Michelangelo Buonarroti

gigatos | Gennaio 6, 2022

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Riassunto

Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni (Caprese, 6 marzo 1475 – Roma, 18 febbraio 1564), meglio conosciuto semplicemente come Michelangelo o Michelangelo, è stato un pittore, scultore, poeta, anatomista e architetto italiano, considerato uno dei più grandi creatori della storia dell”arte occidentale.

Sviluppò il suo lavoro artistico per più di settant”anni tra Firenze e Roma, dove vivevano i suoi grandi mecenati, la famiglia Medici di Firenze e diversi papi romani. Iniziò come apprendista dai fratelli Davide e Domenico Ghirlandaio a Firenze. Il suo talento fu presto riconosciuto e divenne un protetto dei Medici, per i quali realizzò diverse opere. Si stabilì poi a Roma, dove lasciò la maggior parte delle sue opere più rappresentative. La sua carriera si sviluppò nel passaggio dal Rinascimento al Manierismo, e il suo stile sintetizzò le influenze dell”arte dell”antichità classica, del primo Rinascimento, degli ideali dell”Umanesimo e del Neoplatonismo, incentrato sulla rappresentazione della figura umana e specialmente del nudo maschile, che ritrasse con enorme potenza. Molte delle sue creazioni sono tra le più celebrate dell”arte occidentale, in particolare in scultura il Bacco, la Pietà, il David, le due tombe medicee e il Mosè; in pittura il vasto ciclo del soffitto della Cappella Sistina e il Giudizio Universale nello stesso luogo, e due affreschi nella Cappella Paolina; servì come architetto della Basilica di San Pietro attuando importanti riforme alla sua struttura e progettando la cupola, rimodellò la piazza capitolina romana e progettò diversi edifici, e scrisse un gran numero di poesie.

Quando era ancora in vita era considerato il più grande artista del suo tempo; era chiamato il Divino, e durante i secoli, fino ad oggi, è stato tenuto nella massima considerazione, parte del piccolo gruppo di artisti di fama universale, in effetti come uno dei più grandi che siano mai vissuti e come il prototipo del genio. Fu uno dei primi artisti occidentali a veder pubblicata la sua biografia mentre era ancora in vita. La sua fama fu tale che, come nessun artista precedente o contemporaneo, sopravvivono numerosi documenti sulla sua carriera e personalità, e gli oggetti che aveva usato o i semplici schizzi per le sue opere sono stati conservati come reliquie da una legione di ammiratori. Per i posteri Michelangelo rimane uno dei pochi artisti che hanno saputo esprimere l”esperienza del bello, del tragico e del sublime in una dimensione cosmica e universale.

I primi anni

Michelangelo era il secondo figlio di Lodovico di Lionardo Buonarroti Simoni e Francesca di Neri Buonarroti. Sul suo certificato di battesimo il suo nome appare in due forme, Michelagnelo e Michelagnolo Buonaroti; appare nella biografia del Vasari come Michelagnolo Bonarroti e in quella del Condivi come Michelagnolo Buonarroti. Da giovane si firmava come Michelagniolo. Queste prime biografie furono scritte quando era ancora vivo e la sua fama era all”apice, e i suoi ammiratori, non contenti di stabilire un alto pedigree per la sua famiglia – la cui genealogia appare oggi dubbia – cercarono di magnificare gli eventi relativi alla sua nascita e infanzia, presumibilmente profetici della sua gloria futura. Per esempio, si diceva che sua madre fosse caduta da cavallo mentre lo portava in braccio, ma si diceva che lui fosse uscito illeso dall”incidente; da piccolo, mentre dormiva nella stessa culla di suo fratello, suo fratello contrasse una grave malattia contagiosa, di cui morì, ma Michelangelo rimase miracolosamente incontaminato. Hanno anche detto che la sua carta astrologica prevedeva un futuro luminoso, a causa di una congiunzione di Venere, Marte e Giove all”Ascendente. Condivi disse che la sua famiglia era antica e apparteneva alla nobiltà, il che era accettato come un fatto all”epoca in cui visse. Sarebbe un discendente dei conti di Canossa, della regione di Reggio Emilia, avendo tra i suoi antenati la celebre Matilde di Canossa, e legato per sangue agli imperatori. Un membro della famiglia, Simone da Canossa, si sarebbe stabilito a Firenze nel 1250 e sarebbe stato fatto cittadino della Repubblica, incaricato dell”amministrazione di una delle sei divisioni fiorentine. Lì più tardi cambiò il suo cognome da Canossa a Buonarroti, a causa del prestigio che diversi individui della famiglia chiamata Buonarroto acquisirono come magistrati, questo ramo della casa di Canossa divenne noto come Casa de” Buonarroti Simoni.

Lodovico al tempo della nascita di Michelangelo era amministratore dei villaggi di Caprese e Castello di Chiusi, dipendenti da Firenze. Un mese dopo, però, scaduto il suo mandato, la famiglia si trasferì definitivamente a Firenze, ma il bambino, come era consuetudine, fu affidato a una balia per essere allevato a Settignano, altro borgo fiorentino, in una tenuta di famiglia. All”età di tre anni tornò a vivere a casa di suo padre, e all”età di sei anni perse sua madre. I suoi fratelli erano Lionardo, il primogenito, e Buonarroto, Giovansimone e Gismondo. Suo padre, anche se di un certo prestigio, non era ricco. La sua famiglia era numerosa e il suo reddito, basato principalmente sulla tenuta di Settignano, era insufficiente per mantenere un alto tenore di vita. Il salario che riceveva dalla Repubblica era basso, 500 lire ogni sei mesi, ed era obbligato a pagare con esso due notai, tre servi e uno stalliere. L”antica fortuna della famiglia, acquisita nel commercio e negli scambi con l”estero, aveva cominciato a dissiparsi con il proprio padre, che doveva provvedere alle doti delle figlie, pagare grossi debiti e non ottenere posizioni redditizie, e la situazione peggiorò nella generazione successiva, al punto che erano vicini a perdere il loro status patrizio e a decadere in gente comune.

Riconoscendo che Michelangelo era particolarmente dotato, non appena raggiunse l”età appropriata Lodovico lo mandò a farsi educare da Francesco da Urbino, sperando che potesse intraprendere una carriera prestigiosa. Con sua frustrazione, suo figlio fece pochi progressi in grammatica, latino e matematica, e rubava tempo ai suoi studi per cercare la compagnia di artisti e disegnare. Divenne amico di Francesco Granacci, un discepolo di Domenico Ghirlandaio, che lo incoraggiò nelle arti e lo portò a frequentare lo studio del suo maestro, con il risultato che abbandonò l”interesse per un”istruzione regolare, e per questo ricevette ripetute punizioni dal padre e dai fratelli, per i quali una carriera artistica non era degna della nobiltà della sua stirpe. Ciononostante, riuscì finalmente a superare l”opposizione paterna e fu ammesso come discepolo di pittura dei fratelli Davide e Domenico Ghirlandaio, attraverso un contratto della durata stabilita di tre anni, firmato il 1° aprile 1489, guadagnando uno stipendio di 24 fiorini d”oro, che non era una pratica abituale a quel tempo. Condivi disse che il primo lavoro finito di Michelangelo fu il quadro Sant”Antonio Abate tormentato dai demoni da un”incisione di Martin Schongauer, così ben fatto che avrebbe suscitato l”invidia di Domenico. I rapporti tra i due dovevano essere ormai tesi, perché Michelangelo aveva l”abitudine di vantarsi di essere superiore a Domenico e una volta osò correggere i suoi disegni, umiliandolo, cosa non da poco, visto che allora era uno dei pittori più importanti di Firenze, e l”insolenza deve aver avuto un profondo impatto sullo spirito del maestro. Un altro pezzo che produsse all”epoca, una copia di una testa antica, avrebbe funzionato così bene che il proprietario dell”originale, ricevendo invece la copia, non notò lo scambio. Solo per l”indiscrezione di un compagno di Michelangelo fu scoperto il trucco, e confrontando entrambe le opere, il talento di Michelangelo fu riconosciuto.

Ma è probabile che questi resoconti siano stati molto ingigantiti – Vasari, nella seconda versione della sua biografia, disse che l”opera di Condivi aveva molte falsità – perché considerando il breve tempo in cui vi rimase, e conoscendo oggi le rigorose abitudini disciplinari dell”apprendimento artistico dell”epoca, che iniziavano con i compiti più umili, difficilmente avrebbe potuto sviluppare così presto una tecnica capace di produrre opere di così alta qualità come si afferma. Sarebbe ancora solo un servo, come tutti i principianti, mantenendo i materiali e gli strumenti dei maestri e dei discepoli più graduati in ordine e in condizioni d”uso, pulendo lo spazio, ed essendo a disposizione dei maestri per soddisfare qualsiasi altra richiesta per il buon funzionamento del laboratorio. Nel poco tempo che rimaneva loro era permesso di esercitarsi nel disegno copiando modelli famosi, ma questo era raro in questa prima fase, perché oltre al lavoro estenuante, la carta era molto costosa e non poteva essere spesa per niente per studenti che erano ancora impreparati. Solo quando gli studenti padroneggiavano questa parte strumentale e conoscevano a fondo le proprietà dei materiali dell”arte, si dava loro accesso alla conoscenza dei rudimenti più elementari della creazione, servendo poi come assistenti diretti dei maestri, ma ancora solo stendendo le tele e preparando i pannelli di legno, dando loro gli strati di base, dipingendo alcuni dettagli meno importanti della composizione e approfondendo lo studio del disegno. Tuttavia, sembra certo che nel momento in cui entrò nella bottega del Ghirlandaio, Michelangelo si era già esercitato molto nel disegno, e quindi è difficile determinare esattamente fino a che punto la verità delle prime biografie arrivi, anche perché esse tendono costantemente ad esaltare il loro soggetto, anche se si riconosce che il suo talento fu precoce e il suo sviluppo, molto rapido.

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Giovani

Michelangelo non finì il suo apprendistato con il Ghirlandaio. Un anno dopo lasciò la bottega ed entrò sotto la protezione di Lorenzo de Medici. Gli autori differiscono sulle circostanze di questo evento. Forse a causa del suo temperamento ribelle divenne una presenza irritante per i suoi maestri, anche lui a quanto pare non amava la pittura quanto la scultura; Barbara Somervill disse che suo padre, confidando nella forza di una lontana parentela con i Medici e nella volontà di Lorenzo di aiutare i suoi parenti poveri, lo pregò di accettarlo come apprendista; Vasari e Condivi sostengono che fu per richiesta diretta di Lorenzo a Lodovico. Sia come sia, all”età di quindici anni si trasferì effettivamente nel palazzo dei Medici. Lorenzo era il capo della loro illustre famiglia, allora la più ricca d”Italia, governava de facto Firenze anche se non aveva alcuna carica ufficiale, e aveva raccolto intorno a sé una brillante corte di umanisti e artisti, essendo egli stesso un poeta e intellettuale. Fu una circostanza fortunata per Michelangelo, perché ricevette l”allettante stipendio di cinque ducati alla settimana, e poté godere dell”amicizia personale con il mecenate, mangiando alla sua tavola, e dell”atmosfera erudita del suo circolo, al quale parteciparono Angelo Poliziano, Pico della Mirandola e Marsilio Ficino, rafforzando la sua precaria educazione ed entrando in contatto con il neoplatonismo. Fece anche amicizia tra i figli della casa, che più tardi divennero suoi mecenati, e la cosa più importante per la sua carriera fu poter frequentare il celebre Giardino delle Sculture che Lorenzo aveva organizzato con un”importante collezione di frammenti dell”antichità classica, dal cui studio trasse informazioni sostanziali per sviluppare il suo stile personale nella scultura.

Per gestire questo giardino, Lorenzo aveva assunto lo scultore Bertoldo di Giovanni, che era stato allievo di Donatello, e con lui Michelangelo aveva qualcosa di simile a un professore di scultura, anche se apparentemente non seguiva i suoi metodi. La sua prima opera per Lorenzo sembra essere stata una testa di fauno, che non è sopravvissuta, ma che si dice sia stata così ben realizzata che con essa Lorenzo si arrese definitivamente al talento del giovane. Altre opere di questa fase furono un crocifisso per il priore dell”Ospedale di Santo Spirito, che gli permise di sezionare cadaveri per studiarne l”anatomia, un bassorilievo oggi noto come la Madonna della Scala, alla maniera di Donatello, e l”altorilievo della Centauromachia, creato su consiglio di Poliziano e forse ispirato da un motivo trovato in un sarcofago romano, che suscitò l”ammirazione anche delle generazioni successive come opera matura, anche se rimase incompiuta.

