Franz Kline
gigatos | maj 25, 2022
Sammanfattning
Franz Kline (23 maj 1910-13 maj 1962) var en amerikansk målare. Han förknippas med den abstrakta expressionistiska rörelsen på 1940- och 1950-talen. Kline, tillsammans med andra aktionsmålare som Jackson Pollock, Willem de Kooning, Robert Motherwell, John Ferren och Lee Krasner samt lokala poeter, dansare och musiker kom att bli kända som den informella gruppen New York School. Även om han utforskade samma innovationer inom måleriet som de andra konstnärerna i gruppen, är Klines verk i sig självt distinkt och har vördats sedan 1950-talet.
Kline föddes i Wilkes-Barre, ett litet kolgruvsamhälle i östra Pennsylvania. När han var sju år gammal tog hans far livet av sig. Under sin ungdom flyttade han till Lehighton i Pennsylvania och tog examen från Lehighton High School. Hans mor gifte om sig senare och skickade honom till Girard College, en akademi i Philadelphia för faderlösa pojkar. Efter examen från high school studerade Kline konst vid Boston University 1931-1935 och tillbringade sedan ett år i England på Heatherley School of Fine Art i London. Under denna tid träffade han sin blivande fru Elizabeth V. Parsons, en brittisk balettdansös. Hon återvände till USA med Kline 1938.
När han återvände till landet arbetade Kline som designer för ett varuhus i New York. Han flyttade sedan till New York City 1939 och arbetade för en scenograf. Det var under denna tid i New York som Kline utvecklade sina konstnärliga tekniker och blev erkänd som en betydande konstnär.
Senare undervisade han vid ett antal institutioner, bland annat Black Mountain College i North Carolina och Pratt Institute i Brooklyn. Han tillbringade somrarna 1956-1962 med att måla i Provincetown, Massachusetts, och dog 1962 i New York City i en reumatisk hjärtsjukdom, tio dagar före sin 52:a födelsedag.
Läs också: strider – Aubrey Beardsley
Tidiga arbeten
Klines konstnärliga utbildning var inriktad på traditionell illustration och ritning. Under slutet av 1930-talet och början av 1940-talet arbetade Kline figurativt och målade landskap och stadsbilder, förutom beställda porträtt och väggmålningar. Hans individuella stil kan för första gången ses i väggmålningsserien Hot Jazz, som han målade för Bleecker Street Tavern i Greenwich Village 1940.
Serien avslöjade hans intresse för att bryta ner representativa former till snabba, rudimentära penseldrag.
Den personliga stil som han utvecklade under denna tid, med förenklade former, blev alltmer abstrakt. Många av de figurer han avbildade är baserade på lokomotiv, karga landskap och stora mekaniska former i hans hemland, kolgruvsamhället i Pennsylvania. Detta är ibland bara uppenbart för betraktaren eftersom verken är uppkallade efter dessa platser och föremål, inte för att de faktiskt ser ut som motivet. Med inflytande från den samtida konstscenen i New York arbetade Kline vidare mot abstraktion och övergav så småningom representationalismen. Från slutet av 1940-talet och framåt började Kline generalisera sina figurativa motiv till linjer och plan som passar ihop ungefär som kubismens verk från den tiden.
År 1946 gav American Legions post i Lehighton, Pennsylvania, Kline i uppdrag att göra en stor duk med en bild av staden där han hade gått i high school. Muralmålningen Lehighton förvärvades från den amerikanska legionsposten 2016 av Allentown Art Museum i Allentown, Pennsylvania, och är i dag permanent utställd där.
Läs också: biografier – Ismail I
Senare arbete
Det anses allmänt att Klines mest igenkännbara stil härrör från ett förslag som hans vän och kreativa inflytande Willem de Kooning gav honom. De Koonings hustru Elaine gav en romantiserad redogörelse för händelsen och hävdade att de Kooning 1948 rådde en konstnärligt frustrerad Kline att projicera en skiss på väggen i sin studio med hjälp av en Bell-Opticon-projektor. Kline beskrev projiceringen på följande sätt:
”En fyra gånger fem tum stor svart teckning av en gungstol… framträdde i gigantiska svarta streck som utplånade varje bild, strecken expanderade som enheter i sig själva, utan samband med någon annan enhet än den av deras egen existens.”
Som Elaine de Kooning antyder var det då som Kline ägnade sig åt storskaliga, abstrakta verk. Men även om Willem de Kooning minns att Kline gav sig in i abstraktionen ”helt plötsligt, han kastade sig in i det”, medger han också att det tog lång tid och säger att ”Franz hade en vision om något och ibland tar det ganska lång tid att arbeta fram den”. Under de följande två åren blev Klines penseldrag helt icke-representativa, flytande och dynamiska. Det var också vid den här tiden som Kline började måla enbart i svartvitt. Han förklarade hur hans monokroma palett var tänkt att skildra negativa och positiva rum genom att säga: ”Jag målar det vita likaväl som det svarta, och det vita är lika viktigt”. Hans användning av svart och vitt liknar i hög grad de målningar som gjordes av de Kooning och Pollock under 1940-talet. Det verkar också finnas referenser till japansk kalligrafi i Klines svartvita målningar, genom hans utbyte med den japanska avantgardistiska kalligrafigruppen Bokujinkai och dess ledare Morita Shiryu, även om Kline senare förnekade denna koppling.
