Lucian Freud

Zusammenfassung

Lucian Freud, geboren am 8. Dezember 1922 in Berlin und gestorben am 20. Juli 2011 in London, war ein britischer figurativer Maler und Grafiker deutscher Abstammung.

Er gilt als einer der bedeutendsten figurativen Maler des 20. und 21. Jahrhunderts, der „Ingres des Existenzialismus“, wie es der Kunsthistoriker Herbert Read formulierte.

Er ist vor allem dafür berühmt, dass er 2001 das Porträt von Königin Elisabeth II. anlässlich ihres goldenen Thronjubiläums gemalt hat – ein Bild, das in Großbritannien eine Kontroverse auslöste.

Lucian wird als Enkel des Arztes und Begründers der Psychoanalyse, Sigmund Freud, und seiner Frau Martha Bernays in Berlin geboren. Sein Vater, der Architekt Ernst L. Freud (en) (1892-1970), war der jüngste Sohn von Sigmund Freud. Um dem Antisemitismus der Nazis zu entgehen, zieht Ernst Freud 1933 mit seiner Familie nach London: seine Frau Lucie Brasch und die Söhne Lucian, Stephen (1921-2015) und Clement (1924-2009). Nach dem „Anschluss“ im Jahr 1938 schloss sich Sigmund Freud ihnen dort an.

Nach dem Besuch der Sekundarschule trat Lucian 1938-1939 in die Central School of Arts and Crafts in London ein. Von 1939 bis 1941 besuchte er den Unterricht von Cedric Morris (en) an der East Anglian School of Painting and Drawing in Dedham. Danach wurde er zur Handelsmarine eingezogen und nach drei Monaten auf See demobilisiert. Von 1942 bis 1943 studierte er Teilzeit am Goldsmith“s College in London.

1943 illustrierte er die Gedichte von Nicholas Moore. 1944 stellte er zum ersten Mal in der Galerie Lefèvre in London aus. Seine Malerei wurde damals vom Surrealismus beeinflusst, wie das rätselhafte Gemälde The Painter“s Room zeigt. Bereits hier „ist Freuds persönliche Welt dargestellt: das Fenster, die Pflanze, das Tier, alle Elemente seines Werks sind an ihrem Platz“.

1946 besucht Freud Paris und Griechenland. Er kehrt sehr regelmäßig nach Paris zurück, um Picasso und Giacometti zu besuchen.

1948 heiratete er die Tochter des Bildhauers Jacob Epstein, Kitty Garman, mit der er zwei Töchter hatte, Annabel Freud und die Dichterin Annie Freud. Er ließ sich 1952 von Kitty scheiden und heiratete 1953 erneut, und zwar Lady Caroline Blackwood. 1952 malte er in Zimmer 38 des Hotels La Louisiane das Bild „Hotel Bedroom“, auf dem er mit Lady Caroline Blackwood zu sehen ist. Diese zweite Ehe war nicht glücklicher und die Scheidung erfolgte 1958. Er malte wunderschöne Porträts, die von seinen Ehefrauen Kitty (Girl with a white Dog, 1950-51) und Caroline (Girl in a Green Dress, 1952 ) inspiriert waren. Lucian Freud, der die Zwänge des Familienlebens nicht schätzte, lebte später als Junggeselle mit wechselnden Partnerinnen, mit denen er zahlreiche Kinder und Enkelkinder hatte. Es wurden 14 Kinder identifiziert, darunter unter anderem die Modedesignerin Bella Freud (geb. 1961), die Schriftstellerin Esther Freud, die Künstlerin Jane McAdam Freud (en) (geb. 1958) oder Noah Woodman.

