James McNeill Whistler

gigatos | 15 stycznia, 2022

Post Views: 71

Streszczenie

Przeczytaj także: biografie-pl – Che Guevara

Nowa Anglia

James Abbott Whistler urodził się w Lowell w stanie Massachusetts 11 lipca 1834 roku, jako pierwsze dziecko Anny McNeill Whistler i George”a Washingtona Whistlera oraz brat konfederackiego chirurga dr Williama McNeill Whistlera. Jego ojciec był inżynierem kolejowym, a Anna była jego drugą żoną. James mieszkał przez pierwsze trzy lata swojego życia w skromnym domu przy 243 Worthen Street w Lowell. Dom ten jest obecnie muzeum sztuki Whistler House Museum of Art, poświęconym jego osobie. Podczas procesu Ruskina podał Petersburg w Rosji jako miejsce swoich narodzin: „Urodzę się, kiedy i gdzie zechcę, i nie wybieram urodzenia w Lowell”.

Rodzina przeniosła się z Lowell do Stonington w Connecticut w 1837 roku, gdzie jego ojciec pracował dla Stonington Railroad. W tym okresie troje dzieci pary zmarło w niemowlęctwie. Ich losy znacznie się poprawiły w 1839 roku, kiedy jego ojciec został głównym inżynierem Boston & Albany Railroad, a rodzina wybudowała rezydencję w Springfield, Massachusetts, gdzie obecnie znajduje się Muzeum Historii Drewna. Mieszkali w Springfield aż do opuszczenia Stanów Zjednoczonych pod koniec 1842 roku. Mikołaj I z Rosji dowiedział się o pomysłowości George”a Whistlera w inżynierii Boston & Albany Railroad i zaoferował mu stanowisko w 1842 roku przy budowie linii kolejowej z Sankt Petersburga do Moskwy, a rodzina przeniosła się do Sankt Petersburga zimą 1842 roku.

Whistler był dzieckiem nastrojowym, skłonnym do wybuchów złości i zuchwałości, a po przebytej chorobie często popadał w okresy lenistwa. Jego rodzice odkryli, że rysowanie często uspokajało go i pomagało skupić uwagę. W późniejszych latach podkreślał związek swojej matki z amerykańskim Południem i jego korzeniami, a siebie przedstawiał jako zubożałego południowego arystokratę, choć nie wiadomo, w jakim stopniu naprawdę sympatyzował z południową sprawą podczas amerykańskiej wojny secesyjnej. Przyjął nazwisko panieńskie matki po jej śmierci, używając go jako dodatkowego drugiego imienia.

Przeczytaj także: biografie-pl – Charles Lindbergh

Rosja i Anglia

W 1842 roku jego ojciec został zatrudniony przy budowie kolei w Rosji. Po przeprowadzce do Petersburga i dołączeniu do ojca rok później, młody Whistler pobierał prywatne lekcje sztuki, a następnie zapisał się do Cesarskiej Akademii Sztuk Pięknych w wieku jedenastu lat. Młody artysta realizował tradycyjny program nauczania polegający na rysowaniu z gipsowych odlewów i sporadycznie z żywych modeli, rozkoszował się atmosferą rozmów o sztuce ze starszymi rówieśnikami i zadowolił rodziców oceną celującą z anatomii. W 1844 roku poznał znanego artystę Sir Williama Allana, który przyjechał do Rosji z zamówieniem na namalowanie historii życia Piotra Wielkiego. Matka Whistlera zanotowała w swoim dzienniku, że „wielki artysta zauważył do mnie: ”Twój mały chłopiec ma niezwykły geniusz, ale nie zmuszaj go do przekraczania jego skłonności”.

W latach 1847-1848 jego rodzina spędziła trochę czasu w Londynie u krewnych, podczas gdy ojciec pozostał w Rosji. Szwagier Whistlera, Francis Haden, lekarz, który był również artystą, pobudził jego zainteresowanie sztuką i fotografią. Haden zabierał Whistlera na wizyty u kolekcjonerów i na wykłady, a także dał mu zestaw do akwareli z instrukcją. Whistler już wtedy wyobrażał sobie karierę artystyczną. Zaczął zbierać książki o sztuce i studiował techniki innych artystów. Kiedy w 1848 roku jego portret został namalowany przez Sir Williama Boxalla, młody Whistler wykrzyknął, że portret jest „bardzo podobny do mnie i jest bardzo dobrym obrazem. Pan Boxall jest pięknym kolorystą… Ma piękną kremową powierzchnię i wygląda tak bogato”. W swoim rozkwitającym entuzjazmie dla sztuki, w wieku piętnastu lat, poinformował ojca listownie o swoim przyszłym kierunku: „Mam nadzieję, drogi ojcze, że nie sprzeciwisz się mojemu wyborowi.” Jego ojciec jednak zmarł na cholerę w wieku 49 lat, a rodzina Whistlera przeniosła się z powrotem do rodzinnego miasta matki – Pomfret, Connecticut. Jego plany artystyczne pozostały niejasne, a przyszłość niepewna. Rodzina żyła oszczędnie i radziła sobie z ograniczonymi dochodami. Jego kuzyn donosił, że Whistler w tym czasie był „niewielki, z zamyśloną, delikatną twarzą, ocienioną miękkimi brązowymi lokami… miał nieco obcy wygląd i sposób bycia, co, wspomagane przez naturalne zdolności, czyniło go bardzo czarującym, nawet w tym wieku.”

Przeczytaj także: biografie-pl – Joanna d’Arc

West Point

Whistler został wysłany do Christ Church Hall School z nadzieją matki, że zostanie pastorem. Whistler rzadko obywał się bez swojego szkicownika i był popularny wśród kolegów z klasy za swoje karykatury. Jednak stało się jasne, że kariera religijna mu nie odpowiada, więc złożył podanie do Akademii Wojskowej Stanów Zjednoczonych w West Point, gdzie jego ojciec uczył rysunku, a inni krewni uczęszczali. Został przyjęty do tej wysoce selektywnej instytucji w lipcu 1851 r. na podstawie nazwiska, pomimo swojej krótkowzroczności i złego stanu zdrowia. Jednak podczas trzech lat spędzonych w szkole jego stopnie były ledwie zadowalające, a on sam był smutnym widokiem podczas musztry i ubierania się, znany jako „Curly” z powodu długości włosów, która przekraczała regulamin. Whistler nie zgadzał się z autorytetem, rzucał sarkastyczne komentarze i zbierał punkty ujemne. Pułkownik Robert E Lee był przełożonym West Point i po znacznej pobłażliwości wobec Whistlera nie miał innego wyjścia, jak tylko zwolnić młodego kadeta. Głównym osiągnięciem Whistlera w West Point była nauka rysunku i tworzenia map u amerykańskiego artysty Roberta W. Weira.

Jego odejście z West Point wydaje się być spowodowane niepowodzeniem na egzaminie z chemii, gdzie poproszono go o opisanie krzemu i zaczął od stwierdzenia, że „Krzem jest gazem”. Jak sam to później ujął: „Gdyby krzem był gazem, pewnego dnia zostałbym generałem”. Odrębna anegdota sugeruje jednak, że przyczyną odejścia Whistlera było niewłaściwe zachowanie na zajęciach z rysunku.

