Claude Lorrain

Riassunto

Claude Lorrain (1600 circa – 23 novembre 1682) è stato un pittore, disegnatore e incisore francese dell’epoca barocca. Trascorse la maggior parte della sua vita in Italia ed è uno dei primi artisti importanti, oltre ai suoi contemporanei della pittura olandese del Secolo d’Oro, a concentrarsi sulla pittura di paesaggio. I suoi paesaggi sono di solito trasformati nel genere più prestigioso dei dipinti di storia con l’aggiunta di alcune piccole figure, che in genere rappresentano una scena della Bibbia o della mitologia classica.

Alla fine degli anni Trenta del Cinquecento si era affermato come il più importante paesaggista d’Italia e godeva di grandi compensi per il suo lavoro. I suoi paesaggi divennero gradualmente più grandi, ma con meno figure, più accuratamente dipinti e prodotti a un prezzo inferiore. In generale non fu un innovatore nella pittura di paesaggio, se non per l’introduzione del sole e della luce solare in molti dipinti, cosa che prima era rara. Oggi si pensa a lui come a un pittore francese, ma era nato nel ducato indipendente di Lorena e quasi tutta la sua pittura fu realizzata in Italia; prima della fine del XIX secolo era considerato un pittore della “Scuola romana”. Anche i suoi mecenati erano per lo più italiani, ma dopo la sua morte divenne molto popolare tra i collezionisti inglesi e il Regno Unito conserva un’alta percentuale delle sue opere.

È stato un prolifico creatore di disegni a penna e molto spesso di “lavature” monocromatiche ad acquerello, di solito marroni ma talvolta grigie. A volte si usa il gesso per il disegno di fondo e si possono usare evidenziazioni bianche in vari mezzi, molto meno spesso altri colori come il rosa. Questi lavori si dividono in tre gruppi abbastanza distinti. In primo luogo, vi è un gran numero di schizzi, per lo più di paesaggi e, a quanto pare, molto spesso realizzati sulla scena; questi sono stati molto ammirati e hanno influenzato altri artisti. Poi ci sono gli studi per i dipinti, di vario grado di finitura, molti dei quali chiaramente realizzati prima o durante il processo di pittura, ma altri forse dopo che questo era stato completato. Questo è certamente il caso dell’ultimo gruppo, i 195 disegni che registrano dipinti finiti raccolti nel suo Liber Veritatis (ora al British Museum). L’artista produsse oltre 40 incisioni, spesso versioni semplificate di dipinti, soprattutto prima del 1642. Queste avevano diverse funzioni, ma oggi sono considerate molto meno importanti dei suoi disegni. All’inizio della sua carriera dipinse affreschi che ebbero un ruolo importante nella sua fama, ma che oggi sono quasi tutti perduti.

Le prime biografie di Claude sono contenute nella Teutsche Academie di Joachim von Sandrart (1675) e nelle Notizie de’ professori del disegno da Cimabue in qua di Filippo Baldinucci (1682-1728). Sia Sandrart che Baldinucci conobbero personalmente il pittore, ma in periodi distanti circa 50 anni, rispettivamente all’inizio della sua carriera e poco prima della sua morte. Sandrart lo conosceva bene e visse con lui per un certo periodo, mentre Baldinucci probabilmente non era in intimità con lui e ricavava molte informazioni dal nipote di Claude, che viveva con l’artista.

La lapide di Claude indica il 1600 come anno di nascita, ma le fonti contemporanee indicano una data successiva, circa il 1604 o il 1605. Nacque nel piccolo villaggio di Chamagne, nei Vosgi, allora parte del Ducato di Lorena. Era il terzo dei cinque figli di Jean Gellée e Anne Padose.

Secondo Baldinucci, i genitori di Claude morirono entrambi quando egli aveva dodici anni e visse quindi a Friburgo con un fratello maggiore (Jean Gellée). Jean era un artista dell’intarsio e insegnò a Claude i primi rudimenti del disegno. Claude si reca poi in Italia, lavorando prima per Goffredo Wals a Napoli e poi entrando nella bottega di Agostino Tassi a Roma.

