Frida Kahlo
gigatos | 13 grudnia, 2021
Streszczenie
Magdalena Carmen Frida Kahlo y Calderón (6 lipca 1907 – 13 lipca 1954) była meksykańską malarką znaną z wielu portretów, autoportretów i prac inspirowanych naturą i artefaktami Meksyku. Zainspirowana przez kulturę popularną kraju, używała naiwnego stylu sztuki ludowej, aby zbadać kwestie tożsamości, postkolonializmu, płci, klasy i rasy w społeczeństwie meksykańskim. Jej obrazy często zawierały silne elementy autobiograficzne i mieszały realizm z fantazją. Poza przynależnością do porewolucyjnego ruchu Mexicayotl, który dążył do zdefiniowania meksykańskiej tożsamości, Kahlo była określana jako surrealistka lub magiczna realistka. Znana jest z malowania obrazów o swoim doświadczeniu chronicznego bólu.
Urodzona z ojca Niemca i matki Metyski, Kahlo spędziła większość swojego dzieciństwa i dorosłego życia w La Casa Azul, swoim domu rodzinnym w Coyoacán – obecnie publicznie dostępnym jako Muzeum Fridy Kahlo. Mimo, że w dzieciństwie była niepełnosprawna z powodu polio, Kahlo była obiecującą studentką, wybierającą się na studia medyczne, dopóki nie uległa wypadkowi autobusowemu w wieku 18 lat, który spowodował u niej ból i problemy zdrowotne na całe życie. W czasie rekonwalescencji powróciła do swoich dziecięcych zainteresowań sztuką, z zamiarem zostania artystką.
Zainteresowania Kahlo polityką i sztuką doprowadziły ją do wstąpienia do Meksykańskiej Partii Komunistycznej w 1927 roku, dzięki czemu poznała meksykańskiego artystę Diego Riverę. Para pobrała się w 1929 roku, a późne lata 20. i wczesne 30. spędziła na podróżach po Meksyku i Stanach Zjednoczonych. W tym czasie rozwinęła swój styl artystyczny, czerpiąc główną inspirację z meksykańskiej kultury ludowej, malowała głównie małe autoportrety, w których mieszały się elementy z wierzeń prekolumbijskich i katolickich. Jej obrazy wzbudziły zainteresowanie surrealistycznego artysty André Bretona, który zaaranżował pierwszą indywidualną wystawę Kahlo w Galerii Julien Levy w Nowym Jorku w 1938 roku; wystawa okazała się sukcesem, a po niej nastąpiła kolejna w Paryżu w 1939 roku. Podczas gdy francuska wystawa nie odniosła większego sukcesu, Luwr zakupił obraz Kahlo, The Frame, czyniąc z niej pierwszą meksykańską artystkę, która znalazła się w ich kolekcji. Przez całe lata 40. Kahlo brała udział w wystawach w Meksyku i Stanach Zjednoczonych oraz pracowała jako nauczycielka sztuki. Uczyła w Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado („La Esmeralda”) i była członkiem-założycielem Seminario de Cultura Mexicana. W tej samej dekadzie zaczął się pogarszać zawsze wątły stan zdrowia Kahlo. Jej pierwsza indywidualna wystawa w Meksyku odbyła się w 1953 roku, na krótko przed jej śmiercią w 1954 roku w wieku 47 lat.
Twórczość Kahlo jako artystki pozostawała stosunkowo mało znana aż do późnych lat 70-tych, kiedy to jej prace zostały ponownie odkryte przez historyków sztuki i działaczy politycznych. Na początku lat 90. stała się nie tylko uznaną postacią w historii sztuki, ale także ikoną Chicanos, ruchu feministycznego i ruchu LGBTQ+. Prace Kahlo są uznawane na całym świecie za emblematyczne dla meksykańskich tradycji narodowych i tubylczych, a przez feministki postrzegane są jako bezkompromisowe przedstawienie kobiecego doświadczenia i formy.
Przeczytaj także: mitologia_p – Izyda
Kahlo od najmłodszych lat lubiła sztukę. Uczyła się rysunku u Fernando Fernándeza (przyjaciela jej ojca) i wypełniała zeszyty szkicami. W 1925 roku zaczęła pracować poza szkołą, aby pomóc rodzinie. Po krótkim okresie pracy jako stenografka, została płatną praktykantką Fernándeza w zakresie grawerowania, choć w tym czasie nie myślała o karierze artystycznej.
Poważny wypadek autobusowy, któremu uległa w wieku 18 lat, sprawił, że Kahlo odczuwała ból przez całe życie. Po wypadku, przykuta do łóżka na trzy miesiące, Kahlo zaczęła malować. Zaczęła też rozważać karierę ilustratorki medycznej, która połączyłaby jej zainteresowania nauką i sztuką. Matka zaopatrzyła ją w specjalnie wykonaną sztalugę, dzięki której mogła malować w łóżku, a ojciec pożyczył jej kilka swoich farb olejnych. Nad sztalugą umieściła lustro, aby mogła się w nim przejrzeć. Malarstwo stało się dla Kahlo sposobem na zgłębianie pytań o tożsamość i egzystencję. Tłumaczyła: „Maluję siebie, ponieważ często jestem sama i jestem tematem, który znam najlepiej”. Później stwierdziła, że wypadek i izolujący okres rekonwalescencji sprawiły, że zapragnęła „zacząć od nowa, malować rzeczy tak, jak się je widzi i nic więcej.”
Większość obrazów Kahlo z tego okresu to portrety jej samej, jej sióstr i przyjaciół ze szkoły. Z jej wczesnych obrazów i korespondencji wynika, że inspiracje czerpała przede wszystkim od artystów europejskich, w szczególności mistrzów renesansu, takich jak Sandro Botticelli i Bronzino, oraz z ruchów awangardowych, takich jak Neue Sachlichkeit i kubizm.
Po przeprowadzce do Morelos w 1929 roku wraz z mężem Riverą, Kahlo zainspirowała się miastem Cuernavaca, w którym mieszkali. Zmieniła swój styl artystyczny i coraz częściej czerpała inspirację z meksykańskiej sztuki ludowej. Historyk sztuki Andrea Kettenmann twierdzi, że mogła być pod wpływem rozprawy Adolfo Best Maugarda na ten temat, ponieważ zawarła w niej wiele cech, które on nakreślił – na przykład brak perspektywy i łączenie elementów z prekolumbijskich i kolonialnych okresów sztuki meksykańskiej. Jej identyfikacja z La Raza, ludem Meksyku, i głębokie zainteresowanie jego kulturą pozostały ważnymi aspektami jej sztuki do końca życia.
Przeczytaj także: historia-pl – Mur Berliński
Praca w Stanach Zjednoczonych
Kiedy w 1930 roku Kahlo i Rivera przenieśli się do San Francisco, Kahlo poznała amerykańskich artystów, takich jak Edward Weston, Ralph Stackpole, Timothy L. Pflueger i Nickolas Muray. Sześć miesięcy spędzonych w San Francisco było owocnym okresem dla Kahlo, która dalej rozwijała styl sztuki ludowej, który przyjęła w Cuernavaca. Oprócz portretów kilku nowych znajomych, wykonała portret podwójny Frieda i Diego Rivera (1931), oparty na ich fotografii ślubnej, oraz Portret Luthera Burbanka (1931), przedstawiający tytułowego ogrodnika jako hybrydę człowieka i rośliny. Choć nadal publicznie prezentowała się raczej jako małżonka Rivery niż jako artystka, po raz pierwszy wzięła udział w wystawie, kiedy to Frieda i Diego Rivera została włączona do Szóstej Dorocznej Wystawy Stowarzyszenia Kobiet Artystów w San Francisco w Pałacu Legii Honorowej.
Po przeprowadzce z Riverą do Detroit, Kahlo doświadczyła licznych problemów zdrowotnych związanych z nieudaną ciążą. Pomimo tych problemów zdrowotnych, jak również niechęci do kapitalistycznej kultury Stanów Zjednoczonych, czas spędzony w tym mieście był korzystny dla jej artystycznej ekspresji. Eksperymentowała z różnymi technikami, takimi jak akwaforta i fresk, a jej obrazy zaczęły wykazywać silniejszy styl narracyjny. Zaczęła również kłaść nacisk na tematy „terroru, cierpienia, ran i bólu”. Mimo popularności muralu w sztuce meksykańskiej w tym czasie, przyjęła diametralnie odmienne medium, obrazy wotywne lub retablos, religijne obrazy wykonane na małych arkuszach metalu przez artystów amatorów, aby podziękować świętym za ich błogosławieństwo w czasie klęski. Wśród prac wykonanych w manierze retablo w Detroit znajdują się Henry Ford Hospital (1932), Moje narodziny (1932) i Autoportret na granicy Meksyku i Stanów Zjednoczonych (1932). Chociaż żadna z prac Kahlo nie była prezentowana na wystawach w Detroit, udzieliła ona wywiadu Detroit News na temat swojej sztuki; artykuł nosił protekcjonalny tytuł „Wife of the Master Mural Painter Gleefully Dabbles in Works of Art”.
