Roy Lichtenstein
gigatos | január 3, 2022
Összegzés
Roy Fox Lichtenstein (1923. október 27. – 1997. szeptember 29.) amerikai popművész. Az 1960-as években többek között Andy Warhol, Jasper Johns és James Rosenquist mellett az új művészeti mozgalom egyik vezető alakjává vált. Munkássága a paródián keresztül határozta meg a pop art előfeltevéseit. A képregények által inspirált Lichtenstein precíz kompozíciókat készített, amelyek dokumentáltak, miközben parodizáltak, gyakran szájbarágósan. Munkáira a népszerű reklámok és a képregény stílusa volt hatással. Művészetét „bomlasztónak” tartották. A pop artot úgy jellemezte, hogy „nem „amerikai” festészet, hanem valójában ipari festészet”. Festményeit a New York-i Leo Castelli Galériában állították ki.
A Whaam! és a Drowning Girl című képeket tartják Lichtenstein leghíresebb műveinek. A Drowning Girl, a Whaam! és a Look Mickey a legnagyobb hatású műveinek számítanak. Legdrágább műve a Masterpiece, amelyet 2017 januárjában 165 millió dollárért adtak el.
Lichtenstein zsidó volt, bár „elhallgatta a gyökereit”, és „nem beszélt gyakran arról, hogy zsidó”. Apja, Milton, ingatlanügynök volt, anyja, Beatrice (Werner), háztartásbeli. A New York-i Upper West Side-on nőtt fel, és tizenkét éves koráig állami iskolába járt. Ezután a New York-i Dwight Schoolba járt, ahol 1940-ben érettségizett. Lichtenstein először hobbiból, az iskola révén kezdett el érdeklődni a művészet és a design iránt. Lelkes jazzrajongó volt, gyakran járt a harlemi Apollo Színház koncertjeire. Gyakran rajzolt portrékat a hangszereiken játszó zenészekről. A középiskola utolsó évében, 1939-ben Lichtenstein beiratkozott a New York-i Art Students League of New York nyári kurzusaira, ahol Reginald Marsh irányítása alatt dolgozott.
Lichtenstein ezután elhagyta New Yorkot, hogy az Ohio Állami Egyetemen tanuljon, ahol stúdiótanfolyamokat és képzőművészeti diplomát is kapott. Tanulmányait megszakította a második világháború alatt és után 1943 és 1946 között a hadseregben töltött hároméves szolgálati idő. Miután nyelvi, mérnöki és pilótaképzésen vett részt, amelyek mindegyike elmaradt, ápoló, rajzoló és művészként szolgált.
Lichtenstein hazatért, hogy meglátogassa haldokló édesapját, majd leszerelt a hadseregből, és jogosult volt a G.I. Billre. Visszatért ohiói tanulmányaihoz egyik tanára, Hoyt L. Sherman felügyelete alatt, akiről széles körben úgy tartják, hogy jelentős hatással volt későbbi munkásságára (Lichtenstein később Hoyt L. Sherman Studio Art Center-nek nevezte el az OSU-n általa finanszírozott új stúdiót).
Lichtenstein belépett az Ohio State egyetemi programjába, és felvették művészeti oktatónak, és ezt a posztot a következő tíz évben többször is betöltötte. Lichtenstein 1949-ben az Ohioi Állami Egyetem képzőművészeti mesterszakán szerzett diplomát.
1951-ben Lichtenstein első önálló kiállítását a New York-i Carlebach Galériában rendezte meg.Még ugyanebben az évben Clevelandbe költözött, ahol hat évig maradt, bár gyakran visszautazott New Yorkba. Ez idő alatt a festészeti időszakok között a rajzolótól a kirakatrendezőig sokféle munkát vállalt. Munkássága ebben az időben a kubizmus és az expresszionizmus között ingadozott. 1954-ben megszületett első fia, David Hoyt Lichtenstein, aki ma dalszerző. Második fia, Mitchell Lichtenstein 1956-ban született.
1957-ben visszaköltözött New York állam északi részére, és ismét tanítani kezdett. Ebben az időben vette át az absztrakt expresszionizmus stílusát, mivel későn tért át erre a festészeti stílusra. Lichtenstein 1958-ban kezdett el tanítani New York állam északi részén, az Oswegói Állami Egyetemen. Körülbelül ekkor kezdte el absztrakt műveibe beépíteni rajzfilmfigurák, például Mickey egér és Tapsi Hapsi Hapsi rejtett képeit.
