Jasper Johns

Streszczenie

Jasper Johns (Augusta, 15 maja 1930) jest amerykańskim malarzem i rzeźbiarzem, który wraz z artystą Robertem Rauschenbergiem uważany jest za jednego z głównych przedstawicieli New Dada.

Wczesne lata

Johns urodził się w 1930 roku w Auguście, w stanie Georgia, ale dorastał w Allendale, w Karolinie Południowej, z dziadkami i wujkami po rozwodzie rodziców. O tym okresie swojego życia powie później: „tam, gdzie się wychowałem, nie było artystów i nie było sztuki, więc nie bardzo wiedziałem, co to znaczy. Myślałem, że to oznacza, że będę w innej sytuacji niż byłem. W wywiadzie z początku lat 60. wspomina, że w wieku trzech lat zaczął rysować i nigdy nie przestał, a w wieku pięciu lat postanowił zostać artystą. Do czwartej klasy szkoły podstawowej uczył się w Columbii (Karolina Południowa), potem wraz z matką, ojczymem i przyrodnimi braćmi przemieszczał się między stanami, kończąc edukację wyższą w Sumter (Karolina Południowa). W latach 1947-1948 przez trzy semestry uczęszczał na Uniwersytet Południowej Karoliny, po czym za namową własnych nauczycieli sztuki przeniósł się do Nowego Jorku, gdzie w 1949 roku przez semestr studiował w Parsons School of Design. Następnie pracował jako kurier i sprzedawca.

1950s

Na początku lat 50. Johns służył w wojsku i został wysłany na wojnę koreańską do Sendai w Japonii, a w 1953 r. wrócił do Nowego Jorku. Do Nowego Jorku wrócił w 1953 r. Na stypendium dla weteranów zapisał się do Hunter College, ale po wypadku pierwszego dnia zrezygnował z nauki. W latach 1953-1954 pracował w wydawnictwie Marboro Books. Dzięki pisarce Suzi Gablick poznał artystę Roberta Rauschenberga, z którym połączyła go wieloletnia przyjaźń i wpływy artystyczne. W 1954 roku Johns poznał także kompozytorów Mortona Feldmana i Johna Cage”a (z którymi kilka lat później wrócił do Japonii) oraz tancerkę i choreografkę Merce Cunningham.

W połowie dekady artysta postanowił zniszczyć wszystkie swoje dotychczasowe prace (odkupywał nawet te, które sprzedał, aby się ich pozbyć) i tylko cztery z nich zdołały przetrwać: działanie to odpowiadało początkowi nowego okresu dla artysty, radykalnej zmiany i odrodzenia. W ten sposób stworzył oryginalny i osobisty styl artystyczny, kontrastujący z gestykularnym i energicznym stylem tak zwanego ekspresjonizmu abstrakcyjnego, który przyczynił się do narodzin ruchów takich jak Pop Art, Minimalizm i Sztuka Konceptualna. Powstał pierwszy Cel o czterech twarzach, pierwsza seria Liczb 1, 2, 5 i 7 oraz pierwsza Biała flaga, po której przez lata powstały liczne inne wersje, rozbite, odwrócone, zwielokrotnione lub zdesaturowane w formie obrazów, grafik i rysunków. Posługuje się ikonami i tematami, które są jasne i bezosobowe, aby skupić się na technice wykonania i ręcznym wykonaniu pracy.

W 1955 r. wraz z Rauschenbergiem założył firmę Matson Jones – Custom Display, w której pracowali jako projektanci witryn sklepowych, m.in. dla Tiffany&Co i Bonwit Teller w następnym roku. Biała Flaga została wystawiona jako część jednego z takich pokazów.

W maju 1957 r. Johns wziął udział w wystawie zbiorowej w Leo Castelli Gallery, a w 1958 r. ponownie wystawił swoje prace na indywidualnej wystawie w tej samej galerii. Alfred Barr, pierwszy dyrektor MoMA – Museum of Modern Art w Nowym Jorku, był pod wrażeniem Target with Plaster Casts (1955), mimo że zanim został wystawiony, był przedmiotem debaty i krytyki, ponieważ uznano go za zbyt prowokacyjny, by wystawiać go w muzeum. Nowojorskie muzeum kupiło trzy prace artysty. Target with Four Faces pojawił się na okładce znanego magazynu Artnews. W 1958 roku prace Johnsa zostały po raz pierwszy wystawione w Europie przy okazji 29. Biennale w Wenecji. Artysta zaczął zaznaczać swoją obecność na amerykańskiej i europejskiej scenie artystycznej; w 1959 roku wystawiał w Paryżu i Mediolanie. Również w 1958 roku stworzył swoje pierwsze metalowe rzeźby, Flashlight I i Lightclub I.

