Stuart Davis

Resumen

Stuart Davis (nacido el 7 de diciembre de 1892 en Filadelfia y fallecido el 24 de junio de 1964 en Nueva York) fue un pintor y grabador modernista estadounidense, conocido sobre todo por sus estudios de la vida cotidiana de Estados Unidos, representados con colores vivos. Se hizo famoso por adaptar el lenguaje de la música de jazz a la pintura moderna.

Juventud y educación

Stuart Davis era hijo de Edward Wyatt Davis y de la escultora Helen Stuart Davis. Ambos padres estudiaron en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania. La madre expuso su obra en Filadelfia y Nueva York. El padre era jefe del departamento de arte del Philadelphia Press, donde empleaba como ilustradores a sus amigos John French Sloan, William Glackens, George Luks y Everett Shinn. En 1901, la familia Davis se trasladó a East Orange, Nueva Jersey. En 1909, Davis abandonó el instituto y pasó los tres años siguientes estudiando en la Escuela de Arte de Nueva York de Robert Henri (fundador de la agrupación Los Ocho). Aunque pintaba con un estilo realista, rechazaba el idealismo académico, e instaba a sus alumnos a observar y hacer estudios de la vida urbana tal y como la observaban en las calles, las salas de conciertos, las tabernas y otros lugares. El aprecio de Davis por el arte contemporáneo y abstracto deriva precisamente de su interés por la obra de los futuros miembros de la Escuela de Ashcan.

Adaptación de los logros del modernismo

En 1913, Davis expuso cinco acuarelas en el Armory Show, una exposición internacional de arte moderno que despertó su interés por el arte del modernismo. La exposición estaba dominada por artistas franceses, cuyo arte tuvo la influencia más visible en el arte estadounidense. Con obras de artistas como: Henri Matisse, Georges Braque, Marcel Duchamp y Pablo Picasso El fauvismo y el cubismo fueron ampliamente presentados. Davis pudo ver cómo los artistas europeos de vanguardia, por ejemplo Henri Matisse y Paul Gauguin, realizaban sus innovadoras ideas sobre las formas modernas. Utilizaban colores que no tenían relación con la realidad. Davis conoció el cubismo, que sometía las formas a la fragmentación, aplanaba el espacio y utilizaba palabras tomadas de los titulares de los periódicos o de las etiquetas de los productos como elementos de composición en los cuadros. En los años siguientes, Davis se esforzó por asimilar las adquisiciones del modernismo que había experimentado en el Armory Show, en particular aspectos como el color, la forma y el tratamiento de la superficie y la composición en la obra. Era consciente de que la experiencia que había adquirido en su periodo de trabajo con Robert Henri ya no era suficiente.

Entre 1911 y 1916, Davis trabajó como ilustrador y caricaturista para la revista The Masses, continuando su experimentación con diversos estilos, como el postimpresionismo, el fauvismo y el cubismo. Sus numerosos cuadros de 1916-1919, como Gloucester Street (Museo de Bellas Artes de Boston), Garage (1917, Colección de Earl Davis) y Gas Station (1917, Museo y Jardín de Esculturas Hirshhorn), se caracterizan por sus colores vivos y sus pinceladas fluidas y enérgicas. Tras pasar dos veranos en Provincetown (Massachusetts), Davis se interesó por la costa de Nueva Inglaterra, convirtiéndose en un habitual de Gloucester durante las temporadas de verano hasta 1934. Inspirado por los cuadros de Cézanne, Gauguin, Matisse y van Gogh, pintó coloridos paisajes y escenas portuarias. En 1921, realizó algunas de las obras más abstractas de su carrera, entre las que se incluyen cuadros con temas de cajetillas de cigarrillos, etiquetas, bombillas, botellas de enjuague bucal, saleros y batidores de huevos, todos ellos inspirados en el dadaísmo. Un ejemplo de ello es su cuadro Lucky Strike (1921, Museo de Arte Moderno), que muestra un paquete de cigarrillos pintado con precisión en un estilo de collage cubista, con colores superpuestos, oscuros contra claros, con formas verticales y horizontales. En 1922, Davis se hizo miembro de la Modern Artists of America. Como artista moderno establecido, se abrió paso en los círculos de la vanguardia neoyorquina. A lo largo de los años, entabló amistad con pintores abstractos como Charles Demuth, Arshile Gorky, John D. Graham y el poeta William Carlos Williams.