Felemelkedés a figyelem középpontjába
1960-ban kezdett tanítani a Rutgers Egyetemen, ahol nagy hatással volt rá Allan Kaprow, aki szintén az egyetem tanára volt. Ez a környezet segített újra felkelteni érdeklődését a proto-pop képi világ iránt. 1961-ben Lichtenstein elkezdte első popfestményeit, amelyeken rajzfilmképeket és a kereskedelmi nyomtatás megjelenéséből származó technikákat használt. Ez a fázis 1965-ig tartott, és magában foglalta a fogyasztói és háztartási szokásokat sugalló reklámképek használatát is. 1961-ben készült el az első olyan műve, amelyen nagyméretű, keményvonalas figurákat és Ben-Day pöttyöket használt, a Look Mickey (1961, National Gallery of Art, Washington, D.C.). Ez a mű egyik fia kihívására született, aki egy Mickey egér képregényre mutatott, és azt mondta: „Fogadok, hogy nem tudsz olyan jól festeni, mint ez, ugye, apa?”. Ugyanebben az évben hat másik művet készített rágógumipapírból és rajzfilmekből felismerhető figurákkal.
1961-ben Leo Castelli elkezdte kiállítani Lichtenstein munkáit New York-i galériájában. Lichtensteinnek 1962-ben volt az első egyéni kiállítása a Castelli galériában; a teljes kollekciót befolyásos gyűjtők vásárolták meg, még a kiállítás megnyitása előtt. Az 1961 és 1962 között készült festmények egy csoportja olyan magányos háztartási tárgyakra összpontosított, mint a tornacipők, hot dogok és golflabdák. 1963 szeptemberében szabadságot vett ki a Rutgers Douglass College-ban betöltött tanári állásából.
Műveit a háborús és romantikus történeteket bemutató képregények ihlették: „Abban az időben”, mesélte később Lichtenstein, „minden érdekelt, amit érzelmileg erős témaként használhattam – általában szerelem, háború, vagy valami, ami erősen feltöltődött és érzelmi téma volt, hogy szemben álljon az eltávolított és megfontolt festészeti technikákkal”.
Lichtenstein legmagasabb profiljának időszaka
Ebben az időben Lichtenstein nemcsak Amerikában, hanem világszerte kezdett hírnévre szert tenni. Visszaköltözött New Yorkba, hogy a művészeti élet középpontjában legyen, és 1964-ben felmondta a Rutgers Egyetemet, hogy a festészetre koncentrálhasson. Lichtenstein olaj- és Magna (korai akril) festéket használt legismertebb műveihez, mint például a Drowning Girl (1963), amelyet a DC Comics Secret Hearts 83. számának főcímsztorijából sajátított el. (A Drowning Girl ma a New York-i Museum of Modern Artban függ.) A Drowning Girl is sűrű kontúrokkal, merész színekkel és Ben-Day pontokkal rendelkezik, mintha fotóreprodukcióval készült volna. Saját munkájáról Lichtenstein azt mondaná, hogy az absztrakt expresszionisták „letettek dolgokat a vászonra, és reagáltak arra, amit csináltak, a színpozíciókra és a méretekre. Az én stílusom teljesen másképp néz ki, de a vonalak lerakásának természete nagyjából ugyanaz; az enyémek csak nem olyan kalligrafikusan jönnek ki, mint Pollocké vagy Kline-é”.
Ahelyett, hogy megpróbálta volna reprodukálni témáit, Lichtenstein munkáiban inkább azzal foglalkozott, ahogyan a tömegmédia ábrázolja őket. Ő azonban soha nem vette magát túl komolyan, mondván: „Úgy gondolom, hogy a munkám különbözik a képregényektől – de nem nevezném átalakításnak; nem hiszem, hogy bármit is értsenek ezen, az fontos lenne a művészet szempontjából”. Amikor Lichtenstein munkáit először állították ki, a korabeli művészeti kritikusok közül sokan megkérdőjelezték az eredetiségét. Munkáit keményen bírálták, mint vulgárisat és üreset. A Life magazin egyik 1964-es cikkének címe azt kérdezte: „Ő a legrosszabb művész az Egyesült Államokban?”. Lichtenstein az ilyen állításokra a következő válaszokat adta: „Minél közelebb áll a munkám az eredetihez, annál fenyegetőbb és kritikusabb a tartalma. A munkám azonban teljesen átalakul, mivel a célom és a felfogásom teljesen más. Úgy gondolom, hogy a festményeim kritikailag átalakultak, de ezt nehéz lenne bármilyen racionális érveléssel bizonyítani”. Ennek a súlyos kritikának a megtapasztalásáról az April Bernardnak és Mimi Thompsonnak 1986-ban adott interjújában beszélt. Arra utalva, hogy időnként nehéz volt a kritikát elviselni, Lichtenstein azt mondta: „Nem kételkedem abban, hogy amikor valójában festek, a kritika az, ami elgondolkodtat, az tényleg elgondolkodtat”.
