Federico Fellini

Delice Bette | Luglio 27, 2023

Riassunto

Federico Fellini, Cavaliere di Gran Croce OMRI (20 gennaio 1920 – 31 ottobre 1993), è stato un regista e sceneggiatore italiano noto per il suo stile caratteristico, che mescola immagini fantastiche e barocche con la realtà. È riconosciuto come uno dei più grandi e influenti registi di tutti i tempi. I suoi film si sono classificati ai primi posti nei sondaggi della critica, come quelli dei Cahiers du Cinéma e di Sight & Sound, che ha classificato il suo film del 1963 8+1⁄2 come il decimo film più grande.

Tra i film più noti di Fellini ricordiamo La strada (1954), Le notti di Cabiria (1957), La dolce vita (1960), 8½ (1963), Giulietta degli spiriti (1965), il segmento “Toby Dammit” de Gli spiriti dei morti (1968), Fellini Satyricon (1969), Roma (1972), Amarcord (1973) e Casanova (1976).

Nel corso della sua carriera, Fellini è stato candidato a 16 premi Oscar, vincendone in totale quattro nella categoria Miglior film straniero (il maggior numero per qualsiasi regista nella storia del premio). Ha ricevuto un premio onorario alla carriera in occasione della 65a edizione degli Academy Awards a Los Angeles. Fellini ha vinto anche la Palma d’Oro per La Dolce Vita nel 1960, due volte il Festival Internazionale del Cinema di Mosca nel 1963 e nel 1987, e il Leone d’Oro alla Carriera alla 42ª Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia nel 1985. Nella lista dei più grandi registi di tutti i tempi stilata da Sight & Sound nel 2002, Fellini si è classificato al secondo posto nel sondaggio dei registi e al settimo in quello dei critici.

Rimini (1920-1938)

Fellini nasce il 20 gennaio 1920 da genitori borghesi a Rimini, allora piccola città sul mare Adriatico. Il 25 gennaio, nella chiesa di San Nicolò, viene battezzato Federico Domenico Marcello Fellini. Il padre, Urbano Fellini (1894-1956), nato da una famiglia di contadini romagnoli e piccoli proprietari terrieri di Gambettola, si trasferì a Roma nel 1915 come panettiere apprendista presso il pastificio Pantanella. La madre, Ida Barbiani (1896-1984), proveniva da una famiglia borghese cattolica di commercianti romani. Nonostante la veemente disapprovazione della famiglia, nel 1917 era fuggita con Urbano per andare a vivere nella casa dei genitori di lui a Gambettola. Il matrimonio civile seguì nel 1918 e la cerimonia religiosa si tenne a Santa Maria Maggiore a Roma un anno dopo.

La coppia si stabilì a Rimini, dove Urbano divenne un venditore ambulante e all’ingrosso. Fellini aveva due fratelli, Riccardo (1929-2002).

Nel 1924 Fellini inizia le scuole elementari in un istituto gestito dalle suore di San Vincenzo a Rimini, frequentando due anni dopo la scuola pubblica Carlo Tonni. Studente attento, nel tempo libero disegna, mette in scena spettacoli di burattini e legge Il corriere dei piccoli, la popolare rivista per bambini che riproduce i tradizionali cartoni animati americani di Winsor McCay, George McManus e Frederick Burr Opper (Happy Hooligan di Opper fornirà l’ispirazione visiva per Gelsomina nel film di Fellini La Strada del 1954; Little Nemo di McCay influenzerà direttamente il suo film Città delle donne del 1980). Nel 1926 scopre il mondo del Grand Guignol, il circo con Pierino il Clown e il cinema. Maciste all’Inferno (1926) di Guido Brignone, il primo film che vede, lo segnerà per tutta la sua carriera in modi legati a Dante e al cinema.

Iscritto al Ginnasio Giulio Cesare nel 1929, stringe amicizia con Luigi Titta Benzi, in seguito importante avvocato riminese (e modello del giovane Titta in Amarcord (1973)). Nell’Italia di Mussolini, Fellini e Riccardo entrano a far parte dell’Avanguardista, il gruppo giovanile fascista obbligatorio per i maschi. Visitò Roma con i genitori per la prima volta nel 1933, l’anno del viaggio inaugurale del transatlantico SS Rex (che viene mostrato in Amarcord). La creatura marina trovata sulla spiaggia alla fine de La Dolce Vita (1960) si basa su un pesce gigante arenatosi su una spiaggia di Rimini durante una tempesta nel 1934.

Sebbene Fellini abbia adattato eventi chiave della sua infanzia e adolescenza in film come I Vitelloni (1953), 8+1⁄2 (1963) e Amarcord (1973), ha insistito sul fatto che tali ricordi autobiografici fossero invenzioni:

Non è la memoria a dominare i miei film. Dire che i miei film sono autobiografici è una liquidazione troppo facile, una classificazione affrettata. Mi sembra di aver inventato quasi tutto: infanzia, personaggi, nostalgie, sogni, ricordi, per il piacere di poterli raccontare.

Nel 1937 Fellini apre a Rimini Febo, un negozio di ritratti, insieme al pittore Demos Bonini. Il suo primo articolo umoristico appare nella rubrica “Cartoline ai lettori” della Domenica del Corriere di Milano. Decidendo di intraprendere la carriera di caricaturista e scrittore di gag, Fellini si reca a Firenze nel 1938, dove pubblica la sua prima vignetta sul settimanale 420. Secondo un biografo, Fellini trovava la scuola “esasperante”. Fallito l’esame di cultura militare, si diplomò nel luglio 1938 dopo aver raddoppiato l’esame.

