Jean-Baptiste Camille Corot

Resumo

Jean-Baptiste-Camille Corot (16 de Julho de 1796 – 22 de Fevereiro de 1875) era um pintor de paisagem e retrato francês, bem como um gravador em gravura. É uma figura central na pintura de paisagens e a sua vasta produção referia-se simultaneamente à tradição Neo-clássica e antecipava as inovações do Impressionismo no ar puro.

Vida precoce e formação

Jean-Baptiste-Camille Corot (Camille Corot para abreviar) nasceu em Paris a 16 de Julho de 1796, numa casa na 125 Rue du Bac, agora demolida. A sua família era burguesa – o seu pai era um fabricante de perucas e a sua mãe um moleiro – e ao contrário da experiência de alguns dos seus colegas artísticos, ao longo da sua vida nunca sentiu a falta de dinheiro, pois os seus pais fizeram bons investimentos e geriram bem os seus negócios. Após o casamento dos seus pais, compraram a oficina de moagem onde a sua mãe tinha trabalhado e o seu pai desistiu da sua carreira de “wigmaker” para gerir a parte comercial da loja. A loja era um destino famoso para os parisienses da moda e ganhou um excelente rendimento para a família. Corot foi o segundo de três filhos nascidos da família, que viveram por cima da sua loja durante esses anos.

Corot recebeu uma bolsa de estudo para estudar no Liceu Pierre-Corneille em Rouen, mas saiu depois de ter tido dificuldades escolares e entrou num internato. Não era um aluno brilhante, e ao longo de toda a sua carreira escolar não recebeu uma única nomeação para um prémio, nem sequer para as aulas de desenho”. Ao contrário de muitos mestres que demonstraram talento precoce e inclinação para a arte, antes de 1815 Corot não demonstrou tal interesse. Durante esses anos ele viveu com a família Sennegon, cujo patriarca era amigo do pai de Corot e que passou muito tempo com os jovens Corot em passeios pela natureza. Foi nesta região que Corot fez as suas primeiras pinturas depois da natureza. Aos dezanove anos, Corot era uma “criança grande, tímida e desajeitada”. Corou quando falava com ele. Antes das belas senhoras que frequentavam o salão da sua mãe, ele ficou envergonhado e fugiu como uma coisa selvagem. Emocionalmente, ele era um filho afectuoso e bem comportado, que adorava a sua mãe e tremia quando o seu pai falava”. Quando os pais de Corot se mudaram para uma nova residência em 1817, o Corot de 21 anos mudou-se para o quarto com janela no terceiro andar, que se tornou também o seu primeiro estúdio.

Com a ajuda do seu pai, Corot aprendiz de drapeador, mas odiava a vida comercial e desprezava o que ele chamava de “truques de negócios”, mas permaneceu fielmente no ofício até aos 26 anos, quando o seu pai consentiu que ele adoptasse a profissão de artista. Mais tarde Corot declarou: “Eu disse ao meu pai que os negócios e eu éramos simplesmente incompatíveis, e que eu estava a divorciar-me”. A experiência empresarial revelou-se benéfica, no entanto, ajudando-o a desenvolver um sentido estético através da sua exposição às cores e texturas dos tecidos. Talvez por aborrecimento, ele virou-se para a pintura a óleo por volta de 1821 e começou imediatamente com as paisagens. A partir de 1822, após a morte da sua irmã, Corot começou a receber uma mesada anual de 1500 francos que financiou adequadamente a sua nova carreira, estúdio, materiais, e viagens para o resto da sua vida. Alugou imediatamente um estúdio no quai Voltaire.

Durante o período em que Corot adquiriu os meios para se dedicar à arte, a pintura paisagística estava em ascensão e geralmente dividida em dois campos: uma paisagem histórica por Neoclassicistas do Sul da Europa, representando vistas idealizadas de locais reais e imaginários povoados por figuras antigas, mitológicas e bíblicas; e duas paisagens realistas, mais comuns no Norte da Europa, que eram largamente fiéis à topografia, arquitectura e flora actuais, e que mostravam frequentemente figuras de camponeses. Em ambas as abordagens, os artistas paisagistas normalmente começavam com esboços ao ar livre e pintura preliminar, com trabalhos de acabamento feitos dentro de casa. Altamente influente para os paisagistas franceses no início do século XIX foi o trabalho dos ingleses John Constable e J. M. W. Turner, que reforçaram a tendência a favor do Realismo e longe do Neoclassicismo.