Il resoconto di Sandrart sui primi anni di vita di Claude, tuttavia, è molto diverso e gli studiosi moderni generalmente preferiscono questo o tentano di combinare i due. Secondo Sandrart, Claude non andò bene alla scuola del villaggio e fu apprendista presso un pasticcere. Con una compagnia di colleghi cuochi e panettieri (la Lorena era molto rinomata per la pâtisserie), Claude si recò a Roma e alla fine fu assunto come servitore e cuoco da Tassi, che a un certo punto lo trasformò in apprendista e gli insegnò il disegno e la pittura. Sia Wals che Tassi erano paesaggisti, il primo molto oscuro e produceva piccole opere, mentre Tassi (noto come lo stupratore di Artemisia Gentileschi) aveva una grande bottega specializzata in affreschi di palazzi.

Sebbene i dettagli della vita di Claude prima del 1620 rimangano poco chiari, la maggior parte degli studiosi moderni concorda sul fatto che sia stato apprendista di Wals intorno al 1620-1622 e di Tassi dal 1622 circa.

Durante i suoi viaggi, Claude soggiornò brevemente a Marsiglia, Genova e Venezia ed ebbe l’opportunità di studiare la natura in Francia, Italia e Baviera. Sandrart incontrò Claude alla fine degli anni Venti del Cinquecento e riferì che l’artista aveva ormai l’abitudine di fare schizzi all’aperto, soprattutto all’alba e al tramonto, realizzando studi a olio sul posto. Il primo dipinto datato di Claude, Paesaggio con bestiame e contadini (Philadelphia Museum of Art) del 1629, mostra già uno stile e una tecnica ben sviluppati. Negli anni successivi la sua fama cresce costantemente, come dimostrano le commissioni dell’ambasciatore francese a Roma (1633) e del re di Spagna (1634-35). Baldinucci riferisce che una commissione particolarmente importante venne dal cardinale Bentivoglio, che rimase impressionato dai due paesaggi che Claude dipinse per lui e raccomandò l’artista a papa Urbano VIII. Per il Papa furono realizzati quattro dipinti nel 1635-1638, due grandi e due piccoli su rame.

Da questo momento la reputazione di Claude è assicurata. Continuò a svolgere molte importanti commissioni, sia italiane che internazionali. Intorno al 1636 iniziò a catalogare le sue opere, realizzando disegni a penna e a lavatura di quasi tutti i suoi quadri man mano che venivano completati, anche se non sempre in versione variante, e sul retro della maggior parte dei disegni scrisse il nome dell’acquirente, non sempre in modo sufficientemente chiaro da poterlo identificare ora. Questo volume Claude lo chiamò Liber Veritatis (Libro della Verità).

Nel 1650 Claude si trasferì in una casa vicina in via Paolina (oggi via del Babuino), dove visse fino alla morte. L’artista non si sposò mai, ma adottò una bambina orfana, Agnese, nel 1658; forse era la figlia di Claude stesso con una serva dello stesso nome. Figli di fratelli di Claude si unirono alla famiglia nel 1662 (Jean, figlio di Denis Gellée) e intorno al 1680 (Joseph, figlio di Melchior Gellée). Nel 1663 Claude, che soffriva molto di gotta, si ammalò gravemente, tanto da redigere un testamento, ma riuscì a riprendersi. Dopo il 1670 la sua attività pittorica si riduce, ma tra le opere realizzate dopo questa data si annoverano quadri importanti come la Veduta della costa con Perseo e l’Origine del corallo (1674), dipinto per il celebre collezionista cardinale Camillo Massimo, e Ascanio che abbatte il cervo di Sylvia, l’ultimo dipinto di Claude, commissionato dal principe Lorenzo Onofrio Colonna, il suo più importante mecenate negli ultimi anni di vita. L’artista morì nella sua casa il 23 novembre 1682. Originariamente fu sepolto a Trinità dei Monti, ma le sue spoglie furono trasferite nel 1840 a San Luigi dei Francesi.

