Roy Lichtenstein

Streszczenie

Roy Fox Lichtenstein (27 października 1923 – 29 września 1997) był amerykańskim artystą pop. W latach 60. XX wieku, obok m.in. Andy”ego Warhola, Jaspera Johnsa i Jamesa Rosenquista, stał się czołową postacią nowego ruchu artystycznego. Jego prace definiowały założenia pop-artu poprzez parodię. Zainspirowany komiksem, Lichtenstein tworzył precyzyjne kompozycje, które dokumentowały, a jednocześnie parodiowały, często z przymrużeniem oka. Na jego twórczość miały wpływ popularne reklamy i styl komiksowy. Jego twórczość uważano za „destrukcyjną”. Określał pop-art jako „nie ”amerykańskie” malarstwo, ale właściwie malarstwo przemysłowe”. Jego obrazy były wystawiane w Leo Castelli Gallery w Nowym Jorku.

Whaam! i Drowning Girl są powszechnie uważane za najsłynniejsze dzieła Lichtensteina. Za najbardziej wpływowe dzieła Lichtensteina uważa się Drowning Girl, Whaam! i Look Mickey. Jego najdroższym dziełem jest Masterpiece, sprzedane w styczniu 2017 r. za 165 mln dolarów.

Lichtenstein urodził się w niemiecko-żydowskiej rodzinie z wyższej klasy średniej w Nowym Jorku. Jego ojciec, Milton, był pośrednikiem w handlu nieruchomościami, a matka, Beatrice (Werner), zajmowała się domem. Wychowywał się na Upper West Side w Nowym Jorku i do dwunastego roku życia uczęszczał do szkoły publicznej. Następnie uczęszczał do nowojorskiej Dwight School, którą ukończył w 1940 roku. Lichtenstein po raz pierwszy zainteresował się sztuką i wzornictwem hobbystycznie, w trakcie nauki w szkole. Był zapalonym fanem jazzu, często chodził na koncerty w Apollo Theater w Harlemie. Często rysował portrety muzyków grających na swoich instrumentach. W ostatniej klasie szkoły średniej, w 1939 roku, Lichtenstein zapisał się na letnie zajęcia w Art Students League of New York, gdzie pracował pod okiem Reginalda Marsha.

Następnie Lichtenstein opuścił Nowy Jork i rozpoczął studia na Uniwersytecie Stanowym w Ohio, gdzie oferowano mu kursy studyjne i dyplom z zakresu sztuk pięknych. Studia przerwała trzyletnia służba w wojsku, którą odbył w latach 1943-1946, w czasie II wojny światowej i po jej zakończeniu. Po odbyciu szkoleń językowych, inżynieryjnych i pilotażowych, z których wszystkie zostały odwołane, służył jako sanitariusz, rysownik i artysta.

Lichtenstein powrócił do domu, aby odwiedzić umierającego ojca i został zwolniony z wojska z prawem do zasiłku dla bezrobotnych (G.I. Bill). Powrócił na studia w Ohio pod kierunkiem jednego ze swoich nauczycieli, Hoyta L. Shermana, który, jak się powszechnie uważa, wywarł znaczący wpływ na jego późniejszą twórczość (Lichtenstein nazwał później nowe studio, które ufundował na OSU, Hoyt L. Sherman Studio Art Center).

Lichtenstein rozpoczął studia magisterskie na Ohio State i został zatrudniony jako instruktor sztuki, którą to funkcję pełnił z przerwami przez następne dziesięć lat. W 1949 roku Lichtenstein otrzymał tytuł magistra sztuk pięknych na Uniwersytecie Stanowym Ohio.

W 1951 r. Lichtenstein miał swoją pierwszą wystawę indywidualną w Carlebach Gallery w Nowym Jorku. W tym samym roku przeniósł się do Cleveland, gdzie pozostał przez sześć lat, choć często wracał do Nowego Jorku. W tym czasie, pomiędzy kolejnymi okresami malowania, podejmował się różnych prac, od kreślarza po dekoratora okien. Jego twórczość w tym czasie oscylowała między kubizmem a ekspresjonizmem. W 1954 r. urodził się jego pierwszy syn David Hoyt Lichtenstein, obecnie autor tekstów piosenek. Drugi syn, Mitchell Lichtenstein, urodził się w 1956 roku.

W 1957 r. powrócił do stanu Nowy Jork i ponownie zaczął uczyć. W tym czasie przyjął styl ekspresjonizmu abstrakcyjnego, będąc późno nawróconym na ten styl malarstwa. W 1958 roku Lichtenstein zaczął wykładać na State University of New York w Oswego. Mniej więcej w tym czasie zaczął włączać do swoich abstrakcyjnych prac ukryte wizerunki postaci z kreskówek, takich jak Myszka Miki i Królik Bugs.

