Diane Arbus

Sammanfattning

Diane Arbus (14 mars 1923 – 26 juli 1971) Arbus bilder bidrog till att normalisera marginaliserade grupper och belysa vikten av en korrekt representation av alla människor. Hon fotograferade en mängd olika motiv, bland annat strippor, karnevalister, nudister, personer med dvärgväxt, barn, mödrar, par, äldre personer och medelklassfamiljer. Hon fotograferade sina motiv i välkända miljöer: i deras hem, på gatan, på arbetsplatsen och i parken. ”Hon är känd för att utvidga föreställningarna om acceptabla motiv och bryter mot kanonerna om lämpligt avstånd mellan fotograf och motiv. Genom att bli vän med och inte objektifiera sina motiv kunde hon i sina verk fånga en sällsynt psykologisk intensitet.” I sin artikel i New York Times Magazine från 2003, ”Arbus Reconsidered”, säger Arthur Lubow: ”Hon var fascinerad av människor som synligt skapade sina egna identiteter – crossdressers, nudister, sideshowartister, tatuerade män, de nya rika, filmstjärnefans – och av dem som var fångade i en uniform som inte längre erbjöd någon trygghet eller bekvämlighet”. Michael Kimmelman skriver i sin recension av utställningen Diane Arbus Revelations att hennes arbete ”förvandlade fotokonsten (Arbus finns överallt, på gott och ont, i arbetet hos dagens konstnärer som gör fotografier)”.

Under sin livstid uppnådde hon ett visst erkännande och rykte genom att publicera fotografier i tidskrifter som Esquire, Harper”s Bazaar, London”s Sunday Times Magazine och Artforum, med början 1960. År 1963 tilldelade Guggenheim Foundation Arbus ett stipendium för hennes förslag med titeln ”American Rites, Manners and Customs”. Hon fick sitt stipendium förnyat 1966. John Szarkowski, fotografichef vid Museum of Modern Art (MoMA) i New York från 1962 till 1991, förespråkade hennes arbete och inkluderade det i sin utställning New Documents 1967 tillsammans med verk av Lee Friedlander och Garry Winogrand. Hennes fotografier ingick också i ett antal andra stora grupputställningar..: 86

1972, ett år efter sitt självmord, blev Arbus den första fotografen att delta i Venedigbiennalen: 51-52 där hennes fotografier var ”den överväldigande sensationen i den amerikanska paviljongen” och ”extremt kraftfulla och mycket märkliga”.

Den första stora retrospektivutställningen av Arbus verk hölls 1972 på MoMA, organiserad av Szarkowski. Retrospektivet hade den högsta besökssiffran hittills för någon utställning i MoMA:s historia. Miljoner såg vandringsutställningar av hennes verk mellan 1972 och 1979. Boken som följde med utställningen, Diane Arbus: An Aperture Monograph, redigerad av Doon Arbus och Marvin Israel och publicerad första gången 1972, har aldrig varit slutsåld.

Arbus föddes Diane Nemerov som dotter till David Nemerov och Gertrude Russek Nemerov, ett judiskt par – immigranter från Sovjetryssland – som bodde i New York City och ägde Russeks, ett varuhus på Fifth Avenue som Arbus farfar Frank Russek var med och grundade. På grund av familjens rikedomar var Arbus skyddad från effekterna av den stora depressionen under sin uppväxt på 1930-talet. Hennes far blev målare efter att ha gått i pension från Russeks. Hennes yngre syster blev skulptör och designer och hennes äldre bror, poeten Howard Nemerov, undervisade i engelska vid Washington University i St Louis och utsågs till USA:s poetpristagare. Howards son är den amerikanistiska konsthistorikern Alexander Nemerov.

Arbus föräldrar var inte särskilt engagerade i uppfostran av sina barn, som övervakades av pigor och guvernanter. Hennes mor hade ett livligt socialt liv och genomgick en period av klinisk depression i ungefär ett år, men återhämtade sig sedan, och hennes far var upptagen med sitt arbete. Diane separerade sig från sin familj och sin överdådiga barndom.

