Francis Picabia

Samenvatting

Francis Picabia (volledige naam Francisco María Martínez Picabia della Torre; 22 januari 1879, Parijs – 30 november 1953, Parijs) was een Franse avant-garde schilder, graficus en publicist schrijver, theaterregisseur, scenarioschrijver, acteur en diplomaat.

Francis Picabia verwierf bekendheid als een excentrieke kunstenaar die geen enkel politiek of stilistisch dogma aanhing. Hij had een grote invloed op de hedendaagse kunst, met name op het dadaïsme en het surrealisme.

Francisco María Martínez Picabia della Torre, genaamd Francis Picabia (soms gespeld Picabia), werd geboren in Parijs uit een Franse moeder en een Spaanse vader. De vader van Francis Picabia werkte eerst in Cuba in de suikerindustrie en later op de Cubaanse ambassade in Frankrijk in de diplomatieke dienst. Het was in Parijs dat hij Franciscus” toekomstige moeder ontmoette. Zijn moeder, Marie Cecile Davan, behoorde tot de gegoede Parijse bourgeoisie. Zij stierf toen de toekomstige kunstenaar en dichter 5 (volgens andere bronnen – 7) jaar oud was.

Francis Picabia had een flexibele, extraverte persoonlijkheid en een zeer veranderlijk, cholerisch temperament. Scherpe schommelingen in temperament en creatieve toon barstten soms uit in een langdurige depressie of neurasthenische woede-uitbarstingen, die zich meestal in gezinsverband manifesteerden. In de loop van zijn leven veranderde Picabia vele malen van creatieve stijl en van persoonlijke en esthetische smaak. In dit opzicht kan hij worden beschouwd als een soort recordbreker. Als je alle transformaties van zijn stijl, richting, schrijfstijl en zelfs ideologie in volgorde telt, krijg je niet minder dan zeven, (of zelfs tien) dramatische wendingen. Misschien overtreft Francis Picabia in dit opzicht zelfs zijn beroemdere tijdgenoot en collega-kunstenaar, Pablo Picasso.

Toen hij zestien was, bood zijn vader in het geheim een van zijn landschappen aan de jury van de Salon de l”Artiste Française in Parijs aan. Tot verbazing van zijn familie en van de jonge schilder zelf, werd het schilderij geaccepteerd en zelfs genoteerd. Dit moedigde Picabia aan om serieus te gaan schilderen.

Tussen 1895 en 1896 volgde Francis Picabia lessen aan de Ecole des Arts Décoratifs in Parijs bij Embert en Cormon, en in zijn eerste stijl schilderde hij goede, typisch Franse landschappen, alsof hij in impressionistische richting de beroemde werken van Camille Corot voortzette. Na 1899 exposeerde Picabia in de Salon des Independents en vestigde zich al snel als impressionist in Parijse kunstkringen. Picabi”s impressionisme duurde echter niet lang. Reeds in 1902, na een reis naar Spanje, begon Picabie”s artistieke belangstelling geleidelijk te verschuiven naar de kleurrijke en flitsende (“Spaanse”) fauvistische stijl.

Zijn kennismaking met Marcel Duchamp in 1910 had een beslissende invloed op de verdere ontwikkeling van Francis Picabius” persoonlijkheid en werk. Van het Fauvisme voor een relatief korte periode voor de oorlog met Duitsland, ging hij eerst naar het Kubisme, en geometrische abstractie. Picabia”s bekendste schilderij uit deze tijd, Dancer on an Atlantic Cruise (1913), is niet alleen een document van Picabia”s abstracte stijl, maar ook van zijn lange (meer dan drie jaar) vertrek naar New York. Picabia had in zijn leven in het algemeen de gewoonte om een oorlogsplaats te verlaten. Hij exposeerde zijn nieuwe abstracte kubistische schilderijen op de Armory Show (New York, 1913), wat hem nog meer roem bezorgde. Maar Picabia laat het daar ook niet bij. Tussen 1915 en 1917, gedurende alle drie jaren van zijn leven in New York, stond hij in nauw contact met de avant-garde kunstenaars, en samen met Duchamp stond hij aan het hoofd van de New Yorkse afdeling van de dadaïstische beweging. Maar amper twee jaar later verandert hij opnieuw paradoxaal zijn stijl. Deze keer, waarbij hij de geometrische abstractie loslaat, kiest Francis Picabia niet voor een reeds bestaande stijl of stroming. Hij schildert een cyclus van originele artistieke composities, die het meest herkenbaar en handelsmerk van zijn persoonlijke schilderstijl zijn geworden. Conventioneel kunnen deze “mechanische” of “antropomorfe tekeningen” worden genoemd. Door kopieën van technische tekeningen te schilderen en er onverwachte, vaak levendige en nietszeggende details aan toe te voegen, gaf Picabia ze de paradoxale trekken van menselijke vormen. Dit zijn bijvoorbeeld zijn beroemdste werken: Parade der liefde (1917), Een dochter geboren zonder moeder (1917), en Het carburatorkind (1919). De levendige “mechanomorfe” tekeningen van Francis Picabia zitten vol provocatie, dadaïstische epatage en sarcasme, en tonen zowel de zinloosheid als de kracht van de menselijke waarneming, die in staat is reële beelden te implanteren in om het even welke, meest abstracte of absurde vorm. Het zijn deze werken van Picabia die het dichtst bij zijn creatieve persoonlijkheid lijken te staan, die paradoxaal genoeg rechtstreeks tot uiting kwam in zijn leven en werk.