Wznieść się na wyżyny

W 1960 r. zaczął wykładać na Rutgers University, gdzie duży wpływ wywarł na niego Allan Kaprow, który również był wykładowcą na tej uczelni. W 1961 roku Lichtenstein zaczął malować pierwsze obrazy w stylu pop, wykorzystując wizerunki z kreskówek i techniki wywodzące się z wyglądu druku komercyjnego. Faza ta trwała do 1965 roku i obejmowała wykorzystanie obrazów reklamowych sugerujących konsumpcjonizm i prowadzenie domu.Pierwszym dziełem, w którym Lichtenstein zastosował na dużą skalę postacie o twardych krawędziach i kropki Ben-Day, było Look Mickey (1961, National Gallery of Art, Waszyngton, D.C.). Praca ta powstała w wyniku wyzwania rzuconego przez jednego z synów, który wskazał na komiks z Myszką Miki i powiedział: „Założę się, że nie potrafisz malować tak dobrze jak ten, co, tato?”. W tym samym roku stworzył sześć innych prac z rozpoznawalnymi postaciami z opakowań po gumach do żucia i kreskówek.

W 1961 r. Leo Castelli zaczął wystawiać prace Lichtensteina w swojej galerii w Nowym Jorku. Lichtenstein miał swoją pierwszą indywidualną wystawę w galerii Castelli w 1962 roku; cała kolekcja została wykupiona przez wpływowych kolekcjonerów jeszcze przed otwarciem wystawy. W grupie obrazów powstałych w latach 1961-1962 Lichtenstein skupił się na samotnych przedmiotach domowego użytku, takich jak trampki, hot-dogi i piłki golfowe. We wrześniu 1963 r. wziął urlop od stanowiska nauczyciela w Douglass College w Rutgers.

W tamtym czasie – wspominał później Lichtenstein – interesowało mnie wszystko, co mogłem wykorzystać jako temat, który był silnie nacechowany emocjonalnie – zazwyczaj była to miłość, wojna lub coś, co było bardzo naładowane emocjonalnie i stanowiło przeciwieństwo usuniętych i przemyślanych technik malarskich”.

Okres najwyższego profilu w Lichtensteinie

W tym czasie Lichtenstein zaczął zdobywać sławę nie tylko w Ameryce, ale na całym świecie. Przeprowadził się z powrotem do Nowego Jorku, aby znaleźć się w centrum sceny artystycznej. W 1964 roku zrezygnował z pracy na Uniwersytecie Rutgersa, aby skoncentrować się na malarstwie. Lichtenstein używał farb olejnych i Magna (wczesne akryle) w swoich najbardziej znanych pracach, takich jak Drowning Girl (1963), która została zaczerpnięta z głównej historii w Secret Hearts nr 83 wydawnictwa DC Comics. (Drowning Girl obecnie znajduje się w Museum of Modern Art, Nowy Jork). Drowning Girl charakteryzuje się również grubymi konturami, odważnymi kolorami i kropkami Ben-Daya, jakby stworzonymi w wyniku reprodukcji fotograficznej. O swoich własnych pracach Lichtenstein powiedział, że abstrakcyjni ekspresjoniści „kładli rzeczy na płótno i reagowali na to, co zrobili, na pozycje kolorów i rozmiary. Mój styl wygląda zupełnie inaczej, ale natura kładzenia linii jest prawie taka sama; moje po prostu nie wyglądają kaligraficznie, jak prace Pollocka czy Kline”a”.

Zamiast próbować odtwarzać swoje obiekty, Lichtenstein w swoich pracach zajmował się sposobem, w jaki media masowe je przedstawiają. Nigdy jednak nie traktował siebie zbyt poważnie, mówiąc: „Myślę, że moje prace różnią się od komiksów – ale nie nazwałbym tego transformacją; nie sądzę, by cokolwiek przez to rozumiano, było ważne dla sztuki”. Kiedy prace Lichtensteina zostały po raz pierwszy wystawione, wielu ówczesnych krytyków sztuki zakwestionowało ich oryginalność. Jego prace były ostro krytykowane jako wulgarne i puste. Tytuł artykułu w magazynie Life z 1964 roku brzmiał: „Czy jest on najgorszym artystą w USA?”. Lichtenstein odpowiadał na takie zarzuty, proponując odpowiedzi takie jak następująca: „Im bardziej moja praca jest zbliżona do oryginału, tym bardziej groźna i krytyczna jest jej treść. Jednak moja praca jest całkowicie przekształcona, ponieważ mój cel i percepcja są zupełnie inne. Myślę, że moje obrazy są krytycznie przetworzone, ale trudno byłoby to udowodnić za pomocą jakiejkolwiek racjonalnej argumentacji”. O doświadczaniu tej ostrej krytyki mówił w wywiadzie z April Bernard i Mimi Thompson w 1986 roku. Sugerując, że czasami trudno jest być krytykowanym, Lichtenstein powiedział: „Nie mam wątpliwości, kiedy faktycznie maluję, to krytyka sprawia, że się zastanawiasz.”

