Yves Klein
gigatos | 14 stycznia, 2022
Streszczenie
Yves Klein był francuskim artystą, urodzonym 28 kwietnia 1928 roku w Nicei, zmarłym 6 czerwca 1962 roku w Paryżu.
W 1954 r. zwrócił się w końcu ku sztuce i rozpoczął swoją „Monochromatyczną przygodę”.
W poszukiwaniu niematerialności i nieskończoności Yves Klein przyjął błękit ultramaryny jako nośnik tego bardziej niż niebieskiego błękitu, który nazwał „IKB” (International Klein Blue).
Od monochromów, przez pustkę, „technikę żywego pędzla” czy „antropometrię”, po wykorzystanie elementów natury do manifestacji ich twórczej siły czy złoto, które służy mu jako przejście do absolutu, stworzył dzieło, które przekracza granice sztuki konceptualnej, sztuki ciała i happeningu.
Tuż przed śmiercią w wieku 34 lat z powodu ataku serca Yves Klein zwierzył się przyjacielowi: „Wchodzę do największego studia na świecie. I tylko tam będę tworzył dzieła niematerialne”.
Yves Klein urodził się w Nicei w 1928 roku jako syn dwojga malarzy, Freda Kleina (1898-1990) i Marie Raymond (1908-1989), którzy w dzieciństwie mieszkali między Paryżem a Niceą. Nie od razu wybrał karierę artystyczną, w latach 1944-1946 studiował w École nationale de la marine marchande i École nationale des langues orientales w Nicei.
W 1947 roku, jako młody człowiek, pracował w Nicei w księgarni, którą założyła dla niego w swoim sklepie jego ciotka Rose Raymond. Latem Yves Klein poznał Claude”a Pascala i Armanda Fernandeza, przyszłego Armana, w klubie judo przy komendzie policji w Nicei, dyscypliny, która w tamtych czasach była uważana w równym stopniu za metodę edukacji intelektualnej i moralnej mającej na celu samokontrolę, co za sport. Połączeni wielkim pociągiem do ćwiczeń fizycznych, wszyscy trzej dążyli do „Przygody” – podróży, tworzenia i duchowości. Judo było dla Yvesa pierwszym doświadczeniem przestrzeni „duchowej”. Na plaży w Nicei, trzej przyjaciele postanowili „podzielić się światem”: Armand miał ziemię i jej bogactwa, Claude Pascal powietrze, a Yves niebo i jego nieskończoność.
Czytając „Kosmogonię Różokrzyżowców” Maxa Heindla, w 1947 r. odkrył również mistycyzm różokrzyżowców. Ezoteryczne nauczanie Bractwa Różokrzyżowców, którego członkiem stał się do 1953 roku, poprzez ośrodek w Oceanside w Kalifornii, jak również lektura Gastona Bachelarda, stworzą podwaliny myśli, która będzie odżywiać jego dzieło.
Pociągnięty podróżami, w latach 1948-1954 odbył kilka podróży zagranicznych, najpierw do Włoch, gdzie w 1950 roku Lucio Fontana wyprodukował jego pierwsze monochromy, które jednak perforował, zatytułował „Concetto spaziale” (koncepcja przestrzenna) i założył przestrzenność, następnie do Anglii od 2 grudnia 1949 do 25 listopada 1950, gdzie doskonalił swój angielski i pracował z ramiarzem Robertem Savage, który wprowadził go w złocenie, potem do Irlandii, Hiszpanii i wreszcie do Japonii. Pierwszymi eksperymentami malarskimi były niewielkie monochromy wykonane i wystawione prywatnie w 1950 roku, podczas pobytu w Londynie. Równocześnie wyobrażał sobie Symfonię Monotonno-Silną i pisał scenariusze filmowe o sztuce.
3 lutego 1951 r. Yves Klein wyjeżdża na studia hiszpańskiego do Madrytu, gdzie zapisuje się do klubu judo. Zastąpił instruktora i od tej pory regularnie uzupełniał swoje zajęcia, bardzo zżywając się z dyrektorem szkoły, Fernando Franco de Sarabia, którego ojciec był wydawcą. Po zaledwie pięciu latach uprawiania judo, Yves Klein, który marzył o tym, aby uczynić z niego swój zawód, postanowił wyjechać do Japonii, aby doskonalić swoje umiejętności. 22 sierpnia 1952 r. Klein zaokrętował się w Marsylii na liniowcu La Marseillaise i 23 września 1952 r. przybył do Jokohamy, którą opuścił 4 stycznia 1954 r., by 4 lutego 1954 r. powrócić do Marsylii. Ćwiczył judo w instytucie Kōdōkan w Tokio, gdzie uzyskał czarny pas 4 dan.
