John Ford

Mary Stone | Dezember 13, 2022

Zusammenfassung

John Martin Feeney (1. Februar 1894 – 31. August 1973), bekannt als John Ford, war ein amerikanischer Filmregisseur und Marineoffizier. Er ist sowohl für Western wie Stagecoach (1939), The Searchers (1956) und The Man Who Shot Liberty Valance (1962) als auch für Verfilmungen klassischer amerikanischer Romane des 20. Jahrhunderts wie The Grapes of Wrath (1940) bekannt. Er wurde mit sechs Oscars ausgezeichnet, darunter der Rekord von vier Preisen für die beste Regie.

In seiner mehr als 50 Jahre währenden Karriere führte Ford bei mehr als 140 Filmen Regie (obwohl die meisten seiner Stummfilme heute verloren sind), und er gilt weithin als einer der wichtigsten und einflussreichsten Filmemacher seiner Generation. Fords Arbeit wurde von seinen Kollegen hoch geschätzt. Akira Kurosawa, Orson Welles und Ingmar Bergman gehörten zu denen, die ihn als einen der größten Regisseure aller Zeiten bezeichneten.

Ford drehte häufig an Originalschauplätzen und in weiten Einstellungen, in denen seine Figuren vor einer weiten, rauen und zerklüfteten Naturkulisse zu sehen sind.

Ford wurde als John Martin „Jack“ Feeney (obwohl er später oft seinen Vornamen als Seán Aloysius angab, manchmal mit dem Nachnamen O“Feeny oder Ó Fearna; eine irische Entsprechung von Feeney) in Cape Elizabeth, Maine, als Sohn von John Augustine Feeney und Barbara „Abbey“ Curran am 1. Februar 1894 geboren (obwohl er gelegentlich 1895 sagte und dieses Datum fälschlicherweise auf seinem Grabstein steht). Sein Vater, John Augustine, wurde in Spiddal geboren, Barbara Curran auf den Aran-Inseln, in der Stadt Kilronan auf der Insel Inishmore (Inis Mór). Die Großmutter von John A. Feeney, Barbara Morris, stammte aus einem verarmten Zweig einer irischen Adelsfamilie, den Morrises of Spiddal (die derzeit von Lord Killanin angeführt werden).

John Augustine und Barbara Curran kamen im Mai bzw. Juni 1872 in Boston bzw. Portland an. Sie meldeten am 31. Juli 1875 ihre Heiratsabsichten an und wurden fünf Jahre später, am 11. September 1880, amerikanische Staatsbürger. Die Familie von John Augustine Feeney wohnte in der Sheridan Street im irischen Viertel Munjoy Hill in Portland, Maine, und sein Vater arbeitete in verschiedenen Gelegenheitsjobs, um die Familie zu ernähren – in der Landwirtschaft, beim Fischfang, als Arbeiter für die Gasgesellschaft, als Saloonbesitzer und als Stadtrat. John und Barbara hatten elf Kinder: Mamie (Bridget, 1883-1884; Barbara, geboren und gestorben 1888; Edward, geboren 1889; Josephine, geboren 1891; Hannah (und Daniel, geboren und gestorben 1896 (oder 1898).

Feeney besuchte die Portland High School in Portland, Maine, wo er als Fullback und Defensive Tackle spielte. Er erhielt den Spitznamen „Bull“, weil er, wie man sagt, seinen Helm senkte und die Linie angriff. Ein Pub in Portland wurde ihm zu Ehren Bull Feeney“s genannt. Später zog er nach Kalifornien und begann 1914, in der Filmproduktion zu arbeiten und für seinen älteren Bruder Francis zu schauspielern, wobei er „Jack Ford“ als beruflichen Namen annahm. Neben den bekannten Rollen spielte er 1915 in D. W. Griffiths The Birth of a Nation (Die Geburt einer Nation) einen Klansman ohne Namensnennung.

Er heiratete am 3. Juli 1920 Mary McBride Smith, mit der er zwei Kinder hatte. Seine Tochter Barbara war von 1952 bis 1964 mit dem Sänger und Schauspieler Ken Curtis verheiratet. Die Ehe zwischen Ford und Smith hielt trotz verschiedener Probleme ein Leben lang. Eines davon war, dass Ford katholisch war, während sie eine nicht-katholische Geschiedene war. Welche Schwierigkeiten dies mit sich brachte, ist unklar, da der Grad von Fords Engagement für den katholischen Glauben umstritten ist. Eine weitere Belastung waren Fords zahlreiche außereheliche Beziehungen.

Ford begann seine Karriere beim Film, nachdem er im Juli 1914 nach Kalifornien gezogen war. Er trat in die Fußstapfen seines zwölf Jahre älteren, vielseitig begabten Bruders Francis Ford, der Jahre zuvor von zu Hause weggegangen war und im Varieté gearbeitet hatte, bevor er Filmschauspieler wurde. Francis spielte in Hunderten von Stummfilmen für Filmemacher wie Thomas Edison, Georges Méliès und Thomas Ince und avancierte schließlich zu einem prominenten Hollywood-Schauspieler, Autor und Regisseur mit einer eigenen Produktionsfirma (101 Bison) bei Universal.

Ford begann in den Filmen seines Bruders als Assistent, Handwerker, Stuntman und Gelegenheitsschauspieler, wobei er häufig für seinen Bruder einsprang, dem er sehr ähnlich sah. Francis gab seinem jüngeren Bruder seine erste Schauspielrolle in The Mysterious Rose (November 1914). Trotz einer oft kämpferischen Beziehung avancierte Jack innerhalb von drei Jahren zu Francis“ wichtigstem Assistenten und arbeitete oft als sein Kameramann. Als Jack Ford seine erste Chance als Regisseur erhielt, war Francis“ Bekanntheitsgrad bereits gesunken und er hörte bald darauf auf, als Regisseur zu arbeiten.

Ein bemerkenswertes Merkmal von Fords Filmen ist die Tatsache, dass er mehr als viele andere Regisseure auf ein „Stammteam“ von Schauspielern zurückgriff. Viele berühmte Stars traten in mindestens zwei oder mehr Ford-Filmen auf, darunter Harry Carey Sr. (der Star von 25 Ford-Stummfilmen), Will Rogers, John Wayne, Henry Fonda, Maureen O“Hara, James Stewart, Woody Strode, Richard Widmark, Victor McLaglen, Vera Miles und Jeffrey Hunter. Viele seiner Nebendarsteller wirkten in mehreren Ford-Filmen mit, oft über einen Zeitraum von mehreren Jahrzehnten, darunter Ben Johnson, Chill Wills, Andy Devine, Ward Bond, Grant Withers, Mae Marsh, Anna Lee, Harry Carey Jr., Ken Curtis, Frank Baker, Dolores del Río, Pedro Armendáriz, Hank Worden, John Qualen, Barry Fitzgerald, Arthur Shields, John Carradine, O. Z. Whitehead und Carleton Young. Die Kernmitglieder dieser erweiterten „Truppe“, zu denen Ward Bond, John Carradine, Harry Carey Jr., Mae Marsh, Frank Baker und Ben Johnson gehörten, wurden informell als John Ford Stock Company bezeichnet.

Auch mit seinem Produktionsteam pflegte Ford lange Arbeitsbeziehungen, und viele seiner Mitarbeiter arbeiteten jahrzehntelang mit ihm zusammen. Er drehte zahlreiche Filme mit denselben wichtigen Mitarbeitern, darunter der Produzent und Geschäftspartner Merian C. Cooper, die Drehbuchautoren Nunnally Johnson, Dudley Nichols und Frank S. Nugent sowie die Kameraleute Ben F. Reynolds, John W. Brown und George Schneiderman (die zusammen die meisten Stummfilme von Ford drehten), Joseph H. August, Gregg Toland, Winton Hoch, Charles Lawton Jr., Bert Glennon, Archie Stout und William H. Clothier. Die meisten von Fords Nachkriegsfilmen wurden bis zu dessen Tod 1961 von Jack Murray geschnitten. Otho Lovering, der erstmals mit Ford bei Stagecoach (1939) zusammengearbeitet hatte, wurde nach Murrays Tod Fords Hauptcutter.

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Stille Zeit

In seinem ersten Jahrzehnt als Regisseur arbeitete Ford an Dutzenden von Spielfilmen (darunter viele Western), aber nur zehn der mehr als sechzig Stummfilme, die er zwischen 1917 und 1928 drehte, sind noch vollständig erhalten. Allerdings wurden in den letzten Jahren in ausländischen Filmarchiven Kopien mehrerer verloren geglaubter Stummfilme von Ford wiederentdeckt. 2009 wurde im neuseeländischen Filmarchiv eine Sammlung von 75 Hollywood-Stummfilmen wiederentdeckt, darunter die einzige erhaltene Kopie von Fords Stummfilmkomödie Upstream aus dem Jahr 1927. Die Kopie wurde in Neuseeland von der Academy of Motion Picture Arts & Sciences restauriert, bevor sie nach Amerika zurückgebracht wurde, wo sie am 31. August 2010 im Samuel Goldwyn Theater in Beverly Hills mit einer neu in Auftrag gegebenen Filmmusik von Michael Mortilla eine „Repremiere“ erlebte.

Während seiner gesamten Karriere war Ford einer der meistbeschäftigten Regisseure Hollywoods, doch in seinen ersten Jahren als Regisseur war er außerordentlich produktiv – 1917 drehte er zehn, 1918 acht und 1919 fünfzehn Filme – und führte zwischen 1917 und 1928 bei insgesamt 62 Kurz- und Langfilmen Regie, obwohl er in den meisten seiner ersten Filme nicht auf der Leinwand zu sehen war.

Es besteht eine gewisse Unsicherheit über die Identität von Fords erstem Film als Regisseur – der Filmautor Ephraim Katz merkt an, dass Ford möglicherweise schon 1914 bei dem vierteiligen Film Lucille the Waitress Regie geführt hat -, aber die meisten Quellen geben sein Regiedebüt als den Stummfilm The Tornado an, der im März 1917 veröffentlicht wurde. Nach Fords eigener Aussage erhielt er den Auftrag von Universal-Boss Carl Laemmle, der gesagt haben soll: „Gib Jack Ford den Job – er schreit gut“. Auf The Tornado folgte schnell eine Reihe von Zwei- und Dreiteilern – The Trail of Hate, The Scrapper, The Soul Herder und Cheyenne“s Pal; diese Filme wurden innerhalb weniger Monate gedreht, und jeder von ihnen benötigte nur zwei oder drei Drehtage; alle gelten heute als verschollen. The Soul Herder ist auch der Beginn von Fords vierjähriger, 25 Filme umfassender Zusammenarbeit mit dem Schauspielerveteranen Harry Carey, der (zusammen mit Fords Bruder Francis) einen starken Einfluss auf den jungen Regisseur ausübte und einer der Haupteinflüsse auf die Leinwandpersönlichkeit von Fords Schützling John Wayne war. Careys Sohn Harry „Dobe“ Carey Jr., der ebenfalls Schauspieler wurde, war in späteren Jahren einer von Fords engsten Freunden und spielte in vielen seiner berühmtesten Western mit.

Fords erste abendfüllende Produktion war Straight Shooting (August 1917), der auch sein frühester vollständig erhaltener Film als Regisseur ist und einer von nur zwei überlebenden Filmen aus seiner Zusammenarbeit mit Harry Carey, die 25 Filme umfasste. Bei der Herstellung des Films ignorierten Ford und Carey die Anweisungen des Studios und reichten fünf statt zwei Filmrollen ein. Nur durch die Intervention von Carl Laemmle konnte der Film bei seiner ersten Veröffentlichung vor dem Schnitt bewahrt werden, obwohl er später für die Wiederveröffentlichung in den späten 1920er Jahren auf zwei Filmrollen reduziert wurde. Fords letzter Film von 1917, Bucking Broadway, galt lange Zeit als verschollen, doch 2002 wurde die einzige bekannte erhaltene Kopie in den Archiven des französischen Nationalen Zentrums für Kinematographie entdeckt und seitdem restauriert und digitalisiert.

Ford führte in drei Jahren bei rund sechsunddreißig Filmen für Universal Regie, bevor er 1920 zum Studio William Fox wechselte; sein erster Film für dieses Studio war Just Pals (1920). Sein 1923 gedrehter Film Cameo Kirby mit dem Leinwandidol John Gilbert – ein weiterer der wenigen noch erhaltenen Stummfilme von Ford – war sein erster Film, bei dem er unter dem Namen „John Ford“ Regie führte und nicht unter dem Namen „Jack Ford“, wie er zuvor genannt worden war.

Fords erster großer Erfolg als Regisseur war das historische Drama Das eiserne Pferd (1924), eine epische Darstellung des Baus der ersten transkontinentalen Eisenbahn. Es war eine große, lange und schwierige Produktion, die in der Sierra Nevada gedreht wurde. Der logistische Aufwand war enorm – zwei ganze Städte wurden gebaut, es gab 5000 Statisten, 100 Köche, 2000 Bahnarbeiter, ein Kavallerieregiment, 800 Indianer, 1300 Büffel, 2000 Pferde, 10.000 Rinder und 50.000 Gegenstände, darunter die Original-Postkutsche von Horace Greeley, Wild Bill Hickoks Derringer-Pistole und Nachbildungen der Lokomotiven „Jupiter“ und „119“, die sich am Promontory Summit trafen, als die beiden Enden der Strecke am 10. Mai 1869 verbunden wurden.

