Simone Martini

Resumo

Simone Martini (Siena, c.1284 – Avignon, 1344) era uma pintora italiana e uma das maiores figuras da pintura Sienesa medieval. Ao longo da sua vida foi encarregado pelos círculos mais altos, foi o primeiro ”artista da corte” em Siena para o Conselho dos Nove, pintou uma série de frescos na igreja mais importante da Ordem Franciscana em Assis, foi encarregado pelo Reino de Nápoles e mais tarde trabalhou na corte papal. Deixou de ser um pintor local para se tornar um artista de renome internacional. Ele e o seu círculo de estudantes transmitiram importantes modelos pictóricos que foram explorados por muitos outros artistas europeus e escolas inteiras de pintura.

Pouco se sabe sobre a vida e personalidade de Simone Martini. Giorgio Vasari, no seu livro “Os mais distintos pintores, escultores e arquitectos”, descreveu a sua história de vida juntamente com a de vários outros pintores toscanos, mas a informação contida no livro é imprecisa. Vasari nem sequer sabia exactamente o seu nome, chamando-lhe Simone Memmi, confundindo-a com o seu cunhado Lippo Memmi. Nenhum documento sobrevive durante os primeiros quase trinta anos da sua vida. Nasceu em Siena ou não muito longe da cidade por volta de 1284. O seu pai trabalhava como assistente de pintor, ajudando a preparar os frescos. Estudou provavelmente no atelier de Duccio di Buoninsegna e tornou-se um artista reconhecido antes de 1315. Entre 1312 e 1315, fez desenhos para os vitrais da Capela de São Martinho, na basílica de São Francisco, em Assis. Em 1315, pintou a Maesta na câmara municipal do Palazzo Pubblico (Câmara Municipal) em Siena, e depois trabalhou nos frescos da Capela de São Martinho em Assis. A sua fama cresceu rapidamente e em 1317, pouco depois do seu trigésimo aniversário, foi convidado para a corte dos Angevins em Nápoles, onde recebeu um estipêndio anual e foi nomeado cavaleiro. Isto é atestado por uma ordem de pagamento datada de 23 de Julho de 1317, onde ele é referido como cavaleiro e não como pintor. No final da primeira e início da segunda década do século XIV produziu uma série de quadros de painel, mas apenas dois deles podem ser datados, o mais importante dos quais é o quadro assinado para a igreja de Santa Catarina de Alexandria em Pisa, pintado em 1319, e o outro é o retábulo agora em Orvieto, a partir de 1320. Nenhuma outra obra destes anos sobreviveu, pelo que na ausência de fontes não é possível identificar quais das muitas obras foram suas e quais foram feitas pelos seus assistentes. Na segunda década do século XIV, ele já tinha vários seguidores a trabalhar na sua oficina. Apenas o seu irmão Donato e os seus últimos cunhados Lippo e Federico Memmi são conhecidos pelo nome. Na década de 1320, recebeu numerosas comissões em Siena, como atestam os documentos sobreviventes, que geralmente se referem às somas pagas ao artista. Em 1321 teve de repintar parte do Maestà, e em 1322 e 1323 recebeu várias comissões para decorar o Palazzo Pubblico. Estas obras foram destruídas, e não é possível determinar a partir de documentos quais foram estas comissões. Em 1324 casou com a filha de Memmo di Filippuccio, Giovanna. O pintor era então um homem rico, e pouco antes do seu casamento comprou uma casa e deu à sua esposa um presente de casamento de 240 moedas de ouro como presente de casamento. Ao casar-se com a família Memmo, ele e Lippo Memmo tornaram-se ainda mais próximos, uma relação que durou o resto da sua vida. O retábulo do Beato Augusto de Tarano na igreja de Santo Agostinho em Siena e o painel de São Lázaro, o rei húngaro, que se destinava à veneração privada, foram provavelmente pintados nos anos 1320. Em 1326 pintou um painel para o Palazzo del Capitano del Popolo. Foi uma obra importante, como se pode deduzir do montante considerável pago ao artista por ela, mas não existe qualquer outra informação disponível. No ano seguinte, pintou duas bandeiras, que foram entregues à República de Siena]]. O Rei Robert de Nápoles apresentou-o ao seu filho, o Príncipe Carlos da Calábria. Em 1329 ou 1330, pintou dois anjos para o Palazzo Pubblico e aí pintou o retrato de Marco Regoli, que mais tarde foi executado por traição. Estes frescos são também conhecidos apenas a partir das fontes. A obra mais popular de Martini, o retrato de Guidoriccio da Folignano, foi também pintada em 1330. Em 1333, pintou a sua obra para a catedral de Siena, intitulada The Angelic Salutation, a sua última obra conhecida antes de se mudar para Avignon. A arte sienense também se espalhou através das miniaturas. É-lhe atribuído um missal belamente ilustrado na biblioteca do Vaticano, assim como a grande aguarela e miniatura de têmpera diluída que pintou para um códice propriedade da Petrarch (agora na Biblioteca Ambrosiana em Milão). Das suas obras durante a sua estadia em Avignon, apenas alguns fragmentos de frescos sobrevivem na igreja de Notre-Dame-des-Doms, uma representação da Sagrada Família na Galeria de Arte Walker em Liverpool (1342), e peças de um retábulo em várias partes em Antuérpia, Paris e Berlim. Simone Martini morreu em Avignon no Verão de 1344. Ele não tinha filhos seus, por isso no seu testamento dividiu a sua propriedade (duas casas, vinhas e uma soma considerável de dinheiro) entre a sua esposa, as suas duas sobrinhas Francesca e Giovanna e os filhos do seu irmão Donato. A sua esposa provavelmente regressou a Siena em 1347 para escapar à peste.