Poco dopo, l”8 aprile 1492, Lorenzo morì, lasciando il governo a suo figlio Pedro de Medici (Piero), che aveva solo ventuno anni. Secondo Condivi, per Michelangelo la morte del suo patrono fu un grande shock, e rimase per giorni in una profonda tristezza, incapace di qualsiasi azione. Si ritirò nella casa paterna, dove scolpì un Ercole di grandi dimensioni, che fu venduto a Francesco I di Francia, ma di cui non si sa dove sia finito. Poi accadde che una grande nevicata cadde su Firenze, e Pietro si ricordò del suo amico. Gli chiese di venire nel suo palazzo per fare un pupazzo di neve e gli rinnovò l”invito a vivere nel palazzo dei Medici affinché le cose rimanessero come erano prima della morte di Lorenzo. L”invito fu accettato e Michelangelo divenne di nuovo un favorito, ma Pietro mancava di tutta la saggezza politica di suo padre, era tirannico e completamente inetto per la sua posizione. Tanto che si attirò la condanna di Savonarola e il malcontento popolare crebbe rapidamente. Rendendosi conto della svolta fatale degli eventi, e a causa della sua stretta associazione con Pietro, Michelangelo fuggì segretamente prima a Bologna e poi a Venezia, poche settimane prima che Firenze fosse invasa da Carlo VIII di Francia e Pietro fosse rovesciato e cacciato da lì insieme alla sua intera famiglia.

Non riuscendo ad ottenere lavoro a Venezia, tornò a Bologna, dove trovò un nuovo mecenate in Gianfrancesco Aldovrandi, nella cui casa rimase per un anno. Su suo suggerimento produsse figure per la tomba incompiuta di San Domenico, un Angelo che regge un candelabro, un San Proclo e un San Petronio, oltre a intrattenere il suo patrono con letture di Dante, Petrarca e Boccaccio, apprezzate perché il suo dialetto toscano era lo stesso in cui erano state scritte. Nel frattempo ha conosciuto le opere classiciste di Jacopo della Quercia, che hanno esercitato un”influenza significativa sul suo stile. Nell”inverno del 1495 tornò brevemente a Firenze. Condivi e Vasari riferiscono che Michelangelo si incontrò con Lorenzo di Pierfrancesco de” Medici, che lo incoraggiò a scolpire un San Giovanni, e poi un Cupido dormiente, inducendo l”artista a patinarlo in modo che potesse essere venduto come antico per un buon prezzo sul mercato romano. Si dice che Michelangelo l”abbia inviato a Roma nel 1496 e che sia stato acquistato dal cardinale Raffaele Riario, ma Clacment sostiene che la storia è molto dubbia.

Maturità

In ogni caso si recò in seguito a Roma e alloggiò per un anno da Riario, ma per lui apparentemente non produsse nulla. La sua opera successiva, un Bacco ubriaco di grandi dimensioni e dai tratti decisamente classici, fu realizzata su richiesta del banchiere Jacopo Galli, che richiese anche un Cupido in piedi, e attraverso il quale Michelangelo incontrò il cardinale Jean de la Grolaye de Villiers, ambasciatore di Francia presso il Papa, che gli commissionò la celebre Pietà, un soggetto raro in Italia ma comune in Francia, che fu immediatamente acclamata come un capolavoro, elevandolo alla fama. Ben presto ricevette altre commissioni, tra cui quindici statuette di santi per il cardinale Francesco Piccolomini, ma di queste ne realizzò solo quattro, smettendo di lavorare nel 1501 per rispondere a una chiamata del Duomo di Firenze.

La commissione era per un David, da installare nei contrafforti della Cattedrale. Michelangelo scelse un enorme blocco di marmo che era stato parzialmente lavorato da altri scultori ma che era rimasto abbandonato per quarant”anni, alto più di 5 metri. Scolpire un”opera di questa grandezza è ancora una sfida tecnica enorme, e quando fu completata nel 1504 il risultato fu considerato così brillante e magnifico che fu formato un comitato di notabili per decidere dove collocarla, poiché si pensava che meritasse una posizione più prominente di quella precedentemente prevista. Così fu installato davanti al Palazzo dei Priori, sede amministrativa della Repubblica, come simbolo delle virtù civiche fiorentine. Durante questi anni impegnati con il David, Michelangelo trovò ancora tempo per creare diverse Madonne per committenti privati, una in forma di statua, due in rilievo e un dipinto, quest”ultimo particolarmente significativo come esempio precursore del manierismo fiorentino. Condivi ha menzionato altre due opere, in bronzo, un David e una Madonna, che non sono note. Dopo il successo assoluto del suo David, Michelangelo fu attratto da progetti monumentali, ma raramente assunse aiutanti diretti, così che molti di essi rimasero incompiuti. È il caso dell”altra impresa che i magistrati fiorentini gli commissionarono, un grande affresco per la Sala del Consiglio che raffigura la Battaglia di Cascina, un evento della guerra in cui Firenze conquistò Pisa. Leonardo da Vinci fu invitato nello stesso momento a fare un altro grande quadro sulla parete opposta della stanza. Nessuno dei due fu finito, e quello di Michelangelo non uscì nemmeno dallo studio preparatorio. Nel 1505 Michelangelo accettò la richiesta di dodici grandi Apostoli in marmo per la Cattedrale, ma solo uno, Matteo, fu iniziato, e anche questo fu abbandonato prima che fosse finito, perché Papa Giulio II lo aveva chiamato a Roma.

Julius era affascinato dal grandioso come Michelangelo, ed era ostinato; il suo attrito con l”artista, il cui temperamento era anche forte, divenne leggendario. Aveva progettato di erigere per sé una tomba portentosa, con quaranta statue. Una volta definito il disegno, Michelangelo si recò nelle miniere di marmo di Carrara per selezionare le pietre, trascorrendovi otto mesi. Quando il materiale è arrivato a Roma ha occupato una buona parte di Piazza San Pietro. Ma essendo Giulio impegnato nello stesso tempo a ricostruire la vasta Basilica di San Pietro, i fondi per il lavoro si esaurirono presto. Michelangelo suppose che l”architetto di San Pietro, Bramante, avesse avvelenato il papa contro di lui, e lasciò Roma, tornando a Firenze. Il papa fece pressione sulle autorità fiorentine chiedendo il suo ritorno, e invece di continuare a lavorare alla sua tomba gli ordinò di creare una colossale statua di bronzo di se stesso da installare a Bologna, che aveva appena conquistato nelle sue spedizioni militari. Quando fu finito, gli fu dato con riluttanza l”incarico di dipingere l”enorme soffitto della Cappella Sistina, completato in soli quattro anni, tra il 1508 e il 1511. Il risultato andò ben oltre le aspettative papali, e anche se Michelangelo non era molto a suo agio con la tecnica della pittura, preferendo sempre la scultura, diede prova di possedere un genio pittorico paragonabile a quello che produsse il David e la Pietà.

Non appena ebbe finito il soffitto, Giulio gli ordinò di tornare a lavorare alla sua tomba, che non fu mai finita secondo il piano originale. Giulio morì nel 1513 e il progetto fu poi rivisto più volte e successivamente ridotto da altri papi, diventando un”opera molto più modesta del previsto. Delle quaranta statue del piano, l”attuale monumento ne ha solo sette, e di queste solo il Mosè (1513-15) è di reale valore, essendo una controparte scultorea delle grandi figure del soffitto della Sistina. Altri sei, incompiuti ma anch”essi di grande interesse, che rappresentano schiavi e prigionieri, originariamente destinati a far parte dell”insieme, sono stati dispersi e si trovano oggi al Museo del Louvre di Parigi e alla Galleria dell”Accademia di Firenze. Un altro pezzo importante del periodo fu un Cristo Redentore nudo per la chiesa di Santa Maria sulla Minerva.

Il successore di Giulio fu un giovane amico di Michelangelo, il secondo figlio di Lorenzo de Medici, Giovanni, che fu consacrato papa con il nome di Leone X. Il sovrano di Firenze era allora il cardinale Giulio de” Medici, poi anche papa con il nome di Clemente VII. Entrambi impiegarono l”artista principalmente a Firenze in opere di glorificazione della loro famiglia. Per loro Michelangelo si addentrò nel regno dell”architettura, elaborando un progetto per il rifacimento della facciata della Basilica di San Lorenzo, mai realizzato, ma i suoi sforzi diedero migliori frutti in un progetto più piccolo, la costruzione e la decorazione della Sagrestia Nuova annessa alla Basilica. Le opere più significative della Sacrestia sono le tombe originali di Giuliano II de Medici e Lorenzo II de Medici, ciascuna composta da una statua idealizzata del defunto e due figure decorative reclinate sulla bara, non tutte interamente rifinite ma di grande potenza, già in uno stile chiaramente manierista. Nello stesso periodo Michelangelo progettò un altro edificio annesso alla Basilica, la Biblioteca Laurenziana, per ricevere la collezione lasciata in eredità da Papa Leone X dopo la sua morte. La struttura è notevole per la sua libera interpretazione dei canoni architettonici classici, rendendola il primo e uno dei più importanti esempi di manierismo architettonico.

Nel 1527 Roma fu invasa e violentemente saccheggiata dalle truppe ribelli di Carlo V, imperatore del Sacro Impero. Il papa fuggì, e Firenze si sollevò di nuovo contro i Medici, bandendoli. Poi la città fu assediata, e in questo periodo Michelangelo fu impiegato dal governo locale in lavori di ingegneria, progettando fortificazioni. Questo decennio e il successivo sono stati particolarmente difficili per lui. Suo padre era morto nel 1521 e poi il suo fratello preferito. Michelangelo si preoccupava per l”avanzare degli anni e temeva la morte, e si impegnò ancora negli affari di famiglia per assicurare la perpetuazione del nome Buonarroti. Nella sua vita affettiva si legò fortemente ai giovani, in particolare a Tommaso dei Cavalieri, scambiando una calda corrispondenza e scrivendo loro poesie di grande qualità, trattando il tema dell”amore nella tradizione di Petrarca ed esprimendo idee neoplatoniche. Queste connessioni e testimonianze materiali sono state considerate da un gran numero di studiosi come prove di omosessualità, ma per una minoranza influente, di cui fa parte Gilbert Creighton, editore della Britannica, è probabile che fosse più preoccupato di trovare un figlio adottivo e che il suo straripamento emotivo non fosse altro che retorica letteraria. Nel 1530 i Medici poterono imporre definitivamente il loro dominio a Firenze, Michelangelo tornò al progetto delle tombe di famiglia e produsse due sculture, un Genio della Vittoria, che divenne un prototipo per gli scultori manieristi, e un David, talvolta identificato anche come Apollo. Nel 1534 lasciò la città per l”ultima volta, su chiamata del nuovo papa, Paolo III, prendendo la residenza a Roma, anche se nutriva sempre la speranza di poter tornare e finire i suoi progetti incompiuti.

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Decenni recenti

In questa fase Michelangelo lasciò un po” da parte la scultura e si rivolse all”architettura, alla poesia e alla pittura. Paolo III lo aveva chiamato per dipingere la scena del Giudizio Universale sul muro dietro l”altare della Cappella Sistina. La composizione è un altro capolavoro, ma in uno stile molto diverso da quello del soffitto, e riflette l”impatto della Controriforma sulla cultura dell”epoca. La concezione è potente e le figure sono ancora grandiose, ma la loro descrizione anatomica è meno chiara. D”altra parte, l”intensità psicologica e drammatica è molto più impressionante. Una scena prevista per la parete opposta, che mostra la caduta di Lucifero, è stata disegnata su cartone ma non realizzata. Tuttavia, secondo il Vasari il disegno è stato utilizzato da un artista minore nella cattedrale di Todi, con scarsa esecuzione. Subito dopo fu chiamato a dipingere altri due grandi pannelli nella Cappella Paolina, illustrando la Crocifissione di San Pietro e la Conversione di Saulo. Durante questo periodo sviluppò un profondo legame affettivo con la patrizia romana Vittoria Colonna, che durò fino alla sua morte nel 1547, condividendo un interesse per la poesia e la religione. Progettò il rifacimento di piazza del Campidoglio, uno dei progetti urbanistici più notevoli della città, e in qualità di nuovo architetto di San Pietro, incarico accettato anche lui con grande riluttanza, elaborò i progetti di riforma della sua struttura a partire dalle idee lasciate da Bramante, scartando le aggiunte di altri collaboratori e tornando alla pianta a croce greca. Ha anche progettato la cupola, una grande opera di architettura, anche se costruita solo dopo la sua morte, con leggere modifiche. Mentre lavorava a San Pietro fu coinvolto in progetti architettonici minori, completando l”incompiuto Palazzo Farnese, dando consigli sui lavori a Villa Giulia, la Chiesa di San Pietro a Montorio e il Belvedere Vaticano, oltre a fornire un progetto, non utilizzato, per la ristrutturazione della Basilica di San Giovanni dei Fiorentini.