Fords Bruder Eddie war Mitglied der Filmcrew, und sie stritten sich ständig; einmal ging Eddie Berichten zufolge „mit einem Pickelgriff auf den alten Mann los“. Als die Dreharbeiten begannen, lag nur ein kurzes Exposé vor, und Ford schrieb und drehte den Film Tag für Tag. Die Produktion geriet in Verzug, verzögerte sich durch ständiges schlechtes Wetter und die starke Kälte, und die Fox-Führungskräfte verlangten wiederholt Ergebnisse, aber Ford zerriss die Telegramme entweder oder hielt sie hoch und ließ den Stuntman Edward „Pardner“ Jones Löcher in den Namen des Absenders schießen. Trotz des Drucks, die Produktion zu stoppen, unterstützte Studioboss William Fox schließlich Ford und erlaubte ihm, den Film fertig zu stellen. Sein Glücksspiel zahlte sich aus: Das Eiserne Pferd wurde zu einem der umsatzstärksten Filme des Jahrzehnts und spielte weltweit über 2 Millionen US-Dollar ein – bei einem Budget von 280.000 Dollar.

Ford drehte in dieser Zeit eine breite Palette von Filmen und wurde für seine Western und „Frontier“-Filme bekannt, aber das Genre verlor in den späten 1920er Jahren schnell seinen Reiz für die großen Studios. Fords letzter Stummfilm-Western war 3 Bad Men (1926), der während des Dakota-Landrausches spielt und in Jackson Hole, Wyoming, und in der Mojave-Wüste gedreht wurde. Es sollte dreizehn Jahre dauern, bis er 1939 seinen nächsten Western, Stagecoach, drehte.

In den 1920er Jahren war Ford auch Präsident der Motion Picture Directors Association, eines Vorläufers der heutigen Directors Guild of America.

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Tonfilme: 1928-1939

Ford war einer der Pioniere des Tonfilms; er drehte für seinen Film Mother Machree das erste Lied, das Fox auf der Leinwand sang (dieser Film ist auch der erste Ford-Film, in dem der junge John Wayne (als Statist ohne Guthaben) zu sehen ist, und er trat in den folgenden zwei Jahren in mehreren Filmen von Ford als Statist auf. Darüber hinaus ist Hangman“s House (1928) bemerkenswert, da John Wayne hier zum ersten Mal in einem Ford-Film zu sehen ist, und zwar in der Rolle eines aufgeregten Zuschauers während eines Pferderennens.

Kurz bevor das Studio zum Tonfilm überging, gab Fox dem deutschen Regisseur F. W. Murnau einen Vertrag, und sein Film Sunrise: A Song of Two Humans (1927), der von der Kritik immer noch hoch geschätzt wird, hatte eine starke Wirkung auf Ford. Murnaus Einfluss ist in vielen von Fords Filmen der späten 1920er und frühen 1930er Jahre zu erkennen – Vier Söhne (1928) wurde in einigen der aufwendigen Sets gedreht, die von Murnaus Produktion übrig geblieben waren.

Im November desselben Jahres führte Ford Regie bei Fox“ erstem dramatischen Spielfilm Napoleon“s Barber (1928), einem Dreiteiler, der heute als verschollen gilt. Auf Napoleon“s Barber folgten seine letzten beiden Stummfilme Riley the Cop (die beide mit synchronisierter Musik und Soundeffekten veröffentlicht wurden; letzterer gilt heute als verschollen (obwohl in Tag Gallaghers Buch steht, dass die einzige erhaltene Kopie von Strong Boy, eine 35-mm-Nitratkopie, angeblich in einer privaten Sammlung in Australien aufbewahrt wird). The Black Watch (1929), ein Abenteuer der Kolonialarmee, das am Khyber-Pass spielt, mit Victor McLaglen und Myrna Loy in den Hauptrollen, ist Fords erster rein sprechender Film; er wurde 1954 von Henry King als King of the Khyber Rifles neu verfilmt.

Fords Produktion war von 1928 bis zum Beginn des Zweiten Weltkriegs ziemlich konstant; 1928 drehte er fünf Spielfilme, und von 1929 bis einschließlich 1942 drehte er jedes Jahr entweder zwei oder drei Filme. Im Jahr 1929 wurden drei Filme veröffentlicht – Strong Boy, The Black Watch und Salute. Seine drei Filme von 1930 waren Men Without Women, Born Reckless und Up the River, der als Debütfilm für Spencer Tracy und Humphrey Bogart gilt, die beide auf Fords Empfehlung hin bei der Fox unter Vertrag genommen wurden (der letztgenannte Film, nach dem Roman von Sinclair Lewis und mit Ronald Colman und Helen Hayes in den Hauptrollen, bedeutete Fords erste Anerkennung bei den Academy Awards, mit fünf Nominierungen, darunter für den besten Film.

Fords legendäre Effizienz und seine Fähigkeit, Filme zu drehen, die Kunstfertigkeit mit starker kommerzieller Anziehungskraft verbinden, verschafften ihm zunehmendes Renommee. Bis 1940 war er als einer der weltweit führenden Filmregisseure anerkannt. Sein wachsendes Ansehen spiegelte sich auch in seiner Vergütung wider: 1920, als er zur Fox wechselte, erhielt er 300-600 Dollar pro Woche. Als seine Karriere Mitte der zwanziger Jahre Fahrt aufnahm, stieg sein Jahreseinkommen deutlich an. Im Jahr 1929 verdiente er fast 134.000 Dollar, und von 1934 bis 1941 verdiente er jedes Jahr mehr als 100.000 Dollar und im Jahr 1938 sogar 220.068 Dollar – mehr als das Doppelte des Gehalts des damaligen US-Präsidenten (obwohl dies immer noch weniger als die Hälfte des Einkommens von Carole Lombard war, dem bestbezahlten Hollywood-Star der 1930er Jahre, der zu dieser Zeit rund 500.000 Dollar pro Jahr verdiente).

Da die Filmproduktion von der Depression betroffen war, drehte Ford 1932 und 1933 jeweils zwei Filme – Air Mail (für Universal) mit dem jungen Ralph Bellamy und Flesh (für MGM) mit Wallace Beery. 1933 kehrte er zu Fox zurück und drehte Pilgrimage und Doctor Bull, den ersten seiner drei Filme mit Will Rogers.

Das Wüstendrama Die verlorene Patrouille (1934), das auf dem Buch Patrouille von Philip MacDonald basiert, war ein besseres Remake des Stummfilms Die verlorene Patrouille von 1929. Victor McLaglen spielte darin den Sergeant – in der früheren Version hatte sein Bruder Cyril McLaglen die Rolle übernommen – mit Boris Karloff, Wallace Ford, Alan Hale und Reginald Denny (der später eine Firma gründete, die im Zweiten Weltkrieg funkgesteuerte Zielflugzeuge herstellte). Der Film war einer von Fords ersten großen Hits der Tonfilm-Ära – er wurde sowohl vom National Board of Review als auch von der New York Times als einer der 10 besten Filme des Jahres bewertet und erhielt eine Oscar-Nominierung für seine mitreißende Musik von Max Steiner. Später im Jahr folgten The World Moves On mit Madeleine Carroll und Franchot Tone sowie der äußerst erfolgreiche Judge Priest, sein zweiter Film mit Will Rogers, der zu einem der umsatzstärksten Filme des Jahres wurde.

Fords erster Film von 1935 (für Columbia) war die Verwechslungskomödie The Whole Town“s Talking mit Edward G. Robinson und Jean Arthur, die im Vereinigten Königreich unter dem Titel Passport to Fame veröffentlicht wurde und von der Kritik gelobt wurde. Steamboat Round The Bend war sein dritter und letzter Film mit Will Rogers. Wahrscheinlich hätten sie weiter zusammen gearbeitet, aber ihre Zusammenarbeit wurde durch Rogers“ frühen Tod bei einem Flugzeugabsturz im Mai 1935 beendet, was Ford sehr mitgenommen hat.

Mit dem von Murnau beeinflussten irisch-republikanischen Armeedrama The Informer (1935) mit Victor McLaglen in der Hauptrolle bestätigte Ford seinen Platz in der ersten Reihe der amerikanischen Regisseure. Der Film wurde von den Kritikern hoch gelobt, für den besten Film nominiert, brachte Ford seinen ersten Oscar für die beste Regie ein und wurde damals als einer der besten Filme aller Zeiten gepriesen, auch wenn sein Ansehen im Vergleich zu anderen Filmen wie Citizen Kane oder Fords späterem Film The Searchers (1956) stark abgenommen hat.

Der politisch aufgeladene The Prisoner of Shark Island (1936) – der das Debüt des langjährigen „Stock Company“-Darstellers John Carradine bei Ford markierte – befasste sich mit der wenig bekannten Geschichte von Samuel Mudd, einem Arzt, der in die Verschwörung um das Abraham-Lincoln-Attentat verwickelt war und in ein Hochseegefängnis eingeliefert wurde, weil er den verletzten John Wilkes Booth behandelt hatte. Zu den weiteren Filmen dieser Zeit gehören das Südsee-Melodrama The Hurricane (1937) und der unbeschwerte Shirley-Temple-Film Wee Willie Winkie (1937), die beide im ersten Jahr in den USA mehr als 1 Million Dollar einspielten. Während der Dreharbeiten zu Wee Willie Winkie ließ Ford aufwändige Kulissen auf der Iverson Movie Ranch in Chatsworth, Kalifornien, bauen, einer viel gefilmten Ranch, die vor allem mit Serien und B-Western in Verbindung gebracht wurde und die neben dem Monument Valley zu den bevorzugten Drehorten des Regisseurs gehörte und zu der Ford in den nächsten Jahren für Stagecoach und The Grapes of Wrath zurückkehren sollte.

In der längeren überarbeiteten Fassung von Directed by John Ford, die im November 2006 auf Turner Classic Movies gezeigt wurde, kommen die Regisseure Steven Spielberg, Clint Eastwood und Martin Scorsese zu Wort, die darauf hinweisen, dass die Reihe klassischer Filme, die Ford zwischen 1936 und 1941 drehte, zum Teil auf eine intensive sechsmonatige außereheliche Affäre mit Katharine Hepburn, dem Star von Mary of Scotland (1936), einem elisabethanischen Kostümdrama, zurückzuführen ist.

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1939-1941

Stagecoach (1939) war Fords erster Western seit 3 Bad Men (1926), und es war sein erster mit Ton. Orson Welles behauptete, er habe sich Stagecoach vierzig Mal angesehen, um sich auf die Dreharbeiten zu Citizen Kane vorzubereiten. Der Film ist nach wie vor einer der am meisten bewunderten und nachgeahmten Hollywood-Filme, nicht zuletzt wegen der abschließenden Verfolgungsjagd mit der Postkutsche und der haarsträubenden Pferdesprungszene, die von dem Stuntman Yakima Canutt vorgeführt wurde.

Das Drehbuch von Dudley Nichols und Ben Hecht basierte auf einer Geschichte von Ernest Haycox, die Ford in der Zeitschrift Collier“s entdeckt hatte, und er erwarb die Filmrechte für nur 2500 Dollar. Produktionschef Walter Wanger drängte Ford, Gary Cooper und Marlene Dietrich für die Hauptrollen zu engagieren, akzeptierte aber schließlich Fords Entscheidung, Claire Trevor als Dallas und einen nahezu Unbekannten, seinen Freund John Wayne, als Ringo zu besetzen; Wanger hatte Berichten zufolge kaum noch Einfluss auf die Produktion.

Bei den Dreharbeiten zu Stagecoach sah sich Ford mit den Vorurteilen der Filmindustrie gegenüber dem inzwischen abgedroschenen Genre konfrontiert, das er so populär gemacht hatte. Obwohl die „Poverty Row“-Studios immer noch in großer Zahl Low-Budget-Western und -Serien produzierten, war das Genre bei den großen Studios in den 1930er Jahren in Ungnade gefallen und galt bestenfalls als B-Grade-„Pulp“-Film. Infolgedessen trieb Ford das Projekt fast ein Jahr lang in Hollywood herum und bot es erfolglos sowohl Joseph Kennedy als auch David O. Selznick an, bevor er sich schließlich mit Walter Wanger zusammenschloss, einem unabhängigen Produzenten, der für United Artists arbeitete.

