Louise Bourgeois

Resumo

Louise Joséphine Bourgeois (25 de Dezembro de 1911 – 31 de Maio de 2010) foi uma artista franco-americana. Embora seja mais conhecida pela sua arte de escultura e instalação em grande escala, Bourgeois foi também uma prolífica pintora e gravurista. Ela explorou uma variedade de temas ao longo da sua longa carreira, incluindo a domesticidade e a família, a sexualidade e o corpo, bem como a morte e o inconsciente. Estes temas estão ligados a acontecimentos da sua infância que ela considerava como um processo terapêutico. Embora Bourgeois tenha exposto com os expressionistas abstractos e o seu trabalho tenha muito em comum com o surrealismo e a arte feminista, ela não estava formalmente filiada a um movimento artístico particular.

Vida precoce

Bourgeois nasceu a 25 de Dezembro de 1911 em Paris, França. Era o filho médio de três filhos de pais Joséphine Fauriaux e Louis Bourgeois. Os seus pais eram proprietários de uma galeria que lidava principalmente com tapeçarias antigas. Alguns anos após o seu nascimento, a sua família mudou-se de Paris e montou uma oficina de restauração de tapeçaria debaixo do seu apartamento em Choisy-le-Roi, para a qual Bourgeois preencheu os desenhos onde se tinham tornado usados. A parte inferior das tapeçarias era sempre danificada, o que resultava geralmente dos pés das personagens e das patas dos animais.

Em 1930, Bourgeois entrou na Sorbonne para estudar matemática e geometria, temas que ela valorizava pela sua estabilidade, dizendo: “Fiquei tranquilo, só através do estudo de regras que ninguém podia mudar”.

A sua mãe morreu em 1932, enquanto Bourgeois estudava matemática. A morte da sua mãe inspirou-a a abandonar a matemática e a começar a estudar arte. Ela continuou a estudar arte, juntando-se às aulas em que eram necessários tradutores para os estudantes de língua inglesa, especialmente porque os tradutores não eram cobrados propinas. Numa dessas aulas, Fernand Léger viu o seu trabalho e disse-lhe que era escultora, não pintora. Bourgeois aceitou um trabalho como docente, liderando digressões no Musée du Louvre.

Bourgeois formou-se na Sorbonne em 1935. Começou a estudar arte em Paris, primeiro na École des Beaux-Arts e École du Louvre, e depois de 1932 nas academias independentes de Montparnasse e Montmartre tais como Académie Colarossi, Académie Ranson, Académie Julian, Académie de la Grande Chaumière e com André Lhote, Fernand Léger, Paul Colin e Cassandre. Bourgeois tinha um desejo de experiência em primeira mão e visitava frequentemente estúdios em Paris, aprendendo técnicas com os artistas e ajudando com exposições.

Em 1938, abriu a sua própria galeria num espaço ao lado da galeria de tapeçaria do seu pai, onde mostrou o trabalho de artistas como Eugène Delacroix, Henri Matisse e Suzanne Valadon, e onde se encontrou com o professor de arte americano Robert Goldwater como cliente. Casaram-se e mudaram-se para os Estados Unidos (onde ele leccionou na Universidade de Nova Iorque). Tiveram três filhos, um foi adoptado. O casamento durou até à morte de Goldwater, em 1973.

Bourgeois instalou-se em Nova Iorque com o seu marido em 1938. Continuou a sua educação na Art Students League of New York, estudando pintura sob Vaclav Vytlacil, e também produzindo esculturas e gravuras. “A primeira pintura tinha uma grelha: a grelha é uma coisa muito pacífica porque nada pode correr mal… tudo está completo. Não há espaço para a ansiedade … tudo tem um lugar, tudo é bem-vindo”.

Bourgeois incorporou aquelas referências autobiográficas à sua escultura Quarantania I, em exposição no Cullen Sculpture Garden no Museum of Fine Arts, Houston.

