Georges Braque
gigatos | 30 grudnia, 2021
Streszczenie
Georges Braque, urodzony 13 maja 1882 roku w Argenteuil (Seine-et-Oise, obecnie Val-d”Oise) i zmarły 31 sierpnia 1963 roku w Paryżu, był francuskim malarzem, rzeźbiarzem i grafikiem.
Początkowo związany z fowistami, pozostający pod wpływem Henri Matisse”a, André Deraina i Othona Friesza, latem 1907 roku stworzył pejzaże Estaque z domami w kształcie sześcianów, które Matisse określił jako „kubistyczne”, szczególnie widoczne w obrazie Domy w Estaque. To uproszczenie ma być znakiem rozpoznawczym kubizmu, którego pochodzenie pozostaje kontrowersyjne według Oliviera Cény.
To dzięki metodycznemu studiowaniu linii konturowych Paula Cézanne”a od 1906 roku Braque stopniowo dochodził do kompozycji, które wykorzystywały niewielkie przerwy w liniach, jak w Nature morte aux pichets. Następnie, serią aktów, takich jak Akt stojący i Akt duży, po 1908 roku przeszedł do zerwania z klasyczną wizją, eksplozji wolumenu, okresu zwanego powszechnie kubizmem, trwającego od 1911 do 1914 roku. Następnie stosował geometryczne kształty głównie w martwych naturach, wprowadził do swoich obrazów szablonowe litery, wynalazł papier klejony. Jako prawdziwy „myśliciel” kubizmu, opracował prawa perspektywy i koloru. W 1912 roku wymyślił też papierowe rzeźby, które zaginęły, a z których zachowała się jedynie fotografia kontrreliefu.
Zmobilizowany na Wielką Wojnę, podczas której został ciężko ranny, malarz porzucił geometryczne formy na rzecz martwych natur, w których przedmioty zostały skomponowane w płaszczyzny. W następnym okresie, trwającym do lat 30., tworzył pejzaże i postacie ludzkie, a jego twórczość, mimo różnorodności tematów, jest „nadzwyczaj spójna”. Braque, prekursor i repozytor tradycji klasycznej, jest malarzem francuskim par excellence. Cahier de Georges Braque, 1917-1947, wydany w 1948 roku, podsumowuje jego stanowisko.
Druga wojna światowa stała się inspiracją dla jego najpoważniejszych dzieł: Le Chaudron i La Table de cuisine. Powrót spokoju i koniec choroby zainspirowały go do bardziej pogłębionych dzieł, takich jak Atelier, nad którymi pracował często przez kilka lat, realizując, jak zeznał Jean Paulhan, po sześć szkiców naraz. Jego najbardziej znane obrazy są również najbardziej poetyckie: seria Ptaki, z których dwa zdobią sufit sali Henri-II w Muzeum Luwru od 1953 roku. Tworzył także rzeźby, witraże i projekty biżuterii, ale od 1959 roku, dotknięty chorobą nowotworową, zwolnił tempo pracy. Jego ostatnim dużym obrazem jest La Sarcleuse.
Dwa lata przed śmiercią, w 1961 roku, w Muzeum Luwru odbyła się retrospektywa jego prac zatytułowana L”Atelier de Braque, dzięki której Braque stał się pierwszym malarzem wystawionym tam za życia.
Dyskretny, niechętnie udzielający się publicznie, Braque był intelektualistą z pasją do muzyki i poezji, przyjacielem Erika Satie, René Chara i Alberto Giacomettiego. Zmarł 31 sierpnia 1963 r. w Paryżu. Na jego cześć zorganizowano narodowy pogrzeb, podczas którego André Malraux wygłosił przemówienie.
Przeczytaj także: bitwy – Bitwa pod Maratonem
Wczesne lata
Georges Braque wychował się w rodzinie rzemieślniczej. Był synem Augustine Johannet i Charlesa Braque”a, przedsiębiorcy budowlanego z Argenteuil, który był również „malarzem niedzielnym”, często malującym pejzaże inspirowane impresjonistami. W 1890 r. rodzina przeniosła się do Hawru, a w 1893 r. chłopiec rozpoczął naukę w szkole średniej. Nie gustował jednak w studiach, fascynowało go życie portu. Mimo to zapisał się do klasy Courcheta w École supérieure d”art du Havre, kierowanej przez Charlesa Lhuilliera, w latach 1897-1899 i jednocześnie pobierał lekcje gry na flecie u Gastona Dufy”ego, brata Raoula Dufy”ego.
W 1899 r. opuścił szkołę bez matury i terminował u ojca, a następnie u zaprzyjaźnionego z nimi Roneya, który zajmował się malarstwem dekoracyjnym. W następnym roku przyjechał do Paryża, by kontynuować naukę u malarza-dekoratora Laberthe”a. Równocześnie uczęszczał na kurs miejski w Batignolles w klasie Eugène”a Quignolota. Mieszka na Montmartre, rue des Trois-Frères. W 1901 r. odbył służbę wojskową w 129. pułku piechoty w Hawrze. Po powrocie, za zgodą rodziców, postanowił całkowicie poświęcić się malarstwu. Do Paryża powrócił w 1902 roku, w październiku zamieszkał na Montmartre przy rue Lepic i wstąpił do Akademii Humberta przy boulevard de Rochechouart. Tam też poznał Marie Laurencin i Francisa Picabię.
Marie staje się jego powiernicą, towarzyszką na Montmartrze, rysują się nawzajem, wychodzą na miasto, dzielą się swoimi żartami, sekretami i „leniwymi dniami”. Ale Marie to teaser, niełatwo ją uwieść. Nieśmiały Braque ma z nią tylko przelotny romans. Potrzeba całej techniki amoralnej Paulette Philippe, aby nieśmiały mężczyzna, wokół którego kręci się wiele kobiet, rozluźnił się. Henri-Pierre Roché spotyka ich razem na balu Quat”z”Arts, podczas gdy Braque jest przebrany za Rzymianina. To życie w „luksusie i przyjemnościach” umocniło młodego człowieka w decyzji o zerwaniu. Zniszczył wszystkie swoje prace z lata 1904 roku, które spędził w Honfleur, porzucił Humberta i w maju 1905 roku nawiązał kontakt z Léonem Bonnatem w Ecole des Beaux-Arts w Paryżu, gdzie poznał Othona Friesza i Raoula Dufy”ego.
W tym samym roku studiuje impresjonistów w Musée du Luxembourg, którego kolekcja składa się głównie ze spuścizny Gustave”a Caillebotte”a, odwiedza też galerie Durand-Ruela i Vollarda. Zamieszkał w wynajętej kawalerce na rue d”Orsel, naprzeciwko teatru Montmartre, gdzie uczestniczył w wielu dramatach historycznych i przejął fowizm. Niewątpliwie przyczyniła się do tego jego przyjaźń z Othonem Frieszem, który również pochodził z Hawru; obaj młodzi artyści w 1906 roku wyjechali razem do Antwerpii, a rok później na południe Francji.
Później Georges Braque wprowadził Marie Laurencin do Bateau-Lavoir i zachęcał ją i Matisse”a do zrobienia kariery malarskiej. Wierzył w jej talent.
Przeczytaj także: biografie-pl – Charlie Chaplin
Od fowizmu do kubizmu
W lecie 1905 roku, ponownie w Honfleur, potem w Hawrze w towarzystwie rzeźbiarza Manolo i krytyka sztuki Maurice”a Raynala, zachęcony przez Raoula Dufy”ego i Othona Friesza do używania czystych kolorów, Braque wystawia na Salonie Samochodowym 1905 roku obok Matisse”a, Deraina i swoich przyjaciół z Hawru, których określono mianem fowistów. Przez prawie dwa lata Braque zajmował się systemem fowizmu, opierając się na własnej lekturze twórczości Cézanne”a. Najbardziej charakterystycznym przykładem fowizmu Braque”a jest Petite Baie de La Ciotat, 1907, olej na płótnie (60,3 × 72,7 cm), Musée National d”Art Moderne, który malarz uznał za na tyle ważny, że odkupił go w 1959 roku.
Od 1907 roku Georges Braque przebywał na południu Francji z Othonem Frieszem i po długiej medytacji nad zastosowaniem linii i koloru przez Paula Cézanne”a, stworzył wiele obrazów odnoszących się do pejzaży l”Estaque, prawie wszystkie w kilku wersjach: Wiadukt nad Estakadą (1907), Wiadukt nad Estakadą (1908), Droga nad Estakadą (1908), Taras nad Estakadą (1908), Ujście nad Estakadą (1908), Toalety nad Estakadą (1908), Droga nad Estakadą (1908), Krajobraz nad Estakadą (1908)
Maisons à l”Estaque była reprodukowana w 34 publikacjach i prezentowana na 22 wystawach, od 1908 do 1981 roku.