Na miejscu zorganizował wystawy swoich rodziców: Marie Raymond wystawiała więc z Fredem Kleinem w Instytucie Francusko-Japońskim w Tokio od 20 do 22 lutego 1953 roku, potem sama w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Kamakurze, a w listopadzie ponownie z Fredem Kleinem w Bridgestone Art Museum w Tokio. Również w 1953 roku w pracowni Jiro Yoshihary w tokijskiej dzielnicy Shibuya odbyła się pierwsza wystawa Dyskusyjnej Grupy Sztuki Współczesnej z udziałem jego uczniów, w tym Shōzō Shimamoto, która stanowiła początki ruchu Gutai. W swoim manifeście sztuki Gutai z grudnia 1956 roku Yoshihara stwierdza, że założenia tego ruchu, prekursora sztuki performance, zostały zapoczątkowane trzy lata wcześniej. Atsuko Tanaka, również należąca do grupy Gutai, wystawiła monochromatyczne arkusze w 1955 roku. Na początku lat 60. przedstawił artystów Gutai swoim przyjaciołom z Grupy ZERO, którzy wystawiali z nimi w Europie.
W styczniu 1954 roku Yves Klein założył w Paryżu własną szkołę judo w Fontenay-aux-Roses, bezskutecznie starał się o zatwierdzenie jego japońskiego stopnia przez Francuską Federację Judo, po czym zdecydował się ponownie opuścić Francję i udać się do Madrytu, gdzie zadzwonił do niego Fernando Franco de Sarabia. Tam też został dyrektorem technicznym Hiszpańskiej Federacji Judo.
Pierwszą publiczną prezentacją twórczości Kleina było wydanie 18 listopada 1954 roku książki artysty „Yves Peintures”, a następnie „Haguenault Peintures”, zbiorów wyprodukowanych i zredagowanych przez pracownię grawerską Fernando Franco de Sarabia w Jaén. Parodiując tradycyjny katalog, książka prezentuje serię intensywnych monochromów związanych z różnymi miastami, w których artysta mieszkał w poprzednich latach. Przedmowa do Yves Peintures składa się z czarnych linii zamiast tekstu. Dziesięć kolorowych płyt składa się z jednokolorowych prostokątów wyciętych z papieru, opatrzonych datą i wymiarami w milimetrach. Każda tabliczka wskazuje inne miejsce powstania: Madryt, Nicea, Tokio, Londyn, Paryż.
Yves Klein powrócił do Paryża w listopadzie 1954 roku po opublikowaniu w Paryżu 25 października 1954 roku, z pomocą Igora Correa Luna, traktatu o sześciu katach judo zatytułowanego „Les Fondements du Judo”. We wrześniu 1955 roku otworzył własną szkołę judo w Paryżu, przy boulevard de Clichy 104, którą ozdobił monochromami, ale musiał ją zamknąć w następnym roku.
Kiedy w maju 1955 roku chciał wystawić swój monochromatyczny obraz Expression de l”univers de la couleur mine orange (M 60) na Salon des Réalités Nouvelles w Musée d”Art Moderne de la Ville de Paris, spotkał się z odmową i prośbą o dodanie drugiego koloru, kropki lub kreski, aby obraz mógł zostać uznany za „abstrakcyjny”, co było ogólną tendencją tej wystawy. Klein pozostał jednak nieugięty w swojej idei, że czysty kolor reprezentuje „coś” samego w sobie.
Jego pierwsza wystawa monochromatycznych obrazów odbyła się w Club des Solitaires 15 października 1955 roku i przeszła praktycznie bez echa. Wystawił monochromatyczne obrazy w różnych kolorach (pomarańczowy, zielony, czerwony, żółty, niebieski, różowy) pod tytułem „Yves, peintures”. Aby uniknąć jakiegokolwiek osobistego akcentu, prace malowane są wałkiem: „Już w przeszłości odrzuciłem pędzel, który był zbyt psychologiczny, aby malować wałkiem, który był bardziej anonimowy, i w ten sposób starać się stworzyć „dystans”, przynajmniej intelektualny, stały, pomiędzy płótnem a mną, podczas realizacji. Również w 1955 roku Claude Bellegarde wystawia w galerii Studio Fachetti w Paryżu swój cykl monochromów „période blanche”. Pierre Restany zainteresował się malarstwem monochromatycznym i założył grupę „Espaces Imaginaires” z Giannim Bertinim, Hundertwasserem, Bruningiem, Halpernem i rzeźbiarzem Delahaye. Następnie przedstawił Bellegarde”a Yves”owi Kleinowi, który już wtedy zaczął produkować i malować własne monochromy.