Nel 1555 Paolo IV salì al papato e aprì immediatamente un conflitto con il governo spagnolo a Napoli, mentre intensificava le procedure della Controriforma e sosteneva l”Inquisizione. Cancellò la cancelleria di Rimini che Paolo III aveva concesso a Michelangelo, una buona fonte di reddito per lui, e voleva distruggere il Giudizio Universale nella Sistina, considerato indecente, cosa che non avvenne solo grazie alla ferma opposizione di diversi cardinali; anche allora diversi nudi furono coperti. Il clima a Roma divenne teso, le truppe francesi entrarono nello Stato Pontificio e Michelangelo, nel 1557, si rifugiò temporaneamente in un monastero a Spoleto, lasciando il lavoro sulla Basilica agli assistenti. Tornato a Roma poco dopo, si dedicò al progetto di una tomba per sé, mai eseguita, ma per essa scolpì la Pietà di Firenze, dove si crede che abbia lasciato il suo autoritratto nella figura di Giuseppe d”Arimatea. Poi tornò ai lavori di San Pietro, ma le sue decisioni erano continuamente in disaccordo con gli assistenti, creando una situazione di stress. Nel 1559 il papa morì. Era così odiato che il popolo romano diede grandi dimostrazioni di giubilo nel sentire la notizia, e Duppa dice che deve essere stato un sollievo anche per l”artista.

Pio IV mantenne Michelangelo come architetto di San Pietro – il disegno della cupola è di questo periodo – e gli restituì parte delle rendite di Rimini. Progettò un monumento in onore del fratello del papa da installare nel Duomo di Milano, eseguito da altri, costruì Porta Pia, rinnovò le Terme di Diocleziano, trasformandole nella Basilica di Santa Maria degli Angeli e dei Martiri, e progettò una cappella nella Basilica di Santa Maria Maggiore, completata postuma. La nomina di Michelangelo come capo architetto di San Pietro non era mai piaciuta ai direttori dei lavori e agli assistenti architetti, le pressioni alla fine trionfarono, e nel 1562 fu rimosso dall”incarico. Ma presto la situazione si capovolse a suo favore, perché Michelangelo chiese un colloquio con il papa e gli espose gli intrighi che avevano portato alla situazione. Il papa fece esaminare la questione, confermò le pretese di Michelangelo e lo reintegrò a capo dei lavori, e inoltre ordinò che le sue direttive fossero seguite alla lettera.

Nel 1563 fu eletto primus inter pares dell”Accademia del Disegno di Firenze, appena fondata da Cosimo I de” Medici e dal Vasari, e solo dopo, alla soglia dei novant”anni, la sua salute e il suo vigore iniziarono a declinare rapidamente e visibilmente. Gli rimaneva poco tempo, e al passaggio dal 1563 al 1564 divenne chiaro che non poteva più uscire in strada a qualsiasi ora e con qualsiasi tempo come era solito fare, né poteva più rifiutare l”aiuto degli altri come era stata sua perenne abitudine. Il 14 febbraio 1564 ebbe una specie di attacco e si diffuse la notizia che era malato. Tuttavia, il suo amico Tiberio Calcagni, accorso a visitarlo, lo trovò per strada sotto la pioggia, dicendo che non trovava affatto la pace. Secondo il resoconto, la sua faccia aveva un aspetto terribile e il suo discorso era biascicato. Entrò in casa e si ritirò a riposare. Altri amici vennero ad assisterlo, il giorno dopo sentì la morte e mandò a chiamare suo nipote Lionardo, ma quest”ultimo non arrivò in tempo per vederlo vivo. Morì serenamente poco prima delle cinque del pomeriggio del 18 in compagnia di Tiberio Calcagni, Diomede Leoni, Tommaso dei Cavalieri e Daniele da Volterra, nonché dei medici Federigo Donati e Gherardo Fidelissimi.

Per ordine del governatore di Roma il corpo fu depositato con grandi onori nella Basilica dei Dodici Santi Apostoli, ma Lionardo volle che riposasse a Firenze, e dovette rubare il cadavere e spedirlo nell”altra città travestito da merce, consegnandolo alla dogana locale l”11 marzo. Da lì fu rimosso in un oratorio, e il giorno dopo in segreto fu portato alla Basilica di Santa Croce, ma il movimento fu notato dalla gente popolare e presto una grande folla si formò per seguire la processione, rendendogli l”ultimo omaggio. Il gruppo entrò nella Basilica, che era completamente gremita, e il tenente dell”Accademia ordinò di aprire la bara. Secondo i registri, dopo venticinque giorni dalla sua morte, il corpo era ancora intatto e senza alcun odore. Così fu sepolto dietro l”altare di Cavalcanti. Il 14 luglio una grande cerimonia pubblica ha onorato la sua memoria. Le poesie e i panegirici scritti per la giornata riempirono un volume, che fu poi pubblicato. La sua tomba definitiva fu disegnata da Giorgio Vasari e si trova nella Basilica di Santa Croce. Più tardi varie città gli eressero dei monumenti.

Da adulto Michelangelo era di media altezza e aveva spalle larghe e braccia forti, il risultato delle sue infinite ore di lavoro con la pietra. I suoi capelli erano scuri e i suoi occhi erano piccoli e marroni, portava una barba divisa in due, le sue labbra erano sottili, il suo naso era rotto da una lotta in gioventù con Pietro Torrigiano, e la sua fronte era prominente. Non prestava la minima attenzione al suo aspetto fisico, vestiva con abiti vecchi, a volte anche a brandelli, invariabilmente sporchi. Anche così spesso ci dormiva dentro e nelle sue scarpe. Allo stesso modo, era indifferente al cibo, mangiava poco e irregolarmente, aveva una cattiva digestione; si accontentava tanto di un pezzo di formaggio quanto di un pasto di più portate, come quelli che mangiava quando era invitato dai potenti. Non gli importava dove andava a dormire e aveva un sonno breve, soffriva di mal di testa e con l”avanzare degli anni aveva problemi alla cistifellea e reumatismi alle gambe, ma in generale godeva di buona salute fino al suo ultimo anno di vita. Lavorava instancabilmente, era in grado di acquisire un”istruzione generale abbastanza ampia anche senza un”istruzione regolare, e poche cose lo interessavano oltre alla sua arte. Tra questi, come risulta dalle sue lettere, aveva preoccupazioni per la perpetuazione e la dignità del nome della famiglia. In diversi, indirizzati a suo nipote Lionardo, lo esortava a sposare una giovane donna della nobiltà, degna dei Buonarroti, e lo esortava a lasciare la campagna e vivere in un palazzo urbano, il segno più evidente dello status di un patrizio. In altri esprime la sua ambizione di “resuscitare la sua Casa”, e il suo desiderio di gloria personale e familiare è documentato da altre testimonianze.

È molto difficile farsi un”idea dell”evoluzione della sua ricchezza personale. Ha ereditato dei terreni a Settignano e ha saputo renderli molto più produttivi che ai tempi di suo padre, ampliando anche la sua zona. Possedeva una casa-atelier a Roma, due case e uno studio a Firenze, e si dice che avesse dei terreni in varie parti della Toscana. Le sue grandi opere erano pagate regalmente, ma spesso erano inclusi i costi del materiale, che non erano bassi. Inoltre, i suoi committenti lo pagavano spesso in modo irregolare, in diverse occasioni non ricevette il pagamento completo, e opere come la tomba di Giulio II rappresentavano per lui una spesa piuttosto che un guadagno. D”altra parte, con le sue abitudini di vita spartane fece una buona economia, e in una lettera disse che Paolo III lo aveva colmato di benefici. Ha dato grandi somme in beneficenza e ha sostenuto la sua famiglia quando ha potuto, e più volte ha aiutato gli artisti poveri, compresi i suoi due biografi. Non si fidava delle banche e teneva i suoi soldi in un baule sotto il letto. Alla sua morte questo scrigno conteneva diecimila ducati d”oro, una somma, secondo il Forcellino, sufficiente a comprare Palazzo Pitti.

Amore vita

Michelangelo non si sposò mai e oggi è praticamente un consenso che fosse omosessuale, nonostante le smentite dei suoi primi biografi. È stato suggerito che l”artista ebbe concrete relazioni amorose con diversi giovani, come Cecchino dei Bracci, per il quale disegnò la tomba, e Giovanni da Pistoia, che incontrò mentre lavorava al soffitto della Cappella Sistina, e per il quale scrisse alcuni sonetti. Ma nessuna prova conclusiva è stata trovata in questa direzione, ed è abbastanza possibile che Michelangelo stesso, contenendo i suoi sentimenti e bisogni, abbia evitato una consumazione carnale. Diversi fattori possono essere considerati per rendere l”ipotesi plausibile. Nella sua giovinezza a Firenze era stato profondamente colpito dalla predicazione di Girolamo Savonarola di rinuncia al mondo, ed espresse la sua ammirazione per lui durante tutta la sua vita. In secondo luogo, si consideri l”influenza della visione umanista-neoplatonica del suo tempo sull”amore, un altro elemento rilevante nel suo universo personale, che parlava del corpo come della prigione terrena, e sebbene accettasse l”amore tra gli uomini e addirittura lo incoraggiasse, non approvava il contatto fisico, gettando l”esperienza del sentimento su un piano spirituale. Inoltre, l”opinione pubblica sull”omosessualità nel XVI secolo era piuttosto negativa; a Firenze gli omosessuali potevano essere castrati o condannati a morte. Ciò che emerge con forza dalle sue poesie è il perenne conflitto tra l”impulso all”amore terreno e l”amore divino, che, come lui stesso disse, “lo teneva diviso in due metà”, e secondo Harmon, da ciò che si sa della sua vita, non c”è modo di escludere nessuno dei due opposti nello studio della sua personalità e del suo modo di amare. Mentre parla ripetutamente dell”amore rivolto alle persone come la forza dinamica che gli ha permesso di trascendere – “l”amore ci spinge e ci risveglia, ci piuma le ali, e da quel primo stadio, di cui l”anima non è soddisfatta, può volare e librarsi verso il suo Creatore” – altre volte dichiara il suo desiderio di intimità fisica, volendo “abbracciare il mio così desiderato, il mio così dolce signore, con le mie braccia indegne”, o immaginandosi un baco da seta per tessere una veste preziosa “avvolgendo con piacere il suo bel seno”. Condivi registrò che “ho sentito spesso Michelangelo parlare dell”amore, ma non l”ho mai sentito parlare di altro che dell”amore platonico”. Ryan e Ellis dicono, invocando altri autori, che la maggior parte degli storici moderni riconoscono l”inclinazione omoerotica di Michelangelo, ma la questione se questo abbia portato a una vita sessualmente attiva rimane un”incognita.

Tra gli uomini che occupavano il posto più grande nei suoi pensieri c”era Tommaso dei Cavalieri, un patrizio amante delle arti. All”epoca Cavalieri era un giovane di 17 anni, e Varchi, che lo conobbe anche lui, disse che aveva un temperamento calmo e senza pretese, una bella intelligenza ed educazione, e una bellezza incomparabile, e per tali qualità meritava l”amore di tutti coloro che lo incontravano. Poco dopo il loro primo contatto Michelangelo gli inviò due brevi lettere. In uno di essi ha detto:

“Mi rendo conto ora che non posso dimenticare il tuo nome più di quanto possa dimenticare il cibo con cui vivo – no! piuttosto potrei dimenticare il cibo con cui vivo, che purtroppo nutre solo il corpo, ma non il tuo nome, che nutre la mia anima e il mio corpo, riempiendoli entrambi con tale gioia che divento immune al dolore e alla paura della morte, questo mentre il tuo ricordo dura in me. Immaginate se anche il mio occhio facesse la sua parte (un riferimento alla distanza fisica tra loro) lo stato in cui mi troverei!”.

In un”altra lettera, al suo amico Sebastiano del Piombo, disse:

“Se lo vedete, vi prego di raccomandarmi mille volte a lui, e quando mi scrivete ditemi qualcosa su di lui affinché io abbia qualcosa da mettere in mente, perché se lo dimentico credo che nello stesso istante cadrò morto”.

