Jasper Johns
gigatos | februarie 12, 2022
Rezumat
Jasper Johns (Augusta, 15 mai 1930) este un pictor și sculptor american, considerat unul dintre principalii exponenți ai Noului Dada, alături de artistul Robert Rauschenberg.
Citește și, biografii – Rudolf Nuriev
Primii ani
Johns s-a născut în 1930 în Augusta, Georgia, dar a crescut în Allendale, Carolina de Sud, cu bunicii și unchii săi, în urma divorțului părinților săi. În legătură cu această perioadă a vieții sale, avea să spună mai târziu: „Acolo unde am crescut nu existau artiști și nu exista artă, așa că nu știam cu adevărat ce înseamnă. Am crezut că înseamnă că voi fi într-o situație diferită de cea în care eram. Într-un interviu acordat la începutul anilor 1960, el povestește că la vârsta de trei ani a început să deseneze și nu s-a mai oprit niciodată, iar la vârsta de cinci ani a decis să devină artist. A studiat în Columbia (Carolina de Sud) până în al patrulea an de școală primară, apoi s-a mutat între state împreună cu mama, tatăl vitreg și frații vitregi, terminând studiile superioare în Sumter (Carolina de Sud). Între 1947 și 1948 a urmat cursurile Universității din Carolina de Sud pentru un total de trei semestre, apoi, la invitația profesorilor săi de artă, s-a mutat la New York, unde a studiat la Parsons School of Design pentru un semestru în 1949. A lucrat apoi ca curier și vânzător.
Citește și, istorie – Războiul ciudat
1950s
La începutul anilor ”50, Johns a servit în armată și a fost trimis pe câmpul de luptă din Sendai, Japonia, în timpul Războiului din Coreea, revenind la New York în 1953. S-a întors la New York în 1953. Cu o bursă pentru veterani, s-a înscris la Hunter College, dar, după un accident în prima zi, a abandonat studiile. Între 1953 și 1954 a lucrat la Marboro Books. Datorită scriitoarei Suzi Gablick, l-a cunoscut pe artistul Robert Rauschenberg, cu care a dezvoltat o prietenie și o influență artistică de lungă durată. În 1954, Johns i-a întâlnit pe compozitorii Morton Feldman și John Cage (cu care s-a întors în Japonia câțiva ani mai târziu) și pe dansatorul și coregraful Merce Cunningham.
Spre mijlocul deceniului, artistul a decis să distrugă toate lucrările sale anterioare (le cumpăra chiar și pe cele pe care le vânduse pentru a scăpa de ele) și doar patru dintre ele au reușit să supraviețuiască: această acțiune a corespuns începutului unei noi perioade pentru artist, a unei schimbări radicale și a unei renașteri. Astfel, a conceput un stil artistic original și personal, în contrast cu stilul gestual și energic al așa-numitului expresionism abstract, care va contribui la nașterea unor mișcări precum Pop Art, Minimalismul și Arta Conceptuală. Astfel, a realizat prima Țintă cu patru fețe, prima serie de numere 1, 2, 5 și 7 și primul Steag alb, care a fost urmat de-a lungul anilor de numeroase alte versiuni descompuse, inversate, multiplicate sau desaturate sub formă de picturi, gravuri și desene. Folosește icoane și subiecte clare și impersonale pentru a se concentra asupra tehnicii de realizare și de prelucrare manuală a lucrării.
În 1955, el și Rauschenberg au înființat compania Matson Jones – Custom Display, în cadrul căreia au lucrat ca designeri de vitrine, de exemplu pentru Tiffany&Co și Bonwit Teller în anul următor. Steagul alb a fost expus ca parte a uneia dintre aceste expoziții.
