Alberto Burri

Samenvatting

Alberto Burri (Italiaanse uitspraak: ) was een Italiaans beeldend kunstenaar, schilder, beeldhouwer en arts, gevestigd in Città di Castello. Hij wordt geassocieerd met het matterisme van de Europese informele kunstbeweging en beschreef zijn stijl als polymaterialistisch. Hij had banden met het spatialisme van Lucio Fontana en, met Antoni Tàpies, invloed op de heropleving van de kunst van de naoorlogse assemblage in Amerika (Robert Rauschenberg) als in Europa.

In de rubriek “Overrated and Underrated” van het Amerikaanse kunsttijdschrift ARTnews wordt de naam van Alberto Burri vaak genoemd. Carolyn-Christov-Bakargiev noemt hem bijvoorbeeld in het nummer van januari 2005.

Als je in tijdschriften uit de jaren vijftig kijkt, stond Burri op hetzelfde podium als de meeste Amerikaanse abstracte expressionisten, maar om de een of andere reden is hij in de vergetelheid geraakt. Burri is enorm belangrijk in die naoorlogse periode en internationaal invloedrijk… Ik denk niet dat er een Antoni Tàpies in Spanje zou zijn geweest als Burri er niet was geweest.

Alberto Burri werd geboren op 12 maart 1915 in Città di Castello, in Umbrië als zoon van Pietro Burri, een Toscaanse wijnhandelaar, en Carolina Torreggiani, een Umbrische onderwijzeres. In 1935 bezocht Burri een middelbare overheidsschool in Arezzo en woonde als kostganger in een pension, en zoals zijn schoolrapporten vermeldden, studeerde hij Klassiek op een particuliere school in Città di Castello. Bij zijn terugkeer uit Noord-Afrika werden Burri en zijn jongere broer Vittorio ingeschreven op de medische school in Perugia, en na zijn Afrikaanse avontuur besloot Burri dat hij zich wilde specialiseren in tropische ziekten. Burri studeerde in 1940 af aan de medische school en werd op 12 oktober van dat jaar, twee dagen na de intrede van Italië in de Tweede Wereldoorlog, met een vroegtijdige vrijwillige ervaring in de Italiaans-Ethiopische oorlog, teruggeroepen voor militaire dienst en naar Libië gestuurd als gevechtsarts. Uit legergegevens blijkt dat Burri binnen 20 dagen na dit bevel tijdelijk ontslag kreeg, zodat hij zijn medische stage kon afronden en het diploma kon halen om zich te kwalificeren als arts. Burri beweerde dat hij kunstgeschiedenis studeerde, omdat hij de kunstwerken om hem heen wilde kunnen begrijpen. Hij studeerde ook Grieks, een taal waarin hij zich bekwaamde, en later in zijn leven kon hij de klassieke Griekse literatuur lezen en ervan genieten. Op 8 mei 1943 werd de eenheid waarvan hij deel uitmaakte in Tunesië door de Britten gevangen genomen en later overgedragen aan de Amerikanen en overgebracht naar Hereford, Texas in een krijgsgevangenenkamp waar ongeveer 3000 Italiaanse officieren zaten, waar hij begon te schilderen. Na zijn bevrijding in 1946 verhuisde hij naar Rome en wijdde zich uitsluitend aan de schilderkunst; zijn eerste solotentoonstelling vond plaats in de La Margherita Gallery in 1947. Daarna exposeerde hij in de Marlborough Gallery in New York en in de Gallery de France in Parijs.

Omdat hij zijn medisch beroep niet mocht uitoefenen, kon Burri dankzij de YMCA een vrijetijdsbesteding kiezen. Met het beperkte materiaal dat in het kamp voorhanden was, begon hij te schilderen, op bijna 30-jarige leeftijd en zonder enige academische referentie. Ondertussen had de tragische dood van zijn jongere broer Vittorio aan het Russische front in 1943 een sterke invloed op hem. Hij sloot zich af van de rest van de wereld, en schilderde figuratieve onderwerpen op dikke chromatische sporen, en realiseerde zich geleidelijk aan de wens om het medisch beroep op te geven, ten gunste van de schilderkunst.

