Antoine Watteau

Resumo

Jean-Antoine Watteau (baptizado a 10 de Outubro de 1684, Valenciennes – falecido a 18 de Julho de 1721, Nogent-sur-Marne) foi pintor e desenhador francês, membro da Academia Real de Pintura e Escultura (um notável mestre do período da Regência francesa, que se tornou um dos fundadores da arte rococó. Durante o curto período da sua vida criativa, a maior parte da qual foi passada em Paris, Watteau deixou um rico legado: cerca de mil desenhos e mais de 200 quadros. Entre estes últimos, além de paisagens, retratos, cenas mitológicas, religiosas, de campo de batalha e do quotidiano, ele é mais conhecido pelas chamadas cenas galantes – cenas de grupo de figuras no parque. Watteau tinha sido muito influenciada pelas realizações de artistas de épocas anteriores – representantes das escolas flamengas, francesas e italianas, por um lado, e as realidades da cultura contemporânea (em particular, a interacção das tradições do teatro francês e da Commedia del Arte italiana), por outro.

A obra de Watteau, que contrariava a tradição académica e o realismo iluminista, foi reprovada no século XVIII; foi mais amplamente aceite na onda do Romantismo e do Impressionismo no século XIX e o estudo científico da vida e obra de Watteau, que inspirou artistas de períodos posteriores, também começou. Uma grande exposição retrospectiva de marcos importantes da obra de Watteau foi realizada em 1984-1985 por ocasião dos trezentos anos do seu nascimento, e uma bibliografia de obras sobre o artista totaliza mais de 500 títulos.

Alternatives:Os primeiros anos e a aprendizagemAnos iniciais e aprendizagemPrimeiros anos e aprendizagem

Jean-Antoine Watteau foi baptizado a 10 de Outubro de 1684 em Valenciennes, a antiga capital do Hainaut, que se tinha tornado parte da Borgonha e dos Habsburgos holandeses, e que só foi anexado à França pouco antes do seu nascimento. Antoine – presumivelmente de origem valã – foi o segundo de quatro filhos do telhador hereditário Jean Philippe Watteau (1660-1720) e da sua esposa Michel Lardenois (1653-1727), que eram uma família bastante rica – Watteau sénior fez o seu caminho como empreiteiro, apesar do seu temperamento áspero e dos procedimentos legais subsequentes. Ainda muito jovem, foi atraído pelo desenho e o seu pai mandou-o aprender com o pintor local Jacques-Albert Gérin (1640-1702), um mestre de pequenos talentos. Segundo Jean de Julien, um dos amigos e primeiros biógrafos do artista, “Watteau, então com dez ou onze anos de idade, estudou com tanto entusiasmo que após alguns anos o seu mentor já não lhe era útil, pois não o conseguia conduzir devidamente. De acordo com outros relatórios, a estadia no atelier de Gérin não durou muito porque, passado algum tempo, o seu pai recusou-se a pagar a educação do seu filho.

Entre 1700 e 1702 Antoine Watteau deixa Valenciennes em segredo, contra a vontade do seu pai, e, sem quaisquer meios, dirige-se a Paris a pé. A sua fuga para Paris pode ter sido facilitada pelo seu conhecimento em Valenciennes com o pintor-decorador Méteille. Foi sugerido que Metaille se apresentasse como um designer de cenários de teatro capaz e, durante a sua primeira estadia em Paris, Watteau trabalhou sob a sua direcção para o teatro. No entanto, não encontrou sucesso e foi forçado a regressar a casa após alguns meses. Sabe-se apenas que pouco depois da sua chegada a Paris, Watteau, não tendo dinheiro para se sustentar, é contratado numa oficina de pintura na Pont Notre Dame, cujo proprietário organizou a produção em massa de cópias baratas de quadros no “gosto comum” para compradores grossistas. Watteau copiou repetidamente mecanicamente as mesmas pinturas populares (como The Old Woman Reading de Gerard Dawe) e deu todo o seu tempo livre para desenhar a partir da vida, o que atesta a sua diligência excepcional.