Jego najsłynniejszym obrazem jest prawdopodobnie Whaam! (1963, Tate Modern, Londyn), jeden z najwcześniejszych znanych przykładów pop-artu, zaadaptowany z komiksowego panelu narysowanego przez Irva Novicka w numerze All-American Men of War z 1962 r. DC Comics. Obraz przedstawia samolot myśliwski wystrzeliwujący rakietę w kierunku wrogiego samolotu, z czerwono-żółtą eksplozją. Kreskówkowy styl podkreślają onomatopeiczne napisy „Whaam!” oraz podpis w ramce „Nacisnąłem przycisk kontroli ognia … a przede mną po niebie popłynęły rakiety …”. Dyptyk ten ma dużą skalę – mierzy 1,7 x 4,0 m (5 stóp 7 cali x 13 stóp 4 cali). Whaam nawiązuje do komiksowej tematyki niektórych wcześniejszych obrazów artysty i jest częścią zbioru prac o tematyce wojennej powstałych w latach 1962-1964. Jest to jeden z dwóch dużych obrazów o tematyce wojennej artysty. W 1966 roku, po wystawie w Galerii Leo Castelli w 1963 roku, został zakupiony przez Tate Gallery i od tamtej pory pozostaje w jej kolekcji (obecnie w Tate Modern). W 1968 roku przedsiębiorca z Darmstadt, Karl Ströher, nabył kilka ważnych dzieł Lichtensteina, takich jak: Pielęgniarka (1964), Kompozycje I (1964), Wstaliśmy powoli (1964) oraz Żółte i zielone pociągnięcia pędzla (1966). Po kilkuletnim wypożyczeniu w Hessiches Landesmuseum Darmstadt, dyrektor założyciel Museum für Moderne Kunst Frankfurt, Peter Iden, nabył w 1981 roku 87 dzieł, głównie amerykańskiego pop-artu i minimal-artu, do budowanego do 1991 roku muzeum.

Lichtenstein zaczął eksperymentować z rzeźbą około 1964 roku, wykazując się talentem do formy, który kłócił się z uporczywą płaskością jego obrazów. W pracach Głowa dziewczyny (1964) i Głowa z czerwonym cieniem (1965) współpracował z ceramikiem, który wyrzeźbił z gliny kształt głowy. Lichtenstein następnie nakładał glazurę, tworząc ten sam rodzaj motywów graficznych, które stosował w swoich obrazach; nakładanie czarnych linii i kropek Ben-Daya na trójwymiarowe obiekty powodowało spłaszczenie formy.

Większość najbardziej znanych prac Lichtensteina to stosunkowo bliskie, choć nie dokładne, kopie plansz komiksowych, z których Lichtenstein w dużej mierze zrezygnował w 1965 roku, choć w późniejszych dekadach sporadycznie włączał komiksy do swoich prac na różne sposoby. Panele te były pierwotnie rysowane przez takich artystów komiksowych, jak Jack Kirby oraz artyści DC Comics: Russ Heath, Tony Abruzzo, Irv Novick i Jerry Grandenetti, którzy jednak rzadko otrzymywali jakiekolwiek uznanie. Jack Cowart, dyrektor wykonawczy Fundacji Lichtensteina, kwestionuje pogląd, że Lichtenstein był kopistą, mówiąc: „Prace Roya były zachwytem nad formułami graficznymi i kodyfikacją uczuć, które zostały wypracowane przez innych. Panele zostały zmienione w skali, kolorze, sposobie traktowania i w swoich implikacjach. Nie ma dokładnej kopii.” krytycznie odnosili się do wykorzystywania przez Lichtensteina komiksowych obrazów i dzieł sztuki, szczególnie w zakresie, w jakim to wykorzystanie było postrzegane jako poparcie protekcjonalnego postrzegania komiksów przez główny nurt sztuki; rysownik Art Spiegelman stwierdził, że „Lichtenstein nie zrobił dla komiksów ani więcej, ani mniej niż Andy Warhol dla zupy”.