Als er Anfang der 1960er Jahre Francis Bacon, Frank Auerbach, Leon Kossoff und Michael Andrews in einer von R.B. Kitaj angeführten Gruppe kennenlernte, änderte sich seine Technik. Bacon und Auerbach hatten ihn davon überzeugt, seine feine, lineare Malweise zu verlassen und sich in großen Pinselstrichen zu ergehen. Seine Malerei wurde immer dicker und dicker, in gedämpften Beige- und Grautönen mit weißen Akzenten. Diese Gruppe wurde als „Londoner Schule“ (School of London) bezeichnet, der 1998/99 eine Ausstellung im Musée Maillol gewidmet wurde. Diese Gruppe figurativer Maler war eine Reaktion auf die vorherrschende abstrakte Malerei der Nachkriegszeit und forderte eine realistische Malerei, die über das Äußere hinausging, um die Wahrheit der Themen zu erfassen.

Lucian Freud malte seine Familie, seine Mutter Lucie und ihre Töchter (Bella and Esther, 1987-1988), Freunde, andere Künstler, darunter Frank Auerbach und Francis Bacon, berühmte und unbekannte Menschen, von denen einige nur für ein Werk posierten, und produzierte eine große Anzahl von Porträts des australischen Performance-Künstlers Leigh Bowery und auch Henrietta Moraes, die Muse vieler Soho-Künstler. Eine Reihe riesiger Aktporträts aus der Mitte der 1990er Jahre porträtierte die hochgewachsene Sue Tilley oder „Big Sue“ mit ihren üppigen Formen, wobei einige ihre Berufsbezeichnung „Benefits Supervisor“ im Titel des Gemäldes verwendeten. Das monumentale Gemälde Benefits Supervisor Sleeping, 1995, das 2008 bei Christie“s in New York für 33,6 Millionen Dollar verkauft wurde, brach den Verkaufsrekord für einen lebenden Künstler.

Er malt vor lebenden Modellen in der Abgeschlossenheit seines Ateliers. Die Ansichten von London oder seinem Garten entstehen vom Ankerpunkt des Ateliers aus. Er arbeitet den ganzen Tag und die Posing-Sitzungen, die er seinen Modellen zumutet, sind endlos. Sein Gemälde After Cézanne, das wegen seiner ungewöhnlichen Form bemerkenswert ist, wurde von der National Gallery of Australia für 7,4 Millionen Dollar gekauft. Der obere linke Abschnitt dieses Gemäldes wurde auf den Hauptabschnitt unten „aufgepfropft“, und bei genauerer Betrachtung ist eine horizontale Linie zu erkennen, an der diese beiden Abschnitte zusammengefügt wurden.

Am Ende seines Lebens dominierten Aktporträts seine Malerei, die die rohe Intimität seiner Modelle enthüllten, die von Leigh Bowery, Sue Tilley oder seinem treuen Assistenten David Dawson (Sunny Morning-Eight Legs, 1997). Aber auch die bekleideten Modelle offenbaren dem Betrachter ihre Nacktheit, die Wahrheit des Seins, die alle Äußerlichkeiten durchdringt. „Wenn ich Kleidung male, male ich wirklich nackte Menschen, die von Kleidung bedeckt sind“, erklärte er. Davon zeugt das Porträt seines Freundes und Reitkameraden Andrew Parker Bowles, dessen prächtige Uniform mit den vielen Medaillen halb geöffnet ist und die Traurigkeit einer inneren Erschöpfung zeigt, (The Brigadier, 2003-4). In seinen Selbstporträts mustert er sein eigenes Gesicht wie auch das der anderen, ohne Wohlwollen. Kritiker sehen in seinen Werken eine obsessive Suche, die menschliche Natur durch ihre fleischliche Hülle zu ergründen. Seine großen, provokativen und schonungslosen Akte in den 1990er Jahren, die in großformatigen Gemälden dargestellt sind, markieren den Höhepunkt seines Schaffens.

Als leidenschaftlicher Pferde- und Hunderennfahrer war Lucian Freud ein reueloser Spieler. Einer seiner großen Sammler, Alfie McLean, war ein Buchmacher aus Nordirland, der es ihm ermöglichte, seine Spielschulden mit Gemälden zu begleichen. Im Laufe der Jahrzehnte schuldete der Maler ihm jedoch so viel Geld, dass die Porträts nicht mehr ausreichten, um die Schulden zu begleichen. Als der amerikanische Kunsthändler William Acquavella den Maler 1992 vertreten wollte, musste er Alfie McLean zunächst den Rest seiner Spielschulden in Höhe von 2,7 Millionen Pfund Sterling begleichen. Als Alfie McLean 2006 starb, besaß er 23 Werke im Wert von 100 Millionen Pfund Sterling. Freud malte mehrere Porträts des Buchmachers, darunter „The Big Man (1976-1977)“.