Durante um curto período entre 1821 e 1822, Corot estudou com Achille Etna Michallon, um pintor paisagista da idade de Corot que era protegido do pintor Jacques-Louis David e que já era um professor muito respeitado. Michallon teve uma grande influência na carreira de Corot. As aulas de desenho de Corot incluíram o rastreio de litografias, a cópia de formas tridimensionais, e a realização de esboços paisagísticos e pinturas ao ar livre, especialmente nas florestas de Fontainebleau, nos portos marítimos ao longo da Normandia, e nas aldeias a oeste de Paris como Ville-d’Avray (onde os seus pais tinham uma casa de campo). Michallon também o expôs aos princípios da tradição neoclássica francesa, tal como defendido no famoso tratado do teórico Pierre-Henri de Valenciennes, e exemplificado nas obras dos neoclássicos franceses Claude Lorrain e Nicolas Poussin, cujo principal objectivo era a representação da Beleza ideal na natureza, ligada aos acontecimentos dos tempos antigos.

Embora esta escola estivesse em declínio, ainda assim realizava a sua actividade no Salão, a mais importante exposição de arte em França, com a participação de milhares de pessoas em cada evento. Corot declarou mais tarde, “fiz a minha primeira paisagem da natureza…sob o olhar deste pintor, cujo único conselho foi o de render com o maior escrupuloso escrúpulo tudo o que vi antes de mim. A lição funcionou; desde então, sempre apreciei a precisão”. Após a morte precoce de Michallon em 1822, Corot estudou com o professor de Michallon, Jean-Victor Bertin, entre os mais conhecidos pintores paisagistas neoclássicos em França, que mandou Corot desenhar cópias de litografias de temas botânicos para aprender formas orgânicas precisas. Embora mantendo os Neoclassicistas na mais alta consideração, Corot não limitou a sua formação à sua tradição de alegoria ambientada em natureza imaginada. Os seus cadernos de apontamentos revelam rendições precisas de troncos de árvores, rochas e plantas que mostram a influência do realismo do Norte. Ao longo da sua carreira, Corot demonstrou uma inclinação para aplicar ambas as tradições no seu trabalho, por vezes combinando as duas.

Primeira viagem a Itália

Com o apoio dos seus pais, Corot seguiu o padrão bem estabelecido dos pintores franceses que foram para Itália para estudar os mestres do Renascimento italiano e desenhar os monumentos desmoronados da antiguidade romana. Uma condição dos seus pais antes de partir foi que ele pintasse um auto-retrato para eles, o seu primeiro. A estadia de Corot em Itália de 1825 a 1828 foi altamente formativa e produtiva, durante a qual ele completou mais de 200 desenhos e 150 pinturas. Trabalhou e viajou com vários jovens pintores franceses que também estudavam no estrangeiro, que pintaram juntos e socializaram à noite nos cafés, criticando-se uns aos outros e fofocando. Corot aprendeu pouco com os mestres da Renascença (embora mais tarde tenha citado Leonardo da Vinci como o seu pintor favorito) e passou a maior parte do seu tempo em Roma e na zona rural italiana. Os Jardins Farnese com as suas esplêndidas vistas das antigas ruínas era um destino frequente, e ele pintou-o em três alturas diferentes do dia. A formação foi particularmente valiosa na compreensão dos desafios tanto da perspectiva média como panorâmica, e na colocação eficaz de estruturas feitas pelo homem num cenário natural. Aprendeu também a dar a edifícios e rochas o efeito de volume e solidez com luz e sombra adequadas, utilizando ao mesmo tempo uma técnica suave e fina. Além disso, colocar figuras adequadas num cenário secular era uma necessidade de boa pintura paisagística, para acrescentar contexto humano e escala, e era ainda mais importante em paisagens alegóricas. Para o efeito, Corot trabalhou em estudos de figuras em trajes nativos, bem como em nus. Durante o Inverno, passou algum tempo num estúdio, mas voltou a trabalhar no exterior tão rapidamente quanto o tempo o permitia. A luz intensa da Itália colocou desafios consideráveis: “Este sol emite uma luz que me faz desesperar. Faz-me sentir a impotência total da minha paleta”. Aprendeu a dominar a luz e a pintar as pedras e o céu em variações subtis e dramáticas.

