Roy Lichtenstein
gigatos | ianuarie 1, 2022
Rezumat
Roy Fox Lichtenstein (27 octombrie 1923 – 29 septembrie 1997) a fost un artist pop american. În anii 1960, alături de Andy Warhol, Jasper Johns și James Rosenquist, printre alții, a devenit o figură de prim rang în noua mișcare artistică. Opera sa a definit premisa artei pop prin parodie. Inspirat de benzile desenate, Lichtenstein a produs compoziții precise care se documentau în timp ce parodiau, adesea într-o manieră ironică. Opera sa a fost influențată de publicitatea populară și de stilul benzilor desenate. Lucrările sale de artă au fost considerate „disruptive”. El a descris arta pop ca fiind „nu pictură „americană”, ci de fapt pictură industrială”. Picturile sale au fost expuse la Galeria Leo Castelli din New York.
Whaam! și Drowning Girl sunt în general considerate cele mai cunoscute lucrări ale lui Lichtenstein. Drowning Girl, Whaam! și Look Mickey sunt considerate cele mai influente lucrări ale sale. Cea mai scumpă lucrare a sa este Masterpiece, care a fost vândută pentru 165 de milioane de dolari în ianuarie 2017.
Lichtenstein era evreu, deși „își minimaliza rădăcinile” și „nu vorbea prea des despre faptul că era evreu”. Tatăl său, Milton, a fost broker imobiliar, iar mama sa, Beatrice (Werner), casnică. A fost crescut în Upper West Side din New York și a urmat cursurile unei școli publice până la vârsta de 12 ani. A urmat apoi cursurile Școlii Dwight din New York, pe care a absolvit-o în 1940. Lichtenstein a început să fie interesat de artă și design ca hobby, prin intermediul școlii. A fost un pasionat de jazz, participând adesea la concerte la Teatrul Apollo din Harlem. El a desenat frecvent portrete ale muzicienilor care cântau la instrumentele lor. În ultimul său an de liceu, în 1939, Lichtenstein s-a înscris la cursurile de vară de la Art Students League din New York, unde a lucrat sub îndrumarea lui Reginald Marsh.
Lichtenstein a părăsit apoi New York-ul pentru a studia la Ohio State University, care oferea cursuri de atelier și o diplomă în arte plastice. Studiile sale au fost întrerupte de un stagiu de trei ani în armată în timpul și după cel de-al Doilea Război Mondial, între 1943 și 1946. După ce a participat la programe de pregătire pentru limbi străine, inginerie și pregătire pentru piloți, care au fost toate anulate, a servit ca infirmier, desenator și artist.
Lichtenstein s-a întors acasă pentru a-și vizita tatăl muribund și a fost eliberat din armată cu dreptul de a beneficia de G.I. Bill. S-a întors la studii în Ohio, sub supravegherea unuia dintre profesorii săi, Hoyt L. Sherman, care este considerat în general că a avut un impact semnificativ asupra operei sale viitoare (Lichtenstein avea să numească mai târziu un nou studio pe care l-a finanțat la OSU drept Hoyt L. Sherman Studio Art Center).
Lichtenstein a intrat în programul de absolvire la Ohio State și a fost angajat ca instructor de artă, post pe care l-a ocupat ocazional în următorii zece ani. În 1949, Lichtenstein a primit o diplomă de Master of Fine Arts de la Ohio State University.
În 1951, Lichtenstein a avut prima sa expoziție personală la Galeria Carlebach din New York.În același an, s-a mutat în Cleveland, unde a rămas timp de șase ani, deși se întorcea frecvent la New York. În acest timp, între perioadele de pictură, a întreprins slujbe atât de variate, de la desenator la decorator de ferestre. Lucrările sale din această perioadă au fluctuat între cubism și expresionism. În 1954, s-a născut primul său fiu, David Hoyt Lichtenstein, în prezent compozitor. Cel de-al doilea fiu al său, Mitchell Lichtenstein, s-a născut în 1956.
În 1957, s-a mutat înapoi în nordul statului New York și a început să predea din nou. În această perioadă a adoptat stilul expresionismului abstract, fiind un convertit târziu la acest stil de pictură. Lichtenstein a început să predea în nordul statului New York, la Universitatea de Stat din New York, la Oswego, în 1958. Cam în această perioadă, a început să încorporeze în lucrările sale abstracte imagini ascunse ale unor personaje de desene animate precum Mickey Mouse și Bugs Bunny.
