanych ”Bowie Showboat”, które miały odbywać się w niedzielne popołudnia do 12 czerwca. Po udziale w drugim z tych koncertów Pitt został oficjalnie menedżerem Bowiego, a Horton objął rolę asystenta i organizatora koncertów.

15 czerwca John Hutchinson zdecydował się opuścić Buzz z powodu braku zapłaty, a w ciągu następnych kilku tygodni Bowie był zmuszony do zagrania kilku koncertów bez gitarzysty, zanim podpisał kontrakt z byłym Anteeeks Billy Grayem. Jednak producent Tony Hatch postanowił wykluczyć resztki zespołu z nagrywania nowego singla I Dig Everything, który miał się ukazać w następnym miesiącu, i skorzystać z usług kilku sesyjnych graczy. Płyta ukazała się 19 sierpnia i okazała się kolejną komercyjną porażką, mimo kilku zachęcających recenzji w prasie branżowej, więc we wrześniu Tony Hatch i Pye zwolnili Bowiego z kontraktu. Nowemu menadżerowi udało się zainteresować Deram Records i producenta Mike”a Vernona, z którym wkrótce nagrał swój debiutancki album zatytułowany po prostu David Bowie.

Ale z Buzzem nie działo się najlepiej, głównie z powodu nowego kierunku narracyjnego, w którym podążały piosenki Bowiego. Grupa przestała istnieć 2 grudnia po koncercie w Shrewsbury, w tym samym dniu, w którym ukazała się Rubber Band, chociaż Boyes, Fearnley i Eager nadal uczestniczyli w nagrywaniu Davida Bowie (i innych niealbumowych utworów, jak The Laughing Gnome) do lutego 1967 roku.

Pod koniec roku, podczas sesji do albumu, David napisał także piosenkę dla angielskiego aktora i piosenkarza Paula Nicholasa, do której dołożył także chórki. Trzeci singiel Oscara (pseudonim sceniczny używany przez Nicholasa) z czerwca 1967 roku nosi tytuł Over the Wall We Go i żartobliwie opowiada o zbiegłych skazańcach i niekompetentnych policjantach.

Space Oddity i wczesne sukcesy (1967-1969)

Coraz bardziej nastawiony na karierę solową, w 1967 roku na krótko dołączył do kilku zespołów, a z Riot Squad nagrał Little Toy Soldier, sadomasochistyczną piosenkę z wyraźnymi odniesieniami do Venus in Furs zespołu Velvet Underground. Dekadenckie zacięcie Lou Reeda ustępuje jednak miejsca atmosferze music-hallu, wzbogaconej o krzyki, kaszel, skrzypienie sprężyn, eksplozje i inne odgłosy wydawane przez inżyniera dźwięku i przyszłego producenta Space Oddity, Gusa Dudgeona.

W kwietniu następnego roku ukazała się nowa 45-ka, The Laughing Gnome, opisana przez Roya Carra i Charlesa Shaara Murraya z New Musical Express jako „bez wątpienia najbardziej żenujący przykład iuvenalii Bowiego”, a przez biografa Davida Buckleya jako „całkowicie głupia, choć przewrotnie chwytliwa”. Mimo braku sukcesu singla, w czerwcu 1967 roku ukazał się jego pierwszy album David Bowie. W międzyczasie zostały nagrane inne utwory dla Deramu, ale Deram odmówił ich wydania, również z powodu słabej sprzedaży albumu. Aktor i mim Lindsay Kemp powiedział później: „Słuchałem tego aż do znudzenia”. Jesienią tego samego roku nagrane zostały Let Me Sleep Beside You i Karma Man. Te również nie zostały wydane przez Deram, ale pierwsza z nich była początkiem jednej z kluczowych współpracy Bowiego z Tonym Viscontim, którego poznał w studiu swojego wydawcy Davida Platza.

Mniej więcej w tym czasie rozpoczęło się jego doświadczenie filmowe, wraz z udziałem w krótkometrażowym filmie Michaela Armstronga, The Image; mówiąc o nim ponownie w 1983 roku, Bowie opisał go jako „podziemną awangardową rzecz w czerni i bieli, zrobioną przez pewnego gościa…. Chciał nakręcić film o malarzu rysującym portret nastolatka, który ożywa i w gruncie rzeczy okazuje się czyimś trupem. Nie bardzo pamiętam fabułę… to było straszne”.

Po wykonaniu nowego singla Love You Till Tuesday w holenderskim programie telewizyjnym Fanclub i występie na Stage Ball w Londynie, tańcząc dla organizacji charytatywnej British Heart Foundation, gdzie śpiewał z Bill Savill Orchestra, 18 grudnia 1967 roku wykonał „sesję BBC” dla programu radiowego Top Gear Johna Peela, w której Bowiemu towarzyszyła szesnastoczęściowa orkiestra Arthura Greenslade”a. Następnie, 28 grudnia, w Oxford Playhouse zakończył się pierwszy pokaz spektaklu Pierrot in Turquoise, opartego na trójkącie miłosnym między Pierrotem, Columbine i Harlequinem. Cloud, w którego wcielił się Bowie, był swego rodzaju narratorem-charakterem, którego ciągłe zmiany miały na celu zmylenie i oszukanie nieszczęsnego bohatera. Podczas koncertu wykonał When I Live My Dream i Sell Me a Coat, a także trzy specjalnie napisane kompozycje (Threepenny Pierrot, Columbine i The Mirror), a akompaniował mu na fortepianie Michael Garrett. Lokalna gazeta „Oxford Mail” napisała: „David Bowie skomponował kilka fascynujących piosenek, które śpiewa wspaniałym, rozmarzonym głosem”, stwierdzając jednocześnie, że spektakl jako całość „udaje mu się jedynie zasugerować uniwersalne prawdy, które Marcel Marceau potrafi wyrazić”.

27 lutego 1968 roku Bowie pojechał do Hamburga, aby nagrać trzy piosenki dla programu ZDF 4-3-2-1 Musik Für Junge Leute. Po powrocie nagrał z Viscontim In the Heat of the Morning i London Bye Ta-Ta, ale odmowa wydania ich przez Deram skłoniła piosenkarza do opuszczenia wytwórni na dobre.

Wiosną z pewnym powodzeniem kontynuowano przedstawienia Pierrota w turkusie w londyńskich teatrach Mercury Theatre i Intimate Theater. Następnie Bowie nagrał drugą sesję piosenek w BBC, po czym wystąpił w Middle Earth Club w Covent Garden, gdzie supportował T. Rex, oraz w Royal Festival Hall. Na obu występach wykonał krótką pantomimę Jetsun and the Eagle, która dała początek utworowi Wild Eyed Boy z płyty Freecloud, zainspirowanemu tybetańskim klerykiem i poetą Milarepą i wykonanemu z podkładem muzycznym, w skład którego wchodził Silly Boy Blue.

Po przelotnym występie w The Pistol Shot, dramacie BBC opartym na życiu rosyjskiego poety Puszkina, Bowie zamieszkał ze swoją partnerką Hermioną w londyńskiej dzielnicy South Kensington, i zaczął planować jednoosobowe show specjalnie dla kabaretów, układając repertuar, w którym na przemian pojawiały się jego własne piosenki (When I”m Five, Love You Till Tuesday, The Laughing Gnome, When I Live My Dream, Even a Fool Learns to Love) i covery Beatlesów, takie jak Yellow Submarine i All You Need Is Love; W lecie zorganizował dwa przesłuchania do swojego spektaklu, ale oba zakończyły się niepowodzeniem. Następnie założył akustyczne trio Turquoise z Hermioną i Tonym Hillem, byłym gitarzystą Misunderstood, z repertuarem, który zawierał niektóre z jego bardziej dziwacznych kompozycji, w tym niewydany Ching-a-Ling i wybór coverów, które reprezentowały pierwsze podejście Bowiego do twórczości Jacquesa Brela.

Pierwszy prawdziwy koncert Bowiego odbył się 14 września w Roundhouse w Londynie; po kilku występach odszedł gitarzysta Tony Hill, a jego miejsce zajął John Hutchinson. Przemianowany na Feathers, zespół zadebiutował 17 listopada w Country Club w Haverstock Hill. Oprócz piosenek, trio na zmianę recytowało poezję, a Bowie zaprezentował swój pantomimiczny utwór The Mask.

Podczas gdy dwie grupy Slender Plenty i The Beatstalkers wydały piosenkę napisaną przez Bowiego w poprzednim roku, Silver Tree Top School for Boys, ostatnie występy w tym roku były dla niemieckiej telewizji: drugi występ w programie 4-3-2-1 Musik Für Junge Leute i występ w programie Für Jeden Etwas Musik, gdzie Bowie zagrał utwór mimiczny i zaśpiewał piosenkę.

Kolejne ważne dla Bowiego spotkanie miało miejsce na początku 1969 roku, z 19-letnią Amerykanką Mary Angelą Barnett, która cztery miesiące później została jego partnerką, a następnie żoną w marcu 1970 roku; ale spotkanie z Barnett wiązało się przede wszystkim ze wspólną znajomością z Calvinem Markiem Lee, europejskim dyrektorem działu A&R nowojorskiej Mercury Records, którego Bowie poznał już w 1967 roku, na spotkaniu z dyrektorem generalnym Simonem Hayesem. Według biografów Petera i Leni Gillmanów, wydaje się również, że Calvin Mark Lee był zaangażowany w związek z piosenkarką, który wykraczał poza zwykłą przyjaźń, i być może był to „trójkąt”, o którym Bowie wspomniał wiele lat później, kiedy prowokacyjnie stwierdził w jednym z wywiadów, że poznał swoją przyszłą żonę, kiedy „oboje chodziliśmy z tym samym mężczyzną”.

22 stycznia Bowie nagrał reklamę lodów Lyons Maid”s Luv w reżyserii Ridleya Scotta, a cztery dni później rozpoczął kręcenie teledysku do albumu Love You Till Tuesday. W tym okresie wraz z Johnem Hutchinsonem dał swój pierwszy w tym roku występ na żywo na Uniwersytecie w Sussex. Brał także udział w niektórych trasach koncertowych Tyrannosaurus Rex, wykonując sekwencje mimiczne, a także bezskutecznie próbował dostać się na przesłuchanie do musicalu Hair w londyńskim Shaftesbury Theatre.

W tym samym czasie Bowie i Hutchinson porzucili pantomimę i poezję, a skupili się na bardziej wyrafinowanych folkowych brzmieniach, opartych na podwójnych gitarach akustycznych i harmoniach wokalnych. Nagrali dziesięcioczęściowe akustyczne demo, które stało się podstawą do stworzenia nowego albumu.

Przed wakacjami piosenkarz i jego nowa partnerka, dziennikarka Sunday Times Mary Finnigan, założyli klub folkowy w pubie Three Tuns w Beckenham i zaczęli organizować cotygodniowe spotkania, na które przychodziło coraz więcej intelektualistów, poetów, studentów filmowych i innych kreatywnych ludzi. Ta nowa rzeczywistość została nazwana Wzrostem.

14 czerwca Bowie i Visconti byli gośćmi Strawbs w programie BBC Colour Me Pop, a kilka dni później rozpoczęły się nagrania nowego LP w Trident Studios w Soho, gdzie inżynier dźwięku Dudgeon nadzorował dwa utwory, które złożyły się na pierwszą płytę 45, Space Oddity i Wild Eyed Boy z Freecloud. Sesje te były dla Bowiego okazją do zagrania z nowymi muzykami, którzy później ponownie z nim współpracowali: basistą Herbie Flowersem, który zagrał również na albumie Diamond Dogs z 1974 roku, Rickiem Wakemanem, który pracował przy albumie Hunky Dory z 1971 roku oraz samym Viscontim.

Zaledwie trzy tygodnie po nagraniu i na czas pierwszego lądowania na księżycu Apollo 11, płyta Space Oddity 45 została wydana 11 lipca 1969 roku w dwóch różnych wersjach, zarówno w Wielkiej Brytanii, jak i w USA, z dobrym przyjęciem w prasie branżowej.