Simone Martini era uma seguidora de Duccio di Buoninsegna, e provavelmente aprendeu a sua arte como pintora no seu ambiente. Também estava familiarizado com as inovações de Giotto, mas conscientemente absteve-se de as utilizar. Ele era próximo da arte gótica francesa, cujas linhas elegantes são reconhecíveis nas suas obras. Graças a ele, a escola de Sienese gozava de uma breve reputação maior do que a de Florença. Trabalhou em Assis, Nápoles, Roma e no Palácio Papal em Avignon. Fora das comissões oficiais da República, trabalhou pouco em Siena, e muito mais para os Anjou de Nápoles. Através do seu trabalho em Avignon, as características da pintura Sienese, com a sua composição e coloração de estilo bizantino, e as suas linhas góticas ocidentais, espalharam-se primeiro por França e mais tarde por outras partes da Europa. Este estilo pode ser visto como um precursor directo do gótico internacional. Para além dos seus frescos, produziu também um grande número de pinturas de painel, e estes painéis de madeira facilmente transportáveis foram um factor importante na propagação da sua reputação por grandes áreas e na posterior popularização do estilo Sienese por toda a Europa. Utilizou frequentemente fundos de ouro, que não foram afectados pelas novas realizações em representação espacial. Em muitos casos, utilizou uma ferramenta metálica com uma extremidade gravada para imprimir motivos florais e outros motivos decorativos sobre o fundo dourado, marcando as molduras, as glórias ou a bainha das peças de vestuário. É no trabalho de Simone Martini que primeiro observamos a representação individualista dos seus retratos na pintura medieval. Exemplos disto são o retrato em perfil do Rei Robert de Nápoles ou a figura do Cardeal Gentile da Montefiore na Capela de São Martinho.

Simone Martini provavelmente criou as suas primeiras obras em Siena no início do século XIV. A sua primeira obra conhecida é a Madonna com Criança, na Galeria de Imagens de Siena (n.º 583), que foi a peça central de uma pintura de vários painéis, como indicado pelos furos feitos na moldura. A Madonna está de frente para o espectador, a sua postura é erecta e o seu manto cobre bem o seu corpo. Estas características são atribuíveis à arte de Duccio, mas a pintura também mostra as inovações de Martini, tais como a forma característica do xaile que cobre a cabeça da Madonna, as luzes e sombras nas roupas das figuras, o movimento da Criança ao virar-se para enfrentar a santa (agora perdida) à sua direita, o seu cabelo encaracolado e as suas orelhas perfeitamente esculpidas. Outra das suas primeiras obras foi descoberta na igreja de San Lorenzo em Ponte, em San Gimignano, e a investigação sugere que foi pintada entre 1311 e 1314. Esta é uma imagem da Madonna, mas apenas a face da figura pode ser considerada como sendo a obra de Simone Martini, pois em 1413 Cenni di Francesco repintou quase todo o fresco. Apesar do estado extremamente pobre do fresco, a representação do rosto da Madonna junto às luzes e as restantes dobras do manto fazem lembrar a Galeria de Imagens da Madonna de Sienese. Também se encontra em Siena a sua pintura da Virgem da Misericórdia, que pode ter sido pintada durante o mesmo período. Mesmo nesta pintura, as características estilísticas de Duccio são reconhecíveis, especialmente na disposição das figuras sob o manto de Maria, mas a inovação de Martini é o sentido de espaço que separa as figuras, a figura animada de Maria e as dobras do seu manto.