Klines första separatutställning ägde rum den 16 oktober-4 november 1950 på Egan Gallery, 63 East 57th Street. Utställningen bestod av elva abstrakta målningar. Färg var ett sällsynt inslag i målningarna: brun undermålning nära botten av Nijinsky och flyktiga antydningar av grönt i Leda. Målningarna uppvisade en mängd olika kompositioner och stämningar, men de hade alla ett utmärkande drag: Klines signatur med svart på vitt. Tretton år tidigare i London hade Kline kallat sig själv för en ”svartvit man”, men inte förrän denna utställning hade andra förstått hur exakt denna fas var. På grund av Klines genomslagskraft och hans konkreta stil kallades Kline för ”konstnären i svartvitt”, en etikett som fastnade hos konstnären och som han ibland skulle känna sig begränsad av. Klines första separatutställning var en avgörande händelse i Klines karriär eftersom den markerade den praktiskt taget samtidiga början och slutet på Klines stora uppfinning som abstrakt konstnär. Vid fyrtio års ålder hade Kline säkrat en personlig stil som han redan behärskade. Det fanns inga egentliga sätt för Kline att fortsätta sin undersökning; han hade bara möjlighet att replikera den stil som han redan behärskade. För att gå vidare fanns det bara en logisk riktning för Kline att gå: tillbaka till färgen, den riktning han var på väg mot när han dog i förtid av hjärtsvikt.
Under senare delen av 1950-talet, i målningar som Requiem (1958), började Kline experimentera med mer komplexa chiaroscuro i stället för att fokusera på en strikt monokromatisk palett. År 1958 återinförde han sedan användningen av färg i sitt arbete genom färgglada accenter i sina svartvita målningar. Detta utforskande tillbaka till färganvändning var fortfarande under utveckling när Kline dog 1962.
Kline är känd som en av de viktigaste men samtidigt mest problematiska konstnärerna inom den abstrakta expressionistiska rörelsen i New York. Hans stil är svår för kritiker att tolka i förhållande till hans samtidiga. I likhet med Jackson Pollock, Willem de Kooning och andra abstrakta expressionister ansågs Kline vara en action painter på grund av sin till synes spontana och intensiva stil, där han inte alls fokuserade på figurer eller bilder utan på uttrycket i sina penseldrag och användningen av duken. Klines målningar är dock bedrägligt subtila. Även om hans målningar i allmänhet har en spontan och dramatisk inverkan, hänvisade Kline ofta till sina kompositionsritningar. Kline gjorde noggrant många av sina mest komplexa bilder utifrån omfattande studier, vanligen gjorda på sopor från telefonkatalogsidor. Till skillnad från sina kolleger bland de abstrakta expressionisterna skulle Klines verk bara se ut som om de var gjorda i ett ögonblick av inspiration, men varje målning var dock utförligt utforskad innan hans husmålares pensel rörde vid duken.
Kline var också känd för att undvika att ge sina målningar en innebörd, till skillnad från sina kolleger som gav mystiska beskrivningar av sina verk. I en katalog över Klines verk skriver konsthistorikern Carolyn Christov-Bakargiev att ”hans konst både föreslår och förnekar betydelse och mening”. Många av hans verk har av konsthistoriker betraktats som tecken på en utveckling mot minimalistiskt måleri. De anser att hans verk har en objektiv opacitet och frispråkighet som skiljer sig från den subjektivitet som New York-skolans stil innebär. Detta skulle göra att hans verk mer liknar de avantgardistiska plattformar som minimalism som ersatte den abstrakta expressionistiska rörelsen på 1960-talet.
Konsthistorikern David Anfam noterar att konstnärer som arbetade under och efter Klines liv – såsom Robert Rauschenberg, Aaron Siskind, Cy Twombly, Mark di Suvero och Brice Marden – alla har kallat Kline för en inspirationskälla.
2012 sålde finansmannen George R. Roberts från San Francisco ett nästan tre meter brett svartvitt verk utan titel från 1957 på Christie”s i New York. Målningen gick till en telefonbudgivare för 36 miljoner dollar, eller 40,4 miljoner dollar med avgifter (Christie”s garanterade säljaren Robert Mnuchin ett icke offentliggjort minimibelopp), ett rekordpris för konstnären på auktion och mer än sex gånger det tidigare rekordet, som sattes 2005 när Christie”s sålde Crow Dancer (1958) för 6,4 miljoner dollar.
Ett tidigt verk, UNTITLED, från 1940 (ett interiörrum) köptes av en privat samlare från Sotheby”s 1995 för 21 850 dollar. Detta tidiga verk bidrar till att definiera hans tidiga fas, innan han förvandlades från en realistisk målare till en banbrytande abstrakt expressionist. Målningens djärva penseldrag förebådar den episka svarta abstraktionen i hans genombrottsstil.
År 2018 började Hauser & Wirth Institute i samarbete med Franz Klines dödsbo förbereda katalogen Franz Kline Paintings, 1950-1962. Projektet, som för första gången kommer att presentera en onlinekompendium av Klines oljemålningar på duk gjorda mellan 1950 och konstnärens död 1962, förväntas vara klart 2022.
Källor