Stagecoach ist aus mehreren Gründen von Bedeutung – er sprengte die Vorurteile der Branche, indem er sowohl ein kritischer als auch ein kommerzieller Erfolg wurde und im ersten Jahr mehr als 1 Million US-Dollar einspielte (bei einem Budget von knapp 400.000 Dollar), und sein Erfolg (zusammen mit den Western Destry Rides Again von 1939 mit James Stewart und Marlene Dietrich, Union Pacific von Cecil B. DeMille mit Joel McCrea und Dodge City von Michael Curtiz mit Erroll Flynn) belebte das marode Genre wieder. DeMille“s Union Pacific mit Joel McCrea und Michael Curtiz“s Dodge City mit Erroll Flynn), belebte das sterbende Genre wieder und zeigte, dass Western „intelligent, kunstvoll, großartige Unterhaltung – und profitabel“ sein konnten. Der Film wurde für sieben Oscars nominiert, darunter für den besten Film und die beste Regie, und gewann zwei Oscars, für den besten Nebendarsteller (Thomas Mitchell) und die beste Filmmusik. Stagecoach war der erste in einer Reihe von sieben klassischen Ford-Western, die im Monument Valley gedreht wurden, mit zusätzlichen Aufnahmen an einem anderen von Fords Lieblingsdrehorten, der Iverson Movie Ranch in Chatsworth, Kalifornien, wo er zwei Jahre zuvor einen Großteil von Wee Willie Winkie gedreht hatte. Ford verknüpfte Iverson und das Monument Valley geschickt miteinander und schuf so die ikonischen Bilder des amerikanischen Westens, die der Film zeigt.

John Wayne hatte guten Grund, für Fords Unterstützung dankbar zu sein; Stagecoach verschaffte dem Schauspieler den Karrieredurchbruch, der ihn zu internationalem Ruhm verhalf. Im Laufe von 35 Jahren spielte Wayne in 24 von Fords Filmen und drei Fernsehserien mit. Ford wird zugeschrieben, dass er Waynes Image auf der Leinwand maßgeblich geprägt hat. Darstellerin Louise Platt zitierte Ford in einem Brief, in dem sie die Erfahrungen bei der Produktion des Films schilderte, mit den Worten über Waynes Zukunft beim Film „Er wird der größte Star aller Zeiten sein, weil er der perfekte “Jedermann“ ist.“

Stagecoach markierte den Beginn der erfolgreichsten Phase von Fords Karriere – in nur zwei Jahren zwischen 1939 und 1941 schuf er eine Reihe von Filmklassikern, die mit zahlreichen Oscars ausgezeichnet wurden. Fords nächster Film, die Filmbiografie Young Mr. Lincoln (1939) mit Henry Fonda in der Hauptrolle, war weniger erfolgreich als Stagecoach, wurde von der Kritik kaum beachtet und erhielt keine Auszeichnungen. Der Film war kein großer Kassenhit, obwohl er im ersten Jahr ein respektables Einspielergebnis von 750.000 Dollar erzielte, aber der Ford-Forscher Tag Gallagher beschreibt ihn als „ein tiefgründigeres, vielschichtigeres Werk als Stagecoach … (der) im Rückblick als einer der besten Vorkriegsfilme erscheint“.

Drums Along the Mohawk (es war auch Fords erster Film in Farbe und er enthielt ungewürdigte Drehbuchbeiträge von William Faulkner. Der Film war ein großer Erfolg an den Kinokassen, spielte im ersten Jahr in den USA 1,25 Millionen Dollar ein und brachte Edna May Oliver für ihre Leistung eine Oscar-Nominierung als beste Nebendarstellerin ein.

Trotz seiner kompromisslosen humanistischen und politischen Haltung war Fords Verfilmung von John Steinbecks Die Früchte des Zorns (Drehbuch: Nunnally Johnson, Kamera: Gregg Toland) sowohl ein großer Kassenerfolg als auch ein bedeutender Kritikererfolg und gilt bis heute als einer der besten Hollywood-Filme jener Zeit. Der renommierte Kritiker Andrew Sarris bezeichnete ihn als den Film, der Ford von einem „Geschichtenerzähler der Leinwand in Amerikas cineastischen Preisträger“ verwandelte. Fords dritter Film in einem Jahr und sein dritter Film mit Fonda in Folge spielte im ersten Jahr in den USA 1,1 Millionen Dollar ein und wurde mit zwei Academy Awards ausgezeichnet – Fords zweitem Oscar für die „Beste Regie“ und für die „Beste Nebendarstellerin“ für Jane Darwells grandiose Darstellung der Ma Joad. Während der Dreharbeiten kehrte Ford auf die Iverson Movie Ranch in Chatsworth, Kalifornien, zurück, um eine Reihe von Schlüsselaufnahmen zu drehen, darunter das entscheidende Bild, das den ersten vollständigen Blick der Einwandererfamilie auf das fruchtbare Ackerland Kaliforniens zeigt, das durch das San Fernando Valley von der Iverson Ranch aus gesehen dargestellt wurde.

Auf The Grapes of Wrath folgten zwei weniger erfolgreiche und weniger bekannte Filme. The Long Voyage Home (1940) wurde, wie Stagecoach, mit Walter Wanger von United Artists gedreht. Der Film basiert auf vier Theaterstücken von Eugene O“Neill und wurde von Dudley Nichols und Ford in Absprache mit O“Neill geschrieben. Obwohl er kein großer Kassenerfolg war (im ersten Jahr spielte er nur 600.000 Dollar ein), wurde er von der Kritik gelobt und für sieben Oscars nominiert: Bester Film, Bestes Drehbuch (Nichols), Beste Musik, Originalmusik (Richard Hageman), Beste Fotografie (Gregg Toland), Bester Schnitt (Sherman Todd), Beste Effekte (Bilder aus dem Film schmückten sein Haus, und auch O“Neill soll den Film geliebt und ihn sich regelmäßig angesehen haben.

Tobacco Road (1941) war eine ländliche Komödie nach dem Drehbuch von Nunnally Johnson, die auf der Grundlage der seit langem laufenden Jack-Kirkland-Bühnenfassung des Romans von Erskine Caldwell entstand. In der Hauptrolle spielte der altgediente Schauspieler Charley Grapewin, und zu den Nebendarstellern gehörten die Ford-Stammgäste Ward Bond und Mae Marsh sowie Francis Ford in einer nicht näher bezeichneten Nebenrolle; bemerkenswert sind auch die frühen Filmauftritte der späteren Stars Gene Tierney und Dana Andrews. Obwohl er von einigen Kritikern nicht sehr geschätzt wurde – Tag Gallagher widmet ihm in seinem Buch über Ford nur einen kurzen Absatz – war er an den Kinokassen recht erfolgreich und spielte im ersten Jahr 900.000 Dollar ein. In Australien wurde der Film verboten.

Fords letzter Spielfilm vor dem Eintritt Amerikas in den Zweiten Weltkrieg war seine Verfilmung von How Green Was My Valley (1941) mit Walter Pidgeon, Maureen O“Hara und Roddy McDowell in seiner karriereentscheidenden Rolle als Huw. Das Drehbuch wurde von Philip Dunne nach dem Bestseller-Roman von Richard Llewellyn geschrieben. Ursprünglich war der Film als vierstündiges Epos geplant, das mit Vom Winde verweht konkurrieren sollte – allein die Filmrechte kosteten Fox 300.000 Dollar – und sollte in Wales gedreht werden, was aber wegen der schweren deutschen Bombenangriffe auf Großbritannien aufgegeben wurde. Die Suche nach Drehorten in Südkalifornien führte dazu, dass die Kulisse für das Dorf auf dem Gelände des Crags Country Club (später die Fox-Ranch, heute der Kern des Malibu Creek State Park) errichtet wurde. Ein weiterer Faktor war die Nervosität der Fox-Führungskräfte über den gewerkschaftsfreundlichen Ton der Geschichte. Ursprünglich sollte William Wyler Regie führen, aber er verließ das Projekt, als Fox beschloss, den Film in Kalifornien zu drehen; an seiner Stelle wurde Ford engagiert, und die Produktion wurde um mehrere Monate verschoben, bis er verfügbar war. Der Produzent Darryl F. Zanuck hatte großen Einfluss auf den Film und traf mehrere wichtige Entscheidungen, darunter die Idee, die Figur des Huw den Film per Voice-over erzählen zu lassen (damals ein neues Konzept), und die Entscheidung, dass Huws Figur nicht altern sollte (ursprünglich war Tyrone Power für die Rolle des erwachsenen Huw vorgesehen).

Wie grün war mein Tal wurde zu einem der größten Filme des Jahres 1941. Er wurde für zehn Oscars nominiert, darunter für die beste Nebendarstellerin (Sara Allgood), den besten Schnitt, das beste Drehbuch, die beste Musik und den besten Ton, und er gewann fünf Oscars – für die beste Regie, den besten Film, den besten Nebendarsteller (Donald Crisp), die beste Schwarzweiß-Kameraarbeit (Arthur C. Miller) und die beste künstlerische Leitung.

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Kriegsjahre

Während des Zweiten Weltkriegs war Ford Leiter der fotografischen Abteilung des Office of Strategic Services und machte Dokumentarfilme für das Navy Department. Er wurde als Kommandant in die Reserve der United States Navy aufgenommen. In dieser Zeit gewann er zwei weitere Academy Awards, einen für den halbdokumentarischen Film The Battle of Midway (1942) und einen für den Propagandafilm December 7th: Der Film (1943). Ford filmte den japanischen Angriff auf Midway vom Kraftwerk auf Sand Island aus und wurde dabei von einer Maschinengewehrkugel am linken Arm verwundet.

Ford war am D-Day auch am Omaha Beach anwesend. Er überquerte den Ärmelkanal auf der USS Plunkett (DD-431), die um 6 Uhr vor Omaha Beach ankerte. Vom Schiff aus beobachtete er die Anlandung der ersten Welle am Strand und landete später selbst mit einem Kamerateam der Küstenwache am Strand, das die Schlacht von hinter den Strandhindernissen aus filmte, wobei Ford die Regie führte. Der Film wurde in London geschnitten, aber nur sehr wenig davon wurde der Öffentlichkeit zugänglich gemacht. Ford erklärte 1964 in einem Interview, dass die US-Regierung „Angst hatte, so viele amerikanische Opfer auf dem Bildschirm zu zeigen“, und fügte hinzu, dass der gesamte D-Day-Film „noch immer in Farbe in einem Lager in Anacostia in der Nähe von Washington, D.C.“ existiert. Dreißig Jahre später berichtete der Historiker Stephen E. Ambrose, dass das Eisenhower Center nicht in der Lage gewesen sei, den Film zu finden. Ein Film, der Fords Beschreibung entspricht, wurde 2014 von den US National Archives ausgegraben.

Ford stieg schließlich zum Top-Berater von OSS-Chef William Joseph Donovan auf. Laut den 2008 freigegebenen Unterlagen wurde Ford von seinen Vorgesetzten für seine Tapferkeit gelobt, als er eine Position einnahm, um eine Mission zu filmen, die „ein offensichtliches und klares Ziel“ war. Er überlebte „ständige Angriffe und wurde verwundet“, während er weiter filmte, heißt es in einer Belobigung in seiner Akte. 1945 gab Ford eidesstattliche Erklärungen ab, in denen er die Unversehrtheit der Filme bezeugte, die zur Dokumentation der Zustände in den Konzentrationslagern der Nazis aufgenommen worden waren.

Sein letzter Kriegsfilm war They Were Expendable (MGM, 1945), ein Bericht über die katastrophale Niederlage der Amerikaner auf den Philippinen, erzählt aus der Sicht eines PT-Boot-Geschwaders und seines Kommandanten. Ford kreierte eine Rolle für den genesenden Ward Bond, der Geld brauchte. Obwohl er den ganzen Film über zu sehen war, konnte er nie laufen, bis sie eine Rolle einbauten, in der ihm ins Bein geschossen wurde. Für den Rest des Films konnte er auf dem Schlussmarsch eine Krücke benutzen. Ford erklärte wiederholt, dass er den Film nicht mochte und ihn nie gesehen hatte, und beschwerte sich, dass er gezwungen worden war, ihn zu machen, obwohl er von dem Filmemacher Lindsay Anderson stark unterstützt wurde. Der Film kam einige Monate nach Kriegsende in die Kinos und gehörte zu den 20 erfolgreichsten Filmen des Jahres, obwohl Tag Gallagher anmerkt, dass viele Kritiker fälschlicherweise behaupteten, der Film habe Geld verloren.

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Nachkriegs-Karriere

Nach dem Krieg blieb Ford als Offizier in der Reserve der US-Marine. Während des Koreakriegs kehrte er in den aktiven Dienst zurück und wurde am Tag seines Ausscheidens aus dem Dienst zum Konteradmiral befördert.

In dem Jahrzehnt zwischen 1946 und 1956 führte Ford bei sechzehn Spielfilmen und mehreren Dokumentarfilmen Regie. Wie in seiner Vorkriegskarriere schwankten seine Filme zwischen (relativen) Kassenflops und großen Erfolgen, doch die meisten seiner späteren Filme erzielten solide Gewinne, und Fort Apache, The Quiet Man, Mogambo und The Searchers gehörten alle zu den 20 größten Kassenschlagern ihrer jeweiligen Jahre.