Prace Lichtensteina oparte na powiększonych planszach z komiksów wywołały szeroką debatę na temat ich wartości jako sztuki. Sam Lichtenstein przyznał: „Nominalnie kopiuję, ale tak naprawdę odtwarzam skopiowaną rzecz w innych kategoriach. Czyniąc to, oryginał zyskuje zupełnie inną fakturę. To nie są grube czy cienkie pociągnięcia pędzla, to kropki, płaskie kolory i nieugięte linie”. Eddie Campbell napisał na blogu, że „Lichtenstein wziął malutki obrazek, mniejszy niż dłoń, wydrukowany czterokolorowym tuszem na papierze gazetowym, powiększył go do konwencjonalnych rozmiarów, w jakich tworzy się i wystawia ”sztukę”, i wykończył farbą na płótnie.” W odniesieniu do Lichtensteina Bill Griffith powiedział kiedyś: „Jest sztuka wysoka i jest sztuka niska. A potem jest sztuka wysoka, która potrafi wziąć sztukę niską, wprowadzić ją w kontekst sztuki wysokiej, przywłaszczyć ją sobie i wynieść w coś innego”.

Mimo że prace Lichtensteina oparte na komiksach zyskały pewną akceptację, nadal pojawiają się obawy krytyków, którzy twierdzą, że Lichtenstein nie cytował oryginalnych artystów ani właścicieli praw autorskich, nie płacił im żadnych tantiem ani nie starał się o ich zgodę. W 2013 roku Alastair Sooke w wywiadzie dla dokumentu BBC Four zapytał artystę komiksowego Dave”a Gibbonsa, czy uważa Lichtensteina za plagiatora. Gibbons odpowiedział: „Powiedziałbym, że ”kopistę”. Na przykład w muzyce nie można po prostu zagwizdać czyjejś melodii lub wykonać czyjejś melodii, nieważne jak źle, bez uznania i zapłacenia w jakiś sposób oryginalnemu artyście. To znaczy, że to jest ”WHAAM! autorstwa Roya Lichtensteina, za Irvem Novickiem””. Sam Sooke utrzymuje, że „Lichtenstein przekształcił dzieło Novicka na wiele subtelnych, ale istotnych sposobów”.

Ernesto Priego, założyciel czasopisma, wykładowca City University London i doktor University College London, zauważa, że nieumieszczanie przez Lichtensteina informacji o oryginalnych twórcach jego komiksów było odzwierciedleniem decyzji National Periodical Publications, poprzednika DC Comics, o pomijaniu jakichkolwiek informacji o pisarzach i artystach:

Poza ucieleśnieniem kulturowego uprzedzenia wobec komiksów jako nośników sztuki, przykłady takie jak zawłaszczenie słownictwa komiksowego przez Lichtensteina podkreślają znaczenie uwzględnienia formatu publikacji przy definiowaniu komiksu, a także ekonomię polityczną implikowaną przez określone typy publikacji historycznych, w tym przypadku amerykański komiks głównego nurtu. W jakim stopniu National Periodical Publications (później DC) było odpowiedzialne za odrzucenie roli Kanighera i Novicka jako pełnoprawnych artystów poprzez nieprzyznanie im pełnego autorskiego uznania w samej publikacji?”.

Co więcej, Campbell zauważa, że był czas, kiedy artyści komiksowi często odmawiali uznania autorstwa swoich prac.

W relacji opublikowanej w 1998 r. Novick powiedział, że poznał Lichtensteina w wojsku w 1947 r. i jako jego przełożony zareagował na płaczliwe skargi Lichtensteina na nędzne zadania, które mu powierzono, polecając mu lepszą pracę. Jean-Paul Gabilliet zakwestionował tę relację, twierdząc, że Lichtenstein odszedł z armii rok przed czasem, w którym według Novicka doszło do tego incydentu. Bart Beaty, zauważając, że Lichtenstein przywłaszczył sobie nazwisko Novicka do takich prac, jak Whaam! i Okay Hot-Shot, Okay!, twierdzi, że historia Novicka „wydaje się być próbą osobistego umniejszenia” bardziej znanego artysty.

W 1966 r. Lichtenstein odszedł od swoich słynnych obrazów z początku lat 60. i rozpoczął serię Modern Paintings, obejmującą ponad 60 obrazów i towarzyszących im rysunków. Używając charakterystycznych kropek Ben-Daya oraz geometrycznych kształtów i linii, Lichtenstein tworzył niespójne, wyzywające obrazy ze znanych struktur architektonicznych, wzorów zapożyczonych z Art Déco i innych subtelnie sugestywnych, często sekwencyjnych motywów. Seria Modern Sculpture z lat 1967-8 nawiązywała do motywów z architektury Art Déco.

