Дэвис, Стюарт

gigatos | 30 марта, 2022

Post Views: 55

Суммури

Стюарт Дэвис (родился 7 декабря 1892 года в Филадельфии, умер 24 июня 1964 года в Нью-Йорке) — американский художник-модернист и гравер, наиболее известный своими исследованиями повседневной американской жизни, изображенной в ярких цветах. Он прославился тем, что адаптировал язык джазовой музыки к современной живописи.

Молодежь и образование

Стюарт Дэвис был сыном Эдварда Уайатта Дэвиса и скульптора Хелен Стюарт Дэвис. Оба родителя учились в Пенсильванской академии изящных искусств. Мать выставляла свои работы в Филадельфии и Нью-Йорке. Отец возглавлял художественный отдел газеты Philadelphia Press, где в качестве иллюстраторов работали его друзья Джон Френч Слоан, Уильям Глакенс, Джордж Лукс и Эверетт Шинн. В 1901 году семья Дэвисов переехала в Ист-Орандж, штат Нью-Джерси. В 1909 году Дэвис бросил среднюю школу и в течение следующих трех лет учился в нью-йоркской художественной школе Робера Анри (основателя группы «Восьмерка»). Хотя он писал картины в реалистическом стиле, он отвергал академический идеализм, призывая своих учеников наблюдать и изучать городскую жизнь так, как они наблюдали ее на улицах, в концертных залах, тавернах и других местах. Ценить современное и абстрактное искусство Дэвис стал именно благодаря своему интересу к работам будущих членов Ашканской школы.

Адаптация достижений модернизма

В 1913 году Дэвис показал пять акварелей на Armory Show, международной выставке современного искусства, которая вызвала его интерес к искусству модернизма. На выставке преобладали французские художники, чье искусство оказало наиболее заметное влияние на американское искусство. Здесь представлены работы таких художников, как: Анри Матисс, Жорж Брак, Марсель Дюшан и Пабло Пикассо Фовизм и кубизм были широко представлены. Дэвис смог увидеть, как авангардные европейские художники, такие как Анри Матисс и Поль Гоген, воплощали свои новаторские идеи о современных формах. Они использовали цвета, которые не имели никакого отношения к реальности. Дэвис познакомился с кубизмом, который подвергал формы фрагментации, уплощал пространство и использовал слова, взятые из газетных заголовков или этикеток товаров, в качестве композиционных элементов картин. В последующие годы Дэвис старался усвоить достижения модернизма, с которыми он столкнулся на выставке Armory Show, особенно в области цвета, формы, обработки поверхности и композиции работ. Он понимал, что опыта, который он приобрел, работая с Робером Анри, уже недостаточно.

С 1911 по 1916 год Дэвис работал иллюстратором и карикатуристом в журнале The Masses, продолжая экспериментировать с различными стилями, включая постимпрессионизм, фовизм и кубизм. Многие из его картин 1916-1919 годов, такие как «Глостер-стрит» (Музей изящных искусств, Бостон), «Гараж» (1917, коллекция Эрла Дэвиса) и «Бензоколонка» (1917, Музей и сад скульптур Хиршхорна), отличаются смелыми цветами и плавными, энергичными мазками. После двух летних лет, проведенных в Провинстауне, штат Массачусетс, Дэвис заинтересовался побережьем Новой Англии, став постоянным посетителем Глостера во время летних сезонов до 1934 года. Вдохновленный картинами Сезанна, Гогена, Матисса и Ван Гога, он писал красочные пейзажи и портовые сцены. В 1921 году он создал одни из самых абстрактных работ в своей карьере, включая картины, в которых в качестве темы были использованы сигаретные пачки, этикетки, лампочки, бутылки для полоскания рта, солонки и вилки для яиц, вдохновленные дадаизмом. Их пример — картина Lucky Strike (1921, Музей современного искусства), на которой изображена точно раскрашенная пачка сигарет в стиле кубистического коллажа, с наложением цветов, темных на светлые, с вертикальными и горизонтальными формами. В 1922 году Дэвис стал членом организации «Современные художники Америки». Будучи признанным современным художником, он пробился в круги нью-йоркского авангарда. Со временем он подружился с такими художниками-абстракционистами, как Чарльз Демут, Аршил Горький, Джон Д. Грэм и поэт Уильям Карлос Уильямс.