Citește și, biografii – Georges Braque
Ascensiunea la proeminență
În 1960, a început să predea la Universitatea Rutgers, unde a fost puternic influențat de Allan Kaprow, care era și el profesor la universitate. Acest mediu a contribuit la reaprinderea interesului său pentru imaginile proto-pop. în 1961, Lichtenstein a început primele sale picturi pop folosind imagini de desene animate și tehnici derivate din aspectul tipăriturilor comerciale. Această fază va continua până în 1965 și a inclus utilizarea imaginilor publicitare care sugerează consumismul și gospodăria. prima sa lucrare care a prezentat utilizarea pe scară largă a figurilor cu margini dure și a punctelor Ben-Day a fost Look Mickey (1961, National Gallery of Art, Washington, D.C.). Această lucrare a venit în urma unei provocări din partea unuia dintre fiii săi, care a arătat spre o carte de benzi desenate cu Mickey Mouse și a spus: „Pun pariu că nu poți picta la fel de bine ca asta, nu-i așa, tată?”. În același an a realizat alte șase lucrări cu personaje recognoscibile din ambalaje de gumă de mestecat și desene animate.
În 1961, Leo Castelli a început să expună lucrările lui Lichtenstein la galeria sa din New York. Lichtenstein a avut prima sa expoziție personală la galeria Castelli în 1962; întreaga colecție a fost cumpărată de colecționari influenți chiar înainte de deschiderea expoziției. Un grup de picturi realizate între 1961 și 1962 s-a concentrat pe obiecte de uz casnic solitare, cum ar fi adidași, hot dog-uri și mingi de golf. În septembrie 1963 și-a luat un concediu de la postul de profesor la Douglass College din Rutgers.
Lucrările sale au fost inspirate de benzile desenate cu povești de război și povești romantice: „La acea vreme”, a povestit mai târziu Lichtenstein, „eram interesat de tot ceea ce puteam folosi ca subiect puternic din punct de vedere emoțional – de obicei dragostea, războiul sau ceva cu o mare încărcătură emoțională care să se opună tehnicilor de pictură îndepărtate și deliberate”.
Citește și, biografii – Werner Heisenberg
Perioada cu cel mai înalt profil din Lichtenstein
În acest moment, Lichtenstein a început să devină celebru nu doar în America, ci în întreaga lume. S-a mutat înapoi la New York pentru a fi în centrul scenei artistice și a demisionat de la Universitatea Rutgers în 1964 pentru a se concentra asupra picturii sale. Lichtenstein a folosit vopsea în ulei și Magna (primii acrilici) în cele mai cunoscute lucrări ale sale, cum ar fi Drowning Girl (1963), care a fost preluată din povestea principală din Secret Hearts nr. 83 de la DC Comics. (Drowning Girl se află în prezent în Muzeul de Artă Modernă din New York.) Drowning Girl prezintă, de asemenea, contururi groase, culori îndrăznețe și puncte Ben-Day, ca și cum ar fi fost create prin reproducere fotografică. Despre propria sa operă, Lichtenstein avea să spună că expresioniștii abstracți „au pus lucrurile pe pânză și au răspuns la ceea ce au făcut, la pozițiile și dimensiunile culorilor. Stilul meu pare complet diferit, dar natura de a pune linii este cam aceeași; doar că ale mele nu arată caligrafic, ca cele ale lui Pollock sau Kline”.
Mai degrabă decât să încerce să reproducă subiecții săi, lucrările lui Lichtenstein au abordat modul în care mass-media îi prezintă. Cu toate acestea, el nu se lua niciodată prea în serios, spunând: „Cred că munca mea este diferită de benzile desenate – dar nu aș numi-o transformare; nu cred că ceea ce se înțelege prin aceasta este important pentru artă.” Atunci când lucrările lui Lichtenstein au fost expuse pentru prima dată, mulți critici de artă din acea vreme i-au contestat originalitatea. Lucrările sale au fost aspru criticate ca fiind vulgare și goale. Titlul unui articol din revista Life din 1964 întreba: „Este cel mai prost artist din SUA?”. Lichtenstein a reacționat la astfel de afirmații oferind răspunsuri precum următoarele: „Cu cât lucrarea mea este mai apropiată de original, cu atât conținutul este mai amenințător și mai critic. Cu toate acestea, opera mea este în întregime transformată în sensul că scopul și percepția mea sunt complet diferite. Cred că picturile mele sunt transformate din punct de vedere critic, dar ar fi dificil de dovedit acest lucru prin orice linie rațională de argumentare”. El a discutat despre experimentarea acestei critici dure într-un interviu acordat lui April Bernard și Mimi Thompson în 1986. Sugerând că uneori era dificil să fii criticat, Lichtenstein a spus: „Nu mă îndoiesc atunci când pictez de fapt, criticile sunt cele care te fac să te întrebi, într-adevăr.”