Fords erster Nachkriegsfilm My Darling Clementine (Fox, 1946) war eine romantisierte Nacherzählung der ursprünglichen Westernlegende von Wyatt Earp und der Schießerei am O.K. Corral, mit Außenszenen, die vor Ort im visuell spektakulären (aber geografisch unpassenden) Monument Valley gedreht wurden. Der Film führte Ford wieder mit Henry Fonda (als Earp) zusammen und bot Victor Mature in einer seiner besten Rollen als schwindsüchtiger, Shakespeare-liebender Doc Holliday, Ward Bond und Tim Holt als die Earp-Brüder, Linda Darnell als schwüles Saloon-Mädchen Chihuahua, eine starke Leistung von Walter Brennan (in einer seltenen Bösewicht-Rolle) als der giftige Old Man Clanton, mit Jane Darwell und einem frühen Auftritt von John Ireland als Billy Clanton. Im Gegensatz zu den zahlreichen Erfolgen in den Jahren 1939-1941 gewann der Film keine bedeutenden amerikanischen Preise, obwohl er 1948 vom italienischen Nationalen Syndikat der Filmjournalisten mit einem silbernen Band für den besten ausländischen Film ausgezeichnet wurde, und er war ein solider finanzieller Erfolg mit einem Einspielergebnis von 2,75 Millionen Dollar in den Vereinigten Staaten und 1,75 Millionen Dollar im Ausland im ersten Jahr seiner Veröffentlichung.

Ford lehnte einen lukrativen Vertrag ab, den ihm Zanuck bei 20th Century Fox angeboten hatte und der ihm 600.000 Dollar pro Jahr garantiert hätte, und machte sich als unabhängiger Regisseur und Produzent selbstständig. Viele seiner Filme drehte er in dieser Zeit mit der Argosy Pictures Corporation, einer Partnerschaft zwischen Ford und seinem alten Freund und Kollegen Merian C. Cooper. Ford und Cooper waren zuvor an der eigenständigen Argosy Corporation beteiligt gewesen, die nach dem Erfolg von Stagecoach gegründet worden war (die Argosy Corporation produzierte einen Film, The Long Voyage Home (1940), bevor der Zweite Weltkrieg dazwischenkam. The Fugitive (1947), ebenfalls mit Fonda in der Hauptrolle, war das erste Projekt von Argosy Pictures. Es handelte sich um eine lose Adaption von Graham Greenes The Power and the Glory (Die Macht und der Ruhm), die Ford vor dem Krieg bei Fox hatte drehen wollen, mit Thomas Mitchell als Priester. Der Film wurde in Mexiko gedreht und von dem bekannten mexikanischen Kameramann Gabriel Figueroa (der später mit Luis Buñuel zusammenarbeitete) fotografiert. Zu den Nebendarstellern gehörten Dolores del Río, J. Carrol Naish, Ward Bond, Leo Carrillo und Mel Ferrer (der sein Leinwanddebüt gab) sowie ein Ensemble von hauptsächlich mexikanischen Statisten. Berichten zufolge hielt Ford diesen Film für seinen besten, aber im Vergleich zu seinem Vorgänger lief er relativ schlecht und spielte im ersten Jahr nur 750.000 Dollar ein. Außerdem führte er zu einem Zerwürfnis zwischen Ford und dem Drehbuchautor Dudley Nichols, das das Ende ihrer äußerst erfolgreichen Zusammenarbeit bedeutete. Greene selbst hatte eine besondere Abneigung gegen diese Adaption seines Werks.

Fort Apache (Argosy

In jenem Jahr unterstützte Ford auch seinen Freund und Kollegen Howard Hawks, der Probleme mit seinem aktuellen Film Red River (mit John Wayne in der Hauptrolle) hatte, und Ford machte Berichten zufolge zahlreiche Schnittvorschläge, unter anderem für den Einsatz eines Erzählers. Auf Fort Apache folgte ein weiterer Western, 3 Godfathers, eine Neuverfilmung eines Stummfilms von 1916 mit Harry Carey in der Hauptrolle (dem Fords Version gewidmet war), den Ford selbst bereits 1919 unter dem Titel Marked Men, ebenfalls mit Carey, neu gedreht hatte und der als verloren galt. Darin spielen John Wayne, Pedro Armendáriz und Harry „Dobe“ Carey Jr. (in einer seiner ersten großen Rollen) drei Gesetzlose, die ein Baby retten, nachdem seine Mutter (Mildred Natwick) bei der Geburt gestorben ist, während Ward Bond als Sheriff sie verfolgt. Das immer wiederkehrende Thema des Opfers findet sich auch in The Outcasts of Poker Flat, Three Godfathers, The Wallop, Desperate Trails, Hearts of Oak, Bad Men, Men without Women.

1949 kehrte Ford kurz zu Fox zurück, um bei Pinky Regie zu führen. Er bereitete das Projekt vor, arbeitete aber nur einen Tag, bevor er krank wurde, angeblich an Gürtelrose, und Elia Kazan ihn ersetzte (obwohl Tag Gallagher vermutet, dass Fords Krankheit ein Vorwand war, um den Film zu verlassen, was Ford nicht gefiel).

Sein einziger abgeschlossener Film in diesem Jahr war der zweite Teil seiner Kavallerie-Trilogie, She Wore a Yellow Ribbon (Argosy

Fords erster Film des Jahres 1950 war die schräge Militärkomödie When Willie Comes Marching Home mit Dan Dailey und Corinne Calvet in den Hauptrollen, mit William Demarest aus Preston Sturges“ „Stock Company“ und frühen (nicht genannten) Auftritten von Alan Hale Jr. und Vera Miles auf der Leinwand. Es folgte Wagon Master mit Ben Johnson und Harry Carey Jr. in den Hauptrollen, der als einziger Ford-Film seit 1930, den er selbst geschrieben hat, besonders bemerkenswert ist. Der Film wurde später in die lange laufende Fernsehserie Wagon Train (mit Ward Bond in der Titelrolle bis zu seinem plötzlichen Tod im Jahr 1960) übernommen. Obwohl der Film weit weniger erfolgreich war als die meisten seiner anderen Filme in dieser Zeit, bezeichnete Ford Wagon Master als seinen persönlichen Favoriten unter all seinen Filmen und sagte zu Peter Bogdanovich, dass er „dem, was ich zu erreichen gehofft hatte, am nächsten kam“.

Rio Grande (Republic, 1950), der dritte Teil der „Kavallerie-Trilogie“, war mit John Wayne und Maureen O“Hara besetzt, und Waynes Sohn Patrick Wayne gab sein Leinwanddebüt (er spielte in mehreren späteren Ford-Filmen mit, darunter The Searchers). Er wurde auf Drängen von Republic Pictures gedreht, die einen profitablen Western als Bedingung für die Unterstützung von Fords nächstem Projekt, The Quiet Man, forderten. Als Beweis für Fords legendäre Effizienz wurde Rio Grande in nur 32 Tagen mit nur 352 Takes und 335 Kameraeinstellungen gedreht und war ein solider Erfolg, der im ersten Jahr 2,25 Millionen Dollar einbrachte.

Die Befürchtungen von Republic wurden durch den durchschlagenden Erfolg von The Quiet Man (Republic, 1952) zerstreut, einem Lieblingsprojekt, das Ford seit den 1930er Jahren realisieren wollte (und 1937 mit einer unabhängigen Kooperative namens Renowned Artists Company auch fast realisiert hätte). Der Film wurde zu seinem bis dahin erfolgreichsten Film, der allein in den USA im ersten Jahr fast 4 Millionen Dollar einspielte und zu den zehn erfolgreichsten Filmen des Jahres gehörte. Er wurde für sieben Academy Awards nominiert und brachte Ford seinen vierten Oscar für die beste Regie sowie einen zweiten Oscar für die beste Kameraführung für Winton Hoch ein. Es folgte Was kostet der Ruhm? (1952), ein Drama aus dem Ersten Weltkrieg, der erste von zwei Filmen, die Ford mit James Cagney drehte (der andere war Mister Roberts), der ebenfalls ein gutes Ergebnis an den Kinokassen erzielte (2 Millionen Dollar).

The Sun Shines Bright (1953), Fords erster Beitrag zu den Filmfestspielen von Cannes, war eine Westernkomödie mit Charles Winninger in der Rolle des Judge Priest, die in den 1930er Jahren durch Will Rogers berühmt wurde. Ford bezeichnete den Film später als einen seiner Lieblingsfilme, aber er kam nicht gut an und wurde kurz nach seiner Veröffentlichung von Republic drastisch gekürzt (von 90 auf 65 Minuten), wobei einige der herausgenommenen Szenen heute als verloren gelten. Der Film kam an den Kinokassen schlecht weg und sein Misserfolg trug zum späteren Zusammenbruch von Argosy Pictures bei.

Fords nächster Film war das Liebesabenteuer Mogambo (MGM, 1953), eine lose Neuverfilmung des berühmten Films Red Dust von 1932. Der Film wurde in Afrika gedreht, von dem britischen Kameramann Freddie Young fotografiert und mit Fords altem Freund Clark Gable, Ava Gardner, Grace Kelly (die für den erkrankten Gene Tierney einsprang) und Donald Sinden besetzt. Obwohl die Produktion schwierig war (verschlimmert durch die irritierende Anwesenheit von Gardners damaligem Ehemann Frank Sinatra), wurde Mogambo zu einem der größten kommerziellen Erfolge in Fords Karriere, mit dem höchsten Einspielergebnis aller seiner Filme im ersten Jahr (er belebte auch Gables schwindende Karriere wieder und brachte Gardner und Kelly (die Gerüchten zufolge während der Dreharbeiten eine kurze Affäre mit Gable hatte) Oscar-Nominierungen für die beste Schauspielerin und die beste Nebendarstellerin ein).

1955 drehte Ford für Columbia Pictures das weniger bekannte West-Point-Drama The Long Gray Line, den ersten von zwei Ford-Filmen, in denen Tyrone Power mitspielte, der ursprünglich 1941 für die Rolle des erwachsenen Huw in How Green Was My Valley vorgesehen war. Später im Jahr 1955 wurde Ford von Warner Bros. für die Regie der Marine-Komödie Mister Roberts mit Henry Fonda, Jack Lemmon, William Powell und James Cagney in den Hauptrollen engagiert, aber es kam zu Konflikten zwischen Ford und Fonda, der die Hauptrolle seit sieben Jahren am Broadway gespielt hatte und Bedenken gegen Fords Regie hatte. Während eines Treffens zu dritt mit dem Produzenten Leland Hayward, bei dem versucht werden sollte, die Probleme zu lösen, geriet Ford in Wut und schlug Fonda auf den Kiefer, so dass er quer durch den Raum geschleudert wurde – eine Aktion, die zu einer dauerhaften Kluft zwischen den beiden führte. Nach diesem Vorfall wurde Ford immer mürrischer, trank viel und zog sich schließlich auf seine Yacht, die Araner, zurück und weigerte sich, zu essen oder jemanden zu sehen. Die Produktion wurde für fünf Tage eingestellt, und Ford wurde nüchtern, aber bald darauf erlitt er einen Gallenblasenriss, der eine Notoperation erforderlich machte, und er wurde durch Mervyn LeRoy ersetzt.

1955 machte Ford auch seine ersten Gehversuche im Fernsehen und führte bei zwei halbstündigen Dramen für das Network TV Regie. Im Sommer 1955 drehte er Rookie of the Year (Drehbuch: Frank S. Nugent) mit den Ford-Stammgästen John und Pat Wayne, Vera Miles und Ward Bond, wobei Ford selbst in der Einleitung auftrat. Im November drehte er The Bamboo Cross (mit Jane Wyman in der Hauptrolle und einer asiatisch-amerikanischen Besetzung sowie den Stock Company-Veteranen Frank Baker und Pat O“Malley in Nebenrollen).

Mit The Searchers (Warner Bros, 1956), dem einzigen Western, den er zwischen 1950 und 1959 drehte, kehrte Ford auf die große Leinwand zurück. Der Film gilt heute nicht nur als einer seiner besten Filme, sondern wird von vielen auch als einer der besten Western angesehen, in dem John Wayne eine der besten Leistungen seiner Karriere zeigt. Der Film wurde im Monument Valley gedreht und handelt von dem verbitterten Bürgerkriegsveteranen Ethan Edwards, der jahrelang nach seiner Nichte sucht, die als junges Mädchen von Comanchen entführt wurde. Zu den Nebendarstellern gehörten Jeffrey Hunter, Ward Bond, Vera Miles und der aufstrebende Star Natalie Wood. Es war der erste Film von Hunter für Ford. Der Film war bei seinem ersten Erscheinen sehr erfolgreich und gehörte mit einem Einspielergebnis von 4,45 Millionen Dollar zu den 20 erfolgreichsten Filmen des Jahres, obwohl er keine Nominierungen für den Oscar erhielt. Sein Ansehen ist jedoch in den letzten Jahren stark gewachsen: 2008 wurde er vom American Film Institute zum größten Western aller Zeiten gekürt und belegte 2007 Platz 12 auf der Liste der 100 besten Filme aller Zeiten. The Searchers hat einen großen Einfluss auf die Film- und Populärkultur ausgeübt – er hat viele Filmemacher inspiriert (und wurde von ihnen direkt zitiert), darunter David Lean und George Lucas, Waynes Satz „That“ll be the day“ inspirierte Buddy Holly zu seinem berühmten gleichnamigen Hit, und auch die britische Popgruppe The Searchers hat ihren Namen von dem Film übernommen.