Cerca de 1704 Watteau encontrou o seu primeiro patrono em Pierre Mariette (1630-1716) e o seu filho Jean, gravadores e coleccionadores que eram proprietários de uma grande empresa que vendia gravuras e pinturas. Nas Mariettes, Watteau foi apresentado às gravuras de Rembrandt, desenhos de Tician e gravuras de Rubens, e pela primeira vez foi imerso numa atmosfera de verdadeiro profissionalismo. Através das Mariettes, Watteau tornou-se aluno do pintor Claude Gilleau, um mestre do cenário teatral e criador de pequenas pinturas retratando cenas de comédia italiana. Os poucos anos da sua aprendizagem com Gilleau foram cruciais para o desenvolvimento da Watteau. Foi aqui que ele foi introduzido aos temas que se tornariam um dos pilares da sua arte e lhe deu um vislumbre da vida teatral a partir do interior. Os seus estudos em Gillot podem não ter tido uma influência decisiva na formação pictórica da Watteau, mas enriqueceram o gosto artístico da recente província e levaram-no a uma consciência da sua própria individualidade. Segundo outro amigo e biógrafo do artista, Edm-François Gersen, “deste mestre Watteau só adquiriu um gosto pelo grotesco e pela banda desenhada, assim como um gosto por temas contemporâneos, ao qual mais tarde se dedicou. E no entanto é preciso admitir que com Gillot, Watteau finalmente compreendeu a si próprio e que, desde então, os sinais do talento que devia ser desenvolvido se tornaram mais evidentes”.

Os únicos exemplos sobreviventes da aprendizagem de Gillot são várias pinturas de Watteau, que ainda são algo indistinguíveis do seu estilo futuro: Arlequim, Imperador da Lua (provavelmente de um desenho de Gillot que não é preservado), e Sátira sobre Médicos (por vezes associada ao Monsieur de Pourconiac de Moliere), agora no Museu de Belas Artes de Nantes e no Museu de Belas Artes Pushkin em Moscovo, respectivamente.

Em 1707 ou 1708 Watteau, que tinha um carácter bastante precoce e inabalável, deixou Gillot e tornou-se aprendiz e assistente do famoso pintor-decorador Claude Audran (1658-1734), curador da colecção de arte do Palácio do Luxemburgo. Nessa altura, o talento e a rara laboriosidade de Watteau tinham aperfeiçoado tanto o seu desenho e pintura que Audran, segundo Jersen, que apreciava “a facilidade e a agilidade do jovem pintor, criou as melhores condições para ele, de acordo com o lucro que estava a obter com o seu trabalho”. Embora Watteau não tenha passado pela escola académica – não pintou mármores e gessos nem estudou composições decorativas antigas – assimilou os princípios da ornamentação intricadamente refinada do novo professor e compôs cenas para pinturas murais sob a sua orientação.

“Foi com Audran que Watteau encontrou pela primeira vez a noção, que mais tarde lhe serviu bem, com a noção – embora puramente prática – de estilo, um sistema coerente de representação, onde cada detalhe, apesar da sua aparente diversidade, é penetrado por um único tom plástico, onde o mais pequeno desvio da melodia global de linhas e volumes se revela falso e provoca a desintegração da composição… Nos ornamentos e padrões fantásticos, em todas estas conchas, folhas, grinaldas, flores o Watteau compreendeu não só a sabedoria do equilíbrio, unidade estilística e harmonia, não só aprendeu o seu negócio, mas, além disso, muito provavelmente inconscientemente, absorveu as “melodias estéticas”, a moda plástica da época… “.

Watteau participou na execução das comissões decorativas de Odrán e, ao fazê-lo, pôde estudar as colecções artísticas do Palácio do Luxemburgo sem quaisquer restrições. Na altura, o palácio era apenas utilizado como repositório de pinturas, treliças, mobiliário e outros tesouros não considerados dignos de Versalhes, e tornou-se de facto um museu para Watteau. A peça central foi o famoso ciclo de 24 telas monumentais de Rubens, A Vida de Maria de Médicis. Entre as pinturas da colecção, Watteau também encontrou as paisagens mitológicas de Poussin, e ao sair do palácio viu-se na paisagem quase sempre deserta do parque, que começou com arbustos, vielas e piscinas ornamentadas e passou para um bosque negligenciado e denso. As vistas do Parque do Luxemburgo não podiam deixar de servir de material visual para a pintura posterior da Watteau.