Van abstractie naar materie

Toen Burri op 27 februari 1946 terugkeerde naar Italië, botste zijn besluit met de ernstige recessie van na de Tweede Wereldoorlog en de ontevredenheid van zijn ouders. Hij verhuisde naar Rome als gast van de violist en componist Annibale Bucchi, een neef van zijn moeder, die zijn activiteit als schilder aanmoedigde.

In Rome kon hij in contact komen met de weinige, maar zeer actieve instellingen voor schilderkunst, die na de oorlog een nieuw platform voor beeldende kunst creëerden.

Hij bleef een gereserveerd kunstenaar, die onophoudelijk werkte en creëerde, aanvankelijk in een klein atelier in de Via Margutta, maar vaak uitweek. Milton Gendel, een Amerikaanse journalist die Burri”s studio bezocht in 1954, rapporteerde later: “Het atelier is dikwandig, witgekalkt, netjes en ascetisch; zijn werk is ”bloed en vlees”, rode gescheurde stof die parallel lijkt te lopen met het stelpen van wonden die Burri in oorlogstijd meemaakte.”

Burri”s eerste solotentoonstelling van figuratieve kunstwerken vond plaats op 10 juli 1947 in de galerie annex boekhandel La Margherita in Rome, gepresenteerd door de dichters Leonardo Sinisgalli en Libero De Libero. Burri”s artistieke productie vloeide echter voor het einde van datzelfde jaar definitief over in abstracte vormen, waarbij het gebruik van tempera in klein formaat voortvloeide uit de invloed van kunstenaars als Jean Dubuffet en Joan Miró, wiens atelier Burri bezocht tijdens een reis naar Parijs in de winter van 1948.

Burri”s artistieke onderzoek werd in korte tijd persoonlijk, tussen 1948 en 1950 begon hij te experimenteren met het gebruik van ongewone, ”onorthodoxe” materialen zoals teer, zand, zink, puimsteen en aluminiumstof, alsmede polyvinylchloridelijm, waarbij dit laatste materiaal even belangrijk werd als olieverf. Tijdens deze artistieke overgang toonde de schilder zijn gevoeligheid voor het mixed-media type abstractie van Enrico Prampolini, een centrale figuur in de Italiaanse abstracte kunst. Burri ging echter nog een stap verder in zijn Catrami (Teer), waarbij hij teer niet presenteerde als een eenvoudig collagemateriaal, maar als een echte kleur die zich – door middel van verschillende heldere en ondoorzichtige tinten in monochroom zwart – vermengde met de totaliteit van het schilderij.

Zijn “Nero 1” (Zwart 1) uit 1948 werd later door de kunstenaar beschouwd als de eerste mijlpaal van zijn schilderkunst en vestigde de overheersing van de zwarte monochromie, die gedurende zijn hele carrière als hechte identiteit zal worden gehandhaafd, naast het wit, sinds de serie Bianchi (Witten) 1949-50, en het rood.

De volgende serie Muffe (Schimmels) toonde letterlijk de spontane reacties van de gebruikte materialen, waardoor materie tot “leven” kwam in druppels en concreties die de effecten en het uiterlijk van echte schimmel nabootsten. In sommige kunstwerken uit dezelfde periode die hij Gobbi (Hunchbacks) noemde, concentreerde Burri zich op de ruimtelijke interactie van het schilderij, waarbij hij een ander origineel resultaat bereikte door de integratie van boomtakken op de achterkant van het doek, die de tweedimensionaliteit in de richting van de driedimensionale ruimte duwde.

In 1949 publiceerde de criticus Christian Zervos de foto van een Catrame (het jaar daarvoor tentoongesteld in Parijs) in de gerenommeerde Cahiers d”art.

Ondanks Burri”s affiniteit met het informalisme en zijn vriendschap met Ettore Colla, die Alberto dicht bij de Gruppo Origine bracht (opgericht en in 1951 ontbonden door Colla zelf, Mario Balocco en Giuseppe Capogrossi), leek het artistieke onderzoek van de schilder steeds eenzamer en onafhankelijker.