Leghíresebb képe vitathatatlanul a Whaam! (1963, Tate Modern, London), a pop art egyik legkorábbi ismert példája, amely egy Irv Novick által a DC Comics All-American Men of War című 1962-es számában rajzolt képregénypanel alapján készült. A festmény egy vadászgépet ábrázol, amely rakétát lő ki egy ellenséges gépre, vörös-sárga robbanással. A képregényes stílust fokozza a „Whaam!” hangutánzó betűk használata, valamint a dobozos felirat: „Megnyomtam a tűzvezérlőt … és előttem rakéták lángoltak az égen …”. Ez a diptichon nagyméretű, 1,7 x 4,0 m-es (5 ft 7 in x 13 ft 4 in). A Whaam néhány korábbi festményének képregényalapú témáját követi, és része az 1962 és 1964 között készült háborús témájú munkáinak. Ez az egyik a két figyelemre méltó nagyméretű háborús témájú festménye közül. Miután 1963-ban a Leo Castelli Galériában kiállították, 1966-ban a Tate Gallery vásárolta meg, és (jelenleg a Tate Modernben található) azóta is a gyűjteményükben van. 1968-ban Karl Ströher darmstadti vállalkozó megvásárolta Lichtenstein több nagy művét, mint például a Nurse (1964), a Compositions I (1964), a We rose up slowly (1964) és a Yellow and Green Brushstrokes (1966). Miután néhány évig a darmstadti Hessiches Landesmuseumban volt kölcsönben, a frankfurti Museum für Moderne Kunst alapító igazgatója, Peter Iden 1981-ben összesen 87 művet, elsősorban amerikai pop art és minimal art műveket vásárolhatott meg az 1991-ig épülő múzeum számára.
Lichtenstein 1964 körül kezdett el szobrászattal kísérletezni, és a formához való érzéke ellentétben állt festményeinek síkszerűségével. A Head of Girl (1964) és a Head with Red Shadow (1965) esetében egy keramikusművésszel dolgozott együtt, aki a fej formáját agyagból faragta. Lichtenstein ezután mázat vitt fel, hogy ugyanolyan grafikai motívumokat hozzon létre, mint amilyeneket a festményein használt; a fekete vonalak és Ben-Day pontok háromdimenziós tárgyakra történő felvitele a forma laposodását eredményezte.
Lichtenstein legismertebb műveinek többsége viszonylag közeli, de nem pontos másolata képregénypaneleknek, amelyekkel 1965-ben nagyrészt felhagyott, bár a későbbi évtizedekben időnként különböző módokon beépítette a képregényeket munkáiba. Ezeket a paneleket eredetileg olyan képregényrajzolók rajzolták, mint Jack Kirby és a DC Comics művészei, Russ Heath, Tony Abruzzo, Irv Novick és Jerry Grandenetti, akik ritkán kaptak elismerést. Jack Cowart, a Lichtenstein Alapítvány ügyvezető igazgatója vitatja azt az elképzelést, hogy Lichtenstein másoló volt, mondván: „Roy munkássága a mások által kidolgozott grafikai formulák és az érzelmek kodifikálása volt a csodája. A táblák megváltoztak a léptékben, a színekben, a kezelésben és a következményeikben. Nincs pontos másolat.” A képregényes képek és műalkotások Lichtenstein általi felhasználásával szemben kritikusak voltak, különösen annyiban, hogy ezt a felhasználást a képregények lekezelő szemléletének támogatásaként értékelték a művészeti mainstream részéről; Art Spiegelman karikaturista megjegyezte, hogy „Lichtenstein nem tett többet vagy kevesebbet a képregényekért, mint Andy Warhol a levesért”.