Późniejsze prace

Na początku lat 60. Lichtenstein reprodukował arcydzieła Cézanne”a, Mondriana i Picassa, a w 1965 roku rozpoczął serię Brushstrokes. Lichtenstein powracał do tego tematu w późniejszych latach swojej kariery, tworząc prace takie jak Bedroom at Arles (Sypialnia w Arles), nawiązujące do obrazu Vincenta van Gogha Bedroom in Arles.

W 1970 roku Lichtenstein otrzymał od Muzeum Sztuki Hrabstwa Los Angeles (w ramach programu Sztuka i Technologia, realizowanego w latach 1967-1971) zlecenie na realizację filmu. Z pomocą Universal Film Studios artysta wymyślił i wyprodukował Three Landscapes, film przedstawiający morskie pejzaże, bezpośrednio nawiązujący do serii kolaży o tematyce pejzażowej, które stworzył w latach 1964-1966. Choć Lichtenstein planował wyprodukowanie 15 filmów krótkometrażowych, ta trzyekranowa instalacja – zrealizowana wspólnie z nowojorskim niezależnym filmowcem Joelem Freedmanem – okazała się jedynym przedsięwzięciem artysty w tym medium.

Również w 1970 roku Lichtenstein kupił dawną wozownię w Southampton, na Long Island, zbudował tam studio i spędził resztę lat 70. we względnym odosobnieniu. W latach 70. i 80. jego styl zaczął się rozluźniać, a on sam rozszerzył dotychczasowe działania. W 1969 r. Lichtenstein rozpoczął serię obrazów Lustra. W 1970 roku, kontynuując serię Zwierciadeł, rozpoczął pracę nad tematem entablatur. Na serię Entablatures składała się pierwsza seria obrazów z lat 1971-1972, następnie druga seria w latach 1974-76, a w 1976 roku ukazała się seria odbitek reliefowych. Artysta stworzył serię „Studiów artystycznych”, które zawierały elementy jego wcześniejszych prac. Znamiennym przykładem jest Artist”s Studio, Look Mickey (1973, Walker Art Center, Minneapolis), w którym w scenę wkomponowano pięć innych, wcześniejszych prac.

Podczas podróży do Los Angeles w 1978 roku Lichtenstein zafascynował się kolekcją niemieckich ekspresjonistycznych druków i ilustrowanych książek prawnika Roberta Rifkinda. Zaczął tworzyć prace, w których zapożyczał elementy stylistyczne z obrazów ekspresjonistów. Białe drzewo (1980) przywołuje na myśl liryczne pejzaże z Der Blaue Reiter, a Dr Waldmann (1980) przypomina Dr Mayer-Hermann Otto Dixa (1926). Małe rysunki wykonane kolorowym ołówkiem służyły jako szablony do drzeworytów, medium ulubionego przez Emila Nolde i Maxa Pechsteina, a także Dixa i Ernsta Ludwiga Kirchnera. Również pod koniec lat 70. styl Lichtensteina został zastąpiony przez bardziej surrealistyczne prace, takie jak Pow Wow (1979, Ludwig Forum für Internationale Kunst, Akwizgran). Główna seria surrealistyczno-popowych obrazów z lat 1979-1981 opiera się na motywach rdzennych Amerykanów. Prace te obejmują zarówno Amerind Figure (1981), stylizowaną rzeźbę naturalnej wielkości przypominającą opływowy słup totemowy, wykonaną z czarnego, patynowanego brązu, jak i monumentalny wełniany gobelin Amerind Landscape (1979). Prace „indiańskie”, podobnie jak pozostałe części serii surrealistycznej, czerpały motywy ze sztuki współczesnej i innych źródeł, w tym książek o wzornictwie Indian amerykańskich z niewielkiej biblioteki Lichtensteina.

Martwe natury Lichtensteina – obrazy, rzeźby i rysunki z lat 1972-1980 – obejmują różnorodne motywy i tematy, w tym najbardziej tradycyjne, takie jak owoce, kwiaty i wazony. W 1983 roku Lichtenstein wykonał dwa plakaty antyapartheidowe, zatytułowane po prostu „Against Apartheid”. W serii Refleksje, powstałej w latach 1988-1990, Lichtenstein ponownie wykorzystał motywy z poprzednich prac. Wnętrza (1991-1992) to seria prac przedstawiających banalne środowiska domowe, inspirowanych reklamami mebli, które artysta znalazł w książkach telefonicznych lub na billboardach. Inspiracją były monochromatyczne grafiki Edgara Degasa, prezentowane na wystawie w Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku w 1994 roku. Motywy serii Pejzaże w stylu chińskim zostały stworzone za pomocą symulowanych kropek Bendaya i konturów bloków, oddanych w intensywnym, żywym kolorze, z usuniętymi śladami dłoni. W latach 90. w pracach Lichtensteina, takich jak Collage for Nude with Red Shirt (1995), akt jest elementem powracającym.