Pod koniec miesiąca udał się z Pittem do Valletty na Malta Song Festival, gdzie Bowie wykonał When I Live My Dream i wcześniej niewydany No-One; Someone, a kilka dni później odbył się jego pierwszy występ we Włoszech w Monsummano Terme, na International Record Award, gdzie zdobył swoją pierwszą nagrodę za When I Live My Dream.

Nagrania trwały przez całe lato, a Visconti zwerbował na tę okazję kilku innych muzyków, w tym gitarzystę Rats, Micka Ronsona, który oficjalnie zadebiutował z brytyjskim wokalistą, grając krótką gitarową solówkę w środkowej części Wild Eyed Boy z Freecloud. W połowie sierpnia na Beckenham Recreation Ground odbył się darmowy festiwal zorganizowany przez Growth, pracownię artystyczną Bowiego, na którym wystąpili również Strawbs. Przybyło na niego około 3 000 osób, a wydarzenie to zostało uwiecznione w piosence Memory of a Free Festival, choć wydaje się, że nastrój Bowiego tego dnia był sprzeczny z nostalgicznymi uczuciami wyrażonymi w piosence, być może z powodu śmierci jego ojca, który zmarł kilka dni wcześniej na zapalenie płuc. Festiwal w Beckenham był jednak odejściem Bowiego od ruchu hippisowskiego, zdegustowanego miernotą i indolencją wielu jego zwolenników, a także ostatnim aktem warsztatów artystycznych Growth, w których zasadniczo uczestniczyli apatyczni widzowie, a nie aktywni współpracownicy.

Pod koniec sierpnia, po nagraniu wersji Space Oddity dla holenderskiego programu telewizyjnego Doebidoe, udało mu się nakłonić Pitta do podpisania kontraktu z Mercury Records na nową płytę, która miała być dystrybuowana w Wielkiej Brytanii przez jej filię Philips. Wybór producenta początkowo padł na George”a Martina, ale ostatecznie wybrano Tony”ego Visconti.

Po występie na żywo w Library Gardens w Bromley, w październiku zanotował swój pierwszy występ w programie BBC Top of the Pops, gdzie wykonał utwór Space Oddity, który osiągnął wtedy numer 5 na brytyjskiej liście przebojów i był jego pierwszym prawdziwym hitem. Potem nastąpiło nagranie BBC z Junior”s Eyes dla Dave Lee Travis Show. W tym samym czasie Bowie i Barnett przenieśli się do Beckenham do budynku Haddon Hall, który w późniejszych latach stał się nieoficjalnym studiem nagraniowym, a także studiem fotograficznym i przestrzenią wspólną dla świty piosenkarza. W tym okresie wielokrotnie wykonywał przebój Space Oddity, m.in. w programie Hits à gogo telewizji szwajcarskiej oraz w programie 4-3-2-1 Musik für Junge Leute telewizji ZDF.

Zbiegło się to w czasie z wydaniem jego drugiego albumu, który w Wielkiej Brytanii ukazał się jako David Bowie, pod tym samym tytułem co jego pierwszy LP, a w USA jako Man of WordsMan of Music; dopiero w 1972 roku został ponownie wydany przez RCA jako Space Oddity, pod którym stał się znany na zawsze. Winyl zdobył tytuł najdroższej płyty, jaka kiedykolwiek została sprzedana na Discogs w 2016 roku. Bowie, który wykonał kilka utworów z nowej płyty, na przemian z coverami, nie miał jeszcze zbyt wielu doświadczeń na żywo, a te nieliczne ograniczały się głównie do nagłośnionego rhythm and bluesa, więc nie był przygotowany na chłodne przyjęcie jego nowego, akustycznego stylu: „Nie zdawałem sobie sprawy, jaka jest publiczność w tamtym czasie. Było tam odrodzenie modów, które przerodziło się w ruch skinheadów. Uważali, że jestem nie do zniesienia.

W tym okresie, po ścięciu włosów na wojskową fryzurę w związku z udziałem kilka miesięcy wcześniej w filmie „The Virgin Soldiers”, w którym zagrał rolę żołnierza, zaprezentował się z niechlujną, kręconą trwałą, którą nosił do początku lat siedemdziesiątych.

Pod koniec 1969 roku wziął udział w bardzo udanym koncercie w Royal Festival Hall, choć nieobecność dziennikarzy uniemożliwiła relacjonowanie tego wydarzenia w prasie krajowej. Wśród nielicznych recenzentów koncertu znalazł się Tony Palmer z Observera, który określił go jako „palący” i stwierdził, że Space Oddity było „spektakularnie dobre”, choć inne wykonania, takie jak An Occasional Dream określił jako „ponure, monotonne i pełne użalania się nad sobą”.

Rok 1969 zakończył się nagraniem Ragazzo solo, ragazza sola, włoskiej wersji Space Oddity, choć z tekstem niezwiązanym z oryginałem, oraz Hole in the Ground, który został wykonany na koncercie charytatywnym Save Rave ”69. Mimo, że drugi album okazał się komercyjną porażką, sprzedając się w Wielkiej Brytanii do marca 1970 roku w nakładzie nieco ponad 5 tysięcy egzemplarzy, Bowie został uznany za najlepszego nowego artystę w plebiscycie czytelników Music Now!, a Penny Valentine z Disc and Music Echo uznała Space Oddity za album roku.

Metamorfoza: od „folku” do „glam rocka” (1970-1971)

Ich pierwsze angaże w 1970 roku to nagranie The Looking Glass Murders, telewizyjna adaptacja Pierrot in Turquoise, która została nakręcona w Gateway Theatre w Edynburgu, oraz nagranie The Prettiest Star, z udziałem Marca Bolana na gitarze prowadzącej. Kariery dwóch przyszłych gwiazd, których producentem był Visconti, skrzyżowały się kilkakrotnie w latach 70. Tymczasem na koncercie w Marquee Club doszło do ponownego spotkania z Mickiem Ronsonem, który został etatowym gitarzystą Bowiego, dołączając do Viscontiego i perkusisty Junior”s Eyes, Johna Cambridge”a. Nowa grupa nazwana została Hype, skrót od hypocritical, ironii Bowiego na temat hipokryzji otaczającej świat muzyki alternatywnej. „Celowo wybrałem tę nazwę, ponieważ chciałem czegoś, co brzmiało trochę mocniej, więc teraz nikt nie może powiedzieć, że został wprowadzony w błąd” – powiedział Bowie w wywiadzie dla Melody Maker. Nowy kwartet zadebiutował na sesji BBC w lutym następnego roku. Wkrótce potem Hype zadebiutowali na koncercie w londyńskim Roundhouse, gdzie po miesiącach osobistych eksperymentów z kostiumami i makijażem nastąpiła metamorfoza: Bowie zmusił grupę do założenia ekstrawaganckich strojów uszytych przez żonę i dziewczynę Viscontiego. Każdy z członków zespołu przybrał też tożsamość postaci z komiksu, a Bowie, w wielobarwnych lureksowych pończochach, wysokich butach i niebieskiej pelerynie, stał się „Rainbowmanem”. Koncert uznaje się za narodziny glam rocka, ale publiczność przyjęła go chłodno; nawet członkowie Hype”u wydawali się sceptyczni, z wyjątkiem Bowiego, który zdawał się nie mieć żadnych wątpliwości: „Po tym koncercie przestałem, nie próbowałem innych rzeczy, bo wiedziałem, że to było dobre” – wspominał kilka lat później w New Musical Express – „Wiedziałem, co chcę robić i byłem pewien, że wielu innych też. Ale ja byłabym pierwsza.

Wkrótce potem Bowie powrócił do Szkocji, jako gość Grampian TV”s Cairngorm Ski Night; w towarzystwie dużej orkiestry telewizyjnej wykonał London Bye Ta-Ta i wykonał numer taneczny z Angelą i Lindsay Kemp. W międzyczasie Visconti i Ronson założyli studio nagraniowe w Haddon Hall, gdzie powstała większość materiału z tego okresu. Przyrodni brat Bowiego, Terry Burns, który był wolontariuszem w Cane Hill Hospital, często odwiedzał studio, a wizyty te miały duży wpływ na niektóre z kompozycji, które znalazły się na nowym albumie.

Następnie ukazuje się 45 rpm The Prettiest Star, prawdziwa deklaracja miłości do Barnetta, ciesząca się sporym zainteresowaniem brytyjskich magazynów muzycznych, ponieważ została wydana po sukcesie Space Oddity. Pozytywne przyjęcie przez prasę nie spotkało się jednak z komercyjnym odzewem i singiel nie sprzedał się w nakładzie większym niż 800 egzemplarzy. Na rynek amerykański Mercury Records wolało skupić się na nowym, bardziej zwięzłym i energetycznym nagraniu Memory of a Free Festival, które jednak okazało się porażką.

20 marca 1970 r. David Bowie i Angela Barnett pobrali się w ratuszu w Bromley, w nieformalnej ceremonii z udziałem kilku przyjaciół i matki Bowiego. Pięć dni później The Hype nagrali kolejną sesję w BBC dla programu Andy”ego Ferrisa, po czym rozpadli się, a zespół zagrał swój ostatni koncert w Star Hotel w Croydon. W tym czasie Angela ciężko pracowała, aby pomóc Davidowi, np. nawiązując kontakty z promotorami i ogólnym public relations, rezerwując miejsca, w których jej mąż miał występować, kontrolując oświetlenie i dźwięk na koncertach itp. Przyczyniała się również do nowego, androgynicznego wizerunku męża, doradzając mu m.in. w kwestii doboru kostiumów, fryzur i wystąpień publicznych.

Bowie kontynuował występy na żywo jako artysta solowy, wykonując głównie utwory z Space Oddity, ale także zapowiedzi utworów, które miały znaleźć się na kolejnych albumach. Nagrał również niewydany utwór Tired of my life, który Bowie podobno napisał w wieku 16 lat, a także wydał The World of David Bowie, pierwszy oficjalny zbiór utworów z jego debiutanckiego albumu oraz kilka wcześniej niepublikowanych utworów. Sesje nagraniowe do filmu The Man Who Sold the World rozpoczęły się w Trident Studios w dniach 18 kwietnia – 22 maja. Cambridge”a na perkusji zastąpił Mick „Woody” Woodmansey, były kolega Ronsona z Rats, a Visconti spędził większość sesji próbując pobudzić świeżo upieczonego małżonka, walcząc z jego pozorną apatią do projektu. Zespół rozrósł się do pięciu osób wraz z przybyciem klawiszowca Ralpha Mace”a, dyrektora Philips Records, który stał się punktem odniesienia dla Bowiego w tej wytwórni na początku roku, podczas nagrywania The Prettiest Star.

Po zakończeniu nagrań Bowie zwolnił tempo pracy, a niezadowolony z kierunku, w jakim Pitt próbował poprowadzić jego twórczość, udał się z młodym radcą prawnym Tonym Defriesem do domu menedżera, który zgodził się zwolnić go z wszelkich zobowiązań zawodowych. Obaj rozstali się polubownie, a Defries został pełnoetatowym menadżerem artysty. Pitt pozostał jedną z najbardziej wpływowych postaci wczesnego okresu brytyjskiego piosenkarza, dokonując znaczących osobistych inwestycji, choć znacznie mniejszych niż fundusze udostępnione przez kolegę Defriesa, Laurence”a Myersa, z którym właśnie stworzył Gem Music Group; jego ostatnie spotkanie z Pittem miało miejsce podczas ceremonii rozdania nagród Ivor Novello 10 maja w Talk Of the Town w Londynie, gdzie Bowie zaśpiewał Space Oddity i zdobył nagrodę. Piosenka została wykonana w dużej aranżacji orkiestrowej zaaranżowanej przez Paula Buckmastera i dyrygowanej przez Lesa Reeda, a występ był transmitowany przez satelitę w Europie i USA, ale w Wielkiej Brytanii był grany tylko w radiu.

