Jean-François Millet
gigatos | januari 20, 2022
Sammanfattning
Jean-François Millet (20 januari 1875) var en fransk realistisk målare som föddes i en bondefamilj. Han utbildade sig hos en lokal målare i Cherbourg och studerade sedan i Paris 1837 för Delaroche. Han påverkades av Daumier och arbetade i en pastoral stil med socialistiska inslag som han vidareutvecklade i byn Barbizon, i Fontainebleaus skog, där han 1849 slog sig ner tillsammans med Theodore Rousseau, Narcisse Diaz och andra. Medlemmarna i denna grupp, som kallas Barbizonskolan och som påverkades av Corot, de holländska landskapsmålarna från 1600-talet och Constable, var impressionismens föregångare. Han var känd för sina scener av bönder, där han försökte uttrycka bondemänniskans oskuld i motsats till den förnedring som följer med den medborgare som är nedsänkt i industrisamhället. Han räknas till de realistiska och naturalistiska rörelserna. Han dog i Barbizon 1875.
Läs också: biografier – Peter Paul Rubens
Ungdom
Millet var förstfödd son till Jean-Louis-Nicolas och Aimée-Henriette-Adélaïde Henry Millet, som tillhörde bondesamhället i byn Gruchy, kommunen Gréville-Hague i Normandie. Under ledning av två präster i byn lärde sig Millet latin och moderna författare, innan han 1833 skickades till Cherbourg för att studera hos porträttmålaren Paul Dumouchel. År 1835 studerade han på heltid för Lucien-Théophile Langlois, en elev till baron Gros, i Cherbourg. Langlois och andra stödde honom ekonomiskt så att han kunde flytta till Paris 1837, där han studerade vid École des Beaux-Arts tillsammans med Paul Delaroche. År 1839 avslutade han sin lärlingsutbildning och det första han skickade in till salongen blev avslaget.
Läs också: biografier – Paul Cézanne
Paris
År 1837 fick Millet ett stipendium som gjorde det möjligt för honom att flytta till Paris, där han gick på École des Beaux-Arts. Där fördjupade han sina kunskaper i historiemålarens Paul Delaroche ateljé. Senare blev han vän med Constant Troyon, Narcisse Diaz, Charles Jacque och Théodore Rousseau, konstnärer som liksom Millet skulle komma att förknippas med Barbizonskolan; de hjälpte honom alla och spelade en avgörande roll i hans beslut att för gott lämna den ”dystra och kaotiska” staden, enligt hans egna ord, som han aldrig hade gillat; förutom dess bondesedlar och grova karaktär, var han inte överens med det parisiska levnadssättet och återvände till Cherbourg för att starta en karriär som porträttmålare. Efter 1840 avlägsnade han sig från den officiella målarstilen och kom under inflytande av Honoré Daumier, vars figurteckning skulle komma att påverka Millets senare skildringar av bondemotiv, av vilken han lärde sig känslan för kontraster av ljus och skugga, liksom uppbyggnaden av människokroppen med enkla volymer, och Alfred Sensier, en statlig byråkrat som skulle bli en livslång förespråkare och med tiden konstnärens biograf. År 1847 nådde han sin första framgång på salongen med målningen Ödipus som stiger ner från trädet, och 1848 köpte regeringen hans Trollkarlen.
Hans välkända början var El aventador (1848). På 1850-talet observerade han lantarbetare under andra republikens demokratiska år, och hans verk är melankoliska i sitt allvar och framför allt i sitt sociala fördömande (Mujeres cargando leña, 1851), och även i senare verk som El Hombre de la azada (Mannen med hackan, 1859-1862). Denna betoning på att påpeka den ”sentimentala estetiken hos hans avdankade arbetare i landet” ledde till att hans verk ofta förkastades, vilket borde ses över enligt Novonty, och ett försök borde göras för att upprätthålla en korrekt balans i bedömningen av hans konst.
År 1841 gifte han sig med Pauline-Virginie Ono och de flyttade till Paris. Efter att ha blivit avvisad vid salongen 1843 och Pauline dog av tuberkulos återvände Millet till Cherbourg. 1845 flyttade Millet till Le Havre med Catherine Lemaire, som han gifte sig med i en civil ceremoni 1853; de skulle få nio barn och skulle förbli tillsammans resten av Millets liv. I Le Havre målade han porträtt och små genrer i flera månader innan han återvände till Paris.
Judarnas fångenskap i Babylon, Millets mest ambitiösa verk hittills, ställdes ut på 1848 års salong, men hånades av både kritiker och publik. Målningen försvann kort därefter, vilket fick historiker att tro att Millet förstörde den. 1984 röntgade forskare vid Museum of Fine Arts i Boston Millets målning ”Den unga herdinnan” från 1870 för att se om den var förändrad och upptäckte att den var övermålad: Judarnas fångenskap i Babylon. Man tror nu att Millet återanvände duken när det blev ont om material på grund av det fransk-preussiska kriget.