Lichtenstein képregények felnagyított paneljein alapuló művei széles körű vitát váltottak ki a művészi értékükről. Lichtenstein maga is elismerte: „Névlegesen másolok, de valójában a másolt dolgot más kifejezésekkel fogalmazom újra. Ezáltal az eredeti teljesen más textúrát kap. Nem vastag vagy vékony ecsetvonások, hanem pontok és lapos színek és hajlíthatatlan vonalak”. Eddie Campbell blogjában azt írta, hogy „Lichtenstein fogott egy apró, tenyérnyi méretű, négyszínű tintával újságpapírra nyomtatott képet, és felnagyította arra a hagyományos méretre, amelyben a „művészetet” készítik és kiállítják, majd festékkel vászonra festette”. Lichtensteinnel kapcsolatban Bill Griffith egyszer azt mondta: „Van magas művészet és van alacsony művészet. És van olyan magas művészet, amelyik képes az alacsony művészetből magas művészeti kontextusba helyezni, kisajátítani és valami mássá emelni.”
Bár Lichtenstein képregény-alapú munkái némi elfogadottságra tettek szert, a kritikusok még mindig aggályokat fogalmaznak meg, mondván, hogy Lichtenstein nem adta meg a képregényeket, nem fizetett jogdíjat, és nem kért engedélyt az eredeti művészektől vagy szerzői jogtulajdonosoktól. Egy 2013-as BBC Four dokumentumfilmhez készített interjúban Alastair Sooke megkérdezte Dave Gibbons képregényrajzolót, hogy plágiummal vádolja-e Lichtensteint. Gibbons így válaszolt: „Én azt mondanám, hogy ‘másoló’. A zenében például nem fütyülheted el valaki más dallamát, vagy nem adhatod elő valaki más dallamát, akármilyen rosszul is, anélkül, hogy valahogyan ne adnád meg az eredeti művész nevét és ne fizetnél érte. Vagyis ez a ‘WHAAM! by Roy Lichtenstein, Irv Novick után’.” Maga Sooke azt állítja, hogy „Lichtenstein számos finom, de döntő módon átalakította Novick művét”.
A folyóirat alapítója, a City University London oktatója és a University College London doktora, Ernesto Priego megjegyzi, hogy az, hogy Lichtenstein nem tüntette fel képregényeinek eredeti alkotóit, a National Periodical Publications – a DC Comics elődje – azon döntésére reflektál, hogy nem tüntette fel íróit és művészeit:
A képregényekkel mint művészeti eszközökkel szembeni kulturális előítéletek megtestesülése mellett az olyan példák, mint Lichtenstein képregényszókincsének kisajátítása, rávilágítanak arra, hogy a képregény meghatározásakor milyen fontos figyelembe venni a kiadvány formátumát, valamint a politikai gazdaságtant, amelyet a történelmi kiadványok meghatározott típusai – ebben az esetben az amerikai mainstream képregény – jelentenek. Mennyiben volt felelős a National Periodical Publications (később a DC) Kanigher és Novick saját jogú művészként betöltött szerepének elutasításáért azzal, hogy nem biztosított számukra teljes szerzői elismerést magán a kiadványon?”.
Campbell megjegyzi továbbá, hogy volt idő, amikor a képregényrajzolók gyakran visszautasították a munkájukhoz fűződő tulajdonosi hozzájárulást.
Egy 1998-ban közzétett beszámolójában Novick elmondta, hogy 1947-ben, a hadseregben találkozott Lichtensteinnel, és mint felettes tisztje, Lichtenstein könnyes panaszaira, amelyeket a rá bízott alantas feladatok miatt tett, úgy reagált, hogy jobb állást ajánlott neki. Jean-Paul Gabilliet megkérdőjelezte ezt a beszámolót, mondván, hogy Lichtenstein egy évvel azelőtt hagyta el a hadsereget, hogy Novick szerint az eset megtörtént volna. Bart Beaty, megjegyezve, hogy Lichtenstein kisajátította Novickot olyan műveihez, mint a Whaam! és az Okay Hot-Shot, Okay!, azt mondja, hogy Novick története „úgy tűnik, mintha kísérlet lenne a híresebb művész személyes lekicsinylésére”.
1966-ban Lichtenstein továbblépett az 1960-as évek elejének sokat ünnepelt képeitől, és megkezdte Modern Paintings sorozatát, amely több mint 60 festményt és kísérő rajzot tartalmaz. A jellegzetes Ben-Day pontokat, geometrikus formákat és vonalakat használva, ismerős építészeti struktúrákból, az Art Déco-ból kölcsönzött mintákból és más, finoman felidézett, gyakran egymást követő motívumokból össze nem illő, kihívó képeket alkotott. Az 1967-8-as Modern Sculpture sorozat az Art Déco építészet motívumaira hivatkozott.
