Roy Lichtenstein

Sammanfattning

Roy Fox Lichtenstein (27 oktober 1923 – 29 september 1997) var en amerikansk popkonstnär. Under 1960-talet blev han, tillsammans med bland andra Andy Warhol, Jasper Johns och James Rosenquist, en ledande figur i den nya konströrelsen. Hans verk definierade popkonstens premisser genom parodiering. Inspirerad av serietidningen skapade Lichtenstein exakta kompositioner som dokumenterade samtidigt som de parodierade, ofta på ett ironiskt sätt. Hans verk påverkades av populärreklam och serietidningsstilen. Hans konstverk ansågs vara ”störande”. Han beskrev popkonsten som ”inte ”amerikansk” måleri utan faktiskt industriellt måleri”. Hans målningar ställdes ut på Leo Castelli Gallery i New York.

Whaam! och Drowning Girl anses allmänt vara Lichtensteins mest kända verk. Drowning Girl, Whaam! och Look Mickey anses vara hans mest inflytelserika verk. Hans dyraste verk är Masterpiece, som såldes för 165 miljoner dollar i januari 2017.

Lichtenstein föddes i en tysk-judisk familj i övre medelklassen i New York City. Hans far, Milton, var fastighetsmäklare och hans mor, Beatrice (Werner), hemmafru. Han växte upp på New York Citys Upper West Side och gick i offentlig skola fram till tolv års ålder. Därefter gick han på New Yorks Dwight School och tog examen där 1940. Lichtenstein blev först intresserad av konst och design som en hobby, genom skolan. Han var en ivrig jazzfantast och gick ofta på konserter på Apollo Theater i Harlem. Han ritade ofta porträtt av musikerna som spelade på sina instrument. Under sitt sista år i high school, 1939, skrev Lichtenstein in sig på sommarkurser vid Art Students League of New York, där han arbetade under Reginald Marshs ledning.

Lichtenstein lämnade sedan New York för att studera vid Ohio State University, som erbjöd studiokurser och en examen i konst. Hans studier avbröts av en treårig tjänstgöring i armén under och efter andra världskriget mellan 1943 och 1946. Efter att ha deltagit i utbildningsprogram för språk, ingenjörsutbildning och pilotutbildning, som alla ställdes in, tjänstgjorde han som ordonnans, tecknare och konstnär.

Lichtenstein återvände hem för att besöka sin döende far och skrevs ut från armén med rätt till G.I. Bill. Han återvände till studierna i Ohio under överinseende av en av sina lärare, Hoyt L. Sherman, som allmänt anses ha haft en betydande inverkan på hans framtida arbete (Lichtenstein skulle senare döpa en ny studio som han finansierade vid OSU till Hoyt L. Sherman Studio Art Center).

Lichtenstein gick in på forskarutbildningen vid Ohio State och anställdes som konstinstruktör, en tjänst som han innehade till och från under de kommande tio åren. År 1949 fick Lichtenstein en Master of Fine Arts-examen från Ohio State University.

1951 hade Lichtenstein sin första separatutställning på Carlebach Gallery i New York och flyttade samma år till Cleveland, där han stannade i sex år, även om han ofta reste tillbaka till New York. Under denna tid tog han på sig så olika arbeten som tecknare och fönsterdekoratör mellan perioderna då han målade. Hans arbete vid denna tid pendlade mellan kubism och expressionism. År 1954 föddes hans första son David Hoyt Lichtenstein, numera låtskrivare. Hans andra son, Mitchell Lichtenstein, föddes 1956.

År 1957 flyttade han tillbaka till New York och började undervisa igen. Det var vid den här tiden som han anammade den abstrakta expressionismens stil, eftersom han var en sen omvändelse till denna målarstil. Lichtenstein började undervisa i norra New York vid State University of New York i Oswego 1958. Ungefär vid den här tiden började han införliva dolda bilder av tecknade figurer som Musse Pigg och Bugs Bunny i sina abstrakta verk.