W międzyczasie, sukces tego samego utworu z poprzedniego roku słabł, więc w październiku Defries wynegocjował ofertę z Chrysalis Records, zapewniając sobie umowę i 5,000 funtów zaliczki, podczas gdy Bowie skierował swoją energię na okres intensywnego pisania. The Man Who Sold the World ukazał się w Stanach Zjednoczonych 4 listopada 1970 roku i został dobrze przyjęty przez krytyków, mimo słabej sprzedaży. Hard rockowe gitarowe granie Ronsona było zauważalną zmianą w stosunku do folkowych i akustycznych klimatów poprzedniego albumu. Teksty były bardziej złożone i mniej proste niż wcześniej, a głębsze tematy przeniosą się na późniejsze utwory Bowiego: seksualna dwuznaczność, rozdwojenie jaźni, izolacja, szaleństwo, fałszywi guru, totalitaryzm. Bowie szybko zaczął myśleć o kolejnym albumie. Bob Grace, dyrektor generalny Chrysalis, wynajął londyńskie studia Radia Luxembourg, gdzie piosenkarka zaczęła nagrywać nowy materiał, w tym utwór Oh! You Pretty Things.

W następnym roku ukazała się nowa 45-tka, Holy Holy, mimo półrocznego opóźnienia w nagraniu spowodowanego negocjacjami kontraktowymi. Kilka dni później utwór został wykonany w programie Granada TV Six-O-One: Newsday, ale nie okazał się hitem. Rok 1971 był przełomowym momentem w karierze Bowiego, w którym Defries odegrał kluczową rolę w realizacji i promocji idei zrodzonych z geniuszu piosenkarza; menedżer radykalnie rewolucjonizował całą organizację, która do tej pory naznaczała jego karierę, i przekonał go do zerwania relacji z Tonym Viscontim, winnym utrzymywania stosunków z Marciem Bolanem, który teraz konkurował z Bowiego jako primadonna glam rocka. Visconti odszedł i skoncentrował się na produkcji Marca Bolana i T. Rex, zachowując nazwę Hype i zatrudniając wokalistę Rats, Benny”ego Marshalla, który dołączył do Ronsona i Woodmanseya. Współpracę z Bowiem wznowił w 1974 roku, kiedy stosunki między piosenkarzem a Defriesem uległy pogorszeniu.

W lutym Bowie wyruszył w swoją pierwszą podróż do Stanów Zjednoczonych na krótką trasę promującą album The Man Who Sold the World. Mimo że małżeństwo z Angelą umożliwiło mu otrzymanie zielonej karty, Bowie nie mógł występować ze względu na umowy związkowe z Amerykańską Federacją Muzyków, a promocja ograniczała się do osobistych występów i wywiadów w Waszyngtonie, Nowym Jorku, Chicago, Filadelfii, San Francisco i Los Angeles. W jednym z tych wywiadów oznajmił Johnowi Mendelsohnowi z Rolling Stone, że chce „wprowadzić pantomimę w tradycyjnym zachodnim otoczeniu, przyciągnąć uwagę publiczności serią bardzo wystylizowanych, bardzo japońskich ruchów”. Przy tej samej okazji oświadczył, że muzyka rockowa „powinna być przebrana za prostytutkę, za parodię samej siebie, powinna być czymś w rodzaju klauna, Pierrota”. Muzyka jest maską, pod którą kryje się przekaz. Muzyka jest Pierrotem, a ja, artysta, jestem przekazem”.

Po tym krótkim amerykańskim interludium Bowie powrócił do Trident Studios, aby ukończyć nowy album Hunky Dory, produkując nowe utwory, w tym Changes i Life on Mars? Wśród zatrudnionych początkowo muzyków znaleźli się studenci Dulwich, którzy przyjęli nazwę Runk, w tym gitarzysta Mark Carr Pritchard, który występował w Arnold Corns, basista Polak de Somogyl i perkusista Ralph St. Laurent Broadbent. Do kolejnych nagrań brani byli pod uwagę także inni muzycy, z którymi współpracował w poprzednich miesiącach, m.in. perkusista Space Oddity Terry Cox i Tony Hill, z którym Bowie znał się od 1968 roku.

The Man Who Sold the World ukazał się w Wielkiej Brytanii prawie rok po zakończeniu nagrań, ale mimo przychylnych recenzji, podobnie jak za oceanem, sprzedaż była fatalna. Kontrakt Bowiego z Mercury miał wygasnąć, ale firma przedłużyła go na kolejny album. W następnym miesiącu do Londynu przybył z Chicago przedstawiciel wytwórni Robin McBride, który zaproponował mu nowy, trzyletni kontrakt. Defries odpowiedział, że jeśli Mercury skorzysta z opcji przedłużenia na nową płytę, to dadzą mu „największy kawał gówna, jaki kiedykolwiek mieli”, informując go, że pod żadnym pozorem Bowie nie nagra kolejnej nuty z Mercury, który zgodził się rozwiązać kontrakt.

Bowie przygotowywał materiał na nowy album w szalonym tempie i wezwał Ronsona i Woodmanseya; Ronson zgodził się i sprowadził basistę Trevora Boldera, który zastąpił Viscontiego. Zaczął się wyłaniać skład przyszłego Spiders from Mars.

Zespół przeniósł się do Haddon Hall, aby odbyć próby nowych kompozycji, a Bowie postanowił wykorzystać nadchodzącą sesję BBC 3 czerwca jako wizytówkę dla nowego kręgu muzyków, w tym przyjaciół Dany Gillespie, George”a Underwooda i Geoffreya Alexandra, aby wykonać kilka nowych utworów, w tym Kooks, skomponowany dla jego syna Zowiego. 23 czerwca Bowie wziął udział w Glastonbury Fayre, na którym wystąpili między innymi Hawkwind, Traffic, Joan Baez i Pink Floyd. Set lista poprzedniego wieczoru była zbyt rozciągnięta, a koncert Bowiego został odwołany, ponieważ władze nalegały, aby impreza zakończyła się o 22.30; niezrażony Bowie rozpoczął grę o 5 rano z pewnymi niedogodnościami, które przerwały Oh! You Pretty Things, a dalej sześć kolejnych utworów, w tym Memory of a Free Festival.

Nagrania Hunky Dory trwały w Trident Studios przez całe lato, a w sierpniu Defries poleciał do Nowego Jorku z 500 promocyjnymi egzemplarzami winyla o nazwie BOWPROMO 1A11B1, na którym z jednej strony znalazły się piosenki Dany Gillespie, a z drugiej nowe nagrania Bowiego, w tym Andy Warhol, Queen Bitch i niewydane Bombers. Po kilku dniach kierownik wrócił z umową z RCA.

Podczas końcowych etapów pracy nad Hunky Dory pojawił się kolejny istotny element w przyszłej karierze Bowiego. Latem 1971 roku w Roundhouse w Londynie wystawiono amerykańską produkcję Pork, adaptację zbioru rozmów Andy”ego Warhola nagranych w szemranych kręgach Nowego Jorku, w której wystąpili transwestyta Wayne County, nieskrępowana Geri Miller i Cherry Vanilla, a Tony Zanetta zagrał samego Warhola. Dla brytyjskiej opinii publicznej sceny masturbacji, homoseksualizmu, narkotyków i aborcji były niedopuszczalną obrazą dobrego smaku. Pokaz zyskał ogromny darmowy rozgłos dzięki oburzonym komentarzom prasy, a dla Bowiego kontakt z dziwactwem Warhola był nowym punktem zwrotnym. To wydarzenie oraz spotkanie z amerykańskim artystą, które miało miejsce miesiąc później, pozwoliło mu połączyć muzykę i performance, zmienić wygląd i wykorzystać media do stworzenia nowego wizerunku gwiazdy rocka. Jego rola na scenie nie ograniczała się już do śpiewaka-muzyka z dobrym wykorzystaniem ruchów ciała, ale do aktora-muzyka.

Przyciągnięty ich śmiałością, mroczną seksualnością, nowojorskim stylem ulicznym i powiązaniami z Warholem, Bowie pośpieszył się z przedstawieniem Defriesowi nowej obsady po powrocie z USA. Kiedy Defries opuścił Gem Music Group w 1972 roku i założył MainMan Management, firmę będącą w całości jego własnością, która miała zająć się ogromnym biznesem, jaki Bowie miał prowadzić, niektórzy z kluczowych graczy Pork”a zostali zatrudnieni i odgrywali w firmie znaczące role.

Po ukończeniu Hunky Dory, Bowie wrócił do Ameryki wraz z Angelą, Defries i Ronsonem, aby podpisać nowy kontrakt z wytwórnią RCA. Podobnie jak w przypadku poprzedniej podróży, Bowie nie mógł wystąpić, ale pobyt pozwolił mu na osobiste spotkanie z Warholem i wykonanie dedykowanego mu utworu. Jak ujawnił Bowie w 1997 roku, Warhol nie zareagował pozytywnie: „Myślę, że myślał, że został upokorzony przez tę piosenkę czy coś, a to naprawdę nie było moim zamiarem, to był ironiczny hołd. Zniósł to bardzo źle, ale spodobały mu się moje buty…. Miałam na sobie parę, którą podarował mi Marc Bolan, jaskrawo kanarkowo-żółtą, z obcasem i zaokrąglonym noskiem, bo Warhol też miał w zwyczaju projektować buty, więc mieliśmy o czym rozmawiać. W tych samych dniach miały miejsce dwa inne ważne spotkania: Dennis Katz z RCA przedstawił go w restauracji Lou Reedowi, a tej samej nocy, na imprezie w Max”s Kansas City, poznał Iggy”ego Popa, spotkanie, które miało okazać się fundamentalne dla ich karier.

Po powrocie do Europy, Bowie kontynuował działalność koncertową i studyjną, a nagrania The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars rozpoczęły się 9 września od coveru utworu It Ain”t Easy amerykańskiego piosenkarza Rona Daviesa. 21 września odbyła się kolejna sesja BBC dla Sounds of the 70s z „szepczącym” Bobem Harrisem, w której Bowie i Ronson zagrali Amsterdam Brela. Cztery dni później odbył się pierwszy występ na żywo z udziałem przyszłych Spiders from Mars, z Tomem Parkerem na fortepianie, w Friars Club w Aylesbury.

8 listopada rozpoczęła się pierwsza prawdziwa sesja, podczas której powstało wiele utworów na nowy album. Znalazły się wśród nich nowe wersje Moonage Daydream i Hang On to Yourself, słynne Ziggy Stardust i Lady Stardust, z których dwa ostatnie zostały zarejestrowane na akustycznym demo w studiach Radia Luxembourg kilka miesięcy wcześniej. Wśród odrzuconych utworów znalazły się między innymi Shadow Man, Sweet Head, Velvet Goldmine, nowa wersja Holy Holy, oraz wykonanie Around and Around Chucka Berry”ego pod zmienionym tytułem Round and Round.

Hunky Dory ukazał się 17 grudnia 1971 roku, w tym czasie Bowie był już w połowie nagrywania kolejnego albumu i pracował nad kolejną zmianą wizerunku i stylu. Nowe dzieło było powrotem do bardziej folkowego brzmienia, zdominowanego przez fortepian Ricka Wakemana i operowe aranżacje Micka Ronsona, a przede wszystkim pokazywało umiejętności Bowiego w pisaniu piosenek, jednak mimo pochlebnych recenzji w prasie branżowej i wydania singla Changes, kampania promocyjna była niewystarczająca, a sprzedaż słaba. W USA zatrzymał się na 93 miejscu listy Billboard 200, a w Wielkiej Brytanii musiał czekać aż do wydania Ziggy Stardust, zanim trafił na listy przebojów. Hunky Dory przez lata wciąż uważany był za jego pierwszy autentyczny „klasyczny” album.