Obraz został odrzucony na Salon d”Automne w 1908 roku, a Daniel-Henry Kahnweiler, bardzo wstrząśnięty tą reakcją, zaproponował Georges”owi Braque”owi korzystanie z jego galerii w celu prezentacji tego dzieła, jak również wszystkich ostatnich prac malarza. Kahnweiler otworzył właśnie małą galerię przy 28 rue Vignon w Paryżu i powierzył przedmowę do katalogu Guillaume”owi Apollinaire”owi, który rozpoczął dityramb: „To jest Georges Braque. Prowadzi godne podziwu życie. Z pasją dąży do piękna i osiąga je, jak się wydaje, bez wysiłku.
W tym samym roku Braque odwiedził pracownię Pabla Picassa, gdzie odkrył dwa obrazy: Les Demoiselles d”Avignon i Trois femmes, który nie był jeszcze ukończony. Konstrukcyjne rytmy tych płócien są zaczerpnięte od Cézanne”a, ale bardziej pocięte i zniekształcone. Początkowo wywołały one zdumienie Braque”a, który już wcześniej rozpoczął ten sam proces swoimi Aktami. Ale to nie z tych płócien czerpał inspirację do Le Grand Nu, rozpoczętego w 1907 roku, a ukończonego w 1908.
„Nie chodzi o to, by odebrać Demoiselles d”Avignon czy Grand nu à la draperie ich wywrotową siłę, ani by nie docenić pęknięcia, jakie stanowią w historii malarstwa, pisząc, że nie dokonały one radykalnej rekonstrukcji badań Georges”a Braque”a.
Śmiałość Picassa zaskoczyła go i Braque był początkowo niechętny, ale tu warunek jest konieczny.
Istnieją co najmniej trzy wersje reakcji Braque”a, zrelacjonowane albo przez Kahnweilera, którego tam nie było, albo przez André Salmona, którego też tam nie było, albo przez Fernande Olivier, której wypowiedzi są wątpliwe, ponieważ groziła Picassowi kompromitującymi rewelacjami na temat tego okresu w swoich Souvenirs intime. Dzięki wstawiennictwu Madame Braque i wpłacie miliona franków przez Picassa, Fernande zrezygnowała z szantażu. Zresztą Braque był już na innej drodze, rozpoczął wariacje na temat pejzaży Estaque”a. Ale znaczenie jego dzieł jeszcze długo się nie ujawniło: najważniejsze z nich przez większość XX wieku pozostawały w prywatnych kolekcjach, „co nie pomogło Braque”owi w debatach na temat anteriority”.
Obrazy te, gdy zastanawiał się nad nimi po ich obejrzeniu, potwierdzały kierunki poszukiwań, które prowadził już przy Viaduc à l”Estaque czy Le Grand Nu. Od tego momentu rozpoczęła się „relacja Braque-Picasso”, w której dwaj artyści nieustannie badali i konfrontowali się ze sobą. Braque nauczył Picassa odczytywać motyw od ich pierwszego spotkania. Według Pierre”a Daixa: „Spotkanie Picassa i Braque”a pokazuje, że motywem nie jest już obraz. To właśnie kompozycja, poprzez kontrastujące ze sobą rytmy, ujawnia to, co w motywie było strukturalne – o ile umie się go odczytać.
W 1907 roku Braque rozpoczął już własną rewolucję Aktem stojącym (który czasem mylony jest z Dużym aktem). Stojący akt jest mało znany, nieczęsto wystawiany, należy do kolekcji prywatnej. Jest to tusz na papierze w niewielkim formacie (31 × 20 cm), w którym malarz eksperymentował już z konstrukcją ciała w formach geometrycznych, rozwiniętą później w kilku akwafortach, w których stojące nagie ciało kobiece przyjmuje kilka pozycji (ramiona wzdłuż ciała, za plecami, głowa wyprostowana, pochylona). W Le Grand Nu i Nu debout, a także w innych przedstawieniach kobiecego ciała: La Femme (1907), rysunek podarowany przez Braque”a amerykańskiemu krytykowi sztuki Gelettowi Burgessowi do zilustrowania jego artykułu The Wild Men in Paris, ciało wydaje się być rozbite, a następnie ponownie skomponowane w trzech punktach widzenia. Fotografia Braque”a i rysunku La Femme pojawiła się na stronie 2 artykułu Burgessa w The Architectural Record z maja 1910 roku.
Formy modelowane są według struktury i rytmu, które są dwoma podstawowymi pojęciami kubizmu. Inspiracje są instynktowne, a jego ścieżka malarska podąża śladami Paula Cézanne”a. Wpływ na Braque”a miały również figurki murzyńskich masek, których kilka egzemplarzy posiadał. „Maski murzyńskie otworzyły przede mną nowe horyzonty. Pozwoliły mi wejść w kontakt z tym, co instynktowne”. Na „odkrycie sztuki murzyńskiej” powoływało się wówczas wielu artystów, m.in. Maurice de Vlaminck i André Derain. Braque nie rościł sobie prawa do pierwszeństwa. W 1904 roku po prostu kupił kilka masek Tsogo od marynarza i kontynuował dodawanie masek Fang do swojej kolekcji.
Le Grand Nu był własnością Louisa Aragona, a następnie kolekcjonerki Marie Cuttoli, po czym trafił do kolekcji Alexa Maguy. W 2002 r. dzieło trafiło do zbiorów publicznych dzięki „darowiźnie na poczet podatku spadkowego”, a obecnie znajduje się w Musée national d”art moderne.
Przeczytaj także: biografie-pl – Aleksander VI
Okres kubistyczny
Istnieje kilka wersji pochodzenia słowa kubista i „ojców” ruchu. Wielu krytyków sztuki określa Braque”a i Picassa jako „twórców kubizmu”. Inni przypisują je Fernandowi Légerowi i Juanowi Grisowi, a Louisowi Vauxcellesowi, krytykowi sztuki z gazety Gil Blas, przypisuje się wynalezienie tego słowa, gdy opisał Maisons à l”Estaque Braque”a jako „małe sześciany”. Obraz ten został wówczas uznany za „akt urodzenia kubizmu”. Jeszcze inni oferują inną wersję. Według Bernarda Zurchera, to Henri Matisse określił Domy w Estaque jako „kubistyczne”, odrzucając jednocześnie te geometryczne miejsca i wzory na Salonie Jesiennym w 1908 roku.
„To straszliwe uproszczenie, które sprowadziło kubizm do chrzcielnicy, jest w dużej mierze odpowiedzialne za prawdziwy ruch, za który ani Braque, ani Picasso nie chcieli wziąć odpowiedzialności. Ruch, którego teoretycy (Albert Gleizes i Jean Metzinger) z trudem wykraczali poza „kubistyczne” dziwactwa piętnowane przez Vauxcellesa.”
W rzeczywistości dla Braque”a i Picassa owe „sześciany” były jedynie prowizoryczną odpowiedzią na problem, jaki stwarzała konstrukcja przestrzeni piktorialnej, która musiała odejść od utrwalonego od czasów renesansu pojęcia perspektywy. Kolejka linowa Braque-Picasso” była warsztatem badawczym obu artystów, w którym prace wykonywali jednocześnie pasjonaci, do których dołączyli Derain i Dufy. Była to ekscytująca przygoda, która położyła podwaliny pod nowoczesną sztukę.
Później jednak hiszpański malarz przypisał sobie, przed Kahnweilerem, wynalazek papieru collés, który, jak twierdził, wykonał w Céret, a wreszcie przypisał sobie wynalazek kubizmu, zarzucając Braque”owi, że go naśladował w okresie ich kubizmu, co wywołało ogromne nieporozumienie co do znaczenia twórczości Braque”a. Jak pisze Olivier Cena: „Czterdzieści lat później Picasso nie chciał nic zostawić Braque”owi, ani kubizmu analitycznego, ani syntetycznego…”.
Błędne interpretacje były następnie podsycane przez różne osobistości, w szczególności przez Gertrudę Stein, której twierdzenia Eugène Jolas obala cytując Matisse”a: „W mojej pamięci to Braque stworzył pierwszy obraz kubistyczny. Przywiózł z południa śródziemnomorski krajobraz. Jest to rzeczywiście pierwszy obraz, który stanowi genezę kubizmu i który uznaliśmy za coś radykalnie nowego.
William Rubin uważa, że kubizm Braque”a wyprzedza Domy w Estaque. Martwą naturę z dzbanami i fajką, której miejsce powstania i wymiary nie są znane, określa jako pierwszą kubistyczną pracę malarza, który wybrał przedmioty o zakrzywionej otoczce, kompozycję ustawioną po przekątnej i wyśrodkowaną na styku dwóch skośnych osi.
Od 1909 roku Braque przywiózł z pobytów w La Roche-Guyon i Carrières-sur-Seine kilka pejzaży, które są kubistycznymi wariacjami na temat Cézanne”a: Le Château de La Roche-Guyon (73 × 60 cm), Lille Métropole, Le Vieux Château de la Roche-Guyon (65 × 54 cm), Muzeum Sztuk Pięknych im. Puszkina, Moskwa, Paysage des carrières Saint-Denis (41 × 33 cm), Musée national d”art moderne, Paryż.