Não foi só a arquitectura e a luz italianas que capturou a atenção de Corot. O Corot tardio foi também entrançado por fêmeas italianas: “Elas ainda têm as mulheres mais bonitas do mundo que conheci…. – os seus olhos, os seus ombros, as suas mãos são espectaculares. Nisso, ultrapassam as nossas mulheres, mas por outro lado, não são as suas iguais em graça e bondade… Eu próprio, como pintor prefiro a mulher italiana, mas inclino-me para a mulher francesa quando se trata de emoção”. Apesar da sua forte atracção pelas mulheres, ele escreveu sobre o seu empenho na pintura: “Tenho apenas um objectivo na vida que quero perseguir fielmente: fazer paisagens. Esta firme resolução mantém-me afastado de um apego sério. Ou seja, no casamento…mas a minha natureza independente e a minha grande necessidade de estudo sério fazem-me encarar o assunto de ânimo leve”.

Esforço para o Salão

Durante o período de seis anos após a sua primeira visita italiana e a sua segunda, Corot concentrou-se na preparação de grandes paisagens para apresentação no Salão. Várias das suas pinturas de salão foram adaptações dos seus esboços a óleo italianos retrabalhados no estúdio, acrescentando elementos formais imaginados e consistentes com os princípios neoclássicos. Um exemplo disto foi a sua primeira entrada no Salão, View at Narni (1827), onde fez o seu rápido e natural estudo de uma ruína de um aqueduto romano empoeirado sol brilhante e o transformou num cenário pastoral falsamente idílico com árvores de sombra gigantes e relvados verdes, uma conversão destinada a apelar aos jurados neoclássicos. Muitos críticos valorizaram muito as suas pinturas pleino-ar italianas pelo seu “germe do Impressionismo”, a sua fidelidade à luz natural, e a sua evitação dos valores académicos, apesar de terem sido concebidas como estudos. Várias décadas mais tarde, o Impressionismo revolucionou a arte ao tomar uma abordagem semelhante – pintura rápida e espontânea feita no exterior; contudo, onde os Impressionistas usavam cores aplicadas rapidamente e não misturadas para capturar a luz e o humor, Corot normalmente misturava e misturava as suas cores para obter os seus efeitos sonhadores.

Quando saiu do estúdio, Corot viajou por toda a França, espelhando os seus métodos italianos, e concentrou-se em paisagens rústicas. Regressou à costa da Normandia e a Rouen, a cidade onde viveu quando era jovem. Corot também fez alguns retratos de amigos e familiares, e recebeu as suas primeiras comissões. O seu retrato sensível da sua sobrinha, Laure Sennegon, vestida de azul-pó, foi um dos seus mais bem sucedidos e mais tarde foi doado ao Louvre. Pintava tipicamente dois exemplares de cada retrato de família, um para o sujeito e outro para a família, e muitas vezes fazia também cópias das suas paisagens.

Na Primavera de 1829, Corot veio a Barbizon para pintar na Floresta de Fontainebleau; tinha pintado pela primeira vez na floresta de Chailly em 1822. Regressou a Barbizon no Outono de 1830 e no Verão de 1831, onde fez desenhos e estudos a óleo, a partir dos quais fez uma pintura destinada ao Salão de 1830; a sua Vista da Floresta de Fontainebleau (agora na National Gallery em Washington) e, para o Salão de 1831, outra Vista da Floresta de Fontainebleau. Enquanto lá conheceu os membros da escola de Barbizon; Théodore Rousseau, Paul Huet, Constant Troyon, Jean-François Millet, e o jovem Charles-François Daubigny. Corot exibiu um retrato e várias paisagens no Salão em 1831 e 1833. A sua recepção pelos críticos no Salão foi fixe e Corot decidiu regressar a Itália, não os tendo satisfeito com os seus temas neoclássicos.