Era Ziggy”ego Stardusta (1972-1973)

Prawdziwy przełom nastąpił w 1972 roku, wraz z albumem The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, na którym towarzyszył mu tytułowy zespół The Spiders from Mars i który zawierał większość jego klasyków, powtarzanych na każdym jego koncercie nawet trzydzieści lat później: od Starmana do Moonage Daydream, Rock ”n” Roll Suicide do Ziggy Stardust i Space Oddity, którego wersję Bowie wykonał w swoim pierwszym teledysku, nakręconym w studiach RCA w Nowym Jorku, w tym samym roku.

W latach 1972-1973 odbył trasę koncertową, podczas której prawdziwy Bowie i postać Ziggy”ego Stardusta zatarli się. Ubrany w obcisłe kolorowe rajstopy, krzykliwe kostiumy i włosy przefarbowane na jasnoczerwony kolor, Bowie rozpoczął pierwszy występ Ziggy”ego w intymnym otoczeniu Tolworth”s Toby Jug Pub 10 lutego 1972 roku. Spektakl, prezentowany później większej publiczności, w ciągu kolejnych sześciu miesięcy tras koncertowych ostatecznie katapultował Bowiego w centrum uwagi brytyjskich mediów, przynosząc mu ogromną popularność i rosnące uznanie zarówno publiczności, jak i krytyków. Na jego koncerty przychodziły hordy młodych chłopców i dziewcząt, którym imponował ostry, melodyjny glam rock i wyzwolona seksualnie postawa efeba Ziggy”ego. The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, łączący hard rockowe elementy The Man Who Sold the World z bardziej popowym i eksperymentalnym podejściem Hunky Dory, został wydany w czerwcu 1972 r. Osiągnął numer 5 w Wielkiej Brytanii i pozostał na listach przebojów przez około dwa lata, napędzając również półroczne Hunky Dory z powrotem na listy przebojów. Sukces ten był w dużej mierze spowodowany występem Bowiego w Top of the Pops, gdzie wykonał singiel (z nowego albumu) Starman, który również osiągnął numer dziesięć. W ciągu kilku tygodni ukazał się również singiel John, I”m Only Dancing, który nie znalazł się na płycie, oraz All the Young Dudes, piosenka napisana i wyprodukowana dla Mott the Hoople, która stała się hitem w Wielkiej Brytanii. Trasa koncertowa „Ziggy Stardust Tour” była kontynuowana w Stanach Zjednoczonych.

W tym okresie Bowie przyczynił się jako producent i muzyk, wraz z Ronsonem, do największego sukcesu komercyjnego w karierze Lou Reeda, albumu Transformer, uznanego za kamień milowy glam rocka.

Kolejnym studyjnym dziełem Bowiego był album Aladdin Sane, który stał się pierwszym albumem Bowiego, który podbił listy przebojów w Wielkiej Brytanii. Opisany przez samego Bowiego jako „Ziggy Goes to America”, aby podkreślić amerykanizację glamowego brzmienia z poprzedniego roku, album zawierał piosenki napisane podczas podróży przez USA na pierwsze daty trasy koncertowej Ziggy Tour, która kontynuowana była w Japonii. Z Aladdin Sane wyodrębniono dwa przebojowe single, które dotarły na szczyt brytyjskiej listy przebojów: The Jean Genie i Drive-In Saturday.

Tytuł wziął się z gry słów odzwierciedlającej ówczesną podwójną osobowość Bowiego: z jednej strony nadnaturalnie zdrowy Aladyn (Aladdin Sane), a z drugiej obłąkany chłopak (A lad insane). Famous stał się ikoną okładki albumu, półdługim zdjęciem Bowiego w makijażu Aladdin Sane, z czerwoną błyskawicą na twarzy, jednym z najbardziej rozpoznawalnych i emblematycznych wizerunków artysty na przestrzeni dekad.

Zamiłowanie Bowiego do aktorstwa i teatralności doprowadziło go do całkowitego zanurzenia się w swoim androgynicznym muzycznym alter ego. Z perspektywy czasu muzyk powiedział: „Na scenie byłem robotem, a poza sceną miałem emocje. Pewnie dlatego wolałem przebrać się za Ziggy”ego niż za Davida. Wraz z sukcesem pojawiły się trudności osobiste: granie ciągle tej samej roli sprawiło, że Bowiemu coraz trudniej było oddzielić swoje postaci od prawdziwej osobowości; „Ziggy,” mówił Bowie, „nie opuszczał mnie przez lata. To był moment, w którym to wszystko zaszło za daleko. Cała moja osobowość została naruszona. Stało się to bardzo niebezpieczne. Zacząłem poważnie zastanawiać się nad swoim rozsądkiem.

Ostatnie koncerty Ziggy”ego, na których znalazły się utwory zarówno z Ziggy Stardust, jak i Aladdin Sane, były całkowicie teatralne i zawierały wystudiowane momenty scenicznego patosu na przemian z niepokojącymi gestami, w tym Bowiego symulującego fellatio z gitarą Ronsona. Zakończył ten okres dramatycznym ogłoszeniem, że odchodzi na emeryturę jako Ziggy, podczas koncertu w londyńskim Hammersmith Odeon 3 lipca 1973 roku, u szczytu swojego sukcesu.

Po rozwiązaniu Spiders from Mars, Bowie próbował na dobre odejść od wizerunku Ziggy”ego. Odzwierciedlając sukces chwili, wszystkie albumy z jego katalogu również dobrze się sprzedawały: The Man Who Sold the World został wznowiony w 1972 roku wraz z Space Oddity. Utwór Life on Mars? został wydany jako singiel w czerwcu 1973 roku i osiągnął numer trzy na brytyjskiej liście przebojów. Pin Ups, kolekcja coverów ulubionych piosenek Bowiego z lat sześćdziesiątych, została wydana w październiku i osiągnęła numer jeden na brytyjskich listach przebojów. W 1973 roku na brytyjskich listach przebojów znalazło się już sześć albumów Bowiego, a sukces komercyjny, przynajmniej w kraju, był już na wyciągnięcie ręki.

Pod koniec roku Bowie miał krótki, ale intensywny związek z Amandą Lear, którą odkrył, gdy zobaczył ją na okładce albumu For Your Pleasure zespołu Roxy Music. To sam Bowie namówił ją do porzucenia modelingu na rzecz kariery piosenkarki, finansując nawet lekcje śpiewu i tańca.

Funk, „plastikowy soul” i Diamond Dogs (1974-1975)

W marcu 1974 roku Bowie wsiadł na pokład transatlantyku SS France i 1 kwietnia przybył do Stanów Zjednoczonych, początkowo osiedlając się w Nowym Jorku.

Album Diamond Dogs z tego samego roku był efektem dwóch różnych pomysłów: przerwanego musicalu opartego na apokaliptycznej przyszłości opisanej w powieści George”a Orwella Rok 1984 oraz pierwszych wpływów soulu i funku, które zaczęły wkradać się do muzyki Bowiego.

Z takimi hitami jak Rebel Rebel i Diamond Dogs, album osiągnął numer jeden w Wielkiej Brytanii i numer pięć w USA. Aby promować album, Bowie wyruszył w spektakularną trasę koncertową Diamond Dogs Tour, występując w największych miastach Ameryki Północnej między czerwcem a grudniem 1974 roku. Bardzo teatralne tournée zbiegło się w czasie z rosnącym uzależnieniem Bowiego od kokainy, które spowodowało u niego szereg problemów fizycznych związanych z osłabieniem organizmu. W kwietniu 1975 roku Bowie przeprowadził się do domu na wzgórzach Los Angeles w Kalifornii, gdzie spędził jeden z najmroczniejszych okresów w swoim życiu, ogarnięty obsesją okultyzmu i wyniszczony silnym uzależnieniem od narkotyków. Jednak ten mroczny okres przyczynił się po części do narodzin jego kolejnej postaci.

Sam Bowie, biorąc pod uwagę jego niepewny stan zdrowia, skomentował swój kolejny koncertowy album, David Live, ironicznie stwierdzając, że powinien on nosić tytuł „David Bowie żyje i ma się dobrze, ale żyje tylko w teorii”. Jednak David Live ugruntował status Bowiego jako gwiazdy rocka, osiągając numer dwa w Wielkiej Brytanii i numer osiem w USA. Po przerwie w Filadelfii, gdzie Bowie nagrał nowy materiał, trasa kontynuowana była z większym naciskiem na muzykę soul, ostatnią wielką pasję Bowiego.

Efektem filadelfijskich sesji był wydany w 1975 roku album Young Americans, na którym Bowie ostatecznie zrzucił z siebie barwną glam rockową osobowość bohatera i rzucił się w wir amerykańskiej czarnej muzyki. Biograf Christopher Sandford napisał: „przez lata wielu brytyjskich muzyków próbowało naśladować czarną muzykę amerykańską, ale niewielu udało się to tak dobrze jak Bowiemu.

Charakterystyczne, wymyślone brzmienie albumu, które Bowie określił jako „plastikowy soul”, było radykalnym odejściem od jego stylu muzycznego. Singiel Fame, napisany wspólnie z Johnem Lennonem i Carlosem Alomarem, pochodził z płyty Young Americans i zapewnił Bowiemu dwutygodniowe pierwsze miejsce na amerykańskiej liście przebojów. Album ten wyznaczył ważny etap w muzycznej ewolucji Bowiego, jako pierwszy z jego albumów odchodził od rocka w stronę bardziej funkowych, soulowych dźwięków, tworząc coś w rodzaju „białego R&B”.

Kiedy Bowie dowiedział się o tych szczegółach, MainMan był już zadłużony, wiele rachunków zarówno w Wielkiej Brytanii, jak i w Stanach Zjednoczonych nie zostało zapłaconych, a wydatki wzrosły, podobnie jak nietrafione inwestycje Defriesa. Bowie poczuł się zdradzony i wykorzystany; jego pierwszą reakcją było ograniczenie wygórowanych opłat za koncerty i przyjęcie bardziej stonowanych kostiumów i scenografii, przemianowanie trasy na „Philly Dogs Tour”. 29 stycznia 1975 roku udał się do biura RCA i ogłosił swoje odejście z MainMan, uzyskując zaliczkę na poczet nadchodzącego Young Americans. Następnego dnia do MainMana dotarł list rozwiązujący umowę.

Lata „Białego Księcia” i trylogia berlińska (1976-1979)

Po wydaniu kolejnego albumu Station to Station w styczniu 1976 roku, w lutym nastąpiła trzyipółmiesięczna trasa koncertowa po Europie i Stanach Zjednoczonych, promująca album i dramatyczne występy nowej persony Bowiego, cienkiego Białego Księcia.

To nowe alter ego stanowiło jeden z wielu artystycznych punktów zwrotnych w jego karierze, dalekiej już od wielobarwnego glam rockowego zgiełku sprzed kilku lat. Biały Książę” wcielał się w postać arystokratyczną o stonowanym i eleganckim ubiorze, hipotetycznych sympatiach prawicowych i silnym zauroczeniu okultyzmem. Choć wiele z tych elementów było jedynie scenicznymi chwytami wielowymiarowego artysty, nazwa „Biały Książę” weszła do zbiorowej wyobraźni publiczności i wkrótce stała się jego najczęstszym pseudonimem do końca kariery.

Z tego okresu pochodzą m.in. tytułowy utwór, nawiązujący do brzmienia niemieckich grup krautrockowych, ballady Word on a Wing i Wild Is the Wind, cover piosenki rozsławionej przez Ninę Simone, a także funkowe utwory TVC 15 i Stay. W skład zespołu, który towarzyszył Bowiemu na scenie, wchodzili: gitarzysta Carlos Alomar, basista George Murray i perkusista Dennis Davis, z którym Bowie będzie związany do końca dekady. Trasa okazała się wielkim sukcesem, ale wzbudziła też kontrowersje polityczne, jak choćby podczas jednego z koncertów w Sztokholmie, gdzie Bowiego oskarżono o wypowiedź: „Wielka Brytania skorzystałaby na pojawieniu się faszystowskiego przywódcy”, a wkrótce potem na granicy polsko-rosyjskiej zatrzymała go straż graniczna za posiadanie nazistowskich pamiątek.