O Maestà

A sua primeira grande missão foi na sua cidade natal. A construção do Palazzo Pubblico foi concluída no início do século XIV, e ele pintou a Madonna, a protectora da cidade, na câmara municipal dentro do edifício em 1315, na companhia de santos e anjos, apenas quatro anos depois de Duccio ter terminado o retábulo na catedral. Segue-se que Simone Martini já era um mestre de renome nesta altura, caso contrário Duccio, e não Simone Martini, teria sido encarregada de criar uma obra tão importante. Aqui a Madona já não é uma figura semi-bizantina, mas usa uma coroa como as Madonas francesas. No seu colo, a criança Jesus segura uma bênção numa mão e um pergaminho na outra. São Pedro, São Paulo, João Baptista e João Evangelista estão a segurar um grande dossel colorido, cuja cortina está virada para o espectador de modo a que o lado interior seja visível. O dossel de tecido colorido é suportado por colunas finas. A cadeira do trono é gótica em estilo, reminiscente dos retábulos tripartidos do século XIV, sugerindo que o artista foi atraído pelo gótico francês desde o início, mesmo antes de se ter familiarizado com ele na corte papal em Avignon. As características dos santos que rodeiam a Virgem não são muito individuais, não são muito expressivas e as suas expressões são suaves e sem violência. O pintor colocou as figuras nos aviões uns atrás dos outros, numa tentativa de dar a impressão de espacialidade. À esquerda do trono ornamentado estão Santa Catarina de Alexandria, São João Evangelista, Santa Maria Madalena, São Gabriel Arcanjo e São Paulo, e à direita Santa Bárbara, São João Baptista, Santa Inês, São Miguel Arcanjo e São Pedro. Na fila inferior, os quatro santos padroeiros de Siena ajoelham-se na companhia de dois anjos que oferecem rosas e lírios à Madonna. O grande fresco é emoldurado por uma larga borda decorativa, alternando entre bustos de profetas e motivos florais, e também apresenta o brasão da cidade de Siena em pequenos medalhões. Nos quatro cantos da moldura estão os quatro evangelistas com os seus símbolos. Sinmone utilizou outros materiais para além das tintas tradicionais, e em algumas partes do fresco esculpiu na parede ou criou superfícies em relevo para alcançar o efeito desejado. O pergaminho que Jesus está a segurar é papel verdadeiro e o texto nele contido é tinta verdadeira. Também recorreu fortemente à arte dos ourives Sienese, um motivo que é mais evidente no desenho da cadeira do trono. Nas figuras ajoelhadas, uma linha corre do chão, a cerca de quatro metros acima do solo, onde as cores mudam ligeiramente. É provável que entre as duas partes tenha estado em Assis onde fez o levantamento das superfícies e fez desenhos na capela de São Martinho. Repintou parcialmente o Maestà seis anos após a sua conclusão porque partes do Maestà tinham sido danificadas pela infiltração da água da chuva. É possível que as figuras de Maria, do menino Jesus e dos dois anjos que seguram flores sejam o resultado desta repintura, uma vez que ostentam as marcas estilísticas do período de maturidade do pintor.