Na początku 1956 roku Klein poznał Pierre”a Restany”ego na jego drugiej wystawie zatytułowanej „Yves: propositions monochromes”, która odbyła się w dniach 21 lutego – 7 marca 1956 roku w paryskiej galerii Colette Allendy. Z tym krytykiem sztuki nawiązał intensywny kontakt, milczące porozumienie, a relacja ta stała się doświadczeniem „bezpośredniej komunikacji”, która wyznaczyła decydujący punkt zwrotny w rozumieniu jego sztuki. W swoim wstępie Pierre Restany wyjaśnił gościom teoretyczne podstawy nowej koncepcji. Problem pracy z jednym kolorem zaistniał w świadomości kulturalnej Paryża. Klein zyskał sławę jako „Yves le Monochrome”. 5 czerwca 1958 roku w mieszkaniu Roberta J. Godeta na Ile Saint-Louis zorganizował swój pierwszy publiczny eksperyment z „żywymi pędzlami”.
Jesienią 1956 roku tworzy IKB, International Klein Blue, który jest dla niego „najdoskonalszym wyrazem błękitu” (patrz niżej) i symbolem materializacji indywidualnej wrażliwości, między nieskończonością a doraźnością.
Od 2 do 12 stycznia 1957 roku w Galerie Apollinaire w Mediolanie odbyła się jego pierwsza zagraniczna wystawa Proposte monocrome, epoca blu, na której jedenaście monochromów IKB o identycznych wymiarach (78 × 56 cm), ale różnych cenach, zawieszonych na klamrach 20 cm od ściany, dających efekt nasycenia przestrzeni, zostało zakupionych przez Lucio Fontanę. Następnie w maju 1957 roku odbyła się podwójna wystawa w Paryżu: „Yves, Propositions monochromes” w Galerie Iris Clert od 10 do 25 maja oraz „Pigment pur” w Galerie Colette Allendy od 14 do 23 maja.
31 maja 1957 roku w Galerii Alfreda Schmela (de) w Düsseldorfie otwarto wystawę Yves, Propositions monochromes, która stała się później głównym miejscem ekspozycji Grupy ZERO. W latach 1957-1959 wykonał w Niemczech swoje pierwsze reliefy z gąbki dla foyer teatru w Gelsenkirchen.
Od 4 czerwca do 13 lipca 1957 roku w Gallery One w Londynie prezentowana była wystawa Monochrome Propositions of Yves Klein. 26 czerwca, podczas debaty z udziałem Kleina i Restany”ego w Instytucie Sztuki Współczesnej, polemika przybrała nieprzewidziane rozmiary. Skandal wywołany przez wystawę odbił się szerokim echem w prasie angielskiej.
„Moje obrazy są teraz niewidzialne” – deklarował wówczas. I rzeczywiście, na jego wystawie w maju 1957 roku w Galerii Colette Allendy znalazła się całkowicie pusta sala zatytułowana Przestrzenie i tomy niematerialnej piktorialnej wrażliwości.
27 października 1960 roku, w swoim mieszkaniu przy 14 rue Campagne-Première w Paryżu, bierze udział w tworzeniu Nouveau Réalisme, podpisując „Deklarację Konstytutywną Nouveau Réalisme” wraz z Pierre”em Restany, który ją sporządził, Armanem, Raymondem Hainsem, Martialem Raysse, Danielem Spoerri, Jeanem Tinguely, Jacques”em Villeglé i François Dufrêne.
W kwietniu 1961 roku po raz pierwszy pojechał do Nowego Jorku, gdzie jego monochromy IKB, które pojawiły się już na wystawie New Forms – New Media w Martha Jackson Gallery od 6 do 24 czerwca i od 28 września do 22 października 1960 roku, zostały pokazane od 11 do 29 kwietnia na wystawie Yves Klein le Monochrome w Leo Castelli Gallery.
Po słabym przyjęciu jego prac, zarówno przez krytyków, jak i przez amerykańskich artystów na jego konferencjach, napisał Manifest Hotelu Chelsea, aby uzasadnić swoje podejście. Od 29 maja do 24 czerwca 1961 roku jego wystawa była prezentowana również w Dwan Gallery w Los Angeles.
21 stycznia 1962 roku Yves Klein poślubił młodą niemiecką artystkę Rotraut Uecker, którą poznał u Armana w 1958 roku, a która była siostrą jednego z członków-założycieli Grupy ZERO, z którą był blisko związany od 1958 roku.
Po ceremonii ślubnej, zaaranżowanej przez artystę w kościele Saint-Nicolas des Champs w Paryżu, następuje szpaler honorowy utworzony przy wyjściu z kościoła przez rycerzy Zakonu Łuczników Świętego Sebastiana, a następnie przyjęcie w La Coupole, gdzie gościom serwowany jest niebieski koktajl, przyjęcie kończy się w pracowni Larry”ego Riversa.
Klein zmarł na atak serca 6 czerwca 1962 r., dwa miesiące przed narodzinami syna 6 sierpnia. Po raz pierwszy zachorował 12 maja 1962 roku, po pokazie filmu Mondo cane Paolo Cavary i Gualtiero Jacopettiego na festiwalu w Cannes: Klein został opisany jako „czechosłowacki malarz”, a jeden z jego publicznych występów „antropometrii okresu niebieskiego”, zrealizowany dla tego filmu 17 i 18 lipca 1961 roku, wstawiony w ciąg zadziwiających sekwencji, został ośmieszony i zniekształcony.