В 1927 и 1928 годах он работал над известной серией «Яйцеварка» — личным исследованием кубистической формы и пространства, в котором он использовал такие предметы, как яйцеварка, электрический вентилятор и резиновые перчатки. Эта серия представляется своего рода катарсисом, с помощью которого он пытался избавить свои работы от последних остатков иллюзионизма. Он рисовал вышеупомянутые реквизиты, которые являются элементами натюрморта, многократно, пока они не перестали существовать в его глазах и сознании, за исключением связей между цветом, линией и формой. В этих и некоторых других работах того же периода он достиг степени упрощенной абстракции, превосходящей все, что он собирался создать в течение следующих десяти лет. Он также создал в своих картинах определенные мотивы аранжировки, которые позже развил в других работах.

Читайте также, биографии — Эдуард V

Отправление в Париж

После успешного дебюта в галерее «Валентайн» его спонсор, Гертруда Вандербильт Уитни, предложила ему отправиться в Париж. Воспользовавшись ее финансовой поддержкой, он отправился туда вместе со своей подругой Бесси Чосак. В Париже он основал студию в районе Монпарнас. Во время своего четырнадцатимесячного пребывания он писал уличные пейзажи, используя яркие цвета и типично французские детали, такие как балюстрады, ставни, мансарды и кафе. В 1929 году он женился на Бесси Чосак.

Возвращение в Соединенные Штаты

В 1929 году Дэвис вернулся в Соединенные Штаты. В том же году умер его наставник, Робер Анри. В 1930-х годах Америка была охвачена Великой депрессией. Когда в 1933 году президент Франклин Делано Рузвельт объявил о запуске федеральной программы поддержки искусства, Дэвис присоединился к ней одним из первых. В период с 1933 по 1939 год он выполнил несколько настенных росписей в рамках программы «Общественные произведения искусства», Федерального художественного проекта и Администрации прогресса в строительстве. При финансовой поддержке правительства он смог продолжить свои исследования формализма и американской тематики. Для продвижения интересов художников и защиты их от войны и фашизма он стал членом Союза художников и Американского конгресса художников. В 1934 году он был избран президентом Союза художников. С 1935 по 1936 год он редактировал журнал «Арт Фронт». Однако он старался не совмещать общественную работу с творческой деятельностью. В 1930-х годах основные картины Дэвиса демонстрировали продолжение взаимодействия четко определенных, фрагментированных объектов с геометрически-абстрактной структурой. В то же время художник проводил многочисленные эксперименты с полной абстракцией, особенно в линейных рисунках и живописи. Его цвет становился все более ярким, и во многих работах он усиливал впечатление темпа, ощущение движения, жизнерадостности и ритма за счет усложнения мелких, более нерегулярных и контрастных цветных форм. Картины начала 1930-х годов содержали упорядоченные, четко идентифицируемые объекты: бензонасос, здания, мебель, шляпы, автомобили и вывески, размещенные в ярких городских пейзажах. В работах конца 1930-х годов предметы были дематериализованы, превратившись в формы с цветными контурами. Это было началом двадцати пяти лет зрелой абстрактной живописи в карьере художника. Некоторым исключением стала масштабная (14 × 46 м) фреска «История коммуникации» 1939 года, сохранившаяся только в виде эскиза, узнаваемый сюжет которого, вероятно, был обусловлен обстоятельствами заказа.

Однако в начале 1940-х годов также появились картины, в которых в большей или меньшей степени присутствовал фигуративизм, например, «Нью-Йорк под газовым светом» 1941 г. В то же время Дэвис создал серию блестящих абстрактных пейзажей: Горячий пейзаж в шести цветах (1940), Дендрарий при свете ламп (1942), Урсинский парк (1942) и Ультрамарин (1943). Характерно, что они отказываются от натуралистической визуальной иллюзии, хотя и сохраняют сильные ассоциации с пейзажем. Повторяющиеся неровные формы создают общий изломанный рисунок. Используемые цвета — красный, зеленый и синий, с отчетливыми черно-белыми перерывами. В конце 1940-х годов Дэвис создал серию небольших, экспериментальных картин, которым он дал названия Pad (скорее джазовый смысл) и Max, вместе с порядковыми номерами, присвоенными для их различения. Они лишены каких-либо элементов, ассоциирующих их с фигуративизмом, за исключением слова «Pad», и являются выражением абстрактных экспериментов, от чисто геометрических форм до сильно экспрессионистских. Их примером может служить «Плавная площадка», над которой художник работал с перерывами между 1945 и 1951 годами и которая была попыткой развить вышеупомянутые абстрактные эскизы в более монументальную композицию.

