Franz Kline
gigatos | Febbraio 28, 2022
Riassunto
Franz Kline (23 maggio 1910 – 13 maggio 1962) è stato un pittore americano. È associato al movimento espressionista astratto degli anni 40 e 50. Kline, insieme ad altri pittori d”azione come Jackson Pollock, Willem de Kooning, Robert Motherwell, John Ferren e Lee Krasner, così come poeti, ballerini e musicisti locali, era conosciuto come il gruppo informale della New York School. Anche se ha esplorato le stesse innovazioni alla pittura degli altri artisti di questo gruppo, il lavoro di Kline è distinto in sé ed è stato venerato fin dagli anni 50.
Kline è nato a Wilkes-Barre, una piccola comunità di minatori di carbone nella Pennsylvania orientale. Quando aveva sette anni, il padre di Kline si uccise. Durante la sua giovinezza si trasferì a Lehighton, Pennsylvania e si diplomò alla Lehighton High School. Sua madre in seguito si risposò e lo mandò al Girard College, un”accademia di Philadelphia per ragazzi senza padre. Dopo il diploma di scuola superiore, Kline studiò arte alla Boston University dal 1931 al 1935, poi trascorse un anno in Inghilterra frequentando la Heatherley School of Fine Art di Londra. Durante questo periodo, incontrò la sua futura moglie, Elizabeth V. Parsons, una ballerina inglese. Tornò negli Stati Uniti con Kline nel 1938.
Al suo ritorno nel paese, Kline lavorò come designer per un grande magazzino nello stato di New York. Poi si trasferì a New York City nel 1939 e lavorò per uno scenografo. Fu durante questo periodo a New York che Kline sviluppò le sue tecniche artistiche e ottenne il riconoscimento come artista significativo.
In seguito insegnò in diverse istituzioni tra cui il Black Mountain College in North Carolina e il Pratt Institute di Brooklyn. Trascorse le estati dal 1956 al 1962 dipingendo a Provincetown, Massachusetts, e morì nel 1962 a New York City per una malattia reumatica del cuore, dieci giorni prima del suo 52° compleanno.
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I primi lavori
La formazione artistica di Kline si è concentrata sull”illustrazione tradizionale e sul disegno. Durante la fine degli anni ”30 e l”inizio degli anni ”40 Kline lavorò in modo figurativo, dipingendo paesaggi e paesaggi urbani oltre a ritratti e murales su commissione. Il suo stile individuale può essere visto per la prima volta nella serie di murales Hot Jazz, che ha dipinto per il Bleecker Street Tavern nel Greenwich Village nel 1940.
La serie ha rivelato il suo interesse per la scomposizione delle forme rappresentative in pennellate rapide e rudimentali.
Lo stile personale che sviluppò durante questo periodo, usando forme semplificate, divenne sempre più astratto. Molte delle figure che ha raffigurato sono basate sulle locomotive, i paesaggi spogli e le grandi forme meccaniche della sua nativa comunità di minatori di carbone in Pennsylvania. Questo a volte è solo apparente per gli spettatori perché le opere prendono il nome da quei luoghi e oggetti, non perché assomigliano effettivamente al soggetto. Con l”influenza della scena artistica contemporanea di New York, Kline lavorò ulteriormente verso l”astrazione e alla fine abbandonò il rappresentazionalismo. Dalla fine degli anni ”40 in poi, Kline iniziò a generalizzare i suoi soggetti figurativi in linee e piani che si incastrano tra loro molto simili alle opere del cubismo dell”epoca.
Nel 1946 il Lehighton, Pennsylvania Post dell”American Legion commissionò a Kline una grande tela raffigurante la città dove aveva frequentato il liceo. Il murale Lehighton è stato acquisito dall”American Legion Post nel 2016 dall”Allentown Art Museum di Allentown, Pennsylvania, e oggi è in mostra permanente lì.