Przeczytaj także: biografie-pl – Sonja Henie
Powrót do Mexico City i międzynarodowe uznanie
Po powrocie do Mexico City w 1934 roku Kahlo nie wykonała żadnego nowego obrazu, a w roku następnym tylko dwa, z powodu komplikacji zdrowotnych. Jednak w latach 1937 i 1938, po rozwodzie, a następnie pogodzeniu się z Riverą, kariera artystyczna Kahlo była niezwykle produktywna. Namalowała więcej „niż przez wszystkie osiem poprzednich lat małżeństwa”, tworząc takie dzieła jak Moja pielęgniarka i ja (1937), Pamięć, serce (1937), Czterech mieszkańców Meksyku (1938) i Co dała mi woda (1938). Choć wciąż nie była pewna swojej twórczości, na początku 1938 roku Narodowy Uniwersytet Autonomiczny w Meksyku wystawił kilka jej obrazów. Latem 1938 roku dokonała pierwszej znaczącej sprzedaży, kiedy to gwiazda filmowa i kolekcjoner sztuki Edward G. Robinson kupił cztery obrazy po 200 dolarów każdy. Jeszcze większe uznanie przyniosła Riverze wizyta francuskiego surrealisty André Bretona w kwietniu 1938 roku. Był pod wrażeniem Kahlo, natychmiast uznał ją za surrealistkę, a jej prace określił jako „wstążkę wokół bomby”. Obiecał nie tylko zorganizować wystawę jej obrazów w Paryżu, ale także napisał do swojego przyjaciela i handlarza dziełami sztuki, Juliena Levy”ego, który zaprosił ją na pierwszą indywidualną wystawę do swojej galerii na East 57th Street na Manhattanie.
W październiku Kahlo pojechała samotnie do Nowego Jorku, gdzie jej kolorowy meksykański strój „wywołał sensację” i sprawił, że postrzegano ją jako „szczyt egzotyki”. W otwarciu wystawy w listopadzie wzięły udział takie sławy jak Georgia O”Keeffe i Clare Boothe Luce, a prasa odniosła się do niej przychylnie, choć wielu krytyków w swoich recenzjach przyjęło protekcjonalny ton. Na przykład Time napisał, że „obrazy małej Fridy … miały delikatność miniatur, żywe czerwienie i żółcienie meksykańskiej tradycji i figlarnie krwawą fantazję niesentymentalnego dziecka”. Mimo Wielkiego Kryzysu Kahlo sprzedała połowę z 25 obrazów prezentowanych na wystawie. Otrzymała też zamówienia od A. Congera Goodyeara, ówczesnego prezesa MoMA, oraz Clare Boothe Luce, dla której namalowała portret przyjaciółki Luce, towarzyskiej Dorothy Hale, która popełniła samobójstwo skacząc ze swojego apartamentowca. Podczas trzech miesięcy spędzonych w Nowym Jorku Kahlo malowała bardzo niewiele, skupiając się na korzystaniu z uroków miasta na tyle, na ile pozwalało jej kruche zdrowie. Miała też kilka romansów, kontynuując ten z Nickolasem Murayem i angażując się w te z Levym i Edgarem Kaufmannem, Jr.
W styczniu 1939 roku Kahlo popłynęła do Paryża, aby skorzystać z zaproszenia André Bretona do zorganizowania wystawy jej prac. Po przybyciu na miejsce okazało się, że nie odprawił on jej obrazów z urzędu celnego i nie posiada już nawet galerii. Z pomocą Marcela Duchampa udało jej się zorganizować wystawę w galerii Renou et Colle. Dalsze problemy pojawiły się, gdy galeria odmówiła pokazania wszystkich obrazów Kahlo z wyjątkiem dwóch, uznając je za zbyt szokujące dla publiczności, a Breton nalegał, by pokazać je obok fotografii Manuela Alvareza Bravo, prekolumbijskich rzeźb, XVIII- i XIX-wiecznych meksykańskich portretów oraz tego, co uważał za „śmieci”: czaszek z cukru, zabawek i innych przedmiotów, które kupił na meksykańskich targowiskach.
Wystawa została otwarta w marcu, ale spotkała się z dużo mniejszym zainteresowaniem niż w Stanach Zjednoczonych, częściowo z powodu zbliżającej się II wojny światowej, i przyniosła straty finansowe, co skłoniło Kahlo do odwołania planowanej wystawy w Londynie. Mimo to Luwr zakupił The Frame, czyniąc z niej pierwszą meksykańską artystkę, która znalazła się w ich kolekcji. Została również ciepło przyjęta przez innych paryskich artystów, takich jak Pablo Picasso i Joan Miró, a także przez świat mody – projektantka Elsa Schiaparelli zaprojektowała suknię inspirowaną jej osobą, a Vogue Paris umieścił ją na swoich łamach. Jednak jej ogólna opinia o Paryżu i surrealistach pozostała negatywna; w liście do Muraya nazwała ich „tą bandą kokieteryjnych szaleńców i bardzo głupich surrealistów”, którzy „są tak szaleni ”intelektualnie” i zepsuci, że nie mogę ich już nawet znieść.”
W Stanach Zjednoczonych obrazy Kahlo nadal budziły zainteresowanie. W 1941 roku jej prace prezentowane były w Institute of Contemporary Art w Bostonie, a w następnym roku wzięła udział w dwóch głośnych wystawach w Nowym Jorku: Twentieth-Century Portraits w MoMA i First Papers of Surrealism Surrealistów. W 1943 roku znalazła się na wystawie Mexican Art Today w Philadelphia Museum of Art oraz Women Artists w galerii Peggy Guggenheim The Art of This Century w Nowym Jorku.
Kahlo zyskała większe uznanie dla swojej sztuki również w Meksyku. Została członkiem-założycielem Seminario de Cultura Mexicana, grupy dwudziestu pięciu artystów powołanej do życia przez Ministerstwo Edukacji Publicznej w 1942 roku w celu szerzenia wiedzy o kulturze meksykańskiej. Jako członkini brała udział w planowaniu wystaw i uczestniczyła w konferencji na temat sztuki. W mieście Meksyk jej obrazy znalazły się na dwóch wystawach poświęconych sztuce meksykańskiej, które zorganizowano w anglojęzycznej Benjamin Franklin Library w 1943 i 1944 roku. Została zaproszona do udziału w „Salon de la Flor”, wystawie prezentowanej podczas dorocznej ekspozycji kwiatów. Artykuł Rivery o sztuce Kahlo ukazał się również w czasopiśmie wydawanym przez Seminario de Cultura Mexicana.
W 1943 roku Kahlo przyjęła posadę nauczycielki w zreformowanej niedawno, nacjonalistycznej Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado „La Esmeralda”. Zachęcała swoich studentów do traktowania jej w sposób nieformalny i niehierarchiczny, uczyła ich doceniać meksykańską kulturę popularną i sztukę ludową oraz czerpać tematy z ulicy. Kiedy problemy zdrowotne utrudniały jej dojazdy do szkoły w Mexico City, zaczęła prowadzić lekcje w La Casa Azul. Czworo z jej uczniów – Fanny Rabel, Arturo García Bustos, Guillermo Monroy i Arturo Estrada – stało się jej wielbicielami, a ze względu na swój entuzjazm nazywani byli „Los Fridos”. Kahlo zdobyła dla siebie i swoich uczniów trzy zlecenia na wykonanie muralu. W 1944 roku namalowali La Rosita, pulqueria w Coyoacán. W 1945 roku rząd zlecił im namalowanie murali w pralni w Coyoacán w ramach narodowego programu pomocy ubogim kobietom, które zarabiały na życie jako praczki. W tym samym roku grupa stworzyła murale dla Posada del Sol, hotelu w mieście Meksyk. Został on jednak zniszczony wkrótce po ukończeniu, ponieważ nie spodobał się właścicielowi hotelu.
Kahlo z trudem utrzymywała się ze swojej sztuki aż do połowy i końca lat 40-tych, ponieważ nie chciała dostosować swojego stylu do życzeń klientów. Na początku lat 40. otrzymała dwa zamówienia od rządu meksykańskiego. Pierwszego nie zrealizowała, prawdopodobnie z powodu niechęci do tematu, a drugie zlecenie zostało odrzucone przez zleceniodawcę. Miała jednak stałych klientów prywatnych, takich jak inżynier Eduardo Morillo Safa, który w ciągu dekady zamówił ponad trzydzieści portretów członków rodziny. Jej sytuacja finansowa uległa poprawie, gdy w 1946 roku otrzymała nagrodę państwową w wysokości 5000 peso za obraz Mojżesz (1945), a w 1947 roku Dwie Fridy zostały zakupione przez Museo de Arte Moderno. Według historyka sztuki Andrei Kettenmann, w połowie lat 40. jej obrazy były „prezentowane na większości wystaw zbiorowych w Meksyku”. Ponadto Martha Zamora pisała, że mogła „sprzedać to, co aktualnie malowała; czasami niekompletne obrazy były kupowane od razu po zdjęciu ze sztalugi”.