Mid-career

Durante as suas duas viagens de regresso a Itália, visitou o Norte de Itália, Veneza, e novamente a zona rural romana. Em 1835, Corot criou uma sensação no Salão com a sua pintura bíblica Agar dans le desert (Hagar no deserto), que retratava Hagar, a serva de Sara, e o menino Ismael, morrendo de sede no deserto até ser salvo por um anjo. Os antecedentes foram provavelmente derivados de um estudo italiano. Desta vez, a ousada e inesperada declaração de Corot sobre o ideal neoclássico teve êxito junto dos críticos, demonstrando “a harmonia entre o cenário e a paixão ou sofrimento que o pintor escolhe retratar nele”. Seguiu essa afirmação com outros temas bíblicos e mitológicos, mas essas pinturas não foram tão bem sucedidas, pois os críticos do Salão acharam que ele queria compará-lo com Poussin. Em 1837, pintou a sua primeira nudez sobrevivente, A Ninfa do Sena. Mais tarde, aconselhou os seus alunos “O estudo do nu, como vêem, é a melhor lição que um pintor paisagista pode ter”. Se alguém sabe como, sem qualquer truque, descer uma figura, é capaz de fazer uma paisagem; caso contrário, nunca o poderá fazer”.

Durante a década de 1840, Corot continuou a ter os seus problemas com os críticos (muitas das suas obras foram rejeitadas categoricamente para a exposição de Salon), nem muitas obras foram compradas pelo público. Enquanto o reconhecimento e a aceitação por parte do estabelecimento chegavam lentamente, em 1845 Baudelaire liderou uma acusação pronunciando Corot como líder na “escola moderna de pintura paisagística”. Enquanto alguns críticos achavam as cores de Corot “pálidas” e a sua obra com “ingenuidade ingénua”, Baudelaire respondeu astutamente, “M. Corot é mais um harmonista do que um colorista, e as suas composições, que são sempre totalmente livres de pedantismo, são sedutoras só pela sua simplicidade de cor”. Em 1846, o governo francês condecorou-o com a cruz da Légion d’honneur e em 1848 foi condecorado com uma medalha de segunda classe no Salão, mas recebeu pouco patrocínio do Estado como resultado. A sua única obra encomendada foi uma pintura religiosa para uma capela baptismal pintada em 1847, à maneira dos mestres renascentistas. Embora o estabelecimento continuasse a recuar, outros pintores reconheceram a estatura crescente de Corot. Em 1847, Delacroix observou no seu diário, “Corot é um verdadeiro artista. É preciso ver um pintor no seu próprio lugar para ter uma ideia do seu valor…Corot mergulha profundamente num assunto: as ideias vêm até ele e ele acrescenta enquanto trabalha; é a abordagem certa”. Por recomendação de Delacroix, o pintor Constant Dutilleux comprou um quadro de Corot e iniciou uma longa e gratificante relação com o artista, trazendo-lhe amizade e patronos. O tratamento público de Corot melhorou drasticamente após a Revolução de 1848, quando ele foi admitido como membro do júri do Salão. Foi promovido a oficial do Salão em 1867.

Tendo abandonado quaisquer relações a longo prazo com mulheres, Corot permaneceu muito próximo dos seus pais, mesmo nos seus cinquenta anos. Um contemporâneo disse dele: “Corot é um homem de princípios, inconscientemente cristão; entrega toda a sua liberdade à sua mãe…tem de lhe implorar repetidamente para obter autorização para sair…para jantar todas as sextas-feiras”. Para além das suas viagens frequentes, Corot permaneceu intimamente amarrado à sua família até à morte dos seus pais, depois finalmente ganhou a liberdade de ir, conforme lhe apetecia. Essa liberdade permitia-lhe levar estudantes para sessões informais, incluindo os artistas judeus Édouard Brandon e o futuro impressionista Camille Pissarro, que esteve brevemente entre eles. O vigor e os conselhos perspicazes de Corot impressionaram os seus estudantes. Charles Daubigny declarou: “Ele é um perfeito Old Man Joy, este Padre Corot. Ele é um homem maravilhoso, que mistura piadas com os seus muito bons conselhos”. Outro estudante disse de Corot, “os jornais tinham distorcido tanto Corot, colocando Teócrito e Virgílio nas suas mãos, que fiquei bastante surpreendido ao encontrá-lo sem saber nem grego nem latim… O seu acolhimento é muito aberto, muito livre, muito divertido: ele fala ou ou ouve-o enquanto salta com um ou dois pés; ele canta trechos de ópera com uma voz muito verdadeira”, mas ele tem um “lado astuto, mordedor cuidadosamente escondido atrás da sua boa natureza”.