Sacchi en de Amerikaanse opkomst

Vanaf 1952 bereikte Burri een sterke, persoonlijke karakterisering met de Sacchi (Zakken), kunstwerken rechtstreeks verkregen uit juteweefsel dat door het Marshallplan op grote schaal werd verspreid: de kleur verdween bijna geheel, waardoor ruimte ontstond voor het materiaal van het oppervlak, zodat de schilderkunst in haar totale autonomie samenviel met haar materie, aangezien er geen scheiding meer was tussen schilderoppervlak en haar vorm.

De formele artistieke elegantie en de ruimtelijke evenwichten verkregen door middel van aeroform-stomen, kraters, scheuren, overlappende kleurlagen en verschillende vormen, onderscheidden Burri”s kunst, gebaseerd op aandachtige reflecties en nauwkeurige berekeningen, van de impulsieve gebaren die de Action-schilderkunst in dezelfde periode kenmerkten.

Burri bood een eerste blik op deze eigenaardige elementen in 1949, met SZ1 (acroniem voor Sacco di Zucchero 1 wat betekent Zak suiker, 1): de aanwezigheid van een deel van de Amerikaanse vlag in het kunstwerk liep vooruit op het gebruik van hetzelfde onderwerp door de popart. In het geval van Burri waren er echter geen sociale of symbolische implicaties; het enige echte aandachtspunt was het formele en chromatische evenwicht van het schilderij.

Burri”s Sacchi wonnen niet het begrip van het publiek en werden beschouwd als extreem ver verwijderd van het begrip kunst. In 1952, het jaar van zijn eerste deelname aan de Biënnale van Venetië, werden de Sacchi getiteld Lo Strappo (De Scheur) en Rattoppo (Vlek) afgewezen.

Ook in 1959 vroeg een motie van orde van het Italiaanse parlement om verwijdering van een van de werken van de schilder uit de Galleria Nazionale d”Arte Moderna in Rome.

Burri”s werk kreeg een andere en positieve aandacht in 1953, toen James Johnson Sweeney (directeur van het Solomon R. Guggenheim Museum) Burri”s schilderijen ontdekte in de Obelisco Gallery in Rome, en vervolgens het werk van de kunstenaar introduceerde in de Verenigde Staten, in een collectieve tentoonstelling die representatief was voor de nieuwe Europese artistieke tendensen. Deze ontmoeting leidde vervolgens tot een levenslange vriendschap. Sweeney werd een actief pleitbezorger van Burri”s kunst in toonaangevende Amerikaanse musea en schreef in 1955 de allereerste monografie over de kunstenaar. In datzelfde jaar bezocht Robert Rauschenberg twee keer het atelier van de schilder: hoewel de taalverschillen tussen de twee kunstenaars hen verhinderden met elkaar te praten, leverden de bezoeken van Rauschenberg substantiële input voor de creatie van zijn Combine Paintings.

Burri”s sterke band met de Verenigde Staten werd officieel toen hij Minsa Craig (1928-2003) ontmoette, een Amerikaanse balletdanseres (leerlinge van Martha Graham) en choreografe met wie hij op 15 mei 1955 trouwde in Westport, Connecticut. Ze bleven bij elkaar door dik en dun, voor de rest van hun leven.

Goedkeuring van brand

Na enkele sporadische pogingen deed Burri in 1953-54 een zorgvuldig gepland experiment met vuur, door middel van kleine verbrandingen op papier, die dienden als illustraties voor een gedichtenbundel van Emilio Villa. De dichter was een van de eersten die het revolutionaire artistieke potentieel van de schilder begreep. Hij schreef erover sinds 1951 en werkte samen met hem aan kunstenaarsboeken. Later herinnerde hij zich een gemeenschappelijk bezoek aan een olieveld (voor een reportage in 1955 voor het tijdschrift “Civiltà delle Macchine”) als een sterke invloed voor de belangstelling van de kunstenaar voor het gebruik van vuur.

De procedure voor de Combustioni (Verbrandingen) ging rond 1957 over van papier naar de Legni (Bossen), in dunne vellen houtfineer die op doek en andere dragers werden bevestigd.