Przeczytaj także: bitwy – Bitwa pod Maratonem
Późniejsze lata
Nawet gdy Kahlo zdobywała uznanie w Meksyku, jej stan zdrowia gwałtownie się pogarszał, a próba operacji podtrzymującej kręgosłup zakończyła się niepowodzeniem. Jej obrazy z tego okresu to „Złamana kolumna” (1944), „Bez nadziei” (1945), „Drzewo nadziei”, „Stać mocno” (1946) i „Zraniony jeleń” (1946), odzwierciedlające jej zły stan fizyczny. W ostatnich latach życia Kahlo była głównie zamknięta w Casa Azul. Malowała głównie martwe natury, przedstawiając owoce i kwiaty z symbolami politycznymi, takimi jak flagi czy gołębie. Obawiała się, czy będzie w stanie przedstawić swoje przekonania polityczne, stwierdzając: „Mam wielki niepokój związany z moimi obrazami. Głównie dlatego, że chcę je uczynić użytecznymi dla rewolucyjnego ruchu komunistycznego… do tej pory udawało mi się po prostu szczerze wyrazić własne ja… Muszę ze wszystkich sił walczyć o to, by to, na co pozwala mi zdrowie, przyniosło korzyść także rewolucji, jedynej prawdziwej racji bytu.” Zmieniła także styl malowania: pociągnięcia pędzla, wcześniej delikatne i ostrożne, były teraz bardziej gwałtowne, użycie koloru bardziej jaskrawe, a ogólny styl bardziej intensywny i gorączkowy.
Fotografka Lola Alvarez Bravo zrozumiała, że Kahlo nie pozostało już wiele życia, dlatego w kwietniu 1953 roku zorganizowała jej pierwszą indywidualną wystawę w Meksyku w Galería Arte Contemporaneo. Chociaż Kahlo początkowo nie miała być obecna na otwarciu, ponieważ lekarze zalecili jej odpoczynek w łóżku, kazała przenieść swoje łóżko z baldachimem z domu do galerii. Ku zaskoczeniu gości przyjechała karetką i została przeniesiona na noszach do łóżka, gdzie pozostała do końca przyjęcia. Wystawa była znaczącym wydarzeniem kulturalnym w Meksyku, a także odbiła się szerokim echem w prasie na całym świecie. W tym samym roku na wystawie sztuki meksykańskiej w Tate Gallery w Londynie znalazło się pięć jej obrazów.
W 1954 roku, w kwietniu i maju, Kahlo ponownie trafiła do szpitala. Wiosną tegoż roku, po rocznej przerwie, wznowiła malowanie. Jej ostatnie obrazy to polityczne Marksizm da zdrowie chorym (ok. 1954) i Frida i Stalin (ok. 1954) oraz martwa natura Viva La Vida (1954).
Szacuje się, że Kahlo namalowała w ciągu swojego życia mniej niż 150 obrazów. Jej najwcześniejsze obrazy, które powstały w połowie lat 20-tych, wykazują wpływy mistrzów renesansu i europejskich artystów awangardowych, takich jak Amedeo Modigliani. Pod koniec dekady Kahlo zaczęła bardziej inspirować się meksykańską sztuką ludową, czerpiąc z jej elementów „fantazji, naiwności, fascynacji przemocą i śmiercią”. Jej styl mieszał rzeczywistość z elementami surrealistycznymi i często przedstawiał ból i śmierć.
Jednym z najwcześniejszych mistrzów Kahlo był surrealistyczny artysta André Breton, który uznał ją za część tego ruchu, jako artystkę, która rzekomo rozwinęła swój styl „w całkowitej nieświadomości idei, które motywowały działania moich przyjaciół i mnie samej”. To samo powtarzał Bertram D. Wolfe, który pisał, że styl Kahlo był „rodzajem ”naiwnego” surrealizmu, który sama sobie wymyśliła”. Mimo że Breton uważał ją głównie za kobiecą siłę w ruchu surrealistycznym, Kahlo wysunęła na pierwszy plan swojej marki surrealizmu kwestie i tematy postkolonialne. Breton opisał również prace Kahlo jako „cudownie usytuowane w punkcie przecięcia między linią polityczną (filozoficzną) a linią artystyczną”. Chociaż później brała udział w wystawach surrealistów, stwierdziła, że „nienawidzi surrealizmu”, który dla niej był „burżuazyjną sztuką”, a nie „prawdziwą sztuką, której ludzie oczekują od artysty”. Niektórzy historycy sztuki nie zgadzają się, czy jej twórczość w ogóle powinna być zaliczana do tego ruchu. Według Andrei Kettenmann, Kahlo była symbolistką, której bardziej zależało na przedstawieniu swoich wewnętrznych przeżyć. Emma Dexter twierdzi, że ponieważ Kahlo czerpała swoją mieszankę fantazji i rzeczywistości głównie z mitologii azteckiej i kultury meksykańskiej, a nie z surrealizmu, należy raczej uznać, że jej obrazy mają więcej wspólnego z realizmem magicznym, znanym również jako Nowa Rzeczowość. Łączył on rzeczywistość z fantazją i stosował podobne do Kahlo środki stylistyczne, takie jak spłaszczona perspektywa, wyraźnie zarysowane postacie i jaskrawe kolory.
Przeczytaj także: biografie-pl – Daniel Defoe
Mexicanidad
Podobnie jak wielu innych współczesnych artystów meksykańskich, Kahlo pozostawała pod silnym wpływem Mexicanidad, romantycznego nacjonalizmu, który rozwinął się w następstwie rewolucji. Ruch Mexicanidad opierał się „mentalności kulturowej niższości” stworzonej przez kolonializm, a szczególną wagę przywiązywał do kultur tubylczych. Przed rewolucją meksykańska kultura ludowa – mieszanka elementów rdzennych i europejskich – była lekceważona przez elity, które twierdziły, że mają czysto europejskie pochodzenie i uważały Europę za definicję cywilizacji, którą Meksyk powinien naśladować. Ambicją artystyczną Kahlo było malowanie dla narodu meksykańskiego, a ona sama stwierdziła, że pragnie „być godną, poprzez moje obrazy, ludzi, do których należę i idei, które mnie umacniają”. Aby wzmocnić ten wizerunek, wolała ukryć edukację artystyczną, którą otrzymała od ojca i Ferdinanda Fernandeza oraz w szkole przygotowawczej. Zamiast tego kultywowała wizerunek siebie jako „artystki samouka i naiwnej”.
Kiedy Kahlo rozpoczynała karierę artystyczną w latach 20. ubiegłego wieku, na meksykańskiej scenie artystycznej dominowali muraliści. Tworzyli oni wielkie publiczne dzieła na wzór mistrzów renesansu i rosyjskich socrealistów: zazwyczaj przedstawiały masy ludzi, a ich polityczne przesłania były łatwe do rozszyfrowania. Mimo że była blisko z takimi muralistami jak Rivera, José Clemente Orozco i David Alfaro Siquieros i podzielała ich zaangażowanie w socjalizm i meksykański nacjonalizm, większość obrazów Kahlo stanowiły autoportrety o stosunkowo niewielkich rozmiarach. Zwłaszcza w latach 30. jej styl był szczególnie związany z obrazami wotywnymi lub retablos, które były religijnymi obrazami wielkości pocztówki, tworzonymi przez artystów amatorów. Ich celem było podziękowanie świętym za opiekę w czasie nieszczęścia, a przedstawiały one zazwyczaj jakieś wydarzenie, np. chorobę lub wypadek, z którego wybawiony został zleceniodawca. Skupiały się na przedstawionych postaciach, rzadko charakteryzowały się realistyczną perspektywą czy szczegółowym tłem, sprowadzając wydarzenie do jego istoty. Kahlo posiadała bogatą kolekcję około 2000 retablos, które eksponowała na ścianach La Casa Azul. Według Laury Mulvey i Petera Wollena, format retablo pozwolił Kahlo „przekroczyć granice tego, co czysto ikoniczne i umożliwił jej użycie narracji i alegorii”.
Wiele autoportretów Kahlo naśladuje klasyczne portrety w popiersiu, które były modne w epoce kolonialnej, ale obalają ten format, przedstawiając osobę mniej atrakcyjną niż w rzeczywistości. Pod koniec lat 30. artystka częściej koncentrowała się na tym formacie, odzwierciedlając w ten sposób zmiany zachodzące w meksykańskim społeczeństwie. Coraz bardziej rozczarowani spuścizną rewolucji i zmagający się ze skutkami Wielkiego Kryzysu Meksykanie porzucali etos socjalizmu na rzecz indywidualizmu. Wyrazem tego były „kulty osobowości”, które rozwinęły się wokół meksykańskich gwiazd filmowych, takich jak Dolores del Río. Według Schaefera „przypominające maski autoportrety Kahlo są echem współczesnej fascynacji filmowym zbliżeniem kobiecego piękna, jak również mistyką kobiecej inności wyrażoną w filmie noir”. Powtarzając zawsze te same rysy twarzy, Kahlo czerpała z przedstawień bogiń i świętych w kulturach tubylczych i katolickich.
Spośród konkretnych meksykańskich artystów ludowych szczególny wpływ na Kahlo wywarli Hermenegildo Bustos, którego dzieła ukazywały meksykańską kulturę i życie chłopskie, oraz José Guadalupe Posada, który w satyryczny sposób przedstawiał wypadki i przestępstwa. Inspirację czerpała również z dzieł Hieronima Boscha, którego nazywała „człowiekiem geniuszu”, oraz Pietera Bruegla Starszego, którego zainteresowania życiem chłopskim były podobne do jej własnych zainteresowań ludem meksykańskim. Inny wpływ miała poetka Rosario Castellanos, której wiersze często są kroniką losu kobiety w patriarchalnym społeczeństwie meksykańskim, dotyczą kobiecego ciała i opowiadają o ogromnym bólu fizycznym i emocjonalnym.