Braque wszedł wówczas w okres „kubizmu analitycznego”. Pejzaże, które dominowały w twórczości malarza, stopniowo ustępowały miejsca martwym naturom. Pejzaże te były jedynie fazą przygotowawczą do bardziej owocnego okresu, w którym powstały: Broc i skrzypce, 1909-1910, olej na płótnie (117 × 75 cm), Kunstmuseum, Bazylea, Skrzypce i paleta (92 × 43 cm) oraz Fortepian i mandora (92 × 43 cm), Solomon R. Guggenheim Museum. Malarz nie stara się już kopiować natury. Poprzez następstwo dynamicznych artykulacji, poprzez mnożenie punktów widzenia, jego malarstwo wzbogaca się o nieoczekiwane zestawienia, o mnożenie twarzy. Formy te są następnie geometryzowane i upraszczane.
„Jeśli weźmiemy pod uwagę, że bitwa kubizmu została ostatecznie stoczona na temat martwej natury, Braque był najlepiej przygotowany, czy raczej był w stanie, konsolidując każdy z etapów swojej ewolucji, przejść pewniej do tego ”znaku, który wystarcza”, jak to nazwał Matisse.”
W 1911 r. malarz poznał Marcelle Lapré, która w 1926 r. została jego żoną. Wyjechał do Céret, gdzie przebywał z Picassem przez cały rok.
Od tego momentu Braque wymyślił nowe słownictwo, wprowadzając do swoich obrazów litery wykonane techniką szablonową, znaki drukarskie: Portugalczyk (Emigrant) (117 × 81 cm), Kunstmuseum, Bazylea, Martwa natura z banderolami (65,4 × 54,9 cm), Metropolitan Museum of Art. W rozmowie z krytykiem sztuki Dorą Vallier wyjaśniał: „Były to formy, w których nie było nic do zniekształcenia, ponieważ litery, będąc płaskimi obszarami, znajdowały się poza przestrzenią, a ich obecność w obrazie pozwalała zatem odróżnić przedmioty znajdujące się w przestrzeni od tych, które znajdowały się poza nią.” Braque podjął się również wykonania odręcznych napisów, ułożonych równolegle, przypominających plakatowe znaki. W obrazie Portugalczyk (L”Emigrant) w prawym górnym rogu rozszyfrowane jest słowo BAL, które powróciło w następnym roku w Martwej naturze ze skrzypcami BAL (Kunstmuseum Basel).
W Céret nie zrezygnował z pejzażu. Powstały Dachy z Céret (82 × 59 cm), kolekcja prywatna, oraz Okno z Céret, płótna stylizowane według metody kubizmu analitycznego, bez związku z pejzażami z lat poprzednich.
W następnym roku w Sorgues dołącza do Picassa i wynajmuje willę w Bel-Air. Pojawiają się papier collés Braque”a: Compotier et verre (50 × 65 cm), kolekcja prywatna. Było to wielkie odkrycie, które powielało wielu malarzy: Juan Gris, Henri Laurens, Fernand Léger, Albert Gleizes. Papiery są kompozycjami, nie mylić z kolażami, które Braque tworzył później.
To właśnie w Sorgues Braque udoskonalił swoją technikę rzeźby z papieru, wynalezioną w Céret w 1911 roku, jak podaje artykuł Christiana Zervosa w Cahiers d”art. Ślady tych rzeźb znajdujemy w liście wysłanym do Kahnweilera w sierpniu 1912 roku, w którym artysta pisze, że wykorzystał pobyt w kraju na to, czego nie można było zrobić w Paryżu, m.in. na rzeźby z papieru, „które sprawiają mu wielką satysfakcję”. Niestety, z tych efemerycznych konstrukcji nie zachowało się nic, poza odnalezioną w archiwum Laurens fotografią kontrpłaskorzeźby z 1914 roku, której papierowe rzeźby z 1912 roku prawdopodobnie nie przypominały. Według Bernarda Zurchera, bliższe są one martwym naturom z tego samego roku (1912), w których zastosowano zasadę inwersji reliefu charakterystyczną dla maski Wobe.
Dla Jeana Paulhana, „który spędził pół życia próbując wyjaśnić naturę twórczości Braque”a”, papier collés Braque”a to „Maszyny do oglądania”. Według niego kubizm polega na „zastąpieniu surowej przestrzeni uzgodnioną przestrzenią klasyki”. To zastąpienie jest dokonywane za pomocą maszyny analogicznej do maszyny perspektywicznej Filippo Brunelleschiego i do szkła siatkowego Albrechta Dürera, według Jeana Paulhana. Kratkowane szkło Dürera, znane również jako „mise au carreau”, to sposób, w jaki rysownik może powiększyć lub zmniejszyć rysunek bez interwencji perspektywy. Braque często stosował to kwadratowanie. Przykładem może być zdjęcie studia, w którym pracował nad Ptakiem i jego gniazdem w 1955 roku, wykonane przez Mariette Lachaud. W górnej części zdjęcia widoczne są jeszcze ślady glazury, oderwane od głównego tematu.
Braque pozostał w Sorgue do listopada 1912 roku, podczas gdy Picasso wrócił do Paryża, gdzie zaczął wykonywać swoje własne papiers collés. Pisał do Braque”a: „Mój drogi przyjacielu Braque, używam Twojego najnowszego papieru i procesów pusiereux. Wyobrażam sobie gitarę i używam kawałka papieru przeciwko naszemu strasznemu płótnu. Bardzo się cieszę, że jest Pan szczęśliwy w swojej willi w Bel Air i że jest Pan zadowolony z pracy. Ja, jak widać, zaczynam trochę pracować. Braque kontynuował jednak swoje badania nad papierem klejonym, dryfując w kierunku papieru o wyglądzie sztucznego drewna, a także imitującego marmur. Coraz powszechniejsze stają się odwrócenia reliefu, a pod koniec 1913 roku pojawiają się znaki optyczne, grające na powtórzeniu figury geometrycznej lub motywu dekoracyjnego. W następnym roku Braque dodał nowe obiektywne znaki: struny gitary, struny skrzypiec, karty do gry, kawałek gazety przekształcony w kartę do gry.
Pod koniec „okresu papierowego” pojawiła się tektura falista. Malarz wprowadził do swojej kompozycji pojęcie reliefu, które od 1917 roku miało odnieść wielki sukces, zarówno w jego kolażach, jak i w pracach jego najlepszego przyjaciela, rzeźbiarza Henri Laurensa. Do ważnych prac z okresu papier collage (1913-1914) należy Le Petit Éclaireur (92 × 63 cm), węgiel drzewny, papier gazetowy, sztuczny papier drzewny i czarny papier naklejony na płótno, Musée de Lille métropole, Martwa natura na stole (Gillette) z reprodukcją maszynki do golenia Gillette (48 × 62 cm), Centre Pompidou, Paryż, Skrzypce i fajka LE QUOTIDIEN (74 × 100 cm), węgiel drzewny, papier z fałszywego drewna, plecionka z tapety, czarny papier, papier gazetowy naklejony na papier, naklejony na tekturę, Centre Pompidou, Paryż.
Był to również okres instrumentów muzycznych. Skrzypce (72 × 31 cm), węgiel drzewny, papier czerpany, sztuczne drewno, mural i gazeta na papierze, Cleveland Museum of Art, Skrzypce (35 × 37 cm), olej, węgiel drzewny, ołówek i papier czerpany na płótnie, Philadelphia Museum of Art, Skrzypce i gazeta FÊTE (90 × 60 cm), Philadelphia Museum.
Braque nigdy nie przestał wymyślać. Już w 1912 roku, mieszkając z Marcelle Lapré przy impasse Guelma 5, mieszał trociny i piasek z farbami, aby nadać płaskorzeźbę swoim płótnom. W 1913 roku przenosi swoją pracownię na rue Caulaincourt, a jego prace prezentowane są w Nowym Jorku na Armory Show. Jednak w tym samym roku stosunki między malarzami uległy pogorszeniu i nie czuli już potrzeby spotykania się. Przepaść się powiększyła, „pańszczyzna” się rozpadała. Wiosną 1914 roku Braque”a zaprezentowano w Niemczech na dwóch prywatnych wystawach: w Berlinie w Galerii Feldmann, a następnie w Dreźnie w Galerii Emil Richter. W czasie zamachu na księcia Austrii Braque spędził z żoną lato w Sorgues. Zmobilizowany, udał się pociągiem z Derainem 2 sierpnia 1914 roku do Awinionu, gdzie towarzyszył im „towarzysz liny”, który miał mnożyć słowa autora, relacjonowane w różny sposób według biografów.
Przeczytaj także: biografie-pl – Diane Arbus
Wojna 1914 roku i jej konsekwencje
Mobilizacja Braque”a na front w 1914 roku gwałtownie przerwała karierę malarza. Został przydzielony do 224 pułku piechoty w stopniu sierżanta i wysłany nad Sommę do Maricourt, gdzie pułk Braque”a (obecnie porucznika Braque”a) pozostał przez trzy miesiące, zanim został przeniesiony do Artois, na północ od Arras, aby przygotować ofensywę na dużą skalę przeciwko wioskom chroniącym Vimy Ridge.