The Searchers wurde von einem der ersten „Making of“-Dokumentarfilme begleitet, einem vierteiligen Werbeprogramm, das für das Segment „Hinter der Kamera“ der wöchentlichen TV-Show Warner Bros. Presents (der erste Vorstoß des Studios ins Fernsehen) erstellt wurde, die 1955-56 auf dem ABC Network ausgestrahlt wurde. Die vier von Gig Young moderierten Segmente enthielten Interviews mit Jeffrey Hunter und Natalie Wood sowie Aufnahmen hinter den Kulissen, die während der Dreharbeiten zum Film gemacht wurden.

The Wings of Eagles (MGM, 1957) war eine fiktionalisierte Biografie von Fords altem Freund, dem Flieger und späteren Drehbuchautor Frank „Spig“ Wead, der mehrere von Fords frühen Tonfilmen geschrieben hatte. In den Hauptrollen spielten John Wayne und Maureen O“Hara, mit Ward Bond als John Dodge (eine Figur, die auf Ford selbst basiert). Es folgte einer von Fords weniger bekannten Filmen, The Growler Story, eine 29-minütige dramatisierte Dokumentation über die USS Growler. Er wurde für die US Navy gedreht und von der Combat Camera Group des Pacific Fleet Command gefilmt. Neben Ward Bond und Ken Curtis waren auch echte Navy-Angehörige und ihre Familien zu sehen.

Fords nächste beiden Filme heben sich in Bezug auf die Produktion etwas von seinen übrigen Filmen ab, und er nahm für beide Filme keine Gage. The Rising of the Moon (Warner Bros, 1957) war ein dreiteiliger „Omnibus“-Film, der in Irland gedreht wurde und auf irischen Kurzgeschichten basiert. Produziert wurde er von Four Province Productions, einem Unternehmen, das von dem irischen Tycoon Lord Killanin gegründet wurde, der kurz zuvor Vorsitzender des Internationalen Olympischen Komitees geworden war und mit dem Ford entfernt verwandt war. Killanin war auch der eigentliche (aber nicht genannte) Produzent von The Quiet Man. Der Film spielte weniger als die Hälfte (100.000 Dollar) seiner negativen Kosten von knapp über 256.000 Dollar ein und löste in Irland einige Kontroversen aus.

Beide Ford-Filme aus dem Jahr 1958 wurden für Columbia Pictures gedreht und wichen deutlich von Fords Gewohnheiten ab. Gideon“s Day (in den USA unter dem Titel Gideon of Scotland Yard) wurde nach dem Roman des britischen Schriftstellers John Creasey gedreht. Es ist Fords einziger Genrefilm über die Polizei und einer der wenigen Ford-Filme, die in der Gegenwart der 1950er Jahre spielen. Er wurde in England mit einer britischen Besetzung gedreht, angeführt von Jack Hawkins, den Ford (ungewöhnlicherweise) als „den besten Schauspieler, mit dem ich je gearbeitet habe“ lobte. Der Film wurde von Columbia schlecht beworben, die ihn nur in Schwarzweiß vertrieben, obwohl er in Farbe gedreht wurde, und auch er warf im ersten Jahr keinen Gewinn ab, sondern spielte nur 400.000 Dollar ein, bei einem Budget von 453.000 Dollar.

The Last Hurrah (Columbia, 1958), ebenfalls in der Gegenwart der 1950er Jahre angesiedelt, spielte Spencer Tracy, der 1930 in Fords Up The River seinen ersten Filmauftritt hatte. Tracy spielt einen alternden Politiker, der seinen letzten Wahlkampf bestreitet, mit Jeffrey Hunter als seinem Neffen. Katharine Hepburn vermittelte Berichten zufolge eine Annäherung zwischen den beiden Männern und beendete damit eine langjährige Fehde. Sie überzeugte Tracy davon, die Hauptrolle zu übernehmen, die ursprünglich Orson Welles angeboten worden war (aber von Welles“ Agent ohne sein Wissen abgelehnt wurde, sehr zu seinem Leidwesen). Der Film lief wesentlich besser als die beiden vorangegangenen Filme von Ford und spielte im ersten Jahr 950.000 Dollar ein, obwohl Darstellerin Anna Lee erklärte, Ford sei „enttäuscht von dem Film“ und Columbia habe ihm nicht erlaubt, den Schnitt zu überwachen.

Korea: Battleground for Liberty (1959), Fords zweiter Dokumentarfilm über den Koreakrieg, wurde im Auftrag des US-Verteidigungsministeriums als Orientierungsfilm für die dort stationierten US-Soldaten gedreht.

Es folgte sein letzter Film des Jahrzehnts, The Horse Soldiers (Mirisch Company-United Artists, 1959), eine stark fiktionalisierte Bürgerkriegsgeschichte mit John Wayne, William Holden und Constance Towers in den Hauptrollen. Obwohl Ford sich unzufrieden mit dem Projekt zeigte, war der Film ein kommerzieller Erfolg, der auf Platz 1 der Top-20-Kassenschlager des Jahres landete, im ersten Jahr 3,6 Millionen Dollar einspielte und Ford seine bisher höchste Gage einbrachte – 375.000 Dollar plus 10 % der Einnahmen. Berichten zufolge war die Produktion für den Regisseur und die Darsteller schwierig, und es kam zu erheblichen Kostenüberschreitungen, die durch die beispiellosen Gehälter für Holden und Wayne (jeweils 750.000 Dollar plus 20 % des Gesamtgewinns) noch verschlimmert wurden. Die Spannungen zwischen Wayne und Holden spiegeln sich auch auf der Leinwand wider: Die beiden Schauspieler streiten sich ständig; Wayne kämpft auch damit, seiner Frau Pilar zu helfen, ihre Barbituratabhängigkeit zu überwinden, was in einem Selbstmordversuch gipfelt, während das Paar zusammen in Louisiana dreht. Fords Probleme erreichten ihren Höhepunkt mit dem tragischen Tod des Stuntman Fred Kennedy, der sich bei einem Sturz von einem Pferd während einer der klimatischen Schlachtszenen einen tödlichen Genickbruch zuzog. Ford war über den Unfall am Boden zerstört und verlor das Interesse an dem Film, so dass er die Produktion zurück nach Hollywood verlegte. Er strich auch das geplante Ende, das Marlowes triumphalen Einzug in Baton Rouge zeigen sollte, und beendete den Film stattdessen mit Marlowes Abschied von Hannah Hunter und der Überquerung und Sprengung der Brücke.

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Die letzten Jahre, 1960-1973

In seinen letzten Lebensjahren litt Ford unter einer nachlassenden Gesundheit, die größtenteils auf jahrzehntelangen starken Alkoholkonsum und Rauchen zurückzuführen war und durch die Verwundungen, die er während der Schlacht von Midway erlitten hatte, noch verschlimmert wurde. Insbesondere seine Sehkraft begann sich rapide zu verschlechtern, und irgendwann verlor er kurzzeitig sein Augenlicht ganz; auch sein hervorragendes Gedächtnis ließ nach, so dass er sich mehr und mehr auf Assistenten verlassen musste. Auch das neue Regime in Hollywood schränkte seine Arbeit ein, und es fiel ihm schwer, viele Projekte zu verwirklichen. In den 1960er Jahren wurde er in die Schublade des Western-Regisseurs gesteckt und beklagte sich darüber, dass er kaum noch Unterstützung für Projekte in anderen Genres bekam.

Sergeant Rutledge (Ford Productions-Warner Bros, 1960) war Fords letzter Kavallerie-Film. Er spielt in den 1880er Jahren und erzählt die Geschichte eines afroamerikanischen Kavalleristen (gespielt von Woody Strode), der zu Unrecht der Vergewaltigung und Ermordung eines weißen Mädchens beschuldigt wird. Er wurde von Warners fälschlicherweise als Spannungsfilm vermarktet und war kein kommerzieller Erfolg. Im Jahr 1960 drehte Ford seine dritte Fernsehproduktion, The Colter Craven Story, eine einstündige Folge der Network-TV-Show Wagon Train, die Material aus Fords Wagon Master (auf dem die Serie basierte) enthielt. Er besuchte auch den Drehort von The Alamo, der von John Wayne produziert und inszeniert wurde und in dem John Wayne die Hauptrolle spielte. Seine Einmischung führte dazu, dass Wayne ihn zu Dreharbeiten für zweite Szenen schickte, die im Film nie verwendet wurden (und auch nicht verwendet werden sollten).

In Two Rode Together (Ford Productions-Columbia, 1961) spielten James Stewart und Richard Widmark neben Shirley Jones und den Stammgästen der Stock Company, Andy Devine, Henry Brandon, Harry Carey Jr, Anna Lee, Woody Strode, Mae Marsh und Frank Baker, mit einem frühen Leinwandauftritt von Linda Cristal, die später in der Western-Fernsehserie The High Chaparral mitspielte. Der Film war ein ziemlicher kommerzieller Erfolg und spielte im ersten Jahr 1,6 Millionen Dollar ein.

The Man Who Shot Liberty Valance (Ford Productions-Paramount, 1962) wird häufig als der letzte große Film von Fords Karriere bezeichnet. In den Hauptrollen spielen John Wayne und James Stewart, in den Nebenrollen die Hauptdarstellerin Vera Miles, Edmond O“Brien als geschwätziger Zeitungsverleger, Andy Devine als unfähiger Marshal Appleyard, Denver Pyle, John Carradine und Lee Marvin in einer Hauptrolle als der brutale Valance, mit Lee Van Cleef und Strother Martin als dessen Handlanger. Er ist auch der Film, in dem Wayne am häufigsten sein Markenzeichen „Pilgrim“ (sein Spitzname für die Figur von James Stewart) verwendet. Der Film war sehr erfolgreich und spielte im ersten Jahr über 3 Millionen Dollar ein, obwohl die Besetzung der Hauptrollen die Glaubwürdigkeit des Films in Frage stellte – man konnte davon ausgehen, dass die von Stewart (damals 53) und Wayne (damals 54) gespielten Charaktere angesichts der Umstände Anfang 20 waren, und Ford erwog Berichten zufolge, die Rolle von Stewart mit einem jüngeren Schauspieler zu besetzen, befürchtete aber, dass dies Waynes Alter hervorheben würde. Obwohl oft behauptet wird, dass aus Budgetgründen der größte Teil des Films auf den Tonbühnen des Paramount-Geländes gedreht werden musste, zeigen die Buchhaltungsunterlagen des Studios, dass dies Teil des ursprünglichen künstlerischen Konzepts des Films war, wie der Ford-Biograf Joseph McBride berichtet. Wie Lee Marvin in einem gefilmten Interview sagte, hatte Ford hart dafür gekämpft, den Film in Schwarzweiß zu drehen, um die Schatten besser zur Geltung zu bringen. Dennoch war der Film mit 3,2 Millionen US-Dollar einer von Fords teuersten Filmen.

Nach der Fertigstellung von Liberty Valance wurde Ford mit der Regie des Bürgerkriegsteils von MGMs Epos How The West Was Won beauftragt, dem ersten nicht-dokumentarischen Film, bei dem das Cinerama-Großbildverfahren zum Einsatz kam. In Fords Beitrag spielten George Peppard, Andy Devine, Russ Tamblyn, Harry Morgan als Ulysses S. Grant und John Wayne als William Tecumseh Sherman mit. Wayne hatte Sherman bereits 1960 in einer Folge der Fernsehserie Wagon Train gespielt, bei der Ford zur Unterstützung des Serienstars Ward Bond Regie führte: „The Coulter Craven Story“, für die er einen Großteil seiner Stammbelegschaft mitbrachte. Ebenfalls 1962 führte Ford bei seiner vierten und letzten Fernsehproduktion Flashing Spikes Regie, einer Baseball-Geschichte für die Alcoa Premiere-Serie mit James Stewart, Jack Warden, Patrick Wayne und Tige Andrews in den Hauptrollen, mit Harry Carey Jr. und einem längeren Überraschungsauftritt von John Wayne, der im Abspann als „Michael Morris“ bezeichnet wurde, wie er es auch in der von Ford inszenierten Wagon Train-Folge getan hatte.

Donovan“s Reef (Paramount, 1963) war der letzte Film von Ford mit John Wayne. Der Film, der auf der hawaiianischen Insel Kauai (die für eine fiktive Insel in Französisch-Polynesien steht) gedreht wurde, war ein als Action-Komödie getarntes Moralstück, das sich auf subtile, aber scharfe Weise mit Themen wie Rassenwahn, korporativer Duldung, Habgier und dem amerikanischen Glauben an gesellschaftliche Überlegenheit auseinandersetzte. Zu den Nebendarstellern gehörten Lee Marvin, Elizabeth Allen, Jack Warden, Dorothy Lamour und Cesar Romero. Mit einem Einspielergebnis von 3,3 Millionen Dollar bei einem Budget von 2,6 Millionen Dollar war dies auch Fords letzter kommerzieller Erfolg.