In dezelfde periode werkte Burri ook aan de Ferri (Strijkijzers), creaties uit metalen platen die met een blaasbrander werden gesneden en gelast, om het algemene evenwicht van de elementen te bereiken. De bekendste toepassing van deze procedure werd bereikt in de Plastiche (Plastieken) in de jaren zestig, toen ook in Italië een geleidelijke openstelling van de kritiek voor Burri”s kunst ontstond.

De brander was slechts ogenschijnlijk een destructief apparaat. De kraters die de vlam modelleerde op cellofaan, zwart, rood of transparant plastic of op de serie Bianchi Plastica (White Plastic), waarin het transparante plastic op een witte of zwarte drager is gelegd, werden immers licht geregisseerd door het blazen van de schilder. Zo werden de evenwichten van de materie opnieuw benadrukt, enerzijds in een soort ”verzet” tegen de willekeur van de vlam, anderzijds in een soort poging tot ”overheersing van het toeval”, eigen aan Burri”s filosofie.

Van Cretto naar Cellotex

Vanaf 1963 brachten Burri en zijn vrouw de winters door in Los Angeles. De schilder maakte zich geleidelijk los van de artistieke gemeenschap van de stad en concentreerde zich volledig op zijn eigen werk. Tijdens zijn vele reizen naar Death Valley National Park vond de kunstenaar in de natuurlijke barsten van de woestijn de visuele prikkel die hem vanaf 1973 aanzette tot het creëren van Cretti (scheuren), waarbij hij het craquelé-effect van zijn kunstwerken uit de jaren veertig verder ontwikkelde.

Met behulp van een speciaal mengsel van kaolien, harsen en pigment droogde de schilder het oppervlak met de hitte van een oven. Burri stopte het verhittingsproces op het gewenste moment met behulp van een PVA-lijmlaag, waardoor grotere en kleinere barsteffecten werden verkregen, die steeds in evenwicht waren dankzij de uitgebreide kennis van de scheikunde van de schilder.

Burri reproduceerde het voor de Cretti gebruikte procédé, zwart of wit, ook in de beeldhouwkunst, op grote uitbreidingen in de Universiteit van Californië, Los Angeles en Napels (Museo di Capodimonte) Grandi Cretti (Grote Scheuren) van gebakken klei (beide 49 x 16) en, het belangrijkst, in de enorme betonnen bedekking van het Cretto di Burri in Gibellina, op de ruïnes van het oude Siciliaanse stadje dat door de aardbeving van 1968 werd verwoest. Begonnen in 1984 en onderbroken in 1989, werd het werk voltooid in 2015, voor de honderdste geboortedag van de kunstenaar. Het is een van de grootste kunstwerken ooit gerealiseerd, met een oppervlakte van ongeveer 85.000 vierkante meter. De witte betonnen bedekking breidt zich uit over de stad, waarbij het oude stratenplan wordt gevolgd in lange verkeersaders en gangen, die beloopbaar zijn, waardoor de verwoeste stad symbolisch weer tot leven wordt gewekt.

In de jaren zeventig ging de kunst van Burri geleidelijk over naar grotere dimensies, terwijl retrospectieven elkaar over de hele wereld opvolgden. De grote solotentoonstelling die in 1977-78 de Verenigde Staten doorkruiste en eindigde in het Solomon R. Guggenheim Museum in New York is daar een voorbeeld van.

In de schilderijencyclus Il Viaggio (De reis) uit 1979 heeft Burri door middel van tien monumentale composities de sleutelmomenten van zijn artistieke productie teruggevonden.

Het bevoorrechte materiaal in deze fase is Celotex (de auteur voegde een l toe aan de naam), een industrieel mengsel van houtproductieschroot en lijm, zeer vaak gebruikt bij de vervaardiging van isolatieplaten. Tot dan toe had de schilder dit materiaal sinds het begin van de jaren vijftig in zijn eerdere werken gebruikt als drager voor zijn acetaat- en acrylwerken.