Przeczytaj także: biografie-pl – Henry Ford
Symbolika i ikonografia
Na obrazach Kahlo często pojawiają się obrazy korzeni, z korzeniami wyrastającymi z jej ciała, które przywiązują ją do ziemi. Odzwierciedla to w pozytywnym sensie temat osobistego rozwoju, w negatywnym – uwięzienia w konkretnym miejscu, czasie i sytuacji, a także w niejednoznacznym sensie – jak wspomnienia z przeszłości wpływają na teraźniejszość na dobre i na złe. W My Grandparents and I, Kahlo namalowała siebie jako dziesięciolatkę, trzymającą wstążkę wyrastającą ze starożytnego drzewa, na którym widnieją portrety jej dziadków i innych przodków, podczas gdy jej lewa stopa jest pniem drzewa wyrastającym z ziemi, co odzwierciedla pogląd Kahlo na jedność ludzkości z ziemią i jej własne poczucie jedności z Meksykiem. W obrazach Kahlo drzewa są symbolami nadziei, siły i ciągłości, która przekracza pokolenia. Dodatkowo, włosy są symbolem wzrostu i kobiecości w obrazach Kahlo. W Autoportrecie z obciętymi włosami Kahlo namalowała siebie ubraną w męski garnitur i pozbawioną swoich długich włosów, które właśnie obcięła. Kahlo trzyma nożyczki w jednej ręce, groźnie zbliżając je do swoich genitaliów, co można interpretować jako groźbę wobec Rivery, którego częste niewierności ją rozwścieczały, lub jako groźbę skrzywdzenia własnego ciała, tak jak skrzywdziła własne włosy, co świadczy o tym, że kobiety często przenoszą swoją wściekłość wobec innych na siebie. Co więcej, obraz odzwierciedla nie tylko frustrację Kahlo wobec Rivery, ale także jej niepokój wobec patriarchalnych wartości Meksyku, ponieważ nożyczki symbolizują złowrogie poczucie męskości, które grozi „pocięciem” kobiety, zarówno w przenośni, jak i dosłownie. W Meksyku tradycyjne hiszpańskie wartości machismo były powszechnie akceptowane, ale Kahlo zawsze nie czuła się komfortowo z machismo.
Kahlo, która do końca życia cierpiała z powodu wypadku autobusowego w młodości, spędziła większość życia w szpitalach i poddawała się operacjom, w dużej mierze wykonywanym przez znachorów, którzy, jak wierzyła Kahlo, mogli przywrócić ją do stanu sprzed wypadku. Wiele z obrazów Kahlo dotyczy obrazów medycznych, które są przedstawiane w kategoriach bólu i cierpienia, przedstawiają krwawiącą Kahlo i jej otwarte rany. Wiele obrazów medycznych Kahlo, zwłaszcza dotyczących porodu i poronienia, ma silne poczucie winy, poczucie życia kosztem drugiego człowieka, który umarł, abyśmy mogli żyć.
Choć Kahlo przedstawiała na swoich obrazach siebie i wydarzenia z własnego życia, często miały one wieloznaczne znaczenie. Nie używała ich jedynie do pokazania swoich subiektywnych doświadczeń, ale do stawiania pytań o meksykańskie społeczeństwo i konstruowanie w nim tożsamości, zwłaszcza płci, rasy i klasy społecznej. Historyk Liza Bakewell stwierdziła, że Kahlo „dostrzegała konflikty, jakie niosła ze sobą ideologia rewolucyjna”:
Jak to jest być Meksykaninem? – nowoczesnym, ale prekolumbijskim; młodym, ale starym; antykatolickim, ale katolickim; zachodnim, ale z Nowego Świata; rozwijającym się, ale niedorozwiniętym; niezależnym, ale skolonizowanym; metysem, ale nie Hiszpanem ani Indianinem.
Aby zgłębić te pytania poprzez swoją sztukę, Kahlo rozwinęła złożoną ikonografię, szeroko wykorzystując w swoich obrazach prekolumbijskie i chrześcijańskie symbole oraz mitologię. W większości autoportretów Kahlo przedstawia swoją twarz w formie maski, ale otoczoną wizualnymi wskazówkami, które pozwalają widzowi odczytać jej głębsze znaczenie. Mitologia aztecka jest silnie obecna w obrazach Kahlo w postaci symboli, takich jak małpy, szkielety, czaszki, krew i serca; często symbole te odnoszą się do mitów o Coatlicue, Quetzalcoatlu i Xolotlu. Innymi centralnymi elementami, które Kahlo zaczerpnęła z mitologii azteckiej były hybrydyczność i dualizm. Wiele z jej obrazów przedstawia przeciwieństwa: życie i śmierć, przednowoczesność i nowoczesność, Meksykanina i Europejkę, mężczyznę i kobietę.
Poza legendami azteckimi, Kahlo często przedstawiała na swoich obrazach dwie centralne postacie kobiece z meksykańskiego folkloru: La Llorona i La Malinche, jako powiązane z trudnymi sytuacjami, cierpieniem, nieszczęściem lub sądem, jako przynoszące nieszczęście, nędzne lub będące „de la chingada”. Na przykład, kiedy malowała siebie po poronieniu w Detroit w Henry Ford Hospital (1932), przedstawiła siebie jako płaczącą, z rozczochranymi włosami i odsłoniętym sercem, które to cechy są uważane za część wyglądu La Llorony, kobiety, która mordowała swoje dzieci. Obraz był tradycyjnie interpretowany jako zwykłe przedstawienie żalu i bólu Kahlo z powodu jej nieudanych ciąż. Jednak dzięki interpretacji symboli na obrazie i informacji o rzeczywistych poglądach Kahlo na temat macierzyństwa z jej korespondencji, obraz został uznany za obraz przedstawiający niekonwencjonalny i tabuiczny wybór kobiety pozostającej bezdzietną w meksykańskim społeczeństwie.
Kahlo często przedstawiała na swoich obrazach własne ciało, prezentując je w różnych stanach i przebraniach: zranione, złamane, jako dziecko, czy też ubrane w różne stroje, takie jak kostium Tehuany, męski garnitur, czy europejska suknia. Używała swojego ciała jako metafory, aby zadać pytanie o role społeczne. W swoich obrazach często przedstawiała kobiece ciało w niekonwencjonalny sposób, np. podczas poronień, porodu czy crossdressingu. Przedstawiając kobiece ciało w graficzny sposób, Kahlo stawiała widza w roli podglądacza, „czyniąc praktycznie niemożliwym, aby widz nie przyjął świadomie przyjętej pozycji w odpowiedzi”.
Według Nancy Cooey, Kahlo uczyniła siebie poprzez swoje obrazy „główną bohaterką własnej mitologii, jako kobieta, jako Meksykanka i jako osoba cierpiąca … Wiedziała, jak przekształcić każdą z nich w symbol lub znak zdolny do wyrażenia ogromnego duchowego oporu ludzkości i jej wspaniałej seksualności”. Podobnie Nancy Deffebach stwierdziła, że Kahlo „stworzyła siebie jako podmiot kobiecy, meksykański, nowoczesny i silny”, odbiegający od zwyczajowej dychotomii ról matki i dziwki, jakie przypisuje się kobietom w społeczeństwie meksykańskim. Ze względu na jej płeć i odejście od tradycji muralistycznej, obrazy Kahlo do końca lat 80. traktowane były jako mniej polityczne, bardziej naiwne i subiektywne niż obrazy jej męskich kolegów. Według historyka sztuki Joan Borsa,
krytyczna recepcja jej badań nad podmiotowością i osobistą historią zbyt często zaprzeczała lub pomijała polityczność związaną z badaniem własnego położenia, dziedzictwa i warunków społecznych… Krytyczne reakcje nadal prześwietlają przepracowywanie przez Kahlo tego, co osobiste, ignorując lub minimalizując jej przesłuchania dotyczące seksualności, różnicy seksualnej, marginalności, tożsamości kulturowej, kobiecej podmiotowości, polityki i władzy.
Przeczytaj także: biografie-pl – Maksymilian I Habsburg
1907-1924: Rodzina i dzieciństwo
Magdalena Carmen Frida Kahlo y Calderón urodziła się 6 lipca 1907 roku w Coyoacán, wiosce na obrzeżach miasta Meksyk. Kahlo twierdziła, że urodziła się w domu rodzinnym, La Casa Azul (Niebieski Dom), ale według oficjalnego rejestru narodzin, poród odbył się w pobliskim domu jej babki macierzystej. Rodzicami Kahlo byli fotograf Guillermo Kahlo (1871-1941) i Matilde Calderón y González (1876-1932), którzy mieli odpowiednio 36 i 30 lat, kiedy ją urodzili. Pochodzący z Niemiec Guillermo wyemigrował do Meksyku w 1891 roku, po tym jak epilepsja spowodowana wypadkiem zakończyła jego studia uniwersyteckie. Chociaż Kahlo twierdziła, że jej ojciec był Żydem, a jej ojcowscy dziadkowie byli Żydami z miasta Arad, twierdzenie to zostało zakwestionowane w 2006 roku przez parę niemieckich genealogów, którzy stwierdzili, że był on luteraninem. Matilde urodziła się w Oaxaca z ojca Indianina i matki Hiszpanki. Oprócz Kahlo, z małżeństwa tego urodziły się córki: Matilde (ok. 1898-1951), Adriana (ok. 1902-1968) i Cristina (ok. 1908-1964). Z pierwszego małżeństwa Guillermo miała dwie przyrodnie siostry, Maríę Luisę i Margaritę, ale wychowały się one w klasztorze.