Spoczywa na cmentarzu w La Colle-sur-Loup w Alpes-Maritimes.
Przeczytaj także: biografie-pl – Gene Kelly
Monochromatyczny
Zainspirowany niebem, które podpisał swoim imieniem na plaży w Nicei w 1946 roku, chciał namalować nieskończoną przestrzeń barw: „świat czystego koloru”.
Yves Klein malował monochromy, ponieważ wolał wyrażać wrażliwość niż figurację w formie: „Aby namalować przestrzeń, muszę tam wejść, w tę właśnie przestrzeń. Bez sztuczek i podstępów, ani w samolocie, ani na spadochronie, ani w rakiecie: musi tam dotrzeć sam, z autonomiczną indywidualną siłą, słowem musi być zdolny do lewitacji” oraz „Nigdy za pomocą linii nie udało się stworzyć w malarstwie czwartego, piątego czy jakiegokolwiek innego wymiaru; tylko kolor może próbować dokonać tego wyczynu”.
Przeczytaj także: biografie-pl – Edward Smith (1850–1912)
Międzynarodowy Klein Niebieski
W 1956 roku, z pomocą paryskiego kolorysty Édouarda Adama i chemika z Rhône-Poulenc, zastosował medium utrwalające (z syntetycznej żywicy o nazwie Rhodopas), które wysychając kurczy się, odsłaniając czysty pigment. Błękit ultramarynowy jest więc postrzegany w całej swojej oryginalnej tożsamości, podczas gdy tradycyjne spoiwa stosowane do utrwalania pigmentów na podłożu zawsze zmieniają ich blask.
W 1957 roku zdecydował się na malowanie na niebiesko, ponieważ był to kolor najbardziej abstrakcyjny: „Niebieski nie ma wymiaru, jest bezwymiarowy, podczas gdy inne kolory mają. Wszystkie kolory prowadzą do konkretnych skojarzeń ideowych, podczas gdy niebieski przypomina nam co najwyżej morze i niebo, najbardziej abstrakcyjne rzeczy w namacalnej i widzialnej naturze”, a więc odnosi się również do pustki, ponieważ pobudza wyobraźnię.
W maju 1957 roku Yves Klein uczcił nadejście „niebieskiej ery” podwójną wystawą Propositions monochromes w Paryżu, zapowiedzianą wysłaniem niebieskich kartek pocztowych anulowanych znaczkami IKB, które Kleinowi udało się nakłonić pocztę do ich przyjęcia, pierwszym obrazem ogniowym złożonym z niebieskiego monochromu, na którym umocowano 16 bengalskich świateł w galerii Colette Allendy oraz wypuszczeniem 1 001 balonów w wieczór otwarcia w galerii Iris Clert. Gest ten, który Klein określi później jako „rzeźbę aerostatyczną”, zostanie odtworzony 50 lat później na placu Centre Beaubourg, z okazji zamknięcia poświęconej mu wystawy w Musée national d”Art moderne w latach 2006-2007.
19 maja 1960 r. Yves Klein zarejestrował formułę swojego wynalazku w Institut national de la propriété industrielle (INPI), pod numerem koperty Soleau 63 471, którą nazwał IKB, „International Klein Blue”. Opisuje spoiwo, którym jest oryginalna płynna pasta zastępująca tradycyjnie stosowany w malarstwie olej, utrwalająca niebieski pigment ultramaryny.
Przeczytaj także: wazne_wydarzenia – Układ Warszawski
Rzeźby z gąbki i płaskorzeźby z gąbki
Yves Klein początkowo używał w swojej twórczości naturalnych gąbek, a od 1956 roku ostatecznie zdecydował się na malowanie wałkiem. W 1957 roku powiedział, że uwiodła go niezwykła zdolność gąbki do impregnowania się jakimkolwiek płynem. Dostrzegł piękno błękitu w gąbce i ten instrument pracy stał się dla niego surowcem.
Od tego czasu pracował nad swoimi pierwszymi reliefami z gąbki, studiami do projektu foyer teatru w Gelsenkirchen. W latach 1957-1959 Kleinowi bardzo pomogła w rozszerzeniu jego działalności współpraca przy budowie teatru w Gelsenkirchen. Muzyka, teatr i idea całościowego dzieła sztuki były dla niego decydującymi impulsami, ponieważ pracował nad reliefami z gąbki o nietypowych jak na tamte czasy wymiarach. Otwarcie teatru w grudniu 1959 roku oznaczało oficjalny triumf „monochromii”. Cała przestrzeń została pomalowana na kolor niebieski Kleina. Według Kleina udało mu się sprawić, że wnętrze stało się dla widzów miejscem magicznego zaczarowania.