Cea mai celebră imagine a sa este, fără îndoială, Whaam! (1963, Tate Modern, Londra), unul dintre primele exemple cunoscute de artă pop, adaptat după un panou de benzi desenat de Irv Novick într-un număr din 1962 al revistei DC Comics All-American Men of War. Tabloul înfățișează un avion de vânătoare care trage o rachetă într-un avion inamic, cu o explozie roșie și galbenă. Stilul de desen animat este accentuat de utilizarea literelor onomatopeice „Whaam!” și de legenda casetată „Am apăsat comanda de foc… și în fața mea rachete au brăzdat cerul…”. Acest diptic este la scară mare, măsurând 1,7 x 4,0 m (5 ft 7 in x 13 ft 4 in). Whaam urmează temele bazate pe benzi desenate ale unora dintre picturile sale anterioare și face parte dintr-un corpus de lucrări cu tematică de război create între 1962 și 1964. Este unul dintre cele două tablouri mari notabile ale sale cu tematică de război. A fost achiziționat de Tate Gallery în 1966, după ce a fost expus la Leo Castelli Gallery în 1963, și (acum la Tate Modern) a rămas de atunci în colecția acesteia. În 1968, antreprenorul Karl Ströher din Darmstadt a achiziționat mai multe lucrări importante ale lui Lichtenstein, precum Nurse (1964), Compositions I (1964), We rose up slowly (1964) și Yellow and Green Brushstrokes (1966). După ce a fost împrumutat la Hessiches Landesmuseum Darmstadt timp de mai mulți ani, directorul fondator al Museum für Moderne Kunst Frankfurt, Peter Iden, a reușit să achiziționeze în 1981 un total de 87 de lucrări, în principal Pop Art și Minimal Art american, pentru muzeul aflat în construcție până în 1991.
Lichtenstein a început să experimenteze cu sculptura în jurul anului 1964, demonstrând un talent pentru această formă, care era în contradicție cu insistența plană a picturilor sale. Pentru Head of Girl (1964) și Head with Red Shadow (1965), a colaborat cu un ceramist care a sculptat forma capului din lut. Lichtenstein a aplicat apoi o glazură pentru a crea același tip de motive grafice pe care le folosea în picturile sale; aplicarea de linii negre și puncte Ben-Day pe obiectele tridimensionale a dus la o aplatizare a formei.
Majoritatea celor mai cunoscute lucrări ale lui Lichtenstein sunt copii relativ apropiate, dar nu exacte, ale panourilor de benzi desenate, un subiect pe care Lichtenstein l-a abandonat în mare parte în 1965, deși, ocazional, în deceniile următoare, va încorpora benzi desenate în lucrările sale în diferite moduri. Aceste panouri au fost desenate inițial de artiști de benzi desenate precum Jack Kirby și artiștii DC Comics Russ Heath, Tony Abruzzo, Irv Novick și Jerry Grandenetti, care au primit rareori vreun credit. Jack Cowart, directorul executiv al Fundației Lichtenstein, contestă ideea că Lichtenstein a fost un copist, spunând: „Munca lui Roy a fost o minune a formulelor grafice și a codificării sentimentelor care fuseseră elaborate de alții. Panourile au fost schimbate în ceea ce privește scara, culoarea, tratamentul și implicațiile lor. Nu există o copie exactă.” au criticat utilizarea de către Lichtenstein a imaginilor și pieselor de artă din benzile desenate, în special în măsura în care această utilizare a fost considerată ca o susținere a unei viziuni condescendente a benzilor desenate de către curentul artistic dominant; caricaturistul Art Spiegelman a comentat că „Lichtenstein nu a făcut nici mai mult nici mai puțin pentru benzile desenate decât a făcut Andy Warhol pentru supă.”