Kulminacją kontrowersyjnej afery było to, co stało się znane jako „incydent na Victoria Station” w Londynie w maju następnego roku. Po południu 2 maja 1976 r., po powrocie do Wielkiej Brytanii po dwuletniej nieobecności, Bowie wyszedł ze stacji, machając lewą ręką do tłumu wielbicieli, co zostało pomylone z nazistowskim salutem, sfotografowane i opublikowane w New Musical Express. Bowie twierdził, że fotograf po prostu „zamroził” gest jego ręki w powietrzu jako część normalnego salutu. Większość brytyjskiej prasy zignorowała ten incydent, ale tabloidy spekulowały na temat rzekomych nazistowskich skłonności Bowiego, podsycając tę historię cytatami z poprzednich lat, takimi jak wywiad Bowiego z Cameronem Crowe, w którym powiedział, że „Adolf Hitler był jedną z pierwszych prawdziwych gwiazd rocka”, czy cytat z piosenki Somebody Up There Likes Me z albumu Young Americans, w której mówił o powrocie Hitlera. Bowie później publicznie przeprosił za te dwuznaczne postawy, zrzucając winę na uzależnienie od kokainy i nadmierną identyfikację z postacią „Białego Księcia”: „Odbiło mi, byłem kompletnie szalony. Bardziej interesowała mnie mitologia niż cały ten Hitler i totalitaryzm.

W tym okresie Bowie po raz pierwszy zetknął się z prawdziwym filmem, grając w filmie science fiction The Man Who Fell to Earth Nicolasa Roega, który obsadził go w tej roli po tym, jak zobaczył go w dokumencie Cracked Actor o zeszłorocznej trasie Diamond Dogs Tour. Z tej okazji David zaczął też komponować utwory instrumentalne, które miały być ścieżką dźwiękową do filmu, a które stały się częścią jego późniejszych nagrań.

W 1976 roku Bowie przeniósł się do Szwajcarii, kupując dużą willę w Blonay, na wzgórzach niedaleko Montreaux nad Jeziorem Genewskim, gdzie jego zażywanie kokainy jeszcze bardziej się nasiliło i poważnie zagroziło jego zdrowiu. Zdeterminowany, by się oczyścić i odciągnąć od stresu związanego ze środowiskiem muzycznym, Bowie zaczął malować, tworząc kilka postmodernistycznych dzieł. Wyrobił sobie także nawyk zabierania w trasę szkicownika, by rysować, gdy poczuł natchnienie, i zaczął fotografować wszystko, co wpadło mu w oko. Jego zainteresowanie malarstwem wzrosło do tego stopnia, że odwiedzał najważniejsze wystawy europejskie, a także wiele galerii sztuki w Genewie, Brücke-Museum w Berlinie i stał się, jak mówi biograf Christopher Sandford, „płodnym producentem i kolekcjonerem sztuki współczesnej”; jego obrazy były pokazywane na wielu wystawach indywidualnych, a niektóre zostały zakupione przez muzea w Wielkiej Brytanii i USA. Poprzez swoją stronę internetową Bowieart.com był również zaangażowany w promowanie i zachęcanie do pokazywania prac młodych artystów.

Przed końcem 1976 r. zainteresowanie Bowiego niemiecką sceną artystyczną skłoniło go do przeniesienia się do Berlina Zachodniego w celu oczyszczenia się i ożywienia kariery. Tutaj rozpoczął owocną współpracę z Brianem Eno i dzielił mieszkanie w Schönebergu z Iggy Popem i Corinne Schwab, jego osobistą asystentką z Los Angeles, której powierzył większość spraw organizacyjnych i kierowniczych.

Schwab był obiektem wielkiej zazdrości ze strony żony Bowiego, Angie, która po kilku dniach spędzonych w Berlinie wróciła do USA. Bowie zadedykował jej utwór Be My Wife z albumu Low, bezskutecznie zachęcając ją do pozostania z nim w tej nowej przygodzie. Małżeństwo od 1973 roku było w rozsypce, ich seksualna pasja słabła, często dochodziło do pozamałżeńskich romansów. Angie twierdziła później, że nie chciała już więcej widywać się z mężem po tym, jak powtarzały się pro-nazistowskie incydenty, takie jak incydent na Victoria Station. Bowie twierdził, że widywali się sporadycznie i prowadzili osobne życie od 1974 roku. Po tym nastąpiła ostateczna separacja i rozwód w 1980 roku.

David zaczął koncentrować się na minimalizmie i muzyce ambient, co miało charakteryzować albumy tzw. trylogii berlińskiej. W tym okresie pomógł również ożywić karierę Iggy”ego Popa, produkując i współtworząc jego pierwszy solowy album The Idiot oraz późniejszy Lust for Life. Podczas trasy koncertowej Iggy”ego Popa po Europie i Stanach Zjednoczonych w marcu i kwietniu 1977 roku, Bowie był klawiszowcem.

Album Low z 1977 roku był częściowo pod wpływem krautrocka Kraftwerk i Neu! i stanowił krok naprzód dla Bowiego jako kompozytora i artysty konceptualnego, odchodząc od prostego popu i rocka, by tworzyć ambitną, bardziej abstrakcyjną muzykę, gdzie teksty były sporadyczne i nieistotne. Pomimo początkowej negatywnej krytyki za pozorną złożoność i nierynkowość, Low dotarł do drugiego miejsca na brytyjskich listach przebojów, produkując również przebojowy singiel Sound and Vision, który również dotarł do trzeciego miejsca na brytyjskich listach przebojów. Z perspektywy czasu, album okazał się być kultowy i doprowadził awangardowych kompozytorów, takich jak Philip Glass, do opisania go jako „dzieło geniuszu o nieporównywalnym pięknie”. Sam Glass skomponował całą symfonię opartą na muzyce i atmosferze albumu, Low Symphony z 1992 roku.

Po minimalistycznym podejściu Low”a, 23 września 1977 roku ukazał się album ”Heroes”, zawierający słynną piosenkę o tym samym tytule, napisaną wspólnie z Brianem Eno; album ten łączył pop i rock oraz poszerzał granice gatunków i był jedynym z trzech albumów Trylogii Berlińskiej, który został nagrany w całości w Berlinie. Podobnie jak Low, Heroes było przesiąknięte zimnowojennym nastrojem, napiętnowane murem, który dzielił miasto na dwie części. Był to kolejny wielki przebój, który osiągnął numer trzy na brytyjskiej liście przebojów. Tytułowy utwór, który osiągnął tylko numer 24 na brytyjskiej liście przebojów w tym czasie, stał się być może najbardziej znanym i ikonicznym utworem w całej karierze Bowiego, przetrwał przez lata jako jego signature song.Pod koniec roku, Bowie wykonał utwór zarówno w programie telewizyjnym Marca Bolana, jak i w świątecznym programie telewizyjnym Binga Crosby”ego, z którym wykonał wersję Peace on EarthLittle Drummer Boy. Duet ten stał się światowym hitem w 1982 roku, osiągając numer trzy w Wielkiej Brytanii.

Po zakończeniu prac nad Low i Heroes, Bowie promował oba albumy, spędzając większość 1978 roku w trasie koncertowej, w której wzięło udział milion osób na 70 koncertach w 12 krajach. Trasa zaowocowała wydanym w tym samym roku koncertowym albumem Stage. Również w 1978 r. ukazał się film Just a Gigolo z Bowiem w roli głównej. Film został źle przyjęty przez publiczność i słabo zrecenzowany przez krytyków.

Ostatnim rozdziałem trylogii był wydany w 1979 roku album Lodger, który z kolei prezentował podejście do minimalistycznej, ambientowej i złożonej muzyki poprzednich dwóch płyt, ale z częściowym powrotem do konwencjonalnego rocka opartego na perkusji i gitarach. W rezultacie powstała złożona mieszanka elementów new wave i world music, z pewnymi wpływami wieloetnicznymi; niektóre utwory zostały skomponowane z wykorzystaniem aforyzmów Briana Eno i Petera Schmidta z Oblique Strategies: Boys Keep Swinging powstał w ten sposób, zachęcając muzyków do „bicia” w instrumenty, podczas gdy Move On wykorzystał progresję akordów All the Young Dudes zagraną do tyłu, a Red Money wykorzystał podstawową ścieżkę instrumentalną Sister Midnight, utworu skomponowanego wcześniej z Iggy Popem. Album został nagrany w całości w prywatnym studiu Bowiego w Szwajcarii i oznaczał tymczasową przerwę we współpracy Bowiego z Brianem Eno, który powrócił do współpracy w latach 90. Lodger osiągnął numer cztery w Wielkiej Brytanii i numer 20 w Stanach Zjednoczonych, a single Boys Keep Swinging i DJ pochodziły z tego albumu. Lodger, choć początkowo postrzegany jako gorsze zakończenie trylogii berlińskiej, z biegiem lat ulegał przewartościowaniu, m.in. ze względu na rozczarowujące wyniki albumów Bowiego z lat 80.

Sukces komercyjny i masowy (1980-1989)

W latach 80. Bowie intensywnie angażował się w film i teatr, zwiększał liczbę scen i skalę tras koncertowych, a jego produkcja płytowa opierała się na wyrafinowanym, gatunkowym popie, z albumami zawierającymi kilka bardziej komercyjnych hitów nadających się do masowego odtwarzania w radiu. Sukces tych singli był napędzany przez sugestywne teledyski, które im towarzyszyły, fenomen wideo, który Bowie znał już wcześniej i który w pełni wykorzystał, jako artysta o wielu twarzach, którym zawsze był.Album Scary Monsters (and Super Creeps) z 1980 roku był wielkim sukcesem, osiągając numer jeden w Wielkiej Brytanii, z gitarowym udziałem Roberta Frippa, Pete”a Townshenda i Toma Verlaine”a. Powstał z tego hit Ashes to Ashes, który dał międzynarodowy rozgłos ruchowi New Romantic, kiedy Bowie zwerbował statystów do teledysku, w tym Steve”a Strange”a z Visage, w klubie nocnym Blitz w Londynie. W teledysku Bowie przebrany jest za przerażającego Pierrota, co jest jednym z jego najsłynniejszych przebrań. We wrześniu 1980 roku Bowie zadebiutował na Broadwayu w sztuce Człowiek słoń, grając zdeformowanego Johna Merricka bez charakteryzacji, zbierając pochlebne recenzje.

W tym samym roku wystąpił w niemieckim filmie Christiane F. – Ścieżka dźwiękowa do filmu, składająca się wyłącznie z jego piosenek z Station to Station, Low, Heroes i Lodger, została wydana kilka miesięcy później i spotkała się z dobrym przyjęciem. W 1981 roku Bowie współpracował z zespołem Queen na ich albumie Hot Space, tworząc duet z Freddiem Mercurym w utworze Under Pressure. Utwór okazał się ogromnym sukcesem, stając się trzecim singlem numer jeden Bowiego w Wielkiej Brytanii. W 1982 roku wystąpił w telewizyjnej adaptacji sztuki Bertolta Brechta „Baal” w BBC. Pięć utworów ze spektaklu, nagranych w Berlinie, zostało wydanych na EP-ce o tym samym tytule. W 1983 roku album Let”s Dance, wyprodukowany wspólnie z Nile Rodgersem z Chic, odniósł ogromny sukces i pokrył się platyną po obu stronach Atlantyku. Po wydaniu albumu Let”s Dance, zespół wyruszył w trasę Serious Moonlight Tour, podczas której wystąpił gitarzysta Earl Slick oraz wokaliści Frank i George Simms. Światowa trasa trwała sześć miesięcy i okazała się wielkim sukcesem, choć niektórzy krytycy zwracali uwagę, że muzyka Bowiego stała się zbyt „skomercjalizowana”. Podczas trasy Bowie występował w nowym wyglądzie, z utlenionymi włosami i opaloną sylwetką, oferując przystępny dance-rock z niepokojącymi tematami i ambitnymi tekstami.