No Verão de 1709 Watteau participou num concurso na Academia Real das Artes para o Prix de Rome. Para ser considerado para o Prémio Roma, foi necessário apresentar uma recomendação de um membro da Academia e um esboço sobre um determinado assunto bíblico ou mitológico. Os académicos seleccionaram os esboços que consideraram dignos e atribuíram aos candidatos uma variação sobre o tema da parcela declarada. Quem foi o patrono de Watteau é desconhecido; nem o seu esboço nem a sua pintura final sobreviveram. O que se sabe é que a Watteau, juntamente com quatro outros concorrentes, iria representar o regresso de David após a sua vitória sobre Golias. A 31 de Agosto foi anunciado o resultado, segundo o qual o primeiro prémio e o direito a uma viagem prolongada a Roma, Watteau não recebeu, a sua fotografia ficou em segundo lugar. Chocado com a sua derrota, o Watteau de 24 anos deixou Odrán para a sua terra natal de Valenciennes, deixando Paris.

Encontrar um estilo. 1710-1715

Os primeiros desenhos e pinturas de Watteau de uma pequena série de cenas de guerra foram feitos durante a sua partida de Paris. Esta série, tal como a grande maioria das obras de Watteau, não tem data autoral e é definida por especialistas no período 1710-1715. Das notas de Jersen, sabe-se que a primeira das suas cenas de batalha, A Partida das Tropas, Watteau, não pintou para encomendar e decidiu vendê-la a fim de viajar para Valenciennes sem mãos vazias. Inesperadamente para o artista, a pintura sobre temas militares, não só foi implementada com sucesso, mas seguida de uma ordem para o próximo, que Watteau escreveu à chegada a Valenciennes (Bivouac. 1710. Pushkin State Museum of Fine Arts). Estas e as pinturas subsequentes da série não têm uma única frase de passagem, “são variações diferentes do mesmo tema, unidas, talvez, apenas a ausência de uma trama militar adequada – ninguém dispara, não corre para o ataque e acena com espadas. Em Valenciennes conhece Antoine de Larocque, um oficial da esquadra da Gendarmaria Real de Cavalaria, que estava a ser tratado após uma ferida grave. De Laroque (1672-1744), um homem de letras e futuro editor do Mercúrio francês, depressa se tornou um dos amigos íntimos do artista. É provável que a continuação de Antoine Watteau da série de guerra se deva não só ao seu sucesso com os compradores, mas também a um período de estreita associação com de Larocque.

É também aqui que conhece o escultor local Antoine Pater, de quarenta anos, para quem o Watteau de 25 anos já era uma celebridade parisiense, e a quem Pater pede para ser o patrono do seu filho Jean-Baptiste, de 15 anos, um aspirante a pintor. Depois de permanecer em Valenciennes por menos de um ano, Watteau regressa a Paris com o seu aluno, onde aceita um convite de Pierre Sirois, um comerciante de pinturas de guerra, para se instalar com ele e trabalhar para ele. As obras de Watteau já atraíram a atenção dos amantes da arte. Ele trabalha arduamente, e desde o início da década de 1710 a sua fama cresce constantemente, embora o próprio artista esteja normalmente cheio de insatisfação com tudo o que sai do seu pincel. Ao mesmo tempo, desenvolve uma doença grave, a tuberculose.

Desde o início da década de 1710 que o trabalho de Watteau começa a estar firmemente enraizado em temas relacionados com a vida do teatro e dos actores. O seu interesse pelo imaginário teatral – que pode ter surgido nos seus primeiros anos em Valenciennes e se desenvolveu durante a sua aprendizagem com Gilleau – foi uma das características mais marcantes do seu novo estilo. Mas as obras de Watteau não têm cenas teatrais reais, nenhum cenário concreto (como nas pinturas do seu mentor Gillot). Inventa as suas próprias situações, as suas próprias mise-en-scenes, substituindo o cenário por um fundo paisagístico convencional.

“O teatro atraiu Watteau como encarnação artística da vida, como expressão das paixões humanas, purificada da aleatoriedade da vida quotidiana, iluminada pelas luzes da rampa, com trajes brilhantes pintados. O teatro justo, que teve as suas origens na Commedia dell’arte, não conhecia o encerramento do palco e o fosso entre o espectáculo e a vida. Os actores trocaram comentários com os seus parceiros e saíram para a audiência. E isto reforçou o sentido intrínseco da vida da Watteau como um jogo e das personagens como máscaras. Sim, de facto o teatro é uma segunda vida e a vida é uma espécie de palco. E ali e ali – a representação, o jogo, o engano, o amor fingido, a tristeza fingida e a alegria.