Lucrările lui Lichtenstein bazate pe panouri mărite din cărți de benzi desenate au generat o dezbatere pe scară largă cu privire la meritele lor ca artă. Lichtenstein însuși a recunoscut: „Copiez în mod nominal, dar de fapt reiau ceea ce am copiat în alți termeni. Făcând acest lucru, originalul capătă o textură total diferită. Nu este vorba de tușe groase sau subțiri, ci de puncte, culori plate și linii neclintite.” Eddie Campbell a scris pe blog că „Lichtenstein a luat o imagine minusculă, mai mică decât palma mâinii, imprimată cu cerneală în patru culori pe hârtie de ziar și a mărit-o la dimensiunea convențională la care se face și se expune „arta” și a terminat-o în vopsea pe pânză”. În ceea ce-l privește pe Lichtenstein, Bill Griffith a spus odată: „Există artă înaltă și există artă joasă. Și apoi există arta înaltă care poate lua arta joasă, o aduce într-un context de artă înaltă, și o poate însuși și o poate ridica în altceva.”
Deși lucrările lui Lichtenstein bazate pe benzi desenate au câștigat o oarecare acceptare, criticii își exprimă încă îngrijorarea, spunând că Lichtenstein nu a dat credit, nu a plătit drepturi de autor și nu a cerut permisiunea artiștilor originali sau a deținătorilor de drepturi de autor. Într-un interviu pentru un documentar BBC Four din 2013, Alastair Sooke l-a întrebat pe artistul de benzi desenate Dave Gibbons dacă îl consideră pe Lichtenstein un plagiator. Gibbons a răspuns: „Eu aș spune „imitator”. În muzică, de exemplu, nu poți să fluieri melodia altcuiva sau să interpretezi melodia altcuiva, oricât de prost ar fi, fără să dai cumva credit și să plătești artistul original. Adică, asta înseamnă „WHAAM! de Roy Lichtenstein, după Irv Novick”.” Sooke însuși susține că „Lichtenstein a transformat lucrarea lui Novick într-o serie de moduri subtile, dar cruciale”.
Fondatorul revistei, Ernesto Priego, conferențiar la City University London și doctorand la University College London, notează că faptul că Lichtenstein nu a dat credit creatorilor originali ai lucrărilor sale de benzi desenate a fost o reflectare a deciziei National Periodical Publications, predecesorul DC Comics, de a omite orice credit pentru scriitorii și artiștii săi:
Pe lângă faptul că întruchipează prejudecata culturală împotriva benzilor desenate ca vehicule de artă, exemple precum însușirea vocabularului benzilor desenate de către Lichtenstein evidențiază importanța luării în considerare a formatului de publicare atunci când se definesc benzile desenate, precum și economia politică implicată de anumite tipuri de publicații istorice, în acest caz, de cartea de benzi desenate americană. În ce măsură a fost National Periodical Publications (mai târziu DC) responsabilă pentru respingerea rolurilor lui Kanigher și Novick ca artiști de sine stătători, prin faptul că nu le-a acordat creditul de autor deplin pe publicația în sine?”
În plus, Campbell remarcă faptul că a existat o perioadă în care artiștii de benzi desenate refuzau adesea să își atribuie munca.
Într-o relatare publicată în 1998, Novick a declarat că l-a întâlnit pe Lichtenstein în armată în 1947 și, în calitate de ofițer superior, a răspuns la plângerile pline de lacrimi ale lui Lichtenstein cu privire la sarcinile umile care îi erau atribuite, recomandându-i un loc de muncă mai bun. Jean-Paul Gabilliet a pus sub semnul întrebării această relatare, spunând că Lichtenstein părăsise armata cu un an înainte de momentul în care Novick spune că a avut loc incidentul. Bart Beaty, observând că Lichtenstein și l-a însușit pe Novick pentru lucrări precum Whaam! și Okay Hot-Shot, Okay!, spune că povestea lui Novick „pare a fi o încercare de a-l diminua personal” pe artistul mai faimos.
În 1966, Lichtenstein a trecut de la mult-celebratele sale imagini de la începutul anilor 1960 și a început seria Modern Paintings, care include peste 60 de picturi și desene însoțitoare. Folosind punctele Ben-Day caracteristice și formele și liniile geometrice, Lichtenstein a creat imagini incongruente și provocatoare din structuri arhitecturale familiare, modele împrumutate din Art Déco și alte motive subtil evocatoare, adesea secvențiale. Seria de sculpturi moderne din 1967-8 a făcut referire la motive din arhitectura Art Déco.
