Edvard Munch
gigatos | 7 januára, 2022
Edvard Munch (12. decembra 1863 – 23. januára 1944) bol nórsky maliar. Jeho najznámejšie dielo Výkrik sa stalo jedným z ikonických obrazov svetového umenia.
Jeho detstvo bolo poznačené chorobami, smútkom a strachom, že zdedí duševnú chorobu, ktorá sa vyskytovala v rodine. Munch študoval na Kráľovskej škole umenia a dizajnu v Kristianii (dnešné Oslo) a začal žiť bohémskym životom pod vplyvom nihilistu Hansa Jægera, ktorý ho nabádal, aby maľoval svoj vlastný emocionálny a psychický stav („maľba duše“). Z toho vznikol jeho osobitý štýl.
Cestovanie prinieslo nové vplyvy a odbytiská. V Paríži sa veľa naučil od Paula Gauguina, Vincenta van Gogha a Henriho de Toulouse-Lautreca, najmä od ich používania farieb. V Berlíne sa zoznámil so švédskym dramatikom Augustom Strindbergom, ktorého namaľoval, keď sa pustil do svojho hlavného kánonu Vlys života, zobrazujúceho sériu hlboko precítených tém, ako je láska, úzkosť, žiarlivosť a zrada, nasiaknutých atmosférou.
Výkrik vznikol v Kristiánii. Podľa Muncha bol na prechádzke pri západe slnka, keď „počul obrovský, nekonečný krik prírody“. Agonizovaná tvár na obraze sa všeobecne stotožňuje s úzkostným stavom moderného človeka. V rokoch 1893 až 1910 vytvoril dve maľované verzie a dve pastelové, ako aj niekoľko grafík. Jeden z pastelov nakoniec dosiahol štvrtú najvyššiu nominálnu cenu zaplatenú za obraz na aukcii.
Ako jeho sláva a bohatstvo rástli, jeho citový stav zostával neistý. Krátko uvažoval o manželstve, ale nedokázal sa k nemu odhodlať. Zlom v roku 1908 ho prinútil vzdať sa ťažkého pitia a potešilo ho, že ho obyvatelia Kristiánie čoraz viac prijímali a vystavovali v mestských múzeách. Neskoršie roky strávil prácou v pokoji a súkromí. Hoci jeho diela boli v nacistickom Nemecku zakázané, väčšina z nich prežila druhú svetovú vojnu, čo mu zabezpečilo dedičstvo.
Detstvo
Edvard Munch sa narodil na farme v dedine Ådalsbruk v nórskom meste Løten Laure Catherine Bjølstadovej a Christianovi Munchovi, synovi kňaza. Christian bol lekár a zdravotník, ktorý sa v roku 1861 oženil s Laurou, o polovicu mladšou ženou. Edvard mal staršiu sestru Johanne Sophie a troch mladších súrodencov: Peter Andreas, Laura Catherine a Inger Marie. Laura bola umelecky nadaná a možno Edvarda a Sophie podporovala. Edvard bol príbuzným maliara Jacoba Muncha a historika Petra Andreasa Muncha.
Rodina sa presťahovala do Christianie (v roku 1877 premenovanej na Kristianiu, dnes Oslo) v roku 1864, keď bol Christian Munch vymenovaný za lekára v pevnosti Akershus. Edvardova matka zomrela na tuberkulózu v roku 1868, rovnako ako Munchova obľúbená sestra Johanne Sophie v roku 1877. Po matkinej smrti súrodencov Munchovcov vychovával ich otec a teta Karen. Edvard bol často chorý a väčšinu zimy nechodil do školy, preto kreslil, aby sa zabavil. Učili ho spolužiaci a teta. Christian Munch svojho syna učil aj histórii a literatúre a zabával deti živými duchárskymi príbehmi a poviedkami amerického spisovateľa Edgara Allana Poea.
Ako si Edvard pamätal, Christianovo pozitívne správanie k deťom zatienil jeho chorobný pietizmus. Munch napísal: „Môj otec bol povahovo nervózny a obsedantne náboženský až do psychoneurózy. Po ňom som zdedil zárodky šialenstva. Anjeli strachu, smútku a smrti stáli po mojom boku odo dňa môjho narodenia.“ Christian karhal svoje deti tým, že im hovoril, že ich matka sa pozerá z neba a smúti nad ich zlým správaním. Ťaživé náboženské prostredie, Edvardov zlý zdravotný stav a živé príbehy o duchoch pomáhali inšpirovať jeho strašidelné vízie a nočné mory; chlapec mal pocit, že sa k nemu neustále blíži smrť. Jednej z Munchových mladších sestier, Laure, diagnostikovali duševnú chorobu už v mladom veku. Z piatich súrodencov sa oženil iba Andreas, ktorý však niekoľko mesiacov po svadbe zomrel. Munch neskôr napísal: „Zdedil som dvoch najstrašnejších nepriateľov ľudstva – dedičstvo konzumu a šialenstva.“
Christian Munch dostával veľmi nízky vojenský plat a jeho pokusy o súkromnú prax zlyhali, takže jeho rodina žila v okázalej, ale trvalej chudobe. Často sa sťahovali z jedného lacného bytu do druhého. Munchove rané kresby a akvarely zobrazovali tieto interiéry a jednotlivé predmety, napríklad fľaštičky s liekmi a kresliace náčinie, a tiež niektoré krajiny. V období dospievania dominovalo v Munchových záujmoch umenie. V trinástich rokoch sa Munch prvýkrát zoznámil s inými umelcami v novovzniknutej Umeleckej asociácii, kde obdivoval diela nórskej krajinárskej školy. Vrátil sa, aby kopíroval obrazy, a čoskoro začal maľovať olejom.