Oprócz obrazów i rzeźb Lichtenstein wykonał również ponad 300 grafik, głównie techniką sitodruku.

Prowizje

W 1969 r. Gunter Sachs zlecił Lichtensteinowi wykonanie kompozycji oraz Ledy i łabędzia do popartowskiego apartamentu sypialnego kolekcjonera w hotelu Palace w St. Moritz. Pod koniec lat 70. i w latach 80. Lichtenstein otrzymał duże zamówienia na prace w miejscach publicznych: rzeźby Lampa (wysoka na 26 stóp Brushstrokes in Flight (wysoki na pięć pięter Mural z niebieskimi pociągnięciami pędzla) oraz El Cap de Barcelona (1992) w Barcelonie. W 1994 r. Lichtenstein wykonał długi na 53 stopy, pokryty emalią i metalem mural na stacji metra Times Square. W 1977 r. BMW zleciło mu namalowanie wyścigowej wersji BMW 320i z Grupy 5 w ramach trzeciej odsłony projektu BMW Art Car Project. Logo wytwórni DreamWorks Records było jego ostatnim ukończonym projektem. „Nie zajmuję się robieniem czegoś takiego (logo korporacji) i nie zamierzam tego robić ponownie” – mówi Lichtenstein. „Ale znam Mo Ostina i Davida Geffena i wydawało mi się to interesujące”.

Uznanie

Lichtenstein otrzymał liczne doktoraty honoris causa, m.in. od George Washington University (1996), Bard College, Royal College of Art (1993), Ohio State University (1987), Southampton College (1980) i California Institute of the Arts (1977). Zasiadał również w zarządzie Brooklyn Academy of Music.

W 1949 r. Lichtenstein poślubił Isabel Wilson, która wcześniej była żoną artysty z Ohio Michaela Sarisky”ego. Jednak brutalne zimy w upstate odcisnęły piętno na Lichtensteinie i jego żonie, po tym jak w 1958 roku zaczął wykładać na State University of New York w Oswego. W 1963 r. sprzedali rodzinny dom w Highland Park w New Jersey, a w 1965 r. rozwiedli się.

Lichtenstein poślubił swoją drugą żonę, Dorothy Herzkę, w 1968 roku. W 1966 r. wynajęli dom w Southampton w Nowym Jorku, który Larry Rivers kupił tuż za rogiem swojego domu. Trzy lata później kupili powozownię z 1910 r. przy Gin Lane, stojącą nad oceanem. Od 1970 roku aż do śmierci Lichtenstein dzielił swój czas między Manhattan i Southampton. Miał również dom na wyspie Captiva.

W 1991 r. Lichtenstein nawiązał romans z piosenkarką Ericą Wexler, która stała się muzą dla serii jego aktów, w tym „Akt z piłką plażową” z 1994 r. Ona miała 22 lata, a on 68. Ona miała 22 lata, a on 68. Romans trwał do 1994 r. i zakończył się, gdy Wexler wyjechała do Anglii z przyszłym mężem Andy Partridge”em z XTC. Według Wexlera, Lichtenstein i jego żona Dorothy rozumieli się, a poza małżeństwem oboje mieli innych ważnych partnerów.

Lichtenstein zmarł na zapalenie płuc 29 września 1997 r. w New York University Medical Center, gdzie był hospitalizowany od kilku tygodni, cztery tygodnie przed swoimi 74. urodzinami. Przeżyła go druga żona, Dorothy Herzka, oraz synowie z pierwszego małżeństwa, David i Mitchell.

Pop art nadal ma wpływ na XXI wiek. Prace Lichtensteina i Andy”ego Warhola zostały wykorzystane podczas trasy koncertowej U2 PopMart Tour w 1997 i 1998 r. oraz na wystawie w brytyjskiej National Portrait Gallery w 2007 r.

Wśród wielu innych dzieł sztuki utraconych w wyniku ataków na World Trade Center 11 września 2001 r., w pożarze zniszczony został obraz Lichtensteina z serii The Entablature.

Jego praca Płacząca dziewczyna była jednym z dzieł sztuki ożywionych w filmie Noc w muzeum: Bitwa o Smithsonian.

