Тапиес, Антони
gigatos | 8 января, 2022
Суммури
Антонио Тапиес-и-Пуиг, I маркиз де Тапиес (Барселона, 13 декабря 1923 — там же, 6 февраля 2012), был испанским художником, скульптором и теоретиком искусства. Один из ведущих мировых выразителей неформализма, он считается одним из самых выдающихся испанских художников 20-го века. Работы каталонского художника находятся в центре изучения и сохранения в Фонде Антонио Тапиеса (Fundació Antoni Tàpies) в Барселоне.
Самоучка, Тапиес создал свой собственный стиль в рамках авангардного искусства 20-го века, сочетая традиции и новаторство в абстрактном стиле, но полном символизма, придавая большое значение материальному субстрату произведения. Стоит подчеркнуть выраженный духовный смысл, придаваемый художником своим работам, где материальная опора выходит за пределы своего состояния, чтобы обозначить глубокий анализ человеческого состояния.
Работы Тапиеса были высоко оценены как на национальном, так и на международном уровне и выставлялись в самых престижных музеях мира. За свою карьеру он получил множество наград и премий, включая премию Фонда Вольфа за искусство (1981), Золотую медаль Женералитата Каталонии (1983), премию принца Астурийского за искусство (1990), медаль ЮНЕСКО Пикассо (1993) и премию Веласкеса за пластические искусства (2003). В знак признания его творческой деятельности 9 апреля 2010 года король Хуан Карлос I присвоил ему титул маркиза Тапиеса.
Работы Антони Тапиеса находятся в традиции этих взрывов, которые время от времени происходят в нашей стране и которые приводят в движение так много мертвых вещей. Это подлинно барселонский ресторан с универсальной иррадиацией. За это он заслуживает моего восхищения.
Тапиес был сыном адвоката Жозепа Тапиеса-и-Местреса и Марии Пуиг-и-Герра, дочери семьи каталонских политиков. Профессия его отца и связи семьи матери с представителями политической жизни Каталонии способствовали созданию либеральной атмосферы в детстве художника. Тапиес всегда отмечал, что противостояние между антиклерикализмом его отца и ортодоксальным католицизмом матери привело его к личному поиску новой духовности, которую он нашел в восточных философиях и религиях, главным образом в дзен-буддизме.
По его собственному признанию, его художественное призвание пробудил рождественский номер журнала D»Ací i d»Allà в 1934 году, в котором была представлена обширная панорама международного современного искусства. Одним из событий, ознаменовавших его жизнь, стало выздоровление от чахотки в возрасте 18 лет, что заставило его переосмыслить смысл своей жизни, а также свое призвание, поскольку во время выздоровления он интенсивно посвятил себя рисованию. Лихорадочное состояние, которое он перенес, вызвало у него частые галлюцинации, которые были необходимы для развития его творчества. Во время пребывания в санатории Пуиг-д»Олена (1942-1943) он укрылся в музыке (Вагнер) и литературе (Ибсен, Ницше, Томас Манн), делал копии Ван Гога и Пикассо.
Он совмещал изучение права в Университете Барселоны, которое начал в 1943 году, со своей страстью к искусству. Он окончательно обратился к живописи и оставил учебу в 1946 г. Самоучка, он лишь недолго учился в Академии Ноласка Вальса. Свою первую студию живописи он открыл в Барселоне в 1946 г.
В 1948 году он был одним из основателей журнала и движения под названием «Дау аль сет», связанного с сюрреализмом и дадаизмом. Лидером этого движения был поэт Жоан Бросса, а к Тапиесу присоединились Модест Куиксарт, Жоан-Жозеп Тарратс, Жоан Понч, Арнау Пуиг и позднее Хуан Эдуардо Цирлот. Журнал просуществовал до 1956 года, но Тапиес уехал в Париж в 1950 году и отдалился от группы, хотя продолжал вносить спорадические вклады в издание.
Ранние работы Тапиеса были оформлены в рамках сюрреализма, но с этого момента он изменил свой стиль и стал одним из ведущих представителей неформализма. Представитель так называемой «живописи материи», Тапиес использовал для своих работ материалы, которые не считаются художественными, а скорее переработанные или выброшенные, такие как веревка, бумага или мраморная крошка.
