Marlon Brando

Resumo

Marlon Brando Jr. (3 de Abril de 1924 – 1 de Julho de 2004) foi um actor americano. Considerado um dos actores mais influentes do século XX, recebeu inúmeros elogios ao longo da sua carreira, que se estendeu por seis décadas, incluindo dois Academy Awards, dois Golden Globe Awards, um Cannes Film Festival Award e três Academy Film Awards britânicos. Brando foi também um activista de muitas causas, nomeadamente o movimento de direitos civis e vários movimentos nativos americanos. Tendo estudado com Stella Adler nos anos 40, é creditado por ser um dos primeiros actores a levar o sistema Stanislavski de representação e método de representação, derivado do sistema Stanislavski, ao grande público.

Inicialmente ganhou aclamação e a sua primeira nomeação para o Oscar de Melhor Actor num Papel de Líder por ter repreendido o papel de Stanley Kowalski na adaptação cinematográfica de 1951 da peça A Streetcar Named Desire de Tennessee Williams, um papel que originou com sucesso na Broadway. Recebeu mais elogios, e um primeiro Oscar e um Globo de Ouro, pelo seu desempenho como Terry Malloy em On the Waterfront, e o seu retrato do líder rebelde de gangues de motociclistas Johnny Strabler em The Wild One provou ser uma imagem duradoura na cultura popular. Brando recebeu nomeações para o Oscar por interpretar Emiliano Zapata em Viva Zapata! (e Major da Força Aérea Lloyd Gruver em Sayonara (1957), uma adaptação do romance de James A. Michener de 1954.

Na década de 1960, a carreira de Brando sofreu um declínio comercial e crítico. Dirigiu e estrelou o culto western One-Eyed Jacks, um fracasso crítico e comercial, após o qual entregou uma série de notáveis falhas de bilheteira, começando com Mutiny on the Bounty (1962). Após dez anos de insucessos, concordou em fazer um teste de ecrã como Vito Corleone em O Padrinho de Francis Ford Coppola (1972). Conseguiu o papel e ganhou subsequentemente o seu segundo Oscar e o Prémio Globo de Ouro, num concurso que os críticos de performance consideram um dos seus maiores. Recusou o Oscar devido ao “tratamento dos índios americanos de hoje pela indústria cinematográfica … e também com os recentes acontecimentos em Wounded Knee”. O Padrinho foi um dos filmes de maior sucesso comercial de todos os tempos, e juntamente com a sua performance, nomeada ao Óscar em Last Tango in Paris (1972), Brando restabeleceu-se nas fileiras das principais estrelas de bilheteira.

Brando foi classificado pelo American Film Institute como a quarta maior estrela de cinema entre as estrelas de cinema masculinas cujos estréias nas telas ocorreram em 1950 ou antes. Foi um dos únicos seis actores nomeados em 1999 pela revista Time na sua lista das 100 Pessoas Mais Importantes do Século. Nesta lista, o Time também designou Brando como o “Actor do Século”.

Brando nasceu em Omaha, Nebraska, a 3 de Abril de 1924, de Marlon Brando Sr. (1895-1965), fabricante de pesticidas e rações químicas, e Dorothy Julia Pennebaker (1897-1954). Brando tinha duas irmãs mais velhas, chamadas Jocelyn (1919-2005) e Frances (1922-1994). A sua ascendência era maioritariamente alemã, holandesa, inglesa, e irlandesa. O seu antepassado patriarcal imigrante, Johann Wilhelm Brandau, chegou à cidade de Nova Iorque no início do século XVII vindo do Palatinado na Alemanha. É também descendente de Louis DuBois, um francês Huguenot, que chegou a Nova Iorque por volta de 1660. O seu bisavô materno, Myles Joseph Gahan, era um imigrante irlandês que serviu como médico na Guerra Civil Americana. Em 1995, deu uma entrevista na Irlanda na qual disse: “Nunca fui tão feliz na minha vida. Quando desci do avião, tive esta emoção. Nunca me senti em casa num lugar como me sinto aqui. Estou seriamente a contemplar a cidadania irlandesa”. Brando foi criado como cientista cristão.

A sua mãe, conhecida como Dodie, era pouco convencional para o seu tempo; fumava, usava calças, e conduzia carros. Ela própria actriz e administradora de teatro, ajudou Henry Fonda a iniciar a sua carreira de actriz. No entanto, era alcoólica e tinha frequentemente de ser trazida de bares em Chicago pelo seu marido. Na sua autobiografia, Canções A Minha Mãe Ensinou-me, Brando expressou tristeza ao escrever sobre a sua mãe: “A angústia que a sua bebida produzia era que ela preferia embebedar-se a cuidar de nós”. O pai de Dodie e Brando acabou por se juntar aos Alcoólicos Anónimos. Brando albergou muito mais inimizade para o seu pai, afirmando: “Eu era o seu homónimo, mas nada do que eu alguma vez lhe agradou ou mesmo interessou. Ele gostava de me dizer que eu não podia fazer nada bem. Ele tinha o hábito de me dizer que eu nunca iria conseguir fazer nada”. Quando ele tinha quatro anos, Brando foi abusado sexualmente pela sua governanta adolescente. Brando afeiçoou-se a ela, e ficou perturbado quando ela o deixou. Para o resto da sua vida, Brando ficou perturbado com a sua perda. Por volta de 1930, os pais de Brando mudaram-se para Evanston, Illinois, quando o trabalho do seu pai o levou para Chicago, mas separaram-se em 1935 quando Brando tinha 11 anos de idade. A sua mãe levou os três filhos para Santa Ana, Califórnia, onde viveram com a sua mãe. Os pais de Brando reconciliaram-se até 1937, e no ano seguinte deixaram Evanston e mudaram-se juntos para uma quinta em Libertyville, Illinois, uma pequena cidade a norte de Chicago. Entre 1939 e 1941, trabalhou como empregado de mesa no único cinema da cidade, The Liberty.

Brando, cujo apelido de infância era “Bud”, foi um mímico da sua juventude. Ele desenvolveu uma capacidade de absorver os maneirismos das crianças com quem brincava e exibi-las dramaticamente enquanto se mantinha na personagem. Foi apresentado ao vizinho Wally Cox e os dois foram os amigos mais próximos até à morte de Cox em 1973. Na Biopic Brando de MTC de 2007: O documentário, o amigo de infância George Englund recorda a sua primeira actuação como imitador de vacas e cavalos na quinta familiar, como forma de distrair a sua mãe da bebida. A sua irmã Jocelyn foi a primeira a seguir uma carreira de actriz, indo estudar na Academia Americana de Artes Dramáticas em Nova Iorque. Ela apareceu na Broadway, depois em filmes e na televisão. A irmã de Brando, Frances, deixou a faculdade na Califórnia para estudar arte em Nova Iorque. Brando tinha sido retido um ano na escola e foi mais tarde expulso da Escola Secundária de Libertyville por conduzir a sua motocicleta pelos corredores.

Foi enviado para a Academia Militar Shattuck no Minnesota, onde o seu pai tinha estudado antes dele. Brando destacou-se no teatro e saiu-se bem na escola. No seu último ano (1943), foi colocado em liberdade condicional por ter sido insubordinado a um coronel do exército visitante durante as manobras. Ficou confinado ao seu quarto, mas esgueirou-se para a cidade e foi apanhado. A faculdade votou para o expulsar, embora fosse apoiado pelos estudantes, que pensavam que a expulsão era demasiado severa. Foi convidado de volta para o ano seguinte, mas decidiu em vez disso desistir do liceu. Brando trabalhou como coveiro, como um trabalho de Verão arranjado pelo seu pai. Tentou alistar-se no Exército, mas a sua indução física revelou que uma lesão futebolística que sofrera em Shattuck o tinha deixado com um joelho de truque. Ele foi classificado como 4-F e não foi empossado.

Nova Iorque e representação

Brando decidiu seguir as suas irmãs para Nova Iorque, estudando na American Theatre Wing Professional School, parte do Workshop Dramático da Nova Escola, com o influente realizador alemão Erwin Piscator. Num documentário de 1988, Marlon Brando: The Wild One, a irmã de Brando, Jocelyn, lembrou-se: “Ele estava numa peça de teatro da escola e gostou … Por isso decidiu que iria para Nova Iorque e estudaria representação porque era a única coisa de que tinha gostado. Isso foi quando ele tinha 18 anos”. No episódio da Biografia A&E sobre Brando, George Englund disse que Brando caiu na representação em Nova Iorque porque “ele foi aceite lá. Ele não foi criticado. Foi a primeira vez na sua vida que ouviu coisas boas a seu respeito”. Ele passou os seus primeiros meses em Nova Iorque a dormir nos sofás dos amigos. Durante algum tempo viveu com Roy Somlyo, que mais tarde se tornou um produtor quatro vezes vencedor da Emmy Broadway.

Brando foi um ávido estudante e proponente de Stella Adler, com quem aprendeu as técnicas do sistema Stanislavski. Esta técnica encorajou o actor a explorar tanto os aspectos internos como externos para realizar plenamente a personagem que estava a ser retratada. O notável discernimento e sentido de realismo de Brando foram evidentes desde cedo. Adler contava que ao ensinar Brando, tinha instruído a turma a agir como galinhas, e acrescentou que uma bomba nuclear estava prestes a cair sobre elas. A maior parte da turma agarrou-se e correu à solta, mas Brando sentou-se calmamente e fingiu pôr um ovo. Perguntado por Adler porque tinha escolhido reagir desta forma, ele disse: “Sou uma galinha – o que sei eu sobre bombas? Apesar de ser comummente considerado como um actor do método, Brando discordou. Ele afirmou ter abominado os ensinamentos de Lee Strasberg:

Brando foi o primeiro a trazer uma abordagem natural à actuação em filme. De acordo com Dustin Hoffman na sua Masterclass online, Brando falava frequentemente com homens de câmara e outros actores sobre o seu fim-de-semana, mesmo depois de o realizador chamar à acção. Uma vez que Brando sentiu que podia dar início a um diálogo tão natural como essa conversa, ele iniciava o diálogo. No seu documentário de 2015, Listen To Me Marlon, ele disse antes que os actores eram como cereais de pequeno-almoço, o que significava que eram previsíveis. Os críticos diriam mais tarde que este Brando estava a ser difícil, mas os actores que trabalhavam ao contrário diriam que tudo isto fazia parte da sua técnica.