Kahlo opisywała później atmosferę panującą w domu jej dzieciństwa jako często „bardzo, bardzo smutną”, a ich małżeństwo było pozbawione miłości. Jej relacje z matką, Matilde, były niezwykle napięte. Kahlo opisała swoją matkę jako „miłą, aktywną i inteligentną, ale także wyrachowaną, okrutną i fanatycznie religijną”. Biznes fotograficzny jej ojca Guillermo bardzo ucierpiał podczas Rewolucji Meksykańskiej, ponieważ obalony rząd zamówił u niego prace, a długa wojna domowa ograniczyła liczbę prywatnych klientów.
Z powodu polio Kahlo rozpoczęła naukę w szkole później niż jej rówieśnicy. Wraz z młodszą siostrą Cristiną uczęszczała do miejscowego przedszkola i szkoły podstawowej w Coyoacán, a w piątej i szóstej klasie uczyła się w domu. Podczas gdy Cristina poszła za siostrami do szkoły klasztornej, Kahlo została zapisana do szkoły niemieckiej, zgodnie z życzeniem ojca. Wkrótce została wydalona za nieposłuszeństwo i wysłano ją do szkoły zawodowej dla nauczycieli. Jej pobyt w tej szkole był krótki, ponieważ została wykorzystana seksualnie przez nauczycielkę.
W 1922 roku Kahlo została przyjęta do elitarnej Narodowej Szkoły Przygotowawczej, gdzie skupiła się na naukach przyrodniczych z zamiarem zostania lekarzem. Instytucja ta dopiero niedawno zaczęła przyjmować kobiety, było tam tylko 35 dziewcząt na 2000 studentów. Była żarłoczną czytelniczką i stała się „głęboko zanurzona i poważnie zaangażowana w kulturę meksykańską, aktywizm polityczny i kwestie sprawiedliwości społecznej”. Szkoła promowała indigenismo, nowe poczucie meksykańskiej tożsamości, które było dumą z rdzennego dziedzictwa kraju i próbowało pozbyć się kolonialnego sposobu myślenia o Europie jako lepszej od Meksyku. Szczególny wpływ na Kahlo w tym czasie miało dziewięciu jej szkolnych kolegów, z którymi utworzyła nieformalną grupę zwaną „Cachuchas” – wielu z nich stanie się czołowymi postaciami meksykańskiej elity intelektualnej. Byli zbuntowani i przeciwni wszystkiemu, co konserwatywne, robili psikusy, wystawiali sztuki teatralne, dyskutowali o filozofii i rosyjskiej klasyce. Aby zamaskować fakt, że jest starsza i ogłosić się „córką rewolucji”, zaczęła mówić, że urodziła się 7 lipca 1910 roku, w roku rozpoczęcia Rewolucji Meksykańskiej, co kontynuowała przez całe życie. Zakochała się w Alejandro Gomez Ariasie, liderze grupy i jej pierwszej miłości. Jej rodzice nie pochwalali tego związku. Ze względu na niestabilność polityczną i przemoc tamtego okresu, Arias i Kahlo często byli od siebie odseparowani, dlatego wymieniali namiętne listy miłosne.
Przeczytaj także: historia-pl – Wojny perskie
1925-1930: Wypadek autobusowy i małżeństwo z Diego Riverą
17 września 1925 roku Kahlo i jej chłopak, Arias, wracali ze szkoły do domu. Wsiedli do jednego autobusu, ale wysiedli z niego, aby poszukać parasolki, którą Kahlo zostawiła. Następnie wsiedli do drugiego autobusu, który był zatłoczony, i usiedli z tyłu. Kierowca próbował ominąć nadjeżdżający tramwaj elektryczny. Tramwaj wbił się w bok drewnianego autobusu, ciągnąc go za sobą kilka stóp. Kilku pasażerów zginęło w tym wypadku. Podczas gdy Arias doznał niewielkich obrażeń, Kahlo została przebita żelazną poręczą, która przeszła przez jej miednicę. Później opisała ten uraz jako „sposób, w jaki miecz przebija byka”. Poręcze zostały usunięte przez Ariasa i innych, co było niewiarygodnie bolesne dla Kahlo.
Kahlo doznała wielu obrażeń: Jej miednica została złamana, jej brzuch i macica zostały przebite przez szynę, jej kręgosłup został złamany w trzech miejscach, jej prawa noga została złamana w jedenastu miejscach, jej prawa stopa została zmiażdżona i zwichnięta, jej obojczyk został złamany, a jej ramię zostało zwichnięte. Spędziła miesiąc w szpitalu i dwa miesiące dochodząc do siebie w domu, zanim była w stanie wrócić do pracy. Ponieważ nadal odczuwała zmęczenie i ból pleców, lekarze zlecili wykonanie zdjęć rentgenowskich, które wykazały, że w wyniku wypadku doszło również do przemieszczenia trzech kręgów. W ramach leczenia musiała nosić gipsowy gorset, który ograniczył ją do odpoczynku w łóżku przez większą część trzech miesięcy.
Wypadek zakończył marzenia Kahlo o zostaniu lekarzem i spowodował ból i chorobę do końca życia; jej przyjaciel Andrés Henestrosa stwierdził, że Kahlo „żyła umieraniem”. Odpoczynek w łóżku Kahlo skończył się pod koniec 1927 roku, a ona zaczęła spotykać się ze swoimi dawnymi przyjaciółmi ze szkoły, którzy teraz byli na uniwersytecie i angażowali się w politykę studencką. Wstąpiła do Meksykańskiej Partii Komunistycznej (PCM) i została wprowadzona do kręgu działaczy politycznych i artystów, w tym wygnanego kubańskiego komunisty Julio Antonio Melli i włosko-amerykańskiej fotografki Tiny Modotti.
Na jednym z przyjęć u Modottiego w czerwcu 1928 roku Kahlo została przedstawiona Diego Riverze. Poznali się krótko w 1922 roku, kiedy malował on mural w jej szkole. Wkrótce po ich spotkaniu w 1928 roku, Kahlo poprosiła go, aby ocenił, czy jej obrazy wykazują wystarczający talent, aby mogła kontynuować karierę artystyczną. Rivera wspominał, że był pod wrażeniem jej prac, stwierdzając, że wykazywały one „niezwykłą energię ekspresji, precyzyjne nakreślenie charakteru i prawdziwą surowość … Miały fundamentalną plastyczną szczerość i własną artystyczną osobowość … Było dla mnie oczywiste, że ta dziewczyna jest autentyczną artystką”.
Kahlo wkrótce rozpoczęła związek z Riverą, który był od niej starszy o 20 lat i miał dwie wspólne żony. Kahlo i Rivera wzięli ślub cywilny w ratuszu miejskim w Coyoacán 21 sierpnia 1929 roku. Jej matka sprzeciwiła się temu małżeństwu, a oboje rodzice określili je jako „małżeństwo słonia z gołębiem”, nawiązując do różnicy wzrostu pary; Rivera był wysoki i miał nadwagę, podczas gdy Kahlo była drobna i delikatna. Mimo to ojciec zaaprobował Riverę, który był zamożny i dzięki temu mógł utrzymać Kahlo, która nie mogła pracować i musiała poddać się kosztownemu leczeniu. Ślub był relacjonowany przez meksykańską i międzynarodową prasę, a małżeństwo było przedmiotem ciągłej uwagi mediów w Meksyku w następnych latach, z artykułami odnoszącymi się do pary jako po prostu „Diego i Frida”.
Wkrótce po ślubie, pod koniec 1929 roku, Kahlo i Rivera przenieśli się do Cuernavaca w wiejskim stanie Morelos, gdzie Rivera otrzymał zlecenie namalowania murali dla Pałacu Cortés. Mniej więcej w tym samym czasie zrezygnowała z członkostwa w PCM na rzecz Rivera, który został wyrzucony krótko przed ślubem za popieranie lewicowego ruchu opozycyjnego w ramach III Międzynarodówki.
Podczas wojny domowej w Morelos toczyły się jedne z najcięższych walk, a życie w hiszpańskim mieście Cuernavaca wyostrzyło poczucie meksykańskiej tożsamości i historii Kahlo. Podobnie jak wiele innych meksykańskich artystek i intelektualistek w tamtym czasie, Kahlo zaczęła nosić tradycyjne stroje rdzennych meksykańskich chłopów, aby podkreślić swoje metyskie pochodzenie: długie i kolorowe spódnice, huipils i rebozos, wyszukane nakrycia głowy i mnóstwo biżuterii. Szczególnie upodobała sobie ubiór kobiet z rzekomo matriarchalnego społeczeństwa Przesmyku Tehuantepec, które w porewolucyjnym Meksyku zaczęły reprezentować „autentyczne i rdzenne meksykańskie dziedzictwo kulturowe”. Strój Tehuany pozwolił Kahlo na wyrażenie jej feministycznych i antykolonialnych ideałów.
Przeczytaj także: wazne_wydarzenia – II wojna berberyjska
1931-1933: Podróże po Stanach Zjednoczonych
Po tym jak Rivera ukończył zlecenie w Cuernavaca pod koniec 1930 roku, on i Kahlo przenieśli się do San Francisco, gdzie namalował murale dla Luncheon Club of the San Francisco Stock Exchange i California School of Fine Arts. Podczas pobytu w tym mieście para była „fetowana, lwiona, rozpieszczana” przez wpływowych kolekcjonerów i klientów. Najprawdopodobniej w tym czasie rozpoczął się jej długi romans z węgiersko-amerykańskim fotografem Nickolasem Murayem.