В 1948 году он впервые выставил свои работы на I Салоне д»Октубре в Барселоне, показав две работы 1947 года: Pintura и Encolado. В том же году он познакомился с Жоаном Миро, одним из самых почитаемых им художников. В 1949 году он принял участие в выставке «Un aspecto de la joven pintura catalana» в Институте Франции в Барселоне, где его увидел Эугени д»Орс, который пригласил его на VII Салон однажды в Мадриде (1950). В 1950 году состоялась его первая персональная выставка в Galeries Laietanes в Барселоне, где он снова выставлялся в 1952 году. Получив грант от Французского института, он отправился в Париж (1950), где ему удалось выставиться на Международном конкурсе Карнеги в Питтсбурге и где он познакомился с Пикассо.
В 1950 году он был выбран в качестве представителя Испании на Венецианской биеннале, где принимал участие несколько раз. В 1953 году он выставлялся в Чикаго и Мадриде; в том же году арт-дилер Марта Джексон организовала для него выставку в Нью-Йорке, благодаря чему он стал известен в Соединенных Штатах. В том же году он получил первый приз на джазовом салоне в Барселоне и познакомился с критиком Мишелем Тапие, советником галереи Стадлер в Париже, где он выставлялся в 1956 году и несколько раз с тех пор. В 1954 году он женился на Терезе Барба-и-Фабрегас, с которой у него родилось трое детей: Антони (поэт), Клара и Микель Анхель.
Он был одним из основателей группы Тауля в 1955 году, вместе с Модестом Куиксартом, Жоаном-Жозепом Тарратом, Марком Алеу, Жозепом Гиновартом, Жорди Меркаде и Жауме Муксартом. В том же году он был удостоен премии на III Испано-американском биенале в Барселоне и выставлялся в Стокгольме вместе с Тарратом, которого представлял Сальвадор Дали. В 1958 году у него был специальный зал на Венецианской биеннале, он получил первую премию Карнеги и премию Юнеско.
В 1960 году он принял участие в выставке «Новая испанская живопись и скульптура» в МоМА в Нью-Йорке. С тех пор он выставлялся в Барселоне, Мадриде, Париже, Нью-Йорке, Вашингтоне, Берне, Мюнхене, Бильбао, Буэнос-Айресе, Ганновере, Каракасе, Цюрихе, Риме, Санкт-Галлене, Кельне, Касселе, Лондоне, Каннах и т.д., получил призы в Токио (1960), Нью-Йорке (1964) и Ментоне (1966). В 1967 году он вошел в орбиту арт-дилера Эме Мэгта и выставлялся в Музее современного искусства в Париже (1973), Нью-Йорке (1975) и Фонде Мэгта (1976).
В 1970-х годах его творчество приобрело более политический оттенок, с каталонскими претензиями и оппозицией режиму Франко, как правило, с помощью слов и знаков на его картинах, таких как четыре полосы каталонского флага (El espíritu catalán, 1971). Этот активизм также привел его к таким акциям, как закрытие монастыря капуцинов в Сарриа с целью создания демократического студенческого союза (1966) или марш на Монтсеррат в знак протеста против суда в Бургосе (1970), за который он был заключен в тюрьму на короткий срок.
Тапиес был также автором сценического оформления (Or i sal, по Жоану Бросса, 1961) и иллюстраций к книгам, в основном Бросса (Ú no és ningú, 1979); он также посвятил себя дизайну плакатов, проведя выставку своих основных плакатных работ в 1984 году, а также графической продукции: гравюр, литографий, сериграфий и т.д. В 2002 году он создал плакат для праздника Мерсе в Барселоне.
Как теоретик искусства, Тапиес публиковал статьи в Destino, Serra d»Or, La Vanguardia, Avui и т.д., большинство из которых собраны в книгах La práctica del arte (1970), El arte contra la estética (1974), La realidad como arte (1982) и Por un arte moderno y progresista (1985), а также автобиографию Memoria personal (1977). В своих работах он атаковал как традиционное искусство, так и крайний авангард концептуального искусства.