Na casa de Cyrus, Watteau conhece o seu genro, Edm-François Gersen (1694-1750), um negociante de arte que logo se torna amigo íntimo do artista. Através da mediação de Cyrus, Watteau adquiriu um patrono e filantropo sob a forma de Pierre Crozier, um banqueiro rico e proprietário de uma das maiores colecções de quadros. Em 1714, tendo aceite a oferta de Crozze para se instalar na sua mansão parisiense recentemente construída, foi dada a Watteau a oportunidade de ver as obras-primas da sua famosa colecção e, de acordo com Jersen, “avidamente derramou nelas e não conhecia outras alegrias a não ser considerar e até copiar os desenhos dos grandes mestres sem fim.

Na casa de Crozá, Watteau vivia ao lado do académico de pintura Charles de Lafosse, que o banqueiro também patrocinava e com quem o jovem artista se encontrava em boas condições. Em 1712 Watteau tentou entrar na Academia Real das Artes e, de acordo com Jersen, Lafosse encorajou-o a ser aceite como “Associado”. Ao ver o trabalho de Watteau apresentado à academia, Lafosse disse ao jovem modesto: “Meu amigo, não estás consciente do teu talento e subestimas a tua força; acredita em mim, com a tua perícia ultrapassas-nos; acreditamos que te podes tornar uma condecoração da nossa academia; submete a tua candidatura e nós vamos admitir-te no nosso meio”.

O auge da criatividade. 1716-1721

Em vez dos dois anos necessários para criar uma pintura obrigatória para admissão na Academia, a Watteau levou cinco anos. No entanto, Watteau tinha uma vantagem importante: os académicos não lhe deram um tema específico (que era a regra habitual para os participantes), mas deixaram a escolha para o artista. Isto testemunhou a elevada reputação da Watteau, mas não lhe permitiu apresentar nada que desejasse como pintura obrigatória. Durante estes cinco anos, pediu várias vezes um adiamento e foi repetidamente chamado à Academia “para dar explicações sobre as razões do atraso”.

Em 1717, quando a obra obrigatória “Peregrinação à Ilha Kieferu” foi finalmente concluída, as pinturas de Antoine Watteau, vulgarmente conhecidas pelos seus contemporâneos como “cenas galantes”, tiveram tanto sucesso que isto permitiu aos membros da Academia não considerar o trabalho obrigatório do artista no sistema obrigatório dos géneros clássicos. Foi feita uma excepção para Watteau: a sua pintura recebeu o estatuto especial de “festa galante”, pelo que a Academia reconheceu especificamente os serviços do artista. A entrada na acta da reunião da Academia Real das Artes de 28 de Agosto de 1717 foi lida: “Pier Antoine Watteau, pintor, originalmente de Valenciennes, inscrito a 30 de Julho de 1712, enviou um quadro que lhe foi pedido para actuar para a sua admissão na Academia. Descreve…”. Estava originalmente escrito: “uma peregrinação à ilha de Kieferu”; depois o escriba riscou estas palavras e escreveu no seu lugar: “um banquete galante”. Watteau foi eleito membro de pleno direito da Academia. Na cerimónia, para além do primeiro pintor real Antoine Quapelle e outros artistas famosos (incluindo o mentor de Watteau Claude Gillot), o governante não coroado de França, o regente do menor Luís XV, esteve presente “Sua Alteza Real o Duque Monsenhor de Orleães”.

Com trinta e três anos, Watteau torna-se o pintor mais popular em Paris. O patrocínio e as comissões lucrativas que Crozá forneceu à Watteau, bem como os comentários entusiastas do banqueiro sobre os seus talentos de pintura, contribuem todos para o renome europeu inicial do artista. Crozá escreve à então famosa retratista Rosalba Carriera em Veneza: “Entre os nossos pintores não conheço ninguém senão Monsieur Watteau, que seria capaz de criar uma obra digna de vos ser apresentada…”. Na casa de Crozier foi-lhe dado material adicional para o seu trabalho: para além dos famosos bailes e festivais parisienses, que alimentavam a pintura de Watteau com impressões vívidas, houve encontros semanais de conhecedores, artistas e coleccionadores, que o mergulharam numa atmosfera de refinada bolsa de estudo.

No entanto, a natureza independente do artista não lhe permitiu permanecer por muito tempo em circunstâncias tão obrigatórias, embora luxuosas. Em 1718 Watteau deixou a casa hospitaleira do seu patrono, que nunca perdeu o interesse pela sua arte. Provavelmente uma das últimas obras que pintou no grande estúdio à sua disposição na mansão de Crozá foi a famosa Gilles, uma pintura de grandes dimensões que agora adorna o salão do Louvre do Watteau.