Štúdie a vplyvy
V roku 1879 sa Munch zapísal na technickú vysokú školu, aby študoval inžinierstvo, kde vynikal vo fyzike, chémii a matematike. Naučil sa kresliť v mierke a perspektíve, ale časté choroby prerušili jeho štúdium. Nasledujúci rok Munch na veľké sklamanie svojho otca opustil vysokú školu s odhodlaním stať sa maliarom. Jeho otec považoval umenie za „bezbožné remeslo“ a jeho susedia reagovali rozhorčene a posielali mu anonymné listy. Na rozdiel od otcovho zúrivého pietizmu zaujal Munch k umeniu nedogmatický postoj. Svoj cieľ si zapísal do denníka: „Vo svojom umení sa pokúšam vysvetliť život a jeho zmysel sám sebe.“
V roku 1881 sa Munch zapísal na Kráľovskú školu umenia a dizajnu v Kristianii, ktorej jedným zo zakladateľov bol jeho vzdialený príbuzný Jacob Munch. Jeho učiteľmi boli sochár Julius Middelthun a naturalistický maliar Christian Krohg. V tom istom roku Munch preukázal rýchle osvojenie si figurálnej prípravy na akadémii vo svojich prvých portrétoch vrátane jedného otca a prvého autoportrétu. V roku 1883 sa Munch zúčastnil na svojej prvej verejnej výstave a zdieľal ateliér s ostatnými študentmi. Jeho celoplošný portrét Karla Jensena-Hjella, známeho bohéma z mesta, si vyslúžil odmietavú reakciu kritiky: „Je to impresionizmus dovedený do extrému. Je to parodia na umenie.“ Munchove obrazy aktov z tohto obdobia sa zachovali len v podobe skíc, s výnimkou Stojaceho aktu (1887). Možno ich skonfiškoval jeho otec.
Od mladosti bol Munch ovplyvnený impresionistami, ako bol Édouard Manet, a neskôr postimpresionistickými umelcami vrátane Vincenta van Gogha a Paula Gauguina. Počas týchto prvých rokov experimentoval s mnohými štýlmi vrátane naturalizmu a impresionizmu. Niektoré rané diela pripomínajú Maneta. Mnohé z týchto pokusov mu priniesli nepriaznivú kritiku zo strany tlače a neustále výčitky zo strany otca, ktorý mu napriek tomu poskytoval malé sumy na životné náklady. V istom momente však Munchov otec, možno ovplyvnený negatívnym názorom Munchovho bratranca Edvarda Diriksa (uznávaného tradičného maliara), zničil najmenej jeden obraz (pravdepodobne akt) a odmietol poskytnúť ďalšie peniaze na umelecké potreby.
Munch si tiež vyslúžil otcov hnev pre svoj vzťah s Hansom Jægerom, miestnym nihilistom, ktorý sa riadil heslom „vášeň ničiť je zároveň tvorivou vášňou“ a ktorý obhajoval samovraždu ako najvyššiu cestu k slobode. Munch sa dostal pod jeho zlomyseľné, protištátne kúzlo. „Moje myšlienky sa rozvíjali pod vplyvom bohémov, alebo skôr pod vplyvom Hansa Jægera. Mnohí ľudia mylne tvrdili, že moje myšlienky sa formovali pod vplyvom Strindberga a Nemcov… ale to je omyl. Vtedy už boli sformované.“ V tom čase bol Munch na rozdiel od mnohých iných bohémov ešte úctivý k ženám, ako aj zdržanlivý a dobre vychovaný, ale začal podliehať pitkám a bitkám svojho okruhu. Znepokojovala ho v tom čase prebiehajúca sexuálna revolúcia a nezávislé ženy v jeho okolí. Neskôr sa stal cynickým v otázkach sexuality, čo sa prejavilo nielen v jeho správaní a umení, ale aj v jeho spisoch, príkladom je dlhá báseň s názvom Mesto voľnej lásky. Munchov vzťah s otcom, ktorý bol stále závislý od svojej rodiny, zostával napätý kvôli obavám z jeho bohémskeho života.
Po mnohých experimentoch dospel Munch k záveru, že impresionistický idióm neumožňuje dostatočné vyjadrenie. Považoval ho za povrchný a príliš podobný vedeckému experimentovaniu. Cítil potrebu ísť hlbšie a skúmať situácie plné emocionálneho obsahu a expresívnej energie. Na základe Jægerovho príkazu, aby Munch „napísal svoj život“, čo znamenalo, že Munch by mal skúmať svoj vlastný emocionálny a psychologický stav, začal mladý umelec obdobie reflexie a sebaskúmania, pričom svoje myšlienky zaznamenával do „denníka duše“. Tento hlbší pohľad mu pomohol posunúť sa k novému pohľadu na svoje umenie. Napísal, že jeho obraz Choré dieťa (1886), ktorý vznikol na základe smrti jeho sestry, bol jeho prvým „obrazom duše“, jeho prvým odklonom od impresionizmu. Obraz sa stretol s negatívnou odozvou kritiky a jeho rodiny a vyvolal ďalší „prudký výbuch morálneho rozhorčenia“ spoločnosti.