Lucian Freud stirbt in der Nacht vom 20. auf den 21. Juli 2011 in seinem Wohnsitz in London. Er wurde auf dem Highgate Friedhof beigesetzt. Obwohl er sehr reich geworden war, lebte der Künstler einfach in einem Haus mit Garten im Stadtteil Notting Hill, wo er im Obergeschoss seine Ateliers untergebracht hatte.

Anerkennung

Freuds Talent wurde ab den 1970er und 1980er Jahren anerkannt, als 1974 eine retrospektive Ausstellung seiner Werke in der Hayward Gallery in London stattfand und 1982 die erste Monografie zu seinem Werk von Lawrence Gowing veröffentlicht wurde. Die erste große Wanderausstellung seiner Werke fand 1987-1988 statt (Washington, Paris, London, Berlin). Nach der Ausstellung in der Londoner Schule folgten 2002 Ausstellungen in der Tate Britain, der Stiftung La Caixa Barcelona und dem Museum of Contemporary Art in Los Angeles. 2005 findet eine wichtige Retrospektive seines Werks in Venedig statt. 2010 – Lucian Freud ist 88 Jahre alt – wird im Centre national d“art et de culture Georges-Pompidou in Paris die Ausstellung „Lucian Freud – L“Atelier“ gezeigt, mehr als 20 Jahre nach der ersten Retrospektive, die ihm das Centre 1987 gewidmet hatte.

Das Werk von Lucian Freud ist in mehrere Perioden unterteilt: eine erste Periode mit surrealistischen Kompositionen; dann eine realistische, sogenannte „neo-romantische“ Periode, in der Porträts in einer leichten Textur auftauchen; schließlich die Reifeperiode, die den Ruf des Künstlers begründet hat.

Gemalt in einer dicken Textur, in Braun-, Grau- und Weißtönen, erscheinen die Porträts oft wie mit einer besonderen Schärfe gesehen, die kein Detail, vor allem des Gesichts, des untersuchten Modells verbergen will. Da sie auf der Stelle gemalt wurden, werden sie viele Male wiederholt.

Die nackten Modelle sind in trostlosen Ateliers zu sehen – eigentlich die leere Wohnung, in der der Maler arbeitet -, auf zerwühlten Betten oder Sofas in ungewöhnlichen Posen und mit rohen Haltungen. Kein Detail wird verborgen. Die Szene ist oft elektrisch beleuchtet, und auf dem Fleisch der gemalten Modelle sind „weiße Schläge“ zu erkennen, die das Gefühl der künstlichen Beleuchtung verstärken. Freud spricht von einer „besonderen Verzerrung“, die er durch seine Art zu arbeiten und zu beobachten erreicht.

Man muss auch zugeben, dass Freuds besonderer Stil für seine Kritiker aufgrund des karikaturistischen, fast morbiden Aspekts einiger seiner Werke schockierend ist.

Als Maler war Freud auch als Grafiker tätig. Er schuf ein umfangreiches Werk an Kupferstichen in Schwarz-Weiß, das die Themen seiner Malerei aufgreift und neu interpretiert.

Lucian Freud arbeitete in den letzten drei Jahren seines Lebens fast jeden Tag an einem Gemälde mit dem Titel Portrait of the Hound. Dieses Gemälde blieb unvollendet. Es handelt sich um das Porträt seines Freundes David Dawson, der auch sein Assistent war.