“Na história da arte, ‘Gilles’ não tem praticamente nenhuma analogia.

A saúde da Watteau estava a deteriorar-se. No final de 1719, foi para Inglaterra (a convite do seu admirador e imitador Philippe Mercier) na esperança de enfrentar a tuberculose com a ajuda de um famoso médico londrino Richard Mead e levou com vários quadros. Um deles, The Caprice, foi comprado em Londres e subsequentemente entrou na colecção da família Walpole, enquanto o Dr. Meade ficou com The Italian Actors. Na Inglaterra, as pinturas de Watteau foram um grande sucesso, mas o tratamento não teve resultados notáveis; o clima de Londres apenas exacerbou o seu estado grave.

Regressando a Paris no Verão de 1720 bastante doente, alojou-se com o seu amigo Gersen, que tinha comprado recentemente a prestigiosa loja de antiguidades Grand Monarch na Pont Notre Dame, e inesperadamente ofereceu-se para pintar um enforcamento para o seu novo estabelecimento:

“…Watteau veio ter comigo e perguntou se eu concordaria em deixá-lo ficar em minha casa e deixá-lo, como ele disse, “esticar os braços” e pintar uma placa para que eu a pudesse pendurar sobre a entrada da loja. Estava relutante em aceitar, preferindo ocupá-lo com algo mais substancial, mas notando que o trabalho lhe daria prazer, concordei. Todos sabiam como era bom; era verdadeiro, as poses eram tão verdadeiras e naturais, a composição tão natural; os grupos estavam tão bem colocados que atraíram o olhar de cada transeunte, e mesmo os pintores mais experientes vieram várias vezes para admirar o sinal. Foi pintado numa semana, e o pintor trabalhava apenas de manhã; a sua saúde frágil ou melhor, a sua fraqueza não lhe permitia trabalhar mais tempo. É o único trabalho que tem lisonjeado um pouco a sua vaidade”, disse-me com franqueza.

Watteau pintou o enforcamento em duas telas separadas, que foram depois enquadradas juntas. A placa da loja Gersen, que é consideravelmente maior que as suas outras obras, difere das outras na medida em que a sua acção é transferida de uma paisagem para um interior. Contudo, o espectador pode ver este interior directamente da rua, “através do muro”. A pintura representa uma loja espaçosa transformada à vontade do artista num palco aberto, directamente virada para o pavimento parisiense. As paredes do antiquário estão cobertas de pinturas; em primeiro plano, à esquerda, os criados colocam um retrato do “grande monarca a sair de cena” – o recém falecido Luís XIV – numa gaveta. No canto superior pendura um retrato do seu sogro, o Rei Filipe IV de Espanha; à direita, os conhecedores escrutinam um quadro numa moldura oval, provavelmente obra do próprio Watteau; paisagens e naturezas mortas são intercaladas com cenas mitológicas (Vénus e Marte, Sátiro e Ninfa, O Silêncio Bêbado) e A Sagrada Família.

A principal peculiaridade deste trabalho reside no seu excepcional carácter programático. Como Louis Aragon e muito mais tarde Alexander Yakimovitch acreditavam, Watteau apresentou a história da pintura tal como a conhecia sob o disfarce de uma tabuleta; ao mesmo tempo, é um quadro da evolução criativa do próprio pintor, que se tornou o seu testamento artístico. Serge Daniel traça um paralelo entre o significado do Sinal de Loja de Gersen para a arte Rococó e o significado do Menin de Velázquez para o século anterior.

No início de 1721 Watteau ainda estava de pé: a artista Rosalba Carriera, que se tinha mudado recentemente para Paris a convite de Pierre Crozá, notou no seu diário que a 9 de Fevereiro teve “uma visita de regresso” de Watteau. Aparentemente, pintou também um retrato pastel de Antoine Watteau, que Crozá tinha encomendado. Na Primavera, a Watteau piorou. Deixou a casa de Gersen, mas logo pediu novamente ajuda, pois tinha dificuldade em respirar em Paris. Segundo Gersen e o Comte de Quelius, o cânone da igreja de Saint-Germain-l’Auxeroy, que estava em amizade com Watteau, o abade Pierre-Maurice Aranger, tinha pedido ao gerente do entretenimento menor do Rei, Philippe Le Febvre, que disponibilizasse uma casa vazia à beira de Nozhan-sur-Marne, onde nada se assemelhava ao recheio e à azáfama da capital. A casa era contígua a um jardim que descia até à própria Marne – com boquetes, árvores densas, um jardim que lembrava os cenários das pinturas de Watteau. Convidou o seu ex-aluno, Jean-Baptiste Pater, a juntar-se a ele e convidou-o a trabalhar na sua presença. Pater diria mais tarde que todas as melhores coisas que aprendeu na vida devia a estas poucas lições preciosas, que duraram cerca de um mês. Esta foi a última melhoria temporária: Watteau morreu a 18 de Julho de 1721 com a idade de 36 anos.