Później stworzył Reliefy i Rzeźby z gąbki, które miały przedstawiać widzów jego prac, zaimpregnowanych intensywnością błękitu IKB. W 1958 roku mówił: „Dzięki gąbkom, żywemu dzikiemu materiałowi, będę mógł robić portrety czytelników moich monochromów, którzy po obejrzeniu, po przebyciu błękitu moich obrazów, wracają całkowicie nasączeni wrażliwością jak gąbki”.
Przeczytaj także: biografie-pl – Sean Connery
Wartości niematerialne i prawne
W 1958 roku, w ramach „Exposition du Vide” (La specyfication de la sensibilité à l”état matière première en sensibilité picturale stabilisée, Le Vide), pomalował na biało ściany paryskiej galerii Iris Clert. W 1960 roku pojawiły się „Antropometrie” – odbitki nagich kobiecych ciał pokrytych błękitem na białym płótnie. Liczne „Antropometrie” zostały sfilmowane jako prawdziwe wydarzenia i można je zobaczyć w niektórych muzeach (m.in. w Centre Pompidou).
Przeczytaj także: mitologia_p – Tezeusz
W kierunku związku awangardy międzynarodowej
Po wystawie „Proposition monochrome, Époque bleue” w Galerii Apollinaire w Mediolanie w styczniu 1957 roku, były malarz Alfred Schmela (de) zdecydował się na wystawienie Yvesa Kleina w maju 1957 roku na otwarcie swojej galerii w Düsseldorfie, w czasie, gdy w ogólnym klimacie panował jeszcze ekspresjonizm abstrakcyjny, a szczególnie w Europie tendencja do sztuki nieformalnej, znanej jako abstrakcja liryczna. Galeria ta stała się wkrótce głównym miejscem orkiestracji Grupy ZERO założonej przez Heinza Macka, Otto Piene i Günthera Ueckera, którego siostra Rotraut Klein poślubiła cztery i pół miesiąca przed jego śmiercią 21 stycznia 1962 roku.
Klein był jednym z pierwszych Francuzów, którzy wystawiali w Niemczech w okresie powojennym, kiedy oba kraje pogrążone były w całkowitym braku komunikacji i wymiany artystycznej. W rzeczywistości Heinz Mack już pod koniec 1955 roku odwiedził Yvesa Kleina w jego paryskim studio, podczas którego poznał również Jeana Tinguely”ego, który później miał się związać z Grupą ZERO. Pod koniec lat 50. Klein często wyjeżdżał do Niemiec, zwłaszcza w związku z pracami dla opery w Gelsenkirchen. Stopniowo nawiązywał kontakty z grupą z Düsseldorfu, z którą czuł się coraz bliżej. Klein po raz pierwszy wystąpił z niemieckimi artystami w kwietniu 1958 roku na ich siódmej „wystawie jednonocnej”. W tym samym roku Piero Manzoni, bardzo zainteresowany twórczością Kleina i Lucio Fontany, którą widział w Mediolanie, udał się do Holandii, gdzie nawiązał kontakt z przyszłymi artystami holenderskimi z Grupy NUL, bliskiej ZERO, na czele z Hermanem de Vries, Janem Schoonhovenem (nl), Armando (nl), Janem Henderikse (nl) i Henkiem Peetersem (en).
Ta międzynarodowa sieć Awangardy Europejskiej kształtowała się stopniowo aż do wiosny 1959 roku, kiedy to Tinguely zorganizował w Antwerpii wystawę „Motion in Vision – Vision in Motion”. Była to wystawa jednocząca grupę, w której wzięli udział m.in. Bury, Mack, Manzoni, Piene, Soto, Spoerri i Klein, który występował deklarując, że jego jedyną fizyczną obecnością na wyznaczonym mu terenie jest praca odpowiadająca jego wkładowi. To tutaj wypowiedział słynne już słowa Gastona Bachelarda: „Najpierw nie ma nic, potem jest głębokie nic, potem niebieska głębia”.
Powstał ruch ZERO. Od tej pory odbyło się wiele wystaw zbiorowych, skupiających środowiska artystyczne czterech głównych miast: Amsterdamu, Düsseldorfu, Mediolanu i Paryża, a zwłaszcza ta zorganizowana w Stedelijk Museum w Amsterdamie w marcu 1962 roku, w której Klein, nie zgadzając się na tytuł „Monochromes”, odmówił udziału, a następnie w 1965 roku, gdzie był reprezentowany pośmiertnie, a także Yayoi Kusama i członkowie japońskiej grupy Gutai, pionierzy współczesnego performance”u, których Klein wcześniej wprowadził do innych ruchów w sieci. Od początku lat sześćdziesiątych Lucio Fontana wystawiał nawet w towarzystwie tego młodego pokolenia, które wzmocnione jego pracą teoretyka, widziało w nim duchowego ojca. Jego udział w ruchu ZERO był w pewnym sensie konsekracją grupy, a przynajmniej dużym wsparciem ze strony tej uznanej już wówczas w sztuce współczesnej postaci.