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Lavoro successivo
È opinione diffusa che lo stile più riconoscibile di Kline sia derivato da un suggerimento fattogli dal suo amico e influenza creativa, Willem de Kooning. La moglie di De Kooning, Elaine, ha dato un resoconto romantico dell”evento, sostenendo che, nel 1948, de Kooning consigliò a un Kline artisticamente frustrato di proiettare uno schizzo sul muro del suo studio, usando un proiettore Bell-Opticon. Kline descrisse la proiezione come segue:
“Un disegno nero di quattro pollici per cinque di una sedia a dondolo… si profilava in gigantesche pennellate nere che sradicavano qualsiasi immagine, le pennellate si espandevano come entità in se stesse, non collegate a nessuna entità se non quella della loro stessa esistenza”.
Come suggerisce Elaine de Kooning, fu allora che Kline si dedicò a opere astratte su larga scala. Tuttavia, anche se Willem de Kooning ricorda che Kline si dedicò all”astrazione “all”improvviso, ci si tuffò dentro”, ammette anche che ci volle molto tempo, affermando che “Franz aveva una visione di qualcosa e a volte ci vuole molto tempo per elaborarla”. Nei due anni successivi, le pennellate di Kline divennero completamente non rappresentative, fluide e dinamiche. Fu anche in questo periodo che Kline iniziò a dipingere solo in bianco e nero. Spiegò come la sua tavolozza monocromatica aveva lo scopo di rappresentare lo spazio negativo e positivo dicendo: “Dipingo il bianco così come il nero, e il bianco è altrettanto importante”. Il suo uso del bianco e nero è molto simile ai dipinti fatti da de Kooning e Pollock durante gli anni ”40. Sembrano esserci anche riferimenti alla calligrafia giapponese nei dipinti in bianco e nero di Kline, attraverso il suo scambio con il gruppo di calligrafia d”avanguardia giapponese Bokujinkai e il suo leader Morita Shiryu, anche se Kline in seguito negò questa connessione.
La prima mostra personale di Kline ebbe luogo dal 16 ottobre al 4 novembre 1950 alla Egan Gallery, 63 East 57th Street. La mostra consisteva in undici dipinti astratti. Il colore era un elemento raro nei dipinti: un sottopittura marrone vicino al fondo di Nijinsky e fugaci accenni di verde in Leda. I dipinti mostravano una varietà di composizioni e stati d”animo, ma tutti avevano un tratto distintivo: Lo stile caratteristico di Kline, nero su bianco. Tredici anni prima, a Londra, Kline si era definito un “uomo in bianco e nero”, ma non fino a questa mostra l”accuratezza di questa fase era diventata chiara agli altri. A causa dell”impatto di Kline e del suo stile concreto, Kline fu soprannominato “l”artista in bianco e nero”, un”etichetta che rimase attaccata all”artista, e che occasionalmente lo avrebbe fatto sentire limitato. La prima mostra personale di Kline fu un evento cruciale nella sua carriera, poiché segnò l”inizio e la fine quasi simultanea della sua grande invenzione come artista astratto. All”età di quarant”anni, Kline si era assicurato uno stile personale che aveva già padroneggiato. Non c”erano modi reali per Kline di approfondire la sua ricerca; aveva solo il potenziale di replicare lo stile che aveva già padroneggiato. Per andare avanti, c”era solo una direzione logica in cui Kline poteva andare: tornare al colore, la direzione in cui era diretto al momento della sua morte prematura per insufficienza cardiaca.
Negli ultimi anni cinquanta, in dipinti come Requiem (1958), Kline iniziò a sperimentare con chiaroscuri più complessi invece di concentrarsi su una rigida tavolozza monocromatica. Poi nel 1958, ha reintrodotto l”uso del colore nel suo lavoro attraverso accenti colorati nei suoi dipinti in bianco e nero. Questa esplorazione di ritorno all”uso del colore era ancora in sviluppo quando Kline morì nel 1962.