Uiterst vrij en onafhankelijk van geest, in karakter en persoonlijkheidskenmerken dicht bij Guillaume Apollinaire en Marcel Duchamp, is het amusant om na te gaan hoe Francis Picabia eerst openlijk ruzie maakte en zich verzette tegen de Dada-beweging en deze vervolgens steunde en zelfs leidde tijdens zijn speciaal ondernomen “propagandareizen” naar New York, Barcelona en Zürich. Op dezelfde manier ontwikkelde zijn werk zich. Zijn dadaïstische artikelen worden erkend als vernietigend en briljant, de avant-garde almanak “391”, die hij in New York oprichtte en die hij vervolgens tot 1924 in Zürich en Parijs publiceerde, evenals zijn abstracte schilderijen van voor de Eerste Wereldoorlog en zijn “mechanomorfe” tekeningen, die lijken op een aantal vreemde tekeningen van de toekomst, werden niet alleen herkenbaar maar ook iconisch in de geschiedenis van de kunst van het begin van de 20e eeuw.

Na de dadaïstische fase, waarin hij, samen met Tristan Tzara, een van de erkende leiders was, (1914-1920) maakte Francis Picabia in 1921 een andere scherpe bocht en sloot zich aan bij de directe tegenstanders (en tegelijkertijd aanhangers) van Dada – de Surrealisten. Hij werd regelmatig geplaagd door depressies, waarvan hij zich genoodzaakt zag zich te behandelen met cacodylaatpillen (hij is zeer geamuseerd door dit woord), die ook diep in zijn kunst van de Parijse periode waren ingeworteld. In deze tijd laat Picabia zijn “mechanische” stijl varen, schildert hij enkele jaren niet meer met olieverf en schakelt hij voornamelijk over op de technieken van de collage en het surrealistische object. Dit zijn zijn “Strohoed” (1921), “Cacodylaatschilderij” (1922) en “Vrouw met lucifers” (1923). In deze periode is een van de grootste prestaties van Francis Picabia, vreemd genoeg, geen pure schilderkunst, maar het ballet en de film “Relache” (“Intermission” of “Het spektakel is geannuleerd”), gemaakt samen met de felle avant-garde componist Eric Satie en de ontluikende jonge filmregisseur René Clair…

Rond 1927 begint Picabia”s stijl van “transparante schilderijen” in zijn werk, waarin hij openlijk experimenteert en zoekt naar verschillende manieren om het perspectief te vervormen. Door het naast elkaar plaatsen van multidimensionale gezichten, figuren en objecten, verweeft hij ze in lineaire ruimtelijke superposities, waarbij hij het effect van gezichtsbedrog of het spel van stereoscopische vlakke bewegingen tracht te bereiken. In deze schilderijen kunnen grote transparante silhouetten, samengesteld uit lijnen, over een fijn en gedetailleerd geschilderd landschap worden gelegd, waardoor een effect ontstaat van een bijzonder “ruimtelijk surrealisme” dat bij geen enkele andere surrealistische schilder te vinden is. Deze stijl omvat de schilderijen “Hij en zijn schaduw” (1928), “De Sfinx” (1929) en “Medea” (1929).De surrealistische periode Francis Picabia begint geleidelijk te vervagen en komt tot “nee” aan het begin van de 30-er jaren. Maar ook zijn stilistische metamorfose houdt daar niet op.