“Watteau era de altura média, de constituição fraca; tinha um temperamento inquieto, mutável, uma vontade firme; era um pensador livre em mente, mas levava uma vida sensata; Era impaciente, tímido, frio e desajeitado no tratamento, com estranhos comportando-se de forma modesta e reservada, era um bom, mas difícil amigo, misantropo, mesmo um crítico exigente e amargo, constantemente não estava satisfeito consigo mesmo ou com os outros e não perdoava facilmente às pessoas a sua fraqueza. Falou pouco, mas bem; gostava de ler, era o seu único entretenimento, que se permitia a si próprio à vontade; não tendo recebido uma boa educação, não era mau a julgar literatura … claro, o seu zelo constante no trabalho, saúde precária e sofrimento severo, que estava cheio da sua vida, estragou o seu carácter e contribuiu para desenvolver aqueles defeitos que se sentiam nele quando ainda estava na sociedade.

“Era quase sempre atencioso … o trabalho árduo tinha-lhe imprimido uma certa melancolia. Havia uma frieza e um constrangimento à sua maneira, que às vezes envergonhava os seus amigos e às vezes a si próprio; os seus únicos defeitos eram a sua indiferença e amor à mudança”.

“Por natureza ele era acerbico e no entanto tímido – a natureza normalmente não combina os dois traços. Era inteligente e, embora sem instrução, tinha um gosto e até um refinamento que lhe permitia julgar a música e qualquer coisa que exigisse inteligência. A melhor recreação para ele foi a leitura. Ele foi capaz de lucrar com o que tinha lido, mas, embora estivesse bem ciente e mostrasse perfeitamente os traços humanos engraçados daqueles que o incomodavam e perturbavam o seu trabalho, ele era, repito, fraco de vontade e facilmente enganado … Watto gozava de uma fama tão alta que o seu único inimigo era ele próprio, bem como um espírito de inconstância, com o qual nunca poderia lidar … Eu, no entanto, sempre fiquei impressionado com a infeliz impermanência do homem tão dotado … Tive ainda mais pena dele, porque a sua mente estava perfeitamente consciente de tudo, mas a suavidade da sua natureza tomou sempre o controlo – em suma, a sua delicadeza aumenta constantemente e leva-o ao declínio absoluto da força, que o ameaçava com grande infortúnio”.

Quase todos os estudiosos notam a influência considerável da pintura de Rubens na formação do estilo artístico da Watteau. A influência de Rubens nas “celebrações galantes” da Watteau é considerável, especialmente na forma como se manifesta no estilo artístico da Watteau. A influência de Rubens nas “celebrações galantes” da Watteau é considerável, e pode ser vista principalmente na sua abordagem pintora, que se caracterizou por VN Lazarev ao descrever os desenhos de Rubens: “Um artista precisa apenas de duas ou três pinceladas na superfície de uma tela preparada para tirar a forma desejada do esquecimento. O seu pincel é tão fiel, tão leve, tão arejado, e quando necessário, tão pesado e vigoroso, que se admira com esta espantosa habilidade, que marca um dos pontos mais altos no desenvolvimento do “peinture pure”. No entanto, tendo absorvido o trabalho de Rubens, Watteau manteve a individualidade do seu dom, que combina a sensualidade da escola flamenga com a requintada distância de contemplação que era característica da tradição artística francesa.