Die Sicht von Hector Obalk

Der Kunstkritiker Hector Obalk widmete Lucian Freud eine Episode seiner Sendung Grand“Art, die im März 2009 auf Arte ausgestrahlt wurde. Er nimmt uns mit auf eine Reise durch die Welt des Künstlers von seinen Anfängen bis zu seinen jüngsten Werken, insbesondere anhand einer Reihe von Selbstporträts, die von seinen Gemälden aus den 1940er Jahren bis zu dem aus dem Jahr 2005 reichen. Hector Obalk sieht darin ein gutes Mittel, um die Entwicklung von Freuds Technik zu beschreiben. Er sieht darin auch abwechselnd die Darstellung eines anmaßenden, selbstbewussten, falsch besorgten Malers, der schließlich seine Nacktheit und die Zeichen des Alters annimmt. Sein letztes Selbstporträt zeigt ihn nackt, die Füße in offenen Schuhen, mit der linken Hand die Palette und mit der rechten das Malmesser haltend, in der Leere seines Ateliers, „das er nie einrichten wollte“, wie uns der Kritiker sagt.

Seine Porträts handeln von „gewöhnlichen“ Menschen, die dem Maler nahestehen. Manchmal bilden sie Serien, wie die des irischen Industriellen, seines Hundes und seines Sohnes, die seiner Tochter oder seines Assistenten David Dawson. Indem er bestimmte Lichtelemente so genau wie möglich wiedergab und andere Merkmale übertrieb, war Lucian Freud in der Lage, den Charakter seiner Figuren spürbar zu machen.

Seine nicht animierten Motive fügen sich eher als Elemente in das Porträt ein, seien es Details (Uhrenbeweger oder Gürtel für den Industriellen, die Krawatte des Sohnes des Industriellen, deren Wiedergabe die Reflexionen des Raumes wiedergibt) oder größere Dinge (ein Durcheinander von Gegenständen auf dem Stuhl neben seinem Assistenten). Einige Werke befassen sich jedoch ausschließlich mit Dekorationselementen, wie zwei Darstellungen des Waschbeckens in seinem Atelier.

Aus technischer Sicht bemerkte Hector Obalk zu Beginn seiner Arbeit, dass er sich auf die Reflexionen in den Augen konzentrierte, einige Übertreibungen, die fast an Karikaturen grenzten, und immer noch eine obsessive Suche nach der Wiedergabe des Lichts. Später zeichnete Freud so gut wie gar nicht mehr, er setzte die Farbtupfer der Hauttöne und zeichnete so Gesichter, die manchmal unter einer dicken Farbschicht versunken waren. Für Obalk war dies jedoch nicht immer von Erfolg gekrönt …

Letzterer stellt drei Veränderungen in Freuds Maltechnik fest. Erstens ein Wechsel des Werkzeugs, eine härtere Bürste. Zweitens wechselte er zu einem Weiß, das mehr Bleioxid enthielt, wodurch er Lichtkontraste noch besser darstellen konnte. Schließlich, nachdem er zum Meister seiner Technik geworden war, stellte er sich selbst in Frage, indem er 1988, wie oben erwähnt, das Zeichnen von Formen zugunsten von Farbtupfern aufgab.

“  Ich denke, ein großartiges Porträt hat mit der Art und Weise zu tun, wie es angegangen wird. {…} Ich denke also, dass Porträtieren eine Haltung ist.  „

– Lucian Freud

Ein Porträt ist eine Haltung. Was ein großes Porträt ausmacht, ist die Art und Weise, wie man es betrachtet, wie man es aufstellt. Lucian Freud sprach bei der Auswahl seiner Modelle von Impulsen. Diese Impulse – oder furiose Gelüste, je nach Übersetzung – sind ein erster Hinweis auf die enge Verbindung, die zwischen ihm und seinen Bildern gepflegt wird. Aus diesem Grund hat er sein Werk immer als etwas Autobiografisches bezeichnet. „Everything is autobiographical“, schrieb Martin Gayford über Freud in der Ausgabe seiner Sketchbooks. In der Einleitung zu Sarah Howgates Buch wird erklärt, dass der Arts Council of England (en) der National Portrait Gallery „this fascinating body of material includes 47 sketchbooks (…) and 35 letters“ vermachte. Sie fand es wichtig, Briefe als Teil ihrer künstlerischen Praxis aufzunehmen. So wie viele ihrer Notizbücher und Zeichnungen mit Schriften, Memos, Handynummern, Verabredungen und Skizzen von Liebesbriefen bedeckt sind, ist die Verbindung zwischen Leben und Kunst untrennbar.