Również w 1983 roku Bowie wystąpił w filmie Furyo, znanym również pod oryginalnym tytułem Merry Christmas Mr. Lawrence, wyreżyserowanym przez Nagisę Ōshimę i opartym na powieści The Seed and the Sower Laurensa van der Posta. Jego występ był chwalony przez krytyków, a film został dobrze przyjęty przez publiczność. W 1984 roku ukazał się Tonight, kolejny taneczny i bardzo komercyjny album, który osiągnął numer jeden w Wielkiej Brytanii, z udziałem Tiny Turner i Iggy”ego Popa. Wśród coverów albumu znalazła się m.in. krytykowana wersja klasyka zespołu The Beach Boys z 1966 roku God Only Knows. Nie zabrakło jednak hitu Blue Jean, który znalazł się w krótkim filmie muzycznym Jazzin” for Blue Jean, który zdobył nagrodę Grammy dla najlepszego krótkometrażowego teledysku.

W 1985 roku Bowie wystąpił z koncertem Live Aid na starym stadionie Wembley w Londynie. Podczas imprezy wyświetlono specjalnie nakręcony teledysk, na którym Bowie w duecie z Mickiem Jaggerem wykonał utwór Dancing in the Street, który później trafił na pierwsze miejsce list przebojów. Później zagrał w filmach Absolute Beginners i Labyrinth, które ukazały się w 1986 roku i do których napisał również ścieżkę dźwiękową. Singiel Absolute Beginners osiągnął numer dwa w Wielkiej Brytanii i numer jeden na europejskiej liście przebojów Eurochart Hot 100 Singles. W 1987 r. wydał album Never Let Me Down, który krytycy ocenili jako nudny, komercyjny, ale który dobrze radził sobie na listach przebojów, w czym pomogła mu nowa światowa trasa koncertowa, masturbacyjno-teatralna Glass Spider Tour.

Krótki okres z Tin Machine (1989-1990)

W 1989 był wokalistą, gitarzystą i saksofonistą w rockowej grupie Tin Machine, tworzonej z Reevesem Gabrelsem oraz braćmi Tonym i Huntem Salesami, z którymi współpracował już w latach 70. przy albumie Iggy”ego Popa Lust for Life; grał też na klawiszach podczas trasy koncertowej udokumentowanej albumem live Tv Eye (1978).

Choć w Tin Machine panowała absolutna demokracja, przywódcza natura Bowiego szybko zaczęła dominować nad dynamiką zespołu, zarówno jako autora piosenek, jak i lidera. W 1989 roku ukazał się debiutancki album zespołu, Tin Machine, który został dobrze przyjęty zarówno przez publiczność, jak i krytyków, choć nadmierne upolitycznienie tekstów budziło pewne obawy. Album osiągnął numer trzy na brytyjskiej liście przebojów, a pierwsza światowa trasa zespołu okazała się sukcesem. Jednak po serii nieudanych singli i rozłamie z EMI, Bowie opuścił wytwórnię, a zespół rozpadł się po wydaniu drugiego albumu studyjnego i albumu koncertowego, oba słabo przyjęte przez publiczność i krytyków. Jeszcze przed wydaniem drugiego albumu zespołu, Bowie powrócił do działalności solowej z trasą Sound+Vision Tour w 1990 roku, która zajęła mu siedem miesięcy, objeżdżając świat ze swoimi starymi przebojami, po wydaniu box setu Sound and Vision, z wielkim uznaniem i ogromnymi zyskami. Planowany był trzeci album studyjny Tin Machine, ale Bowie wolał powrócić do działalności solowej po spotkaniu z Nile Rodgersem (producentem Let”s Dance). Z Rodgersem nagrał Real Cool World, tytułowy utwór ścieżki dźwiękowej do filmu Cool World, który został wydany jako singiel latem 1992 roku.

Elektronika, nowe eksperymenty i powrót do przeszłości (1990-1999)

W 1990 roku przeniósł się na stałe do Nowego Jorku, do mieszkania przy Central Park South 160, na dziewiątym piętrze Essex House, z widokiem na Central Park, i poświęcił się eksperymentom, projektując nowe, bardzo różne od siebie albumy, które ukazywały się na początku lat dziewięćdziesiątych. Powrócił do współpracy z Nile Rodgersem i Brianem Eno, eksplorując gatunki i trendy muzyczne tego okresu, takie jak hip hop, jungle i drum and bass. Również w Nowym Jorku założył Isolar Enterprises, firmę zarządzającą jego katalogiem piosenek, prawami autorskimi, nieruchomościami i wszystkimi działaniami biura prasowego.

W kwietniu 1992 roku wystąpiła na Freddie Mercury Tribute Concert, gdzie wykonała Heroes, All the Young Dudes oraz, wraz z Annie Lennox, Under Pressure. 6 czerwca 1992 r. poślubiła Imana Mohameda Abdulmajida podczas prywatnej ceremonii w kościele episkopalnym św. Jakuba we Florencji we Włoszech.

Album, wyprodukowany przez Nile Rodgersa, dotarł na szczyt brytyjskich list przebojów, z dwoma singlami w Top 40 i jednym w Top 10, Jump They Say, dedykowanym jego przyrodniemu bratu Terry”emu. Później Bowie eksplorował nowe ambientowe trendy w muzyce z The Buddha of Suburbia, ścieżką dźwiękową do mini-serialu telewizyjnego o tej samej nazwie; album otrzymał dobre recenzje, ale był komercyjną porażką, osiągając liczbę 87 na liście przebojów w Wielkiej Brytanii.

Współpraca z Brianem Eno zaowocowała 1.Outside, concept albumem, na potrzeby którego stworzył nowe alter ego, detektywa Nathana Adlera, oraz innych, którzy otrzymali zadanie interpretacji utworów, rozwijając tym samym narrację opowieści. Potępiany i chwalony w równym stopniu, ale w ostatnich latach ponownie oceniany bardzo pozytywnie, album został dobrze przyjęty zarówno w Ameryce, jak i w Europie, a także wyprodukował jedne z najbardziej udanych singli tego okresu, takie jak piosenka Hallo Spaceboy, później wykonywana z Pet Shop Boys. Album miał być częścią trylogii, ale projekt został odłożony na półkę po zakończeniu Outside Tour w lipcu 1996 roku.

17 stycznia 1996 r. Bowie został przyjęty do Rock and Roll Hall of Fame, po czym w lutym 1997 r. otrzymał gwiazdę na Hollywood Walk of Fame. W grudniu 1996 roku Bowie stał się pierwszą gwiazdą rocka notowaną na giełdzie, oferując inwestorom obligacje plasowane na Wall Street. Obligacje Bowiego były ważne przez dziesięć lat, były zabezpieczone głównie wpływami z 287 piosenek z 25 albumów nagranych przed 1990 rokiem, były warte w sumie 55 milionów dolarów i zostały wykupione w całości przez Prudential Insurance Company of New York. Dzięki temu Bowie stał się jednym z najbogatszych piosenkarzy na świecie, a w jego ślady wkrótce poszli tacy artyści jak Elton John, James Brown, Ashford & Simpson czy The Isley Brothers.

W tym samym czasie Bowie zdał sobie sprawę z potencjału sieci i oprócz własnej strony internetowej www.davidbowie.com, wiosną 1996 roku uruchomił BowieNet, pierwszy portal tematyczny stworzony przez piosenkarza, za pośrednictwem którego można było połączyć się z siecią, ale także legalnie pobierać jego muzykę. BowieNet został później nominowany do nagrody Wired Award w 1999 roku jako najlepsza strona rozrywkowa roku i pozostał aktywny do 2012 roku.

W 1997 roku ukazał się nowy album Earthling, zawierający nowe eksperymenty w muzyce jungle i drum and bass; był on bardziej przebojowy dla publiczności niż dla krytyków i wyprodukował przebój Little Wonder, z którym wystąpił również jako gość na 47. festiwalu w Sanremo. W 1999 roku, na potrzeby nowego albumu „hours…”, Bowie ponownie zmienił swój wygląd, porzucając krótkie, kasztanowe włosy na rzecz fryzury „big hair”, przypominającej jego wczesne lata. Album, na którym znalazł się przebojowy singiel Thursday”s Child, został określony przez Rolling Stone jako synteza kariery Bowiego, w której jego fani odnajdą ślady wcześniejszych albumów, takich jak Hunky Dory, Ziggy Stardust, Aladdin Sane, Heroes czy Low.

Poganie, rzeczywistość i emerytura (2000-2013)

W 2000 roku odbyły się sesje do planowanego albumu Toy, który miał być kompilacją nowych wersji niektórych wczesnych utworów Bowiego z dodatkiem trzech nowych piosenek, które jednak niespodziewanie pozostały niewydane.15 sierpnia tego samego roku na świat przyszła córka Davida i Iman, Alexandria Zahra ”Lexie” Jones.

W październiku 2001 roku Bowie otworzył Concert for New York City, imprezę charytatywną na rzecz ofiar ataków terrorystycznych z 11 września 2001 roku, minimalistycznym wykonaniem utworu America Simona & Garfunkela, a następnie klasycznym Heroes.

Również w 2001 roku wykonał wersję Nature Boy na ścieżce dźwiękowej do filmu Moulin Rouge!

Współpraca Bowiego z Tonym Visconti trwała nadal w 2002 roku, kiedy to powstał album Heathen, zawierający wcześniej niepublikowane utwory, po którym nastąpiła długa trasa koncertowa po Stanach Zjednoczonych i Europie w 2002 roku, która rozpoczęła się od londyńskiego festiwalu Meltdown, którego Bowie był kuratorem w tym samym roku, zapraszając takich artystów jak Philip Glass, Television i The Dandy Warhols.

W następnym roku wydał album Reality i odbył trasę koncertową, która spotkała się z wielkim uznaniem, ale została dramatycznie przerwana 25 czerwca 2004 roku, kiedy to po koncercie na Hurricane Festival w Scheeßel, Bowie został przewieziony do Hamburga z powodu poważnego zablokowania tętnicy wieńcowej, którego objawy dały o sobie znać kilka dni wcześniej. Po operacji angioplastyki wieńcowej Bowie wrócił do Nowego Jorku, ale pozostałe jedenaście dat trasy zostało odwołanych.

W następnych latach Bowie trzymał się z dala od sceny, z wyjątkiem kilku rzadkich występów, ale nagrał kilka utworów dla filmu, takich jak jego stary przebój Changes w duecie z Butterfly Boucher do filmu animowanego Shrek 2 z 2004 r., a w 2005 r. napisał (She Can) Do That z Brianem Transeau do filmu Stealth.

Powrócił, by wystąpić na żywo 8 września 2005 roku wraz z Arcade Fire, dla amerykańskiej imprezy telewizyjnej Fashion Rocks, a tydzień później ponownie dołączył do kanadyjskiego zespołu na CMJ Music Marathon. Kilka miesięcy później zaśpiewał w utworze na płycie TV on the Radio „Return to Cookie Mountain”,

8 lutego 2006 roku otrzymał nagrodę Grammy za całokształt twórczości, a po ogłoszeniu w kwietniu, że nie będzie występował przez rok, wystąpił niespodziewanie na koncercie Davida Gilmoura w londyńskim Royal Albert Hall 29 maja. Niektóre z utworów z tego wydarzenia zostały zarejestrowane na DVD Remember That Night: Live at the Royal Albert Hall.

Ostatni koncert na żywo zagrał w listopadzie 2006 roku z Alicią Keys podczas koncertu charytatywnego w Black Ball w Nowym Jorku. W tym samym roku wystąpił jako aktor w filmie Christophera Nolana „Prestiż” w roli Nikoli Tesli.