În mai 1957, Johns a participat la o expoziție de grup la Galeria Leo Castelli, iar în 1958 și-a expus din nou lucrările în cadrul unei expoziții personale la aceeași galerie. Alfred Barr, primul director al MoMA – Muzeul de Artă Modernă din New York, a fost impresionat de „Target with Plaster Casts” (1955), chiar dacă a făcut obiectul unor dezbateri și critici înainte de a fi expusă, deoarece a fost considerată prea provocatoare pentru a fi expusă într-un muzeu. Muzeul din New York a cumpărat trei dintre lucrările artistului. Target with Four Faces a apărut pe coperta cunoscutei reviste Artnews. În 1958, lucrările lui Johns au fost expuse pentru prima dată în Europa cu ocazia celei de-a 29-a ediții a Bienalei de la Veneția. Artistul a început să își lase amprenta pe scena artistică americană și europeană; în 1959 a expus la Paris și Milano. Tot în 1958, a creat primele sale sculpturi din metal, Flashlight I și Lightclub I.
După succesul expoziției sale personale din 1958 de la Castelli”s, Johns a decis să se angajeze pe o nouă cale, care a început cu False Start (1959), în care artistul a trecut de la encaustică la pictura în ulei în favoarea unei tușe mai multe straturi și mai inconstante. Barr a fost nedumerit de această nouă lucrare, deoarece distribuția culorilor era foarte asemănătoare cu arta expresionistă abstractă, căreia Johns îi fusese întotdeauna ostil.
Citește și, biografii – Guy Fawkes
Anii șaizeci
La începutul anilor 1960, artistul a început să se intereseze de motivul hărții Statelor Unite (care a făcut, de asemenea, obiectul mai multor versiuni ulterioare, cum ar fi steagul) și de tema amprentelor corpului uman; de asemenea, a început să lucreze cu bronz în sculptură. În 1961, a călătorit pentru prima dată în Europa, când lucrările sale au fost expuse la Galerie Rive Droite din Paris, iar mai târziu a participat la expoziția Le Nouveau Réalisme à Paris et à New York, organizată la aceeași galerie. Spre deosebire de perioada sa anterioară, arta sa devine mai autobiografică, mai complexă și mai dezorientată. În multe tablouri a folosit intensiv culoarea gri (tot ca un omagiu adus pictorului René Magritte), ca de exemplu în Canvas (1956) și Gray Alphabets (1956), în care domină un nivel de expresie melancolică.
În lucrările din acest deceniu a inclus mai des linii, scări de culoare sau termometre care transmiteau ideea de măsurare, așa cum se poate vedea în Periscope (1963). În acești ani a colaborat cu scriitorul și curatorul de artă Frank O”Hara, cu care a organizat o colecție de imagini și poezii și a citat unul dintre poemele sale în In Memory of My Feelings – Frank O”Hara (1961). În 1963 a participat la expoziția Pop Art USA de la Oakland Art Museum din California și a devenit unul dintre directorii fondatori ai Foundation for Contemporany Performance Arts Inc. În 1964 a creat cea mai mare lucrare a sa de până acum, care, potrivit lui Kirk Varnedoe, constituie un compendiu al tuturor lucrărilor sale de artă.
În același an, a organizat o retrospectivă cu peste 170 de lucrări ale sale la Muzeul Evreiesc din New York, care a fost apoi repetată în Anglia și California, și a participat la cea de-a XXXII-a Bienală de la Veneția și la Documenta III de la Kassel. În cele din urmă, în 1964, de Ziua Drapelului, comerciantul de artă Leo Castelli a decis să îi ofere președintelui John Kennedy o versiune în bronz a operei Flag (1960), o alegere pe care Johns a considerat-o oribilă, deoarece a văzut-o ca pe o instrumentalizare a artei sale. În 1969, artistul a publicat „Thoughts on Duchamp” în Art in America, iar mai târziu a primit o diplomă onorifică în clasici de la Universitatea din Carolina de Sud. La sfârșitul deceniului, istoricul de artă Max Kozloff a publicat o monografie despre el, intitulată Jasper Johns.