Alla sua morte, possedeva solo quattro dei suoi dipinti, ma la maggior parte dei suoi disegni. A parte il Liber Veritatis, molti di questi erano in volumi rilegati; l’inventario menziona 12 libri rilegati e una grande “custodia” o cartella di fogli sciolti. Cinque o sei grandi volumi rilegati furono lasciati agli eredi, tra cui il Libro di Tivoli, il Libro di Campagna, il Libro dei primi schizzi e un “album di animali”, tutti ora smembrati e dispersi, anche se, poiché i fogli erano numerati, il loro contenuto è stato ampiamente ricostruito dagli studiosi.

Influenze

La scelta di Claude, sia per quanto riguarda lo stile sia per quanto riguarda il soggetto, nasce da una tradizione di pittura di paesaggio in Italia, soprattutto a Roma, guidata da artisti settentrionali formatisi nello stile del Manierismo settentrionale. Matthijs Bril era arrivato a Roma da Anversa intorno al 1575, e fu presto raggiunto dal fratello Paul. Entrambi si specializzarono in paesaggi, inizialmente come sfondi di grandi affreschi, una strada apparentemente intrapresa anche da Lorrain qualche decennio più tardi. Matthijs morì a 33 anni, ma Paul rimase attivo a Roma fino all’arrivo di Claude, anche se non è stato registrato alcun incontro tra i due. Hans Rottenhammer e Adam Elsheimer erano altri paesaggisti settentrionali associati a Bril, che aveva lasciato Roma molto tempo prima.

Questi artisti introdussero il genere dei piccoli quadri di gabinetto, spesso su rame, in cui le figure erano dominate dal paesaggio circostante, che molto spesso era costituito da fitti boschi posti non lontano dalle figure in primo piano. Paul Bril iniziò a dipingere quadri più grandi in cui le dimensioni e l’equilibrio tra gli elementi, e il tipo di paesaggio utilizzato, si avvicinano maggiormente all’opera di Claude in futuro, con un’ampia veduta aperta dietro gran parte della larghezza del quadro.

Insieme ad altri artisti del Seicento attivi a Roma, Claude fu influenzato anche dal nuovo interesse per il genere del paesaggio emerso a metà-fine Cinquecento in Veneto, a partire dal pittore veneziano Domenico Campagnola e dall’artista olandese residente sia a Padova che a Venezia Lambert Sustris. L’interesse per il paesaggio emerse per la prima volta a Roma nell’opera del loro allievo bresciano Girolamo Muziano, che si guadagnò il soprannome in città di Il giovane dei paesi. In seguito all’integrazione di questa tradizione con altre fonti settentrionali, artisti bolognesi come Domenichino, che fu a Roma dal 1602, dipinsero una serie di soggetti “Paesaggio con…”, tratti dalla mitologia, dalla religione e dalla letteratura, oltre che da scene di genere. Di solito questi soggetti presentano una vista aperta in una parte della composizione e una collina scoscesa in un’altra. Anche quando l’azione tra le poche piccole figure è violenta, il paesaggio dà un’impressione di serenità. Le composizioni sono attente ed equilibrate e rimandano a quelle di Claude. Il Paesaggio con fuga in Egitto di Annibale Carracci (1604 circa) è uno dei migliori paesaggi italiani dell’inizio del secolo, ma forse è più un precursore di Poussin che di Claude.

I primi lavori

I primi dipinti di Claude attingono da entrambi questi gruppi, essendo per lo più di dimensioni più piccole rispetto a quelli successivi. Agostino Tassi potrebbe essere stato un allievo di Paul Bril, e la sua influenza è particolarmente evidente nelle prime opere di Claude, di dimensioni più grandi, mentre alcune piccole opere del 1631 circa ricordano Elsheimer. Inizialmente Claude include spesso più figure di quanto fosse tipico dei suoi predecessori, nonostante il suo disegno di figura sia generalmente riconosciuto come “notoriamente debole”, come ha detto Roger Fry.

Più spesso che in seguito, le figure erano semplici personaggi di genere: pastori, viaggiatori e marinai, a seconda della scena. All’inizio degli anni Trenta del Cinquecento compaiono i primi soggetti religiosi e mitologici, con una Fuga in Egitto probabilmente del 1631, entrambi soggetti molto comuni nel genere “Paesaggio con…”. La coppia di quest’ultimo è una scena portuale molto precoce, già con alti edifici classici, un tipo di composizione che Claude utilizzerà per il resto della sua carriera.