Per lui Michelangelo scrisse una quarantina di poesie, gli presentò dei disegni e fu l”unico di cui fece un ritratto, opera purtroppo perduta. Tra i disegni che ha dato a Tommaso ci sono un Rapimento di Ganimede, la Caduta di Fetonte, la Punizione di Tito, e un Baccanale di bambini, i cui soggetti sono suggestivi. Anche se Cavalieri ricambiava molto l”amore dell”artista e lo espresse più volte, anche nelle lettere, non sembra essere stato appassionato, e lo avrebbe coltivato nell”ambito dell”amicizia, che secondo Ryan fu fonte di molta angoscia e delusione per Michelangelo. Tuttavia, in una delle lettere che Tommaso inviò a Michelangelo si trova un passaggio ambiguo che recita: “…che la Vostra Signoria torni presto, perché tornando liberarete me di prigione: perché io fuggo le male pratiche, e volendo fugirle non posso praticare altre che con voi”. Una traduzione diretta è “…che Vostra Signoria ritorni presto, perché ritornando mi libererete dalla prigione: perché fuggo dalle cattive pratiche, e volendo fuggire da esse non posso praticare con nessun altro che voi”. Frederick Hartt ha tradotto praticare con fare l”amore, ma diversi dizionari consultati non associano praticare con fare l”amore, e lo traducono nel senso di fare amicizia, frequentare, visitare frequentemente e conoscere, così che l”interpretazione di questo passaggio rimane dubbia. Quello che è certo è che il loro rapporto si sviluppò in una solida fedeltà, sopravvivendo a qualche attrito e alla trasformazione del giovane in un padre di famiglia, durando fino alla morte di Michelangelo. Quello che segue è uno dei sonetti che le ha dedicato:

L”altra figura di grande importanza nella sua vita personale fu Vittoria Colonna. Discendente da una famiglia nobile, era una delle donne più notevoli dell”Italia di cinquecento anni fa. Ancora giovane sposò Ferdinando di Avalos, marchese di Pescara. Divenne l”autrice di poesie lodate come impeccabili, una delle più importanti continuatrici della tradizione di Petrarca nella sua generazione, una mediatrice politica, una riformatrice religiosa, e i suoi meriti furono ampiamente riconosciuti anche durante la sua vita, ma la storiografia successiva l”ha indebitamente ritratta più come una figura passiva, all”ombra dei grandi uomini che conosceva, tra cui Michelangelo. È possibile che si siano incontrati intorno al 1537, ma la loro relazione divenne più stretta solo intorno al 1542, quando Michelangelo era già anziano e lei era vedova da diciassette anni. Hanno discusso di arte e religione. Per lei Michelangelo scrisse diverse poesie e realizzò dei disegni, e lei a sua volta gli dedicò anche una serie di poesie. L”affetto di Michelangelo divenne intenso, e nei suoi sonetti meditò se questa non fosse un”altra passione infruttuosa, forse la più infelice di tutte. Nonostante i suoi dubbi, il tono generale delle sue poesie su di lei è calmo e dolce, ed egli cerca la sublimazione più coerente attraverso la fede. Walter Pater ha paragonato la loro relazione a quella di Dante e Beatrice.

La fede su cui Michelangelo fece affidamento per affrontare i dilemmi dei suoi sentimenti era quella della Controriforma, che poneva la responsabilità della soluzione dei problemi spirituali più nella propria forza interiore che in santi, preti, indulgenze e altri aiutanti esterni comuni alle generazioni precedenti. Da parte di Vittoria, Abigail Brundin ha detto che le poesie che ha dedicato all”amica rivelano lo stesso sforzo di affrontare questa responsabilità e di condividere i frutti del lavoro nello spirito di una comunione evangelica con qualcuno che attraversa gli stessi dubbi e agitazioni dell”anima. Michelangelo era presente nella sua agonia, e lei morì tra le sue braccia, mentre lui in lacrime le baciava le mani senza sosta. Più tardi si pentì di non aver osato baciarle la fronte e la guancia. Condivi registra che dopo la morte di Vittoria Michelangelo passò un periodo sconvolto, come se avesse perso la ragione. In un sonetto espresse la sua tristezza e la sua rabbia, e disse che la natura non aveva mai fatto un viso così bello.

Contesto, stile e idee sull”arte

Michelangelo visse l”ultima fase del Rinascimento e la transizione al Manierismo, un periodo di intenso conflitto sociale e profondi cambiamenti nella vita culturale. Da giovane assorbì le lezioni del primo Rinascimento, che aveva stabilito una serie di canoni tecnici ed estetici per la rappresentazione artistica. Questi canoni erano stati stabiliti su una forte tendenza a recuperare nell”arte e nella cultura la tradizione classica dell”antichità, che si era sviluppata da secoli prima da una serie di scoperte di testi di filosofi e altri scrittori antichi, specialmente neoplatonici ellenistici e oratori romani, poeti, politici e storici, e da pezzi di archeologia. Con questa quantità di nuove informazioni, nel XV secolo si consolidò quello che fu chiamato Umanesimo, una sintesi eclettica di queste fonti pagane con il pensiero cristiano, incorporando anche elementi della tradizione araba, orientale ed egiziana, così come altri della magia, delle tradizioni religiose esoteriche, della mitologia classica e dell”astrologia. Il risultato fu quello di mettere l”essere umano ancora una volta al centro dell”universo, sottolineando la sua nobiltà, la bellezza, la libertà, i poteri del suo intelletto e la sua natura divina. Nell”arte, fu creato un sistema di proporzioni ideali per l”architettura e per la rappresentazione del corpo, e il sistema della prospettiva si cristallizzò per la definizione della rappresentazione bidimensionale. Il Rinascimento associò anche l”idealismo classico a un intenso interesse per lo studio scientifico del mondo naturale, producendo un”arte che era una generalizzazione universale ma capace di soffermarsi sul particolare per descrivere personaggi individuali. Allo stesso tempo, era un”arte di natura etica, poiché si riteneva che avesse una funzione sociale alla quale non poteva sottrarsi, e mirava soprattutto a guarire le anime e a istruire il pubblico su come condurre la propria vita nei modi della virtù.

Michelangelo trascorse la sua giovinezza a Firenze quando era all”apice del suo prestigio politico, economico e soprattutto culturale, essendo un riferimento non solo per l”Italia ma per gran parte dell”Europa. Poco dopo, intorno al 1500, Roma prese il comando in tutti questi aspetti, dove i papi rafforzarono il loro indebolito potere temporale, invocarono per Roma la posizione di capo del mondo ed erede dell”Impero Romano, e proclamarono l”universalità della loro autorità religiosa. Era la fase chiamata Alto Rinascimento, quando le idee artistiche classiche riguardanti l”armonia, l”equilibrio, la moderazione, la dignità, la proporzione e la fedeltà alla natura divennero particolarmente influenti. In questo stesso periodo, Michelangelo stava raggiungendo la sua prima maturità artistica e stava già lavorando per i papi a Roma, producendo opere che rispecchiavano perfettamente queste concezioni. Nel frattempo, l”Italia era già sotto il mirino delle grandi potenze straniere, e cominciò ad essere invasa in vari punti. Nel 1527 Firenze fu messa sotto assedio e Roma fu vittima di un terribile saccheggio da parte delle truppe del Sacro Impero, mentre allo stesso tempo nel Nord Europa i protestanti stavano ottenendo la loro separazione dalla Chiesa romana con severe critiche alla dottrina e agli abusi e alla corruzione del clero. L”autorità papale fu seriamente scossa, il potere politico dell”Italia sulla scena internazionale cadde immediatamente, e un clima socio-culturale di incertezza, tensione e paura si stabilì in Italia. La reazione della Chiesa fu quella di lanciare negli anni successivi la Controriforma, stabilendo una nuova formulazione per la dottrina e nuove regole per l”arte sacra, dove la censura preventiva con un orientamento chiaramente propagandistico divenne abituale. Come lo descrisse Argan, in questo periodo la religione non era più una rivelazione incontestabile di verità eterne, ma una ricerca individuale; la scienza non era più fondata sull”autorità degli antichi, ma sulla libera ricerca; la politica cambiò la sua base da una nozione di gerarchia emanata da Dio per lanciarsi nella ricerca di un equilibrio sempre provvisorio tra forze contrastanti; La storia, come esperienza già vissuta, aveva perso il suo valore determinante, ciò che contava allora era l”esperienza di ciascuno nel presente, e l”arte lasciava i canoni astratti e collettivi per immergersi nel mondo del giudizio individuale, dell”indagine del proprio processo creativo e della materialità dell”opera.

Così i suoi ultimi quaranta o cinquant”anni circa, la maggior parte della carriera di Michelangelo, si svolsero in questa atmosfera agitata, e il suo stile di questa fase deve essere caratterizzato come manierista, esibendo tratti tipici di questa scuola che egli stesso contribuì a fondare, cioè: una reazione marcata all”equilibrio e all”armonia del classicismo e all”idealizzazione dell”Alto Rinascimento, la distorsione delle proporzioni del corpo, una tendenza alla stilizzazione dei tratti, all”esagerazione e al dramma, l”uso di una tavolozza di colori innaturali, l”annullamento della prospettiva del punto centrale con la creazione di un senso di più piani di spazio simultanei, arbitrari e irrazionali, e una preferenza per le forme a spirale, contorte e bizzarre, e per composizioni affollate di personaggi.

Michelangelo si distinse dall”estetica rinascimentale abbandonando la convinzione che la Bellezza sia prodotta da un rapporto matematico di proporzioni tra le parti del tutto, e si affidò piuttosto ai sensi. Ha detto che è più necessario avere una bussola nell”occhio che nelle mani, perché le mani producono il lavoro, ma è l”occhio che lo giudica. Non si sentiva obbligato a seguire leggi estetiche aprioristiche, dicendo che l”artista doveva essere guidato solo dall”idea che aveva concepito, e considerava possibile definire altre proporzioni ugualmente accettabili e belle. La sua insistenza sulla propria autonomia creativa e sull”espressione della sua visione personale lo rese il primo artista in Occidente ad avere principi e papi ai suoi piedi, decretando lui stesso come l”opera dovesse essere realizzata, a differenza della pratica precedente alla sua generazione, quando l”artista era un semplice artigiano obbediente alla volontà dei suoi committenti. Questo era sia un riconoscimento della sua capacità che una risposta alla cultura del tempo che glorificava la fama personale. Condivide con il Rinascimento e gli altri suoi contemporanei l”amore per l”arte dell”antichità, ma al suo tempo i modelli disponibili erano per lo più il prodotto dell”ellenismo o dell”epoca romana, che non sono esattamente idealisti e lavorano più sul lato drammatico, dinamico ed emotivo della rappresentazione. Fu anche stimolato in questa direzione dalla scoperta di un”importante opera ellenistica, il Gruppo di Laocoonte, che fece scalpore in tutta l”intellighenzia romana alla sua esposizione pubblica in Vaticano nel 1508.

Nonostante la sua inclinazione verso i modelli romani ed ellenistici, Michelangelo appare come un grande idealista, un erede diretto dell”universalismo dell”arte dell”alto classicismo greco. L”artista non era più interessato all”osservazione della natura al di là di ciò che era necessario per creare un prototipo di forma che ignorava il particolare ed era applicabile indiscriminatamente a tutti i soggetti. Nulla nella sua arte è specifico al di là della forma generale del corpo umano, e l”ha trasformato in qualcosa la cui potenza provoca stupore da quando l”ha plasmato in un”immagine. Nella stessa tradizione alto-classica, cerca di esprimere le virtù eroiche dell”anima attraverso corpi potenti la cui bellezza è apoteotica e ideale piuttosto che umana, filtrando però inevitabilmente l”idealismo antico attraverso la sua interpretazione eclettica da parte dell”Umanesimo rinascimentale, dove anche il tragico e il patetico hanno un posto. Come ha osservato Weinberger, egli non rappresentava la sua generazione, ma una generazione di giganti che vivevano fuori dal tempo, e gli edifici che ha eretto sembrano essere stati destinati a questa razza. Anche le sue piccole opere hanno una caratteristica monumentale. Non ha caratterizzato i costumi o le fisionomie del suo tempo, non ha prodotto ritratti oltre a qualche disegno, le sue figure non sono impegnate in attività ordinarie, non appaiono utensili della vita quotidiana, nessun mobile, nessuna architettura dell”epoca; non sembrano influenzate dalle stagioni, dal paesaggio circostante. Quando c”è qualche paesaggio, è sorprendentemente deserto, è solo uno spazio convenzionale e astratto dove ha distribuito i suoi personaggi sovrumani. Non aveva altro fondamento per la sua arte che il corpo umano, l”amore per la sua bellezza e un”idea del sublime ingrandita all”estremo – una volta alla ricerca di marmi a Carrara volle trasformare un”intera montagna in una statua di un gigante.