Início da carreira: 1944–1951

Brando usou os seus conhecimentos do Sistema Stanislavski para os seus primeiros papéis de Verão em Sayville, Nova Iorque, em Long Island. Brando estabeleceu um padrão de comportamento errático e insubordinado nos poucos espectáculos em que tinha estado. O seu comportamento expulsou-o do elenco da produção da Nova Escola em Sayville, mas pouco tempo depois foi descoberto numa peça produzida localmente. Depois, em 1944, conseguiu chegar à Broadway no drama agridoce I Remember Mama, interpretando o filho de Mady Christians. Os Lunts queriam que Brando interpretasse o papel do filho de Alfred Lunt em O Mistress Mine, e Lunt até o treinou para a sua audição, mas a leitura de Brando durante a audição foi tão desregrada que não conseguiram contratá-lo. Os críticos de teatro de Nova Iorque votaram-no “O Mais Promissor Jovem Actor” pelo seu papel de veterano angustiado no Truckline Café, embora a peça tenha sido um fracasso comercial. Em 1946, apareceu na Broadway como o jovem herói do drama político A Flag is Born, recusando-se a aceitar salários acima da taxa de equidade dos Actores. Nesse mesmo ano, Brando desempenhou o papel de Marchbanks ao lado de Katharine Cornell no renascimento da sua produção de Candida, um dos seus papéis de assinatura. Cornell também o lançou como Mensageiro na sua produção de Antigone de Jean Anouilh, nesse mesmo ano. Foi-lhe também oferecida a oportunidade de retratar uma das personagens principais na estreia de Eugene O’Neill, The Iceman Cometh, da Broadway, mas recusou o papel depois de adormecer enquanto tentava ler o enorme guião e pronunciar a peça “mal escrita e mal construída”.

Em 1945, o agente de Brando recomendou-lhe que assumisse um papel de co-estrela em The Eagle Has Two Heads with Tallulah Bankhead, produzido por Jack Wilson. Bankhead tinha recusado o papel de Blanche Dubois em A Streetcar Named Desire, que Williams tinha escrito para ela, para fazer uma digressão pela peça para a temporada 1946-1947. Bankhead reconheceu o potencial de Brando, apesar do seu desdém (que a maioria dos veteranos da Broadway partilhava) pelo método de actuação, e concordou em contratá-lo, apesar de ter feito uma audição deficiente. Os dois entraram em grande conflito durante a digressão pré-Broadway, com Bankhead a lembrar a Brando da sua mãe, tendo a sua idade e tendo também um problema com a bebida. Wilson era largamente tolerante ao comportamento de Brando, mas atingiu o seu limite quando Brando murmurou através de um ensaio geral pouco antes da abertura do dia 28 de Novembro de 1946. “Não me interessa o que a tua avó fez”, exclamou Wilson, “e essas coisas do Método, quero saber o que vais fazer”! Brando, por sua vez, levantou a sua voz, e agiu com grande poder e paixão. “Foi maravilhoso”, recordou um membro do elenco. “Todos o abraçaram e o beijaram. Ele saiu do palco e disse-me: “Eles acham que não consegues actuar se não conseguires gritar”.

Os críticos, porém, não foram tão amáveis. Uma análise do desempenho de Brando na abertura avaliou que Brando “ainda estava a construir o seu carácter, mas actualmente não consegue impressionar”. Um crítico de Boston comentou sobre a cena da morte prolongada de Brando, “Brando parecia um carro em Manhattan no centro da cidade à procura de um lugar de estacionamento”. Recebeu melhores críticas em paragens de digressão subsequentes, mas o que os seus colegas recordaram foram apenas indicações ocasionais do talento que mais tarde demonstraria. “Houve algumas vezes em que ele foi realmente magnífico”, admitiu Bankhead a um entrevistador em 1962. “Era um grande jovem actor quando queria ser, mas a maior parte do tempo nem sequer o conseguia ouvir em palco”.

Brando demonstrou a sua apatia pela produção, demonstrando algumas maneiras chocantes no palco. Ele “tentou tudo no mundo para a arruinar”, afirmou o gerente de palco do Bankhead. “Ele quase a enlouqueceu: coçando a virilha, apanhando-lhe o nariz, fazendo qualquer coisa”. Após várias semanas na estrada, chegaram a Boston, altura em que Bankhead já estava pronto para o despedir. Esta provou ser uma das maiores bênçãos da sua carreira, pois libertou-o para desempenhar o papel de Stanley Kowalski na peça A Streetcar Named Desire, de Tennessee Williams 1947, encenada por Elia Kazan. Além disso, para esse fim, a própria Bankhead, na sua carta recusando o convite de Williams para desempenhar o papel de Blanche, deu a Brando este endosso de anel, embora com um tom ácido:

Tenho uma sugestão para a fundição. Conheço um actor que pode aparecer como este bruto Stanley Kowalski. Quer dizer, um porco total de um homem sem sensibilidade ou graça de qualquer tipo. Marlon Brando seria perfeito como Stanley. Acabo de despedir o cad da minha peça, A Águia Tem Duas Cabeças, e sei de fonte segura que ele está à procura de trabalho.

Pierpont escreve que John Garfield foi a primeira escolha para o papel, mas “fez exigências impossíveis”. Foi decisão de Kazan recair sobre o muito menos experiente (e tecnicamente demasiado jovem para o papel) Brando. Numa carta datada de 29 de Agosto de 1947, Williams confidenciou à sua agente Audrey Wood: “Não me tinha ocorrido antes o excelente valor que teria o elenco de um actor muito jovem nesta parte. Humaniza o carácter de Stanley na medida em que se torna a brutalidade e a insensibilidade da juventude em vez de um velho viciado … Um novo valor surgiu da leitura de Brando que foi de longe a melhor leitura que alguma vez ouvi”. Brando baseou o seu retrato de Kowalski no pugilista Rocky Graziano, que tinha estudado num ginásio local. Graziano não sabia quem era Brando, mas assistiu à produção com bilhetes fornecidos pelo jovem. Ele disse: “A cortina subiu e no palco está aquele filho da puta do ginásio, e ele está a brincar comigo”.

Em 1947, Brando realizou um teste de projecção para um guião dos primeiros irmãos Warner para o romance Rebel Without a Cause (1944), que não teve qualquer relação com o filme eventualmente produzido em 1955. O teste de projecção está incluído como um extra no lançamento em DVD de 2006 de A Streetcar Named Desire.

O primeiro papel do Brando no ecrã foi um veterano paraplégico amargo em The Men (1950). Passou um mês na cama no Hospital do Exército de Birmingham, em Van Nuys, para se preparar para o papel. O crítico do New York Times Bosley Crowther escreveu que Brando como Ken “é tão vividamente real, dinâmico e sensível que a sua ilusão é completa” e observou, “de silêncios rígidos e congelados ele pode chicotear numa fúria apaixonada com o frenesim de lágrimas e de um frenesim de um cabo esticado cortado subitamente”.

Por conta do próprio Brando, pode ter sido por causa deste filme que o seu estatuto de rascunho foi alterado de 4-F para 1-A. Ele tinha sido operado ao joelho com o seu truque, e já não era fisicamente debilitante o suficiente para incorrer na exclusão do rascunho. Quando Brando se apresentou ao centro de indução, respondeu a um questionário dizendo que a sua raça era “humana”, a sua cor era “branco-oyster sazonal a bege”, e disse a um médico do Exército que era psiconeurota. Quando a comissão de projecto o encaminhou para um psiquiatra, Brando explicou que ele tinha sido expulso da escola militar e que tinha graves problemas de autoridade. Coincidentemente, o psiquiatra conhecia um médico amigo de Brando. Brando evitou o serviço militar durante a Guerra da Coreia.

No início da sua carreira, Brando começou a utilizar cartões de deixa em vez de decorar as suas linhas. Apesar das objecções de vários dos realizadores com quem ele trabalhou, Brando sentiu que isto ajudou a trazer realismo e espontaneidade às suas actuações. Ele sentiu que, de outra forma, pareceria estar a recitar o discurso de um escritor. No documentário televisivo The Making of Superman: The Movie, Brando explicou:

Se não sabe o que são as palavras, mas tem uma ideia geral do que são, então olha para o cartão de deixa e dá-lhe a sensação ao espectador, esperançosamente, de que a pessoa está realmente à procura do que vai dizer – que não sabe o que dizer.

“Alguns pensavam que Brando usava as cartas por preguiça ou por incapacidade de memorizar as suas linhas. Uma vez no cenário O Padrinho, perguntaram a Brando porque queria que as suas linhas fossem impressas”. Ele respondeu: “Porque as posso ler dessa forma”.

Alternatives:Ascensão à fama: 1951-1954Elevação à fama: 1951-1954

Brando trouxe a sua actuação como Stanley Kowalski para o ecrã no Tennessee William’s A Streetcar Named Desire (1951). O papel é considerado como um dos maiores de Brando. Ganhou-lhe a sua primeira nomeação para o Oscar na categoria de Melhor Actor.

Foi também nomeado no ano seguinte para Viva Zapata! (1952), um relato ficcionado da vida do revolucionário mexicano Emiliano Zapata. O filme relatou a educação camponesa de Zapata, a sua ascensão ao poder no início do século XX, e a sua morte. O filme foi realizado por Elia Kazan e co-estrelado por Anthony Quinn. No filme biopico Marlon Brando: The Wild One, Sam Shaw diz: “Secretamente, antes de o filme começar, ele foi para o México para a própria cidade onde Zapata viveu e nasceu e foi lá que ele estudou os padrões de fala das pessoas, o seu comportamento, movimento”. A maioria dos críticos concentrou-se mais no actor do que no filme, com as críticas da Time e da Newsweek publishing rave.

Anos mais tarde, na sua autobiografia, Brando observou: “Tony Quinn, que eu admirava profissionalmente e gostava pessoalmente, fazia de meu irmão, mas ele era extremamente frio para mim enquanto filmava aquela fotografia. Durante as nossas cenas juntos, senti uma amargura em relação a mim, e se sugeria uma bebida depois do trabalho, ou ele recusava-me ou então ficava amuado e dizia pouco. Só anos depois é que aprendi porquê”. Brando explicou que, para criar tensão no ecrã entre os dois, “Gadg” (Kazan) tinha dito a Quinn – que tinha assumido o papel de Stanley Kowalski na Broadway depois de Brando ter terminado – que Brando não tinha sido impressionado com o seu trabalho. Depois de alcançar o efeito desejado, Kazan nunca disse a Quinn que o tinha enganado. Só muitos anos depois, depois de comparar notas, é que Brando e Quinn perceberam o engano.

O próximo filme de Brando, Júlio César (1953), recebeu críticas altamente favoráveis. Brando retratou Marco António. Embora a maioria reconhecesse o talento de Brando, alguns críticos sentiram que o “murmúrio” de Brando e outras idiossincrasias traíram a falta de fundamentos de atuação e, quando o seu casting foi anunciado, muitos permaneceram duvidosos sobre as suas perspectivas de sucesso. Dirigido por Joseph L. Mankiewicz e co-estrelado pelo actor de teatro britânico John Gielgud, Brando fez uma performance impressionante, especialmente durante o discurso de Antony “Friends, Romans, countrymen …”. Gielgud ficou tão impressionado que ofereceu a Brando uma temporada completa no Hammersmith Theatre, uma oferta que ele recusou. Na sua biografia sobre o actor, Stefan Kanfer escreve: “A autobiografia de Marlon dedica uma linha ao seu trabalho nesse filme: Entre todos esses profissionais britânicos, “para mim, entrar num cenário de cinema e interpretar Mark Anthony foi asinino” – ainda outro exemplo da sua persistente auto-denigração, e totalmente incorrecto”. Kanfer acrescenta que, após uma projecção do filme, o realizador John Huston comentou: “Cristo! Foi como a abertura de uma porta da fornalha – o calor saiu do ecrã. Não conheço outro actor que pudesse fazer isso”. Durante as filmagens de Júlio César, Brando soube que Elia Kazan tinha cooperado com investigadores do Congresso, nomeando toda uma série de “subversivos” para o Comité de Actividades Não-Americanas (HUAC) da Câmara. Por todos os motivos, Brando ficou perturbado com a decisão do seu mentor, mas voltou a trabalhar com ele em On The Waterfront. “Nenhum de nós é perfeito”, escreveu mais tarde nas suas memórias, “e penso que Gadg fez mal a outros, mas principalmente a si próprio”.