Roma (1939)

Nel settembre 1939, per compiacere i genitori, si iscrisse alla facoltà di giurisprudenza dell’Università di Roma. Il biografo Hollis Alpert riferisce che “non risulta che abbia mai frequentato una lezione”. Installato in una pensione di famiglia, incontra un altro amico di una vita, il pittore Rinaldo Geleng. Disperatamente poveri, i due si uniscono senza successo per disegnare schizzi di avventori di ristoranti e caffè. Alla fine, Fellini trovò lavoro come inviato dei quotidiani Il Piccolo e Il Popolo di Roma, ma lasciò dopo un breve periodo, annoiato dagli incarichi di cronaca giudiziaria locale.

Quattro mesi dopo aver pubblicato il suo primo articolo sul Marc’Aurelio, l’influente rivista umoristica bisettimanale, entra a far parte del comitato di redazione, ottenendo successo con una rubrica regolare intitolata Ma mi stai ascoltando? Definita “il momento determinante della vita di Fellini”, la rivista gli offre un impiego fisso tra il 1939 e il 1942, quando interagisce con scrittori, gagmen e sceneggiatori. Questi incontri lo portarono ad avere opportunità nel mondo dello spettacolo e del cinema. Tra i suoi collaboratori nel comitato di redazione della rivista c’erano il futuro regista Ettore Scola, il teorico marxista e sceneggiatore Cesare Zavattini e Bernardino Zapponi, futuro sceneggiatore di Fellini. Anche le interviste per CineMagazzino gli sono congeniali: quando gli viene chiesto di intervistare Aldo Fabrizi, l’attore di varietà più popolare d’Italia, stabilisce con lui un rapporto personale così immediato che i due collaborano professionalmente. Specializzato in monologhi umoristici, Fabrizi commissionò del materiale al suo giovane pupillo.

Le prime sceneggiature (1940-1943)

Rimasto a Rimini per affari, Urbano manda moglie e famiglia a Roma nel 1940 per condividere un appartamento con il figlio. Fellini e Ruggero Maccari, anch’egli nello staff del Marc’Aurelio, iniziano a scrivere sketch radiofonici e gag per il cinema.

Non ancora ventenne e con l’aiuto di Fabrizi, Fellini ottiene il suo primo credito sul grande schermo come autore di commedie in Il pirata sono io di Mario Mattoli. Con una rapida progressione verso numerose collaborazioni a Cinecittà, la sua cerchia di conoscenze professionali si allarga fino a comprendere il romanziere Vitaliano Brancati e lo sceneggiatore Piero Tellini. All’indomani della dichiarazione di guerra di Mussolini contro Francia e Gran Bretagna del 10 giugno 1940, Fellini scopre La metamorfosi di Kafka, Gogol, John Steinbeck e William Faulkner, oltre ai film francesi di Marcel Carné, René Clair e Julien Duvivier. Nel 1941 pubblica Il mio amico Pasqualino, un libretto di 74 pagine in dieci capitoli che descrive le assurde avventure di Pasqualino, un alter ego.

Scrivendo per la radio mentre cercava di evitare la leva, Fellini incontrò la sua futura moglie Giulietta Masina in uno studio dell’EIAR, l’emittente radiofonica pubblica italiana, nell’autunno del 1942. Ben pagata come voce di Pallina nel serial radiofonico di Fellini, Cico e Pallina, la Masina era anche nota per le sue trasmissioni comico-musicali che rallegravano un pubblico depresso dalla guerra.

Giulietta è pratica e le piace il fatto di guadagnare un bel compenso per il suo lavoro alla radio, mentre il teatro non paga mai bene. E naturalmente anche la fama conta qualcosa. La radio è un business in espansione e le recensioni di commedie hanno un pubblico ampio e affezionato.

Nel novembre 1942, Fellini fu inviato in Libia, occupata dall’Italia fascista, per lavorare alla sceneggiatura de I cavalieri del deserto (1942), diretto da Osvaldo Valenti e Gino Talamo. Fellini accolse con favore l’incarico perché gli consentiva di “assicurarsi un’altra proroga del suo ordine di leva”. Responsabile della riscrittura d’emergenza, diresse anche le prime scene del film. Quando Tripoli cadde sotto l’assedio delle forze britanniche, lui e i suoi colleghi si salvarono per un pelo imbarcandosi su un aereo militare tedesco diretto in Sicilia. La sua avventura africana, poi pubblicata sul Marc’Aurelio con il titolo “Il primo volo”, segnò “l’emergere di un nuovo Fellini, non più solo sceneggiatore, che lavorava e disegnava alla sua scrivania, ma cineasta sul campo”.

L’apolitico Fellini fu finalmente liberato dalla leva quando un bombardamento aereo alleato su Bologna distrusse la sua cartella clinica. Fellini e Giulietta si nascosero nell’appartamento della zia di lei fino alla caduta di Mussolini, il 25 luglio 1943. Dopo essersi frequentati per nove mesi, la coppia si sposò il 30 ottobre 1943. Alcuni mesi dopo, Masina cadde dalle scale e subì un aborto spontaneo. Il 22 marzo 1945 diede alla luce un figlio, Pierfederico, ma il bambino morì di encefalite 11 giorni dopo, il 2 aprile 1945. La tragedia ebbe ripercussioni emotive e artistiche durature.