Kahlo i Rivera wrócili do Meksyku na lato 1931 roku, a jesienią udali się do Nowego Jorku na otwarcie retrospektywy Rivery w Museum of Modern Art (MoMA). W kwietniu 1932 roku udali się do Detroit, gdzie Rivera otrzymał zlecenie namalowania murali dla Detroit Institute of Arts. W tym czasie Kahlo stała się już odważniejsza w kontaktach z prasą, imponując dziennikarzom biegłą znajomością angielskiego i stwierdzając po przyjeździe do miasta, że to ona jest większą artystką z nich dwojga.
Rok spędzony w Detroit był dla Kahlo trudnym okresem. Chociaż z przyjemnością odwiedziła San Francisco i Nowy Jork, nie podobały jej się aspekty amerykańskiego społeczeństwa, które uważała za kolonialne, jak również większość Amerykanów, których uważała za „nudnych”. Nie podobała jej się konieczność utrzymywania kontaktów towarzyskich z kapitalistami, takimi jak Henry i Edsel Fordowie, i złościło ją, że wiele hoteli w Detroit odmawiało przyjmowania żydowskich gości. W liście do przyjaciela napisała, że „chociaż jestem bardzo zainteresowana całym przemysłowym i mechanicznym rozwojem Stanów Zjednoczonych”, to jednak czuła „pewną wściekłość przeciwko wszystkim tutejszym bogaczom, ponieważ widziałam tysiące ludzi w najstraszliwszej nędzy, bez niczego do jedzenia i bez miejsca do spania, to jest to, co zrobiło na mnie największe wrażenie tutaj, to jest przerażające widzieć bogatych, którzy urządzają przyjęcia dzień i noc, podczas gdy tysiące i tysiące ludzi umierają z głodu.” Czas pobytu Kahlo w Detroit był również skomplikowany przez ciążę. Jej lekarz zgodził się na przeprowadzenie aborcji, ale zastosowane lekarstwo okazało się nieskuteczne. Kahlo miała bardzo ambiwalentny stosunek do posiadania dziecka i poddała się aborcji już wcześniej, w czasie trwania jej małżeństwa z Riverą. Po nieudanej aborcji niechętnie zgodziła się na kontynuowanie ciąży, ale w lipcu poroniła, co spowodowało poważny krwotok, który wymagał dwutygodniowej hospitalizacji. Niecałe trzy miesiące później jej matka zmarła w Meksyku na skutek komplikacji po operacji.
Kahlo i Rivera wrócili do Nowego Jorku w marcu 1933 roku, ponieważ otrzymał on zlecenie namalowania muralu dla Rockefeller Center. W tym czasie pracowała tylko nad jednym obrazem, My Dress Hangs There (1934). Udzielała też kolejnych wywiadów dla amerykańskiej prasy. W maju Rivera został zwolniony z projektu Rockefeller Center, a zamiast tego zatrudniono go do namalowania muralu dla New Workers School. Mimo że Rivera chciał kontynuować ich pobyt w Stanach Zjednoczonych, Kahlo tęskniła za domem i wkrótce po odsłonięciu muralu w grudniu 1933 roku wrócili do Meksyku.
Przeczytaj także: biografie-pl – Maksencjusz (cesarz rzymski)
1934-1949: La Casa Azul i podupadające zdrowie
W mieście Meksyk Kahlo i Rivera wprowadzili się do nowego domu w zamożnej dzielnicy San Ángel. Zamówiony u ucznia Le Corbusiera, Juana O”Gormana, składał się z dwóch części połączonych mostem; część Kahlo była pomalowana na niebiesko, a Rivera na różowo i biało. Rezydencja bohemy stała się ważnym miejscem spotkań artystów i działaczy politycznych z Meksyku i zagranicy.
Znów miała problemy zdrowotne – przeszła appendektomię, dwie aborcje i amputację zgorzelinowego palca u nogi – a jej małżeństwo z Riverą stało się napięte. Rivera nie cieszył się z powrotu do Meksyku i obwiniał Kahlo za ich powrót. O ile wcześniej był jej niewierny, o tyle teraz nawiązał romans z jej młodszą siostrą Cristiną, co głęboko zraniło uczucia Kahlo. Po odkryciu tego na początku 1935 roku, przeprowadziła się do mieszkania w centrum Mexico City i rozważała rozwód z nim. Miała również romans z amerykańskim artystą Isamu Noguchi.
Kahlo pogodziła się z Riverą i Cristiną później w 1935 roku i przeniosła się z powrotem do San Ángel. Została kochającą ciotką dla dzieci Cristiny, Isoldy i Antonia. Pomimo pojednania, Rivera i Kahlo nadal pozostawali w niewierności. W 1936 roku Kahlo wznowiła działalność polityczną, wstępując do Czwartej Międzynarodówki i stając się członkiem-założycielem komitetu solidarnościowego, którego celem było niesienie pomocy republikanom w czasie hiszpańskiej wojny domowej. Ona i Rivera z sukcesem złożyli petycję do rządu meksykańskiego o udzielenie azylu byłemu przywódcy sowieckiemu Leonowi Trockiemu i zaoferowali La Casa Azul dla niego i jego żony Natalii Sedovy jako miejsce zamieszkania. Para mieszkała tam od stycznia 1937 do kwietnia 1939 roku, a Kahlo i Trocki nie tylko stali się dobrymi przyjaciółmi, ale także mieli krótki romans.
Po otwarciu wystawy w Paryżu, Kahlo wróciła do Nowego Jorku. Bardzo chciała ponownie związać się z Murayem, ale ten postanowił zakończyć ich romans, gdyż poznał inną kobietę, z którą zamierzał się ożenić. Kahlo wróciła do Mexico City, gdzie Rivera zażądał od niej rozwodu. Dokładne powody jego decyzji nie są znane, ale publicznie stwierdził, że była to jedynie „kwestia wygody prawnej w stylu współczesnych czasów … nie ma żadnych sentymentalnych, artystycznych czy ekonomicznych powodów”. Według ich przyjaciół rozwód był spowodowany głównie ich wzajemnymi niewiernościami. W listopadzie 1939 r. Kahlo i on otrzymali rozwód, ale pozostali w przyjaźni; ona nadal zarządzała jego finansami i korespondencją.
Po rozstaniu z Riverą, Kahlo wróciła do La Casa Azul i zdecydowana zarabiać na własne utrzymanie, rozpoczęła kolejny produktywny okres jako artystka, zainspirowana swoimi doświadczeniami za granicą. Zachęcona zdobytym uznaniem, odeszła od małych i bardziej intymnych płócien, których używała od 1932 roku, na rzecz dużych płócien, ponieważ łatwiej było je wystawiać. Przyjęła też bardziej wyrafinowaną technikę, ograniczyła szczegóły graficzne i zaczęła tworzyć więcej portretów ćwierćdługościowych, które łatwiej było sprzedać. W tym okresie namalowała kilka swoich najsłynniejszych dzieł, takich jak Dwie Fridy (1939), Autoportret z obciętymi włosami (1940), Zraniony stół (1940), Autoportret z naszyjnikiem z kolcami i kolibrem (1940). W 1940 roku na trzech wystawach zaprezentowano jej prace: na czwartej Międzynarodowej Wystawie Surrealistów w Mexico City, na Golden Gate International Exposition w San Francisco oraz na Twenty Centuries of Mexican Art w MoMA w Nowym Jorku.
21 sierpnia 1940 roku Trocki został zamordowany w Coyoacán, gdzie mieszkał po opuszczeniu La Casa Azul. Kahlo była krótko podejrzewana o udział w tym wydarzeniu, ponieważ znała mordercę, została aresztowana i przetrzymywana przez dwa dni wraz ze swoją siostrą Cristiną. W następnym miesiącu Kahlo pojechała do San Francisco na leczenie bólu pleców i infekcji grzybiczej na dłoni. Jej ciągle wątłe zdrowie pogarszało się od czasu rozwodu i było pogarszane przez duże spożycie alkoholu.
Rivera również przebywał w San Francisco po ucieczce z Mexico City po zabójstwie Trockiego i przyjął zlecenie. Podczas pobytu w San Francisco Kahlo związała się z handlarzem dzieł sztuki Heinzem Berggruenem. 8 grudnia 1940 roku Kahlo i Rivera wzięli ponowny ślub cywilny. Kahlo i Rivera wrócili do Meksyku wkrótce po ślubie. Przez pierwsze pięć lat ich związek był mniej burzliwy niż wcześniej, a podczas gdy La Casa Azul była ich główną rezydencją, Rivera zachował dom San Ángel, który służył mu jako studio i drugie mieszkanie. Oboje kontynuowali pozamałżeńskie romanse; Kahlo, jako biseksualistka, miała romanse zarówno z mężczyznami, jak i z kobietami, przy czym dowody sugerują, że jej męskie kochanki były dla Kahlo ważniejsze niż jej lesbijskie romanse.