Tegen het midden van de jaren dertig was Picabia overgestapt van transparante beelden naar harde, brutale schilderijen in de stijl van het amateur pseudo-classicisme. Picabia parodieert of reproduceert de manier van grafische kunstenaars en gaat over tot een bijna ronduit kitscherige stijl. Hij schildert tientallen naakten, allegorieën, portretten en zelfs klassieke bijbelse taferelen met een opzettelijk kitscherig uiterlijk, of anti-kunst. In deze tijd was hij bijzonder actief in opdrachtwerk. Francis Picabia is door karakter en levenswijze altijd een uitgesproken jouyer en bon vivant geweest. Als liefhebber van het mooie leven en de genoegens die steeds in reisbrochures worden aangeprezen (mooie vrouwen, raceauto”s, privéjachten, villa”s aan de kust, zonnige stranden, etc…..), is Picabia na zijn “kritische vijftigste verjaardag” begonnen met het rechtstreeks verdienen van geld en het omzetten van zijn spraakmakende naam in “geld”. In de laatste periode van zijn leven schakelde hij over op conventionele en bijna glamoureuze schilderkunst, die onmiddellijk commercieel gewin opleverde, maar totaal verstoken bleef van de kracht en de originaliteit die inherent waren aan zijn talent in zijn jonge jaren.

Picabia overleefde de zes oorlogsjaren met Duitsland in het neutrale Zwitserland. Na het einde van de Duitse bezetting keerde hij in 1945 naar Parijs terug, en in de laatste jaren van zijn leven stond hij in vrij nauw contact met existentialisten. Zij waren het die later zijn poëtische geschriften en zijn artikelen over kunsttheorie uit de jaren 1910, die tijdelijk vergeten waren, herontdekten. Na de oorlog woonde hij in het huis van zijn ouders en werkte in de werkplaats van zijn grootvader Alphonse. Door ernstige financiële moeilijkheden kon hij geen nieuwe doeken kopen en moest hij hetzelfde schilderij verschillende keren overschilderen.

Hij overleed op 30 november 1953 in Parijs (82 rue des Petits-Champs) en ligt begraven op het kerkhof van Montmartre.

Het dadaïstische ballet Relâche, op muziek van Éric Satie, dat op 4 december 1924 in het Théâtre des Champs Élysées in première ging, kan misschien als het hoogtepunt van het leven en werk van Francis Picabia worden beschouwd, omdat het bijna al zijn creatieve richtingen samenbrengt. Picabia bewees zich hier als productie-ontwerper en kostuumontwerper, als schrijver, auteur van balletlibretto en filmscript, als acteur (die twee rollen in de film speelde), als voortreffelijk organisator van het theaterproductieproces, en als leider van de dadaïsten en surrealisten (en een bekwaam intrigant) die de beste krachten aantrok om aan de productie deel te nemen en de meeste vijanden op tijd “onschadelijk maakte”. Centraal bij de totstandkoming van de nieuwe produktie stond Erik Satie, een excentrieke en voortdurend vernieuwende componist, die op 58-jarige leeftijd de jongeren zeker een voorsprong zou kunnen geven. Picabia en Satie, beiden zeer levendige kunstenaars met complexe persoonlijkheden, waren niettemin in staat actief samen te werken en creëerden een werk dat nog steeds opvalt in de geschiedenis van het ballet.

Zoals veel dingen in het leven van Francis Picabia, volgde zijn relatie met Erick Satie een uitgesproken “zigzag” traject. In 1919, toen Picabia nog in Zürich woonde en niet ondergedompeld was in de conflicten en twisten van de Parijse kunstbewegingen, nam de kunstenaar de (verkeerd gespelde) naam “Erick Satye” op in zijn schilderij getiteld De Dada Beweging, bedoeld om het tijdschrift van Tristan Tzara te illustreren. Zes maanden later is Picabia al in Parijs, samen met André Breton en zijn hooligans surrealisten, in volle gang tegen de “groep Jean Cocteau”. Een van zijn dadaïstische gedichten uit 1920 noemt hij “Auric Satie à la noix de Cocteau”. In de tekst van zijn gedicht was hij zeer venijnig ironisch over “Auric Satie, die besloot dat zijn ”Inrichtingsmuziek” hem ”s avonds een plaats in de high society kon bezorgen” (Dada-Phone Magazine, 1919, no. 7).

In tegenstelling tot koppigheid of dogmatisme aarzelde Picabia echter niet om na een paar maanden zijn koers te wijzigen. Hij stuurde Satie een brief vol medeleven en schreef een opdracht “Erik est Satierik” op de omslag van een van zijn tijdschriften. Zes maanden later publiceert Satie in Picabia”s almanak 391 twee licht geribbelde aforismen, die in grote letters op de voorpagina van het tijdschrift verschijnen. Maar begin 1922, tijdens een andere “oorlog” van Bretons surrealisten tegen de dadaïsten van Tzara, bevinden Satie en Picabia zich opnieuw in tegenovergestelde kampen. Een jaar later echter hervatte Satie haar relatie met de kunstenaar, ditmaal om samen te werken aan een nieuw ballet, nog niet getiteld Relâche of Het spektakel is geannuleerd.