С переходом в 21 век Тапиес продолжал получать многочисленные национальные и международные признания, а ретроспективные выставки его работ были организованы в лучших музеях и галереях мира. В 2003 году, по случаю его восьмидесятилетия, в Фонде Антонио Тапиеса была проведена ретроспектива его лучших работ, а публика посетила день открытых дверей. Кроме того, в 2004 году в MACBA в Барселоне была организована выставка, посвященная его фигуре, на которой было представлено 150 работ, созданных с 1940-х годов по настоящее время, включая картины, скульптуры, рисунки и различные творения гениального художника.
Среди его последних публичных акций — сотрудничество с Жозе Сарамаго в 2005 году в защиту баскской пацифистской группы Elkarri и передача в том же году его работы «7 de noviembre» в дар парламенту Каталонии в честь 25-летия ее восстановления. В октябре 2007 года он передал свою оригинальную работу для кампании против закрытия вещания TV3 в Валенсии, чтобы репродукции можно было продать за десять евро и таким образом покрыть штраф, наложенный на ACPV Женералитатом Валенсиана (региональное правительство Валенсии). В том же году он оставил послание в Caja de las Letras Института Сервантеса, который будет открыт только в 2022 году. 9 апреля 2010 года король Хуан Карлос I присвоил ему титул маркиза Тапиеса.
Антони Тапиес умер 6 февраля 2012 года в своем доме в Барселоне в возрасте 88 лет.
Практически самоучка в области искусства, Тапиес, тем не менее, был человеком большой культуры, любителем философии (Ницше), литературы (Достоевский) и музыки (Вагнер). Он был большим защитником каталонской культуры, которой был глубоко проникнут: он был большим поклонником писателя-мистика Рамона Ллулла (книгу гравюр которого он создал в 1973-1985 годах), а также каталонского романского стиля и модернистской архитектуры Антонио Гауди. В то же время он был поклонником восточного искусства и философии, которые, как и Тапиес, стирали границы между материей и духом, между человеком и природой. Под влиянием буддизма он показал в своих работах, как боль, как физическая, так и духовная, присуща жизни.
Приобщение Тапиеса к искусству происходило через реалистичные рисунки, в основном портреты семьи и друзей. Его первый контакт с авангардным искусством того времени привел его к сюрреализму с магическим оттенком под влиянием таких художников, как Жоан Миро, Пауль Клее и Макс Эрнст, стиль, который выкристаллизовался в период его работы в Дау аль Сет.
В рамках неформализма Тапиес принадлежал к так называемой «живописи материи», также известной как «art brut», для которой характерно техническое смешение и использование разнородных материалов, часто отходов или переработанных, смешанных с традиционными материалами искусства в поисках нового языка художественного выражения. Основными выразителями живописи материи были, помимо Тапиеса, французские художники Фотрие и Дюбюффе и испанец Маноло Милларес. Начиная с 1950-х годов, живопись материи была основным средством выражения Тапиеса, и он работал над ней с различными особенностями до самой смерти.
Наиболее характерными работами Тапиеса являются те, в которых он применяет свою смесь различных материалов в композициях, приобретающих консистенцию стен, к которым он добавляет различные отличительные элементы с помощью знаков, подчеркивающих коммуникативный характер работы, напоминающий популярное искусство «граффити». Эта последовательность, напоминающая стену, всегда привлекала Тапиеса, который также любил связывать свой стиль с этимологией собственной фамилии:
«Стена» — это изображение, которое я нашел немного неожиданно. После нескольких сеансов рисования, в ходе которых я так боролся с пластиком, который использовал, и заполнил его таким количеством царапин, картина вдруг изменилась, совершила качественный скачок и превратилась в неподвижную, спокойную поверхность. Я обнаружил, что нарисовал стену, стену, которая в то же время связана с моим именем.