Em 1953, Brando também estrelou em The Wild One, conduzindo a sua própria motocicleta Triumph Thunderbird 6T. Os importadores do Triumph eram ambivalentes na exposição, uma vez que o assunto era gangues de motociclistas desordeiros que tomavam conta de uma pequena cidade. O filme foi criticado pela sua percepção de violência gratuita na altura, com o Tempo a afirmar, “O efeito do filme não é de lançar luz sobre o problema do público, mas de filmar a adrenalina através das veias do espectador do filme”. Brando alegadamente não concordou com o realizador húngaro László Benedek e não se deu bem com Lee Marvin.

Para Brando, o filme inspirou a rebelião adolescente e fez dele um modelo para a geração nascente do rock and roll e futuras estrelas como James Dean e Elvis Presley. Após o lançamento do filme, as vendas de casacos de couro e motocicletas dispararam. Reflectindo sobre o filme na sua autobiografia, Brando concluiu que o filme não tinha envelhecido muito bem, mas disse:

Mais do que a maioria dos papéis que desempenhei no cinema ou no palco, relacionei-me com Johnny, e por causa disso, acredito que o interpretei como mais sensível e simpático do que o guião imaginado. Há uma linha no filme onde ele rosna, “Ninguém me diz o que fazer”. Foi exactamente assim que me senti toda a minha vida.

Mais tarde, nesse mesmo ano, Brando co-estrelou com o companheiro de estúdio William Redfield numa produção de Verão de George Bernard Shaw’s Arms and the Man.

Em 1954, Brando estrelou em On the Waterfront, um filme de drama criminal sobre violência e corrupção sindical entre os estivadores. O filme foi realizado por Elia Kazan e escrito por Budd Schulberg; também estrelou Karl Malden, Lee J. Cobb, Rod Steiger e, na sua estreia no cinema, Eva Marie Saint. Quando inicialmente ofereceu o papel, Brando-still picado pelo testemunho de Kazan ao HUAC-demurred e a parte de Terry Malloy quase foi para Frank Sinatra. Segundo o biógrafo Stefan Kanfer, o realizador acreditava que Sinatra, que cresceu em Hoboken (onde o filme tem lugar e foi filmado), trabalharia como Malloy, mas eventualmente o produtor Sam Spiegel cortejou Brando para o papel, assinando-o por 100.000 dólares. “Kazan não protestou porque, confessou posteriormente, ‘sempre preferi Brando a qualquer um'”.

Brando ganhou o Óscar pelo seu papel de estiva irlandês-americano Terry Malloy em On the Waterfront. A sua actuação, estimulada pelo seu relacionamento com Eva Marie Saint e a direcção de Kazan, foi elogiada como uma tour de force. Pela cena em que Terry lamenta as suas falhas, dizendo que eu poderia ter sido um adversário, convenceu Kazan de que a cena guiada era irrealista. O guião de Schulberg tinha Brando a representar toda a cena com a sua personagem a ser apontada por um irmão seu, Charlie, interpretado por Rod Steiger. Brando insistiu em empurrar suavemente a arma, dizendo que Terry nunca acreditaria que o seu irmão premisse o gatilho e duvidando que ele pudesse continuar o seu discurso enquanto temia uma arma contra ele. Kazan deixou Brando improvisar e mais tarde expressou profunda admiração pela compreensão instintiva de Brando, dizendo:

o que foi extraordinário no seu desempenho, penso eu, é o contraste da frente dura e a extrema delicadeza e gentileza do seu comportamento. Que outro actor, quando o seu irmão saca de uma pistola para o forçar a fazer algo vergonhoso, colocaria a mão na pistola e a empurraria com a doçura de uma carícia? Quem mais poderia ler “Oh, Charlie!” num tom de censura que é tão amoroso e tão melancólico e sugere a terrível profundidade da dor? … Se há uma melhor actuação de um homem na história do cinema na América, não sei o que é.

Após o seu lançamento, On the Waterfront recebeu críticas brilhantes de críticos e foi um sucesso comercial, tendo ganho cerca de $4,2 milhões em alugueres na bilheteira norte-americana em 1954. Na sua crítica de 29 de Julho de 1954, The New York Times, A. H. Weiler elogiou o filme, chamando-lhe “uma utilização excepcionalmente poderosa, excitante e imaginativa do ecrã por profissionais dotados”. O crítico de cinema Roger Ebert elogiou o filme, afirmando que Brando e Kazan mudaram para sempre a sua actuação nos filmes americanos e acrescentou-o à sua lista de “Grandes Filmes”. Na sua autobiografia, Brando era tipicamente desdenhoso do seu desempenho: “No dia em que Gadg me mostrou o quadro completo, fiquei tão deprimido com a minha actuação que me levantei e deixei a sala de projecção … Pensei que tinha sido um enorme fracasso”. Depois de Brando ter ganho o Óscar de Melhor Actor, a estátua foi roubada. Muito mais tarde, apareceu numa casa de leilões em Londres, que contactou o actor e o informou sobre o seu paradeiro.

Sucessos de bilheteira e estreia na direcção: 1954-1959

No seguimento de On the Waterfront, Brando continuou a ser um dos melhores sorteios de bilheteira, mas os críticos sentiram cada vez mais que as suas actuações eram medíocres, sem a intensidade e o empenho encontrados no seu trabalho anterior, especialmente no seu trabalho com Kazan. Retratou Napoleão no filme Désirée, de 1954. Segundo o co-estrela Jean Simmons, o contrato de Brando obrigou-o a estrelar no filme. Dedicou pouco esforço ao papel, afirmando não ter gostado do guião, e mais tarde rejeitou todo o filme como “superficial e sombrio”. Brando foi especialmente desdenhoso do realizador Henry Koster.

Brando e Simmons foram novamente emparelhados na adaptação cinematográfica dos Guys and Dolls musicais (1955). Guys and Dolls seria o primeiro e último papel musical de Brando. O tempo encontrou o quadro “falso ao original no seu sentimento”, observando que Brando “canta num tenor distante que por vezes tende a ser plano”. Ao aparecer na entrevista Person to Person de Edward Murrow, no início de 1955, ele admitiu ter problemas com a sua voz cantora, o que ele chamou de “bastante terrível”. No documentário Meet Marlon Brando de 1965, revelou que o produto final ouvido no filme foi o resultado de inúmeras canções que foram cortadas numa só e mais tarde brincou: “Não consegui bater uma nota com um taco de basebol; algumas notas que perdi por margens extraordinárias… Coseram as minhas palavras numa canção com tanta força que, quando falei em frente da câmara, quase me asfixiei”. As relações entre Brando e Costar Frank Sinatra também foram geladas, com Stefan Kanfer a observar: “Os dois homens eram diametralmente opostos: Marlon exigia múltiplas tomadas; Frank detestava repetir-se”. No seu primeiro encontro, Sinatra terá dito: “Não me venhas com essa merda do Actors Studio”. Brando mais tarde respondeu, “Frank é o tipo de homem, quando morre, ele vai para o céu e dá a Deus um momento difícil para o fazer careca”. Frank Sinatra chamou Brando “o actor mais sobrevalorizado do mundo”, e referiu-se a ele como “resmungão”. O filme foi comercialmente embora sem sucesso crítico, custando $5,5 milhões de dólares para fazer e rendendo $13 milhões.

Brando interpretou Sakini, um intérprete japonês do Exército dos EUA no Japão do pós-guerra, em The Teahouse of the August Moon (1956). Pauline Kael não ficou particularmente impressionada com o filme, mas notou que “Marlon Brando morreu de fome para interpretar o intérprete de píxeis Sakini, e parece que está a gostar de falar com sotaque maluco, a sorrir de menino, a inclinar-se para a frente, e a fazer movimentos complicados com as pernas. Ele é inofensivamente genial (e certamente sente a sua falta quando está fora do ecrã), embora o papel de fey, roguish não lhe permita fazer aquilo em que ele é óptimo e é possível que ele seja menos eficaz nisso do que um actor menor poderia ter sido”. Em Sayonara (1957), ele apareceu como oficial da Força Aérea dos Estados Unidos. A Newsweek achou o filme um “conto aborrecido sobre o encontro dos dois”, mas foi no entanto um sucesso de bilheteira. Segundo a biografia de Stefan Kanfer do actor, o gerente de Brando, Jay Kanter, negociou um contrato lucrativo com dez por cento do bruto destinado a Brando, o que o colocou na categoria de milionário. O filme foi controverso devido à discussão aberta do casamento inter-racial, mas provou ser um grande sucesso, tendo ganho 10 nomeações para o Oscar, com Brando a ser nomeado para Melhor Actor. O filme ganhou quatro Prémios da Academia. Teahouse e Sayonara foram os primeiros de uma série de filmes que Brando se esforçaria por realizar na década seguinte e que continham mensagens socialmente relevantes, e formou uma parceria com a Paramount para estabelecer a sua própria companhia de produção chamada Pennebaker, o seu objectivo declarado de desenvolver filmes que continham “valor social que melhoraria o mundo”. O nome era uma homenagem em honra da sua mãe, que tinha falecido em 1954. Por todos os relatos, Brando foi devastado pela sua morte, com o biógrafo Peter Manso a dizer à Biografia da A&E: “Era ela quem lhe podia dar aprovação como mais ninguém podia e, depois da morte da sua mãe, parece que Marlon deixa de se importar”. Brando nomeou o seu pai para dirigir Pennebaker. No mesmo especial A&E, George Englund afirma que Brando deu o emprego ao seu pai porque “deu a Marlon a oportunidade de lhe dar uns tiros, de o rebaixar e de o diminuir”.

Em 1958, Brando apareceu em The Young Lions, tingindo o seu cabelo de louro e assumindo um sotaque alemão para o papel, o que mais tarde admitiu não ser convincente. O filme é baseado no romance de Irwin Shaw, e o retrato de Brando da personagem Christian Diestl foi controverso para o seu tempo. Mais tarde escreveu: “O guião original seguiu de perto o livro, no qual Shaw pintou todos os alemães como caricaturas do mal, especialmente Christian, a quem retratou como símbolo de tudo o que era mau no nazismo; ele era mau, desagradável, vicioso, um cliché do mal … Pensei que a história deveria demonstrar que não existem pessoas inerentemente ‘más’ no mundo, mas podem ser facilmente enganadas”. Shaw e Brando até apareceram juntos para uma entrevista televisiva com o correspondente da CBS David Schoenbrun e, durante uma troca bombástica, Shaw acusou que, como a maioria dos actores, Brando era incapaz de fazer de vilão; Brando respondeu declarando “Ninguém cria uma personagem a não ser um actor. Eu interpreto o papel; agora ele existe. Ele é a minha criação”. Os Jovens Leões também apresentam a única aparição de Brando num filme com o amigo e rival Montgomery Clift (embora não partilhassem cenas juntos). Brando encerrou a década ao aparecer em The Fugitive Kind (1960), em frente a Anna Magnani. O filme foi baseado noutra peça de Tennessee Williams mas dificilmente foi o sucesso de A Streetcar Named Desire, com o Los Angeles Times a rotular as personae de Williams como “psicologicamente doente ou simplesmente feio” e The New Yorker a chamar-lhe um “melodrama de cornpone”.