Bránil ho len jeho priateľ Christian Krohg:
Maľuje, alebo sa skôr pozerá na veci iným spôsobom ako ostatní umelci. Vidí len to podstatné a to je, prirodzene, všetko, čo maľuje. Z tohto dôvodu sú Munchove obrazy spravidla „neúplné“, ako to ľudia s radosťou zisťujú sami. Ale áno, sú úplné. Jeho kompletné dielo. Umenie je úplné, keď umelec naozaj povie všetko, čo mal na mysli, a to je práve tá výhoda, ktorú má Munch oproti maliarom inej generácie, že nám naozaj vie ukázať to, čo cítil a čo ho uchvátilo, a tomu podriaďuje všetko ostatné.
V 80. a začiatkom 90. rokov 19. storočia Munch naďalej používal rôzne techniky ťahu štetcom a farebné palety, pretože sa snažil definovať svoj štýl. Jeho štýl sa naďalej pohyboval medzi naturalistickým, ako je to vidieť na Portréte Hansa Jægera, a impresionistickým, ako na Rue Lafayette. Jeho obraz Inger On the Beach (1889), ktorý vyvolal ďalšiu búrku zmätkov a kontroverzií, naznačuje zjednodušené formy, ťažké obrysy, ostré kontrasty a emocionálny obsah jeho budúceho zrelého štýlu. Začal starostlivo kalkulovať svoje kompozície, aby vytvoril napätie a emócie. Aj keď bol štylisticky ovplyvnený postimpresionistami, vyvinul sa námet, ktorý mal symbolistický obsah a zobrazoval skôr stav mysle než vonkajšiu realitu. V roku 1889 Munch predstavil svoju prvú samostatnú výstavu takmer všetkých svojich doterajších diel. Uznanie, ktoré získal, viedlo k získaniu dvojročného štátneho štipendia na štúdium v Paríži u francúzskeho maliara Léona Bonnata.
Zdá sa, že Munch bol prvým kritikom fotografie ako umeleckej formy a poznamenal, že „nikdy nebude konkurovať štetcu a palete, kým nebude možné fotografovať v nebi alebo v pekle!“
Munchova mladšia sestra Laura bola témou jeho interiéru Melanchólia z roku 1899: Laura. Amanda O’Neillová o tomto diele hovorí: „V tejto vyhrotenej klaustrofobickej scéne Munch zobrazuje nielen Lauřinu tragédiu, ale aj svoj vlastný strach zo šialenstva, ktoré mohol zdediť.“
Paríž
Munch pricestoval do Paríža počas slávností Exposition Universelle (1889) a ubytoval sa s dvoma nórskymi umelcami. Jeho obraz Ráno (1884) bol vystavený v nórskom pavilóne. Ráno trávil v Bonnatovom rušnom ateliéri (v ktorom boli aj ženské modelky) a popoludní na výstave, v galériách a múzeách (kde sa od študentov očakávalo, že budú robiť kópie, aby sa naučili techniku a pozorovanie). Munch nezaznamenal veľké nadšenie z Bonnatových hodín kreslenia – „Unavuje ma to a nudí – je to otupujúce“ -, ale tešil sa z majstrových komentárov počas výletov do múzeí.
Munch bol nadšený rozsiahlou výstavou moderného európskeho umenia vrátane diel troch umelcov, ktorí ho ovplyvnili: Paul Gauguin, Vincent van Gogh a Henri de Toulouse-Lautrec – všetci sa vyznačovali tým, ako využívali farby na vyjadrenie emócií. Muncha inšpirovala najmä Gauguinova „reakcia proti realizmu“ a jeho presvedčenie, že „umenie je ľudská práca, a nie napodobňovanie prírody“, čo už predtým vyslovil Whistler. Ako neskôr o Munchovi povedal jeden z jeho berlínskych priateľov, „nemusel sa vybrať na Tahiti, aby videl a zažil primitívnosť v ľudskej povahe. Svoje vlastné Tahiti nosí v sebe.“ Ovplyvnený Gauguinom, ako aj leptami nemeckého umelca Maxa Klingera, Munch experimentoval s grafikou ako médiom na vytvorenie grafických verzií svojich diel. V roku 1896 vytvoril svoje prvé drevorezy – médium, ktoré sa ukázalo ako ideálne pre Munchove symbolické obrazy. Spolu so svojím súčasníkom Nikolajom Astrupom sa Munch považuje za inovátora média drevorezu v Nórsku.
V decembri 1889 zomrel jeho otec a Munchova rodina zostala bez prostriedkov. Keď mu bohatí príbuzní nepomohli, vrátil sa domov a vybavil si veľkú pôžičku od bohatého nórskeho zberateľa a odvtedy prevzal finančnú zodpovednosť za svoju rodinu. Christianova smrť ho deprimovala a trápili ho samovražedné myšlienky: „Žijem s mŕtvymi – s matkou, sestrou, starým otcom, otcom… Zabi sa a potom je koniec. Prečo žiť?“ Munchove obrazy z nasledujúceho roka zahŕňali skicovité krčmové scény a sériu svetlých mestských scenérií, v ktorých experimentoval s pointilistickým štýlom Georgesa Seurata.