Poważnie ranny 11 maja 1915 r. pod Neuville-Saint-Vaast, Braque został pozostawiony na polu bitwy jako martwy. Ulżyli mu noszowi, którzy następnego dnia potknęli się o jego ciało w masowym grobie, w którym zmiażdżono 17.000 ludzi. Malarz był chory i odzyskał przytomność dopiero po dwóch dniach w śpiączce. Dwukrotnie odznaczony, otrzymał Croix de Guerre. Po bankiecie zorganizowanym z okazji jego powrotu do zdrowia w Paryżu, wyjechał na rekonwalescencję do Sorgues.
Wraz z poetą Pierre Reverdy, Georges Braque pisze Pensées et réflexions sur la peinture (myśli i refleksje na temat malarstwa), które ukazują się w czasopiśmie Nord-Sud. Był wówczas blisko Juana Grisa, który przekazał mu swoje upodobanie do wyrafinowanych faktur i płaszczyzn sprowadzonych do form geometrycznych. To właśnie u Grisa zaczął malować na nowo jako „urodzony niewidomy malarz – ten odrodzony niewidomy”, według słów Jeana Paulhana, zwłaszcza z Gitarą i szkłem (60,1 × 91,5 cm), Kröller-Müller Museum Otterlo.
W tym okresie Braque nie był daleki od myślenia, że Picasso „zdradza” kubizm i ich młodość. Ale dyskretny malarz wznowił swoje badania. Został „weryfikatorem”. Udoskonalił swoje odkrycia i opracował nowe słownictwo dla swojego malarstwa. Miał to być „kubizm syntetyczny”, którego pierwsze realizacje, rozpoczęte w 1913 roku Compotier et cartes, olej na płótnie (81 × 60 cm), Centre Pompidou, Paryż, wznowił w 1917 roku La Joueuse de mandoline (92 × 65 cm), olej na płótnie, Musée de Lille Métropole, oraz La Musicienne, olej na płótnie (221,4 × 112,8 cm), Kunstmuseum, Bazylea.
Około 1919 roku, kiedy kubizm święcił triumfy, kiedy Gleizes, Metzinger i Maurice Raynal odkrywali dla niego przyczyny, prawa i granice, Georges Braque oświadczył: „Już dawno odszedłem. Nie byłbym tym, który by Braque”a robił na miarę”.
Kilka lat później Jean Paulhan w książce „Braque le patron” stworzył paralelę między sztuką kubistów a sztuką kamuflażu wojennego. „Kamuflaż wojenny był dziełem kubistów: można powiedzieć, że był też ich zemstą. Obrazy, którym opinia publiczna uparcie zarzucałaby, że wyglądają jak nic, w chwili zagrożenia były jedynymi, które mogły wyglądać jak wszystko. Rozpoznawali się w martwych naturach Braque”a, a lotnik, który zwątpił w las ardeński czy Beauce, nie wahał się już przed armatą wyretuszowaną przez Braque”a. Paulhan wspomina również, że oficjalny malarz odpowiedzialny za kamuflaż armat w 1915 roku, Lucien-Victor Guirand de Scevola, powiedział w rozdziale „Souvenirs de camouflage”, że używał tych samych środków co kubiści, aby całkowicie zdeformować aspekt obiektu, co pozwoliło mu zatrudnić w swojej sekcji malarzy, którzy byli w stanie, dzięki swojej bardzo szczególnej wizji, zniekształcić każdą formę.
Ale nowe obrazy Braque”a oferują teraz bardziej żywą i zmysłową paletę, jak w Kobieta z mandoliną, 1922-1923, olej na desce (41 × 33 cm), Centre Pompidou, Paryż. Na początku lat 20. na prośbę Serge”a de Diagilewa malarz jeszcze bardziej urozmaicił swoją twórczość, komponując scenografię i kostiumy dla Baletów Rosyjskich. W latach 1922-1926 zaprojektował scenografię i kostiumy do Les Fâcheux, adaptacji komedio-baletu Moliera, Salade, Zéphire i Flore, a także scenografię do baletu Sylfidy Michela Fokine”a. Diagilew uważał, że malarz ma niezręczny charakter, a ponadto nie ma zmysłu biznesowego, co jest prawdą według Jeana Paulhana.
Kurtyna z baletu Salade została podarowana Musée d”art moderne de la ville de Paris w 1955 roku przez hrabiego Etienne de Beaumont. Od tego czasu jest zamknięty w rezerwach Palais de Tokyo, właśnie został wyjęty i zostanie odrestaurowany.
Przeczytaj także: biografie-pl – Ernest Hemingway
Dwudziestolecie międzywojenne, kubizm syntetyczny i martwa natura
Juan Gris był jedynym kubistycznym malarzem, którego wartość Braque doceniał poza Picassem; o innych mówił: „Oni ”kubizowali” obrazy, wydawali książki o kubizmie, a to wszystko naturalnie coraz bardziej mnie od nich oddalało. Jedynym, który moim zdaniem świadomie forsował kubistyczne poszukiwania, był Gris.”
W tym czasie to rzeźbiarze Jacques Lipchitz i Henri Laurens odegrali ważniejszą rolę w rozwoju Braque”a niż malarze. Malarz opracował płaskie odcienie koloru. Braque już nie deformował, on formował, co potwierdził w swoim notatniku. Tak dokonała się „metamorfoza”, charakteryzująca się użyciem czarnego tła, o której powiedział schronionemu w Szwajcarii Danielowi-Henry”emu Kahnweilerowi, że „czerń jest kolorem, którego impresjonizm tak długo nas pozbawiał, a który jest tak piękny…”.
Wystawa jego ostatnich prac w marcu 1919 roku w Galerie de L”Effort moderne Léonce”a Rosenberga spotkała się z entuzjastycznym przyjęciem. Z tej okazji ukazała się pierwsza monografia Braque”a autorstwa Rogera Bissière”a, który podkreślał skrupulatność pracy malarza: „Braque był być może pierwszym wśród współczesnych, który dostrzegł poezję, jaka emanuje z doskonałego rzemiosła, z pracy wykonanej z miłością i cierpliwością. Jest to druga indywidualna wystawa malarza, który odnawia kontrakt z Léonce Rosenbergiem w maju 1920 roku, w tym samym roku, w którym powstaje jego pierwsza rzeźba: La Femme debout w sześciu egzemplarzach. Z tego okresu, trwającego do początku lat 30., pochodzą również Canéphores, 1922 (180,5 × 73,5 cm), olej na płótnie, Centre Pompidou, Paryż, a także akty i postacie kobiece, Trois Baigneuses, olej na drewnie (18 × 75 cm), kolekcja prywatna.
Jednak w 1921 roku między Rosenbergiem a Braque”iem doszło do nieporozumienia. Likwidacja skonfiskowanych w czasie wojny zapasów Kahnweilera odbyła się w Hôtel Drouot. Ekspertem był właśnie Léonce Rosenberg, któremu udało się tam dostać i który wykorzystał swoją dominującą pozycję do zaniżania wartości dzieł, które następnie odkupił po niskich cenach. W pierwszym dniu sprzedaży w Drouot, Braque próbował go zamknąć, wraz z biednym Amédée Ozenfantem, który próbował interweniować. Sprawa zakończyła się na posterunku policji, a walczących ostatecznie wypuszczono. Léonce Rosenberg sprzedał zakupione obrazy z ogromnym zyskiem. Jego brat Paweł robi to samo. Jednym z największych przegranych było w tym wszystkim państwo francuskie, które pozwoliło, by w 1921 roku za 2820 franków wymknęły się takie dzieła jak Człowiek z gitarą (1913-1914), które sześćdziesiąt lat później odkupiło dla Musée National d”Art Moderne za dziewięć milionów franków.
Styl i poszukiwania malarza ewoluowały w latach 1919-1939. Z kubistycznej przeszłości zachował symultaniczność punktów widzenia, rozwój obiektów na tej samej płaszczyźnie, inwersję przestrzeni. Zawsze używał czerni jako tła sugerującego głębię, a przedmioty i płaszczyzny dzielił w sposób oddalający je od realizmu. Charakterystyczne pod tym względem są Gitara i martwa natura na kominku, 1925, olej i piasek na płótnie (130,5 × 74,6 cm), Metropolitan Museum of Art, oraz Owoce na obrusie i misa na owoce, olej na płótnie (130,5 × 75 cm), Centre Pompidou. Przedmioty wydają się być dodatkami do kompozycji, a wszystkie wysiłki artysty skupiają się na kolorze, jak zauważył Georges Charensol na wystawie Braque”a u Paula Rosenberga w 1926 roku, na której pokazano Fruits sur une nappe et compotier. Braque jeszcze bardziej posunął się do stosowania kontrastu w Nature morte à la clarinette, 1927, olej na płótnie (55,9 × 75 cm), The Phillips Collection, z formami opisanymi przez Christiana Zervosa jako „naturalistyczne”.