A Capela de São Martinho

Em Assis, Simone Martini decorou uma série de frescos na capela de São Martinho, uma das igrejas inferiores da Basílica de São Francisco. A capela foi consagrada em 1312 pelo Cardeal Gentile da Montefiore, que deixou uma soma substancial de seiscentas moedas de ouro à Ordem Franciscana no seu testamento para cobrir os custos de decoração da capela. Este ciclo de frescos está também ligado à corte napolitana, uma vez que o Rei Robert, como executor da vontade do seu fundador, o Cardeal Montefiore, conhecido como o Legado da Hungria, desempenhou um papel na sua realização. A data das pinturas murais na Capela de São Martinho é motivo de controvérsia, sobretudo devido à sua qualidade artística, pois poucos trabalhos assinados e datados do período maduro da Martini sobrevivem. A data mais provável para as pinturas murais é a primeira metade dos 1320s, enquanto alguns estudiosos acreditam que datam de alguns anos antes, em 1317. Numa superfície semicircular elevada da parede de entrada da capela, o artista retratou os santos mais populares da época (São Francisco de Assis, Santo António de Pádua, Santa Maria Madalena, Santa Catarina de Alexandria, São Luís de França, São Luís de Toulouse, Santa Clara de Assis e Santa Isabel da Casa de Árpád). Quando Martini concebeu o ciclo de frescos para a capela, estas representações dos santos provavelmente não foram incluídas nos planos originais, mas foram provavelmente feitas em 1317 em honra de São Luís de Toulouse, o ano da sua canonização. O ciclo do fresco retrata a vida de São Martinho, que nasceu em Panónia no século IV, tornou-se um soldado e mais tarde dedicou a sua vida inteiramente à religião. Quando o pintor escolheu as cenas da vida do santo para retratar, procurou um paralelo ideal com os frescos sobre a vida de S. Francisco na Basílica acima. Os frescos “São Martinho partilhando o seu manto com um mendigo” “Até ao enterro do santo” seguem a vida de São Martinho em dez cenas de milagres e outros actos significativos. O seu ambiente reflecte a vida nos tribunais medievais. As dez cenas da vida de São Martinho são separadas por molduras ornamentadas. Originalmente estavam inscritas, mas estas inscrições desvaneceram-se e tornaram-se ilegíveis. Para além dos frescos, os vitrais da capela são também importantes obras de arte, provavelmente baseadas em desenhos de Simone Martini, antes de a capela ter sido pintada. Os vitrais foram sempre feitos antes das capelas serem pintadas, porque os vidros coloridos alteraram significativamente a iluminação no interior e, portanto, o efeito das pinturas. No arco semicircular por cima da entrada pintou a cena da “Consagração da Capela”. No quadro, o Cardeal Gentile ajoelha-se perante São Martinho, que o ajuda a levantar-se do chão. A cena tem lugar sob um cibório de estilo gótico com arcos semicirculares com três braços em cada lado. O retrato realista de Simone do Cardeal é uma das primeiras descrições do realismo que ele procurou alcançar. As cenas que retratam a vida de São Martinho sucedem-se em três bandas da esquerda para a direita e de baixo para cima, começando a partir da entrada. Na fila inferior, “São Martinho partilha o seu manto com um mendigo”, “Sonho de São Martinho”, “São Martinho é cavaleiro” e “São Martinho renuncia às armas”; na fila do meio, “Milagre da Criança Ressuscitada”, “Meditação”, “Missa Milagrosa” e “Milagre de Fogo”; e na fila superior, “Morte de São Martinho” e “Enterro de São Martinho”.

O ciclo de frescos de São Martinho

As primeiras quatro das dez cenas retratam o santo como uma pessoa secular.

Imagens sagradas no transepto da Basílica de São Francisco

Na igreja inferior da Basílica de São Francisco, no transepto à direita, na parede exterior da capela de São Nicolau, Simone Martini pintou uma banda larga de sete santos e uma Madonna e uma Criança. Os frescos podem ter sido pintados por volta de 1318, mas alguns investigadores acreditam que é possível que tenham sido pintados uma década mais tarde. A banda inteira é rodeada por uma moldura ornamentada, as figuras são separadas por colunas finas, as linhas são harmoniosas e as cores usadas para as pintar são brilhantes. As figuras são, da esquerda para a direita, São Francisco, São Luís de Toulouse, Santa Isabel da Hungria, Santa Margarida, Príncipe Imre, Santo Estêvão, Nossa Senhora com Criança e São Lázaro

O rei Robert de Anjou de Nápoles, amigo de Petrarca, chegou ao poder depois do seu irmão Luís ter abdicado da coroa. Louis entrou na Ordem Franciscana, mais tarde tornou-se Bispo de Toulouse, e foi canonizado após a sua morte. O rei Robert queria comemorar o seu irmão, por isso em 1317 (ao mesmo tempo que a sua canonização) encomendou a um artista a pintura do seu retrato. O painel foi originalmente pintado numa capela da igreja de San Lorenzo Maggiore em Nápoles e está ainda em exposição na Galeria de Imagens Capodimonte em Nápoles. O painel foi emoldurado numa moldura larga decorada com lírios, o símbolo da Casa de Anjou. Saint Louis é mostrado no centro da composição, sentado num trono, com uma vista frontal rígida. O príncipe veste um manto sacerdotal ornado sobre o seu hábito franciscano, e traz na cabeça uma mitra de bispo decorada com pedras preciosas e pérolas. Ele segura na sua mão direita um bandido de pastor e na sua mão esquerda a coroa real, que segura acima da cabeça do seu irmão. O santo é coroado por dois anjos, entrelaçando assim a coroação de Louis no céu e Robert na terra. A pintura reflecte a dignidade real das personagens, com o tapete anatoliano, o verdadeiro disco de vidro a segurar as túnicas, e as representações das jóias e vestidos ornamentados nas figuras. Robert de Anjou quis sublinhar a legitimidade do seu reinado, proteger-se de acusações de usurpação do trono e sublinhar o facto de o pintor ter provavelmente pintado um retrato realista do rei, a figura de São Luís parece imaterial, olhando para a distância, aparentemente já pertencente à esfera divina, enquanto o seu irmão, ao contrário dele, faz parte da realidade terrena