Cheyenne Autumn (Warner Bros, 1964) war Fords epischer Abschied vom Westen, den er öffentlich als Elegie an die amerikanischen Ureinwohner bezeichnete. Es war sein letzter Western, sein längster Film und der teuerste Film seiner Karriere (4,2 Mio. $), aber er konnte seine Kosten an den Kinokassen nicht wieder einspielen und verlor etwa 1 Mio. $ bei seiner ersten Veröffentlichung. Die Starbesetzung bestand aus Richard Widmark, Carroll Baker, Karl Malden, Dolores del Río, Ricardo Montalbán, Gilbert Roland, Sal Mineo, James Stewart als Wyatt Earp, Arthur Kennedy als Doc Holliday, Edward G. Robinson, Patrick Wayne, Elizabeth Allen, Mike Mazurki und vielen von Fords treuer Stammcrew, darunter John Carradine, Ken Curtis, Willis Bouchey, James Flavin, Danny Borzage, Harry Carey Jr, Chuck Hayward, Ben Johnson, Mae Marsh und Denver Pyle. William Clothier wurde für den Oscar für die beste Kameraführung nominiert, und Gilbert Roland wurde für seine Rolle als Cheyenne elder Dull Knife für den Golden Globe als bester Nebendarsteller nominiert.

1965 begann Ford mit der Arbeit an Young Cassidy (MGM), einem biografischen Drama, das auf dem Leben des irischen Dramatikers Seán O“Casey basierte, aber er erkrankte früh während der Produktion und wurde durch Jack Cardiff ersetzt.

Fords letzter fertiggestellter Spielfilm war 7 Women (MGM, 1966), ein Drama, das um 1935 spielt und von Missionarinnen in China handelt, die versuchen, sich vor den Annäherungsversuchen eines barbarischen mongolischen Kriegsherrn zu schützen. Anne Bancroft übernahm die Hauptrolle von Patricia Neal, die zwei Tage vor Drehbeginn einen tödlichen Schlaganfall erlitt. In den Nebenrollen spielten Margaret Leighton, Flora Robson, Sue Lyon, Mildred Dunnock, Anna Lee, Eddie Albert, Mike Mazurki und Woody Strode, die Musik stammt von Elmer Bernstein. Leider war der Film ein kommerzieller Flop und spielte nur etwa die Hälfte seines Budgets von 2,3 Millionen Dollar ein. Ungewöhnlich für Ford war, dass er den Film in Kontinuität drehte, um den Darstellern gerecht zu werden, und dass er deshalb viermal so viel Film wie sonst verwendete. Anna Lee erinnerte sich daran, dass Ford zu allen „absolut charmant“ war und dass der einzige größere Eklat entstand, als Flora Robson sich darüber beschwerte, dass auf dem Schild an ihrer Garderobentür nicht ihr Titel („Dame“) stand, woraufhin Robson von Ford vor den Augen der Schauspieler und der Crew „völlig zerfetzt“ wurde.

Fords nächstes Projekt, The Miracle of Merriford (Das Wunder von Merriford), wurde von MGM weniger als eine Woche vor Drehbeginn gestrichen. Sein letztes abgeschlossenes Werk war Chesty: A Tribute to a Legend, ein Dokumentarfilm über den höchstdekorierten US-Marine, General Lewis B. Puller, mit John Wayne als Erzähler, der 1970 gedreht, aber erst 1976, drei Jahre nach Fords Tod, veröffentlicht wurde.

Fords Gesundheitszustand verschlechterte sich in den frühen 1970er Jahren rapide; 1970 erlitt er einen Hüftbruch, der ihn an den Rollstuhl fesselte. Er musste von seinem Haus in Bel Air in ein einstöckiges Haus in Palm Desert, Kalifornien, in der Nähe des Eisenhower Medical Center umziehen, wo er wegen Magenkrebs behandelt wurde. Im Oktober 1972 veranstaltete die Screen Directors Guild eine Ehrung für Ford, und im März 1973 ehrte ihn das American Film Institute mit seinem ersten Lifetime Achievement Award im Rahmen einer Zeremonie, die landesweit im Fernsehen übertragen wurde; Präsident Richard Nixon beförderte Ford zum Admiral und überreichte ihm die Presidential Medal of Freedom.

Nach Ansicht von John Wayne, Fords langjährigem Partner und Freund, hätte Ford weiterhin Filme drehen können. Er sagte 1976 zu Roger Ebert:

Bis zu den letzten Jahren seines Lebens … Pappy hätte noch einen Film drehen können, und zwar einen verdammt guten. Aber sie sagten, Pappy sei zu alt. Zum Teufel, er war nie zu alt. Heutzutage steht man in Hollywood nicht mehr hinter einem Kerl. Sie machen lieber eine verdammte Legende aus ihm und sind fertig mit ihm.

Ford starb am 31. August 1973 in Palm Desert, und seine Beerdigung fand am 5. September in der Church of the Blessed Sacrament in Hollywood statt. Er wurde auf dem Holy Cross Cemetery in Culver City, Kalifornien, beigesetzt.

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Persönlichkeit

Ford war bekannt für seine ausgeprägte Persönlichkeit und seine zahlreichen Eigenheiten und Exzentrizitäten. Seit den frühen dreißiger Jahren trug er stets eine dunkle Brille und eine Augenklappe über dem linken Auge, was nur zum Teil dem Schutz seiner schlechten Sehkraft diente. Er war ein unverbesserlicher Pfeifenraucher und kaute während der Dreharbeiten auf einem Leinentaschentuch herum – jeden Morgen gab ihm seine Frau ein Dutzend frischer Taschentücher, aber am Ende eines Drehtages waren die Ecken aller Taschentücher zerfetzt. Er ließ am Set immer Musik laufen und machte jeden Tag während der Dreharbeiten am Nachmittag eine Teepause (Earl Grey). Er lehnte Plaudereien ab und mochte keine Schimpfwörter am Set; deren Verwendung, insbesondere in Gegenwart einer Frau, führte in der Regel dazu, dass der Übeltäter aus der Produktion geworfen wurde. Während der Dreharbeiten trank er nur selten, aber wenn eine Produktion zu Ende war, schloss er sich oft in sein Arbeitszimmer ein, nur in ein Laken gehüllt, und begab sich für mehrere Tage auf einen einsamen Saufgelage, gefolgt von routinemäßiger Reue und dem Schwur, nie wieder zu trinken. Er reagierte äußerst empfindlich auf Kritik und war stets besonders verärgert über jeden Vergleich zwischen seinen Werken und denen seines älteren Bruders Francis. Er besuchte selten Premieren oder Preisverleihungen, obwohl seine Oscars und andere Auszeichnungen stolz auf dem Kaminsims in seinem Haus ausgestellt waren.

Es gab gelegentlich Gerüchte über seine sexuellen Vorlieben, und Maureen O“Hara erinnerte sich in ihrer 2004 erschienenen Autobiografie “Tis Herself“ daran, Ford gesehen zu haben, wie er einen berühmten männlichen Schauspieler (dessen Namen sie nicht nannte) in seinem Büro in den Columbia Studios küsste.

Er war bekanntlich unordentlich, und sein Arbeitszimmer war stets mit Büchern, Papieren und Kleidung übersät. In den 1930er Jahren kaufte er einen brandneuen Rolls-Royce, fuhr aber nie damit, weil seine Frau Mary ihn nicht darin rauchen ließ. Sein eigenes Auto, ein verbeulter Ford Roadster, war so baufällig und schmutzig, dass er einmal zu spät zu einer Studiobesprechung kam, weil der Wachmann am Studiotor nicht glaubte, dass der echte John Ford so ein Auto fahren würde, und sich weigerte, ihn hineinzulassen.

Ford war auch für seine Antipathie gegenüber Studiobossen berüchtigt. Bei einem frühen Film für Fox soll er einen Wachmann bestellt haben, um Studioboss Darryl F. Zanuck vom Set fernzuhalten, und bei einer anderen Gelegenheit ließ er einen leitenden Angestellten vor die Crew treten, stellte ihn im Profil auf und verkündete: „Dies ist ein Associate Producer – sehen Sie gut hin, denn Sie werden ihn bei diesem Film nicht wiedersehen“. Während der Dreharbeiten zu Rio Grande im Jahr 1950 besuchten der Produzent Herbert Yates und der republikanische Manager Rudy Ralston den Drehort, und als Yates auf die Uhrzeit hinwies (es war 10 Uhr morgens) und fragte, wann Ford mit den Dreharbeiten beginnen wolle, bellte Ford: „Sobald Sie von meinem Set verschwunden sind!“ Beim Abendessen soll Ford den Darsteller Alberto Morin angeheuert haben, um sich als ungeschickter französischer Kellner auszugeben, der daraufhin Suppe über sie schüttete, Teller zerbrach und allgemeines Chaos verursachte.

Sein ganzer Stolz war seine Yacht Araner, die er 1934 kaufte und in die er im Laufe der Jahre Hunderttausende von Dollar für Reparaturen und Verbesserungen investierte; sie wurde zu seinem wichtigsten Rückzugsort zwischen den Filmen und zu einem Treffpunkt für seinen engen Freundeskreis, zu dem auch John Wayne und Ward Bond gehörten.

Ford war hochintelligent, gelehrt, sensibel und gefühlvoll, doch um sich in der mörderischen Atmosphäre Hollywoods zu schützen, pflegte er das Image eines „harten, trinkfesten irischen Hurensohns“. Eine berühmte Begebenheit, die Fords Freund, der Schauspieler Frank Baker, miterlebte, veranschaulicht eindrucksvoll die Spannungen zwischen der öffentlichen Person und dem Privatmann. Während der Wirtschaftskrise wurde Ford – damals ein sehr wohlhabender Mann – vor seinem Büro von einem ehemaligen Universal-Schauspieler angesprochen, der mittellos war und 200 Dollar für eine Operation seiner Frau brauchte. Als der Mann sein Unglück schilderte, schien Ford wütend zu werden, und dann stürzte er sich zum Entsetzen der Zuschauer auf den Mann, schlug ihn zu Boden und schrie: „Wie können Sie es wagen, hierher zu kommen? Für wen halten Sie sich, dass Sie so mit mir reden?“, bevor er aus dem Raum stürmte. Als der erschütterte alte Mann das Gebäude verließ, sah Frank Baker jedoch, wie Fords Geschäftsführer Fred Totman ihm an der Tür entgegenkam, dem Mann einen Scheck über 1.000 Dollar überreichte und Fords Chauffeur anwies, ihn nach Hause zu fahren. Dort wartete bereits ein Krankenwagen, um die Frau des Mannes ins Krankenhaus zu bringen, wo ein Spezialist, der auf Fords Kosten aus San Francisco eingeflogen wurde, die Operation durchführte. Einige Zeit später kaufte Ford ein Haus für das Paar und gewährte ihnen eine lebenslange Rente. Als Baker Francis Ford diese Geschichte erzählte, erklärte er sie zum Schlüssel zur Persönlichkeit seines Bruders:

Jeden Moment, wenn der alte Schauspieler weitergeredet hätte, hätten die Leute gemerkt, was für ein Weichei Jack ist. Er hätte diese traurige Geschichte nicht durchstehen können, ohne zusammenzubrechen. Er hat diese ganze Legende der Härte um sich herum aufgebaut, um seine Weichheit zu schützen.

In dem Buch Wayne and Ford, The Films, the Friendship, and the Forging of an American Hero von Nancy Schoenberger untersucht die Autorin die kulturellen Auswirkungen der in Fords Filmen dargestellten Männlichkeit. In einem Interview mit dem Portland Magazine erklärt Schoenberger: „Was Ford und Wayne betrifft, die die Konventionen dessen, was ein “Mann“ heute ist, auf den Kopf stellen, denke ich, dass Ford, der mit Brüdern, die er vergötterte, in einer rauen Welt von Boxern, Trinkern und Hilfsarbeitern aufgewachsen ist, sein tiefstes Thema in der männlichen Kameradschaft gefunden hat, insbesondere beim Militär, einem der wenigen Orte, an dem Männer ihre Liebe zu anderen Männern ausdrücken können. Aber es ging ihm um Männer, die heldenhaft handeln, und so war der Macho nicht immer der heldenhafteste Mann. McLaglen zeigte oft die komische Seite der stürmischen Männlichkeit. Ford brachte sowohl Waynes Zärtlichkeit als auch seine Härte zur Geltung, besonders in Stagecoach“.

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Allgemeiner Stil

Ford hatte viele unverwechselbare stilistische Markenzeichen, und eine Reihe thematischer Anliegen sowie visueller und akustischer Motive zieht sich durch sein gesamtes Werk als Regisseur. Der Filmjournalist Ephraim Katz fasste einige der wichtigsten Merkmale von Fords Werk in seinem Eintrag in der Collins Film Encyclopedia zusammen:

Von allen amerikanischen Regisseuren hatte Ford wahrscheinlich die klarste persönliche Vision und den konsequentesten visuellen Stil. Seine Ideen und Figuren sind, wie viele Dinge, die als „amerikanisch“ bezeichnet werden, täuschend einfach. Seine Helden … mögen einfach als Einzelgänger erscheinen, als Außenseiter der etablierten Gesellschaft, die im Allgemeinen eher durch Taten als durch Worte sprechen. Aber ihr Konflikt mit der Gesellschaft verkörpert größere Themen der amerikanischen Erfahrung.