Läs också: biografier – Henri de Toulouse-Lautrec
Barbizon-skolan
En term som används för att referera till en grupp målare som runt 1818 samlades i den franska byn med samma namn och dess omgivningar nära skogen Fontainebleau. Den är också känd som Fontainebleaus skola och dess produktion anses vara den mest kraftfulla landskapsrörelsen i 1800-talets Frankrike. Han målade med en anmärkningsvärd precision en friluftsmåleri med noggrann observation av naturmiljöer och förkastade akademisk och neoklassisk komposition. De är löst målade och utgörs mestadels av landskap med slätter, träd och skogar. De mest representativa målarna var Jean-Camille Corot, även om organisatören, gruppens ledare och teoretiker var Theodore Rousseau. Andra ledande personer är Jules Dupré, vars verk kännetecknas av en dyster användning av ljuset, och Jean Francois Millet, en sann förnyare tack vare sina speciella motiv som lyfter fram böndernas och lantarbetarnas värld.
År 1849 målade Millet en statlig beställning, Reapers, som han fick på uppdrag av staten. På salongen samma år ställde han ut en herdinna som sitter vid skogens kant, en mycket liten oljemålning som markerade hans avsteg från de tidigare idealiserade pastorala motiven till förmån för ett mer realistiskt och personligt tillvägagångssätt. I juni 1849 anlände han till Barbizon tillsammans med Catherine och hennes barn och anslöt sig till kretsen av den skola som har fått sitt namn från denna stad.
År 1850 ingick Millet ett avtal med Sensier, som försåg konstnären med material och pengar i utbyte mot teckningar och målningar, medan Millet behöll rätten att fortsätta sälja verk till andra köpare. På salongen samma år ställde han ut Labradorerna och såmaskinen, sitt första stora mästerverk och den första av den ikoniska trion av målningar som skulle komma att inkludera Gleaners och Angelus.
Mellan 1850 och 1853 arbetade Millet med Reapers at Rest (Rut och Boaz), en målning som han skulle komma att betrakta som den viktigaste och den som han arbetade längst med. Målningen var tänkt att konkurrera med hans hjältar Michelangelo och Poussin, men var också den målning som markerade hans övergång från att skildra symboliska bilder av bondelivet till att skildra samtida sociala förhållanden. Det var den enda målning som han daterade, och det var det första verket som fick ett officiellt erkännande, en medalj av andra klass vid salongen 1853.
Liksom Théodore Rousseau hade Millet en djup känsla för naturen: han tolkade den (snarare än att bara spegla den) genom att förstå jordens, trädens och stigarnas röster. Millet hävdade att han i naturen kände mer än vad sinnena gav honom. Den ibland sentimentala tonen i hans verk (Angelus och Döden och skogsklipparen) skiljer honom något från den andra stora realisten Courbet, som var hårdare och mer upprorisk.
Författaren kommer att försöka skildra de ödmjuka bönderna i en gest av beundran för landsbygdens fattiga människor, förföra republikanerna och reta upp borgarklassen genom att behandla detta som ett centralt tema i sitt verk.
Den som vinner
Framför ett dramatiskt interiörrum står figuren av vintröskaren som sållar vetet med fötterna i breda träskor och gamla trasiga tyger som är bundna med ett snöre över hans byxor för att förhindra att de försämras, som en avslöjande bild, även om den, som alltid hos Millet, är underordnad fattigdomen och den hårda dagliga överlevnadskampen för den enkla lantarbetaren på landsbygden.
Det här är en av Millets mest kända målningar, Gleaners (1857). När han vandrade på fälten runt Barbizon fanns ett återkommande tema i Millets pennor och penslar under sju år: ”gleaning”, den hundraåriga rättigheten för fattiga kvinnor och barn att bära med sig säd som ligger kvar på fälten efter skörden. Han fann att det var ett tidlöst tema som var kopplat till berättelser från Gamla testamentet. År 1857 presenterade han målningen Gleaners på salongen för en ljummen och till och med fientlig publik.
(Tidigare versioner inkluderar en vertikal komposition målad 1854, en etsning från 1855-56 som direkt förebådar det horisontella formatet i den målning som nu finns på Musée d”Orsay).
Ett varmt gyllene ljus antyder något heligt och evigt i denna vardagliga scen där kampen för överlevnad utspelar sig. Under sina förberedande studier funderade Millet på hur han bäst skulle kunna förmedla känslan av upprepning och trötthet i böndernas vardag. Linjerna på varje kvinnas rygg leder ner till marken och upprepar sig sedan i en rörelse som är identisk med deras ändlösa och ansträngande arbete. Längs horisonten skymtar solnedgången gården med dess rikliga spannmålshögar, i kontrast till de långa, skuggiga figurerna i förgrunden. De enkla, mörka klänningarna som de som samlar in mat skildrar robusta former mot det gyllene fältet och ger varje kvinna en ädel, monumental styrka.