Berlín
V roku 1892 Munch sformuloval svoju charakteristickú a originálnu syntetickú estetiku, ako je vidieť v diele Melanchólia (1891), v ktorom je farba prvkom so symbolom. Obraz Melanchólia, ktorý výtvarník a novinár Christian Krohg považuje za prvý symbolistický obraz nórskeho umelca, bol vystavený v roku 1891 na Jesennej výstave v Osle. V roku 1892 Adelsteen Normann v mene Zväzu berlínskych umelcov pozval Muncha na novembrovú výstavu, prvú samostatnú výstavu tohto spolku. Jeho obrazy však vyvolali ostrú polemiku (nazvanú „Munchova aféra“) a výstava bola po týždni zatvorená. Munch bol potešený „veľkým rozruchom“ a v liste napísal: „Je neuveriteľné, že niečo také nevinné ako maľovanie vyvolalo taký rozruch.“
V Berlíne sa Munch zapojil do medzinárodného kruhu spisovateľov, umelcov a kritikov vrátane švédskeho dramatika a popredného intelektuála Augusta Strindberga, ktorého v roku 1892 namaľoval. Zoznámil sa aj s dánskym spisovateľom a maliarom Holgerom Drachmannom, ktorého namaľoval v roku 1898. Drachmann bol o 17 rokov starší ako Munch a v rokoch 1893 – 94 bol jeho spoločníkom pri poháriku Zum schwarzen Ferkel. V roku 1894 Drachmann o Munchovi napísal: „Ťažko bojuje. Veľa šťastia v tvojom boji, osamelý Nór.“
Počas štyroch rokov pobytu v Berlíne Munch načrtol väčšinu myšlienok, ktoré sa stali súčasťou jeho hlavného diela Vlys života, najprv určeného na knižnú ilustráciu, ale neskôr vyjadreného v maľbách. Predával len málo, ale isté príjmy mu prinášalo vyberanie vstupného za prehliadku jeho kontroverzných obrazov. Munch už vtedy prejavoval neochotu rozlúčiť sa so svojimi obrazmi, ktoré nazýval svojimi „deťmi“.
Na jeho ďalších obrazoch, vrátane scén z kasína, sa prejavuje zjednodušenie formy a detailov, ktoré poznačili jeho raný zrelý štýl. Munch tiež začal uprednostňovať plytký obrazový priestor a minimálne pozadie pre svoje frontálne postavy. Keďže pózy boli zvolené tak, aby vytvárali čo najpresvedčivejšie obrazy duševných stavov a psychologických rozpoložení, ako napríklad v obraze Popol, postavy pôsobia monumentálne, staticky. Munchove postavy akoby hrali roly na divadelnom javisku (keďže každá postava stelesňuje jeden psychologický rozmer, ako vo Výkriku, Munchovi muži a ženy začali pôsobiť viac symbolicky než realisticky. Napísal: „Už by nemali byť maľované interiéry, ľudia čítajúci a ženy pletúce: mali by tam byť živí ľudia, dýchajúci a cítiaci, trpiaci a milujúci.“
Výkrik
Výkrik existuje v štyroch verziách: dva pastely (1893 a 1895) a dve maľby (1893 a 1910). Existuje aj niekoľko litografií Výkriku (1895 a neskôr).
Pastel z roku 1895 sa na aukcii 2. mája 2012 predal za 119 922 500 USD vrátane provízie. Je to najfarebnejšia z verzií a je charakteristická postojom jednej z postáv v pozadí, ktorá sa pozerá smerom nadol. Je to zároveň jediná verzia, ktorú nevlastní nórske múzeum.
Verzia z roku 1893 bola v roku 1994 ukradnutá z Národnej galérie v Osle a bola nájdená. Obraz z roku 1910 bol v roku 2004 odcudzený z Munchovho múzea v Osle, ale v roku 2006 sa našiel s malým poškodením.
Výkrik je Munchovo najslávnejšie dielo a jeden z najznámejších obrazov v celom umení. Všeobecne sa interpretuje ako obraz univerzálnej úzkosti moderného človeka. Maľba so širokými pásmi krikľavých farieb a veľmi zjednodušenými formami, ktorá využíva vysoký uhol pohľadu, redukuje agonizovanú postavu na lebku v odeve, ktorá sa zmieta v emocionálnej kríze.
Týmto obrazom Munch splnil svoj cieľ, ktorý si vytýčil, a to „štúdium duše, teda štúdium môjho vlastného ja“. Munch napísal, ako obraz vznikol: „Kráčal som po ceste s dvoma priateľmi, keď zapadalo slnko; zrazu sa obloha sfarbila do červena ako krv. Zastavil som sa a oprel o plot, cítil som sa nevýslovne unavený. Nad modročiernym fjordom sa rozprestierali jazyky ohňa a krvi. Moji priatelia pokračovali v chôdzi, zatiaľ čo ja som zaostával a triasol som sa od strachu. Potom som počul obrovský, nekonečný výkrik prírody.“ Neskôr opísal osobné utrpenie, ktoré sa skrýva za obrazom: „Niekoľko rokov som bol takmer šialený… Poznáte môj obraz ‚Výkrik‘? Bol som vypätý až do krajnosti – príroda mi kričala v krvi… Potom som sa vzdal nádeje, že budem ešte niekedy schopný milovať.“
Autorka Martha Tedeschiová zhrnula účinky obrazu:
Whistlerova Matka, Woodova Americká gotika, Mona Lisa Leonarda da Vinciho a Výkrik Edvarda Muncha dosiahli niečo, čo väčšina obrazov – bez ohľadu na ich umeleckohistorický význam, krásu alebo peňažnú hodnotu – nedosiahla: takmer každému divákovi takmer okamžite sprostredkujú špecifický význam. Týchto niekoľko diel úspešne prešlo z elitnej sféry návštevníkov múzeí do obrovského priestoru populárnej kultúry.