Kline è riconosciuto come uno degli artisti più importanti ma problematici del movimento espressionista astratto di New York. Il suo stile è difficile da interpretare per i critici in relazione ai suoi contemporanei. Come con Jackson Pollock, Willem de Kooning e altri espressionisti astratti, Kline è stato definito un action painter a causa del suo stile apparentemente spontaneo e intenso, che non si concentra affatto su figure o immagini, ma sull”espressione delle sue pennellate e sull”uso della tela. Tuttavia, i dipinti di Kline sono ingannevolmente sottili. Mentre generalmente i suoi dipinti hanno un impatto spontaneo e drammatico, Kline spesso si riferiva strettamente ai suoi disegni compositivi. Kline ha reso attentamente molte delle sue immagini più complesse da studi approfonditi, comunemente creati su pagine di elenchi telefonici rifiutati. A differenza dei suoi colleghi espressionisti astratti, le opere di Kline dovevano sembrare fatte solo in un momento di ispirazione; tuttavia, ogni dipinto è stato ampiamente esplorato prima che il pennello del suo pittore domestico toccasse la tela.
Kline era anche noto per evitare di dare un significato ai suoi dipinti, a differenza dei suoi colleghi che avrebbero dato descrizioni mistiche delle loro opere. In un catalogo delle opere di Kline, la storica dell”arte Carolyn Christov-Bakargiev scrive che “la sua arte suggerisce e nega allo stesso tempo il significato e il senso”. Molte delle sue opere sono state viste dagli storici dell”arte come indicazioni di una progressione verso la pittura minimalista. Essi credono che le sue opere abbiano un”opacità e una franchezza oggettiva che differisce dalla soggettività dello stile della New York School. Questo renderebbe il suo lavoro più simile alle piattaforme d”avanguardia come il minimalismo che ha sostituito il movimento espressionista astratto negli anni ”60.
Lo storico dell”arte David Anfam nota che gli artisti che lavoravano durante e dopo la vita di Kline – come Robert Rauschenberg, Aaron Siskind, Cy Twombly, Mark di Suvero e Brice Marden – hanno tutti definito Kline un”ispirazione.
Nel 2012 il finanziere di San Francisco George R. Roberts ha venduto da Christie”s a New York un”opera in bianco e nero del 1957, larga quasi tre metri e senza titolo. Il dipinto è andato a un offerente telefonico per 36 milioni di dollari, o 40,4 milioni di dollari con le commissioni (Christie”s ha garantito al venditore Robert Mnuchin un minimo non rivelato), un prezzo record per l”artista all”asta e più di sei volte il record precedente, che è stato fissato nel 2005 quando Christie”s ha venduto Crow Dancer (1958) per 6,4 milioni di dollari.
Una prima opera, UNTITLED, del 1940 (di una stanza interna) è stata acquistata da Sotheby”s nel 1995 da un collezionista privato per 21.850 dollari. Questa prima opera aiuta a definire la sua prima fase, prima della sua trasformazione da pittore realista a rivoluzionario espressionista astratto. Le pennellate audaci del dipinto prefigurano l”epica astrazione nera del suo stile di svolta.
Nel 2018, l”Istituto Hauser & Wirth in collaborazione con la Tenuta di Franz Kline ha iniziato la preparazione del catalogo ragionato Franz Kline Paintings, 1950-1962. Il progetto, che presenterà per la prima volta un compendio online delle opere a olio su tela di Kline realizzate tra il 1950 e la morte dell”artista nel 1962, dovrebbe essere completato nel 2022.
Kline ebbe la sua mostra di svolta alla Charles Egan Gallery nel 1950, e partecipò alla 9th Street Art Exhibition l”anno seguente. Nel 1958 fu incluso nella grande mostra del Museum of Modern Art, “The New American Painting”, che girò otto città europee. Nel decennio prima della sua morte, il suo lavoro è stato incluso in numerose mostre internazionali, tra cui la Biennale di Venezia (e Whitney Annuals and Biennials (1952, 1953, 1955, 1961). La Washington Gallery of Modern Art, Washington, D.C., ha organizzato una mostra commemorativa (1962). Grandi mostre monografiche si sono tenute anche al Whitney Museum of American Art, New York (Cincinnati Art Museum, in viaggio al San Francisco Museum of Modern Art e alla Pennsylvania Academy of Fine Arts (e Castello di Rivoli, Museo d”arte contemporanea, Italia (2004).
Fonti