Arbus gick på Ethical Culture Fieldston School, en förberedande skola. År 1941, vid 18 års ålder, gifte hon sig med sin barndomskärlek Allan Arbus. Deras dotter Doon, som skulle bli författare, föddes 1945 och deras dotter Amy, som skulle bli fotograf, föddes 1954. Arbus och hennes man arbetade tillsammans med kommersiell fotografi från 1946 till 1956, men Allan fortsatte att stödja hennes arbete även efter att hon lämnat branschen och börjat ett självständigt förhållande till fotografi.

Arbus och hennes man separerade 1959, men de behöll en nära vänskap. Paret fortsatte också att dela ett mörkrum, 144 där Allans assistenter i studion bearbetade hennes negativ och hon själv tryckte sina verk. Paret skilde sig 1969 när han flyttade till Kalifornien för att ägna sig åt skådespeleri. Han var allmänt känd för sin roll som Dr Sidney Freedman i tv-serien M*A*S*H. Innan han flyttade till Kalifornien inrättade Allan hennes mörkrum,: 198 och de hade därefter en lång korrespondens.: 224

I slutet av 1959 inledde Arbus ett förhållande med konstdirektören och målaren Marvin Israel som skulle pågå till hennes död. Under hela tiden var han gift med Margaret Ponce Israel, en skicklig blandkonstnär. Marvin Israel både sporrade Arbus kreativt och förde hennes arbete framåt och uppmuntrade henne att skapa sin första portfölj. Bland andra fotografer och konstnärer som hon blev vän med stod Arbus nära fotografen Richard Avedon; han var ungefär lika gammal, hans familj hade också drivit ett varuhus på Fifth Avenue och många av hans fotografier kännetecknades också av detaljerade frontalpositioner.

Arbus fick sin första kamera, en Graflex, av Allan strax efter att de hade gift sig. Strax därefter började hon gå kurser med fotografen Berenice Abbott. Arbus intresse för fotografi ledde till att de 1941 besökte Alfred Stieglitz galleri och lärde sig mer om fotograferna Mathew Brady, Timothy O”Sullivan, Paul Strand, Bill Brandt och Eugène Atget. I början av 1940-talet anställde Dianes far dem för att ta fotografier till varuhusets annonser. Allan var fotograf för U.S. Army Signal Corps under andra världskriget.

Efter kriget, 1946, startade paret Arbus ett företag för reklamfotografering under namnet ”Diane & Allan Arbus”, med Diane som art director och Allan som fotograf. Hon kom med koncepten för deras fotograferingar och tog sedan hand om modellerna. Hon blev missnöjd med denna roll, en roll som till och med hennes make tyckte var ”förnedrande”. De bidrog till Glamour, Seventeen, Vogue och andra tidskrifter trots att ”de båda hatade modevärlden”. Trots över 200 sidor av deras modeartiklar i Glamour och över 80 sidor i Vogue har Arbuses modefotografier beskrivits som av ”medelmåttig kvalitet”. Edward Steichens uppmärksammade fotoutställning The Family of Man från 1955 innehöll ett fotografi av familjen Arbus av en far och son som läser en tidning.

Hon studerade kort för Alexey Brodovich 1954. Det var dock studierna med Lisette Model, som inleddes 1956, som uppmuntrade Arbus att fokusera enbart på sitt eget arbete. Det året slutade Arbus med kommersiell fotografi och började numrera sina negativ. (Hennes sista kända negativ var märkt