Im Gegensatz zu seinem Zeitgenossen Alfred Hitchcock benutzte Ford nie Storyboards, sondern komponierte seine Filme ausschließlich im Kopf, ohne schriftliche oder grafische Skizzen der Aufnahmen, die er verwenden würde. Die Entwicklung von Drehbüchern konnte sehr intensiv sein, aber wenn sie einmal genehmigt waren, wurden seine Drehbücher nur selten umgeschrieben; er war auch einer der ersten Filmemacher, der seine Autoren und Schauspieler ermutigte, eine vollständige Hintergrundgeschichte für ihre Figuren auszuarbeiten. Er hasste lange expositorische Szenen und war dafür bekannt, Seiten aus einem Drehbuch herauszureißen, um Dialoge zu kürzen. Als Ford während der Dreharbeiten zu Mogambo vom Produzenten Sam Zimbalist darauf angesprochen wurde, dass der Film drei Tage hinter dem Zeitplan zurücklag, riss er drei Seiten aus dem Drehbuch heraus und erklärte: „Wir sind im Zeitplan“, und tatsächlich wurden diese Seiten nie verfilmt. Bei den Dreharbeiten zu Drums Along the Mohawk umging Ford geschickt die Herausforderung, eine große und teure Schlachtszene zu drehen – er ließ Henry Fonda einen Monolog improvisieren, während er hinter der Kamera Fragen über den Verlauf der Schlacht stellte (ein Thema, mit dem sich Fonda gut auskannte) und schnitt die Fragen dann einfach heraus.

Er ging relativ sparsam mit Kamerabewegungen und Nahaufnahmen um und bevorzugte statische mittlere oder lange Einstellungen, bei denen seine Akteure vor dramatischen Aussichten oder in expressionistisch beleuchteten Innenräumen stehen, obwohl er häufig Kameraschwenks und manchmal auch eine dramatische Kamerafahrt verwendete (z. B. bei John Waynes erstem Auftritt in Stagecoach). Ford ist berühmt für seine aufregenden Kamerafahrten, wie z. B. die Apachen-Verfolgungsjagd in Stagecoach oder der Angriff auf das Comanchen-Lager in The Searchers.

Zu den wiederkehrenden visuellen Motiven gehören Züge und Waggons – viele Ford-Filme beginnen und enden mit einem verbindenden Fahrzeug wie einem Zug oder einem Waggon, der ankommt und abfährt -, Türen, Straßen, Blumen, Flüsse, Versammlungen (in vielen Filmen verwendete er auch gestische Motive, insbesondere das Werfen von Gegenständen und das Anzünden von Lampen, Streichhölzern oder Zigaretten. Wenn eine dem Untergang geweihte Figur beim Pokern gezeigt wird (wie Liberty Valance oder der Revolverheld Tom Tyler in Stagecoach), ist das letzte Blatt, das sie spielt, die „Todeshand“ – zwei Achten und zwei Asse, darunter das Pik-Ass – so genannt, weil Wild Bill Hickok dieses Blatt gehalten haben soll, als er ermordet wurde. Viele seiner Tonfilme enthalten Wiedergaben oder Zitate seiner Lieblingshymne „Shall We Gather at the River“, wie z. B. deren parodistische Verwendung zur Untermalung der Eröffnungsszenen von Stagecoach, als die Prostituierte Dallas von den örtlichen Matronen aus der Stadt gejagt wird. Auch Charakternamen tauchen in vielen Ford-Filmen auf – der Name Quincannon zum Beispiel wird in mehreren Filmen verwendet, darunter Die verlorene Patrouille, Rio Grande, Sie trug ein gelbes Band und Fort Apache, John Waynes Figur heißt sowohl in Fort Apache als auch in Rio Grande „Kirby Yorke“, und auch die Namen Tyree und Boone tauchen in mehreren Ford-Filmen auf.

In neueren Arbeiten über Fords Darstellungen der amerikanischen Ureinwohner wird argumentiert, dass seine indianischen Charaktere entgegen der landläufigen Meinung eine Bandbreite von feindseligen bis hin zu sympathischen Darstellungen von Das eiserne Pferd bis Cheyenne Autumn abdeckten. In seiner Darstellung der Navajo in Wagon Master sprachen die Figuren auch die Navajo-Sprache. Fords Indianer-Western zeichnen sich dadurch aus, dass seine indianischen Charaktere stets von der weißen Gesellschaft getrennt und abgesondert bleiben.

Ford war legendär für seine Disziplin und Effizienz am Set und berüchtigt dafür, dass er seine Schauspieler extrem hart anging, sie häufig verspottete, anschrie und schikanierte; er war auch berüchtigt für seine manchmal sadistischen Streiche. Jeder Schauspieler, der dumm genug war, eine Star-Behandlung zu verlangen, bekam die volle Wucht seines unerbittlichen Spottes und Sarkasmus zu spüren. Einmal bezeichnete er John Wayne als „großen Idioten“ und schlug sogar Henry Fonda. Henry Brandon (der den Häuptling Scar in The Searchers spielte) bezeichnete Ford einmal als „den einzigen Mann, der John Wayne zum Weinen bringen konnte“. Auch Victor McLaglen wurde von ihm herabgewürdigt, wobei er einmal durch das Megaphon gebrüllt haben soll: „Wissen Sie, McLaglen, dass Fox Ihnen 1200 Dollar pro Woche zahlt, um Dinge zu tun, die jedes Kind von der Straße besser machen könnte?“. Der Stock Company-Veteran Ward Bond war Berichten zufolge einer der wenigen Schauspieler, die Fords Spott und Sarkasmus nicht ertragen konnten. Sir Donald Sinden, der damals bei der Rank Organisation in den Pinewood Studios unter Vertrag stand und die Hauptrolle in Mogambo spielte, war nicht der einzige, der unter John Fords berüchtigtem Verhalten zu leiden hatte. Er erinnert sich: „Zehn White Hunters wurden zu unserem Schutz und als Frischfleisch in unsere Einheit abgestellt. Unter ihnen befand sich Marcus, Lord Wallscourt, ein reizender Mann, den Ford abgrundtief behandelte – manchmal sogar sehr sadistisch. In Fords Augen konnte der arme Mann nichts richtig machen und wurde ständig vor der ganzen Einheit zusammengeschrien (in gewisser Weise nahm er mir gelegentlich die Last von den Schultern). Keiner von uns konnte den Grund für diese entsetzliche Behandlung verstehen, die der liebe Mann in keiner Weise verdient hatte. Er selbst war völlig ratlos. Einige Wochen später erfuhren wir von Fords Schwager die Ursache: Fords Großvater war, bevor er nach Amerika auswanderte, Arbeiter auf dem Anwesen des damaligen Lord Wallscourt in Irland gewesen: Ford wollte sich nun an seinem Nachfahren rächen. Kein schöner Anblick.“ „Wir mussten nun in die MGM-British Studios in London zurückkehren, um alle Innenszenen zu drehen. Jemand muss Ford darauf hingewiesen haben, dass er während der gesamten Dreharbeiten sehr unfreundlich zu mir gewesen war, und als ich zu meinem ersten Arbeitstag kam, stellte ich fest, dass er einen großen Zettel mit der Aufschrift BE KIND TO DONALD WEEK in Großbuchstaben an den Eingang unserer Tonbühne hatte malen lassen. Er hat sein Wort gehalten – genau sieben Tage lang. Am achten Tag riss er das Schild herunter und kehrte zu seinem normalen Mobbingverhalten zurück.“

Ford gab seinen Schauspielern in der Regel nur wenige ausdrückliche Anweisungen, obwohl er gelegentlich selbst durch eine Szene ging, und von den Schauspielern wurde erwartet, dass sie sich jede subtile Handlung oder Eigenart merkten; wenn sie das nicht taten, ließ Ford sie die Szene so lange wiederholen, bis sie sie richtig beherrschten, und er beschimpfte und erniedrigte oft diejenigen, die nicht die von ihm gewünschte Leistung erbrachten. In Der Mann, der Liberty Valance erschoss ging Ford eine Szene mit Edmond O“Brien durch und ließ am Ende seine Hand über ein Geländer hängen. O“Brien bemerkte dies, ignorierte es aber absichtlich und legte stattdessen seine Hand auf das Geländer. Ford korrigierte ihn nicht ausdrücklich und ließ O“Brien die Szene Berichten zufolge zweiundvierzig Mal spielen, bevor der Schauspieler einlenkte und es auf Fords Art tat.

Trotz seiner oft schwierigen und anspruchsvollen Persönlichkeit bestätigten viele Schauspieler, die mit Ford zusammenarbeiteten, dass er das Beste aus ihnen herausholte. John Wayne bemerkte: „Niemand konnte mit Schauspielern und der Crew so umgehen wie Jack.“ Dobe Carey erklärte: „Er hatte eine Eigenschaft, die jeden dazu brachte, sich fast umzubringen, um ihm zu gefallen. Wenn man am Set ankam, spürte man sofort, dass etwas Besonderes passieren würde. Man fühlte sich auf einmal spirituell erweckt.“ Carey schreibt Ford die Inspiration für seinen letzten Film, Comanche Stallion (2005), zu.

Fords bevorzugter Drehort für seine Westernfilme war das Monument Valley im Süden Utahs. Obwohl es sich geografisch nicht unbedingt als Schauplatz für seine Geschichten eignete, ermöglichte es die ausdrucksstarke visuelle Wirkung der Gegend Ford, das Bild des amerikanischen Westens mit einigen der schönsten und kraftvollsten Aufnahmen zu prägen, die je gedreht wurden – in Filmen wie Stagecoach, The Searchers und Fort Apache. Ein bemerkenswertes Beispiel ist die berühmte Szene in Sie trug ein gelbes Band, in der die Kavallerietruppe in einem aufziehenden Sturm fotografiert wird. Der Einfluss von klassischen Western-Künstlern wie Frederic Remington und anderen auf die Filme wurde untersucht. Fords stimmungsvolle Nutzung des Territoriums für seine Western hat das Bild des amerikanischen Westens so stark geprägt, dass Orson Welles einmal sagte, andere Filmemacher weigerten sich, in der Region zu drehen, weil sie Plagiate befürchteten.

Ford drehte in der Regel nur das Material, das er benötigte, und filmte oft in Sequenzen, um die Arbeit seiner Cutter zu minimieren. Fords Technik, in der Kamera zu schneiden, ermöglichte es ihm, die kreative Kontrolle in einer Zeit zu behalten, in der Regisseure oft wenig Einfluss auf den endgültigen Schnitt ihrer Filme hatten. Ford bemerkte:

Ich gebe ihnen nicht viel Film, mit dem sie spielen können. Eastman hat sich sogar beschwert, dass ich so wenig Film belichtet habe. Ich schneide in der Kamera. Wenn man ihnen zu viel Film gibt, übernimmt das Komitee“ die Kontrolle. Sie fangen an, mit Szenen zu jonglieren und dieses herauszunehmen und jenes einzufügen. Das können sie mit meinen Filmen nicht machen. Ich schneide die Kamera ein und das war“s. Wenn ich fertig bin, bleibt nicht viel Film auf dem Boden liegen.

Ford gewann insgesamt vier Oscars, alle für die beste Regie, und zwar für die Filme The Informer (1935), The Grapes of Wrath (1940), How Green Was My Valley (1941) und The Quiet Man (1952) – keiner davon war ein Western (in den beiden letztgenannten spielte auch Maureen O“Hara mit, „seine Lieblingsschauspielerin“). Für Stagecoach (1939) wurde er außerdem als bester Regisseur nominiert. Später führte er Regie bei zwei Dokumentarfilmen, The Battle of Midway und December 7th, die beide den Preis für den besten Dokumentarfilm erhielten, obwohl er den Preis nicht selbst gewann. Bis heute hält Ford den Rekord für die meisten Oscars für die beste Regie, denn er gewann den Preis viermal. William Wyler und Frank Capra folgen auf Platz zwei mit drei Auszeichnungen. Ford war der erste Regisseur, der 1940 und 1941 den Preis für die beste Regie in Folge gewann. Dieses Kunststück gelang Joseph L. Mankiewicz genau zehn Jahre später, als er 1950 und 1951 den Preis für die beste Regie in Folge gewann. Als Produzent erhielt er außerdem eine Nominierung für den besten Film für The Quiet Man. In den Jahren 1955 und 1957 wurde Ford mit dem George Eastman Award ausgezeichnet, der vom George Eastman House für besondere Verdienste um die Filmkunst verliehen wird. 1973 war er der erste Empfänger des American Film Institute Life Achievement Award. Ebenfalls in diesem Jahr wurde Ford von Präsident Richard Nixon mit der Presidential Medal of Freedom ausgezeichnet.

Ford führte bei 10 verschiedenen Schauspielern Regie, die für einen Oscar nominiert wurden: Victor McLaglen, Thomas Mitchell, Edna May Oliver, Jane Darwell, Henry Fonda, Donald Crisp, Sara Allgood, Ava Gardner, Grace Kelly und Jack Lemmon. McLaglen, Mitchell, Darwell, Crisp und Lemmon gewannen einen Oscar für eine ihrer Rollen in einem von Fords Filmen.