Uppgång till en framträdande position

1960 började han undervisa vid Rutgers University där han påverkades starkt av Allan Kaprow, som också var lärare vid universitetet. Denna miljö bidrog till att återuppväcka hans intresse för protopopbilder. 1961 började Lichtenstein med sina första popmålningar där han använde sig av tecknade bilder och tekniker som härrörde från utseendet på kommersiella tryck. Denna fas skulle fortsätta fram till 1965 och omfattade användning av reklambilder som antyder konsumtion och hemarbete. hans första verk med storskalig användning av hårdkokta figurer och Ben-Day-punkter var Look Mickey (1961, National Gallery of Art, Washington, D.C.). Detta verk kom till följd av en utmaning från en av hans söner, som pekade på en Mickey Mouse-seriebok och sa: ”Jag slår vad om att du inte kan måla lika bra som den, eller hur, pappa?”. Samma år skapade han sex andra verk med igenkännbara figurer från tuggummipapper och tecknade serier.

1961 började Leo Castelli visa Lichtensteins verk i sitt galleri i New York. Lichtenstein hade sin första separatutställning i Castellis galleri 1962, och hela samlingen köptes av inflytelserika samlare redan innan utställningen öppnades. En grupp målningar som producerades mellan 1961 och 1962 fokuserade på solitära hushållsobjekt som t.ex. sneakers, korvar och golfbollar. I september 1963 tog han tjänstledigt från sin lärartjänst vid Douglass College i Rutgers.

Hans verk inspirerades av serietidningar med krig och romantiska berättelser ”Vid den tiden”, berättade Lichtenstein senare, ”var jag intresserad av allt jag kunde använda som ett ämne som var känslomässigt starkt – vanligtvis kärlek, krig eller något som var mycket laddat och känslomässigt ämne som skulle stå i motsats till den avlägsna och avsiktliga målningstekniken”.

Lichtensteins högsta profil under en period

Det var vid den här tiden som Lichtenstein började bli berömd inte bara i Amerika utan i hela världen. Han flyttade tillbaka till New York för att vara i centrum av konstscenen och tog avsked från Rutgers University 1964 för att koncentrera sig på sitt måleri. Lichtenstein använde olja och Magna (tidig akryl) färg i sina mest kända verk, till exempel Drowning Girl (1963), som tillägnades från huvudartikeln i DC Comics Secret Hearts nr 83. (Drowning Girl hänger nu i Museum of Modern Art i New York.) Drowning Girl har också tjocka konturer, starka färger och Ben-Day-punkter, som om de hade skapats genom fotografisk reproduktion. Om sitt eget arbete skulle Lichtenstein säga att de abstrakta expressionisterna ”lade ner saker på duken och reagerade på vad de hade gjort, på färgpositioner och storlekar. Min stil ser helt annorlunda ut, men det är i stort sett samma sak att lägga ner linjer; mina linjer ser bara inte kalligrafiska ut, som Pollocks eller Klines.”

Istället för att försöka återge sina motiv tog Lichtenstein i sina verk upp hur massmedia porträtterar dem. Han tog dock aldrig sig själv på för stort allvar och sa: ”Jag tror att mitt arbete skiljer sig från serietidningar – men jag skulle inte kalla det för transformation; jag tror inte att vad som än menas med det är viktigt för konsten.” När Lichtensteins verk först ställdes ut ifrågasatte många av dåtidens konstkritiker dess originalitet. Hans verk kritiserades hårt som vulgärt och tomt. Rubriken på en artikel i tidskriften Life 1964 frågade: ”Är han den sämsta konstnären i USA?”. Lichtenstein svarade på sådana påståenden med svar som följande: ”Ju närmare originalet mitt verk är, desto mer hotfullt och kritiskt blir innehållet. Mitt arbete är dock helt förändrat i och med att mitt syfte och min uppfattning är helt annorlunda. Jag tror att mina målningar är kritiskt transformerade, men det skulle vara svårt att bevisa det med någon rationell argumentation.” Han diskuterade att han upplevde denna tunga kritik i en intervju med April Bernard och Mimi Thompson 1986. Lichtenstein antydde att det ibland var svårt att bli kritiserad och sa: ”Jag tvivlar inte när jag faktiskt målar, det är kritiken som får en att undra, det gör den”.