Przeczytaj także: historia-pl – Operacja kwantuńska

Pierwsza praca

Po ukończeniu West Point, Whistler pracował jako kreślarz map całego wybrzeża USA dla celów wojskowych i morskich. Pracę tę uważał za nudną, często się spóźniał lub był nieobecny. Większość wolnego czasu spędzał grając w bilard i próżnując, był wiecznie spłukany i choć czarujący, nie miał zbyt wielu znajomości z kobietami. Po odkryciu, że na marginesach map rysował węża morskiego, syreny i wieloryby, został przeniesiony do działu akwaforty w U.S. Coast Survey. Wytrzymał tam tylko dwa miesiące, ale nauczył się techniki akwaforty, która później okazała się cenna w jego karierze.

W tym momencie Whistler zdecydowanie zdecydował, że sztuka będzie jego przyszłością. Przez kilka miesięcy mieszkał w Baltimore u bogatego przyjaciela, Toma Winansa, który wyposażył Whistlera w studio i trochę gotówki. Młody artysta nawiązał kilka cennych kontaktów w środowisku artystycznym, a także sprzedał Winansowi kilka wczesnych obrazów. Whistler odrzucił sugestie matki dotyczące innych, bardziej praktycznych karier i poinformował ją, że dzięki pieniądzom od Winansa wyrusza na dalsze kształcenie artystyczne do Paryża. Whistler nigdy nie powrócił do Stanów Zjednoczonych.

Przeczytaj także: biografie-pl – Lizzie Borden

Studia artystyczne we Francji

Whistler przybył do Paryża w 1855 roku, wynajął studio w Dzielnicy Łacińskiej i szybko przyjął życie artysty cyganerii. Wkrótce miał francuską dziewczynę, krawcową o imieniu Héloise. Przez krótki czas studiował tradycyjne metody artystyczne w Ecole Impériale oraz w pracowni Marca Charlesa Gabriela Gleyre”a. Ten ostatni był wielkim zwolennikiem malarstwa. Ten ostatni był wielkim zwolennikiem twórczości Ingresa i wpoił Whistlerowi dwie zasady, którymi kierował się do końca swojej kariery: że linia jest ważniejsza od koloru i że czerń jest podstawowym kolorem harmonii tonalnej. Dwadzieścia lat później impresjoniści w dużej mierze obalą tę filozofię, zakazując stosowania czerni i brązu jako „zakazanych kolorów” i przedkładając kolor nad formę. Whistler wolał samokształcenie i życie kawiarniane. W listach z domu donosił o staraniach matki, by oszczędzać, Whistler jednak wydawał bez umiaru, w pierwszym roku pobytu w Paryżu sprzedał niewiele lub nic i popadł w długi. Aby złagodzić sytuację, zajął się malowaniem i sprzedawaniem kopii z dzieł w Luwrze i w końcu przeniósł się do tańszej kwatery. Na szczęście, przybycie do Paryża George”a Lucasa, kolejnego bogatego przyjaciela, pomogło na jakiś czas ustabilizować finanse Whistlera. Pomimo finansowego wytchnienia, zima 1857 roku była dla Whistlera trudna. Jego słabe zdrowie, pogorszone przez nadmierne palenie i picie, położyło go na dno.

Warunki poprawiły się latem 1858 roku. Whistler odzyskał zdrowie i podróżował z kolegą artystą Ernestem Delannoy przez Francję i Nadrenię. Z pomocą francuskiego mistrza drukarskiego Auguste”a Delâtre”a stworzył później grupę akwafort znaną jako „Zestaw francuski”. W tym samym roku namalował swój pierwszy autoportret, Portret Whistlera z kapeluszem, ciemne i gęsto oddane dzieło przypominające Rembrandta. Jednak najważniejszym wydarzeniem tego roku była przyjaźń z Henri Fantin-Latour, którego poznał w Luwrze. Przez niego Whistler został wprowadzony do kręgu Gustave”a Courbeta, do którego należeli Carolus-Duran (późniejszy nauczyciel Johna Singera Sargenta), Alphonse Legros i Édouard Manet.

Do tej grupy należał również Charles Baudelaire, którego idee i teorie „nowoczesnej” sztuki wywarły wpływ na Whistlera. Baudelaire wezwał artystów do przyjrzenia się brutalności życia i natury oraz do wiernego jej portretowania, unikając starych tematów mitologii i alegorii. Théophile Gautier, jeden z pierwszych, który badał przekładalność sztuki i muzyki, mógł zainspirować Whistlera do postrzegania sztuki w kategoriach muzycznych.

Przeczytaj także: biografie-pl – Cary Grant

Londyn

Odzwierciedlając sztandar realizmu przyjętego przez siebie kręgu, Whistler namalował swoje pierwsze wystawione dzieło, La Mere Gerard w 1858 roku. Następnie w 1859 roku w Londynie, który stał się jego domem, namalował At the Piano, odwiedzając jednocześnie regularnie przyjaciół we Francji. At the Piano” to portret siostrzenicy i jej matki w ich londyńskim pokoju muzycznym, praca, która wyraźnie ukazała jego talent i obietnicę. Krytyk napisał: „lekkomyślnie śmiały sposób i szkicowość najdzikszego i najbardziej szorstkiego rodzaju, prawdziwe poczucie koloru i wspaniała moc kompozycji i projektowania, które świadczą o sprawiedliwym uznaniu natury bardzo rzadkiej wśród artystów.” Dzieło jest pozbawione sentymentalizmu i skutecznie kontrastuje matkę w czerni i córkę w bieli, z innymi kolorami utrzymanymi w powściągliwości w sposób zalecany przez jego nauczyciela Gleyre”a. Obraz był wystawiany w Akademii Królewskiej w następnym roku, a także na wielu kolejnych wystawach.

W drugim obrazie, namalowanym w tym samym pomieszczeniu, Whistler zademonstrował swoją naturalną skłonność do innowacji i nowości, tworząc scenę rodzajową o niezwykłej kompozycji i perspektywicznym ujęciu. Został on później opatrzony tytułem Harmonia w zieleni i różach: The Music Room. Obraz ten ukazał również stały schemat pracy Whistlera, szczególnie w przypadku portretów: szybki początek, duże poprawki, okres zaniedbania, a następnie ostatni zryw w celu ukończenia dzieła.

Po rocznym pobycie w Londynie, jako kontrapunkt do francuskiego zestawu z 1858 roku, w 1860 roku stworzył kolejny zestaw akwafort nazwany Thames Set, a także kilka wczesnych prac impresjonistycznych, w tym Tamizę w lodzie. Na tym etapie zaczynał ugruntowywać swoją technikę harmonii tonalnej opartej na ograniczonej, z góry określonej palecie.