Cifre

Sebbene quasi tutti i dipinti contengano figure, anche solo un pastore, la loro debolezza è sempre stata riconosciuta, non da ultimo dallo stesso Claude; secondo Baldinucci scherzava sul fatto che faceva pagare i suoi paesaggi, ma dava le figure gratuitamente. Secondo Sandrart aveva fatto notevoli sforzi per migliorare, ma senza successo; di certo tra i suoi disegni ci sono numerosi studi, tipicamente per gruppi di figure. Spesso si è pensato che in alcune opere consegnasse ad altri le figure da dipingere, ma è ormai opinione comune che i casi di questo tipo siano pochi. Baldinucci cita Filippo Lauri in questo contesto, ma quest’ultimo era nato solo nel 1623 e può essersi occupato di questi lavori solo a partire dagli anni Quaranta del Cinquecento. Il cavaliere nel piccolo Paesaggio con veduta immaginaria di Tivoli della Courtauld Gallery di Londra, LV 67 e datato 1642, è una delle ultime figure di Lauri a indossare abiti contemporanei. In seguito tutti indossarono “abiti pastorali” o l’idea seicentesca di abito antico.

Negli ultimi anni le sue figure tendono a diventare sempre più allungate, un processo portato all’estremo nel suo ultimo dipinto, Ascanio che abbatte il cervo di Sylvia, di cui persino il proprietario, l’Ashmolean Museum, dice “I cacciatori sono impossibilmente allungati – Ascanio, in particolare, è assurdamente appesantito”. Il suo pendant Veduta di Cartagine con Didone ed Enea (1676, Kunsthalle di Amburgo) presenta figure quasi altrettanto estreme. Con la moda della metà del XX secolo di fare diagnosi mediche attraverso l’arte, si è ipotizzato che Claude avesse sviluppato una condizione ottica che spiegasse tali effetti, ma questa ipotesi è stata respinta sia dai medici che dai critici.

Architettura

Claude dipinse solo raramente scene topografiche che mostravano l’architettura romana rinascimentale e barocca ancora in fase di realizzazione durante la sua vita, ma spesso ne prese spunto per elaborare edifici immaginari. La maggior parte degli edifici in primo piano nei suoi dipinti sono grandi templi e palazzi immaginari in uno stile generalmente classico, ma senza il tentativo di rigore archeologico visto negli equivalenti di Poussin. Gli elementi sono presi in prestito e lavorati da edifici reali, sia antichi che moderni, e in assenza di molte conoscenze sull’aspetto di una facciata di un palazzo antico, i suoi palazzi sono più simili ai palazzi romani del tardo Rinascimento in cui vivevano molti dei suoi clienti. Gli edifici che si vedono meno chiaramente, come le torri che spesso emergono sopra gli alberi nei suoi sfondi, sono spesso più simili agli edifici vernacolari e medievali che avrebbe visto nei dintorni di Roma.

Un esempio di dipinto semi-topografico con edifici “moderni” (i disegni di questo tipo sono molto più numerosi) è Una veduta di Roma (1632, NG 1319), che sembra rappresentare la vista dal tetto della casa di Claude, comprendente la sua chiesa parrocchiale e la sepoltura iniziale di Santa Trinita del Monte, e altri edifici come il Palazzo del Quirinale. Questa veduta occupa il lato sinistro del dipinto, ma a destra, dietro un gruppo di figure di genere in abiti moderni (che, caso unico per Claude, rappresentano una scena di prostituzione secondo la tradizione della Compagnia delle Meraviglie olandese), si trovano una statua di Apollo e un portico di un tempio romano, entrambi del tutto immaginari o almeno non collocati nei loro luoghi reali.

In un generico Porto di mare della National Gallery (1644, NG5) una facciata di palazzo che si espande sulla porta costruita intorno al 1570 tra i Giardini Farnesiani e il Foro Romano si trova accanto all’Arco di Tito, qui apparentemente parte di un altro palazzo. Dietro di esso Claude ripete un palazzo già utilizzato in precedenza, che prende in prestito da diversi edifici di Roma e dintorni, tra cui la Villa Farnesina e il Palazzo Senatorio. È inutile chiedersi come mai Ascanio trovi nel Lazio un grande tempio in pietra in un ordine corinzio pienamente sviluppato, che evidentemente è andato in rovina per diversi secoli.