Hans mest berömda bild är utan tvekan Whaam! (1963, Tate Modern, London), ett av de tidigaste kända exemplen på popkonst, anpassad från en serietidningspanel ritad av Irv Novick i ett nummer av DC Comics All-American Men of War från 1962. Målningen föreställer ett stridsflygplan som avfyrar en raket mot ett fiendeplan, med en röd-gul explosion. Den tecknade stilen förstärks av användningen av den onomatopoetiska bokstaven ”Whaam!” och den inramade bildtexten ”I pressed the fire control … and ahead of me rockets blazed through the sky …”. Detta diptychon är storskaligt och mäter 1,7 x 4,0 m (5 ft 7 in x 13 ft 4 in). Whaam följer de serietidningsbaserade temana i några av hans tidigare målningar och är en del av en samling verk med krigstema som skapades mellan 1962 och 1964. Det är en av hans två anmärkningsvärda stora målningar med krigstema. Den köptes av Tate Gallery 1966, efter att ha ställts ut på Leo Castelli Gallery 1963, och (nu på Tate Modern) har sedan dess funnits i deras samling. År 1968 förvärvade Darmstadtentreprenören Karl Ströher flera stora verk av Lichtenstein, till exempel Nurse (1964), Compositions I (1964), We rose up slowly (1964) och Yellow and Green Brushstrokes (1966). Efter att ha varit utlånad till Hessiches Landesmuseum Darmstadt i flera år kunde den grundande direktören för Museum für Moderne Kunst Frankfurt, Peter Iden, 1981 förvärva sammanlagt 87 verk, främst amerikansk popkonst och minimalistisk konst för det museum som var under uppbyggnad fram till 1991.

Lichtenstein började experimentera med skulptur runt 1964 och visade en känsla för formen som stod i strid med den ihärdiga plattheten i hans målningar. För Head of Girl (1964) och Head with Red Shadow (1965) samarbetade han med en keramiker som skulpterade huvudets form i lera. Lichtenstein applicerade sedan en glasyr för att skapa samma typ av grafiska motiv som han använde i sina målningar; appliceringen av svarta linjer och Ben-Day-punkter på tredimensionella objekt resulterade i en tillplattning av formen.

De flesta av Lichtensteins mest kända verk är relativt nära, men inte exakta, kopior av serietidningspaneler, ett ämne som han i stort sett övergav 1965, även om han ibland skulle införliva serier i sina verk på olika sätt under senare årtionden. Dessa paneler ritades ursprungligen av serietecknare som Jack Kirby och DC Comics-tecknare Russ Heath, Tony Abruzzo, Irv Novick och Jerry Grandenetti, som sällan fick något erkännande. Jack Cowart, verkställande direktör för Lichtenstein Foundation, bestrider uppfattningen att Lichtenstein var en kopist och säger: ”Roys arbete var en förundran över de grafiska formlerna och kodifieringen av känslor som hade utarbetats av andra. Panelerna förändrades i skala, färg, behandling och i deras innebörd. Det finns ingen exakt kopia.” har kritiserat Lichtensteins användning av bilder och konstverk från serietidningar, särskilt i den mån som denna användning har setts som ett stöd för en nedlåtande syn på serietidningar från konstens mainstream; serietecknaren Art Spiegelman kommenterade att ”Lichtenstein inte gjorde mer eller mindre för serietidningar än vad Andy Warhol gjorde för soppa”.