Em meados da década de 1850, o estilo cada vez mais impressionista de Corot começou a obter o reconhecimento que fixou o seu lugar na arte francesa. “M. Corot destaca-se…na reprodução da vegetação nos seus novos começos; ele torna maravilhosamente os primogénitos do novo mundo”. A partir da década de 1850, Corot pintou muitas recordações de paisagens e paginas, imaginou pinturas sonhadoras de locais recordados de visitas anteriores, pintadas com traços leves e soltos.

Anos posteriores

Na década de 1860, Corot ainda misturava figuras camponesas com figuras mitológicas, misturando o Neoclassicismo com o Realismo, fazendo com que um crítico lamentasse: “Se M. Corot matasse, de uma vez por todas, as ninfas da sua floresta e as substituísse por camponeses, eu gostaria que ele fosse além da medida”. Na realidade, na vida posterior, as suas figuras humanas aumentaram e as ninfas diminuíram, mas mesmo as figuras humanas eram frequentemente colocadas em devaneios idílicos.

Na vida posterior, o estúdio de Corot estava repleto de estudantes, modelos, amigos, coleccionadores e comerciantes que entravam e saíam sob o olhar tolerante do mestre, fazendo-o gracejar: “Porque é que há dez de vós à minha volta, e nenhum de vós pensa em reacender o meu cachimbo”. Os concessionários pegaram nas suas obras e os seus preços eram frequentemente superiores a 4.000 francos por quadro. Com o seu sucesso garantido, Corot deu generosamente do seu dinheiro e do seu tempo. Tornou-se um ancião da comunidade dos artistas e usaria a sua influência para ganhar comissões para outros artistas. Em 1871, deu £2000 para os pobres de Paris, sob o cerco dos prussianos. (ver: Guerra Franco-Prussiana) Durante a actual Comuna de Paris, ele esteve em Arras com Alfred Robaut. Em 1872 comprou uma casa em Auvers como presente para Honoré Daumier, que nessa altura já era cego, sem recursos, e sem abrigo. Em 1875, doou 10.000 francos à viúva de Millet em apoio aos seus filhos. A sua caridade era quase proverbial. Também apoiou financeiramente a manutenção de um centro de dia para crianças na rue Vandrezanne, em Paris. Na vida posterior, permaneceu um homem humilde e modesto, apolítico e feliz com a sua sorte na vida, e mantinha perto de si a crença de que “os homens não se devem encher de orgulho, quer sejam imperadores acrescentando esta ou aquela província aos seus impérios ou pintores que ganham reputação”.

Apesar do grande sucesso e apreciação entre artistas, coleccionadores, e os críticos mais generosos, os seus muitos amigos consideraram, no entanto, que ele foi oficialmente negligenciado, e em 1874, pouco tempo antes da sua morte, presentearam-no com uma medalha de ouro. Morreu em Paris de uma doença de estômago com 78 anos e foi enterrado no cemitério de Père Lachaise.

Vários seguidores chamavam-se alunos de Corot. Os mais conhecidos são Camille Pissarro, Eugène Boudin, Berthe Morisot, Stanislas Lépine, Antoine Chintreuil, François-Louis Français, Charles Le Roux, e Alexandre Defaux.