W 2007 roku nagrał reklamę ze Snoop Doggiem dla amerykańskiej stacji XM Satellite Radio oraz współpracował z Lou Reedem przy albumie No Balance Palace duńskiej grupy rockowej Kashmir. W tym samym roku Bowie został wybrany na dyrektora artystycznego High Line Festival na Manhattanie, a także współpracował przy albumie Scarlett Johansson Anywhere I Lay My Head, na którym znalazły się covery utworów Toma Waitsa. Z okazji 40. rocznicy lądowania na księżycu Apollo 11, w 2009 roku wytwórnia EMI wydała utwory z oryginalnego nagrania Space Oddity w ramach konkursu, do którego zaproszono publiczność, aby nagrała remiks.

W styczniu 2010 roku ukazał się podwójny album koncertowy A Reality Tour, zawierający materiał nagrany podczas ostatniej trasy w 2003 i 2004 roku.

21 stycznia 2009 roku na blogach pojawiła się informacja, że Bowie jest w Berlinie i nagrywa nową płytę, ale wkrótce zostało to zdementowane na oficjalnej stronie artysty.

W marcu 2011 roku, niewydany album Toy, który został anulowany w 2001 roku, został udostępniony do pobrania w Internecie. Zawiera on niektóre z utworów użytych do Heathen i większość stron B singli z tego samego albumu.

W 2012 roku Louis Vuitton zatrudnił go jako nowego rzecznika do swojej amerykańskiej kampanii na 2013 rok.

Powrót z The Next Day (2013-2015)

Po dziesięciu latach nieobecności (w tym kilku latach spędzonych z Viscontim na potajemnej pracy nad nowymi utworami), Bowie ogłosił swój nowy album, The Next Day, 8 stycznia 2013 roku, w dniu swoich 66. urodzin. Tego samego dnia ukazał się singiel i teledysk Tony”ego Ourslera do Where Are We Now?, a następnie The Stars (Are Out Tonight), który został wydany 25 lutego. Album został wydany 12 marca następnego roku i zdobył uznanie krytyki i komercji, zdobywając najwyższe miejsca na listach przebojów na całym świecie. 5 listopada ukazał się The Next Day Extra, specjalna wersja albumu, która oprócz standardowej edycji zawierała również DVD z teledyskami Where are we now?, The Stars are out Tonight, The Next Day i Valentine”s Day oraz cztery wcześniej niepublikowane utwory.

Jesienią 2014 roku Bowie wydał nową antologię, Nothing Has Changed; została ona wydana w różnych formatach i zawierała niewydany utwór Sue (In the Season of Crime), który został również wydany jako singiel. Album odniósł ogromny sukces, szczególnie w Europie, a zwłaszcza w Wielkiej Brytanii, gdzie Bowie zawsze miał twarde jądro fanów. Doszła do dziewiątego miejsca na brytyjskiej liście przebojów, a po kilku miesiącach zdobyła złotą płytę za sprzedaż ponad 100 000 egzemplarzy.

W październiku 2015 roku John Giddins, wieloletni londyński organizator koncertów, ujawnił, że Bowie nie będzie już występował na żywo i nie podejmie się kolejnych tras, nawet w celu promocji The Next Day.

Ostatni album Blackstar i śmierć (2015-2016)

19 listopada 2015 roku Bowie wydał swój nowy singiel Blackstar, pierwszy fragment z albumu o tym samym tytule, a następnie Lazarus, któremu również towarzyszył teledysk emitowany online na trzy dni przed śmiercią. Pod tym samym tytułem 12 grudnia zadebiutował musical o tym samym tytule napisany i wyprodukowany na Broadway przez Roberta Foxa, na którego teatralnej premierze Bowie pojawił się po raz ostatni publicznie.

8 stycznia 2016 roku, w dniu jego 69 urodzin, ukazał się studyjny album Blackstar (stylizowany na ★).

Dwa dni później, w nocy z 10 na 11 stycznia, piosenkarz zmarł nagle w wieku 69 lat, w nieznanym miejscu, ale przypuszczalnie w nowojorskiej klinice onkologicznej, gdzie przypuszcza się, że został poddany eutanazji z powodu nieodwracalnego pogorszenia się stanu guza wątroby, z którym potajemnie walczył od około 18 miesięcy. Wiadomość została ogłoszona na jego oficjalnym profilu na Facebooku, a w kolejnych dniach przyjaciel i producent Bowiego, Robert Fox, ujawnił, że ten zwierzył mu się, że chce podjąć nową, eksperymentalną terapię przeciwnowotworową. Powiedział również, że tylko kilku przyjaciół i członków rodziny wiedziało o jego chorobie, ale równie wielu zaangażowanych w nagrywanie albumu nie wiedziało o diagnozie aż do śmierci Bowiego.

Według producenta Tony”ego Visconti w wywiadzie dla RS America, Bowie zainspirował się albumem rapera Kendricka Lamara To Pimp a Butterfly i był pod wpływem takich grup jak Death Grips i Boards of Canada. Visconti zdradził również prawdziwą naturę większości niewydanych tekstów na Blackstar, które odnoszą się do choroby i zbliżającej się śmierci Bowiego, co sprawia, że publiczność może postrzegać cały projekt jako jego duchowy testament, ostateczne pożegnanie z publicznością.

12 stycznia 2016 roku Blackstar zadebiutował na szczycie UK Official Albums Chart, sprzedając się w ponad 146 000 egzemplarzy i uzyskując certyfikat złota w niespełna dobę po premierze. Album szybko znalazł się na szczytach list przebojów na całym świecie, osiągając numer jeden w 35 krajach, w tym w Australii, Belgii, Francji, Niemczech, Irlandii, Holandii, Szwecji, Danii, Kanadzie, Finlandii, Argentynie, Włoszech i USA, gdzie zadebiutował na pierwszym miejscu Billboard Albums Chart z wynikiem 130 000 sprzedanych egzemplarzy w pierwszym tygodniu, co było poprzednim najwyższym wynikiem sprzedaży Bowiego w tak krótkim czasie. Katalog wszystkich teledysków Bowiego uzyskał ponad 51 milionów wyświetleń w ciągu 24 godzin na Vevo 11 stycznia, przebijając rekord należący do Adele w dniu premiery Hello. Kilka dni później Amazon.com ujawnił, że wyprzedano wszystkie wydania, zarówno winylowe, jak i CD, i nigdy wcześniej nie odnotowano tak wysokiej liczby sprzedaży w tak krótkim czasie.

Wiele osobistości ze świata muzyki wzięło udział w żałobie: 13 stycznia, podczas koncertu w Los Angeles, Elton John przerwał swoją set listę utworów, aby oddać hołd gwieździe rocka. 12 stycznia Madonna również złożyła mu hołd, wykonując cover utworu Rebel Rebel podczas trasy koncertowej Rebel Heart Tour w Houston.

Mick Jagger w imieniu Rolling Stonesów przypomniał na Twitterze, kim dla niego i dla zespołu był Bowie: „wspaniałym i życzliwym człowiekiem”:

W dniu jego śmierci Facebook, Instagram i Twitter szybko zarejestrowały ogromny napływ informacji i wiadomości. Miliony fanów, a także wiele osobistości ze świata muzyki, rozrywki i polityki (m.in. David Cameron, Ariana Grande, Brian May, Bryan Adams, Bruce Springsteen, J.K. Rowling, U2, Kanye West, Paul McCartney, Martin Scorsese i Barack Obama) wyraziło swój żal z powodu śmierci piosenkarza, zostawiając w sieci dedykacje, kondolencje dla rodziny, zdjęcia i filmy.

14 stycznia kilka głównych gazet amerykańskich podało, że szczątki Bowiego zostały skremowane 12 stycznia w New Jersey zgodnie z jego instrukcjami, bez żadnego rytuału sufrażu i bez obecności rodziny i przyjaciół. W oświadczeniu na Facebooku rodzina, dzieci i bliscy przyjaciele Bowiego podziękowali później fanom za ich solidarność i sympatię oraz zapowiedzieli, że zorganizują własne, prywatne nabożeństwo żałobne.

I rzeczywiście, mimo wielu spontanicznych inicjatyw na całym świecie, nie było oficjalnego publicznego upamiętnienia, poza wielkim koncertem w Carnegie Hall, który był zaplanowany już przed śmiercią, ale stał się hołdem dla jego pamięci. Rodzina piosenkarki dała jednak jasno do zrozumienia, że nie proponowała ani nie organizowała takiego wydarzenia i nadal utrzymuje ścisłą tajemnicę na temat tego incydentu. Ze względu na spodziewaną dużą frekwencję, organizatorzy hołdu dodali 1 kwietnia do planowanej daty 31 marca, a w podwójnym hołdzie Bowiego wzięło udział wielu artystów, m.in: Michael Stipe, Blondie, Cyndi Lauper, Mumford & Sons, Pixies i jego przyjaciel Tony Visconti.

29 stycznia 2016 roku gazety poinformowały o warunkach holograficznego testamentu Bowiego, złożonego przez niego u znanego prawnika Herberta E. Nassa i podpisanego „David Robert Jones”. Testament przewidywał kremację ciała i rozsypanie prochów, przy czym to drugie miało się odbyć na wyspie Bali, którą Bowie kilkakrotnie odwiedzał, lub w innym wybranym przez niego miejscu, o ile zachowane zostaną buddyjskie rytuały. Testament podzielił również majątek w wysokości około 100 milionów dolarów, z czego połowa przypadła wdowie Iman, w tym większościowy pakiet udziałów w Isolar Enterprises i duży penthouse przy 285 Lafayette Street, a pozostała połowa, po jednej czwartej, najstarszemu synowi Duncanowi i drugiej córce Lexie, którzy odziedziczyli również dużą posiadłość w Catskills. Ze spadku skorzystały również Corinne „Coco” Schwab, jego osobista asystentka przez ponad 30 lat, która otrzymała 2 mln dolarów i część udziałów w Isolar Enterprises, oraz Marion Skene, jego starsza niania, która otrzymała 1 mln dolarów i zmarła w marcu 2017 roku.

Pracownicy wytwórni Bowiego ogłosili również, że dochód z płyty Blackstar zebrany przez cały styczeń 2016 roku został w całości przekazany na badania nad rakiem.

EP-ka, zatytułowana No Plan, ukazała się 8 stycznia 2017 roku, w dniu, w którym Bowie skończyłby 70 lat. Z wyjątkiem Lazarus, EP zawiera trzy utwory nagrane przez Bowiego podczas sesji do albumu Blackstar, ale pozostawione poza płytą, a później włączone na ścieżce dźwiękowej musicalu Lazarus w październiku 2016 roku. Do tytułowego utworu nakręcono teledysk.

Choć często umieszcza się go wśród artystów glam rocka, art rocka i nowej fali, styl Davida Bowiego jest bardzo trudny do sklasyfikowania.

Początkowo produkcja muzyczna Bowiego opierała się na nostalgicznych dźwiękach, na które wpływ miało pokolenie beat generation z akustycznymi piosenkami folk-rockowymi, po czym nastąpiła metamorfoza lat 70-tych, która doprowadziła Bowiego do stania się jednym z pierwszych i najważniejszych wyrazicieli glam rocka z albumami takimi jak The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (1972) i Aladdin Sane (1973).

W latach 70. styl Bowiego zmieniał się niezliczoną ilość razy, stając się bardziej intymny i inspirowany rockiem progresywnym, dance rockiem, którego był prekursorem. Eklektyzm tych lat potwierdzają mroczniejsze The Man Who Sold the World (1970) i Station to Station (1976), bardziej popowy Hunky Dory (1971), Young Americans (1975), który w nagłej zmianie stylu przesunął punkt ciężkości na gatunek soul, tworząc white soul, oraz „trylogię berlińską” (obejmującą Low, Heroes i Lodger), uważaną za jego najbardziej eksperymentalną i awangardową fazę. W tym ostatnim okresie Bowie pozostawał także pod wpływem krautrocka i rocka eksperymentalnego, interpretując ówczesne trendy, niepokoje i zawirowania, ale także antycypując „nową falę” nadchodzących lat.