Valetes de Um Olho e Motim sobre a Recompensa

Em 1961, Brando fez a sua estreia na direcção no western One-Eyed Jacks. O filme foi originalmente realizado por Stanley Kubrick, mas ele foi despedido no início da produção. A Paramount fez então de Brando o realizador. Brando retrata a personagem principal Rio, e Karl Malden interpreta o seu parceiro “Dad” Longworth. O elenco de apoio apresenta Katy Jurado, Ben Johnson, e Slim Pickens. No entanto, a propensão de Brando para múltiplas repetições e exploração de personagens como actor foi transferida para a sua encenação, e o filme rapidamente ultrapassou o orçamento; a Paramount esperava que o filme levasse três meses a terminar, mas as filmagens esticaram-se para seis e o custo duplicou para mais de seis milhões de dólares. A inexperiência de Brando como editor também atrasou a pós-produção e a Paramount acabou por tomar o controlo do filme. Brando escreveu mais tarde: “A Paramount disse que não gostou da minha versão da história; eu tinha tido todos a mentir excepto Karl Malden. O estúdio cortou o filme em pedaços e fez dele um mentiroso, também. Nessa altura, já estava aborrecido com todo o projecto e afastei-me dele”. One-Eyed Jacks foi recebido com críticas mistas por parte de críticos.

A repulsa de Brando com a indústria cinematográfica parece ter sido fervida no cenário do seu próximo filme, Metro-Goldwyn-Mayer’s remake de Mutiny on the Bounty, que foi filmado no Tahiti. O actor foi acusado de sabotar deliberadamente quase todos os aspectos da produção. A 16 de Junho de 1962, The Saturday Evening Post publicou um artigo de Bill Davidson com o título “Seis milhões de dólares pelo cano abaixo: o motim de Marlon Brando”. O realizador do motim Lewis Milestone afirmou que os executivos “merecem o que recebem quando dão a um actor de presunto, uma criança petulante, o controlo total sobre um quadro caro”. O motim no Bounty quase virou o MGM e, embora o projecto tivesse de facto sido dificultado com outros atrasos para além do comportamento de Brando, as acusações iriam perseguir o actor durante anos, uma vez que os estúdios começaram a temer a reputação difícil de Brando. Os críticos também começaram a tomar nota do seu peso flutuante.

Recessão de bilheteira: 1963-1971

Distraído pela sua vida pessoal e desiludido com a sua carreira, Brando começou a ver a sua actuação como um meio para um fim financeiro. Os críticos protestaram quando ele começou a aceitar papéis em filmes muitos vistos como estando abaixo do seu talento, ou criticaram-no por não estar à altura dos melhores papéis. Anteriormente apenas assinou acordos de curta duração com estúdios cinematográficos, em 1961 Brando assinou, sem carácter característico, um acordo de cinco filmes com a Universal Studios que o iria assombrar para o resto da década. The Ugly American (1963) foi o primeiro destes filmes. Com base no romance de 1958 com o mesmo título que Pennebaker tinha optado, o filme, que apresentava a irmã de Brando, Jocelyn, foi avaliado de forma bastante positiva mas morreu nas bilheteiras. Brando foi nomeado para um Globo de Ouro pelo seu desempenho. Todos os outros filmes universais de Brando durante este período, incluindo Bedtime Story (1964), The Appaloosa (1966), A Condessa de Hong Kong (1967) e A Noite do Dia Seguinte (1969), foram também fracassos críticos e comerciais. A Condessa, em particular, foi uma desilusão para Brando, que tinha ansiado por trabalhar com um dos seus heróis, o realizador Charlie Chaplin. A experiência revelou-se infeliz; Brando ficou horrorizado com o estilo didáctico de direcção de Chaplin e com a sua abordagem autoritária. Brando tinha também aparecido no thriller de espionagem Morituri em 1965; isso também não conseguiu atrair uma audiência.

Brando reconheceu o seu declínio profissional, escrevendo mais tarde: “Alguns dos filmes que fiz durante os anos sessenta foram bem sucedidos; alguns não foram. Alguns, como A Noite do Dia Seguinte, fiz apenas pelo dinheiro; outros, como Candy, fiz porque um amigo me pediu e eu não queria recusá-lo… De certa forma, penso na minha meia-idade como os “Fodam-se os Anos”. Candy foi especialmente terrível para muitos; um filme de farsa sexual de 1968 realizado por Christian Marquand e baseado no romance de 1958 de Terry Southern, o filme satiriza histórias pornográficas através das aventuras da sua ingénua heroína, Candy, interpretada por Ewa Aulin. É geralmente considerado como o nadir da carreira de Brando. O Washington Post observou: “A auto-indulgência de Brando ao longo de uma dúzia de anos está a custar-lhe e ao seu público os seus talentos”. Na edição de Março de 1966 do The Atlantic, Pauline Kael escreveu que nos seus dias de rebelião, Brando “era anti-social porque sabia que a sociedade era uma porcaria; era um herói para a juventude porque era suficientemente forte para não aceitar a porcaria”, mas agora Brando e outros como ele tinham-se tornado “palhaços, descaradamente, ridicularizando pateticamente a sua reputação pública”. Numa crítica anterior a The Appaloosa em 1966, Kael escreveu que o actor estava “preso noutro cão de um filme … Não é a primeira vez que o Sr. Brando nos dá uma caricatura de boca aberta, adenoidalmente, de um solitário inarticulado e robusto”. Embora tenha fingido indiferença, Brando foi ferido pela mauling crítica, admitindo no filme de 2015 Listen to Me Marlon, “Eles podem atingir-te todos os dias e tu não tens maneira de ripostar”. Fui muito convincente na minha pose de indiferença, mas fui muito sensível e isso doeu muito”.

Brando retratou um oficial gay reprimido do exército em Reflections in a Golden Eye, dirigido por John Huston e co-estrelado por Elizabeth Taylor. O papel revelou-se como um dos seus mais aclamados em anos, com Stanley Crouch a maravilhar-se, “a principal realização de Brando foi retratar a escuridão taciturna mas estóica daqueles pulverizados pelas circunstâncias”. O filme em geral recebeu críticas mistas. Outro filme notável foi The Chase (1966), que juntou o actor a Arthur Penn, Robert Duvall, Jane Fonda e Robert Redford. O filme trata de temas de racismo, revolução sexual, corrupção em pequenas cidades, e vigilantismo. O filme foi recebido na sua maioria de forma positiva.

Brando citou Burn! (1969) como o seu favorito pessoal dos filmes que tinha feito, escrevendo na sua autobiografia: “Penso que fiz algumas das melhores actuações que já fiz naquele filme, mas poucas pessoas vieram vê-lo”. Brando dedicou um capítulo completo ao filme nas suas memórias, afirmando que o realizador, Gillo Pontecorvo, foi o melhor realizador com quem já tinha trabalhado ao lado de Kazan e Bernardo Bertolucci. Brando também pormenorizou os seus confrontos com Pontecorvo no cenário e como “quase nos matámos um ao outro”. Livremente baseado em acontecimentos da história de Guadalupe, o filme teve uma recepção hostil por parte dos críticos. Em 1971, Michael Winner dirigiu-o no filme de terror britânico The Nightcomers com Stephanie Beacham, Thora Hird, Harry Andrews e Anna Palk. É uma prequela a The Turn of the Screw, que mais tarde se tornou no filme The Innocents de 1961. A actuação de Brando valeu-lhe uma nomeação para Melhor Actor BAFTA, mas o filme foi bombardeado na bilheteira.

O Padrinho e o Último Tango em Paris

Durante a década de 1970, o Brando foi considerado “não bancável”. Os críticos estavam a tornar-se cada vez mais desdenhosos do seu trabalho e ele não aparecia numa bilheteira desde The Young Lions em 1958, o último ano em que tinha sido classificado como uma das Dez Melhores Estrelas de Box Office e o ano da sua última nomeação para o Oscar, para Sayonara. A actuação de Brando como Vito Corleone, o “Don”, em O Padrinho (1972), a adaptação de Francis Ford Coppola do romance mais vendido de 1969 de Mario Puzo com o mesmo nome, foi um ponto de viragem na carreira, colocando-o novamente no Top Ten e ganhando-lhe o seu segundo Óscar de Melhor Actor.

O chefe de produção da Paramount Robert Evans, que tinha dado a Puzo um adiantamento para escrever O Padrinho para que a Paramount fosse proprietária dos direitos do filme, contratou Coppola depois de muitos grandes realizadores terem recusado o filme. Evans queria um realizador ítalo-americano que pudesse conferir autenticidade cultural ao filme. Coppola também saiu barato. Evans estava consciente do facto de que o último filme da Paramount, A Irmandade (1968) tinha sido uma bomba de bilheteira, e acreditava que isso se devia em parte ao facto de o realizador, Martin Ritt, e a estrela, Kirk Douglas, serem judeus e de o filme não ter um sabor italiano autêntico. O estúdio pretendia originalmente que o filme fosse uma produção de baixo orçamento, ambientada nos tempos contemporâneos sem grandes actores, mas o sucesso fenomenal do romance deu a Evans o poder de transformar O Padrinho num filme de prestígio.

Coppola tinha desenvolvido uma lista de actores para todos os papéis, e a sua lista de potenciais Dons incluía o ítalo-americano Ernest Borgnine, vencedor do Óscar, o ítalo-americano Frank de Kova (mais conhecido por interpretar o Chefe Águia Selvagem na sitcom F-Troop da TV), John Marley (um indicado ao Oscar de melhor apoio para o filme de sucesso da Paramount de 1970 Love Story, que foi elenco como o produtor de filmes Jack Woltz no filme), o ítalo-americano Richard Conte (que foi elenco como o rival mortal de Don Corleone, Don Emilio Barzini), e o produtor de filmes italiano Carlo Ponti. Coppola admitiu numa entrevista de 1975: “Finalmente, achámos que tínhamos de atrair o melhor actor do mundo. Era assim tão simples. Isso resumia-se a Laurence Olivier ou Marlon Brando, que são os maiores actores do mundo”. A cópia holográfica da lista de elenco de Coppola mostra o nome de Brando sublinhado.