Daarna werd Cellotex gebruikt voor cyclische series opgevat als polyptiek op een dominante en duidelijke geometrische structuur, via extreem dunne gekraste tinten of juxtaposities van gladde en ruwe delen zoals Orsanmichele (1981), of in zwarte monochrome varianten zoals Annottarsi (Up to Nite, 1985), maar ook in veelkleurige vormen zoals Sestante (Sextant, 1983) of de hommage aan het goud van de Ravenna mozaïeken in zijn laatste serie Nero e Oro (Black and Gold).

Burri”s gehele artistieke productie werd door de auteur opgevat als een onlosmakelijk geheel van vorm en ruimte, zowel in de schilderkunst als in de beeldhouwkunst. Een voorbeeld is het terugkerende motief van de archivolt, in zijn gewone vorm in de schilderkunst en in perspectief in ijzeren sculpturen als Teatro Scultura – een werk dat in 1984 op de Biënnale van Venetië werd gepresenteerd -, en in de keramiekserie Ogive uit 1972.

De sterke continuïteit van Burri”s sculpturale werken met zijn schilderijen is ook te zien in het keramische Grandi Cretti uit Los Angeles UCLA en Napels Capodimonte (met de hulp van de langdurige medewerker keramist Massimo Baldelli), of in het Grande Ferro (Groot ijzer) dat in Perugia werd tentoongesteld ter gelegenheid van de ontmoeting tussen de kunstenaar en Joseph Beuys in 1980.

De Grote Cretto in Gibellina valt niet echt onder de categorie land-art, maar heeft kenmerken die architectuur, beeldhouwkunst en ruimte combineren. Andere sculpturen op ijzer worden permanent bewaard in de musea van Città di Castello, Ravenna, Celle (Pistoia), Perugia en Milaan, waar de draaiende vleugels van het Teatro Continuo (Continutheater) zowel echte scenische ruimte als sculptuur zijn, met het park van het kasteel Sforza als natuurlijke achtergrond.

Theater sets

Het theater speelde een bevoorrechte rol in Burri”s artistieke productie. Hoewel in geïsoleerde interventies, werkte de schilder op het gebied van proza, ballet en opera. In 1963 ontwierp Burri de decors voor Spirituals, het ballet van Morton Gould in La Scala, in Milaan. De Plastiche van de schilder benadrukte de dramatische kracht van toneelstukken als de toneelbewerking van Ignazio Silone in 1969 in San Miniato (Pisa) en Tristan en Iseult, in 1975 opgevoerd in het Teatro Regio in Turijn.

In 1973 ontwierp Burri decors en kostuums voor November Steps, bedacht door zijn vrouw Minsa Craig, met een partituur van Toru Takemitsu. Het ballet ging gepaard met een vroeg voorbeeld van beeldende kunst door een filmfragment dat liet zien hoe de Cretti geleidelijk ontstonden.

Burri heeft de grafische kunst nooit van ondergeschikt belang geacht aan de schilderkunst. Hij nam intensief deel aan het experimenteren met nieuwe druktechnieken zoals de reproductie in 1965 van de Combustioni – waarin het echtpaar Valter en Eleonora Rossi er perfect in slaagde het effect van verbranding op papier na te bootsen -, of de onregelmatige Cretti holtes (1971) met dezelfde drukkers.

Verdere innovatieve ontwikkelingen zijn te vinden in de zeefdrukken Sestante (1987-89) – met de hulp van Burri”s oude vriend en medewerker Nuvolo – tot de Mixoblack serie (1988), gecreëerd met het drukkersatelier Mixografia in Los Angeles, waarbij marmerstof en zand werden gebruikt om drukoppervlakken te creëren met bepaalde texturale driedimensionale effecten.

Een veelzeggend feit is dat Burri het geld van de Feltrinelli-prijs voor grafiek – hem in 1973 toegekend door de Accademia dei Lincei – gebruikte om de restauratie van de fresco”s van Luca Signorelli in het kleine oratorium van San Crescentino, slechts enkele kilometers verwijderd van Burri”s buitenhuis in Città di Castello, te bevorderen en te ondersteunen; een ander voorbeeld van hoe modern en hedendaags in Burri”s kunst mentaal dicht bij elkaar liggen.