Pomimo leczenia, jakie otrzymała w San Francisco, problemy zdrowotne Kahlo utrzymywały się przez całe lata czterdzieste. Ze względu na problemy z kręgosłupem, w latach 1940-1954 nosiła dwadzieścia osiem różnych gorsetów podtrzymujących, od stalowych i skórzanych po gipsowe. Odczuwała bóle nóg, infekcja na ręce stała się chroniczna, leczyła się też na syfilis. Śmierć ojca w kwietniu 1941 r. pogrążyła ją w depresji. Zły stan zdrowia sprawił, że coraz bardziej zamykała się w La Casa Azul, która stała się centrum jej świata. Lubiła zajmować się domem i ogrodem, a towarzystwa dotrzymywali jej przyjaciele, służba i różne zwierzęta domowe, w tym małpy pająki, Xoloitzcuintlis i papugi.
Podczas gdy Kahlo zdobywała uznanie w swojej ojczyźnie, jej zdrowie wciąż się pogarszało. W połowie lat 40. stan jej pleców pogorszył się do tego stopnia, że nie mogła już siedzieć ani stać bez przerwy. W czerwcu 1945 r. pojechała do Nowego Jorku na operację, podczas której przeszczepiono jej przeszczep kostny i stalową podporę, aby wyprostować kręgosłup. Trudna operacja zakończyła się niepowodzeniem. Według Herrery, Kahlo sabotowała również swój powrót do zdrowia, nie odpoczywając tak, jak tego wymagała i raz fizycznie otwierając ponownie rany w przypływie złości. Jej obrazy z tego okresu, takie jak „Złamana kolumna” (1944), „Bez nadziei” (1945), „Drzewo nadziei”, „Stać mocno” (1946) i „Zraniony jeleń” (1946), odzwierciedlają jej pogarszający się stan zdrowia.
Przeczytaj także: biografie-pl – Piotr Kropotkin
1950-1954: Ostatnie lata i śmierć
W 1950 r. Kahlo spędziła większość roku w szpitalu ABC w Mexico City, gdzie przeszła operację przeszczepu nowej kości na kręgosłupie. Wywołało to trudną do wyleczenia infekcję i wymagało kilku kolejnych operacji. Po wypisaniu z szpitala, była głównie zamknięta w La Casa Azul, używając wózka inwalidzkiego i kul, aby móc się poruszać. W tych ostatnich latach życia Kahlo poświęciła się sprawom politycznym, na ile pozwalał jej stan zdrowia. W 1948 roku wstąpiła do Meksykańskiej Partii Komunistycznej i prowadziła kampanię na rzecz pokoju, na przykład zbierając podpisy pod Apelem Sztokholmskim.
W sierpniu 1953 r. Kahlo amputowano prawą nogę w kolanie z powodu gangreny. Popadła w ciężką depresję i niepokój, a jej uzależnienie od środków przeciwbólowych nasiliło się. Kiedy Rivera rozpoczął kolejny romans, próbowała popełnić samobójstwo przez przedawkowanie. W lutym 1954 roku napisała w swoim dzienniku: „Amputowali mi nogę sześć miesięcy temu, zadawali mi wieki tortur i w niektórych momentach prawie straciłam rozum. Ciągle mam ochotę się zabić. Od tego powstrzymuje mnie Diego, przez próżną myśl, że on by za mną tęsknił. … Ale nigdy w życiu nie cierpiałam bardziej. Poczekam jeszcze chwilę…”
W ostatnich dniach życia Kahlo była głównie przykuta do łóżka z zapaleniem oskrzeli i płuc, choć pojawiła się publicznie 2 lipca 1954 roku, uczestnicząc wraz z Riverą w demonstracji przeciwko inwazji CIA na Gwatemalę. Zdawała się przewidywać swoją śmierć, ponieważ mówiła o niej odwiedzającym i rysowała szkielety i anioły w swoim dzienniku. Ostatnim rysunkiem był czarny anioł, którego biograf Hayden Herrera interpretuje jako Anioła Śmierci. Towarzyszyły mu ostatnie napisane przez nią słowa: „Radośnie oczekuję wyjścia – i mam nadzieję, że już nigdy nie wrócę – Frida” („Espero Alegre la Salida – y Espero no Volver jamás”).
Demonstracja pogłębiła jej chorobę i w nocy 12 lipca 1954 r. Kahlo miała wysoką gorączkę i odczuwała ogromny ból. Około godziny 6 rano 13 lipca 1954 r. pielęgniarka znalazła ją martwą w łóżku. Kahlo miała 47 lat. Oficjalną przyczyną śmierci był zator płucny, choć nie przeprowadzono autopsji. Herrera dowodzi, że Kahlo w rzeczywistości popełniła samobójstwo. Pielęgniarka, która liczyła leki przeciwbólowe Kahlo, aby monitorować jej zażywanie, stwierdziła, że Kahlo przedawkowała w noc śmierci. Przepisano jej maksymalną dawkę siedmiu tabletek, ale zażyła jedenaście. Tego wieczoru, z ponad miesięcznym wyprzedzeniem, dała Riverze prezent z okazji rocznicy ślubu.
Wieczorem 13 lipca ciało Kahlo zostało przewiezione do Palacio de Bellas Artes, gdzie spoczęło w stanie spoczynku pod komunistyczną flagą. Następnego dnia przewieziono je do Panteón Civil de Dolores, gdzie przyjaciele i rodzina wzięli udział w nieformalnej ceremonii pogrzebowej. Na zewnątrz stały setki wielbicieli. Zgodnie z jej życzeniem, Kahlo została skremowana. Rivera, który stwierdził, że jej śmierć była „najtragiczniejszym dniem w moim życiu”, zmarł trzy lata później, w 1957 roku. Prochy Kahlo są wystawione w prekolumbijskiej urnie w La Casa Azul, która została otwarta jako muzeum w 1958 roku.
Tate Modern uważa Kahlo za „jedną z najbardziej znaczących artystek XX wieku”, a według historyka sztuki Elizabeth Bakewell jest ona „jedną z najważniejszych postaci Meksyku XX wieku”. Reputacja Kahlo jako artystki rozwinęła się pod koniec jej życia i wzrosła jeszcze bardziej pośmiertnie, ponieważ za życia była znana głównie jako żona Diego Rivery i jako ekscentryczna osobowość wśród międzynarodowej elity kulturalnej. Stopniowo zyskała większe uznanie pod koniec lat 70., kiedy feministyczni badacze zaczęli kwestionować wykluczenie kobiet i artystów spoza Zachodu z kanonu historii sztuki, a Ruch Chicano uznał ją za jedną ze swoich ikon. Pierwsze dwie książki o Kahlo zostały opublikowane w Meksyku przez Teresę del Conde i Raquel Tibol, odpowiednio w 1976 i 1977 roku, a w 1977 roku „Drzewo nadziei stoi mocno” (1944) stało się pierwszym obrazem Kahlo sprzedanym na aukcji, osiągając cenę 19 000 dolarów w Sotheby”s. Po tych przełomowych wydarzeniach, w 1978 roku odbyły się dwie pierwsze retrospektywy twórczości Kahlo: jedna w Palacio de Bellas Artes w Mexico City, a druga w Museum of Contemporary Art w Chicago.
Dwa wydarzenia przyczyniły się do wzrostu zainteresowania jej życiem i sztuką wśród szerokiej publiczności poza Meksykiem. Pierwszym z nich była wspólna retrospektywa jej obrazów i fotografii Tiny Modotti w Whitechapel Gallery w Londynie, której kuratorami i organizatorami byli Peter Wollen i Laura Mulvey. Wystawa została otwarta w maju 1982 roku, a następnie podróżowała do Szwecji, Niemiec, Stanów Zjednoczonych i Meksyku. Drugim wydarzeniem było opublikowanie przez historyka sztuki Haydena Herrerę międzynarodowego bestsellera Frida: A Biography of Frida Kahlo w 1983 roku.
Do 1984 roku reputacja Kahlo jako artystki wzrosła do tego stopnia, że Meksyk uznał jej dzieła za część narodowego dziedzictwa kulturowego, zakazując ich wywozu z kraju. W rezultacie jej obrazy rzadko pojawiają się na międzynarodowych aukcjach, a obszerne retrospektywy są rzadkością. Mimo to, jej obrazy biły rekordy popularności w sztuce latynoamerykańskiej w latach 90. i 2000. W 1990 roku została pierwszą latynoamerykańską artystką, która przekroczyła próg jednego miliona dolarów, kiedy to obraz Diego i ja został sprzedany na aukcji Sotheby”s za 1 430 000 dolarów. W 2006 roku Korzenie (1943) osiągnęły cenę 5,6 mln dolarów, a w 2016 roku Dwoje kochanków w lesie (1939) sprzedano za 8 mln dolarów.
Kahlo wzbudziła powszechne zainteresowanie do tego stopnia, że powstał termin „Fridamania” dla opisania tego zjawiska. Uważa się ją za „jedną z najbardziej rozpoznawalnych artystek”, której twarz jest „wykorzystywana z taką samą regularnością i często z tą samą symboliką, co wizerunki Che Guevary czy Boba Marleya”. Jej życie i sztuka stały się inspiracją dla wielu produktów, a jej charakterystyczny wygląd został zawłaszczony przez świat mody. W 2002 roku powstał hollywoodzki film biograficzny „Frida” Julie Taymor. Oparty na biografii Herrery i z Salmą Hayek (która była współproducentem filmu) w roli Kahlo, przyniósł 56 milionów dolarów brutto na całym świecie i zdobył sześć nominacji do Oscara, wygrywając za najlepszą charakteryzację i najlepszą muzykę oryginalną. W animacji Disney-Pixar Coco z 2017 roku Kahlo również występuje w roli drugoplanowej, a głos podkłada jej Natalia Cordova-Buckley.