„Nie jest przypadkiem, że tak silne indywidualności artystyczne jak Manzoni, Klein i Piene spotykają się i pracują razem. Podłożem tego zjawiska jest wspólna intuicja, która leży u podstaw ich osobistych relacji i ich badań.
Jednak podobne zgony na atak serca Kleina, lidera Nowego Realizmu, w czerwcu 1962 roku i 8 miesięcy później Manzoniego, prekursora teoretyzowanej w 1967 roku Arte Povera, dwóch z trzech głównych teoretyków tej nowej międzynarodowej awangardy wraz z Heinzem Mackiem, poważnie zahamowały tę rodzącą się europejską współpracę; podczas gdy holenderska Grupa NUL została rozwiązana po wielkiej wystawie wszystkich tych ruchów zorganizowanej w 1965 roku w Stedelijk Museum. W 2015 roku Stedelijk Museum zorganizowało retrospektywną wystawę z okazji 50. rocznicy tej historycznej ekspozycji, zatytułowaną ZERO, Let Us Explore the Stars.
Przeczytaj także: biografie-pl – Theodor Mommsen
Jego związek z ciałem
Podejście Yves Kleina nie może być zrozumiane bez kontekstu samodyscypliny, intuicyjnej komunikacji i opanowania ciała, które implikuje Judo. Klein w swojej działalności artystycznej miał bardzo szczególny stosunek do ciała. Relacja ta jest usytuowana na kilku poziomach:
Przede wszystkim obecność nagich ciał (w zdecydowanej większości kobiecych) w jego pracowni jest niezbędna do tworzenia monochromów z jego kolorem IKB blue. Używa tej nagości, aby, jak mówi, „ustabilizować materiał obrazowy” (fragment Dimanche). Często powtarza: „To ciało więc, obecne w pracowni, stabilizowało mnie przez długi czas podczas iluminacji prowokowanych wykonywaniem monochromów”.
Nie malował z modela jak figuratywni artyści, ale w ich towarzystwie, które według niego dawało mu poczucie: „dobrodusznej atmosfery”, „zmysłowego klimatu”, czy „klimatu czysto uczuciowego”. Odczucie to uwydatnia jeden z cytatów Kleina: „Moje modelki bardzo się śmiały, widząc, jak wykonuję po nich wspaniałe, dobrze wymieszane niebieskie monochromy! Śmiali się, ale coraz bardziej ciągnęło ich do błękitu.
Klein szybko zdał sobie sprawę, że sama ich obecność w jego pracowni jest niewystarczająca. Nawet jeśli, według niego, przenikali oni atmosferę, którą tworzyli w monochromach, to przenikanie to byłoby jeszcze bardziej skuteczne, gdyby to sami modele malowali monochromy.
Nastąpiły prace określane jako „antropometrie”, w których ciało, tym razem w obrazie, pełniło tę samą rolę „stabilizującą” materię pikturalną. Pierwsza publiczna sesja (w małej grupie) została zorganizowana u Roberta Godeta 5 czerwca 1958 roku. Sesja ta pozostawała w ciągłości z monochromami, ale stanowiła drugi etap ewolucji ciała w jego sztuce. Podczas tej sesji jedna modelka działa jak „żywy pędzel” na płótnie, jej ciało pokryte jest kolorem. Modelka czołgała się po kartce papieru na podłodze pod okiem Yvesa Kleina, który kierował nią i zapraszał, by przeszła po miejscach, gdzie farba nie została jeszcze nałożona. Wszystkie ruchy modela zostały wcześniej przećwiczone, a Klein, zgodnie z różnymi pismami, oddaje inicjatywę albo sobie, albo modelowi.
Klein określa to ćwiczenie mianem „współpracy”. To słowo jest bardzo często obecne i powtarzane w tych tekstach jak obsesja. Mówi: „Nigdy ich nie dotykałem, dlatego mi zaufały i lubiły współpracować, i nadal lubią współpracować w ten sposób, całym ciałem w moim obrazie.
Opowiadał, że na każdej sesji widział „pojawiające się ”ślady ciała”, które bardzo szybko znikały, bo wszystko musiało stać się monochromatyczne”. Cytat ten odnosi się do jego drugiego zajęcia, judo, gdzie mógł obserwować spocone ślady ciała judoków na zakurzonych białych matach podczas wielkich walk, czy rodzaj japońskiego rysunku wykonanego z odcisków ryb. Decyzja o podjęciu antropometrii wynikała również z wydarzenia z jego czasów, które go naznaczyło: śladów ludzi pozostawionych na ścianach podczas wybuchu w Hiroszimie, z których również wykona antropometrię. Na tym płótnie można zaobserwować kilka śladów ciał w ruchu
W tej relacji ruchu Klein stwierdza, że w porównaniu z figurantami wyzwolił nagie modelki, ponieważ pozwolił im działać w jego dziele, podczas gdy one tworzyły swoje prace ze swoich nieruchomych ciał.