Die Gemälde, die er produzierte, sind Darstellungen seiner engsten Vertrauten. Von seinen Freunden über seine Kinder, seine Frauen, seinen Assistenten und seinen Whippet. Auch wenn Freud es kategorisch ablehnt, seine Gefühle in seinen Bildern zu zeigen, kann man angesichts der Genauigkeit und Wahrheit der dargestellten Personen nicht völlig neutral bleiben. Alles wird gezeigt, die durch die Pose angespannten Muskeln, die Fettansammlungen und Wülste, der Knochenbau. Die Genauigkeit der Darstellung macht deutlich, wie genau er das Gemalte beobachtet, wie viel Aufmerksamkeit er der Darstellung seiner Verwandten widmet und wie detailgetreu er ist.

Der Ort ist geschlossen, immer derselbe: das Atelier des Malers. Ein persönlicher, leerer Ort, alles, was hier vorhanden ist, dient nur einem Zweck: seiner Malerei zu dienen. Sofas, Couches, Laken und Tücher, Matratzen, ein Waschbecken, ein paar Pflanzen und sonst nichts. Die Wände sind leer, mit Farbe bedeckt, Spuren einer schnellen Geste, um das Malmaterial auf seinen Pinseln zu entfernen.

Sebastian Smee verwendet in Beholding the animal den Begriff „naked portrait“ und stellt ihn dem traditionellen Wort „nude“ gegenüber. Robert Hughes wird in diesem Sinne fortfahren, indem er „While fiercely preserving respect“ (während er einen tiefen Respekt bewahrt) hinzufügt.

Die Nacktheit spielt in Freuds Werk eine bestimmte Rolle und kommt genau dort an, wo die Intimität aufhört, auf der Ebene des erzeugten Bildes. Sie dient seinem Anliegen auf der biologischen Ebene der Dinge: So wie er Tiere und Pflanzen malt, wird der nackte menschliche Körper als ein ruhendes Tier gesehen. Es gibt keine Gefühle, die beim Malen durchscheinen oder vorhanden sein müssen, sonst könnte es unvollendet bleiben, wie es 1977 mit seinem Last Portrait geschah, einem Ölgemälde, das unvollendet blieb, aber dennoch mit dem vielsagenden Titel „Das letzte Porträt“ öffentlich ausgestellt wurde.

Die Porträtserie seiner Mutter könnte ebenfalls auf eine gewisse Verbindung zwischen den beiden Personen hindeuten, doch der Grund dafür ist weit weniger sentimental. 1970, nach dem Tod von Lucians Vater Ernest, versuchte seine Mutter, sich umzubringen, fiel dann aber in eine Depression, weil sie von ihrer Schwester, die gerade in der Nähe war, wieder zum Leben erweckt worden war. Freud wird später sagen: „She“d lost interest in every thing, including me“ (Sie verlor das Interesse an allem, einschließlich mir). Die Tatsache, dass sie das Interesse an ihm verloren hatte, katapultierte sie also in die Position eines idealen Modells. Er malte sie ohne Unterbrechung etwa 15 Jahre lang, bevor auch sie starb.

Um auf den Punkt zu kommen, nahm Freud die Personen, die er am intimsten kannte, nämlich seine Kinder, als Modelle. Er fertigte mehrere Porträts seiner Töchter an, zunächst als Kinder, dann als junge Erwachsene und schließlich als schwangere Frauen, die nackt mit ausgestreckten Armen und Beinen vor dem Maler standen. Damit brach er jeglichen Bezug zur Erotik, den man in seinen Werken sehen konnte, und stützte seine Aussage auf die Beobachtung des Körpers als das, was er an Material hat, genauso wie sein Whippet. Er selbst wird später sagen: „If I had thought it odd to paint them, I would never have done so“.