Evans disse a Coppola que tinha estado a pensar em Brando na parte dois anos antes, e Puzo tinha imaginado Brando na parte em que escreveu o romance e tinha-lhe escrito sobre a parte, por isso Coppola e Evans limitaram-na a Brando. (Ironicamente, Olivier concorreria com Brando para o Óscar de Melhor Actor pelo seu papel em Sleuth. Ele venceu Brando nos Prémios dos Círculos da Crítica de Cinema de Nova Iorque de 1972). Albert S. Ruddy, a quem a Paramount designou para produzir o filme, concordou com a escolha de Brando. No entanto, os executivos de estúdio da Paramount opuseram-se ao casting Brando devido à sua reputação de dificuldade e à sua longa série de fracassos de bilheteira. Brando também tinha os One-Eyed Jacks a trabalhar contra ele, uma produção problemática que perdeu dinheiro para a Paramount quando esta foi lançada em 1961. O presidente da Paramount Pictures Stanley Jaffe disse a um Coppola exasperado: “Enquanto eu for presidente deste estúdio, Marlon Brando não estará neste filme, e eu não permitirei mais que o discuta”.

Numa entrevista de 1994 que pode ser encontrada no website da Academia de Realizações, Coppola insistiu: “O Padrinho era um filme muito pouco apreciado quando o estávamos a fazer. Eles estavam muito insatisfeitos com ele. Eles não gostaram do elenco. Não gostaram da forma como eu o estava a filmar. Eu estava sempre à beira de ser despedido”. Quando soube disto, Brando ameaçou sair do filme, escrevendo nas suas memórias: “Acredito firmemente que os realizadores têm direito à independência e liberdade para realizar a sua visão, embora Francisco tenha deixado as caracterizações nas nossas mãos e nós tivéssemos de descobrir o que fazer”. Numa entrevista televisiva de 2010 com Larry King, Al Pacino também falou sobre como o apoio de Brando o ajudou a manter o papel de Michael Corleone no filme – apesar do facto de Coppola o querer despedir. Pacino também explicou na entrevista a Larry King que, embora Coppola expressasse desapontamento nas primeiras cenas de Pacino, não ameaçou especificamente despedi-lo; o próprio Coppola estava a sentir a pressão de executivos de estúdio que ficaram perplexos com a actuação de Pacino. Na mesma entrevista, Pacino credita Coppola por lhe ter conseguido o papel. Brando estava no seu melhor comportamento durante as filmagens, animado por um elenco que incluía Pacino, Robert Duvall, James Caan, e Diane Keaton. No artigo da Vanity Fair “The Godfather Wars”, Mark Seal escreve: “Com os actores, como no filme, Brando serviu como chefe da família. Ele quebrou o gelo brindando o grupo com um copo de vinho”. “Quando éramos jovens, Brando era como o padrinho dos actores”, diz Robert Duvall. ‘Costumava encontrar-me com Dustin Hoffman na Drogaria Cromwell, e se mencionássemos o seu nome uma vez, mencionávamo-lo 25 vezes num dia’. Caan acrescenta, ‘No primeiro dia em que nos encontrámos com Brando, todos ficaram admirados'”.

O desempenho do Brando foi brilhantemente revisto pelos críticos. “Pensei que seria interessante interpretar um gangster, talvez pela primeira vez no cinema, que não fosse como aqueles bandidos que Edward G. Robinson interpretou, mas que é uma espécie de herói, um homem a ser respeitado”, recordou Brando na sua autobiografia. “Também, porque ele tinha tanto poder e autoridade inquestionável, pensei que seria um contraste interessante jogá-lo como um homem gentil, ao contrário de Al Capone, que batia nas pessoas com bastões de basebol”. Duvall ficou mais tarde maravilhado com a Biografia de A&E, “Ele minimizou o sentido de começar. Por outras palavras, ele considerava a palavra acção. Ele iria para a frente daquela câmara tal como era antes. Corta! Era tudo a mesma coisa. Não havia realmente um começo. Aprendi muito ao ver isso”. Brando ganhou o Oscar de Melhor Actor pela sua actuação, mas recusou-o, tornando-se o segundo actor a recusar um prémio de Melhor Actor (depois de George C. Scott para Patton). Ele não compareceu à cerimónia de atribuição do prémio, pelo que enviou a activista dos direitos indígenas americanos Sacheen Littlefeather, que apareceu vestida de Apache, para dar as razões de Brando, que, disse ela, se deviam ao “tratamento dos índios americanos hoje em dia pela indústria cinematográfica … e nas reprises de televisão e cinema e também com acontecimentos recentes no Wounded Knee”. A Ocupação do Joelho Ferido de 1973 estava a ocorrer na altura da cerimónia. Brando tinha escrito um discurso para Littlefeather ler, mas como ela explicou, isso não foi permitido devido a restrições de tempo. No discurso escrito, Brando acrescentou que esperava que o seu declínio do Óscar fosse visto como “um esforço sério para concentrar a atenção numa questão que poderia muito bem determinar se este país tem ou não o direito de dizer a partir deste momento acreditamos nos direitos inalienáveis de todas as pessoas de permanecerem livres e independentes em terras que apoiaram a sua vida para além da memória viva”.

O actor seguiu O Padrinho com o filme O Último Tango de Bernardo Bertolucci de 1972 em Paris, interpretando em frente a Maria Schneider, mas o desempenho altamente notório de Brando ameaçou ser ofuscado por um tumulto sobre o conteúdo sexual do filme. Brando retrata um viúvo americano recente chamado Paul, que inicia uma relação sexual anónima com uma jovem mulher parisiense desposada chamada Jeanne. Tal como nos filmes anteriores, Brando recusou-se a memorizar as suas falas para muitas cenas; em vez disso, escreveu as suas falas em cartões de visita e afixou-as no cenário para fácil referência, deixando Bertolucci com o problema de as manter fora da moldura do filme. O filme apresenta várias cenas intensas e gráficas envolvendo Brando, incluindo Paul anally violando Jeanne usando manteiga como lubrificante, o que alegadamente não foi consensual. A actriz confirmou que não ocorreu sexo real, mas queixou-se de que não lhe foi dito o que a cena incluiria até pouco antes da filmagem.

Bertolucci também filmou uma cena que mostrava os genitais de Brando, mas em 1973 explicou: “Tinha-me identificado tanto com Brando que o cortei por vergonha para mim próprio. Mostrar-lhe nua teria sido como mostrar-me nua”. Schneider declarou numa entrevista que “Marlon disse que se sentiu violado e manipulado por ele e que tinha 48 anos. E ele era Marlon Brando!”. Tal como Schneider, Brando confirmou que o sexo foi simulado. Bertolucci disse sobre Brando que ele era “um monstro como actor e um querido como ser humano”. Brando recusou-se a falar com Bertolucci durante 15 anos após a produção ter sido concluída. Bertolucci disse:

Estava a pensar que era como um diálogo em que ele respondia realmente às minhas perguntas de certa forma. Quando no final do filme, quando ele o viu, descobri que ele se apercebeu do que estávamos a fazer, que ele estava a proporcionar tanto da sua própria experiência. E ele ficou muito aborrecido comigo, e eu disse-lhe: “Ouve, tu és um adulto. Mais velho do que eu. Não se apercebeu do que estava a fazer?” E ele não falava comigo durante anos.

Alternatives:No entanto;Contudo;Contudo, aNo entanto, a

Liguei-lhe um dia em 93, penso eu, estava em LA e a minha mulher estava a rodar um filme. Antes de mais, ele atendeu o telefone, e estava a falar comigo como se nos tivéssemos visto um dia antes. Ele disse: “Vem cá”. Eu disse: “Quando?”. Ele disse: “Agora”. Por isso lembro-me de conduzir em Mulholland Drive até à sua casa e de pensar que não vou conseguir, penso que me vou despenhar antes . Eu estava tão emocionado.

O filme também apresenta o confronto final furioso e emotivo de Paul com o cadáver da sua falecida esposa. O controverso filme foi no entanto um sucesso, e Brando fez pela última vez a lista das Dez Estrelas de Box Office Top Ten. O seu negócio de participação bruta rendeu-lhe 3 milhões de dólares. Os membros votantes da Academia de Artes e Ciências Cinematográficas nomearam novamente Brando para Melhor Actor, a sua sétima nomeação. Embora Brando tenha ganho os Prémios do Círculo de Críticos de Cinema de Nova Iorque de 1973, ele não compareceu à cerimónia nem enviou um representante para receber o prémio, caso ganhasse.

Pauline Kael, na revista The New Yorker, escreveu “A descoberta do filme chegou finalmente. Bertolucci e Brando alteraram a face de uma forma de arte”. Brando confessou na sua autobiografia: “Até hoje não posso dizer sobre o que foi o Último Tango em Paris”, e acrescentou o filme “exigiu que eu fizesse muita luta emocional de braços comigo mesmo, e quando terminou, decidi que nunca mais me ia destruir emocionalmente para fazer um filme”.

Em 1973, Brando ficou devastado com a morte do seu melhor amigo de infância Wally Cox. Brando dormiu em pijama de Cox e arrancou as suas cinzas à sua viúva. Ela ia processar pelo seu regresso, mas finalmente disse “Penso que Marlon precisa mais das cinzas do que eu”.

Alternatives:Final da década de 1970Final dos anos 70Final da década de 70Final dos anos setenta

Em 1976, Brando apareceu em The Missouri Breaks com o seu amigo Jack Nicholson. O filme também reunia o actor com o realizador Arthur Penn. Como o biógrafo Stefan Kanfer descreve, Penn teve dificuldade em controlar Brando, que parecia ter a intenção de ir além das expectativas com o seu assassino Robert E. Lee Clayton, que se transformou em roufa: “Marlon fez dele um psicopata travesti. Ausente durante a primeira hora do filme, Clayton entra a cavalo, pendurado de cabeça para baixo, cativado em pele branca, ao estilo de Littlefeather. Fala com sotaque irlandês, sem razão aparente. Durante a hora seguinte, também sem razão aparente, Clayton assume a entoação de um idiota britânico de classe alta e de uma mulher idosa de fronteira, completa com um vestido de avozinha e uma touca a condizer. Penn, que acreditava em deixar os actores fazer o seu trabalho, cedeu a Marlon até ao fim”. Os críticos foram indelicados, com The Observer a chamar à actuação de Brando “uma das mais extravagantes exibições de grandedamerie desde Sarah Bernhardt”, enquanto The Sun se queixou, “Marlon Brando aos cinquenta e dois anos de idade tem a barriga desleixada de um homem de sessenta e dois anos de idade, o cabelo branco de um homem de setenta e dois anos, e a falta de disciplina de um menino precoce de doze anos”. No entanto, Kanfer observou: “Embora o seu trabalho tardio tenha sido recebido com desaprovação, um reexame mostra que muitas vezes, no meio da cena mais pedestre, haveria uma ocorrência súbita e luminosa, um flash do velho Marlon que mostrava como ele permanecia capaz”.