Citește și, istorie – Biblioteca din Alexandria
Lucrări ulterioare
La începutul anilor 1960, Lichtenstein a reprodus capodopere ale lui Cézanne, Mondrian și Picasso înainte de a se lansa în 1965 în seria Brushstrokes. Lichtenstein a continuat să reviziteze această temă mai târziu în cariera sa cu lucrări precum Bedroom at Arles, care derivă din lucrarea lui Vincent van Gogh, Bedroom in Arles.
În 1970, Lichtenstein a fost însărcinat de către Muzeul de Artă al Comitatului din Los Angeles (în cadrul programului Artă și Tehnologie dezvoltat între 1967 și 1971) să realizeze un film. Cu ajutorul Universal Film Studios, artistul a conceput și a produs Three Landscapes, un film cu peisaje marine, în legătură directă cu o serie de colaje cu teme peisagistice pe care le-a creat între 1964 și 1966. Deși Lichtenstein plănuise să producă 15 scurtmetraje, instalația cu trei ecrane – realizată împreună cu cineastul independent Joel Freedman din New York – s-a dovedit a fi singura aventură a artistului în acest mediu.
Tot în 1970, Lichtenstein a cumpărat o fostă casă de trăsuri în Southampton, Long Island, și-a construit un studio pe proprietate și și-a petrecut restul anilor 1970 într-o relativă izolare. În anii 1970 și 1980, stilul său a început să se relaxeze și a extins ceea ce făcuse înainte. Lichtenstein a început o serie de picturi Mirrors (Oglinzi) în 1969. În 1970, în timp ce continua seria Oglinzilor, a început să lucreze pe tema antablamentelor. Entablatures a constat într-o primă serie de picturi din 1971-1972, urmată de o a doua serie în 1974-1976 și de publicarea unei serii de gravuri în relief în 1976. A realizat o serie de „Studiouri ale artiștilor” care au încorporat elemente din lucrările sale anterioare. Un exemplu notabil fiind Artist”s Studio, Look Mickey (1973, Walker Art Center, Minneapolis), care încorporează alte cinci lucrări anterioare, încadrate în scenă.
În timpul unei călătorii la Los Angeles, în 1978, Lichtenstein a fost fascinat de colecția de gravuri și cărți ilustrate ale avocatului Robert Rifkind. El a început să realizeze lucrări care împrumutau elemente stilistice găsite în picturile expresioniste. Copacul alb (1980) evocă peisajele lirice din Der Blaue Reiter, în timp ce Dr. Waldmann (1980) amintește de Dr. Mayer-Hermann (1926) al lui Otto Dix. Mici desene în creion colorat au fost folosite ca șabloane pentru xilogravuri, un mediu preferat de Emil Nolde și Max Pechstein, precum și de Dix și Ernst Ludwig Kirchner. De asemenea, la sfârșitul anilor 1970, stilul lui Lichtenstein a fost înlocuit cu lucrări mai suprarealiste, cum ar fi Pow Wow (1979, Ludwig Forum für Internationale Kunst, Aachen). O serie majoră de picturi suprarealist-pop din 1979-1981 se bazează pe teme native americane. Aceste lucrări variază de la Amerind Figure (1981), o sculptură stilizată în mărime naturală care amintește de un totem aerodinamic din bronz patinat negru, până la monumentala tapiserie din lână Amerind Landscape (1979). Lucrările „indiene” și-au preluat temele, ca și celelalte părți ale seriei suprarealiste, din arta contemporană și din alte surse, inclusiv din cărți despre designul indienilor americani din mica bibliotecă a lui Lichtenstein.
Picturile, sculpturile și desenele Still Life ale lui Lichtenstein, care se întind din 1972 până la începutul anilor 1980, acoperă o varietate de motive și teme, inclusiv cele mai tradiționale, cum ar fi fructele, florile și vasele. În 1983, Lichtenstein a realizat două postere anti-apartheid, intitulate simplu „Against Apartheid”. În seria „Reflection”, realizată între 1988 și 1990, Lichtenstein a refolosit propriile motive din lucrările anterioare. Interioare (1991-1992) este o serie de lucrări care înfățișează medii domestice banale, inspirate de reclame la mobilier pe care artistul le-a găsit în cărți de telefon sau pe panouri publicitare. După ce s-a inspirat din gravurile monocrome ale lui Edgar Degas prezentate într-o expoziție din 1994 la Metropolitan Museum of Art din New York, motivele din seria Peisaje în stil chinezesc sunt formate cu puncte Benday simulate și contururi de blocuri, redate în culori dure și vii, cu toate urmele mâinii eliminate. Nudul este un element recurent în lucrările lui Lichtenstein din anii 1990, cum ar fi în Colajul pentru nud cu cămașă roșie (1995).