Alberto Burri stierf kinderloos op 13 februari 1995 in Nice, aan de Franse Rivièra, waar hij naartoe was verhuisd voor het wooncomfort en vanwege een longemfyseem.

Vlak voor zijn dood werd de schilder onderscheiden met het Legioen van Eer en de titel Orde van Verdienste van de Italiaanse Republiek, naast de benoeming tot erelid van de American Academy of Arts and Letters. Zijn grafische serie Oro e Nero (Goud en Zwart) werd door de kunstenaar onder andere geschonken aan de Uffizi Galerij in Florence 1994, toen hij al meer als een ”klassieke” dan als een ”hedendaagse” kunstenaar begon te worden beschouwd.

De kunst van Alberto Burri trok de belangstelling van vele hedendaagse collega-kunstenaars, van Lucio Fontana en Giorgio Morandi tot Jannis Kounellis, Michelangelo Pistoletto en Anselm Kiefer, die Burri”s grootheid – en in sommige gevallen invloed – telkens weer herkenden.

Stichting en de musea

In overeenstemming met het testament van de schilder werd in 1978 in Città di Castello de Fondazione Palazzo Albizzini opgericht, om Burri”s eigen werk auteursrechtelijk te beschermen. De eerste museumcollectie, ingehuldigd in 1981, bevindt zich in het flatgebouw uit de renaissance van Albizzini. Het 15e eeuwse patriciërshuis, eigendom van de opdrachtgevers van Rafaëls Bruiloft van de Maagd, werd door de architecten Alberto Zanmatti en Tiziano Sarteanesi heringericht volgens Burri”s eigen plannen.

De tweede collectie is die van de voormalige tabaksdrogerij Città di Castello, een industriële structuur die in de jaren zestig geleidelijk werd verlaten en in 1990 in gebruik werd genomen, met een oppervlakte van 11.500 vierkante meter. Momenteel zijn in deze structuur de totaliteit van grote cycli schilderijen van de kunstenaar, monumentale sculpturen en, vanaf maart 2017, de gehele grafische productie van de schilder te zien.

De zwarte buitenkant van het bouwwerk en de bijzondere aanpassingen van de ruimte vormen een laatste poging van Burri om een totaal kunstwerk te creëren, in aansluiting op het idee van formeel en psychologisch evenwicht dat hij voortdurend nastreefde.

Alberto Burri wordt erkend als een radicale vernieuwer van de tweede helft van de twintigste eeuw, als een voorloper van de oplossingen van artistieke bewegingen als Arte Povera, Neo-Dada, Nouveau réalisme, Postminimalisme en proceskunst, en laat vele kritische interpretaties en methodologische invullingen van zijn werk open.

In zijn monografie uit 1963 benadrukte Cesare Brandi het essentiële karakter van Burri”s schilderkunst en zijn afwijzing van zowel decoratieve details als de provocaties van de historische avant-gardes (bijv. het futurisme), ten gunste van een nieuwe benadering door middel van een concept van “onbeschilderd schilderij”.

Anderzijds interpreteerde Enrico Crispolti Burri”s materiaalgebruik vanuit een existentieel gezichtspunt – zoals ook James Johnson Sweeney had gedaan in de allereerste monografie over Burri die in 1955 verscheen – hetgeen een kritiek inhield op een bepaalde naoorlogse ethische drift.

Pierre Restany beschouwde hem als een “speciaal geval” in de geschiedenis van het Minimalisme, omdat hij “de monumentale buitenstaander en geniale voorloper tegelijk” was. Maurizio Calvesi nam in die jaren een psychoanalytische lezing over en vond “ethische waarden” in zijn kunst, waarbij hij tegelijkertijd de Renaissance oorsprong van Burri”s vaderland herkende: Piero della Francesca zou bij Burri het gevoel van ruimte en de plechtigheid van de massa hebben geïnspireerd, dat de schilder vervolgens op de verbrande bossen of de versleten zakken heeft overgebracht.

