Alexander Archipenko
gigatos | 24 marca, 2022
Streszczenie
Alexander Porfyrovych Archipenko był amerykańskim rzeźbiarzem pochodzenia ukraińskiego. Urodził się 30 maja 1887 r. w Kijowie, zmarł 25 lutego 1964 r. w Nowym Jorku.
Syn inżyniera, Aleksander Archipenko studiował również matematykę. Artystę fascynowały związki między sztuką a nauką. W latach 1902-1906 kształcił się w zakresie malarstwa i rzeźby w Kijowie i Moskwie. W tym okresie zafascynował się bizantyjskimi ikonami, freskami i mozaikami w Kijowie. Po pobycie w Moskwie, w 1908 roku przeniósł się do Paryża, gdzie zetknął się z ruchami awangardowymi, zwłaszcza z grupą kubistów. Zamieszkał w La Ruche, 2, passage de Dantzig, dawnym pawilonie winiarskim z Wystawy Powszechnej z 1889 r. przekształconym w pracownie artystów. Pracował sam, wolał chodzić do Luwru, aby studiować archaiczną rzeźbę grecką, niż do Beaux-Arts, gdzie gardził akademickim nauczaniem. Artysta już wcześniej czynił wyrzuty swoim nauczycielom w kijowskiej szkole artystycznej, którzy w końcu go wyrzucili. Pozostawał pod wpływem Rodina do czasu prezentacji jego prac w Moskwie w 1906 r., a w wieku 24 lat stał się jednym z liderów awangardy rzeźbiarskiej.
W 1910 r. wystawiał na Salon des indépendants w Paryżu. W piątek 21 kwietnia 1911 roku, na 27. wystawie Salon des indépendants, prace Alberta Gleizesa, Jeana Metzingera, Roberta Delaunaya, Henriego Le Fauconniera, André Lhote”a, Josepha Csaky”ego i Archipenki stały się przedmiotem żarliwej krytyki, godnej tej, którą wywołała wystawa fowistów. Wystawa ta, uważana za „master-cubes”, wprawiła w zakłopotanie nawet Guillaume”a Apollinaire”a. Zarzucano im dewiacje kubizmu, jego karykaturalność, a nawet antyakademickość. Ubolewano nad nieobecnością na tej wystawie Picassa i Braque”a (którzy wystawiali wyłącznie w galerii Daniela-Henry”ego Kahnweilera).
Jego pierwsza wystawa indywidualna odbyła się w Niemczech w Muzeum Folkwang Hagen w 1912 r. W tym samym roku otworzył w Paryżu szkołę artystyczną i wstąpił do Sekcji Orłów, tworząc swoje pierwsze obrazy reliefowe: skulpto-obrazy. W październiku 1912 roku w Galerie de la Boétie odbyła się pierwsza wystawa grupy Section d”Or, w której udział wzięli: Léger, Gleizes, Metzinger, Gris, Marcel Duchamp, Raymond Duchamp-Villon, Jacques Villon, Lhote, La Fresnaye, Marcoussis i Archipenko. Trzydziestu jeden artystów z dwustoma obrazami bez obecności Picassa. Wystawa ta ma charakter dydaktyczny: kubizm wszedł w fazę teoretyczną cztery lata po swoich narodzinach. Wystawa grupy Section d”Or wywołała ostrą krytykę tych rewolucyjnych dzieł: Apollinaire bronił ich w swoich felietonach w L”Intransigeant lub w przedmowach do katalogów.
W 1913 r. cztery z jego prac zostały pokazane na Armory Show w Nowym Jorku. Wykonał swoje pierwsze ryciny, które zostały zamieszczone we włoskiej publikacji futurystycznej Lacerba w 1914 r. Brał udział w Salon des Indépendants w 1914 r. oraz w Biennale w Wenecji w 1920 r. W latach wojny artysta mieszkał w Cimiez koło Nicei. W latach 1919-1921 podróżował do Genewy, Zurychu, Paryża, Londynu, Brukseli, Aten i innych miast europejskich, aby wystawiać swoje prace. Jego pierwsza indywidualna wystawa w Stanach Zjednoczonych odbyła się w 1921 r. w Nowym Jorku w Société Anonyme. W 1923 r. opuścił Berlin i udał się do Stanów Zjednoczonych, gdzie z biegiem lat otworzył kilka szkół artystycznych w Nowym Jorku, Woodstock, Los Angeles i Chicago. Przez następne trzydzieści lat uczył w Stanach Zjednoczonych w szkołach artystycznych i na uniwersytetach, a nawet w działającym krótko Nowym Bauhausie. W 1928 r. przyjął obywatelstwo amerykańskie.