Pe lângă picturi și sculpturi, Lichtenstein a realizat și peste 300 de gravuri, majoritatea în serigrafie.
Citește și, biografii – Alexander Pope
Comisioane
În 1969, Lichtenstein a fost însărcinat de Gunter Sachs să creeze Composition și Leda și lebăda, pentru dormitorul Pop Art al colecționarului de la Palace Hotel din St. Moritz. La sfârșitul anilor ”70 și în cursul anilor ”80, Lichtenstein a primit comenzi importante pentru lucrări în locuri publice: sculpturile Lamp (Lampada (Brushstrokes in Flight), înaltă de 26 de picioare (Brushstrokes in Flight), Muralul de cinci etaje cu Blue Brushstroke (Mural with Blue Brushstroke) și El Cap de Barcelona (1992) din Barcelona. În 1994, Lichtenstein a creat Muralul Times Square Mural din Times Square, cu o lungime de 53 de picioare, emailat pe metal, în stația de metrou Times Square. În 1977, a fost însărcinat de BMW să picteze o versiune de curse Group 5 a modelului BMW 320i pentru a treia tranșă din cadrul BMW Art Car Project. Logo-ul DreamWorks Records a fost ultimul său proiect finalizat. „Nu mă ocup cu așa ceva (un logo corporativ) și nu intenționez să mai fac așa ceva”, permite Lichtenstein. „Dar îi cunosc pe Mo Ostin și David Geffen și mi s-a părut interesant”.
Citește și, istorie – Operațiunea Furtună de august
Recunoaștere
Lichtenstein a primit numeroase titluri de Doctor Honoris Causa, printre altele, de la Universitatea George Washington (1996), Bard College, Royal College of Art (1993), Ohio State University (1987), Southampton College (1980) și California Institute of the Arts (1977). De asemenea, a făcut parte din consiliul de administrație al Brooklyn Academy of Music.
În 1949, Lichtenstein s-a căsătorit cu Isabel Wilson, care fusese căsătorită anterior cu artistul Michael Sarisky din Ohio. Cu toate acestea, iernile brutale din nordul statului au avut un impact asupra lui Lichtenstein și a soției sale, după ce acesta a început să predea la Universitatea de Stat din New York, la Oswego, în 1958. Cuplul a vândut casa familiei din Highland Park, New Jersey, în 1963 și a divorțat în 1965.
Lichtenstein s-a căsătorit cu cea de-a doua soție a sa, Dorothy Herzka, în 1968. În 1966, au închiriat o casă în Southampton, New York, pe care Larry Rivers o cumpărase la colțul casei sale. Trei ani mai târziu, au cumpărat o casă cu trăsură din 1910, cu fața la ocean, pe Gin Lane. Din 1970 și până la moartea sa, Lichtenstein și-a împărțit timpul între Manhattan și Southampton. A avut, de asemenea, o casă pe Insula Captiva.
În 1991, Lichtenstein a început o relație cu cântăreața Erica Wexler, care a devenit muza pentru seria Nuduri, inclusiv pentru „Nuduri cu minge de plajă” din 1994. Ea avea 22 de ani, iar el 68 de ani. Relația a durat până în 1994 și s-a încheiat când Wexler a plecat în Anglia cu viitorul soț Andy Partridge de la XTC. Potrivit lui Wexler, Lichtenstein și soția sa, Dorothy, aveau o înțelegere și amândoi aveau alte persoane importante pe lângă căsnicia lor.
Lichtenstein a murit din cauza unei pneumonii la 29 septembrie 1997 la New York University Medical Center, unde fusese spitalizat timp de mai multe săptămâni, cu patru săptămâni înainte de a împlini 74 de ani. I-au supraviețuit cea de-a doua soție, Dorothy Herzka, și fiii săi, David și Mitchell, din prima căsătorie.
Pop art continuă să influențeze secolul XXI. Lichtenstein și Andy Warhol au fost folosiți în turneul PopMart al trupei U2 din 1997, 1998 și într-o expoziție din 2007 la British National Portrait Gallery.
Printre multe alte opere de artă pierdute în atacurile de la World Trade Center din 11 septembrie 2001, un tablou din seria „The Entablature” a lui Lichtenstein a fost distrus în incendiul care a urmat.
Lucrarea sa „Crying Girl” a fost una dintre operele de artă aduse la viață în „Noaptea la muzeu”: Bătălia de la Smithsonian.