W 1861 roku, po powrocie na pewien czas do Paryża, Whistler namalował swoje pierwsze słynne dzieło Symfonia w bieli, nr 1: Biała dziewczyna. Portret jego kochanki i business managera Joanny Hiffernan powstał jako proste studium w bieli, jednak inni widzieli go inaczej. Krytyk Jules-Antoine Castagnary uznał obraz za alegorię utraconej niewinności panny młodej. Inni łączyli go z popularną w tamtych czasach powieścią Wilkiego Collinsa Kobieta w bieli lub innymi źródłami literackimi. W Anglii niektórzy uznali go za obraz w stylu prerafaelitów. Na obrazie Hiffernan trzyma w lewej ręce lilię i stoi na dywaniku ze skóry niedźwiedzia (interpretowanej przez niektórych jako symbol męskości i pożądania), którego głowa groźnie spogląda na widza. Portret nie został dopuszczony do wystawy w konserwatywnej Royal Academy, ale pokazano go w prywatnej galerii pod tytułem Kobieta w bieli. W 1863 roku został pokazany na Salon des Refusés w Paryżu, imprezie sponsorowanej przez cesarza Napoleona III, na której wystawiano dzieła odrzucone z Salonu.

Obraz Whistlera został szeroko zauważony, choć zepchnięty na dalszy plan przez bardziej szokujący obraz Maneta Le déjeuner sur l”herbe. Przeciwstawiając się krytyce ze strony tradycjonalistów, zwolennicy Whistlera upierali się, że obraz był „objawieniem o duchowej treści” i że uosabiał jego teorię, że sztuka powinna zajmować się zasadniczo układaniem kolorów w harmonii, a nie dosłownym przedstawianiem świata natury.

Dwa lata później Whistler namalował kolejny portret Hiffernan w bieli, tym razem ukazujący jego nowo odkryte zainteresowanie motywami azjatyckimi, który zatytułował Mała biała dziewczynka. W 1864 roku ukończył portrety Lady of the Land Lijsen i The Golden Screen, które ponownie przedstawiają jego kochankę w jeszcze bardziej zdecydowanych azjatyckich strojach i otoczeniu. W tym okresie Whistler zbliżył się do Gustave”a Courbeta, wczesnego lidera francuskiej szkoły realistycznej, ale kiedy Hiffernan modelował nago dla Courbeta, Whistler wpadł w gniew i jego związek z Hiffernanem zaczął się rozpadać. W styczniu 1864 roku, bardzo religijna i bardzo poprawna matka Whistlera przybyła do Londynu, zakłócając egzystencję cyganerii syna i tymczasowo zaostrzając napięcia rodzinne. Jak pisał do Henri Fantin-Latour, „Ogólny wstrząs!!! Musiałem opróżnić mój dom i oczyścić go od piwnicy po okap”. Natychmiast też przeniósł Hiffernana w inne miejsce.

Przeczytaj także: biografie-pl – Alan Rickman

Nokturny

W 1866 roku Whistler zdecydował się odwiedzić Valparaíso w Chile, podróż, która jest zagadką dla naukowców, chociaż Whistler stwierdził, że zrobił to z powodów politycznych. Chile było w stanie wojny z Hiszpanią i być może Whistler uważał to za heroiczną walkę małego narodu z większym, ale żadne dowody nie potwierdzają tej teorii. Podróż zaowocowała pierwszymi trzema nocnymi obrazami Whistlera, które nazwał „moonlights”, a później zmienił tytuł na „nocturnes” – nocne sceny portu malowane niebieską lub jasnozieloną paletą. Po powrocie do Londynu w ciągu następnych dziesięciu lat namalował jeszcze kilka nokturnów, wiele z nich przedstawiających Tamizę i Cremorne Gardens, park rozrywki słynący z częstych pokazów sztucznych ogni, co stanowiło dla niego nowe wyzwanie malarskie. W swoich morskich nokturnach Whistler użył mocno rozcieńczonej farby jako podkładu, a następnie lekko rozmył kolor, aby zasugerować statki, światła i linię brzegową. Niektóre z obrazów z Tamizy wykazują również kompozycyjne i tematyczne podobieństwa z japońskimi grafikami Hiroshige.

W 1872 roku Whistler przypisał swojemu mecenasowi Frederickowi Leylandowi, muzykowi-amatorowi oddanemu Chopinowi, autorstwo inspirowanych muzyką tytułów.

Nie mogę Ci zbytnio podziękować za nazwę ”Nocturne” jako tytuł dla moich księżycowych utworów! Nie ma Pan pojęcia, jaką irytacją jest to dla krytyków, a w konsekwencji przyjemnością dla mnie – poza tym jest naprawdę tak czarujący i tak poetycko mówi wszystko, co chcę powiedzieć, a nie więcej, niż bym chciał!

W tym czasie Whistler namalował kolejny autoportret i zatytułował go Aranżacja w szarościach: portret malarza (ok. 1872), a także zaczął tytułować wiele swoich wcześniejszych dzieł używając określeń związanych z muzyką, takich jak „nokturn”, „symfonia”, „harmonia”, „studium” czy „aranżacja”, aby podkreślić walory tonalne i kompozycyjne, a pominąć treść narracyjną. Nokturny Whistlera należały do jego najbardziej nowatorskich dzieł. Ponadto, złożenie kilku nokturnów u handlarza dziełami sztuki Paula Durand-Ruela po wojnie francusko-pruskiej dało Whistlerowi możliwość wyjaśnienia jego rozwijającej się „teorii w sztuce” artystom, kupcom i krytykom we Francji. Jego dobry przyjaciel Fantin-Latour, coraz bardziej reakcyjny w swoich opiniach, zwłaszcza w negatywnym nastawieniu do rodzącej się szkoły impresjonistycznej, uznał nowe prace Whistlera za zaskakujące i dezorientujące. Fantin-Latour przyznawał: „Ja tam nic nie rozumiem; to dziwaczne, jak człowiek się zmienia. Już go nie poznaję”. Ich związek był już wtedy prawie u kresu, ale nadal wymieniali się opiniami w sporadycznej korespondencji. Kiedy Edgar Degas zaprosił Whistlera na pierwszą wystawę impresjonistów w 1874 roku, Whistler odrzucił zaproszenie, podobnie jak Manet, a niektórzy badacze przypisują to po części wpływowi Fantin-Latoura na obu mężczyzn.

Przeczytaj także: biografie-pl – Brassaï

Portrety

Wojna francusko-pruska w 1870 roku podzieliła francuską społeczność artystyczną. Wielu artystów schroniło się w Anglii, dołączając do Whistlera, w tym Camille Pissarro i Monet, podczas gdy Manet i Degas pozostali we Francji. Podobnie jak Whistler, Monet i Pissarro skupili swoje wysiłki na widokach miasta i jest prawdopodobne, że Whistler był narażony na ewolucję impresjonizmu założonego przez tych artystów i że widzieli oni jego nokturny. Whistler oddalał się od „przeklętego realizmu” Courbeta, a ich przyjaźń wygasła, podobnie jak jego związek z Joanną Hiffernan.

W 1871 roku Whistler powrócił do portretów i wkrótce stworzył swój najsłynniejszy obraz, niemal monochromatyczną, pełnometrażową postać zatytułowaną Aranżacja w szarościach i czerni nr 1, ale zwykle określaną jako Matka Whistlera. Pewnego dnia, jak wynika z listu od matki, model nie pojawił się, więc Whistler zwrócił się do matki i zaproponował, że wykona jej portret. Najpierw kazał jej stać, w typowy dla siebie powolny i eksperymentalny sposób, ale okazało się to zbyt męczące, więc przyjęto pozę siedzącą. Praca trwała kilkadziesiąt posiedzeń.