W 1933 r. wystawiał w Pawilonie Ukraińskim w Chicago w ramach Światowych Targów Stulecia Postępu. W latach 1937-1939 był zastępcą instruktora w Szkole Sztuk Przemysłowych Nowego Bauhausu w Chicago. Większość dzieł artysty znajdujących się w niemieckich muzeach została skonfiskowana przez nazistów z zamiarem oczyszczenia ich ze zdegenerowanej sztuki. W 1947 r. stworzył rzeźby, które były oświetlane od wewnątrz. W latach 1955 i 1956 towarzyszył wystawie objazdowej swoich prac po Niemczech. Zaczął pisać książkę „Archipenko: 50 lat twórczości 1908-1958”, która ukazała się w 1960 roku. Książka zawiera wypowiedzi pięćdziesięciu historyków sztuki oraz teksty Archipenki na temat twórczości artystycznej. W 1962 r. został wybrany do American Academy of Arts and Letters.
Archipenko uważa, że „trudno jest podzielić twórczość artysty na okresy”. I dodaje: „Nigdy nie należałem do szkół: byłem z nich wyrzucany. Prowadziłem badania, wymyślałem i eksperymentowałem, a potem mnie naśladowano… Dla każdego artysty sztuka jest twórczym wznoszeniem się ku indywidualnemu odkrywaniu prawdy w formach natury, a okresy są tylko pudełkami w umysłach krytyków.
Problemem, jaki według Archipenki stwarza rzeźba, jest objętość i połączenie brył ze sobą. Jest w tym jeszcze bardziej skrajny niż współcześni rzeźbiarze, tacy jak Brancusi czy Duchamp-Villon, którzy podobnie jak on należą do grupy Złotej Sekcji. Jego głównym problemem jest pustka, która ma siłę nieobecnego przedmiotu i w ten sposób tworzy objętość. Uproszczenie i oczywistość objętości przy zachowaniu aspektu figuratywnego to zasady jego rzeźby. Jego sztuka, charakteryzująca się wielkim matematycznym rygorem, pozostawia dominujące miejsce kobiecemu ciału. W dzieciństwie chętnie wspomina wszechobecność kamiennych bożków dawnych Słowian.
Picasso opracował pierwsze zasady tej rzeźbiarskiej gramatyki: polichromia, łączenie najróżniejszych materiałów, rytmiczne stosowanie płaszczyzn, pojawianie się form otwartych. Podobnie jak malarstwo, rzeźba kubistyczna zajmuje się głównie relacjami między przedmiotami a przestrzenią, objętościami i pustymi przestrzeniami, które je oddzielają lub w które są wprowadzane. Wpływ włoskiego futuryzmu, zwłaszcza za sprawą Boccioniego, którego Archipenko poznał w 1912 roku, doprowadził do ukształtowania się dynamicznych form. Archipenko szczególnie zgłębiał dialektykę form wklęsłych i wypukłych.
Wypracował własny styl, w którym stereometrycznie uproszczone bryły ciała, przestrzennie wyprostowane figury, ścięte formy, ostre kąty, krystaliczne pęknięcia czerpią z formalnego inwentarza kubizmu, a także inspirują się manieryzmem.
Z wyjątkiem Boccioniego, żaden rzeźbiarz nie postawił analizy przestrzeni, głównego problemu tej dekady, jako absolutu. Żaden artysta w tak osobisty sposób nie przesunął interakcji między objętością a pustką w kierunku dziedzin ekspresyjnych i lirycznych, dynamicznych i posągowych. Udało mu się połączyć formalny rygor z zabawnym urokiem. W jednej formie połączył cztery nieuchwytne elementy: przestrzeń, przejrzystość, światło i odbicie, tworząc nowoczesną rzeźbę o wklęsłej formie.
Tors (1909) to jego pierwsza rzeźba o tendencjach kubistycznych. Pokazuje, jak dezartykuluje bryły i perforuje je, aby przeniknąć przestrzeń.
W 1909 i następnym roku nie wiedział jeszcze nic o kubizmie i inspirował się składanymi rzeźbami Barlacha lub Köllwitza (Kobieta i kot w 1910 lub Kobieta z kotem w 1911). W latach 1911-12 są one rozłożone, a w nabrzmiałych udach i ramionach wyczuwa się wpływy kubistyczne lub przeciwnie – etniczne (Kobieta idąca w 1912). Od 1911 r. aktywnie uczestniczył w ruchu kubistycznym. Problemy plastyczne, którymi zajmowała się wówczas jego rzeźba, były zdecydowanie nowe: pełne objętości, relacje między pustymi przestrzeniami i pełnymi objętościami w pustych przestrzeniach. Chciał symbolizować „nieobecną rzeczywistość”. W filmie Femme qui marche z 1912 r. po raz pierwszy oszczędził głowę w negatywie. W 1912 roku określił swój ulubiony temat: przenikanie się ciała i przestrzeni, tworzenie krzywych wklęsłych i wypukłych, tak aby forma rzeźbiarska stała się w pewien sposób odczuwalna poprzez swoją matrycę. Opracował własną teorię form komplementarnych: każda pustka generuje swoją wyobrażoną antytezę.