Lichtensteins verk som baserades på förstorade bilder från serietidningar gav upphov till en omfattande debatt om deras förtjänster som konst. Lichtenstein erkände själv: ”Jag kopierar nominellt, men i själva verket återger jag det kopierade i andra termer. När jag gör det får originalet en helt annan struktur. Det är inte tjocka eller tunna penseldrag, det är prickar och platta färger och orubbliga linjer”. Eddie Campbell bloggade att ”Lichtenstein tog en pytteliten bild, mindre än handflatan, tryckt med fyrfärgsbläck på tidningspapper och blåste upp den till den konventionella storlek där ”konst” görs och ställs ut och avslutade den med färg på duk”. När det gäller Lichtenstein sade Bill Griffith en gång: ”Det finns hög konst och det finns låg konst. Och sedan finns det hög konst som kan ta låg konst, föra in den i ett högkonstnärligt sammanhang, tillägna sig den och höja den till något annat.”

Även om Lichtensteins seriebaserade verk fick ett visst godkännande, finns det fortfarande kritik som säger att Lichtenstein inte har nämnt de ursprungliga konstnärerna eller upphovsrättsinnehavarna, inte betalat några royalties till dem och inte heller sökt deras tillåtelse. I en intervju för en BBC Four-dokumentär 2013 frågade Alastair Sooke serietecknaren Dave Gibbons om han ansåg att Lichtenstein var en plagiatförfattare. Gibbons svarade: ”Jag skulle säga ”copycat”. Inom musiken till exempel kan man inte bara vissla någon annans melodi eller framföra någon annans melodi, hur dåligt det än är, utan att på något sätt kreditera och ge ersättning till den ursprungliga konstnären. Det är att säga att detta är ”WHAAM! av Roy Lichtenstein, efter Irv Novick”.” Sooke hävdar själv att ”Lichtenstein förvandlade Novicks konstverk på ett antal subtila men avgörande sätt”.

Ernesto Priego, grundare av tidskriften, föreläsare vid City University London och doktorand vid University College London, konstaterar att Lichtensteins underlåtenhet att ge upphov till de ursprungliga upphovsmännen till sina serier var en återspegling av beslutet av National Periodical Publications, föregångaren till DC Comics, att inte ge upphov till författare och konstnärer:

Förutom att de kulturella fördomarna mot serietidningar som konstbärare framhäver exempel som Lichtensteins tillägnande av serietidningarnas vokabulär vikten av att ta hänsyn till publikationsformatet när man definierar serietidningar, liksom den politiska ekonomi som specifika typer av historiska publikationer, i det här fallet den amerikanska serietidningen, innebär. I vilken utsträckning var National Periodical Publications (senare DC) ansvarig för att Kanigher och Novick förkastades som konstnärer i sin egen rätt genom att inte ge dem full upphovskredit i själva publikationen?”

Campbell påpekar dessutom att det fanns en tid då serietecknare ofta avböjde att ge erkännande för sina verk.

I en berättelse som publicerades 1998 sade Novick att han hade träffat Lichtenstein i armén 1947 och att han som överordnad officer hade svarat på Lichtensteins gråtande klagomål om de enkla uppgifter han tilldelats genom att rekommendera honom ett bättre jobb. Jean-Paul Gabilliet har ifrågasatt denna redogörelse och sagt att Lichtenstein hade lämnat armén ett år före den tidpunkt då Novick säger att händelsen ägde rum. Bart Beaty, som konstaterar att Lichtenstein hade tillägnat sig Novick för verk som Whaam! och Okay Hot-Shot, Okay!, säger att Novicks berättelse ”verkar vara ett försök att personligen förringa” den mer kända konstnären.

År 1966 gick Lichtenstein vidare från sina mycket hyllade bilder från det tidiga 1960-talet och inledde sin serie Modern Paintings, som omfattar över 60 målningar och tillhörande teckningar. Med hjälp av de karakteristiska Ben-Day-punkterna och de geometriska formerna och linjerna skapade han osammanhängande, utmanande bilder av välkända arkitektoniska strukturer, mönster som lånats från Art Déco och andra subtilt suggestiva, ofta sekventiella motiv. I serien Modern Sculpture från 1967-8 hänvisades till motiv från Art Déco-arkitekturen.

Senare arbete

I början av 1960-talet reproducerade Lichtenstein mästerverk av Cézanne, Mondrian och Picasso innan han 1965 började med serien Brushstrokes. Lichtenstein fortsatte att återkomma till detta tema senare i sin karriär med verk som Bedroom at Arles som bygger på Vincent van Goghs Bedroom in Arles.