År 1956 arbetade hon med en 35 mm Nikon, vandrade runt på New Yorks gator och träffade sina motiv i stort sett, men inte alltid, av en slump. Idén om den personliga identiteten som socialt konstruerad är en idé som Arbus återkom till, oavsett om det handlar om artister, kvinnor och män som bär smink eller en bokstavlig mask som hindrar ens ansikte. Kritiker har spekulerat i att valen av hennes motiv speglade hennes egna identitetsproblem, för hon sade att det enda hon led av som barn var att hon aldrig hade känt motgångar. Detta utvecklades till en längtan efter saker som pengar inte kunde köpa, såsom upplevelser i den underjordiska sociala världen. Hon hyllas ofta för sin sympati för dessa ämnen, en egenskap som inte omedelbart förstås genom själva bilderna, utan genom hennes skrift och vittnesmålen från de män och kvinnor som hon porträtterade. Några år senare, 1958, började hon göra listor över vem och vad hon var intresserad av att fotografera. Hon började fotografera på uppdrag för tidskrifter som Esquire, Harper”s Bazaar och Sunday Times Magazine 1959.

Runt 1962 bytte Arbus till en 35 mm Nikon-kamera som gav de korniga rektangulära bilderna som är karakteristiska för hennes arbete efter studioträning: 55 till en Rolleiflex-kamera med två objektiv som gav mer detaljerade fyrkantiga bilder. Hon förklarade denna övergång med följande ord: ”I början av mitt fotograferande brukade jag göra mycket gryniga saker. Jag var fascinerad av vad kornet gjorde, eftersom det skapade en slags gobeläng av alla dessa små prickar … Men när jag hade arbetat ett tag med alla dessa prickar ville jag plötsligt att det skulle komma igenom. Jag ville se de verkliga skillnaderna mellan saker och ting … Jag började bli fruktansvärt hypad på klarhet.”: 8-9 1964 började Arbus använda en 2-1

Arbus stil sägs vara ”direkt och osmyckad, ett frontalt porträtt centrerat i ett kvadratiskt format”. Hennes banbrytande användning av blixt i dagsljus isolerade motivet från bakgrunden, vilket bidrog till fotots surrealistiska kvalitet.” Hennes metoder bestod bland annat i att skapa en stark personlig relation till sina motiv och att återfotografera vissa av dem under många år.

Trots att Arbus publicerades flitigt och fick ett visst konstnärligt erkännande kämpade hon för att försörja sig själv genom sitt arbete. ”Under hennes livstid fanns det ingen marknad för att samla in fotografier som konstverk, och hennes utskrifter såldes vanligtvis för 100 dollar eller mindre.” Det framgår tydligt av hennes korrespondens att bristen på pengar var ett bestående bekymmer.

1963 fick Arbus ett Guggenheim-stipendium för ett projekt om ”amerikanska riter, seder och bruk”, och stipendiet förnyades 1966.

Under hela 1960-talet försörjde Arbus sig i huvudsak genom att ta emot uppdrag och beställningar från tidskrifter. År 1968 tog hon till exempel dokumentärfotografier av fattiga andelsbönder på landsbygden i South Carolina (för tidningen Esquire). År 1969 gav en rik och framstående skådespelare och teaterägare, Konrad Matthaei, och hans fru Gay Arbus i uppdrag att fotografera en julfest med familjen. Under sin karriär fotograferade Arbus Mae West, Ozzie Nelson och Harriet Nelson, Bennet Cerf, ateisten Madalyn Murray O”Hair, Norman Mailer, Jayne Mansfield, Eugene McCarthy, miljardären H. L. Hunt, Gloria Vanderbilts bebis, Anderson Cooper, Coretta Scott King och Marguerite Oswald (Lee Harvey Oswalds mor). Generellt sett minskade hennes tidningsuppdrag i takt med att hennes berömmelse som konstnär ökade. Szarkowski anlitade Arbus 1970 för att göra research för en utställning om fotojournalistik kallad ”From the Picture Press”; den innehöll många fotografier av Weegee vars arbete Arbus beundrade. Hon undervisade också i fotografi vid Parsons School of Design och Cooper Union i New York City samt vid Rhode Island School of Design i Providence, Rhode Island.

