Edward Kienholz

Resumo

Edward Ralph Kienholz (23 de Outubro de 1927 – 10 de Junho de 1994) foi um artista de instalação e escultor de montagem americano cujo trabalho era altamente crítico em relação a aspectos da vida moderna. A partir de 1972, montou grande parte da sua obra de arte em estreita colaboração com a sua parceira artística e quinta esposa, Nancy Reddin Kienholz. Ao longo de grande parte da sua carreira, o trabalho dos Kienholz foi mais apreciado na Europa do que nos seus Estados Unidos de origem, embora os museus norte-americanos tenham apresentado a sua arte de forma mais proeminente desde os anos 90.

O crítico de arte Brian Sewell chamou Edward Kienholz “o artista americano menos conhecido, mais negligenciado e esquecido de Jack Kerouac”s Beat Generation of the 1950s, um contemporâneo dos escritores Allen Ginsberg, William Burroughs e Norman Mailer, o seu imaginário visual pelo menos tão sombrio, sórdido, sórdido e deprimente como o seu vocabulário literário”.

Edward Ralph Kienholz nasceu em Fairfield, Washington, na parte seca oriental do estado. Cresceu numa quinta de trigo, aprendendo carpintaria, desenho e habilidades mecânicas. O seu pai era rigoroso, e a sua mãe era uma fundamentalista religiosa; o filho rebelde ansiava por escapar a este ambiente constrangido. Estudou arte no Eastern Washington College of Education e brevemente, no Whitworth College em Spokane, mas não recebeu qualquer diploma formal. Depois de uma série de biscates, trabalhando como enfermeiro num hospital psiquiátrico, gerente de uma banda de dança, vendedor de carros usados, fornecedor de catering, decorador, e vendedor de aspiradores, Kienholz instalou-se em Los Angeles, onde se envolveu com a cena artística vanguardista da época.

Em 1956, Kienholz abriu a galeria NOW, para a qual Michael Bowen desenhou a placa; nesse ano conheceu o estudante Walter Hopps, que era dono da Galeria Syndell. Co-organizaram o All-City Art Festival, depois em 1957, com o poeta Bob Alexander, abriram a Galeria Ferus na North La Cienega Boulevard. A Galeria Ferus logo se tornou um foco de arte e cultura de vanguarda na área de Los Angeles.

Apesar da sua falta de formação artística formal, Kienholz começou a empregar os seus dotes mecânicos e de carpintaria para fazer pinturas de colagem e relevos montados a partir de materiais recuperados dos becos e calçadas da cidade. Em 1958 vendeu a sua parte da Galeria Ferus para comprar uma casa e um estúdio em Los Angeles e para se concentrar na sua arte, criando mesas ambientais de grande escala e de pé livre. Continuou a participar em actividades na Galeria Ferus, montando uma exposição dos seus primeiros trabalhos de montagem em 1959.

Em 1961, Kienholz completou a sua primeira instalação em grande escala, a Roxy”s, um ambiente do tamanho de uma sala, que expôs na Galeria Ferus em 1962. Situado no ano de 1943, Roxy”s retrata as memórias de Kienholz dos seus encontros de juventude num bordel do Nevada completo com mobiliário antigo, uma jukebox da era dos anos 30, vários exemplares de vindimas, e personagens satíricas montadas a partir de peças de lixo castoff. Este trabalho artístico causou mais tarde uma agitação na exposição documenta 4 em 1968.

Uma exposição de 1966 no Los Angeles County Museum of Art (LACMA) suscitou considerável controvérsia sobre a sua montagem, Back Seat Dodge ”38 (1964). O Conselho de Supervisores do Condado de Los Angeles chamou-lhe “revoltante, pornográfico e blasfemo”, e ameaçou reter o financiamento do museu, a menos que o quadro fosse retirado da vista. Chegou-se a um compromisso sob o qual a porta do carro da escultura permaneceria fechada e guardada, para ser aberta apenas a pedido de um patrono do museu com mais de 18 anos, e apenas se nenhuma criança estivesse presente na galeria. O alvoroço levou a que mais de 200 pessoas fizessem fila para ver o trabalho no dia em que a exposição foi aberta. Desde então, o Back Seat Dodge ”38 tem atraído multidões. O LACMA só adquiriu formalmente a obra em 1986.

Em 1966, Kienholz começou a passar os verões em Hope, Idaho, enquanto ainda mantinha espaço de estúdio em Los Angeles. Também por essa altura, produziu uma série de Concept Tableaux, que consistia em descrições de textos emoldurados de obras de arte que ainda não existiam. Ele venderia estas obras de Arte Conceptual inicial (embora o termo não estivesse em uso generalizado na altura) por uma módica quantia, dando ao comprador o direito (mediante o pagamento de uma taxa maior) de mandar a Kienholz construir efectivamente a obra de arte. Ele vendeu uma série de Tableaux Conceptuais, mas apenas o Hospital Estatal progrediu para uma obra de arte concluída.