Citește și, biografii – Paavo Nurmi
1970s
Între 1974 și 1982, așa-numitele hașurări încrucișate au devenit modelul principal al picturilor sale. Apare pentru prima dată în Untitled (1972), dar este cel mai bine reprezentată de Scent (1973-1974), în care se manifestă interesul crescând al artistului pentru tehnicile grafice, combinate în această lucrare cu teme legate de sexualitate și moarte. Aceleași teme se regăsesc și în următoarea sa lucrare, Between the Clock and the Bed (1981), inspirată de tabloul cu același nume al lui Edvard Munch. În 1973, se întâlnește la Paris cu dramaturgul Samuel Beckett pentru a discuta despre o posibilă colaborare la realizarea cărții de artă Foirades.
În a doua jumătate a deceniului, a organizat o retrospectivă majoră la Whitney Museum din New York, care a fost ulterior reprodusă la Köln, Paris, Londra, Tokyo și San Francisco. Ulterior, muzeul newyorkez a cumpărat Three Flags cu un milion de dolari, cea mai mare sumă plătită până atunci pentru un artist american în viață, iar în anii ”80 lucrările lui Johns vor atinge constant prețuri foarte mari. În 1978 a fost ales academician de onoare al Accademia delle arti del disegno din Florența (apoi academician emerit în 1987 și 1993). Între 1979 și 1981, a revenit la utilizarea în creațiile sale a unor obiecte precum cuțite, furculițe și linguri și a început să fie interesat de noi forme de reprezentare obiectivă, cum ar fi motivele tantrice.
Citește și, biografii – Jeff Koons
1980s
Începând cu anii 1980, lucrările sale au început să fie caracterizate de o puternică abordare psihologică și privată, așa cum se poate observa, de exemplu, în In the Studio (1982), Perilous Night (1982) și Racing Thoughts (1983), în care artistul face referire la o tulburare mentală care l-a afectat în această perioadă. Stilul său de pictură s-a schimbat, de asemenea, prin introducerea imaginilor cu dublă lectură, a citatelor din alți artiști și a efectelor trompe l”œil. Între 1980 și 1982 a devenit membru al Academiei Regale de Arte Frumoase din Stockholm și al Academiei Americane de Arte și Științe din Boston. Între 1985 și 1986 a pictat Patru anotimpuri, recunoscute în mod tradițional ca fiind vârstele vieții, pe care le-a expus pentru prima dată la galeria Leo Castelli de pe West Broadway și care au câștigat ulterior marele premiu la Bienala de la Veneția din 1988. În 1989, a fost numit cel de-al 38-lea membru al South Carolina Hall of Fame, un premiu rezervat celor mai ilustre personalități din țara sa, și a fost inclus în Academia Americană de Arte și Litere. El este, de asemenea, subiectul documentarului Jasper Johns: Ideas in Paint de Rick Tejada-Flores (1989).
Citește și, istorie – Bolșevic
Ultimii ani
În anii ”90 a fost distins cu diverse premii, inclusiv cu Medalia Națională a Artelor, care i-a fost înmânată la Casa Albă de către președintele american George Bush în 1990. A organizat mai multe expoziții: o retrospectivă la MoMA din New York, cu opriri ulterioare la Köln și Tokyo (1996-1997), Jasper Johns: New Paintings and Works on Paper la San Francisco Museum of Modern Art, urmată de expoziții la Yale University Art Gallery și la Museum of Art din Dallas (1999), o expoziție la Walker Art Center, care a continuat în alte centre din Statele Unite, Spania, Scoția și Irlanda (2003) și, în cele din urmă, Jasper Johns: Prints from the Low Road Studio la Galleria di Castelli (2004).
La sfârșitul secolului, se deschide o nouă etapă a picturii sale, care tinde spre „golirea” suprafeței picturale, lucru care se poate observa, de exemplu, în seria Catenary (1999), în care titlul catenary indică curba creată de efectul gravitațional al unei sârme fixate la capete, astfel încât în diferitele lucrări sârmele, reale sau pictate, traversează suprafața și sunt singurul subiect din pânză. În ultimii ani, Johns s-a retras mai ales la Sharon (Connecticut) și pe insula Saint Martin din Indiile de Vest franceze, unde deține un studio construit pentru el de arhitectul Philip Johnson.