Apprendistato neorealista (1944-1949)

Dopo la liberazione di Roma da parte degli Alleati, il 4 giugno 1944, Fellini e Enrico De Seta aprirono il Funny Face Shop, dove sopravvissero alla recessione postbellica disegnando caricature di soldati americani. Si avvicinò al Neorealismo italiano quando Roberto Rossellini, al lavoro su Storie di un tempo (poi Roma città aperta), incontrò Fellini nel suo negozio e gli propose di contribuire con gag e dialoghi alla sceneggiatura. Consapevole della fama di Fellini come “musa creativa” di Aldo Fabrizi, Rossellini gli chiese anche di provare a convincere l’attore a interpretare il ruolo di Padre Giuseppe Morosini, il parroco giustiziato dalle SS il 4 aprile 1944.

Nel 1947, Fellini e Sergio Amidei ricevono una nomination all’Oscar per la sceneggiatura di Roma città aperta.

Lavorando come sceneggiatore e assistente alla regia nel film Paisà (Paisan) di Rossellini del 1946, Fellini fu incaricato di girare le scene siciliane a Maiori. Nel febbraio 1948, gli viene presentato Marcello Mastroianni, allora giovane attore di teatro che recitava in una commedia con Giulietta Masina. Stabilendo uno stretto rapporto di lavoro con Alberto Lattuada, Fellini co-scrisse i film Senza pietà e Il mulino del Po. Fellini lavorò con Rossellini anche al film antologico L’Amore (1948), co-scrivendo la sceneggiatura e recitando in un segmento intitolato “Il miracolo”, al fianco di Anna Magnani. Per interpretare il ruolo di un vagabondo mascalzone scambiato dalla Magnani per un santo, Fellini dovette decolorare i suoi capelli neri.

I primi film (1950-1953)

Nel 1950 Fellini coproduce e co-dirige con Alberto Lattuada Luci del varietà, il suo primo lungometraggio. Una commedia di retroscena ambientata nel mondo dei piccoli artisti itineranti, con Giulietta Masina e la moglie di Lattuada, Carla Del Poggio. L’uscita in sala, a fronte di recensioni negative e di una distribuzione limitata, si rivelò disastrosa per tutti gli interessati. La casa di produzione fallì, lasciando sia Fellini che Lattuada con debiti da pagare per oltre un decennio. Nel febbraio 1950, Paisà ricevette una nomination all’Oscar per la sceneggiatura di Rossellini, Sergio Amidei e Fellini.

Dopo essersi recato a Parigi per una conferenza sulla sceneggiatura con Rossellini su Europa ’51, Fellini iniziò la produzione de Lo sceicco bianco nel settembre 1951, il suo primo lungometraggio diretto da solo. Interpretato da Alberto Sordi, il film è una versione rivista di un trattamento scritto da Michelangelo Antonioni nel 1949 e basato sui fotoromanzi, le storie d’amore a fumetti fotografate popolari in Italia all’epoca. Il produttore Carlo Ponti commissionò la sceneggiatura a Fellini e Tullio Pinelli, ma Antonioni rifiutò la storia da loro sviluppata. Con Ennio Flaiano, rielaborarono il materiale in una satira leggera sulla coppia di sposi Ivan e Wanda Cavalli (Leopoldo Trieste, Brunella Bovo) a Roma per visitare il Papa. La maschera di perbenismo di Ivan viene presto demolita dall’ossessione della moglie per lo Sceicco Bianco. Con le musiche di Nino Rota, il film è stato selezionato a Cannes (tra i film in concorso c’era l’Otello di Orson Welles) e poi ritrattato. Proiettato alla 13a Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia, fu stroncato dalla critica con “l’atmosfera di una partita di calcio”. Un recensore dichiarò che Fellini non aveva “la minima attitudine alla regia cinematografica”.

Nel 1953, I Vitelloni incontra il favore della critica e del pubblico. Vincendo il Leone d’Argento a Venezia, il film assicura a Fellini il suo primo distributore internazionale.

Oltre il neorealismo (1954-1960)

Fellini diresse La Strada sulla base di una sceneggiatura completata nel 1952 con Pinelli e Flaiano. Durante le ultime tre settimane di riprese, Fellini manifestò i primi segni di una grave depressione clinica. Aiutato dalla moglie, intraprese un breve periodo di terapia con lo psicanalista freudiano Emilio Servadio.

Fellini sceglie l’attore americano Broderick Crawford per interpretare il ruolo di un vecchio truffatore ne Il Bidone. Basandosi in parte sulle storie raccontategli da un ladruncolo durante la produzione de La Strada, Fellini sviluppò la sceneggiatura nella lenta discesa di un truffatore verso una morte solitaria. Per incarnare il “volto intenso e tragico” del ruolo, la prima scelta di Fellini era stata Humphrey Bogart, ma dopo aver saputo del cancro ai polmoni dell’attore, scelse Crawford dopo aver visto il suo volto sulla locandina di Tutti gli uomini del re (1949). Le riprese del film furono costellate di difficoltà dovute all’alcolismo di Crawford. Criticato dalla critica alla 16a Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia, il film ebbe un misero successo al botteghino e non ricevette una distribuzione internazionale fino al 1964.

Durante l’autunno, Fellini studia e sviluppa un trattamento basato su un adattamento cinematografico del romanzo di Mario Tobino, Le libere donne di Magliano. Ambientato in un istituto psichiatrico femminile, il progetto fu abbandonato quando i finanziatori ritennero che il soggetto non avesse potenziale.

Mentre preparava Le notti di Cabiria nella primavera del 1956, Fellini apprese della morte del padre per arresto cardiaco all’età di sessantadue anni. Prodotto da Dino De Laurentiis e interpretato da Giulietta Masina, il film si ispira alla notizia della testa mozzata di una donna recuperata in un lago e ai racconti di Wanda, una prostituta di baraccopoli che Fellini aveva conosciuto sul set de Il Bidone. Pier Paolo Pasolini fu ingaggiato per tradurre i dialoghi di Flaiano e Pinelli in dialetto romano e per supervisionare le ricerche nella periferia violata di Roma. Il film vinse l’Oscar per il miglior film straniero alla 30ª edizione degli Academy Awards e portò alla Masina il premio come miglior attrice a Cannes per la sua interpretazione.