Anche le sue descrizioni del genere sessuale sono ambigue, in molti dei suoi dipinti e sculture le donne sono quasi muscolose come i suoi uomini e l”unica differenza visibile è la presenza di seni e l”assenza di un pene. D”altra parte, alcune delle sue figure maschili hanno un languore e un”affettazione posturale che si trovano solo nella rappresentazione femminile del suo tempo. Anche se in diverse immagini è evidente un”androginia, la sua preferenza per il corpo maschile è ampiamente riconosciuta, soprattutto il nudo, che è il filo conduttore di tutta la sua produzione artistica, e abbonda anche nelle sue composizioni sacre. Il nudo maschile appare dalla sua prima scultura autenticata, la Centauromachia, in uno dei suoi primi dipinti, il Tondo Doni, continua durante tutta la sua carriera, nel Bacco, nel David, nel Cristo Redentore, negli Schiavi e prigionieri, nel Genio della Vittoria, nel Giovane in ginocchio e in diverse altre sculture, occupa la stragrande maggioranza dei suoi disegni, è il soggetto della sua poesia e si moltiplica nei dipinti La battaglia di Cascina, sul soffitto e nel Giudizio Universale della Sistina. Tale frequenza da allora ha provocato reazioni negative in settori della Chiesa, al punto che Papa Paolo IV fece coprire i genitali esposti di varie figure negli affreschi della Sistina, e il Cristo Redentore in marmo subì la stessa sorte, ricevendo un mantello di bronzo.

Il suo stile e la sua iconografia negli ultimi due secoli sono stati oggetto del più acceso dibattito tra i critici e gli storici, tanto che Barolsky ha ironizzato sul fatto che la copiosa bibliografia prodotta su di lui è essa stessa “michelangiolesca”, e sebbene Michelangelo sia generalmente annoverato nella massima stima, poco consenso si è potuto ottenere su punti specifici. Tuttavia, nella sua poesia ha lasciato molti indizi sulle sue idee artistiche e sulla vita, e in essa, come è stato suggerito da scrittori come Erwin Panofsky e Carlo Argan, il neoplatonismo sembra trasudare come un”influenza preponderante, nel modo in cui fu interpretato da umanisti italiani e poeti cristiani come Marsilio Ficino, Pico della Mirandola, Dante Alighieri e Petrarca. Martin Weinberger, di orientamento formalista, rifiuta la spiegazione trascendentale e fa notare che non si possono attribuire con certezza a una scuola di pensiero definita idee che appartenevano alla cultura rinascimentale nel suo insieme e che erano soggette a una molteplicità di correnti. Ha anche detto che Michelangelo difficilmente avrebbe posto la sua arte al di sopra della natura, e che il suo lavoro richiede uno studio più all”interno del regno dell”arte pura – il suo trattamento dei materiali, l”evoluzione delle sue forme e il suo linguaggio plastico. È possibile che una sintesi di entrambi i punti di vista sia il modo più adeguato per comprendere meglio la sua produzione. Infatti l”interpretazione di un pezzo specifico difficilmente può essere circoscritta ad una fonte individuale, ma in linea generale la spiegazione trascendentale sembra rimanere la tendenza più forte tra i critici per interpretare il suo stile e le sue motivazioni nel loro insieme. Sembra abbastanza chiaro che per Michelangelo la ricerca della trascendenza era una forza motrice in tutta la sua opera, come è stato documentato in vari modi, ma era saldamente ispirata dalla bellezza che vedeva nel mondo fisico, trasformata dal potere dell”Amore residente nell”anima in qualcosa, allora sì, divino. In una poesia ha scritto:

“Vedo nel tuo bel volto, mio Signore, ciò che non posso esprimere in questa vita. L”anima, ancora vestita di carne, con quella che così spesso è trasportata a Dio”.

In un altro, ha detto:

“I miei occhi, cercando le cose belle, e la mia anima, cercando la salvezza, non hanno altro potere per salire al cielo che contemplare tutto ciò che è bello.

D”altra parte, non si può dare troppo peso a ciò che ha detto su se stesso e sulla sua arte, anche se la sua testimonianza non può mai essere ignorata. Come ci ha ricordato Barolsky, nella cultura dell”epoca l”artificialismo e la stilizzazione erano onnipresenti. Anche l”arte era considerata una deliziosa illusione, come diceva Vasari, ed era soggetta a una serie di convenzioni, di dominio pubblico. I testi del XVI secolo sono carichi di risorse puramente retoriche, e i rapporti sociali nelle alte sfere erano qualcosa di molto vicino a un teatro. Allo stesso modo le biografie erano pezzi laudativi ingannevoli, e gli scritti poetici di Michelangelo devono essere analizzati tenendo conto del contesto di questo universo di convenzioni e artificio, in un processo di costruzione cosciente della sua immagine pubblica e del suo stesso mito che portò a un grado iperbolico, modellandosi sulla caratteristica di un colosso, proprio come fece con le sue opere. Nemmeno la sua corrispondenza è una fonte esattamente fedele di informazioni sulla sua vita; in molti momenti è evasiva, ambigua, esagerata, contraddittoria e a volte del tutto menzognera, il che non era, per inciso, una caratteristica esclusiva di lui, ma rispecchiava un comportamento collettivo. Epitomando questi costumi, nel 1532 fu pubblicato Il Principe di Machiavelli, le cui idee furono ampiamente diffuse, santificando la necessità del sovrano di usare l”inganno e la dissimulazione per mantenere l”ordine pubblico.

Un altro aspetto che ha lasciato perplessi gli storici è lo stato incompiuto di molte delle sue opere. Spesso fattori esterni, che sono stati documentati, lo hanno portato a questo, essendo costantemente chiamato avanti e indietro da papi e principi, ma in altri casi non c”era nessun imperativo conosciuto che potesse giustificarlo, e si ipotizza oggi che le tensioni tra le sue idee grandiose e la difficoltà pratica di trasportarle in modo soddisfacente in una forma concreta limitata dalla materia fisica possano essere state un elemento importante in questo fenomeno.

Le varie tecniche a cui si dedicò sono discusse più in dettaglio qui di seguito, ma data la quantità delle sue opere, saranno citate solo le più importanti.

Scultura

Michelangelo si considerava soprattutto uno scultore. Prese parte al dibattito teorico dell”epoca su quale delle arti fosse la più nobile, la cosiddetta questione del paragone, e si schierò con gli scultori. In una lettera scritta a Benedetto Varchi disse:

Per Michelangelo il processo scultoreo era una successiva rimozione del superfluo per esporre l”idea – il concetto – proiettato nella materia. In una delle sue poesie ha paragonato il processo all”atto di Dio che estrae l”uomo dall”argilla. A volte faceva dei modelli in argilla o in cera come studi preliminari. Le sue influenze immediate furono la scultura romana, Giovanni Pisano, Niccolò dell”Arca, Jacopo della Quercia, Donatello e anche Leonardo da Vinci, ma fin dall”inizio si astenne dalla stretta fedeltà a questi modelli, cercando un approccio individuale, che è visibile già nella Centauromachia che creò per Lorenzo de” Medici, una delle composizioni tecnicamente più avanzate del suo tempo. Lì il mito è solo un pretesto, come ha analizzato Argan, per una ricerca intorno al movimento puro. La sua prima opera importante fu Bacco, fortemente ispirata ai modelli ellenistici. La soluzione formale è creativa, una figura sbilanciata e sensuale che ribalta la solennità classica e la trasforma in una figura quasi burlesca, in una continua compenetrazione di curve e superfici levigate che catturano abilmente la luce. Il contrasto è fornito dalla piccola figura del fauno dietro di lui, che serve come supporto strutturale e allo stesso tempo è trattato con altre texture e costruito da blocchi base molto distinti. Poi, all”età di soli ventitré anni, scolpì la sua famosa Pietà, che è stata lodata fin dall”inizio per la sua raffinata finitura superficiale e la sua brillante composizione piramidale, una forma di grande stabilità e perfetta per trasmettere il pathos malinconico, rassegnato e meditativo della scena. Cristo appare in grembo a sua madre, con un viso sereno e senza segni di sofferenza, come se dormisse; le sue ferite sono appena percettibili, il che sottolinea la bellezza del suo corpo. La Vergine è una giovane ragazza e sembra più una sorella di Cristo e non sua madre, cosa che fu criticata dai suoi contemporanei. La loro risposta fu che la sua castità così perfetta avrebbe preservato la sua bellezza e giovinezza. La composizione è interessante anche perché la figura della Vergine, se fosse in piedi, sarebbe molto più grande di quella del figlio, una caratteristica tecnico-illusionistica che non si nota senza una misurazione, ma fornisce con il suo corpo e l”ampio mantello pieno di pieghe un ampio ricettacolo per il riposo del martire, e conferisce all”insieme un”impressione di tranquillità. Il successo dell”opera fu enorme, e fu l”unica che Michelangelo firmò.

Tra il 1501 e il 1504 creò la sua più grande scultura, il colossale David per Firenze. Usando un unico blocco di marmo già parzialmente lavorato, fece erigere un recinto intorno ad esso e lo scavò lui stesso, senza permettere visite. Quando fu svelato, fece scalpore tra i fiorentini. Interamente nudo, è un”immagine di trionfo, nella tradizione dei nudi eroici del classicismo, ma per pudore fu applicata una ghirlanda di bronzo sul suo sesso. Nonostante le sue dimensioni spropositate, Davide è ancora un adolescente, ed è stato raffigurato nei momenti preparatori della lotta con Golia. La sua espressione è tesa, la sua mano destra scricchiola sulla coscia, ma non c”è azione, è tutta una concentrazione di energia che anticipa il momento mortale. Egli è tanto un simbolo del civismo repubblicano di Firenze, come fu immediatamente riconosciuto, quanto della gloriosa condizione dell”uomo nel pensiero rinascimentale.

La tomba di Giulio II doveva essere la sua più grande opera di scultura, una grande struttura indipendente all”interno della Basilica di San Pietro nello stile di un mausoleo, con un”area di 10 x 15 m e adornata con 40 statue a grandezza naturale che rappresentano profeti e personificazioni delle arti liberali, con una grande statua di Giulio alta 3 metri che corona il tutto. Michelangelo doveva ricevere uno stipendio annuale di 1.200 ducati – dieci volte quello che avrebbe ricevuto un altro artista – più un pagamento finale di 10.000 ducati, una somma piuttosto significativa. Il marmo fu portato da Carrara e occupava novanta carri. Affinché il mausoleo potesse essere installato nella Basilica, quest”ultima dovette essere rinnovata, distruggendo la venerabile costruzione precedente eretta da Costantino I tra il 326 e il 333 d.C., ampliandone notevolmente la pianta e dirottandovi la maggior parte delle risorse di Giulio. Così il lavoro sulla tomba si fermò, Michelangelo dovette pagare da solo il trasporto del marmo, si lamentò con il Papa e fu espulso dal Vaticano. Indignato, partì per Firenze. Il papa mandò dei cavalieri all”inseguimento ma lo raggiunsero solo vicino a Firenze. Nonostante le minacce, si rifiutò di tornare e inviò al papa una lettera di protesta contro i suoi maltrattamenti. Alcuni mesi dopo ci fu una riconciliazione a Roma, e Giulio gli chiese di scolpire un”enorme statua di bronzo di se stesso per la città di Bologna, e fu mandato lì, vivendo in una sistemazione precaria, dovendo condividere un letto con altri due aiutanti, che considerava incompetenti. La prima fusione della statua fallì, e dovette essere rifusa, ora con successo. Era alto 4 metri e pesava 4,5 tonnellate, una delle più grandi opere in bronzo dall”antichità, e fu installato nel 1508. Quando Bologna riacquistò la sua indipendenza, la statua fu distrutta.

Con la morte di Giulio nel 1513 la sua tomba divenne più che mai una necessità, ma i suoi eredi non erano disposti a procedere sulla scala che lui aveva previsto. Uno dei primi schizzi di Michelangelo fu ripreso e il monumento fu molto ridotto, la camera mortuaria sostituita da un semplice sarcofago e il monumento spostato accanto a un muro laterale, ma ci sarebbero ancora diverse statue e rilievi. Nonostante la dedizione con cui Michelangelo si dedicò al lavoro, nei tre anni successivi erano state iniziate solo tre statue, il Mosè e altre due di schiavi, ma rimasero incompiute. Tra il 1519 e il 1520 realizzò un bellissimo Cristo Redentore interamente nudo per la chiesa di Santa Maria su Minerva, ispirato al modello del nudo eroico dell”antichità classica. Era stato commissionato nel 1514 dal patrizio romano Metello Vari, e i lavori iniziarono, ma a metà strada Michelangelo scoprì una vena nera nel marmo e abbandonò l”opera. Una seconda versione fu creata rapidamente per adempiere al contratto, e la lucidatura finale fu consegnata ai suoi discepoli. Anni dopo la sua nudità è stata nascosta.