Po wielkim sukcesie popowym lat 80-tych, którego dobrym przykładem jest wydana w 1983 roku płyta Let”s Dance, styl Bowiego powrócił do nowych eksperymentów, najpierw wraz z powstaniem pod koniec lat 80-tych grupy Tin Machine, w której Bowie zaproponował hard rock, który został określony jako „metaliczny”. Dalej, z eksperymentalnymi wypadami w stronę elektroniki i industrialu na albumie 1.Outside z 1995 roku, do jungle i techno na albumie Earthling z 1997 roku.

Począwszy od lat 2000 muzyczny styl Bowiego powrócił do wyrafinowanego rocka, nie zdradzając typowo brytyjskiego popowego brzmienia swoich początków, ale na ostatnich albumach nie brakowało bardziej introwertycznych utworów o mglistej stylistyce new wave. Na ostatnim albumie, Blackstar (2016), Bowie gra niemal awangardowe utwory, być może ze względu na jazzujące i eksperymentalne zaplecze zespołu, który nagrał płytę.

Poza wspomnianymi wcześniej współpracami z Lou Reedem, Iggy Popem i Brianem Eno, Bowie współpracował z Bingiem Crosby w świątecznym duecie śpiewając Peace on EarthLittle Drummer Boy dla programu telewizyjnego Merrie Olde Christmas z 1977 roku. Jednak piosenka została zachowana w archiwach przez RCA, Bowiego wytwórni płytowej w tym czasie, aż został wydany jako singiel w 1982 roku, zanim Bowie opuścił RCA dla EMI.Rekord osiągnął numer trzy w Wielkiej Brytanii list przebojów i stał się świąteczny klasyk w latach, zarówno jako piosenka i jako wideo.

Ważna była również współpraca z Johnem Lennonem przy coverze „Across the Universe” The Beatles oraz przy „Fame”, jednej z najbardziej udanych piosenek Bowiego, która znalazła się na albumie „Young Americans” z 1975 roku.

W 1981 roku Bowie współpracował z Queen przy nagrywaniu prawie nieznanej i niewydanej wersji utworu Cool Cat oraz tworzeniu płyty Under Pressure, na której wystąpił w duecie z brytyjską grupą rockową, a także zaśpiewał na koncercie Freddie Mercury Tribute Concert z Annie Lennox i samym osieroconym przez Mercury”ego zespołem Queen. Piosenka, początkowo zatytułowana People on Streets, została skomponowana na podstawie „riffu” basisty Johna Deacona i przypisana Queen i Bowiemu; później znalazła się na albumie Hot Space z 1982 roku.

Z „Białym Księciem” współpracował także m.in. lider Rolling Stonesów Mick Jagger. Wspólnie, w 1985 roku, w ramach wsparcia projektu Live Aid, wyprodukowali wersję piosenki Martha & the Vandellas „Dancing in the Street”, z której pamiętny jest teledysk. Mówi się również, że więź między tymi dwoma gwiazdami rocka była więcej niż zawodowa, a słynna piosenka Angie, którą Stonesi wydali w 1973 roku, została zainspirowana przez Angelę Bowie i pośrednio odnosiła się do czterokierunkowej orgii między nią, Davidem, Mickiem i jego ówczesną żoną Biancą Pérez-Mora Macias. W tym samym roku Bowie nagrał Tonight with Tina Turner, tytułowy utwór albumu z 1984 roku o tej samej nazwie. W duecie wystąpili również podczas trasy koncertowej Tiny Turner „Private Dancer Tour” w 1985 roku.

Z NIN, Bowie otwierał trasę Outside w USA, gdzie wspólnie wykonywali zarówno utwory artysty, jak i zespołu. Jego współpraca z Trentem Reznorem, liderem zespołu, z którym Bowiego łączyła silna przyjaźń, zaowocowała kilkoma remiksami, w tym I”m Afraid of Americans, w którym Reznor wystąpił w teledysku.

Kolejna współpraca miała miejsce z Pet Shop Boys w 1996 roku przy utworze Hallo Spaceboy. Bazując na sukcesie piosenki, która została wydana jako singiel, Bowie wystąpił z Pet Shop Boys w programach muzycznych takich jak Top of the Pops oraz na prestiżowej gali BRIT Awards 1996.

Po współpracy przy debiucie Placebo i zabraniu ich w trasę koncertową jako swoich supportów, Bowie współpracował z nimi dwukrotnie: na singlu Without you I”m nothing, pochodzącym z albumu o tej samej nazwie, wykonali wersję w duecie, a w lutym 1999 roku na Brit Awards wykonali wspólnie cover 20th Century Boy, który Placebo wykonali również w filmie Velvet Goldmine, jako członkowie fikcyjnego zespołu Malcolm & The Flaming Creatures. O bliskiej relacji zespołu z Bowiem świadczyło kilka epizodów: hołd złożony mu za pomocą akustycznej wersji Five Years, wykonany w 2004 roku podczas francuskiego programu telewizyjnego oraz wzruszający list pożegnalny napisany przez Briana Molko tuż po śmierci Bowiego i opublikowany na oficjalnej stronie zespołu.

W 1970 r. ożenił się z Mary Angelą Barnett, z którą w 1971 r. miał syna Duncana Zowie Haywooda Jonesa; rozwiedli się w 1980 r. W 1992 roku poślubił somalijską modelkę Iman Mohamed Abdulmajid w kościele Saint James we Florencji. W 2000 roku urodziła mu się córka, Alexandria „Lexie” Zahra.

Debata na temat seksualności

Pod koniec 1964 r., kiedy był członkiem zespołu Manish Boys, grupa zgłosiła się do BBC na serię koncertów w Star Club w Hamburgu. Piosenkarz zapewnił sobie występ przysięgając niemieckiemu organizatorowi, że jest gejem. Bowie poznał później 14-letnią Danę Gillespie, która została jego dziewczyną i z którą spotykał się do lat 70. W styczniu 1972 roku w Melody Maker ukazał się wywiad, w którym przyznał się do bycia gejem, co wywołało poruszenie i spekulowano, że jest to promocja jego nowego albumu The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars. Mimo to brytyjski ruch gejowski uczynił z Davida swój symbol. Tabu zawsze przyciągało Bowiego, a jego nonkonformizm popchnął go w stronę subkultury homoseksualnej. Mimo to komentarze Davida na ten temat w późniejszych latach były dalekie od wyjaśnienia: „we wrześniu 1976 roku powiedział magazynowi Playboy, by wkrótce potem odpowiedzieć na pytanie innego ankietera, że jest inaczej: „to było po prostu kłamstwo, przykleili mi ten wizerunek i przez kilka lat całkiem dobrze się do niego dostosowałem”. Podczas trasy koncertowej w Nowej Zelandii w 1978 roku ponownie stwierdził, że jest biseksualny, ale w 1983 roku, kiedy Bowie stawał się międzynarodową gwiazdą, wycofał swoje wcześniejsze oświadczenia, mówiąc magazynowi Time, że było to „wielkie nieporozumienie”, a w Rolling Stone nazywając to „największym błędem, jaki kiedykolwiek popełniłem”. W 1987 roku, naciskany na ten temat przez Smash Hits, z rozbawieniem wytknął całą sprawę, pozwalając magazynowi na publikację: „You shouldn”t believe everything you read”. W 1993 roku, ponownie w magazynie Rolling Stone, zaprzeczył pogłoskom o swoim biseksualizmie: „Nigdy nie czułem się prawdziwym biseksualistą, ale byłem magnetyzowany przez podziemną scenę gejowską. To była jakby inna rzeczywistość, w którą chciałem się wkupić. Ta faza trwała tylko do 1974 roku i umarła mniej więcej wraz z Ziggym. Naprawdę, właśnie nadałem sobie status biseksualisty, ironia polega na tym, że nie byłem gejem”. Ostatecznie jednak nawet ta ostatnia wersja została zmieniona ponownie w 2002 roku, uzasadniając wcześniejsze wycofanie się: kiedy Blender zapytał go, czy nadal uważa, że publiczne oświadczenie było jego największym błędem, po długiej przerwie odpowiedział: „Nie sądzę, żeby to był problem w Europie, ale w Ameryce było o wiele trudniej. Nie miałam problemu z tym, że ludzie wiedzieli, że jestem biseksualna. Ale nie miałem skłonności do trzymania sztandarów czy reprezentowania jakiejś grupy ludzi.

Dyskografia Davida Bowiego składa się z 25 albumów studyjnych jako artysty solowego i dwóch z grupą Tin Machine, której był członkiem. Sam Bowie przed śmiercią, w liście do Briana Eno, określił swoje ostatnie dzieło jako swój 25. album. Zawiera również cztery ścieżki dźwiękowe, pięć EP-ek, 15 albumów koncertowych, 50 kolekcji i 113 singli. Szacuje się, że w jego dorobku znajduje się około 720 piosenek, a na całym świecie sprzedano 147 milionów płyt.

Albumy studyjne

Z maszyną do cyny

Albumy na żywo

Ścieżki dźwiękowe

Wideografia

Od zawsze uznawany za jednego z pionierów teledysku, w 1969 roku Bowie miał już na swoim koncie wystarczająco dużo promosów, by stworzyć pełnometrażowy film, jeszcze zanim pojawił się jego pierwszy singiel, który podbił listy przebojów. Jego pierwszym teledyskiem był utwór Space Oddity, wydany w 1972 roku i wyreżyserowany przez Micka Rocka.

Wideografia Bowiego obejmuje 71 promocyjnych teledysków, do tego cztery teledyski innych artystów, w których brał udział, 15 albumów wideo lub kompilacji wydanych na VHS, DVD i 18 gościnnych występów w teledyskach innych artystów.

Nowsze kreacje, takie jak The Hearts Filthy Lesson, Little Wonder czy Survive potwierdzają, że Bowie nadal bada granice teledysku. W nowym tysiącleciu współpraca z takimi reżyserami jak Floria Sigismondi i Johan Renck oraz hollywoodzkimi aktorami, takimi jak Gary Oldman i Tilda Swinton, sprawiła, że teledyski Bowiego stały się prawdziwymi filmowymi krótkometrażówkami.

Wycieczki

Chociaż jego pierwszą oficjalną trasą koncertową było Ziggy Stardust Tour w 1972 roku, działalność Bowiego na żywo rozpoczęła się w 1962 roku z zespołem Kon-rads i trwała z różnymi grupami, które towarzyszyły mu do 1971 roku. Od King Bees i Lower Third do bardziej improwizowanych projektów, takich jak The Riot Squad, Turquoise i Feathers, grupy wykonywały covery rocka i R&B, jak również wczesne oryginalne kompozycje Bowiego, a on sam na przemian występował i mimował.

Od 1972 do 2004 roku, kiedy to odbył swoją ostatnią trasę koncertową, Bowie odbył 16 tras, obejmujących pięć kontynentów.

Aktor

Kina

Telewizja

Reklamy

Voiceover

Kina

Telewizja

Aktor

We włoskich wersjach jego filmów David Bowie był dubbingowany przez:

Filmy dokumentalne

Film biograficzny

Od 1970 roku Bowie zdobył 41 nominacji i 16 nagród (11 za muzykę, 2 za film, 3 za multimedia). W 1996 roku został przyjęty do Rock and Roll Hall of Fame, a rok później uhonorowano go za jego wkład w przemysł rozrywkowy gwiazdą na Hollywood Walk of Fame, przed Hollywood Galaxy Theatre.

W 2000 r. Bowie odmówił przyjęcia tytułu Komandora Orderu Imperium Brytyjskiego, a w 2003 r. tytułu Kawalera tegoż orderu.

Dodatkowe lektury

Źródła

  1. David Bowie
  2. David Bowie
Ads Blocker Image Powered by Code Help Pro

Ads Blocker Detected!!!

We have detected that you are using extensions to block ads. Please support us by disabling these ads blocker.