Con Pinelli sviluppa Viaggio con Anita per Sophia Loren e Gregory Peck. “Invenzione nata da un’intima verità”, la sceneggiatura si basava sul ritorno di Fellini a Rimini con un’amante per partecipare al funerale del padre. A causa dell’indisponibilità della Loren, il progetto fu accantonato e resuscitato venticinque anni dopo con il titolo Amanti e bugiardi (1981), una commedia diretta da Mario Monicelli con Goldie Hawn e Giancarlo Giannini. Per Eduardo De Filippo, ha co-scritto la sceneggiatura di Fortunella, adattando il ruolo della protagonista alla particolare sensibilità della Masina.

Il fenomeno della Hollywood sul Tevere del 1958, in cui gli studios americani approfittano della manodopera a basso costo disponibile a Roma, fa da sfondo agli scatti dei fotoreporter che rubano le celebrità in via Veneto. Lo scandalo provocato dallo spogliarello improvvisato della ballerina turca Haish Nana in un locale notturno cattura l’immaginazione di Fellini, che decide di concludere la sua ultima sceneggiatura in lavorazione, Moraldo in città, con un'”orgia” notturna in una villa al mare. Le foto di Pierluigi Praturlon che ritraggono Anita Ekberg completamente vestita nella Fontana di Trevi sono un’ulteriore fonte di ispirazione per Fellini e i suoi sceneggiatori.

Cambiando il titolo della sceneggiatura in La Dolce Vita, Fellini si scontrò presto con il suo produttore sul casting: Il regista insisteva per il relativamente sconosciuto Mastroianni, mentre De Laurentiis voleva Paul Newman come copertura del suo investimento. Giunto a un punto morto, De Laurentiis vendette i diritti al magnate dell’editoria Angelo Rizzoli. Le riprese iniziarono il 16 marzo 1959 con Anita Ekberg che saliva le scale della cupola di San Pietro in una mastodontica scenografia costruita a Cinecittà. La statua di Cristo che vola in elicottero su Roma fino a Piazza San Pietro è ispirata a un vero evento mediatico del 1° maggio 1956, a cui Fellini aveva assistito. Il film si conclude il 15 agosto su una spiaggia deserta a Passo Oscuro con un pesce mutante gonfio disegnato da Piero Gherardi.

La Dolce Vita ha battuto tutti i record di incassi. Nonostante i bagarini vendessero biglietti a 1000 lire, la folla si mise in fila per ore per vedere un “film immorale” prima che la censura lo vietasse. Ad una proiezione esclusiva a Milano, il 5 febbraio 1960, un avventore indignato sputò su Fellini, mentre altri lo insultavano. Denunciato in parlamento dai conservatori di destra, il sottosegretario Domenico Magrì della Democrazia Cristiana chiese tolleranza per i temi controversi del film. L’Osservatore Romano, organo di stampa ufficiale del Vaticano, ha fatto pressioni per la censura, mentre il Consiglio dei Parroci Romani e la Commissione Genealogica della Nobiltà Italiana hanno attaccato il film. In un caso documentato di recensioni favorevoli scritte dai gesuiti di San Fedele, la difesa de La Dolce Vita ebbe gravi conseguenze. In concorso a Cannes insieme a L’Avventura di Antonioni, il film vinse la Palma d’Oro assegnata dal presidente della giuria Georges Simenon. Lo scrittore belga fu prontamente “fischiato” dalla folla disapprovante del festival.

Film d’arte e sogni (1961-1969)

Una scoperta importante per Fellini dopo il periodo del neorealismo italiano (1950-1959) fu il lavoro di Carl Jung. Dopo aver incontrato lo psicoanalista junghiano Dr. Ernst Bernhard all’inizio del 1960, lesse l’autobiografia di Jung, Ricordi, sogni, riflessioni (1963) e sperimentò l’LSD. Bernhard raccomandò inoltre a Fellini di consultare l’I Ching e di tenere un registro dei suoi sogni. Quelle che prima Fellini accettava come “sue percezioni extrasensoriali” venivano ora interpretate come manifestazioni psichiche dell’inconscio. L’attenzione di Bernhard per la psicologia del profondo di matrice junghiana si rivelò la più grande influenza sullo stile maturo di Fellini e segnò la svolta nel suo lavoro dal neorealismo al cinema “principalmente onirico”. Di conseguenza, le idee fondamentali di Jung sull’anima e l’animus, sul ruolo degli archetipi e sull’inconscio collettivo hanno influenzato direttamente film come 8+1⁄2 (1963), Giulietta degli spiriti (1965), Fellini Satyricon (1969), Casanova (1976) e Città delle donne (1980). Tra le altre influenze chiave del suo lavoro figurano Luis Buñuel, Sergei Eisenstein, Stanlio e Ollio e Roberto Rossellini.

Sfruttando il successo de La Dolce Vita, il finanziere Angelo Rizzoli fondò nel 1960 la Federiz, una società cinematografica indipendente, per consentire a Fellini e al direttore di produzione Clemente Fracassi di scoprire e produrre nuovi talenti. Nonostante le migliori intenzioni, la loro eccessiva prudenza editoriale e commerciale costrinse la società a chiudere poco dopo aver cancellato il progetto di Pasolini, Accattone (1961).