“…Onde em Rubens encontramos um poder vital, uma luxúria total pela carne, um emaranhado de corpos, uma paixão como tal… Watteau prefere geralmente manter uma certa distância, um silêncio, “olhos e sinais a falar”. Mesmo em pequenas telas, Rubens tende para a monumentalidade; enredado num ritmo giratório, todas as formas parecem estar envolvidas no movimento dos elementos cósmicos. Pelo contrário, Watteau, que adorava o formato pequeno, e obras relativamente grandes como “Peregrinação à Ilha de Kiefer” ou “Placa de sinalização de Jersen”, mantém um carácter de câmara. Sentindo subtilmente a beleza dos contornos curvilíneos, a Watteau nunca procura dobrar a forma à maneira de um arco bem esticado, como faz Rubens; a linha favorita da Watteau é a forma S alongada fluida, que pode servir como característica dominante da composição como um todo e definir os plásticos graciosos das figuras individuais. A energia da coloração rubensiana pode ser comparada a um orador poderoso e bem orquestrado, habituado a comunicar com o público à distância. Watteau, por outro lado, por toda a riqueza da sua paleta, tende a suavizar os contrastes de cor, ajudado pela sua textura finamente desenvolvida. Se os traços fundidos de Rubens estão a fluir num fluxo contínuo, a Watteau tem-nos como que fluindo; actua frequentemente como um tecelão hábil, e a superfície pictórica assemelha-se a uma tapeçaria”.

Um colorista notável, Watteau foi um desenhista incansável e desenvolveu o seu próprio estilo gráfico particular. Como regra, utilizou sangina e combinou-a com chumbo ou lápis italiano (giz preto), o que lhe permitiu obter efeitos pitorescos no desenho (sangina dá um tom quente, e lápis – frio) e uma textura particularmente reverente na combinação de linhas finas de silhueta e realçou o relevo raschestvka. Watteau fez muitos estudos e esboços preparatórios para pinturas, desenhando frequentemente o mesmo carácter de ângulos diferentes. A sua colecção de desenhos mostra que, incrivelmente observador, procurou os vários tons de conteúdo em escala real, e nas infinitas variações de poses, movimentos e gestos tinha aperfeiçoado a sua técnica a um nível virtuoso. Ao mesmo tempo, são os desenhos preparatórios da Watteau que nos dão uma ideia da medida em que cada gesto, viragem da cabeça, dobra da roupa das personagens nas suas pinturas se tornou o fruto de uma busca analítica da composição mais expressiva.

Antoine Watteau viveu uma vida curta – o seu período criativo completo cobre apenas 10-12 anos. “O ‘destino póstumo’ da Watteau foi inconstante. O artista morreu no auge da sua fama, e logo após a sua morte Jean de Julien publicou os seus desenhos e depois gravuras dos famosos quadros do mestre – uma obra em que o jovem François Boucher, em cuja arte uma década mais tarde o estilo rococó atingiria o seu clímax. Chardin era o continuador da tradição colorista da Watteau, enquanto Fragonard deu ao género de cenas galantes um novo rosto, “não tão rico em tons de sentimento como o da Watteau, mas mais fluido”. Uma segunda versão da “Peregrinação à Ilha Kieferu”, “O Sinal da Loja de Gersen” e vários outros quadros de Watteau foram adquiridos para a colecção de arte do Rei Frederico o Grande da Prússia, um grande admirador da sua arte. A partir do final do século XVIII, porém, da era da Revolução Francesa e das obras de David e Ingres, a fama de Watteau começou a diminuir e em meados do século XIX tornou-se objecto de um estreito círculo de curiosidade museológica. Os principais pensadores do Iluminismo francês serrote da pintura de Watteau ligam-se à velha ordem, e tanto o género de “cenas galantes” como o colorismo refinado das pinturas de câmara de Watteau revelaram-se estranhos à arte do Império e ao academismo.

O interesse renovado pelas obras de Watteau despertou no segundo terço do século XIX, mas primeiro não entre artistas, mas entre poetas franceses: o poema de Gautier “Watteau” (de The Comedy of Death, 1838), “Trip to Cypher” de Baudelaire (de Flowers of Evil, 1857) e a colecção Gallant Celebrations (1869) de Verlaine são dedicados a imagens de Watteau. Num artigo intitulado A Filosofia de Watteau, mais tarde incluído no primeiro volume de A Arte do Século XVIII, os irmãos Goncourt escreveram sobre o artista: ‘Watteau é o grande poeta do século XVIII. As obras-primas do sonho e da poesia criadas pela sua mente são preenchidas até à borda com uma graça vital singular… Watteau, é como se ele estivesse a reviver a beleza. No entanto, não é a beleza da antiguidade, que reside na perfeição do mármore Galatea ou na encarnação material de Vénus sedutora, e não o encanto medieval de austeridade e dureza. Nos quadros de Watteau, a beleza é a beleza: é a que envolve uma mulher numa nuvem de atracção, o seu encanto, a própria essência da beleza física. É algo subtil que parece ser o sorriso das feições, a alma das formas, a face espiritual da matéria”.