În 1964, Lichtenstein a devenit primul american care a expus la Tate Gallery, Londra, cu ocazia expoziției „”54-”64: Pictura și sculptura unui deceniu”. În 1967, prima sa expoziție retrospectivă de muzeu a avut loc la Muzeul de Artă Pasadena din California. În același an, prima sa expoziție personală în Europa a avut loc la muzee din Amsterdam, Londra, Berna și Hanovra. Lichtenstein a participat ulterior la documentas IV (1968) și VI în (1977). Lichtenstein a avut prima sa retrospectivă la Muzeul Guggenheim în 1969, organizată de Diane Waldman. Guggenheim a prezentat o a doua retrospectivă Lichtenstein în 1994. Lichtenstein a devenit primul artist în viață care a avut o expoziție personală de desen la Muzeul de Artă Modernă în perioada martie – iunie 1987. Printre retrospectivele recente se numără: „All About Art” din 2003, Louisiana Museum of Modern Art, Danemarca (care a fost itinerată apoi la Hayward Gallery, Londra, Museo Reina Sofia, Madrid, și San Francisco Museum of Modern Art, până în 2005); și „Classic of the New”, Kunsthaus Bregenz (2005), „Roy Lichtenstein: Meditations on Art” Museo Triennale, Milano (2010, a călătorit la Museum Ludwig, Köln). La sfârșitul anului 2010, The Morgan Library & Museum a expus „Roy Lichtenstein: The Black-and-White Drawings, 1961-1968. O altă retrospectivă majoră a fost deschisă la Art Institute of Chicago în mai 2012, înainte de a merge la National Gallery of Art din Washington, Tate Modern din Londra și Centre Pompidou din Paris în 2013. 2013: Roy Lichtenstein, Olyvia Fine Art. 2014: Roy Lichtenstein: Intimate Sculptures, The FLAG Art Foundation. Roy Lichtenstein: Opera Prima, Galeria Civică de Artă Modernă și Contemporană, Torino. 2018: Expoziție la Tate Liverpool, Merseyside, Regatul Unit.
În 1996, National Gallery of Art din Washington, D.C. a devenit cel mai mare depozitar al operei artistului, când Lichtenstein a donat 154 de gravuri și 2 cărți. Institutul de Artă din Chicago deține în colecția sa permanentă mai multe lucrări importante ale lui Lichtenstein, printre care Brushstroke with Spatter (1966) și Mirror No. 3 (Six Panels) (1971). Colecțiile personale ale văduvei lui Lichtenstein, Dorothy Lichtenstein, și ale Fundației Roy Lichtenstein se numără cu sutele. În Europa, Museum Ludwig din Köln deține una dintre cele mai cuprinzătoare colecții Lichtenstein cu Takka Takka (1962), Nurse (1964), Compositions I (1964), pe lângă Museum für Moderne Kunst din Frankfurt cu We rose up slowly (1964) și Yellow and Green Brushstrokes (1966). În afara Statelor Unite și a Europei, colecția Kenneth Tyler a National Gallery of Australia deține un fond extins de gravuri ale lui Lichtenstein, care numără peste 300 de lucrări. În total, se crede că sunt în circulație aproximativ 4.500 de lucrări.
După moartea artistului în 1997, în 1999 a fost înființată Fundația Roy Lichtenstein. În 2011, consiliul de administrație al fundației a decis că beneficiile autentificării erau depășite de riscurile unor procese prelungite.
La sfârșitul anului 2006, fundația a trimis o felicitare de sărbători cu o fotografie a tabloului Electric Cord (1961), o pictură care dispăruse din 1970, după ce fusese trimisă de Galeria Leo Castelli restauratorului de artă Daniel Goldreyer. Pe felicitare se îndemna publicul să raporteze orice informație despre locul unde se află. În 2012, fundația a autentificat lucrarea atunci când aceasta a apărut într-un depozit din New York City.
Între 2008 și 2012, în urma decesului fotografului Harry Shunk în 2006, Fundația Lichtenstein a achiziționat colecția de materiale fotografice realizate de Shunk și de János Kender, precum și drepturile de autor ale fotografilor. În 2013, fundația a donat trocul Shunk-Kender către cinci instituții – Getty Research Institute din Los Angeles, Muzeul de Artă Modernă din New York, National Gallery of Art din Washington, Centrul Pompidou din Paris și Tate din Londra – care vor permite fiecărui muzeu să aibă acces la partea celorlalți.