1970 fick Lichtenstein i uppdrag av Los Angeles County Museum of Art att göra en film (inom ramen för programmet Art and Technology som utvecklades mellan 1967 och 1971). Med hjälp av Universal Film Studios tänkte konstnären ut och producerade Three Landscapes, en film om marina landskap, direkt relaterad till en serie collage med landskapsteman som han skapade mellan 1964 och 1966. Även om Lichtenstein hade planerat att producera 15 kortfilmer, visade sig installationen med tre skärmar – som gjordes tillsammans med den New York-baserade oberoende filmskaparen Joel Freedman – vara konstnärens enda satsning på detta medium.

1970 köpte Lichtenstein en före detta vagnhall i Southampton på Long Island, byggde en studio på fastigheten och tillbringade resten av 1970-talet i relativ avskildhet. Under 1970- och 1980-talen började hans stil luckras upp och han utvidgade det han tidigare hade gjort. Lichtenstein påbörjade en serie av Mirrors-målningar 1969. År 1970, samtidigt som han fortsatte med serien Mirrors, började han arbeta med ämnet entablementer. Entablatures bestod av en första serie målningar 1971-1972, följt av en andra serie 1974-1976 och publiceringen av en serie relieftryck 1976. Han producerade en serie ”Artists Studios” som innehöll delar av hans tidigare verk. Ett anmärkningsvärt exempel är Artist”s Studio, Look Mickey (1973, Walker Art Center, Minneapolis) som innehåller fem andra tidigare verk, inpassade i scenen.

Under en resa till Los Angeles 1978 fascinerades Lichtenstein av advokaten Robert Rifkinds samling av tyska expressionistiska tryck och illustrerade böcker. Han började skapa verk som lånade stilistiska element från expressionistiska målningar. Det vita trädet (1980) påminner om lyriska landskap från Der Blaue Reiter, medan Dr. Waldmann (1980) påminner om Otto Dix” Dr. Mayer-Hermann (1926). Små teckningar med färgpennor användes som förlagor för träsnitt, ett medium som föredrogs av Emil Nolde och Max Pechstein, liksom av Dix och Ernst Ludwig Kirchner. I slutet av 1970-talet ersattes Lichtensteins stil också av mer surrealistiska verk som Pow Wow (1979, Ludwig Forum für Internationale Kunst, Aachen). En stor serie surrealistiska popmålningar från 1979 till 1981 bygger på indianska teman. Dessa verk sträcker sig från Amerind Figure (1981), en stiliserad skulptur i naturlig storlek som påminner om en strömlinjeformad totempåle i svartpatinerad brons, till den monumentala ulltapeten Amerind Landscape (1979). De ”indianska” verken hämtade sina teman, liksom de andra delarna av den surrealistiska serien, från samtida konst och andra källor, inklusive böcker om amerikansk indiansk design från Lichtensteins lilla bibliotek.

Lichtensteins målningar, skulpturer och teckningar med stilleben, som sträcker sig från 1972 till början av 1980-talet, omfattar en mängd olika motiv och teman, inklusive de mest traditionella som frukt, blommor och vaser. År 1983 gjorde Lichtenstein två affischer mot apartheid, med den enkla titeln ”Against Apartheid”. I sin serie Reflection, som producerades mellan 1988 och 1990, återanvände Lichtenstein sina egna motiv från tidigare verk. Interiors (1991-1992) är en serie verk som skildrar banala hemmiljöer inspirerade av möbelannonser som konstnären hittade i telefonböcker eller på reklamskyltar. Efter att ha hämtat inspiration från Edgar Degas monokromatiska tryck som presenterades i en utställning på Metropolitan Museum of Art i New York 1994, formas motiven i serien Landscapes in the Chinese Style med simulerade Benday-punkter och blockkonturer, som återges i hårda, levande färger och där alla spår av handen är avlägsnade. Den nakna kvinnan är ett återkommande element i Lichtensteins verk från 1990-talet, till exempel i Collage for Nude with Red Shirt (1995).