Cenas da vida de Saint Louis de Toulouse

No fundo do painel está a história de St Louis de Toulouse em cinco cenas. Na primeira imagem, São Luís aceita ser consagrado Bispo de Toulouse. Por razões políticas, isto foi feito em segredo em Dezembro de 1296 em Roma, na presença do Papa Bonifácio VIII e do Rei Carlos II de Nápoles (pai de Luís), que queria ganhar mais influência numa área de grande importância para o Rei Filipe IV de França. Louis não queria participar em jogos políticos e só estava disposto a servir como bispo se pudesse entrar na ordem franciscana. Na segunda fotografia, Louis faz os votos de 5 de Fevereiro de 1297 com base num pacto secreto com o Papa e torna-se membro da Ordem Franciscana, na terceira fotografia distribui comida sagrada aos necessitados, na quarta o seu funeral, um acto digno de um sumo sacerdote, e na quinta um dos seus milagrosos actos de ressurreição de uma criança que tinha morrido pouco antes.

A investigação sugere que o políptico de Santa Catarina (pintura multipainelada) é inteiramente obra de Simone Martini. Alguns investigadores sugeriram que as figuras mártires de São Domingos e São Pedro foram feitas pelos seus assistentes, mas isto é improvável porque o envolvimento dos assistentes só foi realçado mais tarde no seu trabalho. Nos anais do mosteiro de Santa Caterina em Pisa, há uma indicação de que a comissão foi dada em 1319 por um certo Petrus Converus, e que a obra se destinava ao altar-mor do mosteiro. Está ainda em exposição no museu San Matteo em Pisa e é considerado pelo artista como a pintura assinada mais importante. O retábulo é composto por sete peças, cada peça dividida em três partes. O retábulo apresenta um total de quarenta e três figuras de apóstolos, mártires, bispos e profetas. Ao longo dos séculos, as peças do painel têm sido colocadas lado a lado em diferentes ordens. Actualmente, os triângulos acima mostram o Salvador no centro, com o rei David a tocar harpa e Moisés com as tábuas de cada lado, e os profetas Jeremias, Isaías e Ezequiel. Na segunda fila, duas figuras ocupam cada um dos sete painéis. No centro estão os arcanjos Miguel e Gabriel, com os apóstolos e o evangelista Mateus. Os seus nomes aparecem sobre um fundo dourado, cada um com uma cópia do Evangelho. Da esquerda para a direita: Tadeu, Simão, Filipe, Tiago o Jovem, André, Pedro, Paulo, Tiago o Ancião, Mateus o Evangelista, Bartolomeu, Tomé e Mateus o Apóstolo. Na fila do meio estão as grandes figuras de Maria Madalena, São Domingos, São João Evangelista, Nossa Senhora com Criança, São João Baptista, São Pedro Mártir e Santa Catarina de Alexandria. Acima da Madonna na moldura está a assinatura do artista “Symon de Senis me pinxit”. A fila inferior, a ordem das partes predadoras, é menos problemática. No centro está Cristo com a Virgem Maria e São Marcos. As outras figuras são, da esquerda para a direita, São Estêvão, Santa Apolónia, São Jerónimo, São Luca, São Gregório, São Lucas, São Tomás de Aquino, Santo Agostinho de Hipona, Santa Inês, Santo Ambrósio, São Orsólia e São Lourenço. O facto de a pintura do painel estar dividida em tantas partes deu ao artista a oportunidade de representar outras figuras para além das tradicionalmente representadas neste tipo de trabalho, tais como São Jerónimo e São Gregório, que foram associadas à ordem da encomenda dominicana. Além disso, há também canonizações recentes, São Domonkos, fundador da Ordem de Domonkos, e São Pedro, o Mártir. Uma das características especiais do painel é que retrata São Tomás de Aquino em glória, embora a sua canonização só tenha efectivamente tido lugar em 1323.