Anos médios

Para os burgueses, o início dos anos 40 representou as dificuldades de uma transição para um novo país e a luta para entrar no mundo expositivo de Nova Iorque. O seu trabalho durante esta época foi construído a partir de sucata de ferro-velho e madeira à deriva que ela utilizava para esculpir esculturas de madeira verticalizadas. As impurezas da madeira foram então camufladas com tinta, após o que foram utilizados pregos para inventar buracos e arranhões na tentativa de retratar alguma emoção. A figura adormecida é um exemplo que retrata uma figura de guerra que é incapaz de enfrentar o mundo real devido à vulnerabilidade. Ao longo da sua vida, o trabalho de Bourgeois foi criado a partir da revisitação do seu próprio passado conturbado, ao encontrar inspiração e catarse temporária dos anos da sua infância e do abuso que sofreu do seu pai. Lentamente desenvolveu mais confiança artística, embora os seus anos médios sejam mais opacos, o que pode ser devido ao facto de ter recebido muito pouca atenção do mundo da arte, apesar de ter tido a sua primeira exposição individual em 1945. Em 1951, o seu pai morreu e ela tornou-se uma cidadã americana.

Em 1954, Bourgeois juntou-se ao American Abstract Artists Group, com vários contemporâneos, entre os quais Barnett Newman e Ad Reinhardt. Como parte do American Abstract Artists Group, Bourgeois fez a transição da madeira e estruturas verticais para o mármore, gesso e bronze enquanto investigava preocupações como medo, vulnerabilidade, e perda de controlo. Esta transição foi um ponto de viragem. Ela referiu-se à sua arte como uma série ou sequência intimamente relacionada com dias e circunstâncias, descrevendo o seu trabalho inicial como o medo de cair que mais tarde se transformou na arte de cair e a evolução final como a arte de se pendurar ali. Os seus conflitos na vida real deram-lhe poderes para autenticar as suas experiências e lutas através de uma forma de arte única. Em 1958, Bourgeois e o seu marido mudaram-se para uma casa geminada na West 20th Street, em Chelsea, Manhattan, onde ela viveu e trabalhou durante o resto da sua vida.

Apesar de ter rejeitado a ideia de que a sua arte era feminista, o tema de Bourgeois era o feminino. Obras como Femme Maison (1946-1947), Auto-retrato do Torso (1963-1964), Arco da Histeria (1993), todas retratam o corpo feminino. No final dos anos 60, o seu imaginário tornou-se mais explicitamente sexual ao explorar a relação entre homens e mulheres e o impacto emocional da sua infância conturbada. Esculturas sexualmente explícitas como Janus Fleuri, (1968) mostram que ela não tinha medo de usar a forma feminina de novas formas. Ela foi citada para dizer “O meu trabalho trata de problemas que são pré-género”, escreveu ela. “Por exemplo, o ciúme não é masculino nem feminino”. Com a ascensão do feminismo, o seu trabalho encontrou um público mais vasto. Apesar desta afirmação, em 1976 a Femme Maison foi apresentada na capa do livro From the Center de Lucy Lippard: Feminist Essays on Women’s Art e tornou-se um ícone do movimento feminista da arte.

Vida posterior

Em 1973, Bourgeois começou a ensinar no Pratt Institute, Cooper Union, Brooklyn College e na New York Studio School of Drawing, Painting and Sculpture. De 1974 até 1977, Bourgeois trabalhou na Escola de Artes Visuais de Nova Iorque, onde ensinou gravura e escultura. Também ensinou durante muitos anos nas escolas públicas de Great Neck, Long Island.

No início da década de 1970, Bourgeois realizou em sua casa em Chelsea encontros chamados “Domingos sangrentos e dominicais”. Estes salões estariam repletos de jovens artistas e estudantes cujo trabalho seria criticado pelos burgueses. A impiedade de Bourgeois na crítica e o seu sentido de humor seco levaram à nomeação destes encontros. Bourgeois inspirou muitos jovens estudantes a fazer arte que era de natureza feminista. No entanto, o amigo e assistente de longa data de Louise, Jerry Gorovoy, declarou que Louise considerava o seu próprio trabalho “pré-género”.

Bourgeois alinhou-se com activistas e tornou-se membro do Fight Censorship Group, um colectivo feminista anti-censura fundado pela colega artista Anita Steckel. Na década de 1970, o grupo defendeu a utilização de imagens sexuais em obras de arte. Steckel argumentou: “Se o pénis erecto não é suficientemente saudável para ir a museus, não deve ser considerado suficientemente saudável para ir a mulheres”.