Surowy portret w jego zwykle ograniczonej palecie jest kolejnym ćwiczeniem Whistlera w zakresie harmonii tonalnej i kompozycji. Zwodniczo prosta konstrukcja jest w rzeczywistości aktem równoważenia różnych kształtów, zwłaszcza prostokątów zasłony, obrazu na ścianie i podłogi, które stabilizują krzywizny twarzy, sukni i krzesła. Whistler skomentował, że narracja obrazu jest mało istotna, ale obraz ten był również hołdem dla jego pobożnej matki. Po początkowym szoku związanym z jej wprowadzeniem się do syna, znacznie mu pomogła, stabilizując nieco jego zachowanie, troszcząc się o jego domowe potrzeby i zapewniając aurę konserwatywnego szacunku, która pomogła pozyskać mecenasów.

Publiczność zareagowała na obraz negatywnie, głównie z powodu jego antywiktoriańskiej prostoty w czasach, gdy w Anglii modny był sentymentalizm i krzykliwe dekoracje. Krytycy uznali obraz za nieudany „eksperyment”, a nie sztukę. Akademia Królewska odrzuciła go, ale potem niechętnie przyjęła po lobbingu Sir Williama Boxalla – jednak na swojej wystawie zawiesiła go w niekorzystnym miejscu.

Matka Whistlera od początku wzbudzała różne reakcje, w tym parodię, kpinę i szacunek, które trwają do dziś. Jedni widzieli w niej „dostojne uczucie starej damy”, „poważny wyraz żałoby” lub „doskonały symbol macierzyństwa”, inni zaś używali jej jako odpowiedniego narzędzia do szyderstwa. Została satyrycznie przedstawiona w nieskończonych wariacjach na kartkach okolicznościowych i w czasopismach, a także przez postaci z kreskówek, takie jak Kaczor Donald i Łoś Bullwinkle. Whistler miał swój udział w promowaniu i popularyzacji obrazu. Często go wystawiał i autoryzował wczesne reprodukcje, które trafiły do tysięcy domów. Obraz ledwie uniknął spalenia w pożarze na pokładzie pociągu podczas transportu. Ostatecznie został zakupiony przez rząd francuski, jako pierwsze dzieło Whistlera w kolekcji publicznej, i obecnie znajduje się w Musée d”Orsay w Paryżu.

W czasach kryzysu obraz był reklamowany jako „obraz za milion dolarów” i był wielkim hitem na Światowych Targach w Chicago. Został przyjęty jako uniwersalna ikona macierzyństwa przez światową publiczność, która nie była szczególnie świadoma lub zainteresowana estetycznymi teoriami Whistlera. W uznaniu jego statusu i popularności, Stany Zjednoczone wydały w 1934 roku znaczek pocztowy z adaptacją obrazu. W 2015 roku krytyk New Yorkera Peter Schjeldahl napisał, że „pozostaje najważniejszym amerykańskim dziełem rezydującym poza Stanami Zjednoczonymi.” Martha Tedeschi pisze:

Matka Whistlera, Amerykański gotyk Wooda, Mona Lisa Leonarda da Vinci i Krzyk Edvarda Muncha osiągnęły coś, czego większość obrazów – niezależnie od ich historycznego znaczenia, piękna czy wartości pieniężnej – nie osiągnęła: niemal każdemu widzowi niemal natychmiast przekazują konkretne znaczenie. Tym nielicznym dziełom udało się przejść z elitarnej sfery zwiedzającego muzeum do ogromnego obszaru kultury popularnej.

Przeczytaj także: wazne_wydarzenia – Rewolucja kubańska

Inne portrety

Do innych ważnych portretów Whistlera należą portrety Thomasa Carlyle”a (historyka, 1873), Maud Franklin (jego kochanki, 1876), Cicely Alexander (córki londyńskiego bankiera, 1873), Lady Meux (socjety, 1882) i Théodore”a Dureta (krytyka, 1884). W latach 70. XIX wieku Whistler namalował pełnometrażowe portrety F.R. Leylanda i jego żony Frances. Leyland następnie zlecił artyście udekorowanie swojej jadalni (patrz Peacock Room poniżej).

Whistler był rozczarowany nieregularnym przyjmowaniem jego prac na wystawy Akademii Królewskiej oraz złym wieszaniem i rozmieszczaniem jego obrazów. W odpowiedzi na to, Whistler wystawił swoją pierwszą indywidualną wystawę w 1874 roku. Pokaz był godny uwagi i zauważenia, jednak ze względu na projekt i dekorację sali Whistlera, która dobrze współgrała z obrazami, zgodnie z jego teoriami sztuki. Recenzent napisał: „Gość jest uderzony, po wejściu do galerii, z ciekawym poczuciem harmonii i kondycji przenikających go, i jest bardziej zainteresowany, być może, w ogólnym efekcie niż w jednym dziele.”

Whistler nie odniósł takiego sukcesu jako malarz portretowy, jak inny słynny amerykański emigrant John Singer Sargent. Może to wynikać z oszczędnej techniki Whistlera i jego niechęci do schlebiania swoim klientom, a także z jego sławy. Pracował też bardzo powoli i wymagał wyjątkowo długich posiedzeń. William Merritt Chase skarżył się, że zasiadał do portretu Whistlera: „Okazał się prawdziwym tyranem, malując codziennie aż do zmierzchu, podczas gdy moje kończyny bolały ze zmęczenia, a w głowie kręciło mi się od zawrotów głowy. ”Nie ruszaj się! Nie ruszaj się!” – krzyczał, gdy tylko zaczynałem odpoczywać. Zanim Whistler zyskał powszechną akceptację w latach 90-tych XIX wieku, był już po okresie świetności jako malarz portretowy.

O podejściu Whistlera do portretu w okresie późnej dojrzałości pisał jeden z jego klientów, Arthur J. Eddy, który pozował artyście w 1894 roku:

Pracował szybko i długo, ale kolory stosował rzadkie i pokrywał płótno niezliczoną ilością warstw farby. W miarę postępu pracy kolory nabierały coraz większej głębi i intensywności. Na początku cała postać malowana była w tonacji szarobrązowej, z niewielką ilością koloru cielistego, a całość doskonale komponowała się z szarobrązowym kolorem przygotowanego płótna; następnie całe tło było nieco wzmacniane, potem postać nieco mocniej, potem tło, i tak z dnia na dzień, z tygodnia na tydzień, a często z miesiąca na miesiąc…. I tak portret naprawdę rósł, naprawdę rozwijał się jako całość, bardzo podobnie jak negatyw pod działaniem chemikaliów ujawnia się stopniowo – światło, cienie, wszystko od pierwszych słabych oznak do ich pełnej wartości. Było to tak, jakby portret był ukryty w płótnie, a mistrz, przesuwając różdżkami dzień po dniu po jego powierzchni, wywoływał obraz.

Przeczytaj także: biografie-pl – James Clerk Maxwell

Drukarnia

Whistler tworzył liczne akwaforty, litografie i suche punkty. Jego litografie, niektóre rysowane na kamieniu, inne bezpośrednio na papierze „litograficznym”, są może o połowę mniej liczne niż akwaforty. Niektóre z litografii przedstawiają lekko udrapowane postacie; dwie lub trzy z najładniejszych są o tematyce związanej z Tamizą – w tym „nokturn” w Limehouse; inne przedstawiają Faubourg Saint-Germain w Paryżu oraz gruzińskie kościoły w Soho i Bloomsbury w Londynie.