Ein Fernsehspecial mit Ford, John Wayne, James Stewart und Henry Fonda wurde am 5. Dezember 1971 auf CBS ausgestrahlt. Es trug den Titel The American West of John Ford und zeigte Ausschnitte aus Fords Karriere, unterbrochen von Interviews mit Wayne, Stewart und Fonda, die auch abwechselnd die einstündige Dokumentation erzählten.

Im Jahr 2007 veröffentlichte Twentieth Century Fox Ford at Fox, eine DVD-Box mit 24 Filmen von Ford. Richard Corliss vom Time Magazine kürte sie zu einer der „Top 10 DVDs des Jahres 2007“ und setzte sie auf Platz 1.

Eine Statue von Ford in Portland, Maine, zeigt ihn in einem Regiestuhl sitzend. Die Statue des New Yorker Bildhauers George M. Kelly, die in der Modern Art Foundry in Astoria, NY, gegossen und von der Philanthropin Linda Noe Laine aus Louisiana in Auftrag gegeben wurde, wurde am 12. Juli 1998 an der Gorham“s Corner in Portland, Maine, USA, im Rahmen einer Ford-Feier enthüllt, bei der auch die Aula der Portland High School in John-Ford-Auditorium umbenannt werden sollte.

2019 veröffentlichte Jean-Christophe Klotz den Dokumentarfilm John Ford, l“homme qui inventa l“Amérique über seinen Einfluss auf die Legende des amerikanischen Westens in Filmen wie Stagecoach (1939), The Grapes of Wrath (1940), The Man Who Shot Liberty Valance (1962) und Cheyenne Autumn (1964).

Das Academy Film Archive hat eine Reihe von John Fords Filmen bewahrt, darunter How Green Was My Valley, The Battle of Midway, Drums Along the Mohawk, Sex Hygiene, Torpedo Squadron 8 und Four Sons.

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Regie bei Academy Award-Aufführungen

Schon in jungen Jahren war Ford politisch progressiv eingestellt; seine Lieblingspräsidenten waren die Demokraten Franklin D. Roosevelt und John F. Kennedy sowie der Republikaner Abraham Lincoln. Doch trotz dieser Neigungen hielten ihn viele für einen Republikaner, weil er lange mit den Schauspielern John Wayne, James Stewart, Maureen O“Hara und Ward Bond zusammenarbeitete.

Fords Einstellung zum McCarthyismus in Hollywood kommt in einer von Joseph L. Mankiewicz erzählten Geschichte zum Ausdruck. Eine Fraktion der Directors Guild of America, angeführt von Cecil B. DeMille, hatte versucht, jedes Mitglied zur Unterzeichnung eines Loyalitätseids zu verpflichten. Gegen Mankiewicz, damals Präsident der Gilde, wurde eine Flüsterkampagne geführt, in der ihm kommunistische Sympathien unterstellt wurden. In einer entscheidenden Sitzung der Gilde sprach DeMilles Fraktion vier Stunden lang, bis Ford gegen DeMille sprach und ein Vertrauensvotum für Mankiewicz vorschlug, das angenommen wurde. Seine Worte wurden von einem Stenographen aufgezeichnet:

Mein Name ist John Ford. Ich mache Western. Ich glaube nicht, dass es in diesem Raum jemanden gibt, der mehr darüber weiß, was das amerikanische Publikum will, als Cecil B. DeMille – und er weiß ganz sicher, wie man es ihm gibt … Aber ich mag Sie nicht, C. B. Ich mag nicht, wofür Sie stehen, und ich mag nicht, was Sie heute Abend hier gesagt haben.

Mankiewiczs Version der Ereignisse wurde 2016 mit der Entdeckung des Gerichtsprotokolls, das als Teil des Mankiewicz-Archivs veröffentlicht wurde, angefochten. Mankiewiczs Darstellung schreibt Ford die alleinige Schuld am Untergang von DeMille zu. Der Bericht enthält mehrere Ausschmückungen. DeMilles Entscheidung, Mankiewicz zu entlassen, hatte einen Sturm der Entrüstung ausgelöst. DeMille wurde während der gesamten Sitzung von vielen Rednern angegriffen, und einmal sah es so aus, als würde er allein aus dem Vorstand der Gilde geworfen werden.

An dieser Stelle meldete sich Ford zu Wort. Er begann damit, dass er sich zur Verteidigung des Vorstands erhob. Er behauptete, er habe persönlich an der Vertrauensabstimmung für Joseph Mankiewicz mitgewirkt. Dann forderte er ein Ende der Politik in der Gilde und eine Rückbesinnung auf die Arbeitsbedingungen. Ford sagte auf der Versammlung, die Gilde sei gegründet worden, um „uns vor den Produzenten zu schützen“. Ford sprach sich dagegen aus, „abfällige Informationen über einen Regisseur zu verbreiten, egal ob er Kommunist ist, seine Schwiegermutter schlägt oder Hunde schlägt“. Ford wollte die Debatte und das Treffen beenden, da es ihm um die Einheit der Gilde ging. Er sagte, Mankiewicz sei verleumdet worden und verdiene eine Entschuldigung. Abschließend sprach er sich dafür aus, DeMille gegen weitere Rücktrittsforderungen zu unterstützen. Ford sagte über DeMille: „Und ich denke, dass einige der Anschuldigungen, die hier heute Abend gemacht wurden, ziemlich unamerikanisch waren. Ich meine, eine Gruppe von Männern hat sich wahrscheinlich den Dekan unseres Berufsstandes vorgenommen. Ich bin nicht einverstanden mit C. B. DeMille. Ich bewundere ihn. Ich mag ihn nicht, aber ich bewundere ihn. Alles, was er heute Abend gesagt hat, hat er zu Recht gesagt. Ich höre nicht gern Anschuldigungen gegen ihn.“ Er schloss mit einem „Appell“ an die Mitglieder, DeMille zu behalten.

Ford befürchtete, dass der Rücktritt von DeMille die Auflösung des Gremiums zur Folge haben könnte. Sein zweiter Schritt bestand darin, den gesamten Vorstand zurücktreten zu lassen, wodurch DeMille sein Gesicht wahren und die Angelegenheit ohne erzwungene Rücktritte geregelt werden konnte. Am nächsten Tag schrieb Ford einen Brief, in dem er DeMille unterstützte, und telefonierte dann mit ihm, wobei er DeMille als „großartige Persönlichkeit“ beschrieb, die weit über diesem „gottverdammten Rattenpack“ stehe.

In einer hitzigen und anstrengenden Sitzung setzte sich Ford für einen Kollegen ein, der von Gleichgesinnten nachhaltig angegriffen wurde. Er erkannte die Gefahren eines Ausschlusses von DeMille. Ford brachte die gesamte Sitzung zum Schweigen, um sicherzustellen, dass DeMille in der Gilde blieb. Später bot er dann seinen eigenen Rücktritt an – als Teil des gesamten Vorstands – um sicherzustellen, dass die Gilde nicht zerbrach und DeMille ohne Gesichtsverlust gehen konnte.

Im Laufe der Zeit verbündete sich Ford jedoch öffentlich mehr mit der Republikanischen Partei und erklärte sich 1947 zum „Maine Republican“. Er gab an, bei den Präsidentschaftswahlen 1964 für Barry Goldwater gestimmt zu haben, unterstützte 1968 Richard Nixon und wurde ein Befürworter des Vietnamkriegs. 1973 wurde er von Präsident Nixon, dessen Wahlkampf er öffentlich unterstützt hatte, mit der Medal of Freedom ausgezeichnet.

1952 hoffte Ford auf einen Robert Taft

Im Jahr 1966 unterstützte er Ronald Reagan bei der Wahl zum Gouverneur und 1970 bei dessen Wiederwahl.

Ford gilt weithin als einer der einflussreichsten Filmemacher Hollywoods. Von MovieMaker wurde er als fünftwichtigster Regisseur aller Zeiten aufgeführt. Im Folgenden sind einige der Personen aufgeführt, die direkt von Ford beeinflusst wurden oder seine Arbeit sehr bewunderten:

Im Dezember 2011 rief die Irish Film & Television Academy (IFTA) in Zusammenarbeit mit dem John Ford Estate und dem irischen Ministerium für Kunst, Kulturerbe und die Gaeltacht „John Ford Ireland“ ins Leben, um das Werk und das Vermächtnis von John Ford zu würdigen. Die irische Akademie erklärte, dass sie mit „John Ford Ireland“ den Grundstein dafür legen will, das Werk und das Vermächtnis von John Ford, der weithin als einer der wichtigsten und einflussreichsten Filmemacher seiner Generation gilt, zu würdigen, zu untersuchen und daraus zu lernen.

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Symposium

Das erste John Ford Ireland Symposium fand vom 7. bis 10. Juni 2012 in Dublin, Irland, statt. Das Symposium, das Fords anhaltenden Einfluss auf das zeitgenössische Kino würdigen und sich von ihm inspirieren lassen sollte, umfasste ein vielfältiges Veranstaltungsprogramm, darunter eine Reihe von Filmvorführungen, Meisterklassen, Podiumsdiskussionen, öffentliche Interviews und eine Freiluftvorführung von The Searchers.

Zu den Gästen zählten Dan Ford, der Enkel von John Ford; der Komponist Christopher Caliendo dirigierte das renommierte RTÉ Concert Orchestra, das seine Filmmusik zu Fords The Iron Horse aufführte und damit die viertägige Veranstaltung eröffnete; der Autor und Biograf Joseph McBride hielt den Eröffnungsvortrag des Symposiums; Die Regisseure Peter Bogdanovich, Stephen Frears, John Boorman, Jim Sheridan, Brian Kirk, Thaddeus O“Sullivan und Sé Merry Doyle nahmen an einer Reihe von Veranstaltungen teil; die irischen Autoren Patrick McCabe, Colin Bateman, Ian Power und Eoghan Harris beleuchteten Fords Werk aus der Sicht der Drehbuchautoren; Joel Cox gab eine Meisterklasse im Schnitt; und Komponisten und Musiker, darunter David Holmes und Kyle Eastwood, diskutierten über Musik für den Film.

Das John Ford Ireland Film Symposium fand im Sommer 2013 erneut in Dublin statt.

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John-Ford-Preis

Clint Eastwood wurde im Dezember 2011 mit dem erstmals verliehenen John Ford Award ausgezeichnet. Er wurde Eastwood bei einem Empfang in Burbank, Kalifornien, von Michael Collins, dem irischen Botschafter in den Vereinigten Staaten, Dan Ford, dem Enkel von John Ford, und Áine Moriarty, der Geschäftsführerin der Irish Film & Television Academy (IFTA), überreicht.

Als er den Preis entgegennahm, sagte Eastwood: „Die meisten Regisseure träumen davon, mit John Ford in Verbindung gebracht zu werden, da er zweifellos ein Pionier des amerikanischen Films war und ich mit seinen Filmen aufgewachsen bin. Seine Western hatten einen großen Einfluss auf mich, wie ich glaube, dass sie auf jeden einen Einfluss hatten. Als ich vor Jahren in Italien mit Sergio Leone arbeitete, war sein Lieblingsregisseur John Ford, und er sprach sehr offen über diesen Einfluss. Ich möchte allen hier Anwesenden von der Irish Academy, der John Ford-Familie und John Ford Ireland danken.“

Ford wurde mit der Legion of Merit mit Combat „V“, der Air Medal, der Navy and Marine Corps Commendation Medal mit Combat „V“, der Presidential Medal of Freedom, der China Service Medal, der American Defense Service Medal mit Service Star, der American Campaign Medal, der European-African-Middle Eastern Campaign Medal mit drei Camp Stars, die Asiatisch-Pazifische Kampagnenmedaille mit ebenfalls drei Kampagnensternen, die World War II Victory Medal, die Navy Occupation Service Medal, die National Defense Service Medal mit Service Star, die Korean Service Medal mit einem Kampagnenstern, die Order of National Security Merit Samil Medal, das Distinguished Pistol Shot Ribbon (1952-1959) und der Belgische Leopold-Orden.

Archivalien

Kritik

Offizielle Seiten

Quellen

1. John Ford
2. John Ford
3. ^ Gallagher, Tag John Ford: The Man and his Films (University of California Press, 1984), “Preface“
4. Gallagher, 1986, p. 10.
5. Gallagher, 1986, p. 14.
6. Gallagher, 1986, p. 15.
7. Ford a toujours prétendu avoir comme nom de naissance Sean Aloysius O“Feeney (Aloysius est le prénom d“emprunt qu“il choisit pour sa confirmation), mais son acte de baptême montre que John Ford s“appelait bien John Martin Feeney[1].
8. ^ O. Welles-P.Bogdanovich, Io, Orson Welles – Baldini&Castoldi 1996, pag. 59 e seg.
9. ^ Eyman, Scott, Print the Legend: The Life and Times of John Ford, New York, Simon & Schuster, 1999. ISBN 0-684-81161-8
10. ^ K. Everson: Forgotten Ford in «Focus on Film», n° 6, London 1971
11. ^ (EN) http://www.medaloffreedom.com/JohnFord.htm