Jedynie monochromy tworzone żywymi pędzlami nie pozwalały dostrzec obecności ciała. Dlatego Klein stopniowo rozwinął procedurę pozostawiania odcisków modelu na podłożu. Po kilku próbach uznał, że doprowadził tę technikę do perfekcji i przedstawił ją Restany”emu. 23 lutego 1960 roku, na oczach krytyka w towarzystwie dyrektora muzeum, modelka z biustem, brzuchem i udami umazanymi niebieską farbą, odcisnęła swoje zabarwione ciało na rozłożonych na podłodze kartkach papieru. To właśnie na tej sesji Restany ukuł termin „antropometrie okresu niebieskiego”. 9 marca 1960 roku Klein zorganizował wieczorne przyjęcie w Galerie Internationale d”Art Contemporain w Paryżu, na które przybyło około stu gości, w tym artyści, krytycy, miłośnicy sztuki i kolekcjonerzy.
Klein, ubrany w strój wieczorowy, dał sygnał dziewięciu znajdującym się obok niego muzykom, by rozpoczęli skomponowaną przez siebie w 1949 roku Symfonię Monotonno-Sileniową – dwudziestominutową, pojedynczą, ciągłą nutę, po której następuje dwadzieścia minut ciszy. W tym czasie trzy kobiety zaczynają mazać sobie piersi, brzuchy i uda niebieską farbą. Następnie wykonują różne antropometrie, z których najbardziej znana nosi tytuł „Antropometria okresu niebieskiego” (ANT 100), 1960. Prowadził próby, organizował inscenizację, zapraszał znajomych fotografów i kamerzystów, kontrolował dystrybucję zdjęć. Niemniej jednak, mimo że wydawało mu się, że robi wszystko, aby jego nowe techniki były jasne, pojawiały się nieporozumienia i niektórym wydawał się masochistą lub obscenicznym.
Stworzył też cykl „portretów-reliefów”, naturalnej wielkości odlewów innych przedstawicieli nurtu Nowego Realizmu, malowanych w IKB na niebiesko i zestawionych ze złoconą płytą, których nie zdążył dokończyć, lub posłużył się gipsowymi statuetkami słynnych rzeźb, takich jak Victoria z Samotraki czy Wenus z Milo, malowanymi w IKB.
Później urozmaicił swoje metody i wprowadził rozróżnienie między antropometrią statyczną i dynamiczną. Przy tworzeniu tych „statycznych” ciało kobiety jest po prostu umieszczane jak stempel na podporze i pozostawia swój odcisk. Te statyczne odbitki kobiet, a czasem mężczyzn, były często grupowane razem, tworząc jeśli nie kompozycję, to przynajmniej całość. Antropometrie wykonane na tkaninach odnoszą się do obiektu kultu, jakim jest Całun Turyński.
W obrazach negatywowych, takich jak „Hiroszima”, farba jest rzutowana, a ciało modelki służy jako szablon. Antropometria dynamiczna polega na tym, że model czołga się po podporze, pozostawiając za sobą dynamiczny ślad. Zaprosił również kilka modeli do symulacji bitwy, w której ciała nie są już tak wyraźne. Sam proces jest pomyślany jako rytuał. Jest to rytuał przejścia od białego płótna do ciała: „to samo ciało nakładało kolor na podłoże pod moim kierunkiem”, a następnie od ciała do niewidzialnego. Wykorzystując ponownie błękit IKB, ponownie wykorzystuje kolor, ponownie wykorzystuje przestrzeń zdobytą przez to, co niematerialne i unika podobieństwa do różu. Klein nie decyduje się również na przedstawienie dłoni z następujących powodów: „Dłonie nie powinny być drukowane, gdyż nadałoby to kompozycjom, których szukałem, szokujący humanizm.” „Oczywiście, całe ciało jest zbudowane z mięsa, ale zasadniczą masę stanowi tułów i uda. To tutaj prawdziwy wszechświat jest ukryty przez wszechświat percepcji. (ten pogląd jest podobny do japońskich pojęć Katas i Hara).
Na początku 1961 roku Klein zrealizował cykl Obrazy ogniowe, w którym starał się odcisnąć na różnych mediach ślady ognia. Siłę tego żywiołu wykorzystał już Alberto Burri w latach 1954-1955 w cyklu Combustioni, na który składały się wypalone warstwy plastiku. To właśnie w ośrodku testowym Gaz de France w Plaine-Saint-Denis, gdzie udostępniono mu sprzęt przemysłowy, nauczył się panować nad ogniem i dokonywać precyzyjnych regulacji w celu wykorzystania różnych stopni jego mocy.