Vlys života – báseň o živote, láske a smrti
V decembri 1893 sa na berlínskej ulici Unter den Linden konala výstava Munchových diel, na ktorej bolo okrem iných diel vystavených aj šesť obrazov s názvom Štúdia pre sériu: Láska. Tým sa začal cyklus, ktorý neskôr nazval Vlys života – Báseň o živote, láske a smrti. Motívy Vlysu života, ako napríklad Búrka a Mesačný svit, sú nasiaknuté atmosférou. Iné motívy osvetľujú nočnú stránku lásky, napríklad Ruža a Amélia a Upír. V diele Smrť v nemocničnej izbe je témou smrť jeho sestry Sophie, ktorú v budúcnosti prepracoval do mnohých variácií. Dramatické ťažisko obrazu, na ktorom je zobrazená celá jeho rodina, je rozptýlené v jednotlivých a nesúvislých postavách smútku. V roku 1894 rozšíril spektrum motívov o Úzkosť, Popol, Madonu a Ženy v troch fázach (od nevinnosti po starobu).
Približne na začiatku 20. storočia pracoval Munch na dokončení „Vlysu“. Namaľoval niekoľko obrazov, z ktorých viaceré boli väčšieho formátu a do istej miery sa v nich prejavovala vtedajšia secesná estetika. Pre veľký obraz Metabolizmus (1898), pôvodne nazvaný Adam a Eva, zhotovil drevený rám s vyrezávanými reliéfmi. Toto dielo odhaľuje Munchovo zaujatie „pádom človeka“ a jeho pesimistickú filozofiu lásky. Motívy ako Prázdny kríž a Golgota (oba okolo roku 1900) odrážajú metafyzickú orientáciu a tiež Munchovu pietistickú výchovu. Celý Vlys bol prvýkrát vystavený na secesnej výstave v Berlíne v roku 1902.
Motívy „Vlysu života“ sa opakujú v celom Munchovom diele, ale venoval sa im najmä v polovici 90. rokov 19. storočia. V náčrtoch, maľbách, pasteloch a grafikách načrel do hĺbky svojich pocitov, aby preskúmal svoje hlavné motívy: etapy života, femme fatale, beznádejnosť lásky, úzkosť, neveru, žiarlivosť, sexuálne poníženie a odlúčenie v živote a smrti. Tieto témy sú vyjadrené v obrazoch ako Choré dieťa (1893-94), Popol (1894) a Most. Posledný z nich zobrazuje bezvládne postavy s bezvýraznými alebo skrytými tvárami, nad ktorými sa týčia hrozivé tvary ťažkých stromov a zádumčivých domov. Munch zobrazoval ženy buď ako krehké, nevinné trpiteľky (pozri Puberta a Láska a bolesť), alebo ako príčinu veľkej túžby, žiarlivosti a zúfalstva (pozri Odlúčenie, Žiarlivosť a Popol).
Munch často používa tiene a farebné kruhy okolo svojich postáv, aby zdôraznil auru strachu, hrozby, úzkosti alebo sexuálnej intenzity. Tieto obrazy sa interpretujú ako odraz umelcovej sexuálnej úzkosti, hoci by sa dalo tvrdiť, že predstavujú aj jeho búrlivý vzťah k láske ako takej a jeho všeobecný pesimizmus, pokiaľ ide o ľudskú existenciu. Mnohé z týchto skíc a malieb vznikli vo viacerých verziách, napríklad Madona, Ruky a Puberta, a boli prepísané aj ako drevoryty a litografie. Munch sa nerád lúčil so svojimi obrazmi, pretože svoje dielo považoval za jeden výrazový celok. Preto, aby svoju produkciu zužitkoval a zarobil si, obrátil sa na grafiku, aby reprodukoval mnohé svoje obrazy vrátane obrazov z tejto série. Munch sa priznal k osobným cieľom svojej tvorby, ale svoje umenie ponúkol aj širšiemu účelu: „Moje umenie je vlastne dobrovoľnou spoveďou a pokusom vysvetliť si svoj vzťah k životu – je to teda vlastne istý druh egoizmu, ale neustále dúfam, že prostredníctvom neho môžem pomôcť iným dosiahnuť jasnosť.“
Hoci Munch vyvolával silne negatívne reakcie, v 90. rokoch 19. storočia sa mu začalo dostávať určitého pochopenia pre jeho umelecké ciele, ako napísal jeden kritik: „S nemilosrdným pohŕdaním formou, jasnosťou, eleganciou, celistvosťou a realizmom maľuje s intuitívnou silou talentu najjemnejšie vízie duše.“ Jedným z jeho veľkých podporovateľov v Berlíne bol Walther Rathenau, neskorší nemecký minister zahraničných vecí, ktorý výrazne prispel k jeho úspechu.