Corot é uma figura fulcral na pintura de paisagens. O seu trabalho faz simultaneamente referência à tradição Neo-Clássica e antecipa as inovações do Impressionismo no ar pleino-aéreo. Dele Claude Monet exclamou em 1897: “Existe apenas um mestre aqui – Corot. Não somos nada em comparação com ele, nada”. As suas contribuições para a pintura de figuras não são menos importantes; Degas preferiu as suas figuras às suas paisagens, e as figuras clássicas de Picasso prestam uma homenagem explícita à influência de Corot.

Os historiadores dividiram o seu trabalho em períodos, mas os pontos de divisão são muitas vezes vagos, uma vez que muitas vezes completou um quadro anos depois de o ter iniciado. No seu período inicial, pintava de forma tradicional e “apertada” – com uma exactidão minuciosa, contornos claros, pincéis finos, e com uma definição absoluta dos objectos ao longo de todo, com uma pintura de fundo monocromática ou ébauche. Depois de atingir os seus 50 anos, os seus métodos mudaram para se concentrarem na amplitude do tom e numa abordagem ao poder poético transmitido com uma aplicação mais espessa de tinta; e cerca de 20 anos mais tarde, a partir de 1865, o seu modo de pintar tornou-se mais lírico, afectado com um toque mais impressionista. Em parte, esta evolução em expressão pode ser vista como marcando a transição das pinturas de ar pleino-ar da sua juventude, filmadas com luz natural quente, para as paisagens criadas em estúdio da sua maturidade tardia, envoltas em tons uniformes de prata. Nos seus últimos 10 anos tornou-se o “Père (Pai) Corot” dos círculos artísticos parisienses, onde foi considerado com afecto pessoal, e reconhecido como um dos cinco ou seis maiores pintores paisagistas que o mundo tinha visto, juntamente com Meindert Hobbema, Claude Lorrain, J.M.W. Turner e John Constable. Na sua longa e produtiva vida, ele pintou mais de 3.000 pinturas.

Embora muitas vezes creditado como um precursor da prática impressionista, Corot aproximou-se das suas paisagens de forma mais tradicional do que se crê normalmente. Em comparação com os impressionistas que vieram mais tarde, a paleta de Corot é contida, dominada por castanhos e pretos (“cores proibidas” entre os impressionistas), juntamente com o verde escuro e prateado. Embora parecendo por vezes ser rápida e espontânea, geralmente os seus traços eram controlados e cuidadosos, e as suas composições bem pensadas e geralmente apresentadas da forma mais simples e concisa possível, acentuando o efeito poético do imaginário. Como afirmou, “reparei que tudo o que foi feito correctamente na primeira tentativa era mais verdadeiro, e as formas mais belas”.

A abordagem de Corot aos seus súbditos foi igualmente tradicional. Embora fosse um grande defensor dos estudos plein-air, era essencialmente um pintor de estúdio e poucas das suas paisagens acabadas foram concluídas antes do motivo. Durante a maior parte da sua vida, Corot passou os seus Verões a viajar e a recolher estudos e esboços, e os seus Invernos a terminar trabalhos mais polidos e prontos para o mercado. Por exemplo, o título dos seus Pais das Ilhas Borromeas (1865-70) refere-se ao Lago Maggiore em Itália, apesar de Corot não ter estado em Itália em 20 anos. A sua ênfase em desenhar imagens a partir da imaginação e da memória, em vez da observação directa, estava de acordo com os gostos dos jurados do Salão, do qual ele era membro.

Na década de 1860, Corot interessou-se pela fotografia, tirando ele próprio fotografias e conhecendo muitos dos primeiros fotógrafos, o que teve o efeito de suprimir ainda mais a sua paleta de pintura em simpatia com os tons monocrómicos das fotografias. Isto teve o resultado de tornar as suas pinturas ainda menos dramáticas mas um pouco mais poéticas, um resultado que levou alguns críticos a citar uma monotonia no seu trabalho posterior. Théophile Thoré escreveu que Corot “tem apenas uma oitava, extremamente limitada e com uma chave menor; um músico diria. Ele sabe pouco mais do que uma única hora do dia, da manhã, e uma única cor, cinzento pálido”. Corot respondeu:

O que há para ver na pintura, ou melhor, o que procuro, é a forma, o todo, o valor dos tons… É por isso que para mim a cor vem depois, porque gosto mais do que tudo do efeito global, da harmonia dos tons, enquanto a cor dá uma espécie de choque que não me agrada. Talvez seja o excesso deste princípio que faz as pessoas dizerem que eu tenho tons de chumbo.