W tych Obrazach Ognistych, podobnie jak w Kosmogoniach, odbitkach deszczu i wiatru na płótnie, które tworzył od 1960 roku, artysta przywołuje żywioły natury, aby zamanifestowały swoją twórczą siłę. Tu jednak połączył żywioł natury z ciałem, Obrazy Ogniowe powstały przy pomocy nagich modelek, którymi Klein kolejno się posługiwał. Zwilża podpory wokół ciała, aby ustalić, które części pozostaną w rezerwie i uzupełnia ślady pożaru odciskami farby. Mieszając te dwie techniki, Klein bawił się pełnią i pustką form kreślonych na przemian w negatywie i pozytywie.
W ten sposób odciski kobiecych ciał ujawniały się pod wpływem działania ognia. Antropometrie służą zatem jako dwukierunkowe przejście od tego, co widzialne do tego, co niewidzialne, od tego, co materialne do tego, co duchowe, od tego, co cielesne do tego, co boskie. Czynią to pod spektakularną nieobecność artysty.
W swoich Kosmogoniach artysta poddał płótno działaniu żywiołów na dachu samochodu podczas podróży. We współpracy z architektami Claude”em Parentem i Wernerem Ruhnauem wyobraża sobie w Architectures de l”air rozległe konstrukcje z dachami utrzymywanymi w lewitacji przez pulsujące powietrze, mające na celu utrzymanie umiarkowanego i kontrolowanego środowiska, w którym człowiek, jak w na nowo odkrytym Edenie, nie podlegałby już kaprysom klimatu.
Malował też gipsowe płaskorzeźby planetarne Francji i globusy w IKB, zachwycony tym, że Ziemia z kosmosu powinna wydawać się niebieska.
Trzy miesiące przed jego śmiercią, na wystawie „Antagonismes II: l”objet”, zaprezentowanej 7 marca 1962 roku w Musée des Arts Décoratifs, pokazano modele Architecture de l”air i Rocket pneumatique, wykonane z pomocą projektanta Rogera Tallona. W dioramie, symulowany deszcz jest kierowany przez łopatkę powietrza, podczas gdy Rakieta, rodzaj małego statku kosmicznego poruszanego przez pulsację powietrza, jest przeznaczona do zniknięcia w próżni kosmicznej.
Ogień, powietrze, woda, ziemia – cztery żywioły ziemi – są w ten sposób wykorzystywane. Przedwczesna śmierć artysty przerwała jednak jego badania i eksperymenty nad architekturą powietrza i tematyką eksploracji kosmosu.
Niebieski nie jest jedynym kolorem obecnym w antropometriach, które mogą być różne, jak w jednym z tych wczesnych antropometrii, ANT121, datowanym na około 1960 rok, który jest złoty na czarnym tle. Złote monochromy zwane Monogold składają się głównie z płatków złota, które reprezentują dostęp do tego, co niematerialne, absolutne i wieczne. Klein malowała również różowe monochromy zwane Monopink.
Dla swoich antropometrii tworzonych za pomocą ognia stwierdza, że „ogień jest niebieski, złoty i różowy też. To są trzy podstawowe kolory w malarstwie monochromatycznym, a dla mnie jest to uniwersalna zasada wyjaśniająca, objaśniająca świat. Trzy podstawowe kolory: niebieski, złoty i różowy w jego pracach doskonale artykułują się również w ogniu. Rzeczywiście, kiedy patrzysz na kolor płomienia, możesz wyraźnie zobaczyć te trzy kolory.
Za pomocą tych trzech podstawowych kolorów tworzył różne tryptyki, a także łączył je w rzeźbach, takich jak Ci-git l”Espace (MNAM, Paryż), która składa się z płyty pogrzebowej pokrytej złotymi liśćmi, korony z gąbki IKB i róż. Wreszcie, jego dzieło Ex-voto, stworzone dla sanktuarium Rity w Cascia, będzie podsumowaniem jego pracy, łącząc wszystkie jego pomysły w jednym dziele, składającym się z jego trzech kolorów: różu, błękitu i złota.
Yves Klein jest, poprzez swoją twórczość i postawę, jedną z wielkich postaci francuskiej i międzynarodowej sztuki współczesnej. Wyprzedzał swoje czasy i zdawał sobie sprawę z radykalności swojego stanowiska. Otworzył sztukę na to, co niematerialne. Dla niego złoto, róż i błękit są jednym i tym samym kolorem i tworzą kompletną „chromatyczną trylogię”.
Przeczytaj także: biografie-pl – Agatha Christie
Katalogi wystaw indywidualnych
1960-1965
1966-1970
1971-1980
1981-1990
1991-2000
2001-2010
Przeczytaj także: biografie-pl – Pitagoras
Linki zewnętrzne
Źródła