Также первостепенное значение в творчестве Тапиеса имеет иконографический характер, который он придает своим работам с помощью различных знаков, таких как кресты, луны, звездочки, буквы, цифры, геометрические фигуры и т.д. Для Тапиеса эти элементы имеют аллегорическое значение, связанное с внутренним миром художника, вызывая такие трансцендентные темы, как жизнь и смерть, одиночество, недостаток общения или сексуальность. Каждая фигура может иметь конкретное значение: что касается букв, то А и Т означают инициалы его имени или Антони и Терезу (М он объясняет следующим образом:
«У всех нас на линиях ладони нарисована буква М, обозначающая смерть, а на ступне есть морщины в форме буквы S; все вместе это была Certain Death».
Другой отличительной чертой Тапиеса была его хроматическая строгость; он обычно работал в диапазоне строгих, холодных, земляных цветов, таких как охра, коричневый, серый, бежевый или черный. Художник дает нам свое собственное объяснение:
«Если я стал делать картины только в серых тонах, то это отчасти из-за реакции, которую я испытал на колоризм, характерный для искусства поколения до моего, живописи, в которой часто использовались основные цвета. Постоянное окружение воздействием рекламы и вывесок, характерных для нашего общества, также заставило меня искать более внутренний цвет, который можно определить как мрак, свет мечты и нашего внутреннего мира. Коричневый цвет связан с философией, тесно связанной с францисканством, с привычкой францисканских монахов. Есть тенденция искать то, что говорят жизнерадостные цвета: красный, желтый; но для меня серый и коричневый цвета более интереные, они больше связаны с философским миром».
В своих работах Тапиес отразил большую озабоченность проблемами человека: болезнью, смертью, одиночеством, болью и сексом. Тапиес дал нам новое видение самой простой, повседневной реальности, возвысив ее до высот истинной духовности. Концепция жизни Тапиеса была подпитана экзистенциалистской философией, которая подчеркивает материальное и смертное состояние человека, муки существования, о которых говорил Сартр; одиночество, болезни и бедность, которые мы воспринимаем у Тапиеса, также можно найти в творчестве Сэмюэля Беккета и Эжена Ионеско. Экзистенциализм указывает на трагическую судьбу человека, но он также утверждает его свободу, важность личности, способность действовать перед лицом жизни; таким образом, Тапиес стремится своим искусством заставить нас задуматься о нашем собственном существовании:
«Я считаю, что произведение искусства должно оставлять зрителя в недоумении, заставлять его размышлять о смысле жизни».
В 1970-х годах под влиянием поп-арта он начал использовать в своих работах более твердые предметы, например, части мебели. Однако использование повседневных элементов в работах Тапиеса не имеет той же цели, что и в поп-арте, где они используются для тривиализации общества потребления и средств массовой информации; напротив, в работах Тапиеса всегда присутствует духовный субстрат, значение простых элементов, которые свидетельствуют о более высоком универсальном порядке.
Тапиеса часто считают предшественником arte povera в его использовании бедных и бросовых материалов, хотя еще раз следует подчеркнуть концептуальное различие между этими двумя стилями.
В своих наиболее характерных работах в рамках материи неформализма Тапиес использовал технику смешивания традиционных художественных пигментов с такими материалами, как песок, одежда, солома и т.д., с преобладанием коллажа и ассамбляжа, с текстурой, близкой к барельефу.
Тапиес определил свою технику как «смешанную»: он писал на холсте среднего формата в горизонтальном положении, укладывая однородный слой монохроматической краски, на который наносил «смесь» — смесь из измельченной мраморной крошки, связующего, пигмента и масла, наносимую ножом для палитры или своими руками.
Когда она почти высохла, я сделал граттаж с помощью гессиновой ткани, приложил ее к поверхности, а когда она прилипла, я сорвал ее, создав рельефную структуру, с рваными, поцарапанными или даже перфорированными участками, которые контрастировали со скоплениями и плотностью материала в других областях картины. Затем он сделал новую решетку с помощью различных инструментов (шило, нож, ножницы, кисть). Наконец, он добавил знаки (кресты, луны, звездочки, буквы, цифры и т.д.), в композициях, напоминающих граффити, а также пятна, нанесенные капельным способом.