En 1927 y 1928, trabajó en su conocida Serie del batidor de huevos (Eggbeater), una exploración personal de la forma y el espacio cubistas en la que utilizó objetos como un batidor de huevos, un ventilador eléctrico y guantes de goma. La serie aparece como una especie de catarsis a través de la cual intentó deshacerse de los últimos vestigios de ilusionismo en su obra. Pintó repetidamente los mencionados accesorios, que son elementos de la naturaleza muerta, hasta que dejaron de existir en sus ojos y en su mente, excepto la relación entre el color, la línea y la forma. En estas y otras obras del mismo periodo, alcanzó un grado de abstracción simplificada que superaba todo lo que pretendía crear en los diez años siguientes. También estableció ciertos motivos de disposición en sus cuadros, que luego desarrolló en otras obras.

Viaje a París

Tras un exitoso debut en la Galería Valentine, su madrina, Gertrude Vanderbilt Whitney, le animó a ir a París. Con su apoyo financiero, se dirigió allí junto con su amiga Bessie Chosak. En París, instaló un estudio en el barrio de Montparnasse. Durante su estancia de catorce meses, pintó paisajes callejeros, utilizando colores brillantes y detalles típicamente franceses como balaustradas, persianas, mansardas y cafés. En 1929 se casó con Bessie Chosak.

Regreso a Estados Unidos

En 1929, Davis regresó a Estados Unidos. Ese mismo año murió su mentor, Robert Henri. En la década de 1930, Estados Unidos se vio afectado por la Gran Depresión. Cuando, en 1933, el presidente Franklin Delano Roosevelt anunció el lanzamiento de un programa federal de apoyo a las artes, Davis fue uno de los primeros en sumarse. Entre 1933 y 1939, realizó varios murales en el marco del Programa de Obras de Arte Públicas, el Proyecto Federal de Arte y la Administración de Progreso de Obras. Con el apoyo financiero del gobierno, pudo continuar su exploración del formalismo y los temas americanos. Para promover los intereses de los artistas y protegerlos de la guerra y el fascismo, se hizo miembro de The Artists Union y del American Artists» Congress. En 1934 fue elegido presidente de la Unión de Artistas. De 1935 a 1936 dirigió la revista Art Front. Sin embargo, trató de no combinar su trabajo social con sus actividades artísticas. En la década de 1930, las principales pinturas de Davis mostraron una continuación de la interacción de objetos claramente definidos y fragmentados con la estructura geométrica-abstracta. Al mismo tiempo, el artista llevó a cabo numerosos experimentos con la abstracción total, especialmente en dibujos y pinturas. Su color se volvió cada vez más brillante, y en muchas obras intensificó la impresión de ritmo, la sensación de movimiento, la alegría y el ritmo a través de una complicación cada vez mayor de formas de color más pequeñas, irregulares y contrastadas. Los cuadros de principios de la década de 1930 mostraban objetos ordenados y claramente reconocibles: un surtidor de gasolina, edificios, muebles, sombreros, coches y carteles, ambientados en vibrantes paisajes urbanos. En las obras de finales de los años 30, los objetos se desmaterializan, convirtiéndose en formas con contornos coloridos. Este fue el comienzo de veinticinco años de pintura abstracta madura en la carrera del artista. Una cierta excepción a esto fue el mural a gran escala (14 × 46 m) Historia de la comunicación de 1939, conservado sólo como boceto, cuyo tema reconocible estuvo probablemente condicionado por las circunstancias del encargo.

Sin embargo, a principios de la década de 1940 también había cuadros en la obra del artista que presentaban un mayor o menor grado de figurativismo, como New York Under Gaslight, de 1941. Al mismo tiempo, Davis produjo una serie de brillantes paisajes abstractos: Hot Stillscape in Six Colours (1940), Arboretum by Flashbulb (1942), Ursine Park (1942) y Ultramarine (1943). Se caracterizan por abandonar la ilusión visual naturalista, aunque conservan fuertes asociaciones con el paisaje. Las formas repetidas y dentadas crean un patrón general fracturado. Los colores utilizados son decididamente el rojo, el verde y el azul, con claros cortes en blanco y negro. A finales de la década de 1940, Davis produjo una serie de pequeños cuadros experimentales a los que dio los títulos de Pad (más bien en el sentido del jazz) y Max, junto con números secuenciales para distinguirlos. Están desprovistas de cualquier elemento que las asocie con el figurativismo, salvo la palabra «Pad», y son expresiones de experimentación abstracta, que van desde las formas puramente geométricas hasta las fuertemente expresionistas. Un ejemplo de ello es The Mellow Pad, en el que el artista trabajó de forma intermitente entre 1945 y 1951, y que fue un intento de desarrollar los mencionados bocetos abstractos en una composición más monumental.

Paralelamente a sus actividades pictóricas, Davis se dedicó a la docencia: en 1932 dio clases en la Art Students League de Nueva York, en 1940 fue profesor en la New School for Social Research y en 1950 en la Universidad de Yale.