Későbbi munka
Az 1960-as évek elején Lichtenstein Cézanne, Mondrian és Picasso remekműveit reprodukálta, mielőtt 1965-ben elkezdte az Ecsetvonások sorozatot. Lichtenstein pályafutása későbbi szakaszában is folytatta a téma újbóli feldolgozását olyan művekkel, mint a Hálószoba Arles-ban, amely Vincent van Gogh Arles-i hálószobája alapján készült.
1970-ben Lichtenstein a Los Angeles Megyei Művészeti Múzeum megbízásából (az 1967 és 1971 között kidolgozott Művészet és technológia program keretében) filmet készített. A Universal Filmstúdió segítségével a művész kitalálta és elkészítette a Three Landscapes (Három tájkép) című filmet, amely tengeri tájképeket ábrázol, és közvetlenül kapcsolódik az 1964 és 1966 között készített, tájképi témájú kollázssorozatához. Bár Lichtenstein 15 rövidfilm elkészítését tervezte, a három képernyős installáció – amelyet Joel Freedman New York-i független filmrendezővel közösen készített – a művész egyetlen ilyen jellegű vállalkozásának bizonyult.
Szintén 1970-ben Lichtenstein megvásárolt egy korábbi kocsiszínházat a Long Island-i Southamptonban, műtermet épített az ingatlanon, és a hetvenes évek hátralévő részét viszonylagos visszavonultságban töltötte. Az 1970-es és 1980-as években a stílusa lazulni kezdett, és kibővítette azt, amit korábban csinált. Lichtenstein 1969-ben kezdte el a Tükrök című festménysorozatát. 1970-ben, miközben folytatta a Tükrök sorozatot, elkezdett dolgozni az entablatúrák témáján. Az Entablatures egy első festménysorozatból állt 1971 és 1972 között, amelyet 1974-76-ban egy második sorozat követett, majd 1976-ban egy sorozat domborműveket jelentetett meg. Készített egy sorozatot „Művészstúdiók” címmel, amely korábbi munkáinak elemeit foglalta magába. Ennek egyik figyelemre méltó példája az Artist’s Studio, Look Mickey (1973, Walker Art Center, Minneapolis), amely öt másik korábbi művét foglalja magába, a jelenetbe illesztve.
1978-ban egy Los Angeles-i utazás során Lichtensteint lenyűgözte Robert Rifkind ügyvéd német expresszionista grafikákból és illusztrált könyvekből álló gyűjteménye. Olyan műveket kezdett el készíteni, amelyek az expresszionista festményeken található stíluselemeket kölcsönözték. A The White Tree (1980) a lírai Der Blaue Reiter tájképeket idézi, míg a Dr. Waldmann (1980) Otto Dix Dr. Mayer-Hermann (1926) című művét idézi. A kis színes ceruzarajzokat sablonként használták a fametszetekhez, amely médiumot Emil Nolde és Max Pechstein, valamint Dix és Ernst Ludwig Kirchner is kedvelt. Szintén az 1970-es évek végén Lichtenstein stílusát szürreálisabb művek váltották fel, mint például a Pow Wow (1979, Ludwig Forum für Internationale Kunst, Aachen). A szürrealista-pop festmények 1979 és 1981 között készült nagyszabású sorozata indián témákra épül. Ezek a művek az Amerind Figure (1981), egy áramvonalas totemoszlopra emlékeztető, fekete-patinázott bronzból készült, stilizált, életnagyságú szobortól az Amerind Landscape (1979) című monumentális gyapjúkárpitig terjednek. Az „indián” művek témájukat, akárcsak a szürrealista sorozat többi része, a kortárs művészetből és más forrásokból vették, beleértve Lichtenstein kis könyvtárának indián dizájnról szóló könyveit.
Lichtenstein csendélet-festményei, szobrai és rajzai, amelyek 1972-től az 1980-as évek elejéig terjednek, a legkülönbözőbb motívumokat és témákat ölelik fel, beleértve a leghagyományosabbakat, mint például a gyümölcsök, virágok és vázák. 1983-ban Lichtenstein két apartheid-ellenes plakátot készített, amelyeknek címe egyszerűen „Against Apartheid”. Az 1988 és 1990 között készült Reflection sorozatában Lichtenstein saját, korábbi munkáinak motívumait használta fel újra. Az Interiors (1991-1992) banális otthoni környezetet ábrázoló művekből álló sorozat, amelyet a művész telefonkönyvekben vagy hirdetőtáblákon talált bútorreklámok ihlettek. A New York-i Metropolitan Museum of Art 1994-es kiállításán bemutatott Edgar Degas monokróm grafikáiból merített ihletet, a Landscapes in the Chinese Style sorozat motívumai szimulált Benday pontokból és tömbkontúrokból állnak, kemény, élénk színekkel, a kéz minden nyomát eltávolítva. Az akt visszatérő elem Lichtenstein 1990-es évekbeli munkáiban, például a Collage for Nude with Red Shirt (1995) című képen.