W 1964 r. Lichtenstein został pierwszym Amerykaninem wystawiającym w Tate Gallery w Londynie z okazji wystawy „”54-”64: Painting and Sculpture of a Decade”. W 1967 r. w Pasadena Art Museum w Kalifornii odbyła się jego pierwsza retrospektywna wystawa muzealna. W tym samym roku odbyła się jego pierwsza indywidualna wystawa w Europie w muzeach w Amsterdamie, Londynie, Bernie i Hanowerze. Później Lichtenstein uczestniczył w wystawach documentas IV (1968) i VI (1977). W 1969 roku Lichtenstein miał swoją pierwszą retrospektywę w Muzeum Guggenheima, zorganizowaną przez Diane Waldman. Drugą retrospektywę Lichtensteina Guggenheim zaprezentował w 1994 roku. Lichtenstein został pierwszym żyjącym artystą, który miał indywidualną wystawę rysunków w Muzeum Sztuki Nowoczesnej od marca do czerwca 1987 roku. Ostatnie retrospektywy obejmowały wystawy: „All About Art”, Louisiana Museum of Modern Art, 2003, w Danii (która podróżowała do Hayward Gallery, Londyn, Museo Reina Sofia, Madryt, i San Francisco Museum of Modern Art, do 2005); oraz „Classic of the New”, Kunsthaus Bregenz (2005), „Roy Lichtenstein: Meditations on Art” Museo Triennale, Mediolan (2010, podróż do Museum Ludwig, Kolonia). Pod koniec 2010 roku The Morgan Library & Museum pokazała wystawę Roy Lichtenstein: The Black-and-White Drawings, 1961-1968. Kolejna duża retrospektywa została otwarta w Art Institute of Chicago w maju 2012 r., a w 2013 r. zawitała do National Gallery of Art w Waszyngtonie, Tate Modern w Londynie i Centre Pompidou w Paryżu. 2013: Roy Lichtenstein, Olyvia Fine Art. 2014: Roy Lichtenstein: Intimate Sculptures, The FLAG Art Foundation. Roy Lichtenstein: Opera Prima, Civic Gallery of Modern and Contemporary Arts, Turyn. 2018: Wystawa w The Tate Liverpool, Merseyside, Wielka Brytania.

W 1996 roku National Gallery of Art w Waszyngtonie stała się największym pojedynczym repozytorium dzieł artysty, kiedy Lichtenstein podarował 154 grafiki i 2 książki. Art Institute of Chicago posiada w swojej stałej kolekcji kilka ważnych dzieł Lichtensteina, w tym Brushstroke with Spatter (1966) i Mirror No. 3 (Six Panels) (1971). Osobiste zbiory wdowy po Lichtensteinie, Dorothy Lichtenstein, oraz Fundacji Roya Lichtensteina liczone są w setkach. W Europie jedną z najobszerniejszych kolekcji Lichtensteina posiada Museum Ludwig w Kolonii (Takka Takka (1962), Nurse (1964), Compositions I (1964)), a także Frankfurt Museum für Moderne Kunst (1964) (We rose up slowly) i Yellow and Green Brushstrokes (1966)). Poza Stanami Zjednoczonymi i Europą obszerne zbiory grafik Lichtensteina, liczące ponad 300 prac, posiada National Gallery of Australia”s Kenneth Tyler Collection. Uważa się, że łącznie w obiegu znajduje się około 4 500 prac.

Po śmierci artysty w 1997 r., w 1999 r. powstała Fundacja Roya Lichtensteina. W 2011 r. zarząd fundacji zdecydował, że korzyści płynące z uwierzytelnienia przewyższają ryzyko przedłużających się procesów sądowych.

Pod koniec 2006 roku fundacja rozesłała kartkę świąteczną z wizerunkiem Electric Cord (1961), obrazu, który zaginął w 1970 roku po tym, jak został wysłany do konserwatora sztuki Daniela Goldreyera przez Galerię Leo Castelli. Kartka zachęcała do zgłaszania wszelkich informacji na temat miejsca jego pobytu. W 2012 r. fundacja potwierdziła autentyczność obrazu, gdy pojawił się on w magazynie w Nowym Jorku.

W latach 2008-2012, po śmierci fotografa Harry”ego Shunka w 2006 r., Fundacja Lichtensteina nabyła kolekcję materiałów fotograficznych wykonanych przez Shunka i jego współpracownika Jánosa Kendera oraz prawa autorskie fotografów. W 2013 roku fundacja przekazała zbiory Shunka i Kendera pięciu instytucjom – Getty Research Institute w Los Angeles, Museum of Modern Art w Nowym Jorku, National Gallery of Art w Waszyngtonie, Centre Pompidou w Paryżu i Tate w Londynie – dzięki czemu każde z nich będzie miało dostęp do części należącej do pozostałych.