Od 1925 roku Braque mieszka na Montparnasse, rue du Douanier, w domu-studiu zbudowanym według planów Auguste”a Perreta. W 1926 roku poślubił Marcelle Lapré, z którą mieszkał od 1912 roku. Jego sąsiadami byli Louis Latapie i Roger Bissière z ulicy, która dziś nosi jego imię: rue Georges-Braque.
Naturalistyczne i abstrakcyjne formy nabrały nowego wymiaru w wariacjach na temat Le Guéridon z 1928 roku, roku, w którym małżeństwo Braque”ów kupiło dom w Varengeville w Górnej Normandii. Na klifach Pays de Caux amerykański architekt Paul Nelson zbudował dla malarza dom i pracownię. W Le Guéridon, 1928, olej na płótnie (197 × 73 cm), Museum of Modern Art, Nowy Jork) i Le Grand Guéridon, olej na płótnie (147 × 114 cm), nad którymi malarz pracował do 1936-39, Braque przeszedł długie dojrzewanie form. W 1945 roku przerobił nawet rozpoczęty w 1939 roku Le Guéridon rouge (180 × 73 cm), redukując motyw ornamentalny. Motyw stołu na cokole powraca często w jego twórczości od 1911 do 1952 roku. Zapewnia on ciągłość rozwoju, którego pełny rozkwit osiągnęły Atelier.
W latach trzydziestych XX wieku pojawiły się obrusy: Nappe rose (1933) i Nappe jaune, 1935 (114,3 × 144,8 cm), kolekcja prywatna, który w 1937 roku otrzymał pierwszą nagrodę Fundacji Carnegie z Pittsburgha. Malarz eksperymentował również z grawerowanymi odlewami gipsowymi, Heraklès, 1931 (187 × 105,8 cm), Fondation Maeght, oraz akwafortami Théogonie d”Hésiode, 1932, zestaw ośmiu akwafort (53 × 38 cm), Musées de Belfort, zamówionymi przez Ambroise”a Vollarda do zilustrowania książki o tym samym tytule, która nigdy nie została wydana, ponieważ Vollard zmarł w 1939 roku.
Pierwsza retrospektywna wystawa Braque”a w Kunsthalle Basel w 1933 roku w Szwajcarii stała się początkiem jego międzynarodowego uznania. W 1934 roku Braque pokazał swoje najnowsze obrazy w Valentine Gallery w Nowym Jorku, otwartej w 1937 roku przez niemieckiego właściciela galerii Curta Valentina. Jak pisze Frank Elgar: „To właśnie w latach 30. Braque malował swoje najbardziej skoncentrowane i wytrawne martwe natury. Jego klify, wyrzucone na brzeg łodzie, dwustronne figury świadczą o jego najszczęśliwszym okresie. Ale od 1940 roku był w niebezpieczeństwie.
Przeczytaj także: mitologia_p – Tezeusz
W czasie II wojny światowej
W latach 1939-1940 Braque”owie przebywali w Varengeville podczas pozorowanej wojny z Joanem Miró, który wynajął dom w pobliżu Braques”ów w sierpniu 1939 roku i pozostał we Francji do 1940 roku. „Obaj malarze utrzymywali stosunki przyjaźni i zaufania, przy czym ówczesne sąsiedztwo i przyjaźń wszechczasów nie sprawiły, że któryś z nich zboczył o milimetr z drogi drugiego. Braque po prostu zaprosił swojego katalońskiego przyjaciela do zastosowania procesu druku na papierze transferowym, który jest techniką druku litografii. W Varengeville, w tym samym dniu, byli również Georges Duthuit, Alexander Calder, a także poeta Raymond Queneau i architekt Paul Nelson.
W tym okresie Braque poświęcił się niemal wyłącznie rzeźbie, tworząc między innymi Hymen, Hesperis i Le Petit Cheval. Rzeźby ludzkie są zawsze głowami z profilu, jak w reliefach starożytnego Egiptu. Styl ten wywodzi się z takich obrazów jak Duet, olej na płótnie (129,8 × 160 cm), przedstawiający dwie sylwetki kobiet siedzących na krzesłach.
W latach 1939-1940 Braque był przedmiotem wielkiej retrospektywy w Chicago w The Arts Club of Chicago, a także w Waszyngtonie (The Phillips Collection) i San Francisco (San Francisco Museum of Modern Art). Miał też indywidualną wystawę w Nowym Jorku w 1941 roku, potem w Baltimore, a następnie ponownie w Nowym Jorku u Paula Rosenberga w kwietniu 1942 roku. W 1943 roku Galerie de France poświęciła mu wystawę Douze peintures de Georges Braque, a na paryskim Salon d”automne zaprezentowano 26 obrazów i 9 rzeźb. Jean Bazaine poświęca mu artykuł w Comœdia. W tym samym roku Jean Paulhan publikuje Braque le patron.
W latach 1940-1945 Brakowie zamieszkali najpierw w Limousin, potem w Pirenejach, by w końcu powrócić do Paryża. Do Varengeville powrócili dopiero w 1945 r. W 1941 r. wiele obrazów Braque”a zdeponowanych w Libourne zostało skonfiskowanych przez władze niemieckie.
Braque nie wziął udziału w zorganizowanej w 1941 roku przez Arno Brekera i Otto Abetza podróży do Berlina, w której uczestniczyli André Derain, Othon Friesz, Maurice de Vlaminck, Kees van Dongen i André Dunoyer de Segonzac. Nie chciał jednak wypierać się swojego przyjaciela Deraina, a komentarz Fernanda Mourlota: „Na szczęście moje malarstwo nie spodobało się, nie zostałem zaproszony; w przeciwnym razie, ze względu na obiecane wyzwolenia, mógłbym tam pojechać. Według Alexa Dantcheva i Fernanda Mourlota, pozostaje forma uwolnienia się od zarzutu kolaboracji wobec przyjaciela Deraina. Oczywiście więź z Derainem została zerwana, podobnie jak z innymi artystami, którzy odbyli tę samą podróż. W sierpniu 1943 roku Braque był drużbą na ślubie Geneviève Derain z Josephem Taillade w posiadłości Deraina w La Roseraie, w Chambourcy. Ale Braque później zdystansował się od tej czystki.
Podobnie, przez cały okres wojny utrzymywał bardzo niski poziom kontaktów z reżimem Vichy. Nie brakowało jednak zaliczek ze strony okupanta, a jego obrazy wzbudziły entuzjazm Pierre”a Drieu la Rochelle, gdy dwadzieścia jego obrazów zostało wystawionych na Salonie Jesiennym w 1943 roku. Niemieccy oficerowie, którzy odwiedzili jego pracownię, oceniając ją jako zbyt zimną, zaproponowali, że dostarczą mu węgiel, na co Braque z finezją odmówił. Odmówił też stworzenia godła dla rządu Vichy, choć Gertruda Stein zaproponowała mu przetłumaczenie przemówień Pétaina. Braque miał odwrotny problem: nie można go było kupić. Jego stanowisko jest jasne: żadnego kompromisu, żadnego kompromisu. Nie przeszkodziło mu to jednak w przyjęciu 4 października 1943 r. Ernsta Jüngera w swojej pracowni. Jünger, pisarz i poeta w mundurze okupanta z tego samego roku, który w 1982 roku otrzymał Nagrodę Goethego, a w 2008 roku stanął na Pléiade, doceniał „zdegenerowane” obrazy Edvarda Muncha, Jamesa Ensora, Douaniera Rousseau, Picasso, którego odwiedził w tym samym roku, a także Braque”a, którego obrazy zobaczył na Salonie Jesiennym w 1943 roku i które uznał za „pocieszające, bo przedstawiają moment, w którym wychodzimy z nihilizmu”. Ich siła, zarówno w formie, jak i w tonie, reprezentuje dla niego moment, w którym gromadzi się w nas materiał nowego stworzenia.
Zamknięty na czas wojny w swojej pracowni, Braque poświęcił się tematyce Wnętrz z silnym powrotem do czerni, która sprawiała wrażenie prostoty i surowości. Dla Georges”a Braque”a wojna była synonimem surowości i przygnębienia. W tym czasie „w życiu Braque”a prawie nie ma miejsca na naśladownictwo: żadnych konkursów, żadnych dyskusji, żadnej wspólnej pracy. Pracę swoją podjął w tajemnicy. Kobieta siedząca przed talią kart, widziana z profilu, zatytułowana La Patience, olej na płótnie (146 × 114 cm), ilustruje jego stan ducha.
W tym okresie Braque kontynuował pracę nad swoim ulubionym tematem: instrumentami muzycznymi, które pojawiały się w jego obrazach od 1908 roku, ponieważ: „Instrument muzyczny, jako przedmiot, ma tę szczególną cechę, że można go ożywić dotykając go, dlatego zawsze pociągały mnie instrumenty muzyczne. Rok 1942 był szczególnie owocny dla malarza, który rozpoczął kilka obrazów o tematyce muzycznej, które później dokończył, jak np. Człowiek z gitarą, 1942-1961 (130 × 97 cm), olej na płótnie, kolekcja prywatna.