Paríž, Berlín a Kristiánia
V roku 1896 sa Munch presťahoval do Paríža, kde sa sústredil na grafické stvárnenie svojich námetov Vlysu života. Ďalej rozvíjal svoju techniku drevorezu a litografie. Munchov Autoportrét s rukou kostlivca (1895) je vytvorený metódou leptania ihlou a tušom, ktorú používal aj Paul Klee. Munch vytvoril aj viacfarebné verzie diela Choré dieťa, týkajúce sa tuberkulózy, ktoré sa dobre predávali, ako aj niekoľko aktov a viacero verzií diela Bozk (1892). V máji 1896 usporiadal Siegfried Bing výstavu Munchových diel v Bingovom Maison de l’Art Nouveau. Na výstave bolo vystavených šesťdesiat diel vrátane Bozku, Výkriku, Madony, Chorého dieťaťa, Komnaty smrti a Dňa po. Bingova výstava pomohla predstaviť Muncha francúzskemu publiku. Napriek tomu mnohí parížski kritici stále považovali Munchove diela za „násilné a brutálne“, aj keď sa jeho výstavám dostalo serióznej pozornosti a dobrej návštevnosti. Jeho finančná situácia sa výrazne zlepšila a v roku 1897 si Munch kúpil letný dom s výhľadom na fjordy Kristiania, malú rybársku chatku postavenú koncom 18. storočia v mestečku Åsgårdstrand v Nórsku. Tento dom nazval „Šťastný dom“ a nasledujúcich 20 rokov sa sem vracal takmer každé leto. Práve toto miesto mu chýbalo, keď bol v zahraničí a keď sa cítil deprimovaný a vyčerpaný. „Prechádzať sa po Åsgårdstrande je ako prechádzať sa medzi svojimi obrazmi – keď som tu, mám takú inšpiráciu na maľovanie.“
V roku 1897 sa Munch vrátil do Kristiánie, kde sa mu tiež dostalo nevďačného prijatia – jeden kritik napísal: „Pomerne veľa týchto obrazov bolo vystavených už predtým. Podľa môjho názoru sa pri zoznámení zlepšia.“ V roku 1899 si Munch začal intímny vzťah s Tullou Larsenovou, „oslobodenou“ ženou z vyššej vrstvy. Spoločne odcestovali do Talianska a po návrate sa začalo ďalšie plodné obdobie Munchovej tvorby, ktoré zahŕňalo krajiny a jeho posledný obraz zo série „Vlys života“ Tanec života (1899). Larsenová túžila po svadbe a Munch ju prosil, aby ju odmietla. Jeho pitie a zlý zdravotný stav posilňovali jeho obavy, ako písal v tretej osobe: „Od detstva nenávidel manželstvo. Jeho chorý a nervózny domov v ňom vyvolával pocit, že nemá právo oženiť sa.“ Munch takmer podľahol Tulle, ale v roku 1900 od nej utiekol, odvrátil sa aj od jej značného majetku a presťahoval sa do Berlína. Jeho Dievčatá na móle, vytvorené v osemnástich rôznych verziách, demonštrovali tému ženskej mladosti bez negatívnych konotácií. V roku 1902 vystavil svoje diela tematicky v sále berlínskej Secession, čo vyvolalo „symfonický efekt – vyvolalo to veľký rozruch – veľa antagonizmu a veľa súhlasu“. Berlínska kritika začínala Munchovu tvorbu oceňovať, hoci verejnosti sa jeho diela stále zdali cudzie a zvláštne.
Dobré ohlasy v tlači získali Munchovi pozornosť vplyvných mecenášov Alberta Kollmana a Maxa Lindeho. Obrat udalostí opísal vo svojom denníku: „Po dvadsiatich rokoch bojov a utrpenia mi v Nemecku konečne prišli na pomoc sily dobra – a otvorili sa mi svetlé dvere.“ Napriek tejto pozitívnej zmene sa však Munchovo sebadeštruktívne a nevypočítateľné správanie týkalo najprv násilnej hádky s iným umelcom a potom náhodnej streľby v prítomnosti Tully Larsenovej, ktorá sa vrátila na krátke zmierenie, pri ktorej si zranil dva prsty. Munch neskôr v dôsledku streľby a následných udalostí prepílil autoportrét, na ktorom je zobrazený spolu s Larsenovou, na polovicu. Napokon ho opustila a vydala sa za Munchovho mladšieho kolegu. Munch to bral ako zradu a ešte nejaký čas sa týmto ponížením zaoberal a časť trpkosti pretavil do nových obrazov. Jeho obrazy Zátišie (Vražedkyňa) a Smrť Marata I., ktoré vznikli v rokoch 1906-07, jasne odkazujú na incident so zastrelením a emocionálne následky.
V rokoch 1903-04 Munch vystavoval v Paríži, kde jeho diela pravdepodobne videli nastupujúci fauvisti, známi svojimi odvážnymi falošnými farbami, a mohli v nich nájsť inšpiráciu. Keď fauvisti v roku 1906 usporiadali vlastnú výstavu, Munch bol pozvaný a vystavoval svoje diela spolu s nimi. Po preštudovaní Rodinovho sochárstva Munch možno experimentoval s plastelínou ako pomôckou pri navrhovaní, ale vytvoril len málo sôch. V tomto období dostal Munch mnoho objednávok na portréty a grafiky, ktoré zlepšili jeho zvyčajne neistú finančnú situáciu. V roku 1906 namaľoval plátno pre Ibsenovu hru v malom divadle Kammerspiele, ktoré sa nachádzalo v berlínskom Deutsches Theater a v ktorom bol zavesený Vlys života. Riaditeľ divadla Max Reinhardt ho neskôr predal; dnes sa nachádza v berlínskej Národnej galérii. Po predchádzajúcom období krajiniek sa v roku 1907 opäť zameral na ľudské postavy a situácie.