É muito difícil datar as obras do artista desde o início dos anos 1320, e para muitos deles não é sequer possível determinar com certeza quem as criou. Isto porque os assistentes que trabalhavam de perto com o mestre trabalhavam na sua oficina em grande número, muitas vezes utilizando os pincéis uns dos outros e por vezes até assinando trabalhos que outra pessoa tinha feito. O políptico Orvieto é um exemplo típico deste fenómeno. A data da sua criação ainda não foi estabelecida, mas data da década de 1320 e foi feita para a igreja de São Domingos. Está actualmente em exibição na Opera del Duomo em Orvieto. Foi encomendado pelo Bispo de Sovana, Trasmundo Monaldeschi, que pagou uma centena de peças de ouro por ele. O painel era originalmente em sete partes, mas hoje os dois painéis exteriores perderam-se. No centro está a Madonna e a Criança, com São Pedro, Santa Maria Madalena, São Domingos e São Paulo. Uma característica do painel é que São Paulo está virado para a esquerda, enquanto as outras figuras estão viradas para a direita. O políptico, actualmente no Museu Isabella Steward Gardner em Boston, pode ser contemporâneo do anterior, ou pode ter sido feito apenas ligeiramente mais tarde. Originalmente pintado para a igreja de Santa Maria dei Servi em Orvieto, o retábulo está em cinco partes. Também aqui, uma Madonna e uma Criança é representada no centro, ladeada da esquerda para a direita por São Paulo, São Luca, Santa Catarina de Alexandria e São João Baptista. Nas áreas triangulares acima das figuras principais, os anjos aparecem no centro junto a Cristo, que mostra as suas feridas, segurando nas suas mãos direitas os símbolos da Paixão (coluna, chicote, coroa de espinhos, cruz, e lança). Estilisticamente, este painel está mais próximo da pintura do mosteiro de Santa Caterina em Pisa do que do políptico de Orvieto. As figuras têm linhas elegantes, as suas mãos são cuidadosamente trabalhadas. Os académicos consideram agora que o painel é inteiramente obra de Simone Martini, excepto a figura de São Paulo. Um grupo de obras da década de 1320 é quase impossível até à data porque nenhuma documentação escrita sobreviveu. Este grupo pode incluir um painel da Madonna com Criança e Anjos na Ópera del Duomo em orvieto, outro deste quadro, um mártir em Ottawa, um painel de S. Luca e S. Catarina em Settignano e duas Madonnas na Galeria de Imagens de Siena. Alguns estudiosos também consideram que o crucifixo na igreja da Misericórdia de San Casciano em Val di Pesa é uma obra de Simone Martini, datada de cerca de 1321, mas também não há provas escritas disso.

Depois de passar vários anos em Assis, Orvieto e também a trabalhar em Pisa, regressou a Siena em 1324, casou e provavelmente permaneceu na cidade durante muitos anos. Nessa altura já era um artista amplamente conhecido. Pintou vários frescos para a Câmara Municipal de Siena, mas estas obras não sobreviveram, e só as conhecemos de fontes que nos informam sobre as somas pagas ao artista. Durante o seu segundo período em Siena, pintou o Altar de Santo Agostinho na Igreja de Santo Agostinho em Tarano, o famoso retrato do Guidoriccio da Folignano e a Saudação Angélica, agora no Uffizi.

O Abençoado Altar de Agostinho em Tarano

Augusto era uma figura popular da época. Estudou Direito na Universidade de Bolonha e depois entrou na Ordem de Santo Agostinho, onde se tornou um General da Ordem. No auge da sua carreira, decidiu retirar-se para o eremitério de San Leonardo al Lago, não muito longe de Siena. O retábulo é composto por cinco painéis, representando-o e quatro dos seus milagres. Originalmente estava pendurado na parede da igreja de Santo Agostinho, por cima do caixão do Beato Agostinho. Juntamente com o altar que lhe foi dedicado, o caixão e o painel formaram um conjunto comemorativo distinto. A tábua só podia ser datada aproximadamente, mas provavelmente já estava terminada em 1324, quando a cidade realizou uma grande e dispendiosa celebração em honra de Augusto. No centro do painel encontra-se um Augustus de cara jovem com um livro (os Estatutos da Ordem de Santo Agostinho). O pintor retratou-o em glória, apesar de não ter sido canonizado. As árvores ao seu lado e os eremitas idosos pintados nos medalhões acima dele são uma referência à vida eremita isolada que ele levou em San Leonardo al Lago. Os quatro milagres são todos sobre a sua ajuda às pessoas (em três casos crianças) que tinham sofrido acidentes. O milagre do lobo que ataca a criança mostra a cidade de Siena, o milagre da criança que cai da varanda mostra uma rua da cidade, o milagre da criança que cai do berço mostra o interior de uma casa, e o milagre do cavaleiro que cai numa ravina mostra os arredores de Siena ao fundo.