Spedizione

La mancanza di interesse di Claude nell’evitare l’anacronismo si nota forse più chiaramente nelle navi delle sue scene portuali. Che il soggetto e l’abbigliamento delle figure siano contemporanei, mitici, romani o medievali, le grandi navi sono di solito gli stessi vascelli mercantili aggiornati. Si vedono alcune grandi galee a remi, come nel Paesaggio con l’arrivo di Enea davanti alla città di Pallanteum (uno degli “Altieri Claudes”, l’abbazia di Anglesey), dove il testo di Virgilio specifica le galee. È più probabile che le navi sullo sfondo cerchino di riflettere un’ambientazione antica; nel Porto marittimo di Londra con l’imbarco della regina di Saba (1648, NG 14) la nave al centro della composizione è moderna, le altre meno.

Come si vede nel dipinto L’imbarco della regina di Saba, Claude fu innovativo nell’includere il Sole stesso come fonte di luce nei suoi dipinti.

A Roma, Bril, Girolamo Muziano e Federico Zuccaro e più tardi Elsheimer, Annibale Carracci e Domenichino resero le vedute paesaggistiche preminenti in alcuni dei loro disegni e dipinti (così come Da Vinci nei suoi disegni privati o Baldassarre Peruzzi nei suoi affreschi decorativi di vedute); ma si potrebbe sostenere che solo nella generazione di Claude, il paesaggio riflettesse completamente un punto di vista estetico che era visto come completamente autonomo nel suo scopo morale all’interno del mondo culturale di Roma.

Per quanto riguarda l’importanza del paesaggio, Claude fu preveggente. Vivendo in un’epoca preromantica, non raffigurava quei panorami disabitati che sarebbero stati apprezzati nei secoli successivi, come nel caso di Salvatore Rosa. Dipinse un mondo pastorale di campi e valli non lontano da castelli e città. Se l’orizzonte oceanico è rappresentato, è quello di un porto trafficato. Forse per soddisfare il bisogno del pubblico di dipinti con temi nobili, i suoi quadri includono semidei, eroi e santi, anche se i suoi abbondanti disegni e quaderni di schizzi dimostrano che era più interessato alla scenografia.

Claude Lorrain è stato descritto come gentile con i suoi allievi e laborioso; attento osservatore, ma illetterato fino alla sua morte.

John Constable descrisse Claude come “il più perfetto pittore di paesaggi che il mondo abbia mai visto” e dichiarò che nei paesaggi di Claude “tutto è bello – tutto è amabile – tutto è amenità e riposo; la calma solarità del cuore”.

Il vetro di Claude, che in Inghilterra prende il nome da Lorrain anche se non risulta che egli lo usasse o ne fosse a conoscenza, forniva un riflesso incorniciato e a tinte scure di un panorama reale, che avrebbe dovuto aiutare gli artisti a produrre opere d’arte simili a quelle di Lorrain e i turisti ad adattare le vedute a una formula claudiana. William Gilpin, l’inventore dell’ideale pittoresco, sosteneva l’uso dei vetri di Claude dicendo che “danno all’oggetto della natura una sfumatura morbida e pastosa come la colorazione di quel Maestro”.

Gli occhiali di Claude erano ampiamente utilizzati da turisti e artisti dilettanti, che divennero presto oggetto di satira. Hugh Sykes Davies osservò che erano rivolti verso l’oggetto che volevano dipingere, commentando: “È molto tipico del loro atteggiamento nei confronti della Natura che una tale posizione sia auspicabile”.