Förutom målningar och skulpturer gjorde Lichtenstein också över 300 tryck, mestadels i screentryck.

Provisioner

1969 fick Lichtenstein i uppdrag av Gunter Sachs att skapa Composition och Leda and the Swan till samlarens Pop Art-svit i sovrummet på Palace Hotel i St Moritz. I slutet av 1970-talet och under 1980-talet fick Lichtenstein stora beställningar för verk på offentliga platser: skulpturerna Lamp (den 26 fot höga Brushstrokes in Flight (den fem våningar höga Mural with Blue Brushstroke (och El Cap de Barcelona (1992) i Barcelona. År 1994 skapade Lichtenstein den 53 fot långa Times Square Mural i emalj på metall på tunnelbanestationen Times Square. År 1977 fick han i uppdrag av BMW att måla en grupp 5 racingversion av BMW 320i för den tredje delen av BMW Art Car Project. DreamWorks Records logotyp var hans sista avslutade projekt. ”Jag gör inte något sådant (en företagslogotyp) och tänker inte göra det igen”, tillåter Lichtenstein. ”Men jag känner Mo Ostin och David Geffen och det verkade intressant.”

Erkännande

Lichtenstein fick flera hedersdoktorsexamina från bland annat George Washington University (1996), Bard College, Royal College of Art (1993), Ohio State University (1987), Southampton College (1980) och California Institute of the Arts (1977). Han har också suttit i styrelsen för Brooklyn Academy of Music.

1949 gifte sig Lichtenstein med Isabel Wilson, som tidigare hade varit gift med konstnären Michael Sarisky från Ohio. De brutala vintrarna i norra delstaten tog dock hårt på Lichtenstein och hans fru, efter att han 1958 började undervisa vid State University of New York i Oswego. Paret sålde familjehemmet i Highland Park, New Jersey, 1963 och skilde sig 1965.

Lichtenstein gifte sig med sin andra fru, Dorothy Herzka, 1968. År 1966 hyrde de ett hus i Southampton, New York, som Larry Rivers hade köpt runt hörnet från sitt eget hus. Tre år senare köpte de ett 1910 års vagnhus som vetter mot havet på Gin Lane. Från 1970 fram till sin död delade Lichtenstein sin tid mellan Manhattan och Southampton. Han hade också ett hem på Captiva Island.

1991 inledde Lichtenstein en affär med sångerskan Erica Wexler som blev musa för hans serie Nudes, inklusive 1994 års Nudes with Beach Ball. Hon var 22 år och han var 68 år. Affären varade till 1994 och avslutades när Wexler åkte till England med sin blivande make Andy Partridge från XTC. Enligt Wexler hade Lichtenstein och hans fru Dorothy en överenskommelse och båda hade betydande andra personer utöver sitt äktenskap.

Lichtenstein dog av lunginflammation den 29 september 1997 på New York University Medical Center, där han hade legat på sjukhus i flera veckor, fyra veckor före sin 74-årsdag. Han efterlämnade sin andra hustru, Dorothy Herzka, och sina söner David och Mitchell från sitt första äktenskap.

Popkonsten fortsätter att påverka 2000-talet. Lichtenstein och Andy Warhol användes i U2:s PopMart-turné 1997 och 1998 och i en utställning 2007 på British National Portrait Gallery.

Bland många andra konstverk som förlorades i World Trade Center-attackerna den 11 september 2001, förstördes en målning ur Lichtensteins serie The Entablature Series i den efterföljande branden.

Hans verk Crying Girl var ett av de konstverk som väcktes till liv i Night at the Museum: Battle of the Smithsonian.