Brando estrelou como Coronel Walter E. Kurtz no épico Apocalipse Agora (1979) de Francis Ford Coppola no Vietname. Ele interpreta um oficial altamente condecorado das Forças Especiais do Exército dos E.U.A. que se renega, dirigindo a sua própria operação baseada no Camboja e é temido tanto pelos militares dos E.U.A. como pelos vietnamitas. Brando recebe 1 milhão de dólares por semana por 3 semanas de trabalho. O filme chamou a atenção para a sua longa e perturbada produção, como o documentário de Eleanor Coppola Hearts of Darkness: Os documentos do Apocalipse de um cineasta: Brando apareceu no cenário com excesso de peso, Martin Sheen sofreu um ataque cardíaco, e o mau tempo destruiu vários cenários caros. O lançamento do filme foi também adiado várias vezes enquanto Coppola editava milhões de metros de filmagens. No documentário, Coppola fala de como ficou surpreendido quando um Brando com excesso de peso apareceu para as suas cenas e, sentindo-se desesperado, decidiu retratar Kurtz, que aparece emaciado na história original, como um homem que se tinha entregado a todos os aspectos de si próprio. Coppola: “Ele já era pesado quando o contratei e prometeu-me que ia ficar em forma e eu imaginei que, se ele fosse pesado, eu poderia usar isso. Mas ele era tão gordo, que era muito, muito tímido sobre isso … Ele era muito, muito inflexível sobre como não se queria retratar dessa forma”. Brando admitiu a Coppola que não tinha lido o livro, Coração das Trevas, como o realizador lhe tinha pedido, e a dupla passou dias a explorar a história e o personagem de Kurtz, muito para benefício financeiro do actor, segundo o produtor Fred Roos: “O relógio estava a contar neste negócio que ele tinha e tínhamos de o acabar dentro de três semanas ou entraríamos nesta idade avançada muito cara… E Francis e Marlon falariam sobre a personagem e os dias inteiros passariam. E isto é a pedido de Marlon – e no entanto ele está a ser pago por isso”.

Alternatives:Trabalho posteriorTrabalhos posteriores

Depois de aparecer como magnata do petróleo Adam Steiffel na década de 1980 A Fórmula, que foi mal recebida pela crítica, Brando anunciou a sua reforma de representação. No entanto, regressou em 1989 em A Dry White Season, baseado no romance anti-apartheid de André Brink de 1979. Brando concordou em fazer o filme de graça, mas caiu com o realizador Euzhan Palcy sobre a forma como o filme foi editado; fez mesmo uma rara aparição na televisão numa entrevista com Connie Chung para exprimir a sua desaprovação. Nas suas memórias, afirmou que Palcy “tinha cortado o filme tão mal, pensei eu, que o drama inerente a este conflito era, na melhor das hipóteses, vago”. Brando recebeu elogios pela sua actuação, tendo ganho uma nomeação para o Oscar de Melhor Actor Coadjuvante e ganho o Prémio de Melhor Actor no Festival de Cinema de Tóquio.

Brando fez críticas entusiásticas pela caricatura do seu papel de Vito Corleone como Carmine Sabatini em 1990, The Freshman. Na sua crítica original, Roger Ebert escreveu: “Houve muitos filmes em que as estrelas repetiram os triunfos das suas partes – mas alguma estrela alguma vez o fez de forma mais triunfal do que Marlon Brando em O Caloiro?”. Variedade também elogiou a actuação de Brando como Sabatini e notou, “A actuação sublime de Marlon Brando na comédia eleva The Freshman da comédia de screwball a um nicho peculiar na história do cinema”. Brando estrelou ao lado do seu amigo Johnny Depp no sucesso de bilheteira Don Juan DeMarco (1995), no qual também partilhou créditos com a cantora Selena na sua única aparição nas filmagens, e no controverso The Brave (1997) de Depp, que nunca foi lançado nos Estados Unidos.

Actuações posteriores, como a sua aparição em Cristóvão Colombo: The Discovery (1992) (pelo qual foi nomeado para um Raspberry como “Worst Supporting Actor”), The Island of Dr. Moreau (no qual ganhou um “Worst Supporting Actor” Raspberry) (1996), e a sua quase irreconhecível aparição em Free Money (1998), resultou em algumas das piores críticas da sua carreira. O argumentista da Ilha do Dr. Moreau Ron Hutchinson diria mais tarde, no seu livro de memórias, “Apegar-se ao Iceberg”: Escrevendo para Viver no Palco e em Hollywood (2017), que Brando sabotou a produção do filme, ao lutar e recusar-se a cooperar com os seus colegas e a equipa de filmagem.

Ao contrário dos seus predecessores imediatos, o último filme concluído de Brando, The Score (2001), foi recebido geralmente de forma positiva. No filme, no qual retrata uma vedação, estrelou com Robert De Niro.

Após a morte de Brando, foi lançado o romance Fan-Tan. Brando concebeu o romance com o realizador Donald Cammell em 1979, mas só foi lançado em 2005.

A notoriedade de Brando, a sua vida familiar problemática e a sua obesidade atraíram mais atenção do que a sua carreira de actor tardia. Ganhou muito peso nos anos 70; no início dos anos 90, pesava mais de 140 kg e sofria de diabetes tipo 2. Teve uma história de flutuação de peso ao longo da sua carreira que, de um modo geral, atribuiu aos seus anos de sobrealimentação relacionada com o stress, seguidos de uma dieta compensatória. Ganhou também a reputação de ser difícil no cenário, muitas vezes relutante ou incapaz de memorizar as suas falas e menos interessado em tomar a direcção do que em confrontar o realizador do filme com exigências estranhas. Também teve alguma inovação nos seus últimos anos. Recebeu várias patentes em seu nome do U.S. Patent and Trademark Office, todas elas envolvendo um método de tensionar cabeças de tambor, entre Junho de 2002 e Novembro de 2004 (por exemplo, ver Patente dos EUA 6,812,392).

Em 2004, Brando gravou faixas de voz para a personagem Mrs. Sour no filme de animação inédito Big Bug Man. Este foi o seu último papel e o seu único papel como personagem feminina.

Amigo de longa data do animador Michael Jackson, Brando visitou regularmente o seu Rancho Neverland, descansando lá durante semanas de cada vez. Brando também participou nos concertos a solo de dois dias da carreira do cantor, em 2001, para celebrar o 30º aniversário, e estrelou no seu vídeo musical de 13 minutos “You Rock My World”, no mesmo ano.

O filho do actor, Miko, foi guarda-costas e assistente de Jackson durante vários anos, e foi amigo do cantor. “A última vez que o meu pai saiu de casa para ir a qualquer lugar, para passar qualquer tipo de tempo, foi com Michael Jackson”, declarou Miko. “Ele adorava-o … Tinha um chefe de cozinha 24 horas, segurança 24 horas, ajuda 24 horas, cozinha 24 horas, serviço de camareira 24 horas. Apenas carte blanche”. “Michael foi fundamental para ajudar o meu pai durante os últimos anos da sua vida. Por isso, ficarei sempre em dívida para com ele. O pai teve dificuldade em respirar nos seus últimos dias, e ele estava a tomar oxigénio a maior parte do tempo. Ele adorava o ar livre, por isso Michael convidava-o a ir à Terra do Nunca. O pai podia nomear todas as árvores lá, e as flores, mas estando em oxigénio era difícil para ele andar por aí e vê-las todas, é um lugar tão grande. Assim, Michael arranjou ao pai um carrinho de golfe com um tanque de oxigénio portátil para que ele pudesse dar a volta e desfrutar da Terra do Nunca. Eles apenas conduziam à volta de Michael Jackson, Marlon Brando, com um tanque de oxigénio num carrinho de golfe”. Em Abril de 2001, Brando foi hospitalizado com pneumonia.

Em 2004, Brando assinou com o realizador cinematográfico tunisino Ridha Behi e iniciou a pré-produção de um projecto que se intitularia Brando e Brando. Até uma semana antes da sua morte, ele estava a trabalhar no guião em antecipação de um

A 1 de Julho de 2004, Brando morreu de insuficiência respiratória por fibrose pulmonar com insuficiência cardíaca congestiva no Centro Médico da UCLA. A causa da morte foi inicialmente retida, com o seu advogado a citar preocupações de privacidade. Também sofria de diabetes e de cancro do fígado. Pouco antes da sua morte e apesar de precisar de uma máscara de oxigénio para respirar, gravou a sua voz para aparecer no The Godfather: O Jogo, mais uma vez como Don Vito Corleone. No entanto, Brando gravou apenas uma linha devido à sua saúde, e foi contratado um imitador para terminar as suas linhas. A sua única linha gravada foi incluída no jogo final como um tributo ao actor. Algumas linhas adicionais da sua personagem foram directamente retiradas do filme. A co-estrela de Karl Malden-Brando em três filmes (A Streetcar Named Desire, On the Waterfront, e One-Eyed Jacks)- foi narrado num documentário que acompanhava o DVD de A Streetcar Named Desire sobre um telefonema que ele recebeu de Brando pouco antes da morte de Brando. Um Brando angustiado disse a Malden que ele continuava a cair. Malden queria vir, mas Brando adiou-o, dizendo-lhe que não fazia sentido. Três semanas mais tarde, Brando estava morto. Pouco antes da sua morte, ele tinha aparentemente recusado permissão para tubos que transportavam oxigénio a serem inseridos nos seus pulmões, o que, segundo lhe disseram, era a única forma de prolongar a sua vida.

Brando foi cremado, e as suas cinzas foram colocadas com as do seu bom amigo Wally Cox e outro amigo de longa data, Sam Gilman. Foram então dispersos em parte no Taiti e em parte no Vale da Morte. Em 2007, uma biópsia de 165 minutos de Brando para Turner Classic Movies, Brando: O Documentário, produzido por Mike Medavoy (o executor do testamento de Brando), foi lançado.

Brando era conhecido pela sua tumultuosa vida pessoal e pelo seu grande número de parceiros e filhos. Foi o pai de pelo menos 11 filhos, três dos quais foram adoptados. Em 1976, disse a um jornalista francês: “A homossexualidade está tão na moda que já não faz notícia. Como um grande número de homens, também eu tive experiências homossexuais, e não tenho vergonha. Nunca prestei muita atenção ao que as pessoas pensam de mim. Mas se há alguém que está convencido de que Jack Nicholson e eu somos amantes, que o continue a fazer. Acho engraçado”.

Em Songs My Mother Taught Me, Brando escreveu que conheceu Marilyn Monroe numa festa onde ela tocava piano, despercebida por qualquer outra pessoa, que eles tiveram um caso e mantiveram uma relação intermitente durante muitos anos, e que ele recebeu um telefonema dela vários dias antes de ela morrer. Também reivindicou numerosos outros romances, embora não tenha discutido os seus casamentos, as suas esposas, ou os seus filhos na sua autobiografia.

Conheceu a actriz e bailarina nisei Reiko Sato no início da década de 1950. Embora a sua relação esfriasse, permaneceram amigos para o resto da vida de Sato, com ela a dividir o seu tempo entre Los Angeles e Tetiaroa nos seus últimos anos. Em 1954 Dorothy Kilgallen relatou que eles eram um item.