Media correlati a Claude Lorrain su Wikimedia Commons

Fonti

  1. Claude Lorrain
  2. Claude Lorrain
  3. ^ a b Kitson, 6
  4. ^ technically part of the Holy Roman Empire
  5. ^ Kitson, 6, 9–10
  6. No se sabe con certeza la fecha de nacimiento de Lorrain, establecida tradicionalmente alrededor del 1600, aunque según otros historiadores podría ser 1604 o 1605, tesis avalada principalmente por Michael Kitson en su estudio Claude Lorrain ‘Liber Veritatis’ (1978). La adjudicación al año 1600 proviene del epitafio del artista en la iglesia de la Trinità dei Monti: «A Claude Gellée lorenés, nacido en Chamagne, pintor eximio que pintó maravillosamente los rayos del sol naciente y poniente en la campiña, que desde la ciudad donde practicó su arte obtuvo las mayores alabanzas entre los grandes, y que murió el IX de calendas de diciembre de 1682 a la edad de LXXXII años. Para su queridísimo tío, Jean y Joseph Gellée han hecho colocar este monumento, que será también para sus sucesores». En cambio, diversos documentos del año 1635 le adjudicaban una edad de 30 años, por lo que cabría suponer que nació en 1604 o 1605. (Sureda, 2001, pp. 63-64.)
  7. Não se sabe com certeza a data de nascimento de Lorrain, estabelecida tradicionalmente por volta de 1600, embora segundo outros historiadores poderia ser 1604 ou 1605, tese endossada principalmente por Michael Kitson em seu estudo Claude Lorrain Liber Veritatis (1978). O ano de 1600 vem do epitáfio do artista na igreja da Trinità dei Monti:«Para Claude Gellée Lorraine, nascido em Chamagne, um excelente pintor que pintou maravilhosamente os raios do nascer e pôr do sol no campo, que da cidade onde praticava sua arte obteve os maiores louvores entre os grandes, e quem morreu no dia 9 de calendas de dezembro de 1682 com a idade de LXXXII anos. Para o seu amado tio, Jean e Joseph Gellée colocaram este monumento, que será também para os seus sucessores.» Por outra parte, diversos documentos do ano 1635 lhe atribuíam uma idade de 30 anos, pelo que se supunha que nasceu em 1604 ou 1605.[1]
  8. De acordo com Sandrart, “em seu modo de vida ele não era um grande cortesão, mas um bom coração e uma pessoa piedosa. Ele não procurou nenhum outro prazer além de sua profissão”.[15]
  9. De acordo com Baldinucci, ele estava trabalhando nas imagens do rei Filipe IV, que ele mal havia começado a moldar, quando alguns invejosos e gananciosos por lucros injustos não apenas roubaram a invenção, mas imitaram sua forma de pintar, e venderam em Roma as reproduções, como se originais de seu pincel, com as quais o professor foi desacreditado.O personagem para quem as pinturas foram feitas e os compradores que receberam reproduções de originais ficaram mal servidos.[23]
  10. Não se sabe ao certo quem fez os esforços para encomendar obras a vários autores para o Bom Retiro, vários especialistas dão nomes que vão de Velázquez – embora sua visita à Itália tenha sido anterior -, o cardeal Barberini, o conde de Monterrey ou o marquês da Torre; mas o mais apontado pelos especialistas e talvez o mais provável é o Marquês de Castel Rodrigo, para quem Lorrain já havia trabalhado. Entre a documentação deste diplomata, há uma fatura em 1641 para uma transportadora para trazer dezessete gavetas com fotos de Roma para Bom Retiro.[26]
  11. Joachim von Sandrart (trad. Charles Martine), Claude Gellée dit Le Lorrain : Cinquante-deux reproductions de Léon Marotte avec un catalogue et une vie du peintre, Paris, Helleu et Sergent, 1922.
  12. a b c d e et f Biographie Metropolitan (Katharine Baetjer 2014)
  13. Jean-Marie Cuny, La cuisine lorraine, 3e trimestre 1998. Imprimerie Fort-Moselle, Metz
  14. Sylvestre Michel, « Claude Gellée entre Chamagne et Rome : Nouveaux documents sur le peintre et sa famille d’après les archives lorraines », Mélanges de l’Ecole française de Rome. Moyen-Age, Temps modernes, vol. 94, no 94,‎ 1982, p. 929-47 (DOI 10.3406/mefr.1982.2678, lire en ligne, consulté le 19 juillet 2017)
Ads Blocker Image Powered by Code Help Pro

Ads Blocker Detected!!!

We have detected that you are using extensions to block ads. Please support us by disabling these ads blocker.