Na sua aversão à cor chocante, Corot divergiu nitidamente dos impressionistas em ascensão, que abraçaram a experimentação com matizes vívidos.

Para além das suas paisagens (tão popular era o estilo tardio que existem numerosas falsificações), Corot produziu uma série de imagens de figuras premiadas. Enquanto os temas eram por vezes colocados em cenários pastoris, estes eram na sua maioria peças de estúdio, desenhadas a partir do modelo ao vivo, com especificidade e subtileza. Tal como as suas paisagens, são caracterizadas por um lirismo contemplativo, sendo os seus quadros tardios L’Algérienne (Mulher Argelina) e La Jeune Grecque (A Menina Grega) bons exemplos. Corot pintou cerca de cinquenta retratos, na sua maioria de família e amigos. Também pintou treze nus reclináveis, com os seus Les Repos (1860) de pose semelhante à famosa Le Grande Odalisque (1814) de Ingres, mas a fêmea de Corot é, em vez disso, uma bacante rústica. Talvez na sua última figura pintada, Lady in Blue (1874), Corot consegue um efeito que lembra Degas, suave mas expressivo. Em todos os casos da sua pintura de figuras, a cor é contida e é notável pela sua força e pureza. Corot também executou muitas gravuras e esboços a lápis. Alguns dos esboços utilizaram um sistema de símbolos visuais – círculos representando áreas de luz e quadrados representando sombra. Experimentou também o processo cliché verre – um híbrido de fotografia e gravura. A partir da década de 1830, Corot pintou também painéis decorativos e paredes nas casas dos amigos, com a ajuda dos seus alunos.

Corot resumiu a sua abordagem à arte por volta de 1860: “Interpreto tanto com a minha arte como com o meu olho”.

As obras de Corot estão alojadas em museus em França e nos Países Baixos, Grã-Bretanha, América do Norte e Rússia.

O forte mercado para as obras de Corot e o seu estilo de pintura tardia relativamente fácil de imitar resultou numa enorme produção de falsificações de Corot entre 1870 e 1939. René Huyghe, famoso por ter suprimido que “Corot pintou três mil telas, dez mil das quais foram vendidas na América”. Embora isto seja um exagero humorístico, milhares de falsificações foram acumuladas, com a colecção Jousseaume contendo apenas 2.414 obras deste tipo. A acrescentar ao problema estava a atitude laxista de Corot, que encorajava a cópia e a falsificação. Ele permitia aos seus estudantes copiar as suas obras e até pedir emprestadas as obras para posterior retorno, retocava e assinava cópias de estudantes e coleccionadores, e emprestava obras a fotocopiadoras profissionais e a agências de aluguer. Segundo o cataloguista da Corot Etienne Moreau-Nélaton, num estúdio de cópia, “O complacente pincel do mestre autenticou estas réplicas com alguns retoques pessoais e decisivos. Quando ele já não estava lá para terminar as suas “duplas”, continuaram a produzi-las sem ele”. A catalogação das obras de Corot, numa tentativa de separar os exemplares dos originais, saiu pelo contrário, quando os falsificadores utilizaram as publicações como guias para expandir e refinar as suas pinturas falsas.

Duas das obras de Corot são apresentadas e desempenham um papel importante no enredo do filme francês L’Heure d’été 2008 (título inglês Hora de Verão). O filme foi produzido pelo Musée d’Orsay, e as duas obras foram emprestadas pelo museu para a realização do filme.

Há uma rua chamada Rue Corot na Île des Sœurs, Quebec, nomeada para o artista.

No romance de Arthur Conan Doyle de 1890 O Sinal dos Quatro Tadeu Sholto tem em exposição uma obra desconhecida de Corot.

Referências

Fontes

  1. Jean-Baptiste-Camille Corot
  2. Jean-Baptiste Camille Corot