W Medrano, powstałym w 1912 roku, stworzył swój pierwszy asamblaż z różnych malowanych materiałów (szkła, drewna i metalu). Prowadząc nieustanne poszukiwania artystyczne, opracował nowe metody tworzenia i stworzył interakcję między malarstwem a rzeźbą. W 1912 roku w Medrano I Le Jongleur, wykorzystując drewno, szkło i metalowy drut, stworzył przegubowe lalki przypominające drewniane harlequiny, używając szkła, folii metalowej, drutu, cylindrycznych stożków i dysków energetyzowanych polichromią. Wyzwolenie formy sprawiło, że Archipenko zerwał z tradycyjną rzeźbą i stał się jednym z mistrzów awangardy. Ożywił gatunek zaniedbywany od XVII wieku przez rzeźbę zachodnią – polichromię.
Jego rzeźby powstałe w 1912 r. to malowane reliefy gipsowe. Między malarstwem a rzeźbą badał wzajemne relacje między formą a kolorem, z których jedna podkreśla, a druga pomniejsza. Te dwie sztuki są ze sobą zjednoczone lub przeciwstawione na poziomie wizualnym i duchowym, w zależności od celu.
W latach 1913-1916 forma zdominowała rzeczywistość. W Tańcu z 1912 roku, poprzez arabeskę utworzoną przez parę, zdefiniował wznoszącą się przestrzeń wewnętrzną, nasyconą lekkością. Zorganizował tę rzeźbę wokół pustki. W tej pracy o pustce i pełni starał się nie uzupełniać ciał, których kończyny zatrzymywał, gdy nakazywała mu to plastyka, wprowadzając pustkę jako interesariusza, jak w Kobiecie w 1915 roku, której głowa jest narysowana wokół szczeliny.
W 1913 r. stworzył rzeźbę z drutu, którą Apollinaire nazwał „en baleine de parapluie”. Później jego podejście do kubizmu zwróci się w stronę konstruktywizmu.
W obrazie La Boxe z 1913 roku artysta próbował przełożyć brutalną energię sportu na formy abstrakcyjne. Bokserzy zostają zredukowani do ostrych kształtów, które zazębiają się ze sobą i gwałtownie ścierają, mięśnie zastępuje rytmiczna energia.
Tête constructiviste (1913) jest wykonana z asamblażu płaszczyzn. Gondolier (1914) jest skomponowany w lekko przesuniętych częściach, aby dać poczucie ruchu w futurystycznej perspektywie, a Martwa natura (1915) jest jednym z jego nielicznych obrazów w reliefie.
Po przybyciu do Stanów Zjednoczonych na początku lat dwudziestych XX wieku przyjął tradycję: dominuje gładkość, doskonałość i odprężenie. Z Femme (1920) powrócił natychmiast do rzeźby, przedstawiając wysoką metalową postać na malowanej płycie. Stał się tradycjonalistą.
W latach 1924-1928 opracował Archipenturę. Archipeintura z 1924 roku to płótna wprawiane w ruch przez sprytnie ukryte silniki: mechanizm elektryczny u podstawy urządzenia wprawia w ruch centralną ramę, a tysiące namalowanych fragmentów kolejno pojawiają się na powierzchni, tworząc kompletny obraz. Wynalazek ten został wdrożony w Nowym Jorku. Jego badania zawsze polegały na wizualnym ożywieniu dzieł, czy to przez przebicie ich w masie, tak aby przenikała przez nie przestrzeń, czy też przez zastosowanie takich materiałów, jak szkło, drewno lub metal, a nawet w przypadku rzeźb – przez dodanie koloru.
En Famille (1935) jest dziełem skoncentrowanym, w którym widoczne są wpływy konstruktywizmu.
W dwóch wymiarach można też znaleźć wyjątkowe prace, takie jak ta postać kobieca w gwaszu, której naprzemienne masy brązu i bieli tworzą relief ciała (Moonlight in 1937).
W latach 40. i 50. kontynuował swoje artystyczne poszukiwania z wykorzystaniem materiałów i technik. Na przykład do wykonania asyżu figuralnego użył pociętego i oświetlonego plastiku. Swoje pierwotne formy, z których większość już zanikła, przybierał gigantyczne formaty (Figures d”acier w 1951 roku, Cléopâtre w 1957 roku). W latach 50. zdał sobie sprawę, że przez pewien czas popełniał błąd w orientacji i zajął się pastiszowaniem swoich początków lub ich rekonstrukcją, ponieważ wiele z jego dzieł nie przetrwało I wojny światowej.
Od końca lat 50. powrócił do swojego kubistyczno-konstruktywistycznego stylu, z silnie zgeometryzowanymi figurami, zachowującymi znaczne puste przestrzenie i najczęściej symetrycznymi (Kimono z 1961 r. czy Roi Salomon z 1963 r.).
Przeczytaj także: historia-pl – Operacja Alberyk
Łącza zewnętrzne
Źródła