I slutet av hennes karriär meddelade Metropolitan Museum of Art henne att de skulle köpa tre av hennes fotografier för 75 dollar styck, men på grund av brist på pengar köpte de bara två. Som hon skrev till Allan Arbus: ”Så jag antar att det inte är någon skam att vara fattig”: 63

Från och med 1969 tog Arbus en serie fotografier av människor på boenden för utvecklingsstörda och intellektuellt handikappade i New Jersey, som postumt fick namnet Untitled. Arbus återvände flera gånger till flera anläggningar för Halloweenfester, picknickar och danser. I ett brev till Allan Arbus daterat den 28 november 1969 beskrev hon dessa fotografier som ”lyriska och ömma och vackra”: 203

Artforum publicerade sex fotografier, inklusive en omslagsbild, från Arbus portfölj A box of ten photographs i maj 1971. Efter sitt möte med Arbus och portföljen medgav Philip Leider, dåvarande chefredaktör för Artforum och skeptiker till fotografi, att ”med Diane Arbus kunde man finna sig själv intresserad av fotografi eller inte, men man kunde inte längre … förneka dess status som konst”. Hon var den första fotografen som presenterades i Artforum och ”Leider”s tillträde till Arbus i denna kritiska bastion för senmodernismen var avgörande för att förändra uppfattningen om fotografi och för att få det att accepteras som ”seriös” konst”: 51

Den första stora utställningen av hennes fotografier ägde rum på Museum of Modern Art i den inflytelserika New Documents (1967) tillsammans med Garry Winogrand och Lee Friedlander, med John Szarkowski som kurator. New Documents, som lockade nästan 250 000 besökare, visade Arbus intresse för vad Szarkowski kallade samhällets ”svagheter” och presenterade vad han beskrev som ”en ny generation av dokumentärfotografer … vars mål inte har varit att reformera livet utan att lära känna det”, som på andra ställen beskrevs som ”fotografi som betonade det moderna livets patos och konflikter, presenterat utan att redaktionalisera eller sentimentalisera utan att kritiskt och observant se på det”. Utställningen var polariserande och fick både beröm och kritik, där vissa identifierade Arbus som en ointresserad voyeur och andra berömde henne för hennes uppenbara empati med sina objekt.

2018 publicerade New York Times en försenad dödsruna över Arbus som en del av projektet Overlooked history. Smithsonian American Art Museum hade en exklusiv utställning från den 6 april 2018 till den 27 januari 2019 som visade en av Arbus portföljer, A box of ten photographs. SAAM är det enda museum som för närvarande visar verket. Samlingen är ”en av endast fyra kompletta utgåvor som Arbus tryckte och kommenterade. De tre andra upplagorna – konstnären genomförde aldrig sin plan att göra 50 – hålls privat”. Smithsonian-utgåvan gjordes till Bea Feitler, en konstdirektör som både var anställd och vän med Arbus. Efter Feitlers död köpte samlaren G.H. Dalsheimer från Baltimore hennes portfölj från Sotheby”s 1982 för 42 900 dollar. SAAM köpte den sedan från Dalsheimer 1986. Portföljen förvarades i museets samling, fram till 2018.

Arbus upplevde ”depressiva episoder” under sitt liv, liknande dem som hennes mor upplevde; episoderna kan ha förvärrats av symtom på hepatit. År 1968 skrev Arbus ett brev till en personlig vän, Carlotta Marshall, där det står: ”Jag går upp och ner mycket. Kanske har jag alltid varit så. Delvis är det dock så att jag fylls av energi och glädje och jag börjar massor av saker eller tänker på vad jag vill göra och blir helt andfådd av spänning och sedan helt plötsligt, antingen genom trötthet eller en besvikelse eller något mer mystiskt, försvinner energin och lämnar mig trakasserad, överväldigad, förvirrad, skrämd av just de saker jag trodde att jag var så ivrig efter! Jag är säker på att detta är ganska klassiskt.” Hennes före detta make noterade en gång att hon hade ”våldsamma humörförändringar”. Den 26 juli 1971, när hon bodde på Westbeth Artists Community i New York, dog Arbus genom självmord genom att inta barbiturater och skära sig i handlederna med ett rakblad. Hon skrev orden ”Last Supper” i sin dagbok och placerade sin kalender på trappan upp till badrummet. Marvin Israel hittade hennes kropp i badkaret två dagar senare; hon var 48 år gammal. Fotografen Joel Meyerowitz sa till journalisten Arthur Lubow: ”Om hon gjorde det slags arbete hon gjorde och fotografering inte räckte för att hålla henne vid liv, vilket hopp hade vi då?”.