Condannato come “pubblico peccatore” per La Dolce Vita, Fellini rispose con Le tentazioni del dottor Antonio, un segmento dell’omnibus Boccaccio ’70. Secondo film a colori, fu l’unico progetto approvato dalla Federiz. Infuso nella satira surreale che caratterizzava il lavoro del giovane Fellini al Marc’Aurelio, il film metteva in ridicolo un crociato contro il vizio, interpretato da Peppino De Filippo, che impazzisce nel tentativo di censurare un cartellone pubblicitario di Anita Ekberg che propugna le virtù del latte.

In una lettera dell’ottobre 1960 al collega Brunello Rondi, Fellini delinea per la prima volta la sua idea di film su un uomo che soffre di blocco creativo: “Allora, un uomo (uno scrittore, un professionista qualsiasi, un produttore teatrale?) deve interrompere il ritmo abituale della sua vita per due settimane a causa di una malattia non troppo grave. È un campanello d’allarme: qualcosa sta bloccando il suo sistema”. Non sapendo bene quale fosse la sceneggiatura, il titolo e la professione del suo protagonista, ha girato per l’Italia “alla ricerca del film”, nella speranza di risolvere la sua confusione. Flaiano suggerì La bella confusione (letteralmente The Beautiful Confusion) come titolo del film. Su pressione dei suoi produttori, Fellini optò infine per 8+1⁄2, un titolo autoreferenziale che si riferiva principalmente (ma non esclusivamente) al numero di film che aveva diretto fino a quel momento.

Dando l’ordine di iniziare la produzione nella primavera del 1962, Fellini firmò gli accordi con il suo produttore Rizzoli, fissò le date, fece costruire i set, scritturò Mastroianni, Anouk Aimée e Sandra Milo nei ruoli principali e fece i provini agli Studi Scalera di Roma. Assunse il direttore della fotografia Gianni Di Venanzo, tra il personale chiave. Ma a parte il nome del suo eroe, Guido Anselmi, non riusciva ancora a decidere cosa facesse il suo personaggio per vivere. La crisi arrivò al culmine in aprile quando, seduto nel suo ufficio di Cinecittà, iniziò una lettera a Rizzoli confessando di aver “perso il suo film” e di dover abbandonare il progetto. Interrotto dal capo macchinista che gli chiedeva di festeggiare il lancio di 8+1⁄2, Fellini mise da parte la lettera e andò sul set. Brindando alla troupe, “si sentì sopraffatto dalla vergogna… Ero in una situazione di non uscita. Ero un regista che voleva fare un film che non ricordava più. Ed ecco che in quel momento tutto è andato al suo posto. Sono andato dritto al cuore del film. Avrei raccontato tutto quello che mi era successo. Avrei fatto un film che raccontava la storia di un regista che non sapeva più che film voleva fare”. La struttura autoironica rende l’intero film inseparabile dalla sua costruzione riflessiva.

Le riprese iniziarono il 9 maggio 1962. Perplessa per l’improvvisazione apparentemente caotica e incessante sul set, Deena Boyer, all’epoca addetta stampa americana del regista, chiese una spiegazione. Fellini le rispose che sperava di trasmettere i tre livelli “su cui vive la nostra mente: il passato, il presente e il condizionale – il regno della fantasia”. Dopo la fine delle riprese, il 14 ottobre, Nino Rota compose diverse marce e fanfare da circo che sarebbero poi diventate colonne sonore del cinema del maestro. Candidato a quattro premi Oscar, 8+1⁄2 vinse i premi per il miglior film straniero e per i migliori costumi in bianco e nero. In California per la cerimonia, Fellini visitò Disneyland con Walt Disney il giorno dopo.

Sempre più attratto dalla parapsicologia, Fellini incontra nel 1963 l’antiquario torinese Gustavo Rol. Rol, ex banchiere, lo introduce nel mondo dello spiritismo e delle sedute spiritiche. Nel 1964, Fellini assunse LSD sotto la supervisione di Emilio Servadio, il suo psicoanalista durante la produzione de La Strada del 1954. Per anni riservato su ciò che accadde realmente quella domenica pomeriggio, nel 1992 ammise che

… gli oggetti e le loro funzioni non avevano più alcun significato. Tutto ciò che percepivo era la percezione stessa, l’inferno di forme e figure prive di emozioni umane e distaccate dalla realtà del mio ambiente irreale. Ero uno strumento in un mondo virtuale che rinnovava costantemente la propria immagine priva di significato in un mondo vivente che si percepiva a sua volta al di fuori della natura. E poiché l’apparenza delle cose non era più definitiva ma illimitata, questa consapevolezza paradisiaca mi liberava dalla realtà esterna al mio io. Il fuoco e la rosa, per così dire, divennero una cosa sola.

Le intuizioni allucinatorie di Fellini trovano piena espressione nel suo primo lungometraggio a colori Giulietta degli spiriti (1965), che vede Giulietta Masina nel ruolo di Giulietta, una casalinga che sospetta a ragione l’infedeltà del marito e cede alle voci degli spiriti evocati durante una seduta spiritica a casa sua. La sua vicina di casa Suzy (Sandra Milo), vorace di sesso, introduce Giulietta in un mondo di sensualità disinibita, ma Giulietta è perseguitata dai ricordi d’infanzia del suo senso di colpa cattolico e di un’amica adolescente che si è suicidata. Complesso e ricco di simbolismi psicologici, il film è accompagnato da una colonna sonora sbarazzina di Nino Rota.