Brando foi apaixonado pela actriz mexicana Katy Jurado depois de a ter visto em High Noon. Encontraram-se quando Brando estava a filmar Viva Zapata! no México. Brando disse a Joseph L. Mankiewicz que se sentia atraído “pelos seus olhos enigmáticos, negros como o inferno, apontando para si como flechas ardentes”. O seu primeiro encontro tornou-se o início de um caso prolongado que durou muitos anos e atingiu o auge na altura em que trabalharam juntos em One-Eyed Jacks (1960), um filme realizado por Brando.

Brando conheceu a actriz Rita Moreno em 1954, e iniciaram um caso de amor. Moreno revelou mais tarde nas suas memórias que, quando ela engravidou de Brando, ele providenciou um aborto. Após o aborto ter sido atropelado e Brando se ter apaixonado por Tarita Teriipaia, Moreno tentou suicídio por overdose dos comprimidos para dormir de Brando. Anos depois de se separarem, Moreno interpretou o seu interesse amoroso no filme A Noite do Dia Seguinte.

Brando casou com a actriz Anna Kashfi em 1957. Kashfi nasceu em Calcutá e mudou-se da Índia para o País de Gales em 1947. É filha de um trabalhador siderúrgico galês de ascendência irlandesa, William O’Callaghan, que tinha sido superintendente dos caminhos-de-ferro do Estado indiano, e da sua esposa galesa Phoebe. No entanto, no seu livro, Brando for Breakfast, Kashfi afirmou que ela era metade indiana e que O’Callaghan era o seu padrasto. Afirmou que o seu pai biológico era indiano e que ela era o resultado de uma “aliança não registada” entre os seus pais. Brando e Kashfi tiveram um filho, Christian Brando, a 11 de Maio de 1958; divorciaram-se em 1959.

Em 1960, Brando casou com Movita Castaneda, uma actriz mexicano-americana; o casamento foi anulado em 1968 depois de ter sido descoberto que o seu casamento anterior ainda estava activo. Castaneda tinha aparecido no primeiro Mutiny no filme Bounty em 1935, cerca de 27 anos antes do remake de 1962, com Brando como Fletcher Christian. Eles tiveram dois filhos juntos: Miko Castaneda Brando (nascida em 1961) e Rebecca Brando (nascida em 1966).

A actriz francesa Tarita Teriipaia, que interpretou o interesse amoroso de Brando em Mutiny on the Bounty, tornou-se a sua terceira esposa a 10 de Agosto de 1962. Ela tinha 20 anos de idade, 18 anos mais nova do que Brando, que alegadamente estava encantada com a sua ingenuidade. Como Teriipaia era uma falante nativa de francês, Brando tornou-se fluente na língua e deu numerosas entrevistas em francês. Brando e Teriipaia tiveram dois filhos juntos: Simon Teihotu Brando (nascido em 1963) e Tarita Cheyenne Brando (1970-1995). Brando adoptou também a filha de Teriipaia, Maimiti Brando (nascida em 1977) e a sobrinha, Raiatua Brando (nascida em 1982). Brando e Teriipaia divorciaram-se em Julho de 1972.

Após a morte de Brando, a filha da actriz Cynthia Lynn alegou que Brando tinha tido um caso de curta duração com a sua mãe, que apareceu com Brando em Bedtime Story, e que este caso resultou no seu nascimento em 1964. Ao longo de finais dos anos 60 e início dos anos 80, teve uma relação tempestiva e duradoura com a actriz Jill Banner.

Brando teve uma relação a longo prazo com a sua governanta Maria Cristina Ruiz, com a qual teve três filhos: Ninna Priscilla Brando (nascida a 13 de Maio de 1989), Myles Jonathan Brando (nascido a 16 de Janeiro de 1992), e Timothy Gahan Brando (nascido a 6 de Janeiro de 1994). Brando adoptou também Petra Brando-Corval (nascida em 1972), a filha da sua assistente Caroline Barrett e do romancista James Clavell.

A estreita amizade de Brando com Wally Cox foi o tema de rumores. Brando contou a um jornalista: “Se Wally tivesse sido uma mulher, eu teria casado com ele e teríamos vivido felizes para sempre”. Duas das esposas de Cox, contudo, rejeitaram a sugestão de que o amor era mais do que platónico.

O neto de Brando Tuki Brando (nascido em 1990), filho de Cheyenne Brando, é um modelo de moda. Os seus numerosos netos incluem também Prudence Brando e Shane Brando, filhos de Miko C. Brando; os filhos de Rebecca Brando; e os três filhos de Teihotu Brando, entre outros.

Stephen Blackehart foi dado como filho de Brando, mas Blackehart contesta esta alegação.

Em 2018, Quincy Jones e Jennifer Lee afirmaram que Brando tinha tido uma relação sexual com o comediante e actor do Super-Homem III Richard Pryor. A filha de Pryor, Rain Pryor, contestou mais tarde a alegação.

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Brando ganhou uma reputação de “mau rapaz” pelas suas explosões públicas e pelas suas artimanhas. Segundo a revista Los Angeles, “Brando era rock and roll antes que alguém soubesse o que era rock and roll”. O seu comportamento durante as filmagens de Mutiny on the Bounty (1962) pareceu reforçar a sua reputação como uma estrela difícil. Foi acusado de uma mudança de director e de um orçamento fugaz, embora tenha renunciado à responsabilidade por qualquer um dos dois. Em 12 de Junho de 1973, Brando partiu o maxilar do paparazzo Ron Galella. Galella tinha seguido Brando, que era acompanhado pelo apresentador do talk show Dick Cavett, após uma gravação do The Dick Cavett Show na cidade de Nova Iorque. Ele pagou um acordo extrajudicial de 40.000 dólares e sofreu uma mão infectada como resultado. Galella usou um capacete de futebol da próxima vez que fotografou Brando numa gala em benefício da Associação de Desenvolvimento dos Índios Americanos em 1974.

As filmagens de Mutiny on the Bounty afectaram a vida de Brando de uma forma profunda, uma vez que ele se apaixonou pelo Taiti e pelo seu povo. Comprou um atol de 12 ilhas, Tetiaroa, e em 1970 contratou um jovem arquitecto premiado de Los Angeles, Bernard Judge, para lá construir a sua casa e aldeia natural sem despojar o ambiente. Foi estabelecido um laboratório ambiental que protegia as aves e tartarugas marinhas, e durante muitos anos grupos de estudantes visitaram-no. O furacão de 1983 destruiu muitas das estruturas, incluindo a sua estância turística. Um hotel com o nome de Brando, The Brando Resort Brando era um operador de rádio de presunto activo, com os sinais de chamada KE6PZH e FO5GJ (este último da sua ilha). Foi incluído nos registos da Comissão Federal de Comunicações (FCC) como Martin Brandeaux para preservar a sua privacidade.

No episódio da A&E Biografia sobre Brando, o biógrafo Peter Manso comenta: “Por um lado, ser uma celebridade permitiu que Marlon se vingasse do mundo que o tinha ferido tão profundamente, que o tinha marcado tão profundamente. Por outro lado, ele detestava-o porque sabia que era falso e efémero”. No mesmo programa, outro biógrafo, David Thomson, relata: “Muitas, muitas pessoas que trabalharam com ele, e vieram trabalhar com ele com as melhores intenções, partiram desesperadas, dizendo que ele é um miúdo mimado. Tem de ser feito à sua maneira ou ele vai embora com uma vasta história sobre como foi prejudicado, ficou ofendido, e penso que isso se enquadra no padrão psicológico de que ele era um miúdo prejudicado”.

Activismo político

Em 1946, Brando actuou na peça Sionista de Ben Hecht A Flag is Born. Participou em algumas angariações de fundos para John F. Kennedy nas eleições presidenciais de 1960. Em Agosto de 1963, participou na Marcha sobre Washington juntamente com outras celebridades, Harry Belafonte, James Garner, Charlton Heston, Burt Lancaster e Sidney Poitier. Juntamente com Paul Newman, Brando também participou nos passeios de liberdade. Brando apoiou Lyndon B. Johnson nas eleições presidenciais de 1964 nos Estados Unidos.

No Outono de 1967, Brando visitou Helsínquia, Finlândia, numa festa de caridade organizada pela UNICEF no Teatro da Cidade de Helsínquia. A gala foi transmitida pela televisão em treze países. A visita de Brando baseou-se na fome que tinha visto em Bihar, Índia, e ele apresentou o filme que lá rodou à imprensa e convidou convidados. Falou a favor dos direitos das crianças e da ajuda ao desenvolvimento nos países em desenvolvimento.

Na sequência do assassinato de Martin Luther King Jr. em 1968, Brando assumiu um dos mais fortes compromissos para promover o trabalho de King. Pouco depois da morte de King, ele anunciou que estava a desistir do papel principal de um grande filme (The Arrangement) (1969) que estava prestes a começar a produção, a fim de se dedicar ao movimento dos direitos civis. “Senti que era melhor ir descobrir onde está; o que é ser negro neste país; do que se trata esta raiva”, disse Brando no talk show da ABC-TV, Joey Bishop Show, no final da noite. No episódio da Biografia da A&E sobre Brando, o actor e co-estrela Martin Sheen afirma: “Nunca esquecerei a noite em que o Reverendo King foi alvejado e liguei as notícias e Marlon estava a caminhar pelo Harlem com a Presidente da Câmara Lindsay. E havia franco-atiradores e havia muita agitação e ele continuava a andar e a falar por aqueles bairros com o Presidente da Câmara Lindsay. Foi um dos actos de coragem mais incríveis que alguma vez vi, e significou muito e fez muito”.

A participação do Brando no movimento dos direitos civis começou de facto muito antes da morte do Rei. No início da década de 1960, ele contribuiu com milhares de dólares tanto para a Southern Christian Leadership Conference (S.C.L.C.) como para um fundo de bolsas de estudo estabelecido para as crianças do Mississippi mortas, líder da N.A.A.C.P. Medgar Evers. Em 1964 Brando foi preso num “fish-in” realizado para protestar contra um tratado violado que tinha prometido aos nativos americanos direitos de pesca em Puget Sound. Nessa altura, Brando já estava envolvido em filmes que transmitiam mensagens sobre direitos humanos: Sayonara, que abordava o romance inter-racial, e The Ugly American, retratando a conduta dos funcionários norte-americanos no estrangeiro e o efeito deletério sobre os cidadãos de países estrangeiros. Durante algum tempo, também doou dinheiro ao Partido Pantera Negra e considerou-se um amigo do fundador Bobby Seale. Também fez um elogio depois de Bobby Hutton ter sido baleado pela polícia. Brando terminou o seu apoio financeiro ao grupo sobre a sua percepção da sua crescente radicalização, especificamente uma passagem num panfleto Panther publicado por Eldridge Cleaver defendendo a violência indiscriminada, “para a Revolução”.

Brando era também um apoiante do Movimento Índio Americano. Na cerimónia de entrega dos Óscares de 1973, Brando recusou-se a aceitar o Óscar pela sua performance de regresso à carreira no The Godfather. Sacheen Littlefeather representou-o na cerimónia. Ela apareceu vestida de Apache e declarou que devido ao “mau tratamento dos índios americanos na indústria cinematográfica”, Brando não aceitaria o prémio. Isto ocorreu enquanto decorria o impasse em Wounded Knee. O evento atraiu a atenção dos EUA e dos media mundiais. Este foi considerado um grande evento e uma vitória para o movimento pelos seus apoiantes e participantes.