Po sukcesie indywidualnej wystawy w Castelli”s w 1958 roku Johns zdecydował się wkroczyć na nową drogę, zapoczątkowaną Fałszywym początkiem (1959), w którym artysta przeszedł od enkaustyki do malarstwa olejnego na rzecz wielowarstwowego, bardziej niespokojnego pociągnięcia pędzla. Barr był zdziwiony tą nową pracą, ponieważ rozkład kolorów był bardzo podobny do sztuki abstrakcyjnego ekspresjonizmu, do której Johns zawsze był wrogo nastawiony.

Lata sześćdziesiąte

Na początku lat 60. artysta zaczął interesować się motywem mapy Stanów Zjednoczonych (będącej również tematem różnych późniejszych wersji, np. flagi) oraz tematem odcisków ludzkiego ciała; zaczął również pracować z brązem w rzeźbie. W 1961 roku po raz pierwszy wyjechał do Europy, gdzie jego prace zostały wystawione w Galerie Rive Droite w Paryżu, a następnie wziął udział w wystawie Le Nouveau Réalisme à Paris et à New York, która odbyła się w tej samej galerii. W przeciwieństwie do wcześniejszego okresu, jego sztuka staje się bardziej autobiograficzna, bardziej złożona i dezorientująca. W wielu obrazach szeroko stosował kolor szary (także w hołdzie malarzowi René Magritte”owi), jak np. w Płótnie (1956) i Szarych alfabetach (1956), w których dominuje melancholijny poziom ekspresji.

W pracach z tej dekady częściej pojawiały się linie, skale barwne czy termometry, które oddawały ideę pomiaru, jak w Peryskopie (1963). W tych latach współpracował z pisarzem i kuratorem sztuki Frankiem O”Harą, z którym zorganizował zbiór obrazów i wierszy, a także zacytował jeden z jego wierszy w In Memory of My Feelings – Frank O”Hara (1961). W 1963 roku wziął udział w wystawie Pop Art USA w Oakland Art Museum w Kalifornii i został jednym z założycieli Foundation for Contemporany Performance Arts Inc. W 1964 roku stworzył swoje największe jak dotąd dzieło, które, jak twierdzi Kirk Varnedoe, stanowi kompendium całej jego twórczości.

W tym samym roku odbyła się retrospektywa ponad 170 jego prac w Muzeum Żydowskim w Nowym Jorku, powtórzona następnie w Anglii i Kalifornii, oraz udział w XXXII Biennale w Wenecji i Documenta III w Kassel. Wreszcie w 1964 roku, w Dniu Flagi, Leo Castelli, handlarz dziełami sztuki, postanowił podarować prezydentowi Johnowi Kennedy”emu wykonaną z brązu wersję Flagi (1960), wybór ten Johns uznał za okropny, gdyż widział w nim instrumentalizację swojej sztuki. W 1969 roku artysta opublikował Myśli o Duchampie w Art in America, a następnie otrzymał honorowy dyplom z klasyki na Uniwersytecie Południowej Karoliny. Pod koniec dekady historyk sztuki Max Kozloff opublikował jego monografię zatytułowaną Jasper Johns.

1970s

W latach 1974-1982 głównym wzorem jego obrazów stały się tzw. szrafowania krzyżowe. Po raz pierwszy pojawia się w Bez tytułu (1972), ale najlepiej reprezentuje ją Pachnidło (1973-1974), w którym ujawnia się rosnące zainteresowanie artysty technikami graficznymi, łączonymi w tej pracy z tematyką seksualności i śmierci. Te same wątki odnajdujemy w kolejnej pracy, Between the Clock and the Bed (1981), inspirowanej obrazem Edvarda Muncha o tym samym tytule. W 1973 roku spotkał się w Paryżu z dramaturgiem Samuelem Beckettem, aby omówić ewentualną współpracę przy produkcji książki artystycznej FoiradesFizzles, która ukazała się w 1976 roku.