Målningen beställdes av Thomas Gold Appleton, en amerikansk konstsamlare bosatt i Boston, Massachusetts, som tidigare hade studerat för Barbizonmålaren Constant Troyon, en vän till Millet. Den färdigställdes under sommaren 1857. Millet lade till ett klocktorn och ändrade verkets ursprungliga titel, Prayer for the Potato Harvest, till The Angelus när köparen inte köpte det 1859. Målningen visades för första gången för allmänheten 1865, men bytte ägare flera gånger och ökade endast blygsamt i värde eftersom konstnären av vissa ansågs ha misstänkta politiska sympatier. När Millet dog ett decennium senare utbröt ett budkrig mellan USA och Frankrike som några år senare slutade med ett pris på 800 000 guldfrancs.
Skillnaden mellan målningens uppenbara värde och den fattiga situationen för Millets efterlevande familj var en viktig drivkraft bakom införandet av droit de suite, som var tänkt att kompensera konstnärer eller deras arvingar när deras verk såldes vidare.
Angelus av Jean Francois Millet var tänkt som en upphöjelse av bondearbetet, fritt från den brutalisering som tidens proletariat utsatte det för, och som en hymn till försoningen mellan människa och natur. Kompositionen följer ett enkelt schema: mot ett öppet landskap placerar målaren de två figurerna i förgrunden, vilket ger dem en nästan skulpturell närvaro som förstärks av en mästerlig användning av ljuset som framhäver modelleringen av de två figurerna. 1935 tog Salvador Dalí denna målning som exempel på vad han kallade den kritiska paranoida metoden. Enligt hans tolkning, som är förståelig inom ramen för ett surrealistiskt schema, ber figurerna inte Angelus utan begraver sin son, vars kropp ligger i korgen i förgrunden. Hans analys gick ännu längre när han jämförde den kvinnliga figuren med en bönemanssyrsa som är på väg att sluka mannen, som väntar underdånigt och döljer sin erektion med sin hatt.
Läs också: biografier – Philip Guston
Senaste åren
Trots blandade recensioner av de målningar han ställde ut på salongen ökade Millets rykte och framgång under hela 1860-talet. I början av årtiondet fick han ett kontrakt om att måla 25 verk mot ett månatligt arvode under de kommande tre åren, och 1865 började en annan mecenat, Émile Gavet, beställa pastellarbeten av honom till en samling som så småningom skulle uppgå till 90 verk. 1867 arrangerade världsutställningen en stor utställning av hans verk, där bland annat The Gleaners, The Angelus och Potato Planters ställdes ut. Året därpå beställde Frédéric Hartmann Fyra årstider för 25 000 franc, och Millet utnämndes till riddare av hederslegionen.
År 1870 valdes Millet till jurymedlem i salongen. Senare samma år flydde han och hans familj undan det fransk-preussiska kriget och flyttade till Cherbourg och Gréville och återvände inte till Barbizon förrän i slutet av 1871. Hans sista år präglades av ekonomisk framgång och ett ökande officiellt erkännande, men han kunde inte slutföra regeringsuppdrag på grund av sin sviktande hälsa. Den 3 januari 1875 gifte han sig med Catherine i en religiös ceremoni. Millet dog den 20 januari 1875.
Millet var en viktig inspirationskälla för Vincent van Gogh, särskilt under hans tidiga period. Millet och hans verk nämns många gånger i Vincents brev till sin bror Theo. Millets sena landskap skulle komma att fungera som inflytelserika referenspunkter för Claude Monets målningar av Normandiekusten, och deras strukturella och symboliska innehåll påverkade även Georges Seurat.
Millet är huvudpersonen i Mark Twains bok Is He Dead? (1898), där han beskrivs som en ung konstnär som lever på livets rand och låtsas vara död för att nå berömmelse och rikedom. De flesta detaljerna om Millet i pjäsen är påhittade.
Millets målning L”homme à la houe inspirerade Edwin Markhams berömda dikt ”The Man With the Hoee” (1898).
Angelus reproducerades ofta under 1800- och 1900-talen. Salvador Dalí var fascinerad av detta verk och skrev en analys av det, The Tragic Myth of Millet”s Angelus. I stället för att se andlig frid i verket ansåg Dalí att det förmedlade budskap om undertryckt sexuell aggression. Dalí trodde också att de två figurerna ber över sitt döda barns grav, snarare än Angelus. Dalí insisterade så mycket på detta faktum att man till slut röntgade duken, vilket bekräftade hans misstankar: målningen innehåller en geometrisk form som senare målades över, ungefär som en kista. Det är dock inte känt om Millet ändrade sig om målningens innebörd, eller om formen verkligen är en kista.
Källor