Em 1978 Bourgeois foi encarregada pela Administração dos Serviços Gerais de criar Facetas do Sol, a sua primeira escultura pública. A obra foi instalada fora de um edifício federal em Manchester, New Hampshire. Bourgeois recebeu a sua primeira retrospectiva em 1982, pelo Museu de Arte Moderna da cidade de Nova Iorque. Até então, ela tinha sido uma figura periférica na arte cuja obra era mais admirada do que aclamada. Numa entrevista ao Artforum, cronometrada para coincidir com a abertura da sua retrospectiva, ela revelou que as imagens nas suas esculturas eram totalmente autobiográficas. Partilhou com o mundo que reviveu obsessivamente através da sua arte o trauma de descobrir, quando criança, que a sua governanta inglesa era também a amante do seu pai.

Em 1989, Bourgeois fez uma gravura de ponto seco, Mud Lane, da casa que manteve em Stapleton, Staten Island, que tratou como um ambiente escultórico e não como um espaço vivo.

Bourgeois teve outra retrospectiva em 1989 na Documenta 9 em Kassel, Alemanha. Em 1993, quando a Academia Real das Artes encenou o seu levantamento exaustivo da arte americana no século XX, os organizadores não consideraram o trabalho de Bourgeois de importância significativa a incluir no levantamento. Contudo, esta sondagem foi criticada por muitas omissões, com um crítico a escrever que “secções inteiras da melhor arte americana foram dizimadas” e a apontar que muito poucas mulheres foram incluídas. Em 2000, as suas obras foram seleccionadas para serem expostas na abertura do Tate Modern em Londres. Em 2001, ela expôs no Museu Hermitage.

Em 2010, no último ano da sua vida, Bourgeois usou a sua arte para defender a igualdade entre lésbicas, gays, bissexuais e transgéneros (LGBT). Ela criou a peça I Do, retratando duas flores crescendo de um caule, para beneficiar a organização sem fins lucrativos Freedom to Marry. Bourgeois disse: “Todos devem ter o direito de se casar. Assumir o compromisso de amar alguém para sempre é uma coisa bonita”. Bourgeois teve uma história de activismo em nome da igualdade LGBT, tendo criado obras de arte para a organização activista da SIDA ACT UP em 1993.

Morte

Bourgeois morreu de insuficiência cardíaca a 31 de Maio de 2010, no Centro Médico Beth Israel, em Manhattan. Wendy Williams, a directora administrativa do Estúdio Louise Bourgeois, anunciou a sua morte. Ela tinha continuado a criar obras de arte até à sua morte, tendo as suas últimas peças sido concluídas na semana anterior.

O New York Times disse que o seu trabalho “partilhava um conjunto de temas repetidos, centrados no corpo humano e na sua necessidade de nutrição e protecção num mundo assustador”.

O seu marido, Robert Goldwater, morreu em 1973. Ela foi sobrevivida por dois filhos, Alain Bourgeois e Jean-Louis Bourgeois. O seu primeiro filho, Michel, morreu em 1990.

Femme Maison

Femme Maison (1946-47) é uma série de pinturas em que Bourgeois explora a relação de uma mulher e o lar. Nas obras, as cabeças das mulheres foram substituídas por casas, isolando os seus corpos do mundo exterior e mantendo as suas mentes domésticas. Este tema vai ao encontro da desumanização da arte moderna.

Destruição do Pai

A destruição do Pai (1974) é uma exploração biográfica e psicológica do domínio do poder do pai e da sua descendência. A peça é uma instalação de tons de carne numa sala macia e semelhante a um ventre. Feito de gesso, látex, madeira, tecido, e luz vermelha, Destruição do Pai foi a primeira peça em que ela utilizou materiais macios em grande escala. Ao entrar na instalação, o telespectador fica de pé no rescaldo de um crime. Colocados numa sala de jantar estilizada (com o duplo impacto de um quarto de dormir), os filhos abstractos em forma de bolha de um pai prepotente revoltaram-se, assassinaram e comeram-no.