Wśród akwafort znajdują się portrety rodziny, kochanek, a także intymne sceny uliczne w Londynie i Wenecji. Whistler zyskał ogromną reputację jako akwaforcista. Martin Hardie napisał „są tacy, którzy stawiają go obok Rembrandta, być może powyżej Rembrandta, jako największego mistrza wszech czasów. Osobiście wolę uważać ich za Jowisza i Wenus, największych i najjaśniejszych wśród planet na niebie akwaforty.” Bardzo dbał o druk swoich akwafort i dobór papieru. Na początku i na końcu kariery kładł duży nacisk na czystość linii, choć w okresie średnim eksperymentował bardziej z tuszem i wykorzystaniem tonu powierzchniowego.

Przeczytaj także: biografie-pl – Cezar Borgia

Podpis motyla i ustawienia malowania

Słynny podpis Whistlera w kształcie motyla powstał w latach 60. XIX wieku w wyniku jego zainteresowania sztuką azjatycką. Studiował znaki garncarskie na porcelanie, którą zaczął kolekcjonować i postanowił zaprojektować monogram złożony ze swoich inicjałów. Z czasem ewoluował on w kształt abstrakcyjnego motyla. Około 1880 roku do wizerunku motyla dodał żądło, aby stworzyć znak reprezentujący zarówno jego delikatną, wrażliwą naturę, jak i prowokacyjnego, zadziornego ducha. Bardzo starannie dbał o odpowiednie umieszczenie obrazu zarówno na swoich obrazach, jak i w robionych na zamówienie ramach. Jego uwaga poświęcona znaczeniu równowagi i harmonii wykraczała poza ramy, obejmując rozmieszczenie obrazów w ich otoczeniu, a nawet projektując cały element architektoniczny, jak w przypadku pokoju z pawiem.

Przeczytaj także: biografie-pl – Georges Braque

The Peacock Room

Harmonia w błękicie i złocie: The Peacock Room to arcydzieło Whistlera w dziedzinie dekoracyjnej sztuki ściennej. Malował nad oryginalnym pokoju z paneli, zaprojektowany przez Thomasa Jeckyll (1827-1881), w jednolitej palecie błękitno-zielony z over-glazury i metaliczne złote liście. Namalowany w latach 1876-1877, jest obecnie uważany za doskonały przykład stylu anglo-japońskiego. Frederick Leyland pozostawił pokój pod opieką Whistlera, aby ten dokonał drobnych zmian, „zharmonizował” pomieszczenie, którego głównym przeznaczeniem była ekspozycja kolekcji porcelany Leylanda. Whistler puścił jednak wodze fantazji: „No wiesz, po prostu malowałem dalej. Poszedłem dalej – bez projektu czy szkicu – wprowadzając każdy akcent z taką swobodą… A harmonia w błękicie i złocie rozwijała się, wiesz, zapomniałem o wszystkim w mojej radości z tego.” Całkowicie pomalował XVI-wieczne skórzane obicia ścian z Cordoby, przywiezione do Wielkiej Brytanii przez Katarzynę Aragońską, za które Leyland zapłacił 1000 funtów.

Po nabyciu centralnego elementu pokoju, obrazu Whistlera „Księżniczka z krainy porcelany”, amerykański przemysłowiec i esteta Charles Lang Freer zakupił cały pokój w 1904 roku od spadkobierców Leylanda, w tym córki Leylanda i jej męża, brytyjskiego artysty Vala Prinsepa. Następnie Freer zainstalował zawartość Pawiej Sali w swojej rezydencji w Detroit. Po śmierci Freera w 1919 roku, The Peacock Room został na stałe zainstalowany w Galerii Sztuki Freera w Smithsonian w Waszyngtonie. Galeria została otwarta dla publiczności w 1923 roku. Duża karykatura Leylanda autorstwa Whistlera, przedstawiająca go jako antropomorficznego pawia grającego na fortepianie, zatytułowana The Gold Scab: Eruption in Frilthy Lucre – kalambur nawiązujący do zamiłowania Leylanda do falbaniastych przodów koszul – znajduje się obecnie w kolekcji Fine Arts Museums of San Francisco.

Przeczytaj także: biografie-pl – Homer

Proces Ruskin

W 1877 roku Whistler pozwał krytyka Johna Ruskina o zniesławienie po tym, jak krytyk potępił jego obraz Nokturn w czerni i złocie: The Falling Rocket. Whistler wystawił ten obraz w Grosvenor Gallery, alternatywnej dla Royal Academy wystawie, obok dzieł Edwarda Burne-Jonesa i innych artystów. Ruskin, który był mistrzem prerafaelitów i J. M. W. Turnera, zrecenzował pracę Whistlera w swojej publikacji Fors Clavigera 2 lipca 1877 roku. Ruskin chwalił Burne-Jonesa, a atakował Whistlera:

Dla dobra samego pana Whistlera, nie mniej niż dla ochrony nabywcy, sir Coutts Lindsay nie powinien był wpuszczać do galerii dzieł, w których źle wychowana zarozumiałość artysty tak bardzo zbliżała się do aspektu rozmyślnego oszustwa. Widziałem i słyszałem już wiele zuchwałości Cockneyów, ale nigdy nie spodziewałem się usłyszeć, że taki coxcomb zażąda dwustu gwinei za rzucenie garnkiem farby w twarz publiczności.

Whistler liczył na to, że wielu artystów stanie po jego stronie jako świadkowie, ale ci odmówili, obawiając się uszczerbku na swojej reputacji. Inni świadkowie byli nieprzekonywujący, a reakcja jury na dzieło była szydercza. Wobec bardziej imponujących świadków Ruskina, w tym Edwarda Burne-Jonesa, oraz nieobecności Ruskina z powodów zdrowotnych, kontratak Whistlera był nieskuteczny. Mimo to, ława przysięgłych wydała werdykt na korzyść Whistlera, ale przyznała mu jedynie symboliczne odszkodowanie, a koszty sądowe zostały podzielone. Koszty procesu, wraz z ogromnymi długami z tytułu budowy rezydencji („The White House” przy Tite Street, Chelsea, projekt E. W. Godwina, 1877-8), doprowadziły go do bankructwa w maju 1879 roku, co spowodowało licytację jego prac, kolekcji i domu. Stansky zauważa ironię, że Fine Art Society of London, które zorganizowało zbiórkę na pokrycie kosztów prawnych Ruskina, wsparło go w akwafortach „The Stones of Venice” (i wystawie tej serii w 1883 roku), co pomogło Whistlerowi odzyskać koszty.

Po procesie Whistler otrzymał zlecenie na wykonanie dwunastu akwafort w Wenecji. Chętnie przyjął zlecenie i przybył do miasta z dziewczyną Maud, zajmując pokoje w zniszczonym palazzo, które dzielili z innymi artystami, w tym z Johnem Singerem Sargentem. Choć tęsknił za Londynem, zaadaptował się w Wenecji i zaczął odkrywać jej charakter. Robił wszystko, by odwrócić uwagę od ponurych spraw finansowych i zbliżającej się sprzedaży wszystkich swoich dóbr w Sotheby”s. Był stałym gościem na przyjęciach w amerykańskim konsulacie i ze swoim zwykłym dowcipem czarował gości słownymi frazesami w rodzaju: „jedyną pozytywną cnotą artysty jest bezczynność – a tak niewielu jest takich, którzy są do niej uzdolnieni.”