Porucha a obnovenie
Na jeseň roku 1908 sa Munchova úzkosť, umocnená nadmerným pitím a bitkami, vystupňovala. Ako neskôr napísal: „Môj stav hraničil so šialenstvom – bolo to na dotyk.“ Podliehal halucináciám a pocitom prenasledovania, a tak nastúpil na kliniku Daniela Jacobsona. Terapia, ktorú Munch absolvoval počas nasledujúcich ôsmich mesiacov, zahŕňala diétu a „elektrifikáciu“ (vtedy módna liečba nervových stavov, ktorú si netreba mýliť s elektrokonvulzívnou terapiou). Pobyt v nemocnici stabilizoval Munchovu osobnosť a po návrate do Nórska v roku 1909 sa jeho tvorba stala farebnejšou a menej pesimistickou. Jeho nálada sa ešte viac rozjasnila, široká verejnosť v Kristiánii sa konečne zahriala na jeho diela a múzeá začali nakupovať jeho obrazy. Bol vymenovaný za rytiera Kráľovského rádu svätého Olava „za služby v oblasti umenia“. Jeho prvá americká výstava sa konala v roku 1912 v New Yorku.
Doktor Jacobson Munchovi odporučil, aby sa v rámci rekonvalescencie stretával len s dobrými priateľmi a vyhýbal sa pitiu na verejnosti. Munch sa touto radou riadil a vytvoril pritom niekoľko kvalitných celoplošných portrétov priateľov a mecenášov – čestných portrétov bez lichotenia. Tvoril aj krajiny a výjavy ľudí pri práci a zábave, pričom používal nový optimistický štýl – široké, voľné ťahy štetcom žiarivých farieb s častým používaním bieleho priestoru a zriedkavým používaním čiernej farby – a len príležitostne odkazoval na svoje morbídne témy. Vďaka vyšším príjmom mohol Munch kúpiť niekoľko nehnuteľností, ktoré mu poskytli nové pohľady na jeho umenie, a konečne bol schopný zabezpečiť svoju rodinu.
Vypuknutie prvej svetovej vojny Munchovi prinieslo rozpoltenú lojalitu, keď vyhlásil: „Všetci moji priatelia sú Nemci, ale ja milujem Francúzsko.“ V 30. rokoch 20. storočia prišli jeho nemeckí mecenáši, mnohí židovskí, počas vzostupu nacistického hnutia o majetok a niektorí aj o život. Munch si našiel nórskych tlačiarov, aby nahradili Nemcov, ktorí tlačili jeho grafické diela. Vzhľadom na svoj zlý zdravotný stav v roku 1918 sa Munch cítil šťastný, že prežil záchvat španielskej chrípky, celosvetovej pandémie v tom roku.
Neskoršie roky
Munch strávil väčšinu svojich posledných dvoch desaťročí v samote na svojom takmer sebestačnom sídle v Ekely v Skøyene v Osle. Mnohé z jeho neskorých obrazov oslavujú život na farme, vrátane niekoľkých, na ktorých použil ako model svojho pracovného koňa „Rousseau“. Munch bez akejkoľvek námahy priťahoval stály prúd modeliek, ktoré maľoval ako objekty mnohých aktov. S niektorými z nich mal pravdepodobne sexuálny vzťah. Munch príležitostne opúšťal svoj domov, aby maľoval nástenné maľby na objednávku, vrátane tých, ktoré vytvoril pre továreň na čokoládu Freia.
Munch až do konca svojho života maľoval neúprosné autoportréty, ktorými dopĺňal svoj cyklus skúmania vlastného života a neúprosné série pohľadov na svoj emocionálny a fyzický stav. V 30. a 40. rokoch 20. storočia nacisti označili Munchovo dielo za „degenerované umenie“ (spolu s Picassom, Kleeom, Matissom, Gauguinom a mnohými ďalšími modernými umelcami) a odstránili jeho 82 diel z nemeckých múzeí. Adolf Hitler v roku 1937 vyhlásil: „Čo sa nás týka, títo barbari kultúry prehistorickej doby kamennej a umeleckí zadrhávači sa môžu vrátiť do jaskýň svojich predkov a tam môžu uplatňovať svoje primitívne medzinárodné škrabopisy.“
V roku 1940 Nemci napadli Nórsko a nacistická strana prevzala vládu. Munch mal 76 rokov. Munch, ktorý mal takmer celú zbierku svojich umeleckých diel na druhom poschodí svojho domu, žil v strachu z nacistickej konfiškácie. Sedemdesiatjeden z obrazov, ktoré predtým nacisti zhabali, sa do Nórska vrátilo kúpou zberateľov (zvyšných jedenásť sa nikdy nenašlo), vrátane Výkriku a Chorého dieťaťa, a aj tie boli pred nacistami ukryté.
Munch zomrel vo svojom dome v Ekely pri Osle 23. januára 1944, približne mesiac po svojich 80. narodeninách. Jeho nacisticky zorganizovaný pohreb naznačoval Nórom, že bol sympatizantom nacizmu, čo bolo istým druhom privlastnenia si nezávislého umelca. Mesto Oslo odkúpilo v roku 1946 od Munchových dedičov majetok Ekely; jeho dom bol zbúraný v máji 1960.