… dizendo ao público cativo o quão grande ele é, todas as coisas maravilhosas que ele fez, todas as pessoas más que ele abateu hoje. Mas isto continua a acontecer dia após dia. Há tragédia no ar. Uma vez disse com demasiada frequência a sua peça. Ele é insuportavelmente dominante, embora provavelmente ele próprio não se aperceba disso. Uma espécie de ressentimento cresce e um dia eu e o meu irmão decidimos, “chegou o momento! Agarrámo-lo, pusemo-lo sobre a mesa e com as nossas facas dissecámo-lo. Separámo-lo e desmembrámo-lo, cortamos-lhe o pénis. E ele tornou-se alimento. Comemo-lo … ele foi liquidado da mesma forma que liquidou as crianças.

Exorcismo na Arte

Em 1982, o Museu de Arte Moderna de Nova Iorque apresentou a obra de Louise Bourgeois, artista desconhecida. Ela tinha 70 anos de idade e era uma artista de meios mistos que trabalhava no papel, com metal, mármore e ossos esqueléticos de animais. Traumas familiares de infância “criaram um exorcismo na arte” e ela tentou desesperadamente purgar a sua agitação com o seu trabalho. Ela sentiu que podia entrar em contacto com questões de identidade feminina, o corpo, a família fracturada, muito antes de o mundo da arte e a sociedade os considerarem sujeitos expressos na arte. Esta era a forma de Bourgeous encontrar o seu centro e estabilizar o seu mal-estar emocional. O New York Times disse na altura que “o seu trabalho é acusado de ternura e violência, aceitação e rebeldia, ambivalência e convicção”.

Células

Enquanto na sua década de oitenta, Bourgeois produziu duas séries de trabalhos de instalação em recinto fechado, a que se referiu como Células. Muitas são pequenos recintos em que o espectador é levado a espreitar para dentro, em arranjos de objectos simbólicos; outras são pequenas salas em que o espectador é convidado a entrar. Nas peças das celas, Bourgeois utiliza formas escultóricas anteriores, objectos encontrados, bem como objectos pessoais que carregavam uma forte carga emocional pessoal para o artista.

As células encerram estados psicológicos e intelectuais, principalmente sentimentos de medo e dor. Bourgeois declarou que as células representam “diferentes tipos de dor; física, emocional e psicológica, mental e intelectual … Cada Célula lida com um medo. Medo é dor … Cada Célula lida com o prazer do voyeur, a emoção de olhar e de ser olhado”.

Maman

No final dos anos 90, Bourgeois começou a utilizar a aranha como uma imagem central na sua arte. Maman, que tem mais de nove metros de altura, é uma escultura de aço e mármore da qual foi posteriormente lançada uma edição de seis bronzes. Apareceu pela primeira vez como parte da comissão de Bourgeois para The Unilever Series for Tate Modern’s Turbine Hall em 2000, e recentemente, a escultura foi instalada no Centro Nacional de Convenções do Qatar em Doha, Qatar. A sua maior escultura de aranha, intitulada Maman, encontra-se a mais de 9,1 m (30 pés) e foi instalada em numerosos locais em todo o mundo. É a maior escultura de Aranha alguma vez feita por Bourgeois. Além disso, Maman alude à força da sua mãe, com metáforas de fiação, tecelagem, nutrição e protecção. A prevalência do motivo aranha no seu trabalho deu origem ao seu apelido de Mulher-Aranha.

A Aranha é uma ode à minha mãe. Ela era a minha melhor amiga. Como uma aranha, a minha mãe era uma tecelã. A minha família estava no ramo da restauração de tapeçarias, e a minha mãe era a encarregada da oficina. Tal como as aranhas, a minha mãe era muito esperta. As aranhas são presenças amigáveis que comem mosquitos. Sabemos que os mosquitos propagam doenças e são, portanto, indesejáveis. Portanto, as aranhas são úteis e protectoras, tal como a minha mãe.

Maisons fragiles

Maisons fragiles de Bourgeois

Impressão

A gravura burguesa floresceu durante as fases iniciais e finais da sua carreira: nas décadas de 1930 e 1940, quando veio de Paris para Nova Iorque pela primeira vez, e depois recomeçou na década de 1980, quando o seu trabalho começou a receber amplo reconhecimento. No início, fez gravuras em casa numa pequena prensa, ou no famoso atelier Atelier 17. A esse período seguiu-se um longo hiato, uma vez que Bourgeois voltou totalmente a sua atenção para a escultura. Só nos anos setenta é que começou novamente a fazer gravuras, encorajada primeiro pelos editores de gravuras. Montou a sua antiga editora, e acrescentou uma segunda, ao mesmo tempo que trabalhava em estreita colaboração com tipografias que vinham a sua casa para colaborar. Seguiu-se uma fase muito activa de gravura, que durou até à morte da artista. Ao longo da sua vida, Bourgeois criou aproximadamente 1.500 composições impressas.