Nostalgia, sessualità e politica (1970-1980)

Per promuovere Satyricon negli Stati Uniti, Fellini si reca a Los Angeles nel gennaio 1970 per interviste con Dick Cavett e David Frost. Incontra anche il regista Paul Mazursky, che vuole farlo recitare accanto a Donald Sutherland nel suo nuovo film, Alex in Wonderland. A febbraio, Fellini effettua un sopralluogo a Parigi per la realizzazione de I clowns, una docufiction per il cinema e la televisione, basata sui suoi ricordi d’infanzia del circo e su una “teoria coerente della clownerie”. A suo avviso, il clown “è sempre stato la caricatura di una società consolidata, ordinata, pacifica. Ma oggi tutto è temporaneo, disordinato, grottesco. Chi può ancora ridere dei clown? Tutto il mondo fa il clown”.

Nel marzo 1971, Fellini iniziò la produzione di Roma, una raccolta apparentemente casuale di episodi ispirati ai ricordi e alle impressioni del regista su Roma. Le “diverse sequenze”, scrive lo studioso di Fellini Peter Bondanella, “sono tenute insieme solo dal fatto che in definitiva provengono tutte dalla fertile immaginazione del regista”. La scena d’apertura del film anticipa Amarcord, mentre la sequenza più surreale riguarda una sfilata di moda ecclesiastica in cui suore e preti pattinano davanti a relitti di scheletri ragnatele.

Nell’arco di sei mesi, tra il gennaio e il giugno 1973, Fellini girò il film Amarcord, vincitore di un Oscar. Liberamente basato sul saggio autobiografico del regista del 1968 La mia Rimini, il film ritrae l’adolescente Titta e i suoi amici che elaborano le loro frustrazioni sessuali sullo sfondo religioso e fascista di una città di provincia nell’Italia degli anni Trenta. Prodotto da Franco Cristaldi, il film serio-comico divenne il secondo più grande successo commerciale di Fellini dopo La Dolce Vita. Di forma circolare, Amarcord evita la trama e la narrazione lineare in modo simile a I clowns e Roma. La preoccupazione principale del regista di sviluppare una forma poetica di cinema fu delineata per la prima volta in un’intervista del 1965 rilasciata alla giornalista del New Yorker Lillian Ross: “Sto cercando di liberare il mio lavoro da certe costrizioni – una storia con un inizio, uno sviluppo, una fine. Dovrebbe essere più simile a una poesia con metro e cadenza”.

Film e progetti tardivi (1981-1990)

Organizzata dal suo editore Diogenes Verlag nel 1982, la prima grande mostra di 63 disegni di Fellini si è tenuta a Parigi, Bruxelles e alla Pierre Matisse Gallery di New York. Caricaturista di talento, Fellini trovava gran parte dell’ispirazione per i suoi schizzi dai propri sogni, mentre i film in lavorazione davano origine e stimolavano i disegni di personaggi, decorazioni, costumi e scenografie. Con il titolo I disegni di Fellini, pubblicò 350 disegni eseguiti a matita, acquerello e pennarello.

Il 6 settembre 1985 Fellini è stato premiato con il Leone d’Oro alla carriera alla 42ª Mostra del Cinema di Venezia. Nello stesso anno è stato il primo non americano a ricevere il premio annuale della Film Society of Lincoln Center.

Da tempo affascinato da Gli insegnamenti di Don Juan: una via di conoscenza yaqui di Carlos Castaneda, Fellini accompagnò l’autore peruviano in un viaggio nello Yucatán per valutare la fattibilità di un film. Dopo il primo incontro con Castaneda a Roma nell’ottobre 1984, Fellini abbozzò con Pinelli un trattamento intitolato Viaggio a Tulun. Il produttore Alberto Grimaldi, disposto ad acquistare i diritti cinematografici di tutte le opere di Castaneda, pagò le ricerche di pre-produzione che portarono Fellini e il suo entourage da Roma a Los Angeles e nelle giungle del Messico nell’ottobre 1985. Quando Castaneda scomparve inspiegabilmente e il progetto saltò, le avventure mistico-sciamaniche di Fellini furono sceneggiate con Pinelli e pubblicate a puntate sul Corriere della Sera nel maggio 1986. Interpretazione appena velatamente satirica dell’opera di Castaneda, Viaggio a Tulun è stato pubblicato nel 1989 come graphic novel con i disegni di Milo Manara e come Viaggio a Tulum in America nel 1990.

Per Intervista, prodotto da Ibrahim Moussa e dalla RAI Televisione, Fellini ha intercalato i ricordi della prima volta che ha visitato Cinecittà nel 1939 con riprese attuali di se stesso al lavoro su un adattamento per lo schermo di Amerika di Franz Kafka. Il film, una meditazione sulla natura della memoria e della produzione cinematografica, vinse il Premio speciale del 40° anniversario a Cannes e il Premio d’oro del 15° Festival Internazionale del Cinema di Mosca. A Bruxelles, nello stesso anno, una giuria di trenta professionisti provenienti da diciotto Paesi europei nominò Fellini miglior regista del mondo e 8+1⁄2 miglior film europeo di tutti i tempi.

All’inizio del 1989 Fellini inizia la produzione de La voce della luna, tratto dal romanzo di Ermanno Cavazzoni Il poema dei lunatici. Una piccola città fu costruita presso gli Empire Studios sulla via Pontina, alle porte di Roma. Con Roberto Benigni nel ruolo di Ivo Salvini, un folle personaggio poetico appena uscito da un manicomio, il personaggio è una combinazione tra Gelsomina de La Strada, Pinocchio e il poeta italiano Giacomo Leopardi. Fellini improvvisò durante le riprese, usando come guida un trattamento approssimativo scritto con Pinelli. Nonostante il modesto successo critico e commerciale in Italia e la calorosa accoglienza della critica francese, il film non riuscì a interessare i distributori nordamericani.