”Hans arbete har haft ett sådant inflytande på andra fotografer att det redan är svårt att minnas hur originellt det var”, skrev konstkritikern Robert Hughes i Time Magazine i november 1972. Hon har kallats ”en banbrytande figur inom modern fotografi och ett inflytande på tre generationer av fotografer” och anses allmänt vara en av de mest inflytelserika konstnärerna under det senaste århundradet.

När filmen The Shining, regisserad av Stanley Kubrick, släpptes på biografer över hela världen 1980 och blev enormt framgångsrik, upplevde miljontals biobesökare Diane Arbus arv utan att veta om det. Filmens återkommande karaktärer av identiska tvillingflickor som bär identiska klänningar dyker upp på filmduken som ett resultat av ett förslag som Kubrick fick från besättningsmedlemmen Leon Vitali. Han beskrivs av filmhistorikern Nick Chen som ”Kubricks högra hand från mitten av 70-talet och framåt”. Chen fortsätter med att avslöja: ”Vitali videofilmade och intervjuade inte bara 5 000 barn för att hitta Jack Nicholsons son Danny, han var också ansvarig för att upptäcka de läskiga tvillingsystrarna på den sista auditionsdagen. Paret var faktiskt inte tvillingar i Kubricks manus, och det var Vitali som omedelbart föreslog Diane Arbus ökända foto av två identiska tvillingsystrar som referenspunkt.”

Eftersom Arbus dog utan testamente, blev det hennes dotter Doon som fick ansvaret för att övervaka hennes arbete. Hon förbjöd granskning av Arbus korrespondens och nekade ofta tillstånd till utställning eller reproduktion av Arbus fotografier utan förhandsgranskning, till många kritikers och forskares ilska. Redaktörerna för en akademisk tidskrift publicerade 1993 ett tvåsidigt klagomål om dödsboets kontroll över Arbus bilder och dess försök att censurera beskrivningar av motiv och fotografens motiv i artiklar om Arbus. I en artikel från 2005 kallades det faktum att dödsboet tillät den brittiska pressen att reproducera endast femton fotografier för ett försök att ”kontrollera kritik och debatt”. Å andra sidan är det vanlig institutionell praxis i USA att endast inkludera en handfull bilder för medieanvändning i ett presspaket för en utställning. Boet kritiserades också 2008 för att minimera Arbus tidiga kommersiella arbete, trots att dessa fotografier togs av Allan Arbus och krediterades Diane and Allan Arbus Studio. År 2011 publicerades en recension i The Guardian av An Emergency in Slow Motion: The Inner Life of Diane Arbus av William Todd Schultz hänvisas till ”… det berömda kontrollerande Arbus-boet som, som Schultz nyligen uttryckte det, ”verkar ha den här idén, som jag inte håller med om, att varje försök att tolka konsten förminskar konsten.””.

Diane Arbus verk har varit föremål för mer än tjugofem stora separatutställningar, åtta auktoriserade publikationer och otaliga kritiska artiklar.

År 1972 var Arbus den första fotografen som deltog i Venedigbiennalen. Hennes fotografier beskrevs som ”den överväldigande känslan i den amerikanska paviljongen” och ”en extraordinär prestation”.