Dit ballet was het hoogtepunt van Satie en Picabia”s samenwerking. Deze produktie was oorspronkelijk (herfst 1923) in opdracht van Rolf de Marais, directeur van het Zweeds Ballet in Parijs, voor Eric Satie naar een scenario van de dichter Blaise Sandrard met decors van Picabia. In zijn oorspronkelijke versie had het ballet niet zo”n provocerende titel. In Sandrar”s script had het ballet een veel bescheidener titel: After Dinner. Maar slechts drie of vier maanden later verdreef Francis Picabia, met zijn gebruikelijke gemak, Sandrar (die op een te slecht moment naar Brazilië was vertrokken) van het project, herschreef het script (volgens Satie “voegde hij er slechts een paar regels aan toe”) en werd zelf de volledige auteur en tegelijkertijd de artistieke leider van een veel radicalere dadaïstische voorstelling.

Op de een of andere manier was het vroegere ballet After Dinner, gebaseerd op een libretto van Blaise Sandrar, eind april 1924 uiteindelijk The Spectacle is Canceled geworden. Picabia bedacht een provocerende voorstelling waarin vele kunsten – theater, ballet, muziek, beeldhouwkunst, schilderkunst en zelfs film – zouden worden gecombineerd “tot één enkele nonsens” – Relâche omvatte twee filmprojecties op het scherm, één aan het begin van de voorstelling (Proloog) en één in de pauze (Intermission). De film, met dezelfde titel “Entrée”, met tal van beroemde dadaïstische en surrealistische kunstenaars, de hoofdchoreograaf van het Zweedse Ballet, en Eric Satie en Francis Picabia zelf, werd geregisseerd door de toen nog jonge filmmaker René Clair, maakte naam voor de auteur en kwam (los van Relâche) terecht in het gouden fonds van de filmkunst van de 20e eeuw.

Francis Picabia heeft voor zijn productie ook een volledig dadaïstisch en futuristisch decor ontworpen, terwijl hij zich tegelijkertijd actief in het ballet- en compositieproces mengde, wat in overeenstemming was met zijn bedoeling om een totaal auteursproduct te creëren, dat van onder tot boven doordrongen was van het idee van dada. Zo wordt een deel van het ballet in volledige stilte uitgevoerd en dansen de dansers zonder enige ondersteuning van de muziek. Op andere momenten daarentegen is er muziek met een totale afwezigheid van choreografie. Erik Satie schaarde zich gaarne achter al deze grimassen van de auteur, te meer daar zij geheel in overeenstemming waren met zijn vroege ideeën. In het reguliere theaterprogramma bij de première van Relâche bij het Zweedse Ballet waren de volgende woorden van Picabia en Satie te lezen:

Pikabia, die zeer seksueel bevrijd in het leven staat, provoceerde Satie tijdens het maken van Relâche voortdurend tot allerlei “sublimaties”. Het gevolg was dat het ballet vol zat met de meest “onfatsoenlijke” bewegingen en scènes. Met name Satie, die in staat was dergelijke toespelingen te verfijnen, beweerde toen hij aan de partituur werkte dat hij “pornografische” muziek voor Relâche had gecomponeerd. Blijkbaar is hij daarin geslaagd, en wel in de meest directe vorm. Satie definieerde het genre van zijn werk als “obsceen ballet”. En de reactie op zijn capriolen was gepast. Een van de meest tolerante van alle critici, Paul Judge schreef er milder over in zijn recensie van het ballet:

“De muziek van Monsieur Satie bestaat uit de meest vermoeide en vermoeide populaire deuntjes, gereproduceerd met betrekkelijk weinig veranderingen, niet zozeer als balletmuziek, maar een zuiver voorbeeld van de toepassing van klassieke dancetechnieken”.

Satie zelf, die de meest vulgaire en obscene Parijse liedjes voor zijn ballet selecteerde, was hier veel explicieter over: “Als je een bekend deuntje hebt gehoord, moeten de meest obscene woorden die erop gezongen worden onmiddellijk in het geheugen van het publiek opkomen”. In verschillende nummers van het ballet (“The Woman Comes Out”, “The Music”, “The Men Get Undressed”, “The Dance with the Wheelbarrow”) is de orkestratie opzettelijk transparant en helder, en de vulgaire motieven zijn net genoeg vervormd om gemakkelijk herkenbaar te blijven. “De constructie van Erik Satie”s muziek,” schreef Picabia”s tweede vrouw Germaine Everling achteraf, “omhulde en verhelderde voortdurend het denken van de kunstenaar.