A placa de São László

A placa de Altomonte St. Lazio (Altomonte, Museo della Consolazione) foi feita para Filippo di Sangineto, um influente cortesão napolitano, quando passou um período prolongado em Siena por ordem do imperador. O pequeno painel estava provavelmente em duas partes, cuja parte sobrevivente retrata o Rei São Lázio da Hungria. A escolha do assunto exprime os laços estreitos que ligavam o cliente à sucursal húngara da Casa de Anjou. O santo está diante de um fundo dourado ornamentado, segurando uma machadinha na sua mão. As cores utilizadas para o painel são brilhantes, e a forma do manto do santo dá a impressão de espacialidade.

Guidoriccio da Folignano

Martini terá pintado um retrato do Guidoriccio geral da Folignano na câmara municipal do Palazzo Pubblico em 1330, ano em que derrubou a rebelião das cidades de Montemassi e Sassoforte, que se revoltavam contra o domínio da República de Sienese. Durante a recente restauração, descobriu-se que o fresco foi pintado do canto superior direito, e não do canto superior esquerdo, como é habitual. O mural foi concluído muito rapidamente em sete ou oito dias, com a pintura do general e do seu cavalo a demorar apenas um dia. As duas pequenas aldeias estão representadas no topo de uma colina, com o acampamento do exército sienês aos seus pés e o general a cavalo, no centro. Atrás dele há um fundo simplesmente pintado com um céu azul escuro. O pintor parece ter prestado grande atenção à representação de campos, insígnias, faixas, armas e armaduras. O mural é um dos pontos altos da arte afresco sienense, combinando monumentalidade e decoração, bem como as iniciativas de retrato realista, e os inícios da pintura paisagística realista na visão abstracta e sinalizadora. Em 1980, outro fresco de grande valor artístico, provavelmente datado de depois de 1330, foi descoberto por baixo do quadro, o que pode pôr em causa tanto a data como o autor do retrato de Guidoricco. Os investigadores ainda não conseguem dizer com certeza se se trata do trabalho de Simone Martini. A última restauração revelou que todo o lado esquerdo do quadro, incluindo a representação do castelo de Montemassi, foi pintado de novo no século XV ou XVI. Os exames também revelaram que existem quatro camadas de gesso sobrepostas no lado direito da pintura. Isto sugere que pode haver restos de uma pintura mais antiga por baixo da paisagem retratada na pintura, mas para determinar isto, parte da pintura actual teria de ser removida. Assim, a data e o autor da pintura permanecem incertos.

Saudações de um anjo

Saudações de um Anjo é uma das obras mais populares de Simone Martini e também uma das mais góticas. Pintado em 1333 para o altar de Santo Ansano na Catedral de Siena, está actualmente em exposição na Galeria Uffizi em Florença. A sua moldura é uma arquitectura gótica ricamente incrustada, articulada com arcos partidos. No tríptico principal (painel de três painéis), a Madonna camuflada está a contrair-se ao ouvir a mensagem do anjo. As suas características são tensas, como se tivessem sido despertadas do sono pelo anjo. O artista teve um cuidado especial em representar o anjo. Ele segura um ramo de palmeira na mão, as dobras do seu manto especial em xadrez dando uma sensação da sua aparência tempestuosa. As suas asas são elaboradas com o cuidado meticuloso de um pintor em miniatura. A parte de trás da cadeira é coberta por uma mortalha vermelha decorada com delicados motivos florais dourados. Juntamente com as figuras, os detalhes reproduzidos com precisão, a orla ornamentada do missal, o chão de mármore e o vaso com lírios contribuem para a elegância do quadro. Os medalhões no topo do painel descrevem, da esquerda para a direita, os profetas Jeremias, Ezequiel, Isaías e Daniel, identificados pelos seus nomes escritos nos pergaminhos que têm nas mãos. A representação vívida e subtil do diálogo entre o anjo e Maria torna o misticismo de Simone Martini ainda hoje vívido e amado. As duas figuras santas de cada lado do tríptico foram provavelmente pintadas pelo cunhado do artista Lippo Memmi, como indicado pelo facto de as duas figuras serem muito diferentes das figuras centrais, e são também assinadas por Memmi.