Popularność Kahlo bierze się przede wszystkim z fascynacji historią jej życia, zwłaszcza jej bolesnymi i tragicznymi aspektami. Stała się ikoną dla kilku grup mniejszościowych i ruchów politycznych, takich jak feministki, społeczność LGBTQ i Chicanos. Oriana Baddeley napisała, że Kahlo stała się wyznacznikiem nonkonformizmu i „archetypem mniejszości kulturowej”, która jest postrzegana jednocześnie jako „ofiara, okaleczona i wykorzystywana” oraz jako „ocalała, która walczy z samym sobą”. Edward Sullivan stwierdził, że Kahlo jest okrzyknięta bohaterką przez tak wielu, ponieważ jest „kimś, kto uprawomocnia ich własne zmagania w poszukiwaniu własnego głosu i własnych publicznych osobowości”. Według Johna Bergera, popularność Kahlo wynika częściowo z faktu, że „dzielenie się bólem jest jednym z istotnych warunków wstępnych dla odnalezienia godności i nadziei” w społeczeństwie dwudziestego pierwszego wieku. Kirk Varnedoe, były główny kurator MoMA, stwierdził, że pośmiertny sukces Kahlo związany jest ze sposobem, w jaki „łączy się ona z dzisiejszą wrażliwością – jej psycho-obsesyjna troska o siebie, jej tworzenie osobistego, alternatywnego świata nosi w sobie napięcie. Jej ciągłe przerabianie własnej tożsamości, budowanie teatru jaźni to dokładnie to, co zajmuje współczesnych artystów, takich jak Cindy Sherman czy Kiki Smith, a na bardziej popularnym poziomie – Madonna… Dobrze wpisuje się w dziwną, androgyniczną chemię hormonalną naszej epoki.”
Pośmiertna popularność Kahlo i komercjalizacja jej wizerunku spotkały się z krytyką wielu badaczy i komentatorów kultury, którzy uważają, że nie tylko zmitologizowano wiele aspektów jej życia, ale także dramatyczne aspekty biografii przyćmiły jej sztukę, tworząc uproszczoną lekturę jej dzieł, w której sprowadza się je do dosłownych opisów wydarzeń z jej życia. Według dziennikarki Stephanie Mencimer, Kahlo „została uznana za dziecko z plakatu dla każdej możliwej politycznie poprawnej sprawy”.
Jak w grze w telefon, im więcej historii Kahlo zostało opowiedzianych, tym bardziej została ona zniekształcona, pomijając niewygodne szczegóły, które ukazują ją jako postać o wiele bardziej złożoną i ułomną, niż sugerują to filmy i książki kucharskie. To wywyższanie artysty ponad sztukę zmniejsza publiczne zrozumienie miejsca Kahlo w historii i przysłania głębsze i bardziej niepokojące prawdy zawarte w jej pracach. Jeszcze bardziej niepokojące jest to, że poprzez spłycanie jej biografii promotorzy Kahlo przygotowali ją na nieuchronny upadek, tak typowy dla kobiet-artystek, na czas, gdy kontrarianie zbiorą się razem i będą się bawić w obalanie jej nadmuchanego wizerunku, a wraz z nim jej sztuki.”
Baddeley porównał zainteresowanie życiem Kahlo do zainteresowania awanturniczym życiem Vincenta van Gogha, ale stwierdził również, że zasadnicza różnica między nimi polega na tym, że Van Gogh kojarzy się większości ludzi z jego obrazami, podczas gdy Kahlo jest zwykle utożsamiana z wizerunkiem samej siebie – co stanowi intrygujący komentarz do sposobu postrzegania artystów płci męskiej i żeńskiej. Podobnie Peter Wollen porównał kultowość Kahlo do kultu Sylvii Plath, której „niezwykle złożona i pełna sprzeczności sztuka” została przyćmiona przez uproszczoną koncentrację na jej życiu.
Przeczytaj także: biografie-pl – Claude Monet
Dziedzictwo Kahlo zostało upamiętnione na kilka sposobów. La Casa Azul, jej dom w Coyoacán, został otwarty jako muzeum w 1958 roku i stał się jednym z najbardziej popularnych muzeów w mieście Meksyk, z około 25.000 odwiedzających miesięcznie. W 1985 roku miasto poświęciło jej park, Parque Frida Kahlo, w Coyoacán. W parku znajduje się pomnik z brązu przedstawiający Kahlo. W Stanach Zjednoczonych została pierwszą Latynoską uhonorowaną znaczkiem pocztowym w 2001 roku, a w 2012 roku została włączona do Legacy Walk, publicznej wystawy w Chicago, która upamiętnia historię i osoby LGBT.
Kahlo doczekała się kilku upamiętnień w setną rocznicę urodzin w 2007 roku, a także w setną rocznicę urodzin, którą poświadczyła, w 2010 roku. Wśród nich było wydanie przez Bank Meksyku nowego banknotu MXN$ o nominale 500 peso, z obrazem Kahlo zatytułowanym Miłosny uścisk wszechświata, ziemi, (Meksyk), Ja, Diego, i Pan Xólotl (1949) na rewersie banknotu i Diego Rivera na awersie. Największa retrospektywa dzieł artystki w Palacio de Bellas Artes w mieście Meksyk przyciągnęła około 75 000 zwiedzających.
Oprócz innych hołdów, życie i sztuka Kahlo inspirowały artystów w różnych dziedzinach. W 1984 roku Paul Leduc nakręcił film biograficzny zatytułowany Frida, naturaleza viva, w którym w roli Kahlo wystąpiła Ofelia Medina. Frida jest bohaterką trzech powieści fabularnych: Frida Barbary Mujicy (2001), Łóżko Fridy Slavenki Drakulic (2008) i Lacuna Barbary Kingsolver (2009). W 1994 r. amerykański flecista jazzowy i kompozytor James Newton wydał album zatytułowany Suite for Frida Kahlo. Szkocki piosenkarz Michael Marra napisał piosenkę w hołdzie Kahlo, zatytułowaną Frida Kahlo”s Visit to the Taybridge Bar. W 2017 r. autorka Monica Brown i ilustrator John Parra opublikowali książkę dla dzieci o Kahlo, Frida Kahlo and her Animalitos, która koncentruje się głównie na zwierzętach i zwierzętach domowych w życiu i sztuce Kahlo. W sztukach wizualnych wpływ Kahlo sięgał daleko i szeroko: W 1996 i 2005 roku Meksykański Instytut Kultury w Waszyngtonie zorganizował wystawę „Homage to Frida Kahlo”, na której w waszyngtońskiej Fraser Gallery pokazano dzieła sztuki związane z Kahlo, wykonane przez artystów z całego świata. Ponadto znani artyści, tacy jak Marina Abramovic, Gabriela Gonzalez Dellosso, Cris Melo i inni, wykorzystali lub przywłaszczyli sobie obrazy Kahlo w swoich pracach.
Kahlo była również tematem kilku przedstawień scenicznych. Annabelle Lopez Ochoa stworzyła choreografię jednoaktowego baletu zatytułowanego Broken Wings dla Angielskiego Baletu Narodowego, który zadebiutował w 2016 roku, Tamara Rojo wcieliła się w postać Kahlo w balecie. Następnie Holenderski Balet Narodowy zlecił Lopez Ochoa stworzenie pełnometrażowej wersji baletu Frida, którego premiera odbyła się w 2020 roku, z Maią Makhateli w roli Kahlo. Frida zainspirowała również dwie opery: Frida Roberta Xaviera Rodrigueza, której premiera odbyła się na American Music Theater Festival w Filadelfii w 1991 roku oraz Frida y Diego Kaleviego Aho, której premiera odbyła się w Helsińskim Centrum Muzyki w Helsinkach w 2014 roku. Była główną bohaterką w kilku sztukach teatralnych, m.in. w Goodbye, My Friduchita Dolores C. Sendlerowej (1999), La Casa Azul Roberta Lepage”a i Sophie Faucher (2002), Frida Kahlo Humberto Roblesa: Viva la vida! (2009), a także Tree of Hope (2014) Rity Ortez Provost. W 2018 roku Mattel zaprezentował siedemnaście nowych lalek Barbie w ramach obchodów Międzynarodowego Dnia Kobiet, w tym jedną z Kahlo. Krytycy sprzeciwili się szczupłej talii lalki i zauważalnie brakującemu unibrowi.
W 2014 roku Kahlo była jedną z inauguracyjnych osób uhonorowanych w Rainbow Honor Walk, spacerze sławy w dzielnicy Castro w San Francisco, odnotowującym osoby LGBTQ, które „wniosły znaczący wkład w swoich dziedzinach”.
W 2018 roku Rada Nadzorcza San Francisco jednogłośnie przegłosowała zmianę nazwy Phelan Avenue na Frida Kahlo Way. Frida Kahlo Way jest siedzibą City College of San Francisco i Archbishop Riordan High School.
W 2019 roku Frida pojawiła się na muralu namalowanym przez Rafaela Blanco (artystę) w centrum Reno, Nevada.
Uwagi informacyjne
Cytaty
Bibliografia
Źródła