1964 blev Lichtenstein den första amerikanen att ställa ut på Tate Gallery i London i samband med utställningen ””54-”64: Painting and Sculpture of a Decade”. År 1967 hölls hans första retrospektiva museiutställning på Pasadena Art Museum i Kalifornien. Samma år hölls hans första separatutställning i Europa på museer i Amsterdam, London, Bern och Hannover. Lichtenstein deltog senare i dokumentas IV (1968) och VI i (1977). Lichtenstein hade sin första retrospektiva utställning på Guggenheim Museum 1969, organiserad av Diane Waldman. Guggenheim presenterade en andra Lichtensteinretrospektiv 1994. Lichtenstein blev den första levande konstnären som hade en separat teckningsutställning på Museum of Modern Art från mars till juni 1987. Bland de senaste retrospektiven kan nämnas 2003 års ”All About Art”, Louisiana Museum of Modern Art, i Danmark (som sedan fortsatte till Hayward Gallery i London, Museo Reina Sofia i Madrid och San Francisco Museum of Modern Art fram till 2005) och ”Classic of the New”, Kunsthaus Bregenz (2005), ”Roy Lichtenstein: Meditationer om konst” Museo Triennale, Milano (2010, till Museum Ludwig, Köln). I slutet av 2010 visade The Morgan Library & Museum Roy Lichtenstein: The Black-and-White Drawings, 1961-1968. Ytterligare en stor retrospektiv utställning öppnade på Art Institute of Chicago i maj 2012 och visades sedan på National Gallery of Art i Washington, Tate Modern i London och Centre Pompidou i Paris 2013. 2013: Roy Lichtenstein, Olyvia Fine Art. 2014: Roy Lichtenstein: Intimate Sculptures, The FLAG Art Foundation. Roy Lichtenstein: Opera Prima, Civic Gallery of Modern and Contemporary Arts, Turin. 2018: Utställning på Tate Liverpool, Merseyside, Storbritannien.

1996 blev National Gallery of Art i Washington D.C. det största enskilda lagret av konstnärens verk när Lichtenstein donerade 154 tryck och två böcker. Art Institute of Chicago har flera viktiga verk av Lichtenstein i sin permanenta samling, bland annat Brushstroke with Spatter (1966) och Mirror No. 3 (Six Panels) (1971). Lichtensteins änka, Dorothy Lichtenstein, och Roy Lichtenstein Foundation har flera hundra personliga innehav. I Europa har Museum Ludwig i Köln ett av de mest omfattande Lichtensteinbestånden med Takka Takka (1962), Nurse (1964), Compositions I (1964), samt Frankfurt Museum für Moderne Kunst med We rose up slowly (1964) och Yellow and Green Brushstrokes (1966). Utanför USA och Europa har National Gallery of Australia Kenneth Tyler Collection ett omfattande bestånd av Lichtensteins grafik, med över 300 verk. Totalt finns det cirka 4 500 verk som tros vara i omlopp.

Efter konstnärens död 1997 grundades Roy Lichtenstein Foundation 1999. År 2011 beslutade stiftelsens styrelse att fördelarna med en äkthetskontroll inte uppvägdes av riskerna med utdragna rättegångar.

I slutet av 2006 skickade stiftelsen ut ett julkort med en bild av Electric Cord (1961), en målning som varit försvunnen sedan 1970 efter att Leo Castelli Gallery skickat den till konstrestauratorn Daniel Goldreyer. På kortet uppmanades allmänheten att rapportera all information om var målningen finns. År 2012 autentiserade stiftelsen verket när det dök upp i ett lager i New York City.

Mellan 2008 och 2012, efter fotografen Harry Shunks död 2006, förvärvade Lichtenstein Foundation samlingen av fotografiskt material som Shunk och hans János Kender fotograferat, samt fotografernas upphovsrätt. År 2013 donerade stiftelsen Shunk-Kenders samling till fem institutioner – Getty Research Institute i Los Angeles, Museum of Modern Art i New York, National Gallery of Art i Washington, Centre Pompidou i Paris och Tate i London – som kommer att ge varje museum tillgång till de andras andelar.