Os conjuntos de objectos encontrados de Kienholz – os detritos da existência moderna, muitas vezes incluindo figuras lançadas da vida – são por vezes vulgares, brutais e horripilantes, confrontando o espectador com questões sobre a existência humana e a desumanidade da sociedade do século XX. Em relação a materiais encontrados, ele disse, em 1977, “Começo realmente a compreender qualquer sociedade, passando pelas suas lojas de lixo e mercados de pulgas. É para mim uma forma de educação e de orientação histórica. Consigo ver os resultados das ideias no que é deitado fora por uma cultura”.

A Kienholz incorporou ocasionalmente rádios ou televisores defuntos ou em funcionamento nas suas obras, por vezes adicionando som e imagens em movimento ao efeito global. Animais vivos foram selectivamente incluídos como elementos cruciais em algumas instalações, fornecendo movimento e som que contrastavam fortemente com as mesas congeladas de decadência e degradação. Por exemplo, The Wait, uma cena sombria de uma mulher esquelética solitária rodeada de memórias e à espera da morte, incorpora uma gaiola com um periquito vivo alegremente a chilrear e a saltitar. A ave é considerada parte integrante da instalação, mas requer uma atenção especial para garantir que se mantém saudável e activa, tal como descrito no catálogo e vídeo online do Museu Whitney. Outra obra bem conhecida, The State Hospital, incorpora um par de peixes dourados negros nadando em cada um de dois aquários de vidro que representam a cabeça de um recluso que sofre de doença mental.

O trabalho de Kienholz comentou selvagemmente o racismo, o envelhecimento, as doenças mentais, os estereótipos sexuais, a pobreza, a ganância, a corrupção, o imperialismo, o patriotismo, a religião, a alienação e, acima de tudo, a hipocrisia moral. Devido aos seus tons satíricos e antiestablishment, as suas obras têm sido frequentemente ligadas ao movimento artístico funk baseado em São Francisco nos anos 60.

Embora fosse ateu e desprezasse a religiosidade fingida, Keinholz preservou cuidadosamente um santuário de montras anónimo descoberto em Spokane, Washington. Chamando a este trabalho artístico descoberto de outsider The Jesus Corner, Keinholz exibiu-o num museu de Spokane em 1984, e depois mostrou-o no Museu de Arte Moderna de São Francisco. Dez anos mais tarde, Keinholz insistiu em vendê-la a um preço reduzido ao Museu de Arte do Missoula, no Missoula, Montana, para garantir que estaria à vista num ambiente com o qual se sentisse confortável.

Em 1981, Ed Kienholz declarou oficialmente que todo o seu trabalho a partir de 1972 deveria ser entendido retrospectivamente como sendo co-autor e co-assinado pela sua quinta esposa e colaboradora, a antiga fotojornalista Nancy Reddin Kienholz. Colectivamente, são referidos como “Kienholz”. O seu trabalho tem sido amplamente aclamado, particularmente na Europa.

No início da década de 1970, Kienholz recebeu uma bolsa que lhe permitiu trabalhar em Berlim. Os seus trabalhos mais importantes durante este período basearam-se no Volksempfängers (aparelho de recepção de rádio de canal fixo do período nacional-socialista na Alemanha). Em 1973, foi artista convidado do Serviço Alemão de Intercâmbio Académico em Berlim. Em 1974, Edward Kienholz actuou com Jannis Kounellis, Wolf Vostell, e outros artistas em Berlim na ADA – Aktionen der Avantgarde.

Em 1973, Kienholz e Reddin mudaram-se de Los Angeles para Hope, Idaho, e durante os vinte anos seguintes dividiram o seu tempo entre Berlim e Idaho. Em 1976 recebeu uma bolsa de estudos Guggenheim. Em 1977 abriu “The Faith and Charity in Hope Gallery” no seu estúdio de Idaho, e mostrou artistas estabelecidos e emergentes, incluindo Francis Bacon, Jasper Johns, Peter Shelton, e Robert Helm. Os Keinholzs continuaram a produzir as suas próprias novas instalações e esculturas para exposição.

Edward Kienholz morreu subitamente em Idaho a 10 de Junho de 1994, de um ataque cardíaco após uma caminhada nas montanhas perto da sua casa. Era um fumador crónico que tinha lutado contra a diabetes, o que progressivamente prejudicava o uso das suas extremidades. Foi enterrado numa autêntica instalação Kienholz; Robert Hughes escreveu, “é corpulento, o corpo embalsamado foi enterrado no banco da frente de um coupé castanho de Packard de 1940. Havia um dólar e um baralho de cartas no seu bolso, uma garrafa de Chianti de 1931 ao seu lado e as cinzas do seu cão Smash nas costas. Estava preparado para o pós-vida. Ao lamento das gaitas de foles, o Packard, conduzido pela sua viúva Nancy Reddin Kienholz, rolou como uma barcaça funerária para o grande buraco”.