Simone Martini mudou-se para Avignon a convite do Cardeal Jacopo Stefaneschi no início de 1336 com a sua família e alguns assistentes, e morreu lá em 1344. Durante os seus oito anos em Avignon recebeu muitas comissões, mas a grande maioria das suas obras foram destruídas. Os frescos Jesus com os Anjos e Madonna e Criança, encomendados pelo Cardeal Stefaneschi para a porta de Notre-Dame-des-Doms, são sinopias fragmentárias. A atracção especial destas sinopias é que oferecem uma visão do processo criativo, das correcções feitas durante o trabalho e das alterações iconográficas. Aqui, pela primeira vez, utilizou a iconografia da Madonna dell”Umiltà (Madonna do Humilde), onde Maria não está sentada num trono mas sim no chão. Além disso, apenas um desenho do século XVII preserva a memória do fresco de São Jorge pintado na fachada da igreja, que foi destruída no início do século XIX. Este fresco foi também encomendado pelo Cardeal Jacopo Stefaneschi e não era apenas uma representação do seu santo padroeiro, mas também encarnava uma ideia eclesiástica. Aqui, o fresco foi um lembrete de que os cavaleiros cristãos tinham tanto o dever de libertar a Igreja encarcerada em Avignon como São Jorge tinha de resgatar a princesa do dragão. Decorou também um livro para o cardeal, pintando a figura da Virgem Maria a roubar uma criança do purgatório no início de um códice de hinos marianos adquiridos pelo arcipreste. Durante a sua estadia em Avignon, Simone Martini tornou-se amiga íntima de Petrarca e também pintou um retrato de Laura. O retrato, que o poeta menciona em dois dos seus sonetos, perdeu-se, mas a miniatura na página de título, humanisticamente inspirada tanto no assunto como na concepção, que ele pintou para um códice na posse de Petrarca, sobreviveu. O livro contém as obras de Virgílio com comentários de Servius. A imagem mostra Servius puxando uma cortina para trás para mostrar a um cavaleiro, um camponês e um pastor o poeta. A miniatura é pintada em aguarela e temperatura diluída, com camadas translúcidas de tinta e linhas harmoniosas e rítmicas, e é influenciada pela pintura gótica francesa. Das suas últimas obras, o Políptico da Paixão (cujos fragmentos foram espalhados em museus por toda a Europa) é tão estilisticamente diferente das suas outras obras em Avignon que a sua data é incerta. Os painéis deste pequeno políptico, encomendados para devoção privada, retratam a vida de Cristo em elegantes variações nas composições de Duccio da Oitava de Maestà. Alguns estudiosos acreditam que foi concluído antes de se ter mudado para Avignon e depois transportado para França. Outros acreditam que é uma das suas últimas obras, encomendada por Napoleone Orsini, que morreu em Avignon em 1342. Esta teoria é apoiada pelo facto de o brasão de armas da família Orsini aparecer em segundo plano. A última obra conhecida de Simone Martini é uma pintura da Sagrada Família, assinada e datada de 1342 (Liverpool, Walker Art Gallery). É outra imagem de devoção privada em pequena escala, caracterizada pela elegância e uma harmonia de cores brilhantes como o esmalte. Nenhum registo escrito sobreviveu dos últimos dois anos de vida de Simone Martini, durante os quais as suas obras foram destruídas.

Fontes

  1. Simone Martini
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  6. Integrált katalógustár. (Hozzáférés: 2014. december 11.)
  7. Arasse, p. 170.
  8. a b c d e f g h i j k l m n o et p (it) Michela Becchis, « Martini, Simone in “Dizionario Biografico” », sur treccani.it, 2008 (consulté le 22 décembre 2020).
  9. (it) Pierluigi Leone de Castris, Simone Martini, Milan, Federico Motta Editore, 2003.
  10. Interview de Michel Laclotte, « Sienne à l’origine de la peinture », Connaissance des Arts, no 607,‎ juillet-août 2003, p. 71.
  11. ^ Pierluigi Leone de Castris, Simone Martini, Federico Motta Editore, Milano 2003.
  12. ^ Simone Martini non ha più il senso concreto del reale come Giotto o la coscienza di una raggiunta perfezione come Duccio di Boninsegna, ma si solleva in un sopramondo ideale, in una dimensione a-spaziale e a-temporale, con una pittura che rivela un”aspirazione ad un”alta e irraggiungibile perfezione. In lui si possono così cogliere affinità con il pensiero e la poetica di Francesco Petrarca di cui fu amico.
  13. https://www.kulturarv.dk/kid/VisKunstner.do?kunstnerId=2587
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