Он не добавлял элементы фиксации, что означало, что работы быстро деградировали — смесь довольно эфемерна — но Тапиес защищал разложение как потерю идеи вечности искусства; ему нравилось, чтобы его работы отражали ощущение хода времени. Этому способствовали и его собственные следы в его работах, надрезы, которые он делал, являясь для него отражением природы.
Тапиес начинал с рисования, как правило, индийской тушью, и посвятил себя в основном портретам, преимущественно семейным и друзьям, с большим реализмом: Хосеп Гудиоль, Антони Пюигверт, Пере Мир и Марторелл, Автопортрет (1944). Он заинтересовался новыми техниками и начал оставлять свой след в творчестве: Zoom (1946), перевернутый портрет в виде солнца, с желтым тоном, на который повлиял Ван Гог, и очень чистым испанским белым, дающим сильное свечение.
К 1947 году он создал более жидкие рисунки под влиянием Матисса. Позже он начал свою работу, которая уже была подлинно личной, с плотными материалами и короткими, отдельными мазками, с примитивным и экспрессионистским воздухом, с магической и пантеистической темой (Триптих, 1948).
В период «Дау аль сет» Тапиес был частью фигуративного магического сюрреализма под влиянием Жоана Миро, Пауля Клее и Макса Эрнста: «Нимфы, дриады и гарпии» («Кошка» под влиянием Клее, сильное кьяроскуро, фантастический, нереальный мир, темные цвета; «Печаль Брунгильды» под влиянием немецкого экспрессионизма в контрастах цвета, света и тени) и «Боль Брунгильды» под влиянием немецкого экспрессионизма в контрастах цвета, света и тени.
В 1954 году он сделал рельефные скульптурные панно на фасаде офисного здания Finanzauto на улице Бальмес 216 в Барселоне, с мотивами, намекающими на Пиаристов, владельцев здания.
Между 1955 и 1960 годами у него был самый радикально материалистический период, с его строгим стилем, нейтральными, землистыми цветами и обилием знаков: крест, T (от Tàpies), крест в кресте (X), 4 (для четырех элементов и четырех кардинальных точек, как символ земли) и т.д.: Большая серая картина (1956), Большой овал (1956), Белый овал (1957), Т-образная картина (1960).
Также важным в работах Тапиеса является присутствие человеческого тела, обычно в виде отдельных частей, в схематичных формах, часто с видом изношенности, тело кажется разорванным, атакованным, пронзенным. Это можно увидеть в картинах El fuego interior (Рельеф в форме подмышки) (Cráneo blanco (Белый череп) (Тело (1986) отражает лежачую фигуру, напоминающую о смерти — что подчеркивается словом «Тартарос», греческий ад); Días de Agua I (Дни воды I) (1987), тело, погруженное в волны серой краски, напоминающее легенду о Геро и Леандро (Дни воды I) (1987).
Еще одной особенностью Тапиеса является обильное использование самых разнообразных предметов в своих работах: Caja de cordeles (1946) уже предвосхитила эту тенденцию, представляя собой коробку, наполненную шнурами, расположенными радиально и напоминающими скальп; Puerta metálica y violín (1956) — любопытная композиция из двух вышеупомянутых элементов, очевидно антитетичных, один из-за своего прозаического характера, а другой из-за своего высокого художественного и интеллектуального подтекста; Прессованная солома с X (Подушка и бутылка (1970), новое соединение двух несхожих предметов, призвано противопоставить подушку с изысканным буржуазным вкусом простой стеклянной бутылке с почти пролетарским воздухом.
Геометрические фигуры также занимают важное место в творчестве Тапиеса, возможно, под влиянием каталонского романского или примитивного и восточного искусства: «Белый овал (сложенная материя» (1981), полотно, похожее на плащаницу Христа, с определенными реминисценциями, напоминающими о Зурбаране, художнике, которым восхищался Тапиес; «Лестница» (1974), как символ восхождения, вдохновленная такими работами Миро, как «Собака, лающая на луну» или «Карнавал Арлекина».