Od lat 50. prace Lichtensteina były wystawiane w Nowym Jorku i innych miejscach, m.in. z Leo Castellim w jego galerii i w Castelli Graphics, a także z Ileaną Sonnabend w jej galerii w Paryżu oraz w Ferus Gallery, Pace Gallery, Gagosian Gallery, Mitchell-Innes & Nash, Mary Boone, Brooke Alexander Gallery, Carlebach, Rosa Esman, Marilyn Pearl, James Goodman, John Heller, Blum Helman, Hirschl & Adler, Phyllis Kind, Getler Pall, Condon Riley, 65 Thompson Street, Holly Solomon i Sperone Westwater Galleries. Galeria Leo Castelli reprezentowała Lichtensteina na wyłączność od 1962 roku, kiedy to indywidualna wystawa artysty została wyprzedana przed otwarciem.

Począwszy od 1962 r. w Leo Castelli Gallery w Nowym Jorku regularnie odbywały się wystawy prac artysty. Gagosian Gallery wystawia prace Lichtensteina od 1996 roku.

Big Painting No. 6 (1965) stał się w 1970 roku najwyżej wycenionym dziełem Lichtensteina. Podobnie jak w całym cyklu Brushstrokes (Pociągnięcia pędzlem), tematem obrazu jest proces malowania abstrakcyjnego ekspresjonizmu za pomocą zamaszystych pociągnięć pędzla i kropli, ale rezultat uproszczenia Lichtensteina, polegającego na zastosowaniu tła w postaci kropek Ben-Daya, to przedstawienie mechanicznego

Obraz Lichtensteina Torpedo … Los! (1963) został sprzedany w 1989 r. w Christie”s za 5,5 mln dolarów, co było wówczas rekordową sumą, czyniąc go jednym z zaledwie trzech żyjących artystów, którzy przyciągnęli tak wielkie sumy. W 2005 roku obraz In the Car został sprzedany za rekordową wówczas kwotę 16,2 mln dolarów (10 mln funtów).

W 2010 r. jego rysunkowy obraz z 1964 r. „Ohhh…Alright…”, należący wcześniej do Steve”a Martina, a później do Steve”a Wynna, został sprzedany za rekordową sumę 42,6 mln USD (26,7 mln funtów) na aukcji w nowojorskim Christie”s.

Obraz Lichtensteina I Can See the Whole Room…and There”s Nobody in It! powstał na podstawie rysunku Williama Overgarda z 1961 roku do komiksu Steve”a Ropera. (1961) przedstawia mężczyznę wyglądającego przez dziurę w drzwiach. Obraz został sprzedany przez kolekcjonerkę Courtney Sale Ross za 43 miliony dolarów, czyli dwukrotnie więcej niż wynosiła jego wycena, na aukcji Christie”s w Nowym Jorku w 2011 roku; mąż sprzedającej, Steve Ross, nabył go na aukcji w 1988 roku za 2,1 miliona dolarów. Obraz ma wymiary 4 na 4 stopy i jest wykonany w technice olejnej i grafitowej.

Komiksowy obraz Śpiąca dziewczyna (1964) z kolekcji Beatrice i Phillipa Gershów ustanowił w 2012 r. w Sotheby”s nowy rekord Lichtensteina – 44,8 mln dolarów.

W październiku 2012 r. jego obraz Electric Cord (1962) został zwrócony wdowie po Leo Castellim, Barbarze Bertozzi Castelli, po 42 latach zaginięcia. Castelli wysłał obraz do konserwatora zabytków w styczniu 1970 roku, ale nigdy go nie odzyskał. Zmarł w 1999 roku. W 2006 roku Fundacja Roya Lichtensteina opublikowała wizerunek obrazu na swojej kartce z życzeniami świątecznymi i poprosiła społeczność artystyczną o pomoc w jego odnalezieniu. Obraz został odnaleziony w magazynie w Nowym Jorku, po tym jak był wystawiany w Bogocie w Kolumbii.

W 2013 r. obraz „Kobieta w kwiecistym kapeluszu” ustanowił kolejny rekord – 56,1 mln dolarów, kiedy został zakupiony przez brytyjskiego jubilera Laurence”a Graffa od amerykańskiego inwestora Ronalda O. Perelmana.

W 2015 r. na aukcji Christie”s sprzedano Pielęgniarkę za 95,4 mln dolarów.

W styczniu 2017 r. firma Masterpiece została sprzedana za 165 milionów dolarów. Środki uzyskane z tej sprzedaży zostaną przeznaczone na utworzenie funduszu na rzecz reformy wymiaru sprawiedliwości w sprawach karnych.

Bibliografia

Biografia:

Działa:

Inne:

Źródła

  1. Roy Lichtenstein
  2. Roy Lichtenstein
Ads Blocker Image Powered by Code Help Pro

Ads Blocker Detected!!!

We have detected that you are using extensions to block ads. Please support us by disabling these ads blocker.