Meer recentelijk is Burri”s positie opnieuw geëvalueerd dankzij de grote overzichtstentoonstelling Alberto Burri: The Trauma of Painting gecureerd door Emily Braun voor het Solomon R. Guggenheim Museum en de collectieve tentoonstelling Burri Lo spazio di Materia tra Europa e USA in 2016 onder redactie van de huidige voorzitter van de Stichting Bruno Corà, waarin de radicale verandering in de traditionele westerse schilderkunst en de moderne collage door Burri op de voorgrond werd geplaatst, terwijl ook zijn ”psychologische” herstel van de formele evenwichten van de klassieke schilderkunst centraal stond.

Onder de vele historische lezingen blijft het oordeel van Giulio Carlo Argan (geschreven in de catalogus van de Biënnale van Venetië van 1960) emblematisch: “Voor Burri moeten we spreken voor een omgekeerde Trompe-l”œil, want het is geen schilderkunst meer om de werkelijkheid te simuleren, maar het is de werkelijkheid om de schilderkunst te simuleren.”

Burri”s carrière begon in Rome met een eerste solotentoonstelling in 1947 in boekhandel La Margherita, eigendom van Irene Brin, waar hij het jaar daarop zijn eerste abstracte werken presenteerde. Brin en haar man, Gaspero del Corso richtten de Obelisco Gallery op, de eerste kunstgalerie die in het naoorlogse Rome werd geopend, met de solotentoonstelling Muffe e Neri (Molds and Blacks) in 1952 en de eerste Combustions in 1957. De eerste tentoonstelling van Burri bij de Sacchi werd in 1952 gepresenteerd door de dichter Emilio Villa in de Stichting Origine, ter bevestiging van zijn steeds originelere productie. De Ferri (Irons) werden gehouden in Galleria Blu in Milaan.

Vanaf 1953 stelde Burri zijn werk regelmatig tentoon in de Verenigde Staten, in de Allan Frumkin Gallery (Chicago), de Stable Gallery en de Martha Jackson Gallery in New York. In datzelfde jaar nam de directeur en curator van het Guggenheim Museum James Johnson Sweeney Burri op in de baanbrekende tentoonstelling Younger European Painters: A Selection waardoor zijn werk internationaal onder de aandacht kwam.

Burri”s aanvankelijk wankele relatie met de Biënnale van Venetië kende een keerpunt in 1960, toen hij zijn eerste soloruimte kreeg aangeboden door Giulio Carlo Argan. In 1962 presenteerde Cesare Brandi de Plastiche in de Marlborough Fine Art in Rome. De eerste overzichtstentoonstellingen werden rond deze tijd gehouden en in het daaropvolgende decennium, zoals de solotentoonstellingen in het Musée National d”Art Moderne in Parijs (1972), die in het Heilige Klooster van Franciscus van Assisi (1975) en de grote reizende tentoonstelling die begon in de UCLA”s Frederick S. Wight Gallery in Los Angeles, verhuisde naar het Marion Koogler McNay Art Institute in San Antonio (Texas) en in 1978 eindigde in het Solomon R. Guggenheim Museum.

Vanaf 1979 domineerden de grote cycli van schilderijen op Cellotex Burri”s gehele latere productie, die werd ontworpen voor grote ruimtes zoals kathedralen (zoals de cyclus van 1981 in Florence getiteld Gli Orti) of voormalige industriële complexen, zoals de voormalige scheepswerven van het eiland Giudecca in Venetië, waar hij de chromatische serie Sestante tentoonstelde. In 1994 presenteerde Burri de cyclus getiteld Burri The Athens Polyptych. Architecture with Cactus voor de tentoonstelling samengesteld door Giuliano Serfafini in de Nationale Galerie (Athene), en vervolgens in het Italiaans Instituut voor Cultuur in Madrid (1995).

De postume anthologische tentoonstelling van 1996 in het Palazzo delle Esposizioni (Rome) werd met succes herhaald in het Lenbachhaus (München) en in het Paleis voor Schone Kunsten, Brussel. In 2015-16 zorgde de grote retrospectieve tentoonstelling The Trauma of Painting georganiseerd door Emily Braun in het Solomon R. Guggenheim Museum in New York (later in 2016 in de Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf) voor veel internationale aandacht voor de kunst van de schilder.