Quando iniziò il pontificato di Leone X, all”artista fu chiesto di lavorare a Firenze. Lì, tra i vari progetti architettonici, scolpì a partire dal 1521 un”importante coppia di tombe per due duchi Medici nella Sagrestia Nuova. Come già stava diventando un”esperienza comune per lui, ci furono diverse interruzioni e non poté finirle, fu chiamato a Roma nel 1526. Le statue dei morti sono belle e nobili, raffigurandoli idealisticamente vestiti come antichi generali romani, ma particolarmente notevoli sono quelli reclinati sui sarcofagi. Nella tomba di Giuliano, le allegorie del Giorno e della Notte, e in quella di Lorenzo, l”Alba e l”Occasione, con una potente descrizione anatomica e un intenso pathos. Altre quattro statue di divinità fluviali dovevano essere scolpite, ma non furono nemmeno iniziate. Quando Michelangelo se ne andò, i monumenti non erano ancora stati assemblati, e la loro forma finale fu dovuta all”assistenza di alcuni dei suoi discepoli, che finalmente sistemarono le tombe nel 1545 nella forma in cui le vediamo oggi.

Probabilmente Michelangelo tornò a lavorare sulla tomba di Giulio nel 1526, producendo quattro Prigionieri, più grandi dei due Schiavi, che erano anch”essi incompiuti ma sono modernamente molto apprezzati per il loro potente disegno e per il fatto che sembrano lottare disperatamente per liberarsi dalla prigione di materia amorfa che li circonda, e Hartt è arrivato a dire che il loro impatto emotivo difficilmente avrebbe potuto essere più forte se fossero stati finiti. Un quarto progetto per la tomba di Giulio II fu disegnato nel 1532, e formalizzato in contratto con la famiglia, in dimensioni ancora più piccole, e tutta l”iconografia fu rivista. Creò in questo periodo un”altra statua, il Genio della Vittoria, una delle composizioni più originali di Michelangelo con la sua figura pesantemente contorta che sottomette un prigioniero, anche se non è garantito che fosse destinata alla tomba. Anche questo non era finito. L”opera fu terminata solo nel 1545 dopo che il papa intervenne per liberare l”artista dai suoi obblighi verso la famiglia di Giulio. E invece di essere situato nella Basilica, è stato montato nella Basilica di San Pietro in Vincoli. Il Mosè, l”unico pezzo che completò interamente, e che doveva essere solo una figura secondaria nel disegno originale, fu installato al centro della composizione, circondato da statue molto meno espressive scolpite frettolosamente e completate da scultori minori, insieme ad altre due, opera integrale di altri artisti. Di interesse rimangono ancora le sue ultime opere, due pietà. Il primo lo iniziò prima del 1555 come parte di un progetto per una sua tomba, che non si realizzò. A metà dell”opera si esasperò con “l”indocilità della pietra” e distrusse parzialmente ciò che aveva raggiunto. I suoi discepoli cercarono di rimetterlo insieme e di finire alcune parti, ma senza molto successo, e una delle gambe di Cristo andò persa. Ciò che rimane oggi è uno schizzo, ancora struggente, della morte di Gesù, strutturato in modo tale che sembra che il peso del suo corpo senza vita sia troppo grande per essere sostenuto dalle figure di Giuseppe d”Arimatea, Maria Maddalena e la Vergine Maria, conferendo all”opera un”atmosfera di tragico sgomento. Un”altra delle pietà, la cosiddetta Pietà Rondanini, fu iniziata poco prima della sua morte, e rimane solo con le sue forme suggerite, ma di nuovo il suo aspetto incompiuto, insieme alla concezione sensibile dell”insieme, ha un grande fascino per il pubblico moderno.

Pittura

Il primo dipinto che può essere attribuito con sicurezza a Michelangelo è il Tondo Doni (1504 circa), un”immagine della Sacra Famiglia. Il suo trattamento degli spazi e dei volumi è chiaramente scultoreo, con linee precise che delineano le forme, e la sua iconografia è stata interpretata da Charles de Tolnay come una sintesi dell”evoluzione della fede. La Vergine e San Giuseppe appartengono al mondo dell”Antico Testamento, governato dalla Legge; Cristo è la Buona Novella, il mondo della Grazia; San Giovanni Battista è il ponte di collegamento tra i due, e la galleria nuda in fondo rappresenterebbe il mondo pagano. Il gruppo è organizzato a partire dalla forma della piramide combinata con la spirale, la figura serpentina che divenne così cara ai manieristi, e il trattamento dei piani cromatici stabilisce confini netti tra loro, senza sfumato. La sua prossima opera importante sarebbe stata la mai eseguita Battaglia di Cascina, di cui sopravvive una copia del disegno preparatorio. La scena scelta per la rappresentazione fu quella dell”avvertimento dell”arrivo delle forze pisane, prendendo i fiorentini di sorpresa. Michelangelo utilizza di nuovo un pretesto tematico per fare un notevole studio dell”anatomia dei corpi umani, mettendo un grande gruppo di soldati che si preparano alla battaglia in una molteplicità di posizioni.

Poi venne la commissione per il soffitto della Cappella Sistina, uno spazio di grande significato simbolico in Vaticano perché è il luogo dove si svolgono le elezioni papali. La cappella era già decorata con una serie di affreschi importanti sulle pareti, e il compito di Michelangelo era quello di decorare il soffitto, dipinto solo in un blu punteggiato di stelle. L”idea iniziale di Giulio II prevedeva solo dodici grandi figure degli Apostoli, ma Michelangelo disegnò un set di sette Apostoli più le cinque sibille della mitologia greco-romana, una scelta piuttosto insolita ma non del tutto senza precedenti per il soffitto di una cappella. Aggiunse anche quaranta antenati di Cristo, una lunga serie di scene della Genesi, diversi nudi e altre figure accessorie, componendo un gruppo di trecento figure divise in tre gruppi: la Creazione della Terra da parte di Dio, la Creazione dell”umanità e la sua caduta, e infine l”umanità rappresentata da Noè. Le figure mostrano una forza e una maestosità senza precedenti nella pittura occidentale. Tutto il tono dell”opera è monumentale, è grandiloquente senza essere puramente retorico, ma possiede un”alta poesia, inaugurando un modo completamente nuovo di rappresentare il tragico, l”eroico e il sublime, e anche il movimento e il corpo umano. La sua interpretazione tematica è stata oggetto di un intenso dibattito dal momento della sua presentazione pubblica, e molti l”hanno paragonata a un grande panorama dell”evoluzione umana in un ambito cosmico, a una comprensione dell”Antico Testamento come una preparazione alla venuta di Cristo, o a un”interpretazione neoplatonica degli eventi biblici in una prospettiva di relazione Dio-Uomo particolarmente drammatica. Michelangelo anni dopo disse che la concezione dell”iconografia era dovuta a lui, ma per qualcuno che non era molto erudito né conosceva il latino, la complessità simbolica delle scene sembra al di là della sua capacità di concettualizzare. Hartt ha detto che è stato suggerito che ha avuto un consigliere teologico nel concepire il programma tematico del soffitto nella persona di Marco Vigerio della Rovere, un francescano parente del papa. Le scene sono composte senza relazione spaziale tra loro o con le figure laterali, e il pannello non può essere osservato da un solo punto di vista.

È anche interessante perché rimane un documento dell”evoluzione dell”autore nella pittura ad affresco su scala monumentale, una tecnica con la quale non aveva familiarità all”inizio del lavoro. È partito dalla figura di Noè sopra l”ingresso e ha proseguito verso l”altare. Le prime figure rivelano la sua inesperienza e usano modelli formali più o meno standard e poco dinamici, e le scene mantengono una scala relativamente modesta. Ma in poco tempo, come si può vedere, acquisì sicurezza e intraprendenza, e studi recenti hanno affermato che con il progredire dell”opera egli rinunciò sempre più agli schizzi preparatori in scala definitiva, fino a scartarli del tutto, dipingendo direttamente. La stessa fiducia è evidente nel trattamento sempre più libero delle pennellate e nel crescente dinamismo ed espressività delle figure, raggiungendo dimensioni di tragedia in alcuni personaggi, che illustra chiaramente il passaggio dall”equilibrio classico dell”Alto Rinascimento al mondo agitato del manierismo. Il lavoro fu interrotto a metà per circa un anno, quando non c”erano fondi per pagarlo, e quando fu ripreso, curiosamente si osserva lo stesso processo evolutivo dalla seconda metà, nella scena della creazione di Adamo, alla fine nella figura di Giona. C”è comunque un differenziale nella seconda metà, enfatizzando le atmosfere riflessive piuttosto che le anatomie vitali ed esuberanti.

Recentemente un restauro sponsorizzato da una compagnia televisiva giapponese ed eseguito da una grande squadra di specialisti ha rimosso strati di fuliggine di candele, sporcizia varia e possibili restauri precedenti. L”opzione del responsabile del lavoro era di rimuovere tutto ciò che si trovava sopra lo strato fatto a buon fresco, l”affresco puro, dipinto quando lo strato di base è ancora bagnato, in modo che quando si asciuga i colori si incastrano permanentemente nell”intonaco. Il risultato fu sorprendente, mostrando una tavolozza di colori luminosa e varia, molto diversa da quella che per secoli è stata associata alla pittura di Michelangelo. Ma il restauro ha sollevato una turbolenta controversia nel mondo dell”arte. Mentre un gruppo di critici lodò il risultato come una rivelazione, dicendo che costringeva a ripensare tutte le precedenti valutazioni sulla sua estetica, molti altri esperti altrettanto rispettati considerarono l”intervento una calamità che distrusse per sempre il suo dipinto, accusando i restauratori di aver rimosso, oltre ai detriti accumulati negli anni, anche aggiunte di Michelangelo stesso che sarebbero state dipinte a secco dopo che il buon affresco si era asciugato, cosa che in realtà era una pratica abbastanza comune ai suoi tempi. Confrontando le fotografie degli stati precedenti e successivi, sembra chiaro che l”adozione di una soluzione tecnica unificata per l”intero pannello è stato davvero un atteggiamento avventato, e che il restauro è stato troppo radicale almeno in alcuni punti, poiché è difficile credere che l”artista avrebbe, per esempio, dipinto figure senza occhi, come alcune di esse sono ora. Diversi altri dettagli sono scomparsi, come l”ornamento nell”architettura illusionistica che incornicia le scene, le pieghe nei mantelli e la sottile modellazione dei corpi e delle ombre, risultando in piani più piatti e annullando parte dell”effetto scultoreo del dipinto. Tuttavia, in termini di colori, la tavolozza luminosa emersa nella Cappella Sistina ha avuto una conferma quando il Tondo Doni, che porta lo stesso spettro di colori, è stato restaurato.

Un”altra composizione di grande importanza fu realizzata nella stessa Cappella Sistina, la scena del Giudizio Universale sulla parete dell”altare, dipinta tra il 1536 e il 1541, su commissione di Paolo III, un tema perfettamente in sintonia con un”epoca in cui la Controriforma stava fortemente censurando e perseguitando le visioni eterodosse del cristianesimo. La composizione è strutturata intorno alla figura monumentale di Cristo giudice, che separa i buoni dai cattivi. A differenza della tradizione precedente, che stabiliva questa scena in livelli e gerarchie rigidamente compartimentate, Michelangelo ha dissolto gran parte di questi confini, rendendo l”insieme molto più dinamico e unificato. La distinzione stessa tra i dannati e i salvati è minimizzata, e i santi stessi sono per la maggior parte spogliati delle vesti e degli attributi cospicui, in una massa di corpi nudi che si diffonde in movimento sulla superficie. Tutta questa nudità suscitò immediatamente severe critiche da parte dell”alto clero, e la tavola fu quasi distrutta. Per spiegare come una profusione di nudi possa essere dipinta nella Cappella Sistina, uno degli spazi più importanti del Vaticano, Crompton ha detto che i due papi più fortemente associati ad essa sono stati vociferati. Il costruttore della Cappella, Sisto IV, fu più di una volta accusato di sodomia, e la sua inclinazione fu confermata dal suo stesso ciambellano. Giulio II, che fece dipingere il soffitto, era stato condannato dal Concilio di Pisa come un altro “sodomita, coperto di ulcere vergognose”. Il consiglio in verità serviva i fini politici dei suoi avversari, ma altri resoconti parlano della sua attrazione per i giovani.