Jego nowi przyjaciele donieśli, że Whistler wstał wcześnie i włożył cały dzień wysiłku. Napisał do przyjaciela: „Nauczyłem się poznawać Wenecję w Wenecji, której inni nigdy nie zdają się dostrzegać, i która, jeśli przywiozę ją ze sobą, tak jak proponuję, z nawiązką zrekompensuje wszystkie przykrości i opóźnienia, a także udręki ducha”. Trzymiesięczne zlecenie rozciągnęło się do czternastu miesięcy. W tym wyjątkowo produktywnym okresie Whistler ukończył ponad pięćdziesiąt akwafort, kilka nokturnów, kilka akwarel i ponad 100 pasteli – ilustrujących zarówno nastroje panujące w Wenecji, jak i jej wspaniałe detale architektoniczne. Ponadto Whistler wywarł wpływ na amerykańską społeczność artystyczną w Wenecji, zwłaszcza na Franka Duvenecka (i „chłopców” Duvenecka) oraz Roberta Bluma, którzy naśladowali wizję miasta Whistlera, a później rozpowszechniali jego metody i wpływy w Ameryce.

Po powrocie do Londynu, pastele sprzedawały się szczególnie dobrze, a on zażartował: „Nie są tak dobre, jak przypuszczałem. One się sprzedają!”. Był aktywnie zaangażowany w wystawianie swoich innych prac, ale z ograniczonym sukcesem. Choć wciąż borykał się z problemami finansowymi, czuł się pokrzepiony uwagą i podziwem, jakie otrzymywał od młodszego pokolenia angielskich i amerykańskich malarzy, którzy czynili go swoim idolem i chętnie przyjmowali tytuł „ucznia Whistlera”. Wielu z nich powróciło do Ameryki i rozpowszechniało opowieści o prowokacyjnym egoizmie Whistlera, jego ostrym dowcipie i estetycznych wypowiedziach – tworząc legendę Whistlera, ku jego wielkiej satysfakcji.

Whistler opublikował swoją pierwszą książkę, Ten O”clock Lecture w 1885 roku, która była głównym wyrazem jego wiary w „sztukę dla sztuki”. W tym czasie panowało przeciwstawne, wiktoriańskie pojęcie, że sztuka, a w istocie wiele ludzkich działań, pełniło funkcję moralną lub społeczną. Dla Whistlera jednak sztuka była swoim własnym celem, a artysta był odpowiedzialny nie przed społeczeństwem, ale przed samym sobą, aby interpretować poprzez sztukę i nie powielać ani nie moralizować tego, co widzi. Co więcej, twierdził, że „Natura bardzo rzadko ma rację” i musi być poprawiona przez artystę, z jego własną wizją.

Choć różnił się z Whistlerem w kilku kwestiach, w tym w jego twierdzeniu, że poezja jest wyższą formą sztuki niż malarstwo, Oscar Wilde był hojny w swoich pochwałach i okrzyknął wykład arcydziełem:

nie tylko dla jego sprytnej satyry i zabawnych żartów … ale dla czystego i doskonałego piękna wielu jego fragmentów … dla tego jest on rzeczywiście jednym z największych mistrzów malarstwa, moim zdaniem. I mogę dodać, że w tej opinii sam pan Whistler całkowicie się zgadza.

W styczniu 1881 roku Anna Whistler zmarła. Na cześć matki przyjął publicznie jej panieńskie nazwisko McNeill jako drugie imię.

Whistler wstąpił do Towarzystwa Artystów Brytyjskich w 1884 roku, a 1 czerwca 1886 roku został wybrany na jego prezesa. W następnym roku, podczas Złotego Jubileuszu Królowej Wiktorii, Whistler podarował Królowej, w imieniu Towarzystwa, wyszukany album zawierający obszerne pisemne przemówienie oraz wykonane przez siebie ilustracje. Królowa Wiktoria tak zachwyciła się „piękną i artystyczną iluminacją”, że zadekretowała odtąd, „że Towarzystwo powinno być nazywane Królewskim.” Osiągnięcie to zostało szeroko docenione przez członków, ale wkrótce zostało przyćmione przez spór, który nieuchronnie powstał z Royal Academy of Arts. Whistler zaproponował, by członkowie Royal Society wystąpili z Royal Academy. Zapoczątkowało to waśń w szeregach członkowskich, która przyćmiła wszystkie inne sprawy towarzystwa. W maju 1888 roku dziewięciu członków napisało do Whistlera, żądając jego rezygnacji. Na dorocznym zebraniu 4 czerwca został on odrzucony przy reelekcji stosunkiem głosów 18-19, przy dziewięciu głosach wstrzymujących się. Whistler i 25 zwolenników zrezygnowało, podczas gdy anty-whistlerowska większość (w jego opinii) odniosła sukces w oczyszczeniu go z zarzutów o jego „dziwactwa” i „nieangielskie” pochodzenie.

Gdy jego związek z Maud rozpadał się, Whistler nagle oświadczył się i poślubił Beatrice Godwin (zwaną również „Beatrix” lub „Trixie”), byłą uczennicę i wdowę po swoim architekcie Edwardzie Williamie Godwinie. Dzięki przyjaźni z Godwinem Whistler stał się bliski Beatrice, którą Whistler namalował na całopostaciowym portrecie zatytułowanym Harmonia w czerwieni: Lamplight (GLAHA 46315). Do lata 1888 roku Whistler i Beatrice pojawili się publicznie jako para. Podczas jednej z kolacji Louise Jopling i Henry Labouchère nalegali, by pobrali się przed końcem tygodnia.

Ceremonia zaślubin została zaaranżowana; Labouchère, jako członek parlamentu, załatwił, aby kapelan Izby Gmin udzielił ślubu parze. Ceremonii nie nadano rozgłosu, aby uniknąć sytuacji, w której wściekła Maud Franklin przerwałaby ceremonię zaślubin. Ślub odbył się 11 sierpnia 1888 roku, a w ceremonii wziął udział reporter „Pall Mall Gazette”, dzięki czemu wydarzenie nabrało rozgłosu. Para wkrótce potem wyjechała do Paryża, aby uniknąć ryzyka sceny z Maud.

Reputacja Whistlera w Londynie i Paryżu rosła, a on sam zyskiwał pozytywne recenzje krytyków i nowe zlecenia. Jego książka The Gentle Art of Making Enemies (Delikatna sztuka robienia wrogów) została opublikowana w 1890 roku z mieszanym sukcesem, ale zapewniła mu pomocny rozgłos.

W 1890 roku poznał Charlesa Lang Freera, który stał się cennym mecenasem w Ameryce, a w końcu jego najważniejszym kolekcjonerem. Mniej więcej w tym czasie, oprócz portretów, Whistler eksperymentował z wczesną fotografią kolorową i litografią, tworząc serię przedstawiającą londyńską architekturę i postać ludzką, głównie akty kobiece. Pierwsze trzy z litografii Songs of Stone opublikował w The Whirlwind, neojakobickim magazynie wydawanym przez jego przyjaciela Herberta Viviana. Whistler poznał Viviana pod koniec lat 80. XIX wieku, kiedy obaj byli członkami Orderu Białej Róży, pierwszego z neojakobickich stowarzyszeń. W 1891 roku, z pomocą swojego bliskiego przyjaciela Stéphane”a Mallarmégo, Matka Whistlera została zakupiona przez rząd francuski za 4000 franków. Była to kwota znacznie niższa od tej, którą mógłby zapłacić amerykański kolekcjoner, ale w ocenie Whistlera nie byłaby ona aż tak prestiżowa.