Watteau foi altamente considerado pelos impressionistas – os pintores Manet e Renoir, o escultor Rodin e o compositor Debussy, que, com base na sua Peregrinação à Ilha de Kiefera, compôs uma peça para piano, The Island of Joy (1903-1904). Antoine Watteau é comemorado com monumentos em Paris e Valenciennes.

“Na praça limpa de Valenciennes de hoje está quase sempre deserta, pode-se olhar longa e silenciosamente para o monumento de Watteau. À volta encontra-se uma tranquila praça provincial, repleta de carros; o pó leve encontra-se nos seus telhados e o mesmo pó nos ombros e fechaduras enroladas do pintor de bronze. Perto da cidade há minas de carvão, uma bruma nebulosa paira permanentemente no céu de Valenciennes, e o vento não traz o sopro do mar como antes, mas o cheiro amargo das minas. Há muito tempo que a famosa renda pela qual a sua cidade natal era famosa na época de Watteau é tecida aqui. E quase todas as suas casas foram reconstruídas. Mas não é isso que torna difícil ver a Watteau.

Um grande amigo da Watteau era um amante da arte, coleccionador e gravador, Jean de Julienne. De 1717 a 1735, adquiriu cerca de quarenta quadros (apenas oito permanecem ao longo do tempo), incluindo dois de Watteau: Unarmed Love e Metzeten, e também conseguiu recolher cerca de 450 desenhos de Watteau. Para preservar e popularizar a obra do seu amigo, Jean de Julienne decidiu traduzir as suas obras em estampas. Em 1722, reuniu trinta e seis gravadores para este fim, incluindo o seu familiar e amigo Comte de Quelus, bem como Jean-Baptiste de Montullet, Benoît Audran, Charles-Nicolas Cochet o Ancião, François Boucher, que na altura tinha apenas dezanove anos, Nicolas Henri Tardieu, Charles Van Loo, Pierre Avelin, Nicolas de Larmessen, Benoît Lepis e outros.

Em 1728, Jean de Julienne publicou dois volumes de Figures des différents caractères de paysages et d’études d’après nature par Antoine Watteau, tirés des plus beaux cabinets de Paris, com 351 gravuras no total. No prefácio da edição, incluiu uma “Breve biografia de Watteau” (Abrégé de la vie de Watteau). Depois, em 1736, foi publicado outro álbum de gravuras das pinturas e desenhos do falecido Antoine Watteau (271 gravuras). Assim nasceu a famosa colecção, mais tarde baptizada em homenagem ao seu criador: o Recueil Jullienne. O título completo é “L’Oeuvre D’Antoine Watteau Pientre du Roy en son Academie Roïale de Peinture et Sculpture Gravé d’après ses Tableaux & Desseins originaux…par les Soins de M. de Jullienne”. Estas e outras gravuras relacionadas com a obra de Watteau são conservadas na Bibliothèque Nationale em Paris.

A imagem de Jean de Julienne é conhecida de uma gravura criada por Nicolas Henri Tardieu em 1731, com o nome da legenda poética: “Sentado ao seu lado…”. Julienne é mostrado a tocar violoncelo no parque, Watteau está a postos com uma paleta e pincéis. No cavalete está uma pintura inacabada e por baixo dela estão as partituras (a pintura original não sobreviveu). A gravura foi incluída no Compêndio de Julienne.

A biografia de Julienne de Watteau foi o primeiro relato da vida e obra do artista. As gravuras do Compêndio de Julienne adquiriram um significado historiográfico importante, pois muitas das obras de Watteau perderam-se mais tarde, enquanto outras permaneceram sem assinatura e sem data. Foi Jean de Julienne quem adquiriu o “legado artístico” de Watteau, um quadro da Loja de Gersen, do seu primo Claude Gluck, Alferes Gersen, pintado no final de 1720, para a Loja de Imagens de Gersen. Mais tarde, em 1744, Julienne vendeu o quadro ao agente de Frederick II da Prússia, o Conde Rothenburg. Está agora guardado no Palácio Charlottenburg em Berlim.

Em 2007 foi realizado um filme em França intitulado O Mistério de Antoine Watteau, estrelado pela famosa actriz Sylvie Testu.

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Fontes

  1. Ватто, Антуан
  2. Antoine Watteau