Davis pintó mucho hasta su muerte. En numerosos cuadros pequeños, al óleo o al gouache, experimentó con nuevas ideas o revisitó motivos antiguos para posibles desarrollos de variantes, como Combination Concrete II (1958) o The Paris Bit (1959), un pastiche nostálgico de reminiscencias parisinas. Dejó varios cuadros y dibujos inacabados en su estudio, que son un documento de sus métodos creativos y de la inagotable fertilidad de su imaginación. También dejó muchos cuadernos con observaciones y registros de sus ideas para un posible desarrollo. Davis es casi el único pintor estadounidense del siglo XX cuya obra trascendió todos los cambios de estilo, movimiento y moda. Incluso en los años 50, cuando el expresionismo abstracto dominaba la escena estadounidense, el artista seguía sintiendo respeto y admiración por los nuevos artistas más experimentales.

En sus últimos años, Davis siguió cosechando éxitos artísticos. En 1952 y 1954 recibió, como representante de Estados Unidos, honores en la Bienal de Venecia. Además, recibió el Premio Internacional Solomon R. Guggenheim en 1958 y 1960. Murió repentinamente de un derrame cerebral, dejando tras de sí un legado artístico de pinturas y una reputación como uno de los primeros modernistas de Estados Unidos. En las páginas de The New York Times, el crítico de arte Brian O»Doherty lo describió como «uno de los pocos grandes pintores que ha producido Estados Unidos que nunca fue anacrónico».

Davis comenzó su carrera artística en la tradición del realismo americano, representado por la escuela de Robert Henri. Más tarde exploró la pintura postimpresionista y fauvista y, en la década de 1920, las técnicas europeas de abstracción y cubismo sintético. Estas experiencias culminaron en la serie Eggbeater. A Davis se le atribuye el desarrollo de la variedad americana del cubismo europeo. Mediante el uso de una jerga y un simbolismo claramente estadounidenses, sus cuadros consolidaron la posición de Estados Unidos en el mundo del arte contemporáneo. Davis fue uno de los primeros en tratar el jazz y el swing junto con la pintura. Su uso de colores brillantes y palpitantes, líneas expresivas y formas repetitivas daba un ritmo visual a sus cuadros, que recordaba la síncopa y la improvisación tan características de la música de jazz. Davis introdujo un nuevo enfoque postcubista de la abstracción, dispersando las formas por el lienzo y manipulando los colores vivos de forma que se rechazara un punto focal para centrar la atención del espectador. Este nuevo método, en el que todas las partes del cuadro son iguales, concebido para que el ojo del espectador pueda vagar sin dirección, supuso un paso importante hacia la abstracción total realizada por expresionistas abstractos como Jackson Pollock. A su vez, la transformación de Davis de los artículos de consumo y los anuncios publicitarios en obras de arte prefiguró el arte pop de los años 60. Davis sigue siendo uno de los artistas estadounidenses más importantes que trabajaron en el periodo de entreguerras.

Prace Stuarta Davisa znajdują się w zbiorach głównych amerykańskich muzeów sztuki, w tym: Addison Gallery of American Art, Amon Carter Museum of American Art, Art Institute of Chicago, Biblioteka Kongresu, Brooklyn Museum, Carnegie Museum of Art, Dallas Museum of Art, Fine Arts Museums of San Francisco, Harvard University Art Museums, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Hyde Collection, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Memorial Art Gallery, Museum of Fine Arts w Bostonie, Metropolitan Museum of Art, Montclair Art Museum, Museum of Fine Arts, Houston, Museo de Arte Moderno, Muzeum Thyssen-Bornemisza, Galería Nacional de Australia, Galería Nacional del Retrato, Museo de Arte Norton, Academia de Bellas Artes de Pensilvania, Phillips Collection, Museo de Arte de Portland, Museo de Arte de la Universidad de Princeton, Museo de Arte de San Diego, Museo de Arte Moderno de San Francisco, Museo Smithsoniano de Arte Americano y Galería Renwick, Museo de Bellas Artes de Virginia, Centro de Arte Walker, Museo Whitney de Arte Americano.

Fuentes

  1. Stuart Davis
  2. Stuart Davis
  3. Niektóre źródła (Smithsonian Institution) wymieniają rok 1894.
  4. ^ Patterson, J. (2009). Stuart Davis»s painting and politics in the 1930s. The Burlington Magazine, 151465–468.
  5. ^ Philip Cooper, Cubism. Ediz. Phaidon, Londra, 1995.
  6. ^ a b c d e f Cécile Whiting, Stuard Davis, Oxford Art Online
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