W drugiej połowie dekady odbyła się jego wielka retrospektywa w Whitney Museum w Nowym Jorku, która następnie została powtórzona w Kolonii, Paryżu, Londynie, Tokio i San Francisco. Następnie nowojorskie muzeum kupiło Trzy flagi za milion dolarów, najwyższą kwotę, jaką kiedykolwiek zapłacono za żyjącego amerykańskiego artystę, a w latach 80. prace Johnsa stale osiągały bardzo wysokie ceny. W 1978 roku został wybrany honorowym akademikiem Accademia delle arti del disegno we Florencji (a następnie Emeritus Academician w 1987 i 1993 roku). W latach 1979-1981 powrócił do wykorzystywania w swoich pracach przedmiotów takich jak noże, widelce i łyżki, a także zainteresował się nowymi formami obiektywnego obrazowania, takimi jak motywy tantryczne.

1980s

Począwszy od lat 80. jego twórczość zaczyna cechować silny rys psychologiczny i prywatny, co widać m.in. w In the Studio (1982), Perilous Night (1982) i Racing Thoughts (1983), w których artysta odnosi się do zaburzeń psychicznych, jakie dotknęły go w tym okresie. Zmienił się też styl malowania, pojawiły się obrazy o podwójnym czytaniu, cytaty z innych artystów i efekty trompe l”œil. W latach 1980-1982 został członkiem Académie Royale des Beaux-Arts w Sztokholmie oraz American Academy of Arts and Sciences w Bostonie. W latach 1985-1986 namalował Cztery pory roku, tradycyjnie uznawane za wieki życia, które po raz pierwszy wystawił w Leo Castelli”s Gallery na West Broadway, a następnie zdobył główną nagrodę na Biennale w Wenecji w 1988 roku. W 1989 roku został mianowany 38. członkiem South Carolina Hall of Fame, nagrody zarezerwowanej dla najznakomitszych postaci tego kraju, oraz został przyjęty do American Academy of Arts and Letters. Jest również tematem filmu dokumentalnego Jasper Johns: Ideas in Paint Ricka Tejady-Floresa (1989).

Ostatnie lata

W latach 90. otrzymał wiele nagród, w tym National Medal of Arts, który w 1990 roku wręczył mu w Białym Domu prezydent USA George Bush. Ma na swoim koncie kilka wystaw: retrospektywę w MoMA w Nowym Jorku z kolejnymi przystankami w Kolonii i Tokio (1996-1997), Jasper Johns: New Paintings and Works on Paper w San Francisco Museum of Modern Art, a następnie wystawy w Yale University Art Gallery i Museum of Art w Dallas (1999), wystawę w Walker Art Center, która była kontynuowana w innych ośrodkach w Stanach Zjednoczonych, Hiszpanii, Szkocji i Irlandii (2003), wreszcie Jasper Johns: Prints from the Low Road Studio w Galleria di Castelli (2004).

Pod koniec wieku w jego malarstwie otwiera się nowa faza, zmierzająca w kierunku „opróżnienia” powierzchni piktorialnej, co widać na przykład w cyklu Catenary (1999), w którym tytułowa katenara oznacza krzywiznę powstałą na skutek działania grawitacji drutu umocowanego na końcach, tak że w poszczególnych pracach druty, prawdziwe lub namalowane, przecinają powierzchnię i są jedynym tematem w obrębie płótna. W ostatnich latach Johns przebywa głównie na emeryturze w Sharon (Connecticut) oraz na wyspie Saint Martin we francuskich Indiach Zachodnich, gdzie posiada studio zbudowane dla niego przez architekta Philipa Johnsona.

Artystę można ująć w ramy na kilka sposobów. Po pierwsze, Johns uważany jest za jednego z głównych wyrazicieli New Dada, amerykańskiego ruchu artystycznego, który nawiązuje do sztuki dada z początku wieku i podobnie jak ona wprowadza do dzieła sztuki tzw. duchampowskie ready-mades (czyli obiekty wzięte z rzeczywistości). Nurt ten jest również bardzo bliski współczesnemu francuskiemu Nouveau Réalisme, w którym wykorzystuje się przedmioty wzięte z najbardziej banalnej codzienności. Włączenie do pracy tego, co gotowe, jest więc także rozwiązaniem problemu reprezentacji tego, co realne i zwyczajne. Sam artysta mówi, że jego prace zawierają obiekty, na które można patrzeć, ale których nie widać.