Het totale idee van de annulering van de Relâche kreeg ook buiten het toneel zijn directe belichaming. De première van het ballet was gepland voor 27 november 1924. Maar op het moment dat een verfijnd publiek en de hele Parijse bohème zich al in het Théâtre des Champs-Elysées hadden verzameld, werd een beslissende “relâche” aangekondigd en de voorstelling… werd afgelast. De reden voor de afgelasting was het slechte weer en de onwil van Jean Bjorlen om te dansen “in de staat waarin hij zich bevond”. Het publiek was echt verontwaardigd over de capriolen van de voorstelling. Velen beweerden serieus dat “Relâche” niet echt was en dat het gewoon een bedrieglijk bedrog was om de zelfpromotie van twee beroemde pungeliefhebbers, Satie en Picabia, te bevorderen. De “Intrekking” vond echter een week later plaats, op 4 december 1924.

De eenheid tussen de twee belangrijkste balletauteurs was inderdaad indrukwekkend. Satie, die zijn leven lang voortdurend conflicten uitvocht en wrok koesterde, had geen wrijving met Picabia tijdens de produktie van Relâche. Misschien betekende dit wel een doorbraak voor Picabia zelf, die nooit eerder een dergelijk precedent in zijn leven en werk had gehad. Het ballet Relâche is het laatste werk van Eric Satie. Hij werkte aan de partituur terwijl hij al terminaal ziek was, en slechts twee maanden na de première ging hij uiteindelijk naar het kloosterziekenhuis van Saint-Jacques, waaruit hij nooit meer tevoorschijn kwam. Satie stierf op 1 juli 1925. Francis Picabia leed erg onder zijn dood en raakte gedurende meer dan een jaar opnieuw in een zware depressie, waarvan hij, zoals blijkt uit de rest van zijn leven en werk, nooit meer herstelde.

Terwijl Picabia aan het ballet Relâche werkte, tekende en schetste hij op papier talrijke portretten van Erik Satie “in zijn mechanische stijl”, en hij publiceerde ook verschillende teksten over de componist, waarin hij onder meer beweerde dat “onze nakomelingen zijn muziek als een handschoen op zich zullen aantrekken”. De twee minuten durende filmische proloog van het ballet, een welsprekend en naïef symbool van hun eenheid, toont hoe Satie en Picabia persoonlijk het kanon laden en het op het publiek richten. En in het tweede deel van de film, Intermission, heeft Picabia zelfs zijn eigen initialen samen met die van de componist (FP – ES) in een expressief hart geschilderd op de begrafenispijl met het lichaam van de door hem gefotografeerde choreograaf, Jean Bjorlen. Dit leuke, typisch dadaïstische grapje bleek helaas geen goed voorteken, althans niet voor Erik Satie. Slechts zes maanden later kwam de begrafeniskoets ook voor hem.

Bronnen

  1. Пикабиа, Франсис
  2. Francis Picabia
  3. Delarge J. Francis PICABIA // Le Delarge (фр.) — Paris: Gründ, Jean-Pierre Delarge, 2001. — ISBN 978-2-7000-3055-6
  4. Itaú Cultural Francis Picabia // Enciclopédia Itaú Cultural (порт.) — São Paulo: Itaú Cultural, 1987. — ISBN 978-85-7979-060-7
  5. Czech National Authority Database
  6. 1 2 3 4 5 6 RKDartists
  7. « Francis Picabia », notice de la Library of Congress.
  8. Archives numérisées de l”état civil de Paris, acte de naissance no 2/116/1879, avec mention marginale du décès (consulté le 10 septembre 2012).
  9. « Biographie de Francis Picabia par Beverley Calte », sur picabia (consulté le 21 avril 2019).
  10. Francis Picabia, Caoutchouc, 1909 et sa note d”analyse, MNAM, Paris, sur collection.centrepompidou.fr.
  11. ^ Batterberry, Michael (1973). Twentieth Century Art. Discovering Art Series. New York: McGraw-Hill Book Company. p. 151.
  12. Beverley Calte: Francis Picabia. picabia.com, abgerufen am 9. Dezember 2014.
  13. Karin von Maur, Gudrun Inboden (Bearb.): Malerei und Plastik des 20. Jahrhunderts. Staatsgalerie Stuttgart, 1982, S. 252.