Există mai multe moduri de a încadra artistul. În primul rând, Johns este considerat unul dintre principalii exponenți ai New Dada, o mișcare artistică americană care se referă la arta Dada de la începutul secolului și care, la fel ca aceasta, introduce în opera de artă așa-numitele ready-made-uri duchampiane (adică obiecte preluate din realitate). Acest curent este, de asemenea, foarte apropiat de Nouveau Réalisme francez contemporan, în care sunt folosite obiecte preluate din cea mai banală viață cotidiană. Includerea ready-made-ului în lucrare este, prin urmare, și o soluție la problema reprezentării realului și a obișnuitului. Artistul însuși spune că creațiile sale conțin obiecte pe care le poți privi, dar pe care nu le poți vedea.
Folosirea unor obiecte slab manipulate, care sunt pur și simplu inserate în lucrare, este legată și de faptul că Johns respinge arta expresionismului abstract și, prin urmare, intenționează să reducă la minimum componenta gestuală a intervenției sale, favorizând aspectele formale și constitutive ale imaginii în sine. Această poziție ostilă se manifestă deja în lucrarea Target with Plaster Casts, în care prezența mulajelor de părți ale corpului uman ar putea face aluzie la presupusa opoziție dintre arta „abstractă” și cea „figurativă”. Pictura cu două bile acționează, de asemenea, ca un atac la mitul picturii americane legat de generația unor artiști precum Jackson Pollock și Willem de Kooning: cele două bile pictate fac aluzie, de fapt, la o descriere ironică a lui însuși, împotriva virilității tipice etalate în mod teatral de alți artiști americani.
În cele din urmă, este considerat artistul care a inițiat Pop Art, dar fără să fie conștient de acest lucru.
O altă caracteristică a artei sale este că lasă deschisă problema distincției sau a legăturii dintre realitate și reprezentare, dintre imaginea reală și imaginea pictată; de fapt, multe dintre lucrările sale, începând cu Steaguri, se caracterizează printr-o prezentare detașată și tautologică a unui obiect comun ale cărui granițe coincid cu limitele pânzei. Ceea ce contează pentru artist este intensitatea cu care ceea ce se știe deja despre obiect influențează ceea ce vedem în el; el însuși nu are nevoie de un model pentru a picta un steag sau o țintă, deoarece ideea pe care o are despre obiect în minte este suficientă. Astfel, lucrările sale cu steaguri, litere sau ținte, în special, joacă pe ambivalența dintre obiectul în sine și reprezentarea acestuia. Foarte des, când se referă la steagurile sale, el pune întrebarea retorică: „Este un steag sau o pictură?”.
Citește și, biografii – Tahmasp I
Encaustic
Encaustica este o tehnică pe care artistul o folosește adesea pentru a-și crea lucrările. Aceasta datează din Egiptul antic și constă în amestecarea pigmenților și a cerii topite în ceea ce se numește encausticare, la care Johns adaugă de obicei bucăți de țesătură sau decupaje din ziare. Rezultatul final se apropie de figurativ, dar păstrează urme vizibile ale manipulării artistului, ale țesăturii țesăturilor sau ale textelor tipărite pe hârtie, permițând lucrării să se deschidă către multiple niveluri de interpretare între prezentarea și reprezentarea unei imagini. Suprafața lucrărilor este seducătoare și fascinantă, dar și nouă, originală și actuală în contextul artei americane din anii în care Johns le-a folosit.
În mod tradițional, așa-numita ceară punică folosită pentru pictura encaustică se obține prin fierberea cerii fierbinți în apă de mare, la care se adaugă apă, var stins și clei; amestecul dizolvat în apă și încă fierbinte se toarnă peste vopsea și se amestecă imediat, se întinde pe lucrare, se lasă să se usuce și, în cele din urmă, se încălzește din nou pentru a permite pigmenților să reiasă la suprafață. Această tehnică permite adăugarea oricărui tip de pigment și nu necesită un timp de execuție foarte scurt; este, de asemenea, de lungă durată, deoarece ceara nu este supusă oxidării.
Citește și, batalii – Bătălia de la Grunwald
Lucrări
sursele