Wykorzystanie słabo zmanipulowanych obiektów, które są po prostu wstawiane do pracy, wiąże się również z faktem, że Johns odrzuca sztukę abstrakcyjnego ekspresjonizmu, a zatem zamierza zredukować do minimum gestykularny komponent swojej interwencji, faworyzując formalne i konstytutywne aspekty samego obrazu. Ta wroga pozycja przejawia się już w pracy Target with Plaster Casts, gdzie obecność odlewów ludzkich części ciała może nawiązywać do domniemanej opozycji między sztuką „abstrakcyjną” i „figuratywną”. Malarstwo z dwiema kulami to także atak na mit amerykańskiego malarstwa związanego z pokoleniem artystów takich jak Jackson Pollock czy Willem de Kooning: dwie namalowane kule to w istocie ironiczny opis samego siebie, przeciwstawiony typowej męskości, którą w teatralny sposób epatowali inni amerykańscy artyści.

Wreszcie uważa się go za artystę, który zapoczątkował Pop Art, choć nie zdając sobie z tego sprawy.

Inną cechą charakterystyczną jego sztuki jest to, że pozostaje otwarta kwestia rozróżnienia lub związku między rzeczywistością a przedstawieniem, obrazem rzeczywistym a obrazem malarskim; w rzeczywistości wiele z jego prac, począwszy od Flag, charakteryzuje się oderwanym i tautologicznym przedstawieniem wspólnego przedmiotu, którego granice pokrywają się z granicami płótna. Dla artysty ważna jest intensywność, z jaką to, co już wie o przedmiocie, wpływa na to, co w nim widzimy; on sam nie potrzebuje modelu, by namalować flagę czy tarczę, gdyż wystarczy mu wyobrażenie przedmiotu, jakie ma w głowie. Dlatego też jego prace z flagami, literami czy tarczami strzelniczymi grają na ambiwalencji pomiędzy obiektem a jego reprezentacją. Bardzo często, odnosząc się do swoich flag, zadaje retoryczne pytanie: „Czy to flaga, czy obraz?”.

Enkaustyka

Enkaustyka to technika, którą artysta często wykorzystuje w swoich pracach. Pochodzi ona ze starożytnego Egiptu i polega na mieszaniu pigmentów z roztopionym woskiem w procesie zwanym enkaustyką, do którego Johns zazwyczaj dodaje kawałki tkanin lub wycinki z gazet. Efekt końcowy graniczy z figuratywnością, ale zachowuje widoczne ślady manipulacji artysty, tkania tkanin czy tekstów drukowanych na papierze, co pozwala na otwarcie pracy na wiele poziomów interpretacji pomiędzy prezentacją a reprezentacją obrazu. Powierzchnia prac jest uwodzicielska i fascynująca, a także nowa, oryginalna i aktualna w kontekście sztuki amerykańskiej w latach, w których Johns je wykorzystywał.

Tradycyjnie, tak zwany wosk punicki używany do malarstwa enkaustycznego uzyskuje się poprzez gotowanie gorącego wosku w wodzie morskiej, do której następnie dodaje się wodę, wapno gaszone i klej; mieszaninę rozpuszczoną w wodzie i jeszcze gorącą wylewa się na farbę i natychmiast miesza, rozprowadza na dziele, pozostawia do wyschnięcia, a na koniec ponownie podgrzewa, aby pigmenty mogły ponownie pojawić się na powierzchni. Technika ta pozwala na dodanie dowolnego rodzaju pigmentu i nie wymaga bardzo szybkiego czasu realizacji; jest również bardzo trwała, ponieważ wosk nie ulega utlenianiu.

Źródła

  1. Jasper Johns
  2. Jasper Johns
Ads Blocker Image Powered by Code Help Pro

Ads Blocker Detected!!!

We have detected that you are using extensions to block ads. Please support us by disabling these ads blocker.