Po obojętnym przyjęciu jego indywidualnej wystawy w Londynie, na której znalazły się głównie jego nokturny, Whistler nagle zdecydował, że ma dość Londynu. Wraz z Trixie przeniósł się do Paryża w 1892 roku i zamieszkał przy Rue du Bac nr 110 w Paryżu, a jego studio znajdowało się na górze Rue Notre Dame des Champs 86 na Montparnasse. Czuł się mile widziany przez Moneta, Auguste”a Rodina, Henri de Toulouse-Lautreca, Stéphane”a Mallarmégo i urządził sobie duże studio. Był u szczytu kariery, gdy okazało się, że Trixie ma raka. Wrócili do Londynu w lutym 1896 roku, zajmując pokoje w hotelu Savoy na czas leczenia. Wykonywał rysunki na papierze litograficznym, przedstawiające widok na Tamizę z hotelowego okna lub balkonu, gdy siedział z nią.

W 1899 roku Charles Freer przedstawił Whistlera swojemu przyjacielowi i koledze biznesmenowi Richardowi Albertowi Canfieldowi, który stał się jego osobistym przyjacielem i mecenasem. Canfield był właścicielem kilku modnych domów gry w Nowym Jorku, Rhode Island, Saratoga Springs i Newport, a także człowiekiem kultury o wyrafinowanych gustach artystycznych. Posiadał wczesne meble amerykańskie i Chippendale, gobeliny, chińską porcelanę i brązy Barye, a przed śmiercią w 1914 roku był w posiadaniu drugiej co do wielkości i znaczenia kolekcji Whistlera na świecie. W maju 1901 roku Canfield zamówił u Whistlera portret; do Portrait of Richard A. Canfield (YMSM 547) zaczął pozować w marcu 1902 roku. Według Alexandra Gardinera, Canfield powrócił do Europy, by zasiąść do portretu Whistlera w Nowy Rok 1903, i zasiadał do niego codziennie do 16 maja 1903. W tym czasie Whistler był już chory i słaby, a dzieło to było jego ostatnim ukończonym portretem. Zwodniczy powiew szacunku, jaki portret nadał Canfieldowi, sprawił, że Whistler nazwał go „Jego czcią”. Obaj panowie korespondowali ze sobą od 1901 roku aż do śmierci Whistlera. Na kilka miesięcy przed własną śmiercią Canfield sprzedał swoją kolekcję akwafort, litografii, rysunków i obrazów Whistlera amerykańskiemu handlarzowi dzieł sztuki Rolandowi F. Knoedlerowi za 300 000 dolarów. Trzy z obrazów Whistlera Canfielda wiszą w Frick Museum w Nowym Jorku.

W ostatnich siedmiu latach życia Whistler wykonał kilka minimalistycznych pejzaży morskich w akwareli i ostatni autoportret w oleju. Korespondował z wieloma przyjaciółmi i kolegami. Whistler założył szkołę artystyczną w 1898 roku, ale jego zły stan zdrowia i rzadkie występy doprowadziły do jej zamknięcia w 1901 roku. Zmarł w Londynie 17 lipca 1903 roku, sześć dni po swoich 69. urodzinach. Pochowany został na Starym Cmentarzu w Chiswick w zachodnim Londynie, przylegającym do kościoła św.

Whistler miał charakterystyczny wygląd, niski i drobny, z przeszywającymi oczami i podkręconymi wąsami, często nosił monokl i krzykliwy strój dandysa. Zachowywał postawę pewności siebie i ekscentryczności. Często był arogancki i samolubny w stosunku do przyjaciół i mecenasów. Stały autopromotor i egoista, uwielbiał szokować przyjaciół i wrogów. Choć potrafił być dowcipny i frywolny w sprawach społecznych i politycznych, zawsze poważnie podchodził do sztuki i często zapraszał do publicznych kontrowersji i debat, aby argumentować za swoimi silnymi teoriami.

Whistler miał wysoki, przeciągły głos i wyjątkowy sposób mówienia, pełen wyliczonych pauz. Przyjaciel powiedział: „W jednej sekundzie odkrywasz, że on nie rozmawia – on szkicuje słowami, daje wrażenia w dźwięku i sensie, które mają być zinterpretowane przez słuchacza.”

Whistler był znany z kąśliwego dowcipu, szczególnie w rozmowach z przyjacielem i rywalem Oscarem Wilde”em. Obaj byli postaciami paryskiej Café society i często byli „talk of the town”. Często pojawiali się jako karykatury w Punchu, ku obopólnemu rozbawieniu. Przy pewnej okazji, młody Oscar Wilde uczestniczył w jednej z kolacji Whistlera i słysząc, jak jego gospodarz wygłasza jakąś błyskotliwą uwagę, rzekł: „Szkoda, że ja tego nie powiedziałem”, na co Whistler ripostował: „Zrobisz to, Oscar, zrobisz!”. W rzeczywistości Wilde powtórzył publicznie wiele dowcipów stworzonych przez Whistlera. Ich relacje popsuły się w połowie lat 80-tych, kiedy Whistler zwrócił się przeciwko Wilde”owi i ruchowi estetycznemu. Kiedy w 1895 roku Wilde został publicznie uznany za homoseksualistę, Whistler otwarcie go wyśmiał. Whistler rozkoszował się przygotowywaniem i prowadzeniem swoich spotkań towarzyskich. Jak zauważył jeden z gości:

Spotkało się tam wszystko, co najlepsze w społeczeństwie – ludzi z mózgami i tych, którzy mieli dość, by je docenić. Whistler był niepowtarzalnym gospodarzem. Uwielbiał być słońcem, wokół którego obracały się nasze mniejsze światła… Wszyscy znaleźli się pod jego wpływem, a w konsekwencji nikt się nie nudził, nikt nie był nudny.

W Paryżu Whistler przyjaźnił się z członkami symbolistycznego kręgu artystów, pisarzy i poetów, do których należał Stéphane Mallarmé. Schwob poznał Whistlera w połowie lat 90. przez Stéphane”a Mallarmégo, mieli też innych wspólnych przyjaciół, w tym Oscara Wilde”a (dopóki się nie pokłócili) i szwagra Whistlera, Charlesa Whibleya.

Oprócz Henri Fantin-Latoura, Alphonse Legrosa i Courbeta, Whistler przyjaźnił się z wieloma innymi francuskimi artystami. Ilustrował książkę Les Chauves-Souris z Antonio de La Gandara. Znał również impresjonistów, zwłaszcza Édouarda Maneta, Moneta i Edgara Degasa. Jako młody artysta utrzymywał bliską przyjaźń z Dante Gabrielem Rossettim, członkiem bractwa prerafaelitów. Jego bliska przyjaźń z Monetem i poetą Stéphane Mallarmé, który przetłumaczył Wykład na dziesiątą godzinę na język francuski, pomogła wzmocnić szacunek dla Whistlera przez francuską publiczność. Whistler przyjaźnił się z kolegami z pracowni Gleyre”a, w tym z Ignacym Schottem, którego syn Leon Dabo Whistler był później jego mentorem.