Параллельно с деятельностью художника Дэвис активно работал как педагог: в 1932 году он преподавал в Лиге студентов искусств Нью-Йорка, в 1940 году стал лектором в Новой школе социальных исследований, а в 1950 году — в Йельском университете.

Дэвис продолжал интенсивно рисовать до самой смерти. В многочисленных небольших картинах, написанных маслом или гуашью, он экспериментировал с новыми идеями или пересматривал старые мотивы для возможного развития, например, «Комбинация бетона II» (1958) или «Парижский кусочек» (1959), ностальгический пастиш парижских воспоминаний. Он оставил в своей мастерской несколько незаконченных картин и рисунков, которые документируют его творческие методы и неисчерпаемую плодовитость его воображения. Он также оставил множество тетрадей с наблюдениями и записями своих идей с целью их последующего развития. Дэвис — почти единственный американский художник 20-го века, чьи работы преодолели все изменения стиля, движения и моды. Даже в 1950-е годы, когда на американской сцене доминировал абстрактный экспрессионизм, художник продолжал с уважением и восхищением относиться к самым экспериментальным новым художникам.

В последние годы жизни Дэвис продолжал пользоваться успехом в творчестве. В 1952 и 1954 годах он получил, как представитель США, награды на Венецианской биеннале. Кроме того, в 1958 и 1960 годах он был удостоен Международной премии Соломона Р. Гуггенхайма. Он внезапно умер от инсульта, оставив после себя художественное наследие в виде картин и репутацию одного из первых модернистов Америки. Художественный критик Брайан О»Доэрти назвал его на страницах «Нью-Йорк Таймс» «одним из немногих великих художников Америки, который никогда не был анахронизмом».

Дэвис начал свою художественную карьеру в традициях американского реализма, представленного школой Робера Анри. Позже он изучал живопись постимпрессионистов и фовистов, а в 1920-х годах — европейские техники абстракции и синтетического кубизма. Кульминацией этого опыта стала серия «Eggbeater Series». Именно Дэвису приписывают развитие американской разновидности европейского кубизма. Благодаря использованию ярко выраженного американского сленга и символизма, его картины укрепили позиции США в мире современного искусства. Дэвис был одним из первых, кто стал рассматривать джаз и свинг вместе с живописью. Использование ярких, пульсирующих цветов, выразительных линий и повторяющихся форм придавало его картинам визуальный ритм, напоминающий синкопирование и импровизацию, столь характерные для джазовой музыки. Дэвис представил новый, посткубистский подход к абстракции, разбрасывая формы по холсту и манипулируя смелыми цветами таким образом, чтобы отказаться от фокусной точки, которая фокусирует внимание зрителя. Этот новый метод, в котором все части картины равны, задуманный так, чтобы взгляд зрителя мог блуждать без направления, ознаменовал важный шаг к полной абстракции, сделанный абстрактными экспрессионистами, такими как Джексон Поллок. Превращение Дэвисом потребительских товаров и рекламы в произведения искусства, в свою очередь, предвосхитило поп-арт 1960-х гг. Дэвис остается одним из самых важных американских художников, работавших в межвоенный период.

Prace Stuarta Davisa znajdują się w zbiorach głównych amerykańskich muzeów sztuki, w tym: Галерея американского искусства Эддисона, Музей американского искусства Амона Картера, Художественный институт Чикаго, Библиотека Конгресу, Бруклинский музей, Музей Карнеги, Художественный музей Далласа, Музеи изобразительных искусств Сан-Франциско, Художественные музеи Гарвардского университета, Музей Хиршхорна и Сад скульптур, Коллекция Хайда, Музей Хиршхорна и Сад скульптур, Мемориальная художественная галерея, Музей изобразительных искусств в Бостони, Музей Метрополитен, Художественный музей Монтклера, Музей изобразительных искусств, Хьюстон, Музей современного искусства, Музей Тиссена-Борнемисы, Национальная галерея Австралии, Национальная портретная галерея, Музей искусств Нортона, Пенсильванская академия изящных искусств, Коллекция Филлипса, Музей искусств Портленда, Художественный музей Принстонского университета, Музей искусств Сан-Диего, Музей современного искусства Сан-Франциско, Смитсоновский музей американского искусства и Галерея Ренвик, Музей изящных искусств Вирджинии, Центр искусств Уокера, Музей американского искусства Уитни.

Источники