A festmények és szobrok mellett Lichtenstein több mint 300 grafikát is készített, többnyire szitanyomással.
Jutalékok
1969-ben Gunter Sachs megbízást kapott Lichtensteintől, hogy a St. Moritz-i Palace Hotelben a gyűjtő pop art hálószobai lakosztálya számára készítse el a Kompozíció és a Léda és a hattyú című képeket. Az 1970-es évek végén és az 1980-as évek folyamán Lichtenstein jelentős megbízásokat kapott köztereken elhelyezett művekre: a Lamp (a 26 láb magas Brushstrokes in Flight (az öt emelet magas Mural with Blue Brushstroke (és az El Cap de Barcelona (1992) Barcelonában. Lichtenstein 1994-ben megalkotta a Times Square metróállomáson található 53 láb hosszú, zománc-fémre festett Times Square Mural-t. 1977-ben a BMW megbízást kapott, hogy a BMW Art Car Project harmadik részéhez megfestse a BMW 320i Group 5 Racing változatát. A DreamWorks Records logója volt az utolsó befejezett projektje. „Nem foglalkozom ilyesmivel (vállalati logóval), és nem is áll szándékomban ilyesmit újra csinálni” – engedi meg Lichtenstein. „De ismerem Mo Ostint és David Geffent, és ez érdekesnek tűnt”.
Elismerés
Lichtenstein számos tiszteletbeli doktori címet kapott, többek között a George Washington Egyetemtől (1996), a Bard College-tól, a Royal College of Art-tól (1993), az Ohio State University-től (1987), a Southampton College-tól (1980) és a California Institute of the Arts-tól (1977). Tagja volt a Brooklyn Academy of Music igazgatótanácsának is.
1949-ben Lichtenstein feleségül vette Isabel Wilsont, aki korábban Michael Sarisky ohiói művész felesége volt. A brutális északi tél azonban megviselte Lichtensteint és feleségét, miután 1958-ban tanítani kezdett a New York-i Állami Egyetem Oswego-i karán. A házaspár 1963-ban eladta a New Jersey állambeli Highland Parkban lévő családi házat, és 1965-ben elváltak.
Lichtenstein 1968-ban vette feleségül második feleségét, Dorothy Herzkát. 1966-ban a New York-i Southamptonban béreltek egy házat, amelyet Larry Rivers vásárolt a saját házától nem messze, a sarkon. Három évvel később egy 1910-ben épült, az óceánra néző kocsiszínházat vásároltak a Gin Lane-en. 1970-től haláláig Lichtenstein Manhattan és Southampton között osztotta meg idejét. Volt egy otthona a Captiva-szigeten is.
1991-ben Lichtenstein viszonyt kezdett Erica Wexler énekesnővel, aki az Aktok sorozatának múzsája lett, beleértve az 1994-es „Aktok a strandlabdával” című művét is. A lány 22 éves volt, a férfi pedig 68. A viszony 1994-ig tartott, és akkor ért véget, amikor Wexler Angliába ment az XTC-ből ismert Andy Partridge-dzsel, a későbbi férjével. Wexler szerint Lichtenstein és felesége, Dorothy megértették egymást, és mindkettőjüknek volt a házasságuk mellett más fontos társa is.
Lichtenstein 1997. szeptember 29-én, négy héttel 74. születésnapja előtt tüdőgyulladásban halt meg a New York University Medical Centerben, ahol több hete kórházban feküdt. Második felesége, Dorothy Herzka, valamint első házasságából származó fiai, David és Mitchell maradtak utána.
A pop art továbbra is hatással van a 21. századra. Lichtenstein és Andy Warhol képeit a U2 1997-es, 1998-as PopMart turnéján és a brit Nemzeti Portré Galéria 2007-es kiállításán is felhasználták.
A 2001. szeptember 11-i World Trade Center elleni támadások során számos más műalkotás mellett Lichtenstein The Entablature sorozatának egyik festménye is megsemmisült az azt követő tűzben.
A Síró lány című műve volt az egyik olyan alkotás, amelyet az Éjszaka a múzeumban elevenítettek fel: A Smithsonian csatája.