Wykonał jeszcze kilka rysunków kobiet, których postawy przypominają jego fowistyczną epokę, Femme à la toilette (1942), ale bardzo szybko górę wzięła martwa natura: Deux poissons dans un plat avec une jug, 1949-1941, olej na papierze oprawiony w płótno, kolekcja prywatna, inauguruje serię ryb na czarnym tle, Les Poissons noirs, 1942, olej na płótnie (33 × 55 cm), Centre Pompidou, Paryż, oraz kilka Vanités, Le Poêle (1942), Le Cabinet de toilette (1942, The Phillips Collection). Wszystkie te wnętrza przypominają o tym, że artysta „zamknął się” we własnym domu, zwłaszcza Duże wnętrze z paletą, 1942 (143 × 195,6 cm), Menil Collection, Houston. Jego najbardziej znaczące obrazy to przedmioty codziennego użytku, szydercze, przydatne do przetrwania lub do racjonowanej żywności: Stół kuchenny, olej na płótnie (163 × 78 cm), kolekcja prywatna.
Zanim rozpoczął serię Bilard, którą kontynuował do 1949 roku, stworzył kilka postaci męskich na ciemnym tle. Jeden z najpiękniejszych, Le Billard, 1947-1949 (145 × 195 cm), znajduje się w Muzeum Sztuki Współczesnej w Caracas w Wenezueli. Wystawiono go w Grand Palais (Paryż) podczas retrospektywy Georges”a Braque”a w 2013 roku, z zaznaczeniem lat, w których został ukończony: 1947-1949.
Przeczytaj także: historia-pl – Nagroda Nobla
Okres powojenny
Braque nie poddał się czystce i dołączył do Varengeville”a. Nie wstąpił też do Francuskiej Partii Komunistycznej, mimo wielokrotnych próśb Picassa i Simone Signoret. Trzymał się też z dala od Picassa, którego postawę coraz mniej cenił, a którego Maïa Plissetskaïa określi później mianem chuligana. Odrzucił zaproszenie do La Californie w Cannes i zamieszkał z nowym paryskim dealerem, Aimé Maeghtem, w Saint-Paul-de-Vence. Mimo to obaj malarze starali się utrzymywać ze sobą kontakt. Kiedy w 1945 roku Braque przeszedł operację podwójnego wrzodu żołądka, Picasso przychodził do niego codziennie, a on, mimo zdystansowanej postawy, nadal zabiegał o jego aprobatę.
Od 1951 r. rozpoczęło się swoiste pojednanie. Françoise Gilot odwiedzała Braque”a bardzo często, nawet po jego rozstaniu, i przedstawiła mu swojego syna Claude”a Picassa, wówczas nastolatka, który był tak podobny do ojca, że Braque zalał się łzami: chłopiec był żywym portretem jego ówczesnego „towarzysza liny”. Prawdziwa natura więzi łączącej obu malarzy pozostaje niejasna. Według Braque”a nie była to współpraca artystyczna, lecz „zjednoczenie w niezależności”.
Po dwuletniej rekonwalescencji Braque odzyskał wigor i wystawiał w Stedelijk Museum w Amsterdamie, a następnie w Brukseli w Palais des Beaux-Arts. W 1947 r. był w Tate Gallery w Londynie. W tym samym roku Aimé Maeght zostaje jego nowym paryskim dealerem i wydaje pierwsze wydanie Cahiers G. Braque.
W 1948 roku na Biennale w Wenecji, gdzie prezentował cykl Bilard, otrzymał Grand Prix za całokształt twórczości. Następnie odbyła się seria wystaw, w szczególności w MoMA w Nowym Jorku, która zakończyła się międzynarodowym uznaniem jego twórczości. Paul Rosenberg zorganizował dla niego kolejną wystawę w swojej nowojorskiej galerii w 1948 roku.
Od 1949 roku malarz rozpoczął cykl Atelier, czyli serię ośmiu obrazów na ten sam temat, w stanie wiecznego niedokończenia. Te wiecznie przerabiane płótna przyprawiają o prawdziwy ból głowy redaktorów katalogów, zwłaszcza angielskiego krytyka sztuki Johna Richardsona, który w swoim artykule The Ateliers of Braque ma ogromne trudności z ich datowaniem. Braque bowiem stale zmienia treść i numerację obrazów z tej serii. Jeśli porównamy fotografię Roberta Doisneau przedstawiającą Atelier VII (1952-1956) w Varengeville, zobaczymy, że zostało ono zmodyfikowane, że malarz przesunął przedmioty i stało się Atelier IX. Ostatni stan tego obrazu prezentowany jest w Grand Palais w 2013 roku, olej na płótnie (146 × 146 cm), Centre Georges Pompidou.
Ptak, którego obecność nadaje nowy wymiar sześciu z ośmiu Warsztatów, pojawił się w Atelier IV, 1949, olej na płótnie (130 × 195 cm), kolekcja prywatna, z rozpostartymi skrzydłami, zajmując jedną trzecią przestrzeni. Jednym z najczęściej reprodukowanych obrazów jest Atelier I, 1949, olej na płótnie (92 × 73 cm), kolekcja prywatna. Znajduje się na nim obraz w obrazie i duży biały dzban „w dziurce od klucza”. Atelier VIII jest najbardziej frontalną i najwyższą w kolorze pracą z tej serii (132,1 × 196,9 cm), Fundación Masaveu, Oviedo.
Kolejność datowania Atelier, ostatecznie zachowana w ostatniej retrospektywie z 2013 roku, jest taka, jaką ustaliła Nicole Worms de Romilly w swoim Catalogue raisonné de l”œuvre de Braque (wyd. Maeght, siedem tomów, publikowanych od 1959 do 1982 roku). Les Ateliers byli obecni od stycznia 1949 roku na retrospektywach zorganizowanych w Museum of Modern Art w Nowym Jorku i w Cleveland Museum of Art, do których Jean Cassou napisał katalog.
W 1955 roku angielski malarz i krytyk Patrick Heron przesłał Braque”owi książkę „The Changing Forms of Art”, w której opisał Atelier, a w szczególności Billardy, jako zestawy płaskich powierzchni, z których rodzi się przestrzeń, połączonych z liniami prostymi, ukośnymi, częściowo zagrzebanymi, igrającymi z kubistyczną geometrią. Braque odpowiedział: „Miałem kilka fragmentów przetłumaczonych z Pańskiej książki o malarstwie, które przeczytałem z zainteresowaniem. Ty otwierasz oczy tym, których zwykła krytyka sprowadza na manowce.
Paulhan zauważa, że Braque jest jednym z niewielu malarzy, którzy nie namalowali własnego autoportretu, i dziwi się, że tak mało wiadomo o człowieku, który w 1951 roku został jednogłośnie odznaczony Legią Honorową jako oficer, a następnie jako komandor. „Przyjmuje chwałę spokojnie. Widzę, że wszystkie te anegdoty są skromne. Tak, ale jest też tak, że u Braque”a człowiek anegdotyczny jest dość cienki. Ten człowiek jest gdzie indziej.
Braque był przystojnym mężczyzną, został sfotografowany przez Roberta Doisneau w Varengeville, w różnych sytuacjach: na wsi. Malarza portretował też Man Ray, który w latach 1922-1925 często go fotografował, a rysował jego przyjaciel Giacometti i Henri Laurens, gdy był jeszcze zabandażowany w 1915 roku. Inspirował również fotografów Mariette Lachaud, której wystawa czterdziestu fotografii odbyła się w Varengeville w sierpniu 2013 roku. Braque był również sportowcem, uwielbiał sport i angielski boks. W 1912 r. cieszył się sławą boksera, a w 1997 r. angielski krytyk sztuki John Russell na łamach „The New York Times” wspominał jego mistrzostwo w angielskim boksie.
Ale malarz bardziej zajmował się swoim obrazem niż wizerunkiem. „Byłbym zakłopotany, gdybym decydował, czy Braque jest najbardziej pomysłowym czy najbardziej różnorodnym artystą naszych czasów. Ale jeśli wielkim malarzem jest ten, kto daje najostrzejsze i najbardziej odżywcze pojęcie o malarstwie, to właśnie Braque”a bez wahania biorę za patrona.
Przeczytaj także: biografie-pl – Francisco Pizarro
Ostatnie kilka lat
W 1952 roku Georges Salles, dyrektor Muzeów Francji, zlecił Georges”owi Braque”owi dekorację sufitu w sali Henryka II w Muzeum Luwru, pochodzącej z 1938 roku i mającej zostać poddanej renowacji. Temat wybrany przez malarza : Les Oiseaux (Ptaki) doskonale pasował do sali i nawet ci, którzy niechętnie podchodzili do mieszania sztuki nowoczesnej i dawnej, dali się ostatecznie uwieść. W 1953 r. zainaugurowano dekorację sufitu. Artyście udało się przenieść na płaszczyznę monumentalną bliski mu temat intymny. Problem, jaki stwarzała ogromna podpora, rozwiązał stosując szerokie, płaskie tonacje barwne, które nadają całości mocny i prosty wygląd. Picasso, przygnębiony tym, że nie został wybrany do tego projektu, twierdził, że Braque skopiował jego gołębie.