Ter afsluiting van de honderdste geboortedag van Alberto Burri werd in de tentoonstelling Burri Lo spazio di materia tra Europa e USA, samengesteld door Bruno Corà, een vergelijking gemaakt tussen de epigonen van de materiaalkunst van de 20e eeuw. De tentoonstelling werd gehouden in Città di Castello, in de tentoonstellingsruimte van de voormalige tabaksdrogerij waar sinds 2017 de grafische collectie van de schilder is ondergebracht.

Bij een Sotheby”s London sale van werken uit een privécollectie in het noorden van Italië werd Burri”s Combustione legno (1957) in 2011 geveild voor 3,2 miljoen. Op 11 februari 2014 vestigde Christie”s het record van de kunstenaar met het werk Combustione Plastica, verkocht voor 4.674.500 pond (schatting van 600.000 tot 800.000 pond). Het werk (gesigneerd en gedateerd op de achterzijde) in plastic, acryl en verbranding (4 ft x 5 ft) werd gemaakt tussen 1960 en 1961.

Het record van de kunstenaar werd in 2016 in Londen gevestigd toen het kunstwerk, tijdens de avond die Sotheby”s aan de tijdgenoot Sacco e Rosso uit 1959 wijdde, voor meer dan 9 miljoen pond werd verkocht, waarmee het vorige record werd verdubbeld.

De kunst van Alberto Burri heeft veel Italiaanse regisseurs geïnspireerd, waaronder Michelangelo Antonioni, die zich voor zijn Red Desert uit 1964 liet inspireren door het materiaalonderzoek van de schilder.

Componist Salvatore Sciarrino schreef een hommage ter herdenking van het overlijden van de schilder in 1995, in opdracht van Città di Castello”s Festival delle Nazioni. Voor hetzelfde festival werden de voormalige tabaksdrogerijen het decor van een compositie van Alvin Curran in 2002.

De Grote Cretto van Gibellina heeft meerdere malen gefunctioneerd als decor voor het Orestiadi Festival en als decor voor een voorstelling in 2015 van de kunstenaars Giancarlo Neri en Robert Del Naja (Massive Attack). Het ballet November Steps uit 1973, met Burri”s decors en kostuums, werd in 2015 opnieuw voorgesteld door het Guggenheim Museum, New York. In 2016 creëerde choreograaf Virgilio Sieni het werk Quintetti sul Nero, geïnspireerd op de Umbrische meester. In 2017 trad John Densmore (The Doors) op voor de Grande Nero Cretto (Grote Zwarte Barst) aan de UCLA, Los Angeles tijdens het evenement Burri Prometheia.

Door de jaren heen hebben modeontwerpers zich laten inspireren door Burri, van Roberto Capucci, met zijn kledingstuk Omaggio a Burri uit 1969 met asymmetrische kenmerken die de Cretti-effecten nabootsen, tot Laura Biagiotti voor haar (laatste) collectie van 2017.

In 1987 maakte Burri de officiële posters voor de FIFA World Cup van 1990. Het Umbria Jazz Festival gebruikte de Sestante-serie voor de poster van de editie 2015, ter gelegenheid van het honderdjarig bestaan van de kunstenaar.

Bronnen

  1. Alberto Burri
  2. Alberto Burri
  3. ^ Brandi 1963. Originally painting signified for Burri a catharsis through action, occasioned by his situation as prisoner of war without sympathy for either of the struggle”s main antagonists. The practice of medicine would have represented for him the survival of a past which the course of the events had definitely cut off.
  4. ^ Ico Parisi (a cura di), Operazione Arcevia. Comunità esistenziale, Como, Nani, 1976.
  5. «Petra Noordkamp». www.petranoordkamp.nl. Consultado el 8 de abril de 2020.
  6. Alberto Burri: The Trauma of Painting. October 9, 2015–January 6, 2016 (Memento vom 12. Dezember 2015 im Internet Archive)
Ads Blocker Image Powered by Code Help Pro

Ads Blocker Detected!!!

We have detected that you are using extensions to block ads. Please support us by disabling these ads blocker.