Începând cu anii 1950, lucrările lui Lichtenstein au fost expuse la New York și în alte părți, cu Leo Castelli la galeria sa și la Castelli Graphics, precum și cu Ileana Sonnabend în galeria sa din Paris, precum și la Ferus Gallery, Pace Gallery, Gagosian Gallery, Mitchell-Innes & Nash, Mary Boone, Brooke Alexander Gallery, Carlebach, Rosa Esman, Marilyn Pearl, James Goodman, John Heller, Blum Helman, Hirschl & Adler, Phyllis Kind, Getler Pall, Condon Riley, 65 Thompson Street, Holly Solomon și Galeriile Sperone Westwater, printre altele. Galeria Leo Castelli l-a reprezentat pe Lichtenstein în exclusivitate din 1962, când o expoziție personală a artistului s-a vândut înainte de deschidere.
Începând din 1962, Leo Castelli Gallery din New York a organizat expoziții regulate ale lucrărilor artistului. Galeria Gagosian expune lucrări ale lui Lichtenstein din 1996.
Big Painting No. 6 (1965) a devenit lucrarea lui Lichtenstein cu cel mai mare preț în 1970. La fel ca întreaga serie Brushstrokes, subiectul picturii este procesul de pictură expresionistă abstractă prin intermediul pensulațiilor ample și a picurilor, dar rezultatul simplificării lui Lichtenstein, care folosește un fundal cu puncte Ben-Day, este o reprezentare a reproducerii mecanice industriale a imprimării coloristice.
Pictura lui Lichtenstein Torpedo … Los! (1963) a fost vândut la Christie”s pentru 5,5 milioane de dolari în 1989, o sumă record la acea vreme, fiind unul dintre cei trei artiști în viață care au atras astfel de sume uriașe. În 2005, tabloul In the Car a fost vândut pentru suma record de atunci de 16,2 milioane de dolari (10 milioane de lire sterline).
În 2010, tabloul său Ohhh…Alright… din 1964, în stil de desen animat, care fusese deținut anterior de Steve Martin și mai târziu de Steve Wynn, a fost vândut cu suma record de 42,6 milioane de dolari (26,7 milioane de lire sterline) în cadrul unei vânzări la casa Christie”s din New York.
Bazat pe un desen din 1961 al lui William Overgard pentru un desen animat al lui Steve Roper, Lichtenstein”s I Can See the Whole Room…and There”s Nobody in It! (1961) înfățișează un bărbat care se uită printr-o gaură într-o ușă. A fost vândut de colecționarul Courtney Sale Ross pentru 43 de milioane de dolari, dublu față de estimarea sa, la casa Christie”s din New York în 2011; soțul vânzătoarei, Steve Ross, îl achiziționase la licitație în 1988 pentru 2,1 milioane de dolari. Tabloul măsoară 1,5 metri pe 1,5 metri și este realizat în grafit și ulei.
Tabloul comic Sleeping Girl (1964) din colecția lui Beatrice și Phillip Gersh a stabilit un nou record Lichtenstein de 44,8 milioane de dolari la Sotheby”s în 2012.
În octombrie 2012, tabloul său Electric Cord (1962) a fost restituit văduvei lui Leo Castelli, Barbara Bertozzi Castelli, după ce a dispărut timp de 42 de ani. Castelli trimisese tabloul la un restaurator de artă pentru a fi curățat în ianuarie 1970 și nu l-a mai primit înapoi. El a murit în 1999. În 2006, Fundația Roy Lichtenstein a publicat o imagine a tabloului pe felicitarea sa de sărbători și a cerut ajutorul comunității artistice pentru a-l găsi. Pictura a fost găsită într-un depozit din New York, după ce fusese expusă în Bogota, Columbia.
În 2013, tabloul Femeie cu pălărie înflorată a stabilit un alt record, de 56,1 milioane de dolari, fiind cumpărat de bijutierul britanic Laurence Graff de la investitorul american Ronald O. Perelman.
Această cifră a fost depășită în 2015 prin vânzarea lui Nurse pentru 95,4 milioane de dolari la o licitație organizată de Christie”s.
În ianuarie 2017, Masterpiece a fost vândut pentru 165 de milioane de dolari. Veniturile din această vânzare vor fi folosite pentru a crea un fond pentru reforma justiției penale.
Citește și, biografii – Eratostene
Bibliografie
Biografic:
Lucrări:
Altele:
sursele