Fellini ha vinto il Praemium Imperiale, un premio internazionale per le arti visive assegnato dalla Japan Art Association nel 1990.

Ultimi anni (1991-1993)

Nel luglio 1991 e nell’aprile 1992, Fellini ha lavorato in stretta collaborazione con il regista canadese Damian Pettigrew per stabilire “le più lunghe e dettagliate conversazioni mai registrate su pellicola”. Descritte come il “testamento spirituale del Maestro” dal suo biografo Tullio Kezich, gli estratti delle conversazioni sono poi serviti come base per il documentario Fellini: I’m a Born Liar (2002) e per il libro I’m a Born Liar: A Fellini Lexicon. Trovando sempre più difficile ottenere finanziamenti per i lungometraggi, Fellini ha sviluppato una serie di progetti televisivi i cui titoli riflettono i loro soggetti: Attore, Napoli, L’Inferno, L’opera lirica e L’America.

Nell’aprile 1993 Fellini riceve il suo quinto Oscar alla carriera, “in riconoscimento dei suoi successi cinematografici che hanno emozionato e divertito il pubblico di tutto il mondo”. Il 16 giugno entra all’Ospedale Cantonale di Zurigo per un’angioplastica all’arteria femorale, ma due mesi dopo viene colpito da un ictus al Grand Hotel di Rimini. Parzialmente paralizzato, viene trasferito prima a Ferrara per la riabilitazione e poi al Policlinico Umberto I di Roma per stare vicino alla moglie, anch’essa ricoverata. Subì un secondo ictus e cadde in coma irreversibile.

Fellini morì a Roma il 31 ottobre 1993, all’età di 73 anni, in seguito a un infarto che lo aveva colpito poche settimane prima, un giorno dopo il suo 50° anniversario di matrimonio. La cerimonia commemorativa, nello Studio 5 di Cinecittà, vide la partecipazione di circa 70.000 persone. Su richiesta di Giulietta Masina, il trombettista Mauro Maur suonò l'”Improvviso dell’Angelo” di Nino Rota durante la cerimonia.

Cinque mesi dopo, il 23 marzo 1994, Masina morì di cancro ai polmoni. Fellini, Masina e il figlio Pierfederico sono sepolti in un sepolcro di bronzo scolpito da Arnaldo Pomodoro. Progettata come una prua di nave, la tomba si trova all’ingresso principale del cimitero di Rimini. L’aeroporto Federico Fellini di Rimini è intitolato in suo onore.

Fellini è cresciuto in una famiglia cattolica romana e si considerava un cattolico, ma ha evitato un’attività formale nella Chiesa cattolica. I film di Fellini includono temi cattolici; alcuni celebrano gli insegnamenti cattolici, mentre altri criticano o ridicolizzano i dogmi della Chiesa.

Nel 1965 Fellini disse:

Vado in chiesa solo quando devo girare una scena in chiesa, o per un motivo estetico o nostalgico. Per la fede, si può andare da una donna. Forse questo è più religioso”.

Se Fellini era per lo più indifferente alla politica, aveva una generale avversione per le istituzioni autoritarie, ed è interpretato da Bondanella come se credesse “nella dignità e persino nella nobiltà del singolo essere umano”. In un’intervista del 1966 disse: “Mi preoccupo di vedere se certe ideologie o atteggiamenti politici minacciano la libertà privata dell’individuo. Ma per il resto, non sono preparato né ho intenzione di interessarmi di politica”.

Nonostante diversi attori italiani famosi favorissero i comunisti, Fellini era contrario al comunismo. Preferì muoversi nel mondo della sinistra moderata, votò per il Partito Repubblicano Italiano dell’amico Ugo La Malfa e per i socialisti riformisti di Pietro Nenni, un altro suo amico, e votò solo una volta per la Democrazia Cristiana nel 1976 per tenere i comunisti fuori dal potere. Bondanella scrive che la DC “era troppo allineata con una chiesa pre-Vaticano II estremamente conservatrice e persino reazionaria per soddisfare i gusti di Fellini”.

A parte la satira su Silvio Berlusconi e la televisione mainstream in Ginger e Fred, Fellini ha raramente espresso opinioni politiche in pubblico e non ha mai diretto un film apertamente politico. Negli anni ’90 ha diretto due spot televisivi elettorali: uno per la DC e un altro per il Partito Repubblicano Italiano (PRI). Il suo slogan “Non si interrompe un’emozione” era rivolto contro l’uso eccessivo della pubblicità televisiva. Anche il Partito Democratico della Sinistra ha utilizzato questo slogan in occasione dei referendum del 1995.

Visioni personali e fortemente idiosincratiche della società, i film di Fellini sono una combinazione unica di memoria, sogno, fantasia e desiderio. Gli aggettivi “felliniano” e “felliniano” sono “sinonimo di qualsiasi tipo di immagine stravagante, fantasiosa, persino barocca nel cinema e nell’arte in generale”. La Dolce Vita ha contribuito al termine paparazzi nella lingua inglese, derivato da Paparazzo, il fotografo amico del giornalista Marcello Rubini (Marcello Mastroianni).

Registi contemporanei come Tim Burton, Emir Kusturica, hanno citato l’influenza di Fellini sul loro lavoro.

Il regista polacco Wojciech Has, i cui due film più apprezzati, Il manoscritto di Saragozza (1965) e Il sanatorio a vetri d’ora (1973), sono esempi di fantasie moderniste, è stato paragonato a Fellini per la pura “lussuosità delle sue immagini”.