Sedan 1950-talet har Lichtensteins verk ställts ut i New York och på andra ställen med Leo Castelli i hans galleri och på Castelli Graphics samt med Ileana Sonnabend i hennes galleri i Paris och på Ferus Gallery, Pace Gallery, Gagosian Gallery, Mitchell-Innes & Nash, Mary Boone, Brooke Alexander Gallery, Carlebach, Rosa Esman, Marilyn Pearl, James Goodman, John Heller, Blum Helman, Hirschl & Adler, Phyllis Kind, Getler Pall, Condon Riley, 65 Thompson Street, Holly Solomon och Sperone Westwater Galleries med flera. Leo Castelli Gallery representerade Lichtenstein exklusivt sedan 1962, då en separatutställning med konstnären sålde slut innan den öppnade.

Från och med 1962 höll Leo Castelli Gallery i New York regelbundna utställningar med konstnärens verk. Gagosian Gallery har ställt ut verk av Lichtenstein sedan 1996.

Big Painting No. 6 (1965) blev det verk av Lichtenstein som fick det högsta priset 1970. Liksom hela serien Brushstrokes är ämnet för målningen den abstrakta expressionistiska måleriprocessen med hjälp av svepande penseldrag och droppar, men resultatet av Lichtensteins förenkling med hjälp av en bakgrund av Ben-Day-dagpunkter är en representation av den mekaniska

Lichtensteins målning Torpedo … Los! (1963) såldes på Christie”s för 5,5 miljoner dollar 1989, vilket var ett rekordbelopp vid den tidpunkten och gjorde honom till en av endast tre levande konstnärer som har dragit till sig sådana enorma summor. År 2005 såldes In the Car för det dåvarande rekordet 16,2 miljoner dollar (10 miljoner pund).

År 2010 såldes hans tecknade målning Ohhh…Alright… från 1964, som tidigare ägdes av Steve Martin och senare av Steve Wynn, för rekordhöga 42,6 miljoner US-dollar (26,7 miljoner pund) vid en försäljning hos Christie”s i New York.

Lichtensteins I Can See the Whole Room…and There”s Nobody in It! bygger på en teckning av William Overgard från 1961 för en tecknad berättelse av Steve Roper. (1961) föreställer en man som tittar genom ett hål i en dörr. Den såldes av samlaren Courtney Sale Ross för 43 miljoner dollar, dubbelt så mycket som uppskattad, på Christie”s i New York 2011. Säljarens make, Steve Ross, hade förvärvat den på auktion 1988 för 2,1 miljoner dollar. Målningen mäter en halvmeter gånger en halvmeter och är gjord i grafit och olja.

Den komiska målningen Sleeping Girl (1964) från Beatrice och Phillip Gershs samling gav ett nytt Lichtensteinrekord på 44,8 miljoner dollar på Sotheby”s 2012.

I oktober 2012 fick Leo Castellis änka Barbara Bertozzi Castelli tillbaka sin målning Electric Cord (1962) efter att ha varit försvunnen i 42 år. Castelli hade skickat målningen till en konstrestaurator för rengöring i januari 1970, men fick aldrig tillbaka den. Han dog 1999. År 2006 publicerade Roy Lichtenstein Foundation en bild av målningen på sitt julhälsningskort och bad konstsamfundet att hjälpa till att hitta den. Målningen hittades i ett lager i New York efter att ha varit utställd i Bogota i Colombia.

År 2013 satte målningen Kvinna med blommig hatt ett nytt rekord på 56,1 miljoner dollar när den köptes av den brittiska juveleraren Laurence Graff av den amerikanske investeraren Ronald O. Perelman.

Detta överträffades 2015 när Nurse såldes för 95,4 miljoner dollar på en Christie”s-auktion.

I januari 2017 såldes Masterpiece för 165 miljoner dollar. Intäkterna från försäljningen kommer att användas för att skapa en fond för reformering av straffrätten.

Bibliografi

Biografiskt:

Verk:

Annat:

Källor

  1. Roy Lichtenstein
  2. Roy Lichtenstein
Ads Blocker Image Powered by Code Help Pro

Ads Blocker Detected!!!

We have detected that you are using extensions to block ads. Please support us by disabling these ads blocker.