Em 1990, Bourgeois decidiu doar o arquivo completo do seu trabalho impresso ao Museu de Arte Moderna. Em 2013, o Museu lançou o catálogo online raisonné, “Louise Bourgeois”: As Impressões & Livros Completos”. O site centra-se no processo criativo da artista e coloca as gravuras e livros ilustrados de Bourgeois no contexto da sua produção global, incluindo obras relacionadas noutros meios que lidam com os mesmos temas e imagens.

Temas

Um tema do trabalho de Bourgeois é o do trauma infantil e da emoção oculta. Depois da mãe de Louise adoecer com a gripe, o pai de Louise começou a ter casos com outras mulheres, mais particularmente com Sadie, a tutora de Inglês de Louise. Ele trazia amantes de volta para casa e era infiel à frente de toda a sua família. Louise estava extremamente atenta e consciente da situação. Este foi o início do envolvimento da artista com dois pesos e duas medidas relacionados com o género e a sexualidade, que se expressou em grande parte do seu trabalho. Ela lembra-se de o seu pai dizer repetidamente “amo-te” à sua mãe, apesar da infidelidade. “Ele era o lobo, e ela era a lebre racional, perdoando e aceitando-o como ele era”. A sua célula de trabalho de 1993: You Better Grow Up, parte da sua série Cell, fala directamente ao trauma de infância de Louise e à insegurança que a rodeava. O Dar ou receber de 2002 é definido pela emoção oculta, representando o intenso dilema que as pessoas enfrentam ao longo das suas vidas enquanto tentam equilibrar as acções de dar e receber. Este dilema não é representado apenas pela forma da escultura, mas também pelo peso do material de que esta peça é feita.

A maternidade é outro tema recorrente do trabalho de Bourgeois. Foi a sua mãe que encorajou Bourgeois a desenhar e que a envolveu no negócio da tapeçaria. Bourgeois considerou a sua mãe como sendo intelectual e metódica; o motivo contínuo da aranha no seu trabalho representa frequentemente a sua mãe. A noção de uma aranha que gira e tece a sua teia é uma referência directa ao negócio de tapeçaria dos seus pais e também pode ser vista como uma metáfora para a sua mãe, que repara as coisas.

Bourgeois explorou o conceito de feminilidade desafiando os padrões patriarcais e fazendo obras de arte sobre a maternidade em vez de mostrar as mulheres como musas ou ideais. Tem sido descrita como “a heroína relutante da arte feminista”. Louise Bourgeois teve uma abordagem feminista ao seu trabalho semelhante à de outras artistas como Agnes Martin e Eva Hesse, menos impulsionada pela política, mas que, ao invés, fez um trabalho que se baseou nas suas experiências de género e sexualidade, naturalmente envolvendo-se com as questões da mulher.

A arquitectura e a memória são componentes importantes do trabalho de Bourgeois. O trabalho burguês é para eles muito orgânico, biológico, reprodutivo; chamam a atenção para o próprio trabalho. Louise descreve a arquitectura como uma expressão visual da memória, ou a memória como um tipo de arquitectura. A memória que aparece em grande parte da sua obra é uma memória inventada – sobre a morte ou exorcismo do seu pai. A memória imaginada está entrelaçada com as suas memórias reais, incluindo a vida em frente de um matadouro e o caso do seu pai. Para Louise, o seu pai representou ferimentos e guerra, engrandecimento de si próprio e menosprezo dos outros e, mais importante ainda, um homem que representou a traição. A sua Célula de trabalho de 1993 (Três Esferas de Mármore Branco) fala do medo e do cativeiro. Os espelhos dentro do presente uma realidade alterada e distorcida.

A sexualidade é sem dúvida um dos temas mais importantes no trabalho de Louise Bourgeois. A ligação entre sexualidade e fragilidade ou insegurança é também poderosa. Tem-se argumentado que isto deriva das suas memórias de infância e dos assuntos do seu pai. A Spiral Woman de 1952 combina o foco de Louise na sexualidade feminina e na tortura. A flexão dos músculos das pernas e braços indica que a Mulher Espiral ainda está acima, embora esteja a ser sufocada e enforcada. O In and Out de 1995 utiliza materiais metálicos frios para ligar a sexualidade à raiva e talvez mesmo ao cativeiro.