Após a morte de Edward, Nancy Reddin Kienholz continuou a administrar o seu património artístico conjunto, organizando espectáculos e exposições, até à sua própria morte em 2019.

Retrospectivas do trabalho de Kienholz têm sido pouco frequentes, devido à dificuldade e despesas de montagem de esculturas e instalações frágeis, literalmente em tamanho de sala, a partir de colecções amplamente dispersas por todo o mundo. A obra de Kienholz tem sido frequentemente difícil de ver, tanto devido ao seu objecto, como à logística da sua exibição.

Relativamente poucas das principais obras tinham estado expostas nos EUA, a terra natal dos Kienholzes, embora os museus americanos tenham agora começado a apresentar o seu trabalho de forma mais proeminente, especialmente após uma grande exposição retrospectiva (póstumo) em 1996 no Museu Whitney de Arte Americana. O Museu Bowers (Santa Ana, Califórnia), o Instituto de Arte Dayton, o Museu de Arte de Honolulu, a Galeria Nacional de Arte (Washington, DC), o Museu Oakland da Califórnia, o Museu de Arte Moderna de São Francisco, o Museu de Arte Americana do Smithsonian, o Museu de Arte da Universidade do Arizona, o Museu de Arte do Condado de Los Angeles (LACMA), o Museu de Arte Weisman da Universidade de Minnesota, Minneapolis, e o Museu Whitney de Arte Americana (Nova Iorque) estão entre as colecções públicas que albergam obras de Kienholz.

Os materiais e métodos diversos e livremente improvisados utilizados nas obras de Kienholz representam um desafio invulgar para os conservadores de arte que tentam preservar a intenção e as aparências originais do artista. O tratamento das traças do banco de trás Dodge ”38 para o vestuário apresentou uma situação embaraçosa, que foi habilmente abordada pelo Instituto Getty Conservation e pelo Museu J. Paul Getty em nome do LACMA, o proprietário da obra de arte.

Em 2009, a National Gallery em Londres montou uma exposição de The Hoerengracht (Dutch: Whores” Canal), uma instalação de rua dos anos 80 que retratava o bairro da luz vermelha de Amesterdão, Holanda. De 6 de Maio a 19 de Junho de 2010, a Roxy”s de Kienholz (1960) foi meticulosamente reconstruída e visível através da abertura de duas janelas panorâmicas na Galeria David Zwirner na cidade de Nova Iorque.

Em 2011, o trabalho de Kienholz foi visitado com atenção renovada em Los Angeles, em parte como resultado da série de exposições Pacific Standard Time, que viu a sua poderosa instalação Five Car Stud de 1972 reinstalada no LACMA. A instalação sobredimensionada é enquadrada por cinco veículos estacionados em círculo, os seus faróis iluminando uma cena de castração de ódio racial acentuado. Foi exibida em Los Angeles e na Alemanha em 1972, depois adquirida por um coleccionador japonês e mantida em armazém durante quase 40 anos, conhecida apenas através de fotografias documentais dessas exposições. Em Setembro de 2011, foi re-instalada no LACMA. Na Art Basel 2012, foi comprada pela Fundação Prada.

Kienholz é reconhecida como pioneira, já em 1960 com a Roxy”s, do que veio a ser conhecido como arte de instalação e arte de montagem. Também produziu obras de arte conceptual com a sua série Concept Tableau em meados da década de 1960. Em 1968, o comportamento cuidadosamente documentado e auto-conscientemente ultrajante de Ed Kienholz no que foi chamado o “Incidente TWA” revelou aspectos do que mais tarde seria chamado de “arte performativa”. Apesar das suas afirmações de ser apenas um carpinteiro e mecânico da classe trabalhadora, Kienholz estava bem ciente da sua posição na cena artística contemporânea, e agiu assertivamente para moldar a sua imagem e legado.

O livro do filósofo francês Jean-François Lyotard Pacific Wall (Le mur du pacifique) é uma meditação alargada sobre a instalação de Keinholz”s Five Card Stud.

Fontes

  1. Edward Kienholz
  2. Edward Kienholz
  3. ^ a b c Sewell, Brian (19 November 2009). “Truth about the sex trade from Edward Kienholz”. London Evening Standard. Retrieved 2014-07-01.
  4. ^ a b c “Edward Kienholz / MATRIX 21”. Archived from the original on December 1, 2009.
  5. ^ “Late Fifties at the Ferus”. Archived from the original on January 29, 2010.
  6. ^ “His truck used to have ED KIENHOLZ–EXPERT painted on the door. You might not trust Roy Lichtenstein to frame a shed or Jasper Johns to re-weld a railing, but Kienholz was doing that stuff since childhood.” Hughes, Robert. “All-American Barbaric Yawp.” May 6, 1996. TIME
  7. Archivlink (Memento vom 9. Oktober 2011 im Internet Archive)
  8. Website over de Ferus Gallery
  9. a b Edward Kienholz (dán és angol nyelven)
  10. a b Encyclopædia Britannica (angol nyelven). (Hozzáférés: 2017. október 9.)
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