Braque dużo tworzył, ale ze swojego miejsca odosobnienia w Varengeville-sur-mer niewiele wychodził. Zrezygnował z Prowansji. Odwiedzali go młodzi malarze, zwłaszcza Jean Bazaine. Ale przede wszystkim Nicolas de Staël, którego gorąco wspierał, a którego samobójstwo w 1955 roku miało go bardzo dotknąć. Nicolas de Staël był tak zachwycony Braque”iem, że napisał do amerykańskiego krytyka sztuki i kolekcjonera Davida Coopera: „Zawsze będę Ci nieskończenie wdzięczny za stworzenie tego klimatu, w którym retoryka Braque”a otrzymuje światło tym lepsze, że odmówiła swego wielkiego blasku, gdzie jego obrazy w błysku fleszy naturalnie przechodzą od Sofoklesa do poufnego tonu Baudelaire”a, bez nalegania, zachowując wielki głos. Jest on wyjątkowy. Poza przyjaźnią, Staëla i Braque”a łączyło także podejście do ówczesnego malarstwa.
Duncan Phillips, który był „zauroczony” Braque”iem, jest również właścicielem wielu dzieł Staëla w The Phillips Collection. Nieoczekiwany powrót Braque”a do figuratywnych pejzaży pomiędzy Les Ateliers a Les Oiseaux jest w pewien sposób zawdzięczany wymianie ze Staëlem. Te pejzaże z ostatnich lat (1957-1963), które zafascynowały jego najbliższego przyjaciela, Alberto Giacomettiego, to w większości małe, wydłużone formaty: Marine, 1956 (26 × 65 cm), kolekcja prywatna), Le Champ de colza, 1956 (30 × 65 cm), z oczywistym nawiązaniem do podziwianego przez niego Vincenta van Gogha. Staël tworzył także obrazy nawiązujące do van Gogha: Lot mew jest także hołdem dla Pola pszenicy z wronami Vincenta van Gogha, któremu z kolei Braque składa hołd, około 1957 roku, Ptakami w pszenicy, olej na płótnie (24 × 41 cm), w stylu podobnym do Staëla. Pejzaż, 1959 (21 × 73 cm), ale także większe prace, takie jak Pług, 1960 (84 × 195 cm) i Chwastownik (1961), nad którym Braque pracował każdego lata od 1930 roku, jest ostatnim obrazem Braque”a. Obecnie znajduje się on w Musée d”Art Moderne de Paris w Centre Pompidou. Jeszcze 31 sierpnia 1963 roku, kiedy zmarł, leżał na sztalugach w jego pracowni w Varengeville. Krajobraz, który przedstawia, to krajobraz Pays de Caux, między Hawrem a Dieppe, surowy i kończący się stromymi klifami nad morzem. Obraz wydaje się być echem ostatniego obrazu Vincenta van Gogha, Pszeniczne pole z wronami (1890). „Spokój wymykał się van Goghowi, desperacko. Braque dążył do tego i rzeczywiście tak było.
Od 1953 roku Braque mnoży odniesienia do lotu, do ptaków. Można je znaleźć w Atelier IX (1952-1956), z dużymi skrzydłami, które tu i ówdzie zaburzają przestrzeń. W tych latach do jego pracy wtargnęły ptaki. Jednak dopiero w Atelier VIII (1952-1955) ptak w locie zyskał swoją biel. L”Oiseau et son nid, 1955-1956 (130,5 × 173,5 cm), Centre Pompidou, Paryż, jest wycięty abstrakcyjnie na brązowym tle. Stanowi ona ważny etap w twórczości Braque”a, ponieważ zapowiada profilowanego ptaka w À tire d”aile, 1956-1961 (114 × 170,5 cm, Centre Pompidou, Paryż), apoteozę ptasiej twórczości malarza. Artystka wybrała się na obserwację rezerwatu ptaków w Camargue i podziwiała lot różowych flamingów: „Widziałam duże ptaki przelatujące obok. Z tej wizji czerpałem formy lotnicze. Ptaki mnie zainspirowały. Sam koncept, po szoku natchnienia, który sprawił, że powstały w mojej głowie, musi zaniknąć, by przybliżyć mnie do tego, co mnie interesuje: konstrukcji faktu obrazowego. Malarz stylizuje, a następnie opracowuje formy w płaskich tonacjach, upraszczając je do granic możliwości.
Czarne ptaki (1956-1957, lub 1960 w zależności od źródła (129 × 181 cm), Adrien Maeght Collection, są reprezentatywne dla ukończonej „koncepcji ptaka”, podobnie jak À tire d”aile, 1956-1961 (129 × 181 cm), Centre Pompidou, Paryż. W obrazie Les Oiseaux, 1960 (134 × 167,5 cm) pojęcie to sprowadzone jest do niemal abstrakcyjnych znaków igrających ze światłem. Braque bardzo lubił swoje ptaki i trzymał je aż do śmierci. L”Oiseau et son nid, olej i piasek na płótnie (130,5 × 173,5 cm), Centre Georges Pompidou. „Ptak i jego gniazdo”, który zachował do śmierci, to najlepszy autoportret Braque”a.
W latach 50. i 60. prace Braque”a były przedmiotem licznych wystaw zarówno we Francji, jak i za granicą, m.in. w Tokio w Muzeum Narodowym w 1952 roku, w Kunsthalle w Bernie i w Kunsthaus w Zurychu w 1953 roku. Jednak podczas gdy w 1956 roku zorganizowano gigantyczną wystawę jego prac na Międzynarodowym Festiwalu w Edynburgu, a następnie w Tate Gallery w Londynie, on pozostał w swojej pracowni w Paryżu i opuszczał ją tylko po to, by pojechać do Varengeville. Zadowolił się wysyłaniem swoich coraz bardziej „uskrzydlonych” płócien. Wystawa w Edynburgu obejmowała natomiast dwadzieścia trzy sale i osiemdziesiąt dziewięć obrazów, które przyciągnęły bardzo liczną publiczność. W następnym roku jego rzeźby trafiły do Cincinnati Museum, a następnie w Rzymie, gdzie były wystawiane na przełomie 1958 i 1959 roku, otrzymał nagrodę Antonio Feltrinelli przyznawaną przez Akademię Sztuk Pięknych. W latach 1959-1963 Braque, który w 1950 roku wraz z Jeanem Signovertem wykonał ryciny Milarépa dla wydawnictwa Maeght, pracował również nad książkami artystów: z Pierre”em Reverdy”m – La Liberté des mers, z Frankiem Elgarem – La Résurrection de l”oiseau (1959), z Apollinaire”em – Si je mourais là-bas, z Saint-Johnem Perse”em – L”Ordre des oiseaux (1962), z René Charem – Lettera Amorosa (1963).
Braque jest jednym z najważniejszych malarzy w historii malarstwa. Wywarł wpływ na nowe pokolenia artystów. Po wystawie w Tate Gallery w Londynie w 1946 roku, którą Patrick Heron opisał jako „źle zmontowaną”, „artyści w potrzebie zaczęli, w całej Anglii i nie wiedząc o tym aroganckim krytykom, malować martwe natury ze śledziami”. Wśród malarzy, na których wpłynął Braque, Alex Danchev wymienia Bena Nicholsona, Johna Pipera czy Bryana Wintera oraz Amerykanów Williama Congdona i Ellswortha Kelly”ego. Françoise Gilot była otoczona dziełami Braque”a, a w Juilliard School w Nowym Jorku prowadzono kurs historii sztuki zatytułowany „Bach to Braque and Beyond”.
Georges Braque stworzył również witraże: siedem dla kaplicy Saint-Dominique oraz witraż przedstawiający drzewo Jessego w kościele parafialnym Saint-Valéry w Varengeville-sur-Mer w 1954 roku, a także rzeźbę na drzwi tabernakulum w kościele w Assy w 1948 roku. Ostatnia wystawa jego prac we Francji odbyła się w Musée des Arts Décoratifs w Paryżu w dniach 22 marca – 14 maja 1963 roku. Są one powielane na wielu stronach: tutaj. W tym samym roku w Monachium od 12 czerwca do 6 października trwała wielka wystawa retrospektywna prezentująca całą jego twórczość.
Zmarł 31 sierpnia 1963 roku w swoim domu w 14 okręgu Paryża. Alberto Giacometti, który przyszedł narysować jego portret żałobny, napisał: „Tego wieczoru cała twórczość Braque”a staje się dla mnie znów aktualna. Z całej jego twórczości z największym zainteresowaniem, ciekawością i wzruszeniem patrzę na małe pejzaże, martwe natury i skromne bukiety z ostatnich lat, ostatnich bardzo lat. W dniu 3 września odbył się państwowy pogrzeb artysty. André Malraux wygłasza przemówienie przed kolumnadą Luwru.
Georges Braque został pochowany następnego dnia na cmentarzu morskim w Varengeville-sur-Mer. Jego żona, Marcelle Lapré, urodzona 29 lipca 1879 r. w Paryżu, była o trzy lata starsza od malarza. Zmarła dwa lata po nim, ale zanim to nastąpiło, „w 1965 roku, na krótko przed śmiercią i zgodnie z życzeniem męża, Madame Braque dokonała darowizny czternastu obrazów i pięciu rzeźb, których malarz nie chciał opuścić Francji”. Została pochowana obok męża na cmentarzu morskim w Varengeville.