Kochanka Whistlera i modelka Białej dziewczyny, Joanna Hiffernan, pozowała również Gustave”owi Courbetowi. Historycy spekulują, że Courbet użył jej jako modelki do swojego erotycznego obrazu L”Origine du monde, co prawdopodobnie doprowadziło do rozpadu przyjaźni między Whistlerem a Courbetem. W latach 70. i w dużej części lat 80. XIX wieku mieszkał z modelką-mistrzynią Maud Franklin. Jej zdolność do znoszenia długich, powtarzających się sesji zdjęciowych pomogła Whistlerowi rozwinąć umiejętności portretowe. Whistler miał kilkoro nieślubnych dzieci, z których najlepiej udokumentowanym jest Charles Hanson. Po rozstaniu z kochanką Joanną Hiffernan, pomogła ona wychować syna Whistlera, Charlesa Jamesa Whistlera Hansona (1870-1935), który był owocem romansu z pokojówką w salonie, Louisą Fanny Hanson. Ze swoją kochanką Maud Franklin Whistler miał dwie córki: Ione (ur. ok. 1877 r.) i Maud McNeill Whistler Franklin (ur. 1879 r.). Czasami mówiła o sobie „pani Whistler”, a w spisie powszechnym z 1881 r. podała swoje nazwisko jako „Mary M. Whistler”.

W 1888 roku Whistler ożenił się z Beatrice Godwin, (którą Whistler nazywał „Beatrix” lub „Trixie”). Była ona wdową po architekcie E. W. Godwinie, który zaprojektował Biały Dom Whistlera. Beatrix była córką rzeźbiarza Johna Birnie Philipa i jego żony Frances Black. Beatrix i jej siostry Rosalind Birnie Philip i Ethel Whibley pozowały do wielu obrazów i rysunków Whistlera, a Ethel Whibley modelowała Matkę perłową i srebrną: The Andalusian (1888-1900). Pierwsze pięć lat ich małżeństwa było bardzo szczęśliwe, ale późniejsze życie było czasem nieszczęścia dla pary, ze względu na jej chorobę i ostateczną śmierć na raka. Pod koniec życia przez większość czasu leżała w śpiączce, całkowicie przytłumiona przez morfinę, podawaną w celu uśmierzenia bólu. Jej śmierć była dla Whistlera silnym ciosem, z którym nigdy do końca się nie uporał.

Whistler inspirował się wieloma źródłami i włączał je do swojej sztuki, w tym do prac Rembrandta, Velázqueza i starożytnej rzeźby greckiej, aby rozwinąć swój własny, bardzo wpływowy i indywidualny styl. Był biegły w wielu mediach, miał ponad 500 obrazów, a także akwaforty, pastele, akwarele, rysunki i litografie. Whistler był liderem Ruchu Estetycznego, promując, pisząc i wykładając filozofię „sztuki dla sztuki”. Wraz ze swoimi uczniami opowiadał się za prostym wzornictwem, oszczędnością środków, unikaniem zbyt żmudnej techniki i harmonią tonalną efektu końcowego. Whistler był tematem wielu znaczących wystaw muzealnych, studiów i publikacji. Podobnie jak impresjoniści, wykorzystywał naturę jako źródło artystyczne. Whistler podkreślał, że obowiązkiem artysty jest interpretacja tego, co widzi, a nie bycie niewolnikiem rzeczywistości i „wydobycie z chaosu chwalebnej harmonii”.

W ciągu swojego życia wywarł wpływ na dwa pokolenia artystów, w Europie i w Stanach Zjednoczonych. Whistler miał znaczący kontakt i wymieniał idee i pomysły z malarzami realistycznymi, impresjonistami i symbolistami. Do jego sławnych protegowanych należeli przez pewien czas Walter Sickert i pisarz Oscar Wilde. Jego tonalizm wywarł głęboki wpływ na wielu amerykańskich artystów, w tym Johna Singera Sargenta, Williama Merritta Chase”a, Henry”ego Salema Hubbella i Willisa Seavera Adamsa (z którym zaprzyjaźnił się w Wenecji). Inny znaczący wpływ wywarł Arthur Frank Mathews, którego Whistler poznał w Paryżu pod koniec lat 1890. Mathews zabrał tonalizm Whistlera do San Francisco, zapoczątkowując szerokie zastosowanie tej techniki wśród kalifornijskich artystów przełomu wieków. Jak pisał w 1907 roku amerykański krytyk Charles Caffin:

Nie tylko pozyskał kilku zwolenników i naśladowców, ale wpłynął na cały świat sztuki. Świadomie lub nieświadomie jego obecność odczuwana jest w niezliczonych pracowniach, jego geniusz przenika współczesną myśl artystyczną.

Podczas podróży do Wenecji w 1880 roku, Whistler stworzył serię akwafort i pasteli, które nie tylko ożywiły jego finanse, ale także na nowo ożywiły sposób, w jaki artyści i fotografowie interpretowali miasto – skupiając się na zaułkach, bocznych kanałach, drogach wejściowych i wzorach architektonicznych – i uchwyciły unikalną atmosferę miasta.

W 1940 roku Whistler został upamiętniony na znaczku pocztowym Stanów Zjednoczonych, kiedy Poczta USA wydała zestaw 35 znaczków upamiętniających słynnych amerykańskich autorów, poetów, pedagogów, naukowców, kompozytorów, artystów i wynalazców: „Famous Americans Series”.

Operetka Gilberta i Sullivana Patience naśmiewa się z ruchu estetyzującego, a główna postać Reginalda Bunthorne”a jest często identyfikowana jako przerysowanie Oscara Wilde”a, choć Bunthorne jest raczej amalgamatem kilku wybitnych artystów, pisarzy i postaci estetyzujących. Bunthorne nosi monokl i ma wyraźne białe pasemka w ciemnych włosach, podobnie jak Whistler.

Whistler był ulubionym artystą piosenkarki i aktorki Doris Day. Posiadała ona i wystawiała oryginalną akwafortę Whistlera Rotherhithe oraz dwie jego oryginalne litografie: The Steps, Luxembourg Gardens, Paris i The Pantheon, from the Terrace of the Luxembourg Gardens.

Dom, w którym urodził się Whistler jest obecnie zachowany jako Whistler House Museum of Art. Jest pochowany w kościele św. Mikołaja w Chiswick.

Whistler już za życia zdobył światowe uznanie:

Posąg Jamesa McNeilla Whistlera autorstwa Nicholasa Dimbleby”ego został wzniesiony w 2005 roku na północnym krańcu mostu Battersea Bridge na Tamizie w Wielkiej Brytanii.

27 października 2010 r. Swann Galleries ustanowiła rekordową cenę za odbitkę Whistlera na aukcji, kiedy to Nocturne, akwaforta i suchoryt wydrukowany w czerni na ciepłym, kremowym papierze Japan, 1879-80, został sprzedany za 282 000 dolarów.

Przeczytaj także: biografie-pl – Maria Teresa Habsburg

Źródła pierwotne

Źródła