Trotz eines Schaffensprozesses, der vom Intimen und der Verbindung zu seinen Angehörigen durchdrungen ist. Die Szene seines leeren Ateliers, ohne andere Personen, da selbst David Dawson, der lange Jahre sein Assistent war, gehen musste, als Freud mit dem Malen begann, und dann die Nacktheit. Lucian Freud war in seinen Werken völlig undurchlässig für seine Gefühle. Er erklärte sich diesbezüglich klar und deutlich: „Es ist nie eine erotische Situation, das Modell und ich machen ein Bild, nicht die Liebe“,.

Externe Links

Quellen

  1. Lucian Freud
  2. Lucian Freud
  3. Ses quatre sœurs – octogénaires – resteront à Vienne et mourront en camp de concentration.
  4. « Lucian Freud. L“atelier », exposition du Centre Pompidou, 10 mars–19 juillet 2010, from livret de l“exposition.
  5. « Hotel Bedroom, 1954 – Lucian Freud – WikiArt.org », sur www.wikiart.org (consulté le 20 octobre 2019)
  6. voir article nécrologique du Figaro – Édition du 23 juillet 2011.
  7. Michael Peppiatt, A School of London: Six Figurative Painters: Michael Andrews, Frank Auerbach, Francis Bacon, Lucian Freud, R. B. Kitaj, Leon Kossoff. London: The British Council, 1987. (ISBN 0-86355-051-7)
  8. ^ „Lucian Freud, OM“. The Telegraph. 21 July 2011. Archived from the original on 12 January 2022. Retrieved 8 March 2020. Freud was appointed a Companion of Honour in 1983, and a member of the Order of Merit in 1993.
  9. ^ a b Spurling, John (13 December 1998). „Portrait of the artist as a happy man“. The Independent. Retrieved 19 June 2010.
  10. ^ „London Exhibition Showcases the Best of Bryanston Art and Design“. Bryanston Art: Past and Present. Bryanston School. 12 October 2008. Archived from the original on 28 September 2011. Retrieved 25 July 2011.
  11. ^ „Lucian Freud (P “40) „Painted Life““. Bryanston. Bryanston School. 8 February 2012. Archived from the original on 13 November 2012. Retrieved 20 February 2012.
  12. „Britains greatest living Artist“, says The Guardian. 6. April 2006
  13. Shulamith Behr, Marian Molet (Ed.): Arts in Exile in Britain 1933–1945. Rodopi, New York / Amsterdam 2005, S. 209.
  14. Friederike Kraus: Lucian Freud 1922. Diplomarbeit. Wien 2013, S. 13.
  15. Lucian Freud, archive. Exhibition 2012 (Memento des Originals vom 23. Dezember 2015 im Internet Archive)  Info: Der Archivlink wurde automatisch eingesetzt und noch nicht geprüft. Bitte prüfe Original- und Archivlink gemäß Anleitung und entferne dann diesen [email protected]@2Vorlage:Webachiv/IABot/www.blainsouthern.com, abgerufen am 23. Dezember 2015.
  16. Vanity Fair, Februar 2012, S. 147
  17. Например, автопортрет «Человек с чертополохом» (1946, Тейт) и серия портретов его жены Китти, в том числе «Девушка с котенком» (1947, Тейт)[17].
  18. Так же охотно, как людей, художник писал животных, особенно собак (его любимый уиппет Эли изображён на нескольких полотнах) и лошадей[18].
  19. Впрочем, сам Люсьен утверждал, что не прочёл из трудов своего знаменитого деда ни слова[13].
  20. Люси Фрейд совершила попытку самоубийства после смерти мужа в 1970 году. Фрейд, по его собственным словам, хотел отвлечь её от тяжёлых мыслей и провести с ней как можно больше времени. После завтрака в ближайшей кондитерской начинались сеансы, для девяти своих портретов Люси позировала в общей сложности 1000 раз[18].