Хотя эволюция творчества Тапиана от истоков неформализма была равномерной, со временем появились тонкие различия как в технике, так и в содержании: между 1963 и 1968 годами он в определенной степени находился под влиянием поп-арта в своем подходе к миру окружающей действительности, в котором акцентируется внимание на повседневных предметах: «Материя в форме шляпы», «Рама», «Женщина», «Материя в форме ореха», «Стол и стулья» (1968), «Материя с одеялом» (1968), «Большой пучок соломы» (1968), «Прессованная солома» (1969). В период с 1969 по 1972 год он уделяет преимущественное внимание каталонской тематике: Atención Cataluña (1969), El espíritu catalán (1971), Pintura románica con barretina (1971), Sardana (1971), Inscripciones y cuatro barras sobre arpillera (1971-1972), Cataluña-Libertad (1972).
В период 1970-1971 годов у него была концептуалистская фаза, он работал с детритными материалами, с жирными пятнами или сырыми материалами: Pica de lavar con cruz, Mueble con paja, Palangana con Vanguardias, Paja cubierta con trapo. После периода кризиса до конца 1970-х годов, когда он сосредоточился на скульптуре и гравюре, с 1980 года он обновил технику и темы, вернувшись к определенному неформализму. Также в течение этого десятилетия, под влиянием постмодернистского искусства — особенно немецкого неоэкспрессионизма — он включил больше фигуративных элементов, обычно как дань уважения традиционным стилям и художникам в истории искусства, как в Recuerdo (1982), отсылающем к Леонардо да Винчи, или Materia ocre (1984) и Mancha marrón sobre blanco (1986), напоминающих о барокко.
В 1990-х годах он получил ряд институциональных заказов: в 1991 году он написал «Четыре хроники» в зале Тарраделлас Дворца Женералитата Каталонии. В 1992 году ему было поручено украсить фресками павильоны Каталонии и Международного олимпийского комитета для Всемирной выставки в Севилье. В том же году возникли серьезные разногласия по поводу проекта, заказанного городским советом Барселоны для украшения Овального зала Национального дворца на Монжуике, где находится MNAC. Тапиес запланировал скульптуру в форме носка высотой 18 метров, которая, по его словам, имеет значение «скромного носка, внутри которого предлагается медитация и с помощью которого я хочу представить важность в космическом порядке малых вещей». Однако из-за неприятия проекта населением и противодействия каталонского правительства работы так и не были завершены. Несмотря на это, спустя годы художник снова взялся за проект и построил свою работу на террасе Фонда Антонио Тапиеса, как главную представительскую работу Фонда после его повторного открытия в 2010 году, после двухлетней реконструкции музея. Однако первоначальный 18-метровый проект не был построен, а была построена уменьшенная версия в 2,75 метра.
В 1994 году Тапиес получил заказ от университета Помпеу Фабра на адаптацию помещения под светскую часовню, то есть место для размышлений и медитации. Это помещение было частью университетского комплекса Agora Rubió i Balaguer, спроектированного архитектором Жорди Гарсесом, который соединяет бывшие здания казарм Roger de Llúria и Jaume I под землей, и который, помимо часовни, содержит аудиторию и выставочный зал. Тапиес задумал это пространство как убежище от внешнего мира, оставив архитектурную структуру в прежнем виде, с бетонными стенами, установив ряд художественных вмешательств, чтобы завершить атмосферу воспоминаний в часовне: фреска «Диптих колокола» и скульптура «Змея и плита», а также несколько стульев для колокольни, подвешенных на стене, и ковер из гессана, все для создания атмосферы медитации и покоя. Скульптура размещена на алтаре, с большой фарфоровой тарелкой, на которой лежит змея; мы можем увидеть предшественника проекта носка для Национального дворца, который также должен был быть размещен на алтаре.
В скульптуре, начав с техники ассамбляжа в 1970-х годах, он перешел к использованию терракоты с 1981 года и бронзы с 1987 года, всегда в том же ключе, что и в живописи, со смешанными техниками и использованием переработанных или отработанных материалов, в иногда необычных ассоциациях, которые стремятся шокировать зрителя. Выделяются его «Память Пикассо» (Парк Сьютаделла, 1983), керамическая мозаика на площади Каталонии в Сан-Баудильо-де-Льобрегат (1983), а также инсталляция «Облако и кресло» в Фонде Тапиеса (1989).
Источники