Museum of Modern Art höll i slutet av 1972 en retrospektiv utställning av Arbus verk, med John Szarkowski som kurator, som sedan vandrade runt i USA och Kanada fram till 1975. En annan retrospektiv utställning, som var kurerad av Marvin Israel och Doon Arbus, reste runt i världen mellan 1973 och 1979.

Doon Arbus och Marvin Israel redigerade och formgav 1972 en bok, Diane Arbus: an Aperture Monograph, som publicerades av Aperture och följde med utställningen på Museum of Modern Art. Den innehöll 80 av Arbus fotografier samt texter från kurser som hon gav 1971, några av hennes skrifter och intervjuer,

2001-2004 valdes Diane Arbus: an Aperture Monograph till en av de viktigaste fotoböckerna i historien.

Neil Selkirk, en tidigare elev, började trycka för MOMA:s retrospektiv 1972 och Aperture Monograph: 214, 269. Han är fortfarande den enda person som har tillstånd att göra postuma utskrifter av Arbus verk.

En halvtimmes dokumentärfilm om Arbus liv och arbete som kallas Masters of Photography: Diane Arbus eller Going Where I”ve Never Been: The Photography of Diane Arbus producerades 1972 och släpptes på video 1989.

Patricia Bosworth skrev en obehörig biografi om Arbus som publicerades 1984. Bosworth rapporterade att hon ”inte fick någon hjälp av Arbus döttrar, eller av deras far, eller av två av hennes närmaste och mest förutseende vänner, Avedon och … Marvin Israel”. Boken kritiserades också för att den inte i tillräcklig utsträckning tog hänsyn till Arbus egna ord, för att den spekulerade i saknad information och för att den fokuserade på ”sex, depression och berömda personer”, istället för Arbus konst.

Mellan 2003 och 2006 var Arbus och hennes verk föremål för en annan stor vandringsutställning, Diane Arbus Revelations, som organiserades av San Francisco Museum of Modern Art. Utställningen, som åtföljdes av en bok med samma namn, innehöll artefakter som korrespondens, böcker och kameror samt 180 fotografier av Arbus. Genom att ”offentliggöra omfattande utdrag ur Arbus brev, dagböcker och anteckningsböcker” gjorde utställningen och boken ”anspråk på att hävda att de grundläggande fakta som rör konstnärens liv och död står i centrum”. Eftersom Arbus dödsbo godkände utställningen och boken är kronologin i boken ”i praktiken den första auktoriserade biografin om fotografen”.

År 2006 släpptes den fiktiva filmen Fur: an Imaginary Portrait of Diane Arbus med Nicole Kidman i huvudrollen som Arbus, som använde Patricia Bosworths obehöriga biografi Diane Arbus: A Biography som inspirationskälla. Kritiker tog i allmänhet avstånd från filmens ”sagolika” porträtt av Arbus.

Metropolitan Museum of Art köpte tjugo av Arbus fotografier (värderade till miljontals dollar) och fick Arbus arkiv, som innehöll hundratals tidiga och unika fotografier samt negativ och kontaktutskrifter från 7 500 filmrullar, som en gåva från Arbus dödsbo 2007.

2018 publicerade New York Times en försenad dödsruna över Arbus som en del av projektet Overlooked history.

Några av Arbus motiv och deras släktingar har kommenterat sina erfarenheter av att bli fotograferade av Diane Arbus:

Bland Arbus mest kända fotografier finns bland annat:

Dessutom har Arbus en låda med tio fotografier, en portfölj med utvalda fotografier från 1963-1970 i en genomskinlig plexiglaslåda.

Arbus verk finns i följande permanenta samlingar:

Artiklar

Källor

  1. Diane Arbus
  2. Diane Arbus
Ads Blocker Image Powered by Code Help Pro

Ads Blocker Detected!!!

We have detected that you are using extensions to block ads. Please support us by disabling these ads blocker.