1964-ben Lichtenstein volt az első amerikai, aki a londoni Tate Galériában állított ki a „’54-’64: Egy évtized festészete és szobrászata” címmel. 1967-ben a kaliforniai Pasadena Art Museumban rendezték meg első múzeumi retrospektív kiállítását. Ugyanebben az évben rendezték meg első önálló európai kiállítását Amszterdam, London, Bern és Hannover múzeumaiban. Lichtenstein később részt vett a documentas IV (1968) és VI (1977) kiállításokon. Lichtenstein első retrospektív kiállítása 1969-ben volt a Guggenheim Múzeumban, Diane Waldman szervezésében. A Guggenheim 1994-ben mutatta be Lichtenstein második retrospektív kiállítását. Lichtenstein volt az első élő művész, akinek 1987 márciusa és júniusa között önálló rajzkiállítása volt a Museum of Modern Artban. A legutóbbi retrospektív felmérések közé tartozik a 2003-as „All About Art”, Louisiana Museum of Modern Art, Dániában (amely 2005-ig a londoni Hayward Gallerybe, a madridi Museo Reina Sofia-ba és a San Francisco Museum of Modern Artba utazott tovább); és a „Classic of the New”, Kunsthaus Bregenz (2005), „Roy Lichtenstein: Meditációk a művészetről” Museo Triennale, Milánó (2010, a kölni Museum Ludwigba utazott). 2010 végén a The Morgan Library & Museum Roy Lichtenstein: The Black-and-White Drawings, 1961-1968. Egy másik nagyszabású retrospektív kiállítás 2012 májusában nyílt a chicagói Art Institute of Chicagóban, majd 2013-ban a washingtoni National Gallery of Art, a londoni Tate Modern és a párizsi Centre Pompidou is megtekinthető volt. 2013: Roy Lichtenstein, Olyvia Fine Art. 2014: Roy Lichtenstein: Intim szobrok, The FLAG Art Foundation. Roy Lichtenstein: Roy Lichtenstein: Opera Prima, Modern és Kortárs Művészetek Polgári Galériája, Torino. 2018: Kiállítás a The Tate Liverpoolban, Merseyside, Egyesült Királyság.
1996-ban a washingtoni National Gallery of Art lett a művész munkásságának legnagyobb egyedi tárháza, amikor Lichtenstein 154 grafikát és 2 könyvet adományozott. A chicagói Art Institute of Chicago állandó gyűjteményében több fontos Lichtenstein-mű található, köztük a Brushstroke with Spatter (1966) és a Mirror No. 3 (Six Panels) (1971). Lichtenstein özvegyének, Dorothy Lichtensteinnek és a Roy Lichtenstein Alapítványnak a személyes állománya több százra tehető. Európában a kölni Museum Ludwig rendelkezik az egyik legátfogóbb Lichtenstein-gyűjteménnyel a Takka Takka (1962), a Nurse (1964), a Compositions I (1964) című művekkel, emellett a frankfurti Museum für Moderne Kunst a We rose up slowly (1964) és a Yellow and Green Brushstrokes (1966) képekkel. Az Egyesült Államokon és Európán kívül a National Gallery of Australia Kenneth Tyler gyűjteményében Lichtenstein grafikáinak kiterjedt, több mint 300 művet számláló állománya található. Összesen mintegy 4500 művet tartanak számon.
A művész 1997-ben bekövetkezett halála után, 1999-ben létrehozták a Roy Lichtenstein Alapítványt. 2011-ben az alapítvány igazgatótanácsa úgy döntött, hogy a hitelesítés előnyeit felülmúlják az elhúzódó perek kockázatai.
2006 végén az alapítvány egy ünnepi üdvözlőlapot küldött, amelyen az Electric Cord (1961) képe szerepelt, egy olyan festmény, amely 1970 óta eltűnt, miután a Leo Castelli Galéria elküldte Daniel Goldreyer restaurátornak. A kártya arra kérte a nyilvánosságot, hogy jelentsenek minden információt a hollétéről. Az alapítvány 2012-ben hitelesítette a művet, amikor az felbukkant egy New York-i raktárban.
2008 és 2012 között, Harry Shunk fotográfus 2006-ban bekövetkezett halálát követően a Lichtenstein Alapítvány megszerezte a Shunk és Kender János által készített fotóanyagot, valamint a fotósok szerzői jogait. Az alapítvány 2013-ban öt intézménynek – a Los Angeles-i Getty Research Institute-nak, a New York-i Museum of Modern Artnak, a washingtoni National Gallery of Artnak, a párizsi Centre Pompidou-nak és a londoni Tate-nek – adományozta a Shunk-Kender-tárat, amely így mindegyik múzeumnak hozzáférést biztosít a többihez.