Keď Munch zomrel, jeho zvyšné diela boli odkázané mestu Oslo, ktoré v Tøyene vybudovalo Munchovo múzeum (otvorené v roku 1963). Múzeum vlastní zbierku približne 1 100 malieb, 4 500 kresieb a 18 000 grafík, čo je najširšia zbierka jeho diel na svete. Munchovo múzeum slúži ako oficiálna Munchova pozostalosť; aktívne reaguje na porušovanie autorských práv, ako aj na vyjasňovanie autorských práv k dielam, ako napríklad výskyt Munchovho Výkriku v reklamnej kampani M&M’s v roku 2006. Zástupcom Munchovho múzea a pozostalosti Edvarda Muncha pre autorské práva v USA je Artists Rights Society.
Munchovo umenie bolo veľmi individuálne a málo vyučoval. Jeho „súkromný“ symbolizmus bol oveľa osobnejší ako symbolizmus iných symbolistických maliarov, napríklad Gustava Moreaua a Jamesa Ensora. Munch mal stále veľký vplyv, najmä na nemeckých expresionistov, ktorí sa riadili jeho filozofiou: „Neverím v umenie, ktoré nie je nutkavým výsledkom túžby človeka otvoriť svoje srdce.“ Mnohé z jeho obrazov, vrátane Výkriku, majú okrem veľmi osobného významu aj univerzálnu pôsobivosť.
Munchove diela sú v súčasnosti zastúpené v mnohých významných múzeách a galériách v Nórsku i v zahraničí. Jeho chata, „Šťastný dom“, bola v roku 1944 darovaná obci Åsgårdstrand; slúži ako malé Munchovo múzeum. Inventár sa zachoval presne v takej podobe, ako ho zanechal.
Jedna verzia Krik bola v roku 1994 ukradnutá z Národnej galérie. V roku 2004 bola ďalšia verzia Výkriku spolu s Madonnou ukradnutá z Munchovho múzea pri odvážnej lúpeži za bieleho dňa. Všetky tieto obrazy sa nakoniec našli späť, ale obrazy ukradnuté pri lúpeži v roku 2004 boli značne poškodené. Boli starostlivo zreštaurované a sú opäť vystavené. V roku 2005 boli z hotela Refsnes Gods ukradnuté tri Munchove diela; zakrátko boli vrátené, hoci jedno z diel bolo počas lúpeže poškodené.
V októbri 2006 bol vydaný farebný drevorez Dvaja ľudia. Osamelý (To mennesker. De ensomme) vytvoril nový rekord pre jeho grafiky, keď sa na aukcii v Osle predal za 8,1 milióna korún (1,27 milióna USD, čo v roku 2020 predstavuje 1 600 000 USD). Zároveň stanovila rekord v najvyššej cene zaplatenej na aukcii v Nórsku. Dňa 3. novembra 2008 obraz Upír stanovil nový rekord pre jeho obrazy, keď sa v aukčnej sieni Sotheby’s v New Yorku predal za 38 162 000 USD (ekvivalent 45 900 000 USD v roku 2020).
Munchova podobizeň sa nachádza na nórskej tisíckorunovej bankovke spolu s obrázkami inšpirovanými jeho dielami.
Vo februári 2012 sa uskutočnila veľká Munchova výstava Edvard Munch. Moderné oko, otvorená v Schirn Kunsthalle vo Frankfurte; výstavu otvorila Mette-Marit, nórska korunná princezná.
V máji 2012 sa Výkrik predal za 119,9 milióna USD (v prepočte 135 200 000 USD v roku 2020) a je druhým najdrahším umeleckým dielom, ktoré sa kedy predalo na otvorenej aukcii. (V novembri 2013 ho prekonali Tri štúdie Luciana Freuda, ktoré sa predali za 142,4 milióna USD).
V roku 2013 nórska pošta vydala sériu známok so štyrmi Munchovými obrazmi, aby si v roku 2014 pripomenula 150. výročie jeho narodenia.
14. novembra 2016 sa v newyorskej aukčnej sieni Sotheby’s predala verzia Munchovho obrazu Dievčatá na moste za 54,5 milióna USD (v prepočte 58 800 000 USD v roku 2020), čo predstavuje druhú najvyššiu dosiahnutú cenu za jeden z jeho obrazov.
V apríli 2019 sa v Britskom múzeu konala výstava Edvard Munch: Láska a úzkosť, ktorá obsahuje 83 diel vrátane vzácnej originálnej tlače obrazu Výkrik.
Univerzitná aula
V roku 1911 sa konala finálová súťaž na výzdobu veľkých stien auly (auly) Univerzity v Osle medzi Munchom a Emanuelom Vigelandom. Táto epizóda je známa ako „spor o Aulu“. V roku 1914 bol Munch napokon poverený výzdobou Auly a dielo bolo dokončené v roku 1916. Toto významné dielo nórskeho monumentálneho maliarstva obsahuje 11 malieb na ploche 223 m2. Slnko, História a Alma Mater sú kľúčovými dielami tejto sekvencie. Munch vyhlásil: „Chcel som, aby dekorácie tvorili ucelený a nezávislý svet myšlienok, a chcel som, aby ich vizuálne vyjadrenie bolo výrazne nórske a zároveň univerzálne ľudské“. V roku 2014 bolo navrhnuté, že obrazy v Aule majú hodnotu najmenej 500 miliónov korún.
Všeobecné zdroje