Fora do seu trabalho cinematográfico, Brando compareceu perante a Assembleia da Califórnia em apoio a uma lei de habitação justa e juntou-se pessoalmente a piquetes de greve em manifestações de protesto contra a discriminação nos empreendimentos habitacionais em 1963.

Era também um activista contra o apartheid. Em 1964, favoreceu um boicote dos seus filmes na África do Sul para evitar que fossem exibidos a um público segregado. Participou num comício de protesto em 1975 contra os investimentos americanos na África do Sul e a favor da libertação de Nelson Mandela. Em 1989, Brando estrelou também o filme A Dry White Season, baseado no romance do mesmo nome de André Brink.

Comentários sobre Judeus e Hollywood

Numa entrevista publicada na revista Playboy em Janeiro de 1979, Brando afirmou: “Viu todas as raças a serem manchadas, mas nunca viu uma imagem do kike porque os judeus estavam sempre tão atentos a isso – e com razão. Nunca permitiram que ela fosse mostrada no ecrã. Os judeus têm feito tanto pelo mundo que, suponho, ficamos extra desapontados porque eles não prestaram atenção a isso”.

Brando fez um comentário semelhante sobre Larry King Live em Abril de 1996, dizendo:

Hollywood é gerida por judeus; é propriedade dos judeus, e estes deveriam ter uma maior sensibilidade sobre a questão das pessoas que estão a sofrer. Porque eles exploraram – nós vimos o – nós vimos o preto e o greaseball, nós vimos a fenda, nós vimos o perigoso Jap, nós vimos o filipino astuto, nós vimos tudo, mas nunca vimos o kike. Porque eles sabiam perfeitamente bem, que é aí que se desenham as carroças.

Larry King, que era judeu, respondeu: “Quando dizes – quando dizes algo do género, estás a jogar bem, no entanto, a pessoas anti-semitas que dizem que os judeus são -” Brando interrompeu: “Não, não, porque eu serei o primeiro a avaliar os judeus honestamente e a dizer: ‘Graças a Deus pelos judeus'”.

Jay Kanter, agente, produtor e amigo de Brando, defendeu-o em Daily Variety: “Marlon falou-me durante horas sobre o seu carinho pelo povo judeu, e ele é um conhecido apoiante de Israel”. Da mesma forma, Louie Kemp, no seu artigo para o Jornal Judaico, escreveu: “Talvez se lembrem dele como Don Vito Corleone, Stanley Kowalski ou o misterioso Coronel Walter E. Kurtz em ‘Apocalypse Now’, mas lembro-me de Marlon Brando como mensch e amigo pessoal do povo judeu quando mais precisavam dele”.

Brando foi um dos actores mais respeitados da era do pós-guerra. É listado pelo American Film Institute como a quarta maior estrela masculina cuja estreia no cinema ocorreu antes ou durante 1950 (ocorreu em 1950). Ganhou respeito entre os críticos pelas suas actuações memoráveis e presença carismática no ecrã. Ajudou a popularizar o ‘método de actuação’. É considerado como um dos maiores actores de cinema do século XX.

A Enciclopédia Britannica descreve-o como “o mais célebre dos actores do método, e a sua fala arrastada e murmurada marcou a sua rejeição do treino dramático clássico. As suas verdadeiras e apaixonadas representações provaram-lhe ser um dos maiores actores da sua geração”. Também nota o aparente paradoxo do seu talento: “É considerado como o actor mais influente da sua geração, no entanto o seu desdém aberto pela profissão de actor … manifestou-se muitas vezes sob a forma de escolhas questionáveis e representações pouco inspiradas. No entanto, ele continua a ser uma presença de ecrã fascinante com uma vasta gama emocional e uma interminável variedade de idiossincrasias compulsivamente observáveis”.

Influência cultural

Marlon Brando é um ícone cultural com uma popularidade duradoura. A sua ascensão à atenção nacional na década de 1950 teve um efeito profundo na cultura americana. Segundo a crítica de cinema Pauline Kael, “Brando representou uma reacção contra a mania do pós-guerra pela segurança. Como protagonista, o Brando do início dos anos cinquenta não tinha código, apenas os seus instintos. Era um desenvolvimento do líder de gangsters e do fora-da-lei. Era anti-social porque sabia que a sociedade era uma porcaria; era um herói para a juventude porque era suficientemente forte para não aceitar a porcaria … Brando representava uma versão contemporânea da versão americana livre … Brando é ainda o actor americano mais excitante no ecrã”. A socióloga Dra. Suzanne McDonald-Walker afirma: “Marlon Brando, casaco de couro desportivo, calças de ganga, e brilho temperamental, tornou-se um ícone cultural que resume ‘a estrada’ em toda a sua glória dissidente”. O seu retrato do líder de gangue Johnny Strabler em The Wild One tornou-se uma imagem icónica, usada tanto como símbolo de rebeldia como um acessório de moda que inclui um casaco de motocicleta estilo Perfecto, um boné inclinado, calças de ganga e óculos de sol. O corte de cabelo de Johnny inspirou uma loucura por patilhas, seguido de James Dean e Elvis Presley, entre outros. Dean copiou extensivamente o estilo de representação de Brando e Presley usou a imagem de Brando como modelo para o seu papel no Jailhouse Rock. A cena “I coulda been a contender” de On the Waterfront, segundo o autor de Brooklyn Boomer, Martin H. Levinson, é “uma das cenas mais famosas da história do cinema, e a própria linha tornou-se parte do léxico cultural da América”. Um exemplo da resistência da popular imagem “Wild One” de Brando foi o lançamento de 2009 de réplicas do casaco de couro usado pelo personagem Johnny Strabler de Brando. Os casacos foram comercializados pela Triumph, o fabricante das motocicletas Triumph Thunderbird apresentadas no The Wild One, e foram oficialmente licenciadas pela propriedade da Brando.

Brando foi também considerado um símbolo sexual masculino. Linda Williams escreve: “Marlon Brando o símbolo sexual masculino quintessencial americano do final dos anos cinquenta e início dos anos sessenta”. Brando foi um dos primeiros ícones lésbicos que, juntamente com James Dean, influenciou o aspecto do butch e a auto-imagem nos anos cinquenta e seguintes.

Brando também foi imortalizado na música; mais notavelmente, foi mencionado na letra de “É difícil ser um santo na cidade” de Bruce Springsteen, na qual uma das linhas de abertura dizia “Eu podia andar como Brando até ao sol”, e na “Pocahontas” de Neil Young como uma homenagem ao seu apoio vitalício aos nativos americanos e na qual é retratado sentado por um incêndio com Neil e Pocahontas. Foi também mencionado na “Vogue” de Madonna, “Is This What You Wanted” de Leonard Cohen no álbum New Skin for the Old Ceremony, “Eyeless” de Slipknot no seu álbum auto-intitulado, e mais recentemente na canção simplesmente intitulada “Marlon Brando” do álbum de 2017 do cantor australiano Alex Cameron Forced Witness. A canção de Bob Dylan de 2020 “My Own Version of You” faz referência a uma das suas mais famosas actuações na linha, “I’ll take the Scarface Pacino and the Godfather Brando”.

É também uma das muitas caras na capa do álbum dos Beatles “Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club Band”, directamente acima do modelo de cera de Ringo Starr.

Os filmes de Brando, juntamente com os de James Dean, fizeram com que a Honda apresentasse os seus anúncios “You Meet the Nicest People on a Honda”, a fim de refrear a associação negativa que as motocicletas tinham recebido com rebeldes e fora-da-lei.

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Na sua autobiografia Canções A Minha Mãe Ensinou-me, Brando observou:

Sempre pensei que um dos benefícios da representação é que dá aos actores uma oportunidade de expressar sentimentos que normalmente não são capazes de desabafar na vida real. Emoções intensas enterradas dentro de si podem sair fumando pela parte de trás da cabeça, e suponho que em termos de psicodrama isto pode ser útil. Em retrospectiva, suponho que a minha insegurança emocional como criança – as frustrações de não poder ser quem eu era, de querer amor e não o conseguir, de perceber que eu não tinha valor – podem ter-me ajudado como actor, pelo menos de uma forma pequena. Provavelmente deu-me uma certa intensidade que a maioria das pessoas não tem.

Confessou também que, embora tendo grande admiração pelo teatro, não voltou a ele após o seu sucesso inicial, principalmente porque o trabalho o deixou esgotado emocionalmente:

O que mais me lembro sobre Um Bonde Chamado Desejo era o grito emocional de actuar nele seis noites e duas tardes. Tente imaginar como era andar no palco às 8:30 todas as noites tendo de gritar, gritar, chorar, partir pratos, pontapear a mobília, esmurrar as paredes e experimentar as mesmas emoções intensas e dolorosas noite após noite, tentando de cada vez evocar no público as mesmas emoções que eu sentia. Era cansativo.

Brando creditou repetidamente Stella Adler e a sua compreensão da técnica de representação de Stanislavski para trazer realismo ao cinema americano, mas também acrescentou:

Esta escola de representação serviu bem o teatro e os filmes americanos, mas era restritiva. O teatro americano nunca foi capaz de apresentar Shakespeare ou drama clássico de qualquer tipo satisfatoriamente. Simplesmente não temos o estilo, o respeito pela língua ou a disposição cultural … Não se pode murmurar em Shakespeare. Não se pode improvisar, e é-lhe exigido que adira estritamente ao texto. O teatro inglês tem um sentido de linguagem que não reconhecemos … Nos Estados Unidos, a língua inglesa desenvolveu-se quase até se tornar uma patois.

No documentário Listen to Me Marlon de 2015, Brando partilhou o seu pensamento sobre tocar uma cena de morte, afirmando: “Essa é uma cena difícil de tocar. É preciso fazê-los acreditar que se está a morrer … Tente pensar no momento mais íntimo que já teve na sua vida”. Os seus actores favoritos foram Spencer Tracy, John Barrymore, Fredric March, James Cagney e Paul Muni. Também demonstrou admiração por Sean Penn, Jack Nicholson, Johnny Depp e Daniel Day-Lewis.

Legado financeiro

Na sua morte em 2004, Brando deixou uma propriedade avaliada em 21,6 milhões de dólares. Segundo a Forbes, o seu património ainda ganhou cerca de 9 milhões de dólares em 2005, e nesse ano a revista nomeou-o como uma das maiores celebridades falecidas do mundo.

Em Dezembro de 2019, o Rolex GMT Ref. 1675 usado por Brando no épico Apocalypse Now da Guerra do Vietname de Francis Ford Coppola foi anunciado para ser vendido em leilão, com um preço previsto de até $1 milhão de dólares.

Brando foi nomeado a quarta maior estrela masculina cuja estreia no cinema ocorreu antes ou durante 1950 pelo American Film Institute, e parte da revista Time 100: The Most Important People of the Century. Foi também nomeado um dos 10 melhores “Ícones do Século” pela revista Variety.

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Fontes

  1. Marlon Brando
  2. Marlon Brando