Az 1950-es évek óta Lichtenstein munkáit New Yorkban és másutt is kiállították Leo Castelli galériájában és a Castelli Graphicsnál, valamint Ileana Sonnabend párizsi galériájában, továbbá a Ferus Galériában, a Pace Galériában, a Gagosian Galériában, a Mitchell-Innes & Nashben, Mary Boone, Brooke Alexander Gallery, Carlebach, Rosa Esman, Marilyn Pearl, James Goodman, John Heller, Blum Helman, Hirschl & Adler, Phyllis Kind, Getler Pall, Condon Riley, 65 Thompson Street, Holly Solomon és Sperone Westwater Galleries többek között. A Leo Castelli Galéria 1962 óta kizárólag Lichtensteint képviselte, amikor a művész egyéni kiállítása már a megnyitó előtt elfogyott.
1962-től kezdve a New York-i Leo Castelli Galéria rendszeresen kiállítást rendezett a művész munkáiból. A Gagosian Gallery 1996 óta állítja ki Lichtenstein munkáit.
A Big Painting No. 6 (1965) lett a legmagasabb árú Lichtenstein-mű 1970-ben. Mint az egész Brushstrokes sorozat, a festmény témája az absztrakt expresszionista festészet folyamata a lendületes ecsetvonásokon és cseppeken keresztül, de Lichtenstein egyszerűsítésének eredménye, amely egy Ben-Day pöttyös hátteret használ, a mechanikai-ipari színes nyomtatási reprodukció ábrázolása.
Lichtenstein Torpedó című festménye … Los! (1963) című festménye 1989-ben 5,5 millió dollárért kelt el a Christie’s árverésén, ami akkoriban rekordösszegnek számított, és ezzel egyike annak a három élő művésznek, akik ilyen hatalmas összegeket értek el. 2005-ben az In the Car című képét 16,2 millió dollárért (10 millió font) adták el, ami akkor rekordot jelentett.
2010-ben a Christie’s New York-i árverésén rekordáron, 42,6 millió dollárért (26,7 millió font) kelt el az 1964-es Ohhh…Alright… című, rajzfilm stílusú festménye, amely korábban Steve Martin, majd Steve Wynn tulajdonában volt.
Lichtenstein I Can See the Whole Room…and There’s Nobody in It! című alkotása egy 1961-es William Overgard rajz alapján készült, Steve Roper rajzfilmtörténetéhez. (1961) egy férfit ábrázol, aki egy ajtón lévő lyukon keresztül néz be. A képet Courtney Sale Ross gyűjtő 2011-ben 43 millió dollárért, becsült értékének kétszereséért adta el a New York-i Christie’s aukción; az eladó férje, Steve Ross 1988-ban 2,1 millió dollárért szerezte meg árverésen. A festmény négy lábszor négy láb méretű, grafit és olajfestékkel készült.
A Beatrice és Phillip Gersh gyűjteményéből származó Sleeping Girl (1964) című képregényes festmény 2012-ben a Sotheby’s-nél 44,8 millió dollárral új Lichtenstein-rekordot állított fel.
2012 októberében az Electric Cord (1962) című festménye 42 év eltűnés után visszakerült Leo Castelli özvegyéhez, Barbara Bertozzi Castellihez. Castelli 1970 januárjában küldte el a festményt egy műtárgyrestaurátornak tisztításra, de soha nem kapta vissza. 1999-ben halt meg. 2006-ban a Roy Lichtenstein Alapítvány közzétette a festmény képét az ünnepi üdvözlőlapján, és arra kérte a művészeti közösséget, hogy segítsen megtalálni a festményt. A festményt egy New York-i raktárban találták meg, miután a kolumbiai Bogotában állították ki.
2013-ban a Nő virágos kalappal című festmény újabb rekordot döntött 56,1 millió dollárral, amikor Laurence Graff brit ékszerész megvásárolta Ronald O. Perelman amerikai befektetőtől.
Ezt 2015-ben a Christie’s árverésén a Nurse 95,4 millió dollárért történő eladása tetőzte.
A Masterpiece-t 2017 januárjában 165 millió dollárért adták el. Az eladásból származó bevételt a büntetőjogi reformra szolgáló alap létrehozására fordítják.
Bibliográfia
Életrajzi adatok:
Művek:
Más:
Cikkforrások