A espiral no seu trabalho demonstra a perigosa procura de equilíbrio precário, mudança permanente sem acidentes, desordem, vertigem, turbilhão. Aí reside o simultaneamente positivo e negativo, tanto o futuro como o passado, a ruptura e o regresso, a esperança e a vaidade, o plano e a memória.

O trabalho de Louise Bourgeois é alimentado por confissões, auto-retratos, memórias, fantasias de um ser inquieto que procura através da sua escultura uma paz e uma ordem que lhe faltaram durante toda a sua infância.

Colaboração

Esta colaboração teve lugar durante dois anos com a artista britânica Tracey Emin. O trabalho foi exposto em Londres meses após a morte de Bourgeois em 2010. O tema é constituído por imagens masculinas e femininas. Embora aparentem ser sexuais, retrata uma pequena figura feminina prestando homenagem a uma figura masculina gigante, como um Deus. Louise Bourgeois fez as aguarelas e Tracey Emin fez o desenho no topo. Emin demorou dois anos a decidir como iria contribuir para a colaboração. Quando soube o que fazer, terminou todos os desenhos num dia e acredita que cada um deles funcionou perfeitamente. I Lost You is about losing children, losing life. Bourgeois teve de enterrar o seu filho como pai. O abandono para ela não é apenas a perda da sua mãe, mas também do seu filho. Apesar da diferença de idades entre os dois artistas e das diferenças no seu trabalho, a colaboração funcionou suave e facilmente.

Exposições

Entre as principais explorações do seu trabalho incluem-se a National Gallery of Art em Washington, D.C.; o Museum of Modern Art em Nova Iorque o San Francisco Museum of Modern Art; Tate em Londres; Ao longo da sua carreira, Bourgeois conheceu muitos dos seus principais coleccionadores, tais como Ginny Williams, Agnes Gund, Ydessa Hendeles e Ursula Hauser. Outras colecções privadas com peças burguesas notáveis incluem a Colecção Goetz em Munique.

Bourgeois começou a trabalhar com a galerista Paule Anglim em São Francisco em 1987, Karsten Greve em Paris em 1990, e Hauser & Wirth em 1997. Hauser & Wirth tem sido a galeria principal da sua propriedade. Outras, como a Galeria Kukje em Seul e Xavier Hufkens em Bruxelas, continuam a tratar do seu trabalho.

Em 2011 uma das obras de Bourgeois, intitulada Spider, foi vendida por $10,7 milhões, um novo preço recorde para o artista em leilão, e o preço mais alto pago por uma obra de uma mulher na altura. Em finais de 2015, a peça foi vendida noutro leilão da Christie’s por 28,2 milhões de dólares.

Louise Bourgeois em The Museum of Fine Arts, Houston: https:

Fontes

  1. Louise Bourgeois
  2. Louise Bourgeois
  3. ^ Christiane., Weidemann (2008). 50 women artists you should know. Larass, Petra., Klier, Melanie, 1970-. Munich: Prestel. ISBN 978-3-7913-3956-6. OCLC 195744889.
  4. Elle a acquis la nationalité américaine en 1955[3]
  5. The truth is that Freud did nothing for artists, or for the artist’s problem, the artist’s torment – to be an artist involves some suffering. That’s why artists repeat themselves – because they have no access to a cure
  6. https://www.findagrave.com/cgi-bin/fg.cgi?page=gr&GRid=53102684
  7. Louise Bourgeois – Video bei Youtube (französisch)
  8. Rachel Cooke: She’ll put a spell on you. In: The Guardian. 14. Oktober 2007. (englisch)
  9. Lisa Zeitz: Sie ist die Bienenkönigin. Die Künstlerin Louise Bourgeois lebt im New Yorker Stadtteil Chelsea. Sonntags ist Salon für geladene Gäste. In: Frankfurter Allgemeine Sonntagszeitung. Nr. 32, 10. August 2003, Kunstmarkt, S. 50.
  10. Tate Modern: Louise Bourgeois Maman 1999