I suoi ultimi dipinti degni di nota furono due grandi affreschi nella Cappella Paolina in Vaticano. Dopo la grande libertà dimostrata nel Giudizio, entrambi furono concepiti con più rigore e meno dinamismo, anche se sono tra le sue opere più espressive per la potente compattezza dei gruppi e l”intensità drammatica della caratterizzazione dei personaggi. La prima rappresenta la Conversione di Saulo, realizzata tra il 1542 e il 1545, organizzata attorno all”efficiente diagonale tra Cristo in cielo e Saulo scagliato a terra, accecato dalla luce divina, con una grande figura di cavallo al centro che funge da asse strutturale che bilancia l”intera scena. Il secondo affresco raffigura la Crocifissione di Pietro, e fu completato nel 1550, il più compatto di tutti i dipinti di Michelangelo, organizzato anche sulla diagonale formata dalla croce innalzata. Ogni senso di prospettiva fu ignorato e Michelangelo tornò all”uso medievale di rappresentare ciò che è più lontano in una posizione più alta, con poca distinzione di proporzioni tra il primo piano e i piani che si allontanano. La scena è essenzialmente statica, con poca azione, ma ha una qualità ritualistica struggente.

Architettura

Vasari disse che gli architetti del XV secolo avevano portato l”architettura ad un alto livello, ma mancavano di un elemento che impediva loro di raggiungere la perfezione: la libertà. Descrivendo l”architettura come un sistema di regole definite, dichiarò che i nuovi edifici dovevano seguire l”esempio degli antichi maestri classici, mantenendo l”insieme in buon ordine ed evitando di mescolare elementi disparati. In questa linea di idee, aggiunse che la libertà creativa, pur cadendo al di fuori di alcune regole, non era incompatibile con l”ordine e la correttezza, e aveva il vantaggio di essere guidata dal giudizio del creatore stesso. Michelangelo fu considerato dal Vasari l”unico dei maestri della sua generazione a raggiungere questa desiderata libertà, e il cui impegno personale e individualistico in tutte le sue attività, insolito in un”epoca in cui il lavoro collettivo era la regola, aprì la strada ad altri architetti per produrre opere sempre più personalistiche, cercando di risolvere i problemi della costruzione nell”ambito dell”architettura stessa senza la vecchia tutela dei letterati, dei trattatisti e degli intellettuali, e con un nuovo senso di professionalità. Questo non ha impedito, tuttavia, che gli elementi classici continuassero ad essere impiegati, ma in un approccio eclettico e sperimentale, e adattandosi a nuovi concetti di abitabilità, funzione e comfort.

La sua prima opera architettonica fu il progetto di una nuova facciata per la Basilica di San Lorenzo a Firenze, eseguita su richiesta di Leone X nel 1515. La pianta ha due piani di uguale importanza, strutturati in due blocchi laterali disposti simmetricamente intorno a un blocco centrale coronato da un frontone, all”interno dello schema classico. Il progetto è stato abbandonato senza essere realizzato. Il suo progetto successivo fu la Sagrestia Nuova della Basilica, concepita nella tradizione di Brunelleschi, installando una cupola sostenuta da cupole sospese su un volume cubico, con pareti ricoperte di stucco intervallate da sezioni in pietra. Anche la decorazione interna fu sua, creando tombe per due Medici di caratteristica architettonica sui lati e applicando elementi architettonici semplicemente decorativi che sovvertono le sue funzioni primitive, come tabernacoli vuoti sopra le porte, finestre cieche e pilastri senza capitelli. La Biblioteca Laurenziana, anch”essa attaccata alla Basilica, è similmente innovativa, soprattutto lo spazio del vestibolo, la cui verticalità è del tutto insolita. Fa anche uso di elementi architettonici staccati dalla loro funzione, come le finestre cieche e i pilastri senza base, appoggiati solo su console, oltre a raggruppare gli elementi in modo molto compatto. Il pezzo più notevole del vestibolo è la scala, trattata in modo scultoreo come un volume di grande indipendenza rispetto alla struttura dell”edificio. Le stanze per la conservazione e la lettura dei libri sono convenzionali, grandi e spaziose nella tradizione delle biblioteche conventuali medievali, dimostrando una comprensione delle esigenze funzionali dello spazio.

Nel 1534, con questi progetti ancora in corso, Michelangelo si trasferì a Roma. Lì il suo primo progetto fu la ristrutturazione della piazza del Campidoglio, che era in rovina dal sacco di Roma nel 1527. Papa Paolo III aveva recentemente installato un”importante reliquia romana, la statua equestre di Marco Aurelio, al centro della piazza, e Michelangelo fu incaricato di fornirle una cornice urbana, in un”opera che aveva grande importanza civica. Michelangelo trovò l”area già occupata da due palazzi in rovina disposti ad angolo arbitrario, con un altro in fondo alla piazza. Approfittando della disposizione originale dei palazzi, creò uno spazio intermedio trapezoidale, al centro del quale fu collocata la statua, disponendo i volumi e i vuoti in modo simmetrico. I palazzi furono restaurati e le loro facciate ridisegnate, con un disegno distintivo per quello posteriore e facciate gemelle per quelli laterali. Per l”ingresso alla piazza Michelangelo progettò una monumentale rampa-scalinata che collegava la cima della collina con il livello della città. Il risultato dell”insieme è stato brillante. Non ha mai visto il progetto completato, ma i suoi continuatori hanno seguito il disegno che ha lasciato.

Il suo lavoro più ambizioso in architettura fu la sua partecipazione alla riforma della Basilica di San Pietro. Usò come base il disegno sviluppato da Bramante, che considerò di alto livello, e come lui preferì la pianta a croce greca come la più adatta per una chiesa. Anche su questo terreno la sua ossessione per la forma umana diventa evidente; pensava che l”edificio fosse paragonabile a un corpo umano, intendendo disporre le sue parti attorno a un asse centrale, così come le membra sono disposte attorno al tronco. Diceva che chi non padroneggiava la forma del corpo non sarebbe stato in grado di capire l”architettura. Le sue modifiche al progetto bramantesco furono la compattazione dell”insieme, eliminando lo schema di diverse croci interconnesse e strutturando la pianta su una sola grande croce, con un ingresso a doppio colonnato che sostiene un frontone classico. L”attuale configurazione della Basilica, tuttavia, è in croce latina, essendo stata riformata in anni successivi. Il suo trattamento delle facciate rivela anche la sua tendenza a dare più unità e coerenza all”insieme, stabilendo una serie di pilastri esterni in ordine colossale, che attraversano due piani e li interconnettono potentemente senza interrompere la fluidità dello sviluppo orizzontale. Questa idea era stata abbozzata da Leon Battista Alberti in una chiesa di Mantova, ma Michelangelo la portò alla sua logica conclusione e su scala monumentale, diventando un modello per gli architetti del manierismo e del barocco. Un altro importante contributo all”edificio fu il design della sua cupola. All”inizio progettò una cupola ogivale, come quella del Duomo di Firenze, ma poi la ridisegnò in una forma emisferica per compensare la verticalità del blocco inferiore e per creare un dialogo tra elementi statici e dinamici. Tuttavia, non vide la cupola costruita, e quando fu il suo secondo disegno fu scartato e Giacomo della Porta riportò il progetto alla sua concezione primitiva, giudicandolo, con buona ragione, più stabile e facile da costruire. Anche così è ancora una creazione di Michelangelo, e una delle più importanti del suo genere in tutto il mondo, ed è anche un modello per le generazioni future.

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Design

La maggior parte dei disegni di Michelangelo che sopravvivono sono schizzi preparatori per le sue opere di scultura e pittura. Tuttavia, possiedono qualità che li rendono opere d”arte a pieno titolo, e dimostrano una consumata abilità nel trattamento della forma, negli effetti di luce e nella rappresentazione dell”anatomia e del movimento. È stato in grado di ottenere effetti di volume spesso con il semplice controllo dello spessore del tratto. Lo studio dei suoi disegni getta una luce preziosa sul suo processo creativo e sui cambiamenti nella concezione di un”opera, e ce ne sono diversi che non sono mai stati trasportati in altri formati, rimanendo come testimonianze uniche di una determinata idea. Ma non tutti erano concepiti come studi, regalò diverse volte ai suoi amici delle opere finite, e fece alcuni ritratti, il che indica che considerava questa tecnica come un territorio autonomo dell”arte. Li stimava molto e li custodiva gelosamente. La sua padronanza del disegno era enfatizzata quando insegnava ai suoi pochi studenti, raccomandando loro di praticarlo all”infinito, fornendo spesso disegni di se stesso da copiare. Il disegno gli servì anche come mezzo di diffusione delle sue idee, e dopo il 1550 ne fece diversi per essere trasportati in pittura da altri artisti.

Vasari disse che poco prima di morire Michelangelo bruciò un gran numero di suoi disegni e schizzi affinché nessuno potesse vedere il modo in cui sviluppava il suo lavoro e metteva alla prova il suo genio, in modo che la sua immagine pubblica apparisse non meno che perfetta. Con questo la collezione rimanente è relativamente piccola, e i pezzi che sono sfuggiti alla distruzione erano molto ambiti dai collezionisti. Il suo stesso nipote Lionardo ha dovuto sborsare una somma considerevole quando ha voluto acquistarne qualcuno sul mercato dell”arte romana. La maggior parte di essi, circa duecento, sono conservati nella Casa Buonarroti a Firenze come eredità dei suoi discendenti. A causa della sovraesposizione alla luce e delle cattive condizioni ambientali nel corso dei secoli, gran parte della collezione ha subito gravi danni, ma sono stati restaurati negli anni ”70.

“Zitti tutti voi, viole pallide, e cristalli liquidi, e bestie di pietra: lui parla di cose, e voi parlate solo di parole”.

Benedetto Varchi negli omaggi funebri a Michelangelo ha equiparato la sua poesia alle sue conquiste negli altri campi dell”arte. Anche così, questo apprezzamento non era diffuso, e solo nel 1623 apparve una raccolta, opera del suo pronipote Michelangelo il Giovane, ma ampiamente corretta, aggiornando il linguaggio ed epurandolo da allusioni omoerotiche e da affermazioni considerate inaccettabili per la morale e la religione. Questa edizione fu l”unica disponibile fino al XIX secolo, quando le manomissioni dell”editore furono in gran parte rimosse e le poesie restaurate in una forma abbastanza vicina all”originale. L”interesse a questo punto era già significativo, ma la sua traduzione in altre lingue era considerata estremamente difficile. Un”edizione completa fu raggiunta solo da Cesare Guasti nel 1863, ma soffriva di gravi problemi editoriali. Nel 1897 Carl Frey offrì il primo lavoro di editing veramente erudito, catapultando la produzione poetica di Michelangelo a un livello molto più alto di attenzione pubblica, diventando canonico per circa sessant”anni, sebbene avesse ancora alcune carenze. Nel 1960 Enzo Girardi pubblicò un”altra edizione completa, molto superiore, offrendo una versione in italiano moderno accanto a una versione restaurata che divenne un riferimento, e fornendo un ordinamento cronologico basato sull”evoluzione della calligrafia di Michelangelo, che permetteva di studiare il soggetto in relazione alla sua evoluzione artistica nel suo complesso e con gli eventi della sua vita personale. Il quadro che si forma da questo è che non ha iniziato a scrivere fino a dopo il 1503, producendo quattordici poesie fino al 1520. Da questa data al 1531, altri trenta o quaranta, e tra il 1532 e il 1547, circa duecento, divisi in tre gruppi: il primo indirizzato a Tommaso dei Cavalieri, che esprime un”intensità d”amore che fa del suo destinatario l”epitome di tutto ciò che di buono può esserci al mondo, unendo in modo impareggiabile la bellezza del corpo e dello spirito; il secondo, indirizzato a Vittoria Colonna, altrettanto intenso affettivamente ma più incline alla religiosità; e un gruppo per un destinatario sconosciuto, la bella e crudele signora, forse una figura simbolica piuttosto che una persona reale, che tratta di vari temi non legati all”amore. L”ultima fase è la più eclettica, e può essere raggruppata solo per cronologia, ma un tema comune è la religione, esprimendo il suo desiderio di pace e di perdono per i suoi peccati. Dopo il contributo di Girardi le edizioni e le traduzioni si moltiplicarono, e alla fine del XX secolo solo cinque edizioni complete apparvero in inglese. Tuttavia, nella stessa Italia è tutt”altro che unanime tra i critici, e nomi importanti come Benedetto Croce e Giuseppe Toffanin consideravano la sua poesia povera, poco originale e con gravi difetti. Curiosamente l”autore stesso scrisse dei commenti accanto a diverse poesie denigrandone il merito, ma non estese questa opinione a tutta la sua opera poetica, e scrisse a Jacob Arcadelt ringraziandolo per averne messo in musica una, e a Varchi per una conferenza altamente elogiativa che aveva tenuto a Firenze su questo aspetto della sua carriera; inoltre, come detto prima, aveva almeno una volta intenzione di pubblicare una raccolta consistente. Le sue poesie sono state messe in musica diverse volte nel corso della storia, da compositori come Costanzo Festa, Bartolomeo Tromboncino, Jacob Arcadelt Dmitri Shostakovich, Hugo Wolf, Richard Strauss, Luigi Dallapiccola e Benjamin Britten.