I Vitelloni ha ispirato i registi europei Juan Antonio Bardem, Marco Ferreri e Lina Wertmüller e ha influenzato Mean Streets (1973) di Martin Scorsese, American Graffiti (1974) di George Lucas, St. Elmo’s Fire (1985) di Joel Schumacher e Diner (1982) di Barry Levinson, oltre a molti altri. Quando nel 1963 la rivista americana Cinema chiese a Stanley Kubrick di nominare i suoi dieci film preferiti, egli classificò I Vitelloni al primo posto.

Nights of Cabiria è stato adattato come musical a Broadway Sweet Charity e come film Sweet Charity (1969) di Bob Fosse con Shirley MacLaine. City of Women è stato adattato per il palcoscenico di Berlino da Frank Castorf nel 1992.

8+1⁄2 ha ispirato, tra gli altri, Mickey One (Arthur Penn, 1965), Alex nel paese delle meraviglie (Paul Mazursky, 1970), Attenti alla puttana santa (Rainer Werner Fassbinder, 1971), Giorno per notte (François Truffaut, 1973), All That Jazz (Bob Fosse, 1979), Stardust Memories (Woody Allen, 1980), Sogni d’oro (Nanni Moretti, 1981), Parad Planet (Vadim Abdrashitov, 1984), La Película del rey (Carlos Sorin, 1986), Living in Oblivion (Tom DiCillo, 1995), 8+1⁄2 Women (Peter Greenaway, 1999), Falling Down (Joel Schumacher, 1993) e il musical di Broadway Nine (Maury Yeston e Arthur Kopit, 1982). Yo-Yo Boing! (1998), un romanzo spagnolo della scrittrice portoricana Giannina Braschi, presenta una sequenza onirica con Fellini ispirata a 8+1⁄2.

Il lavoro di Fellini è citato negli album Fellini Days (2001) di Fish, Another Side of Bob Dylan (1964) di Bob Dylan con Motorpsycho Nitemare, Funplex (2008) dei B-52’s con la canzone Juliet of the Spirits, e nell’ingorgo iniziale del video musicale Everybody Hurts dei R.E.M. La cantante americana Lana Del Rey ha citato Fellini come influenza. Il suo lavoro ha influenzato le serie televisive americane Northern Exposure e Third Rock from the Sun. Il cortometraggio Castello Cavalcanti (2013) di Wes Anderson è in molti punti un omaggio diretto a Fellini. Nel 1996, Entertainment Weekly ha inserito Fellini al decimo posto della lista dei “50 più grandi registi”. Nel 2002 la rivista MovieMaker ha inserito Fellini al n. 9 della lista dei 25 registi più influenti di tutti i tempi. Nel 2007, la rivista Total Film ha inserito Fellini al n. 67 della lista dei “100 più grandi registi di sempre”.

Diversi materiali cinematografici e documenti personali di Fellini sono conservati negli Archivi del Cinema della Wesleyan University, ai quali hanno pieno accesso studiosi ed esperti di media. Nell’ottobre 2009, il Jeu de Paume di Parigi ha inaugurato una mostra dedicata a Fellini, che comprendeva materiale epistolare, interviste televisive, fotografie del dietro le quinte, il Libro dei Sogni (basato su 30 anni di sogni e appunti illustrati del regista), oltre a estratti de La dolce vita e 8+1⁄2.

Nel 2014 il settimanale di intrattenimento Variety ha annunciato che il regista francese Sylvain Chomet stava procedendo con Le mille miglia, un progetto basato su varie opere di Fellini, compresi i suoi disegni e scritti inediti.

Come sceneggiatore

Spot televisivi

Fonti

Fonti

1. Federico Fellini
2. Federico Fellini
3. ^ Fellini & Pettigrew 2003, p. 87. Buñuel is the auteur I feel closest to in terms of an idea of cinema or the tendency to make particular kinds of films.
4. ^ Ramacci.
5. ^ «Giulio Cesare», su liceocesarevalgimigli.it. URL consultato il 24 gennaio 2012 (archiviato dall’url originale il 27 dicembre 2011).
6. ^ Pier Mario Fasanotti, Tra il Po, il monte e la marina. I romagnoli da Artusi a Fellini, Neri Pozza, Vicenza, 2017, pp. 251-273.
7. a b Integrált katalógustár (német és angol nyelven). (Hozzáférés: 2014. április 9.)
8. BFI | Sight & Sound | Top Ten Poll 2002 – The Directors’ Top Ten Directors. (Nicht mehr online verfügbar.) Archiviert vom Original am 13. Oktober 2018; abgerufen am 26. Mai 2021.  Info: Der Archivlink wurde automatisch eingesetzt und noch nicht geprüft. Bitte prüfe Original- und Archivlink gemäß Anleitung und entferne dann diesen Hinweis.@1@2Vorlage:Webachiv/IABot/old.bfi.org.uk
9. BFI | Sight & Sound | Top Ten Poll 2002 – The Critics’ Top Ten Directors. (Nicht mehr online verfügbar.) Archiviert vom Original am 3. März 2016; abgerufen am 26. Mai 2021.  Info: Der Archivlink wurde automatisch eingesetzt und noch nicht geprüft. Bitte prüfe Original- und Archivlink gemäß Anleitung und entferne dann diesen Hinweis.@1@2Vorlage:Webachiv/IABot/old.bfi.org.uk
10. Quelle: Tullio Kezich: Federico Fellini: His Life and Work, 2006, in: Google Bücher, S. 74, aufgerufen am 4. November 2013.
11. vgl. Chandler, S. 388.
12. a b c Chandler, S. 388.