Corrispondenza

Michelangelo era un assiduo corrispondente; sopravvivono quasi cinquecento delle innumerevoli lettere che scrisse ai destinatari più diversi, anche se questi erano principalmente la sua famiglia, amici, agenti e patroni. Sono una fonte della massima rilevanza per formare un”idea più completa della sua vita, della sua personalità e della sua opera. In molti di essi troviamo esempi della sua poesia, e nella sua prosa esibiscono, secondo George Bull, un robusto e fluente dialetto toscano, capace di muoversi tra un linguaggio ricco e fiorito e affermazioni dirette e oggettive, spesso di aspra critica, esprimendo un”immaginazione vivace e complessa, una posizione ambivalente su varie cose e una sensibilità raffinata e appassionata, spesso colorata da un fine senso dell”umorismo, ma che talvolta rasenta il grottesco. Toccava spesso i temi centrali della vita umana – la morte, la religione, l”amore e l”ambizione. Ha usato molte metafore molto vivide e la sua abilità con i giochi di parole era grande. Qui di seguito una lettera indirizzata a Tommaso dei Cavalieri nel dicembre 1532:

“Impulsivamente, mio signore Tommaso, mio carissimo signore, sono spinto a scrivere alla vostra signoria, non in risposta a qualche vostra lettera che avevo ricevuto, ma piuttosto perché sto camminando come le piante mezze secche sul bordo di un magro torrente, che per poca acqua soffrono manifestamente. Ma dopo aver lasciato la spiaggia non ho trovato piccoli ruscelli, ma il profondo oceano in cui sei apparso, tanto che, se potessi, per non essere sommerso del tutto, tornerei volentieri alla spiaggia da cui sono partito. Ma poiché sono qui, faremo pietra del cuore e seguiremo; e se non ho l”arte di navigare le onde del mare del tuo valoroso genio, mi scuserai, né disdegnerai ciò che ti dico, né vorrai darmi ciò che non possiedo: perché chi è sempre solitario non può mai avere compagnia. Ma vostra signoria, unica luce del nostro secolo, non può accontentarsi del lavoro degli altri, non avendo né compagni né nessuno come voi. Ma se tra le mie cose, che spero e prometto di fare, qualcuna vi piacerà, la dirò molto più fortunata che buona; e quando sarò sicuro di piacere alla vostra signoria in qualcosa, come ho detto, il tempo presente, con tutto ciò che viene attraverso di me, ci metterò dentro, e mi addolora troppo non poter riprendere il passato, perché allora potrei servirvi molto più a lungo che possedendo solo il futuro, che sarà breve, perché sono già troppo vecchio. Non devi dirmi nulla. Leggete il cuore e non la parola, perché la penna non è fedele alla buona volontà. Oh, perdonami se prima mi sono mostrato stupito del tuo genio pellegrino, perché so quanto ho sbagliato; perché è naturale meravigliarsi che Dio faccia miracoli, come è naturale meravigliarsi che Roma produca uomini divini. E di questo l”universo è testimone”.

Un”altra lettera, scritta a suo fratello Leonard nell”agosto 1541:

“Lionardo, mi scrivi che vieni a Roma questo settembre con Guicciardino. Ti dico che non è un buon momento, perché non faresti altro che aumentare le mie preoccupazioni, oltre a quelle che ho già. E lo dico anche a Michele, perché sono così occupato che non ho tempo da perdere con te, e tutte le altre piccole cose mi annoiano troppo: è l”unico motivo per cui ti scrivo. Devi prepararti per la Quaresima, ti manderò dei soldi perché tu guarisca, perché tu non arrivi qui come una bestia. Ho scritto anche a Michele, e gli consiglio di prepararsi anche lui a passare una buona Quaresima, perché io sarò sollevato; ma forse c”è qualcosa che deve fare a Roma a settembre. Questo non lo so, ma se non è il caso, ti consiglio di nuovo di non venire prima di questa Quaresima, perché a settembre non avrò comunque tempo per parlarti, tanto più che l”urbinate che è con me va a Urbino a settembre e mi lascia qui da solo con tante cose da fare. Ma non mancherò di qualcuno che mi fornisca del cibo! Leggi questa lettera a Michele e chiedile di prepararsi a questa Quaresima come ho detto. E vai a esercitarti nella scrittura, perché mi sembra che tu stia peggiorando ogni giorno.

Michelangelo fu ripetutamente conteso da varie città, che cercarono di attirarlo con grandi pensioni per stabilirsi tra loro. Anche il sultano di Turchia desiderava averlo alla sua corte. I banchieri Gondi di Firenze gli misero a disposizione tutte le somme che desiderava. Il re di Francia, Francesco I, gli offrì 3.000 corone per stabilirsi lì, e la Signoria di Venezia, una pensione a vita di 600 corone e completa libertà d”azione. Era molto stimato da tutti i suoi patroni; anche il turbolento Giulio II, con cui litigò molte volte, gli dimostrò un caldo affetto. Giulio III, anche se non lo impiegò per nessun compito definito in considerazione della sua età avanzata, cercò costantemente il suo consiglio e fu così premuroso da dire che avrebbe dato il suo sangue e gli anni della sua vita per prolungare quella di Michelangelo, volle sempre che sedesse al suo fianco e gli fece strada quando passava.

Per i suoi contemporanei e immediati successori, l”influenza visiva della sua arte fu relativamente piccola e non può essere paragonata all”influenza della sua personalità di grande creatore, né ha un rapporto diretto con la fama raggiunta dalle sue opere più grandi, forse perché il suo modello formale era considerato troppo grandioso e sublime e quindi inibiva la formazione di una vera scuola. I casi in cui si nota un”influenza diretta sono pochi e rivelano una dipendenza quasi totale dal maestro, come quello di Daniele da Volterra, il più talentuoso tra i suoi discepoli. Tuttavia, in aspetti limitati continuò per molto tempo ad essere considerato un modello, soprattutto nel campo del disegno anatomico. Nella scultura contribuì a cristallizzare la forma della figura serpentinata, che ebbe grande penetrazione tra i manieristi, e importanti artisti barocchi come Rubens, Borromini, Tiziano, Tintoretto e Bernini devono qualcosa alle sue concezioni. Nel XIX secolo Rodin si dimostrò anche sensibile al trattamento dei volumi e delle superfici. In architettura il suo lavoro ebbe anche un impatto fertilizzante sui creatori della generazione successiva, aprendo un percorso di sperimentazione libera e individuale dai modelli classici ortodossi.

Michelangelo fu il primo artista occidentale a rivendicare coerentemente la sua indipendenza creativa, e il prestigio di cui godette in vita, rendendolo un illuminato, un essere toccato dal divino, innescò un processo di inversione delle gerarchie del sistema di produzione e consumo dell”arte che culminò nella visione romantica dell”artista come genio isolato, incompreso, semi-illuso, preoccupato solo dell”espressione di sé, tormentato da desideri insoddisfatti di infinito, in anticipo sui tempi, inseguito da filistei insensibili e assolutamente libero da obblighi sociali o morali verso il suo pubblico.

Le prime analisi sostanziali dell”opera di Michelangelo apparvero nelle due biografie che furono scritte su di lui mentre era ancora in vita, anche se non si può dire che siano critiche in senso stretto; piuttosto sono lodi effusive del suo talento e del suo carattere personale. Il primo fu incluso nel compendio biografico di Giorgio Vasari, Le vite dei più eccellenti pittori, scultori e architetti (1550). Il testo inizia dicendo che “il benigno Reggente del Cielo, vedendo quanto infruttuosamente gli artisti si sforzassero di perfezionare l”arte, decise di mandare sulla terra un genio capace di portarli tutti, da solo, alla consumata perfezione”. Anche con tutte le lodi, Michelangelo, leggendo l”opera, non era completamente soddisfatto. Così il suo discepolo Ascanio Condivi nel 1553 scrisse la sua Vita di Michelangelo Buonarroti, che contiene dati forniti dall”artista stesso, ma anche questa versione della sua storia non fu considerata affatto fedele, e contiene molti importanti errori fattuali. Ma il tono della narrazione è lo stesso del Vasari. Per esempio, nel descrivere gli affreschi della Cappella Sistina, ha detto che tutto il possibile era lì con la forma umana. D”altra parte, ha molte informazioni preziose, e fu usato come una delle fonti di Vasari per la sua seconda edizione delle Vite del 1568, che divenne un testo canonico su di lui, ma non mancò di criticare vari aspetti del lavoro del suo collega. Questi studi si sforzarono di creare un”immagine pubblica di Michelangelo da una prospettiva eroica, divinizzata, esemplare, di cancellare i difetti di carattere che erano noti agli altri contemporanei dell”artista, e persino di negare perentoriamente le voci che lo affermavano omosessuale; Condivi arrivò ad assicurare che era casto come un monaco. Gli elogi per lui al suo tempo erano innumerevoli, e oltre a ciò che dissero Vasari e Condivi, aggiungiamone altri a titolo illustrativo: Benedetto Varchi disse che il suo incomparabile talento sarebbe stato riconosciuto anche tra i barbari; Perino del Vaga lo chiamò il dio del disegno; Ariosto disse che era oltre i mortali, e persino Raffaello Sanzio, che era stato suo rivale, disse che ringraziava Dio per essere nato al tempo di Michelangelo.

Espressioni simili si trovano spesso nei secoli successivi. Goethe, dopo aver visto la Cappella Sistina, disse che non provava più piacere nell”osservare la natura, perché non trovava più in essa la grandezza con cui Michelangelo l”aveva ritratta; fu un”influenza su Winckelmann nella sua concettualizzazione del Neoclassicismo, considerandolo uno dei pochi artisti moderni ad eguagliare le conquiste degli antichi greci; fu un paradigma per tutti gli artisti romantici per il carattere autobiografico della sua opera, per la sua passione e ambizione; Yeats lodò la sua capacità di imitare la natura e vide la sua opera come una conferma delle proprie inclinazioni a dare valore alla vita fisica; Freud disse che nessun”altra opera d”arte lo aveva impressionato tanto quanto il Mosè, gli diede un”interpretazione psicologica mettendolo in relazione con le figure di autorità e la forza della giusta indignazione, e vide nel suo idealismo patriarcale un”espressione concreta della più alta realizzazione intellettuale possibile per l”umanità. Fu ammirato anche da artisti dell”avanguardia iconoclasta del XX secolo, come Henry Moore, che lo definì sovrumano.

Nonostante la tendenza moderna a studiare l”arte all”interno di una prospettiva accademica che ha molto del razionalismo e dell”obiettività della scienza, le espressioni roboanti per descrivere la sua vita e il suo lavoro sono ancora comuni in tempi recenti. Per esempio, Sir Kenneth Clark ha detto che Michelangelo è stato uno dei più grandi eventi nella storia dell”uomo occidentale, e André Malraux lo ha definito l”inventore dell”Eroe. Antonio Paolucci considerava questo fenomeno come praticamente impossibile da evitare, data l”enorme pressione in questa direzione esercitata dalla continua reiterazione di un processo di deificazione acritica e incondizionata nel corso dei secoli, in una dimensione tale che nessun altro artista ha sperimentato. Chiaramente, è stato il primo grande artista moderno, e rimane il prototipo del concetto di genio fino ad oggi.

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Nella cultura

Michelangelo era uno dei pochi artisti del mondo colto che poteva penetrare la cultura popolare e creare un folklore su se stesso. Ha nominato un certo numero di persone, istituti di istruzione, aziende e prodotti commerciali di vario tipo, tra cui una mano bionica. È il nome di un virus informatico, di un asteroide, di un cratere del pianeta Mercurio, e la sua figura è stata ritratta nel cinema, un classico è il film L”agonia e l”estasi (1965), diretto da Carol Reed e interpretato da Charlton Heston nel ruolo dell”artista.

Fonti