Przeczytaj także: biografie-pl – Konstancjusz I Chlorus
Okres postimpresjonizmu
Wiele obrazów z okresu postimpresjonistycznego zostało zniszczonych przez samego artystę po lecie 1904 roku w pobliżu Pont-Aven, z wyjątkiem portretu Fillette bretonne. Najstarszym wystawionym do tej pory obrazem jest Le Parc Monceau (1900), Parc Monceau na terenie Muzeum Georges-Braque w Saint-Dié-des-Vosges.
Przeczytaj także: biografie-pl – Theodore Roosevelt
Okres fowizmu (1905-1907)
Artystę do systemu fowistycznego wciągnął podziw dla ówczesnego „przywódcy fowistów” Henri Matisse”a, który z trudem odwzajemniał ten podziw, ale przede wszystkim przyjaźń z Othonem Frieszem, André Derainem i Raoulem Dufy, którzy popchnęli go do działania. Wreszcie na Salon des Indépendants w 1906 roku wystawił po raz pierwszy siedem fowistycznych obrazów, które nie odniosły sukcesu i które zniszczył. Bardzo produktywny, Braque rozpoczął okres rozkwitu: jego prace były następnie kupowane przez wiele muzeów. Większość jego prac to pejzaże, jak Mât dans le port d”Anvers, 1906, olej na płótnie (46,5 × 38,4 cm), Centre Georges-Pompidou, Bateau à quai, Le Havre, 1905 (54 × 65 cm), Museum of Modern Art, Nowy Jork, zob. obraz eksponowany w 2009 r. w Musée des Beaux-Arts de Bordeaux), Paysage à l”Estaque, 1906 (60,3 × 72,7 cm), Art Institute of Chicago, zob. A także akty: Femme nue assise, 1907, olej na płótnie (55,5 × 46,5 cm), Musée national d”art moderne, Paryż. Opis Siedząca naga kobieta i siedzący akt, 1907, olej na płótnie (61 × 50 cm), kolekcja Samir Traboulsi.
Przeczytaj także: biografie-pl – Al Capone
Kubizm analityczny (1907 – 1912)
Okres kubistyczny Braque”a rozpoczął się przede wszystkim od pejzaży, takich jak Le Viaduc à l”Estaque (1907) czy Route près de l”Estaque, a przede wszystkim Maisons à l”Estaque, który został uznany za obraz kubistyczny przez Matisse”a, a później przez Louisa Vauxcellesa, choć malarz uznał Les Instruments de musique za swój pierwszy prawdziwie kubistyczny obraz. Debaty na temat kubizmu są wciąż zagmatwane, zwłaszcza że Braque, zachowując daleko posuniętą dyskrecję, pozwolił swojemu „koledze od liny” zmonopolizować wszystkie role. Jednak każdy z nich pozostawał dla drugiego „przedpremierowym” odbiorcą przez cały okres wędrówki Braque-Picasso, od 1911 do 1912 roku, w okresie zarówno kubizmu analitycznego, jak i syntetycznego.
Relacje między dwoma malarzami stały się nieco napięte, gdy Braque wykonał swój pierwszy papier collé w Sorgues: Compotier et verre, 1912, olej i piasek na płótnie (50 × 65 cm), kolekcja prywatna, pierwszy papier collé pod tym tytułem, a następnie wiele innych papier collé, które stopniowo prowadziły do syntetycznego kubizmu.
Przeczytaj także: biografie-pl – Agatha Christie
Kubizm syntetyczny (1912 – 1917-1918)
Dokładny podział na okres analityczny i syntetyczny różni się w zależności od biografów. Niektórzy zaliczają do tego okresu klejone papiery od Compotier et verre (1912), które prowadzą do okresu „Braque le vérificateur”, obejmującego także Compotier et cartes (1913), a następnie płodną serię „Machines à voir”: Le Petit Éclaireur (1913). Z tego okresu, w którym Braque skrupulatnie doskonalił swoje malarstwo, pochodzą obrazy olejne: Skrzypce i klarnet (1913), Martwa natura z fajką (1914), Człowiek z gitarą (1914).
Katalog wystawy Georges Braque 2013 w Grand Palais poświęca osobny rozdział papierowym kolażom z lat 1912-1914, od Compotier et verre (1912) do La Bouteille de rhum (1914). Następnie powracamy do technik mieszanych na płótnie w Compotier et cartes (1913), czy Cartes et dé (1914). Papier collés można by uznać za kubistyczne interludium między „analitycznym” a „syntetycznym”.
Do głównych dzieł tego okresu należą Skrzypce i fajka LE QUOTIDIEN (1913-1914), czy La Guitare: „Statue d”épouvante” (1913), ale przede wszystkim martwe natury, gdy Braque odzyskał wzrok po długim okresie ślepoty spowodowanej raną wojenną: La Joueuse de mandoline, 1917 (92 × 65 cm), Musée de Lille métropole), La Musicienne (221,3 × 113 cm, 1917-1918, Kunstmuseum, Bazylea.
Przeczytaj także: cywilizacje – Malakka (sułtanat)
Od 1919 do 1932 r.
Zachowując rygor kubizmu, Braque odszedł od abstrakcji, tworząc martwe natury, których motywy są rozłożone w płaskich odcieniach, a kolory stają się coraz żywsze w miarę upływu czasu. Zestawianie różnych płaszczyzn, jak w Compotier avec grappe de raisin et verre (1919), Musée national d”art moderne, Centre Georges Pompidou, Paryż, odbywa się za pomocą grubych past i usztywnionych linii, które dają charakterystyczne dla Braque”a wrażenie miary. Z upływem lat coraz wyraźniej powracał do koloru, od Gitary i martwej natury na kominku, 1921, olej na płótnie (130,5 × 74,3 cm), Metropolitan Museum of Art, Gitary i martwej natury na kominku lub Gitary i szkła, 1921, olej na płótnie (43 × 73 cm), Centre national d”art et de culture Georges Pompidou, Paryż, po coraz większe formaty, jak np: Gitara i butelka soku z winogron na stole, 1930, olej na płótnie (130,5 × 75 cm), Cleveland Museum of Art, Gitara i butelka soku z winogron). Jego ulubionymi motywami były owoce, kwiaty i przedmioty. Wydawało się, że odwrócił się od kubizmu. Dzięki martwym naturom, takim jak Duży stół na piedestale (The Large Pedestal Table, także pod tytułem The Round Table, 1928-1929, olej i piasek na płótnie (147 × 114 cm), The Phillips Collection) czy Duży stół na piedestale (The Round Table), które jedni uważają za „regres”, a inni za „wystawny postęp”, malarz uprawiał sztukę w sposób zmysłowy, wydając w tym okresie swoje najbardziej zmysłowe dzieła.
Przeczytaj także: biografie-pl – Albrecht von Wallenstein
Od 1932 do 1944 r.
Dialektyka form, które są jednocześnie „naturalistyczne i abstrakcyjne”, jak określił je Christian Zervos, nabiera nowej szerokości dzięki wariacjom na temat Le Guéridon rozpoczętym w 1928 roku: Le Guéridon, olej na płótnie (197,7 × 74 cm), Museum of Modern Art, Nowy Jork, z których Braque stworzył serię w latach 1936-1939, w tym Le Grand Guéridon, również zatytułowany La Table ronde, olej na płótnie, The Phillips Collection, który jest najbardziej imponującym płótnem z serii według Bernarda Zurchera, Le Guéridon (SFMOMA), San Francisco Museum of Modern Art, Le Guéridon rouge (rozpoczęty 1939, poprawiany do 1952, Centre Pompidou). W tym okresie artysta gromadził notatki, szkice i rysunki, które sprawiają złudne wrażenie szkiców do przyszłych obrazów, a są raczej poszukiwaniami malarza w niepewności. Artysta błądzi, szukając sedna rzeczy, i choć każda strona na papierze graficznym jest bardzo interesująca dla zrozumienia jego postępów, nigdy nie została opublikowana. Do udręki wojny dochodzi niepokój związany z brakiem wiadomości o jego domu w Varengeville i zdeponowanych tam obrazach. Ale po surowych pracach, takich jak Fish czy The Stove, 1942-1943, Yale University Art Gallery, Large Interior with Palette, 1942 (143 × 195,6 cm), Menil Collection, Houston. W tym okresie rozpoczęła się również praca nad rzeźbą: Hymen, Hesperis, Mały koń, oraz grawerowanymi odlewami gipsowymi, a także ceramiką, aż do cyklu Bilard, uważanego za jeden z głównych tematów artysty.
Przeczytaj także: biografie-pl – Karl Liebknecht
Od 1944 do 1963 r.
Braque przebywał w Varengeville, gdy wojska niemieckie przekroczyły Linię Maginota. Schronili się najpierw w Limousin u Lachaudów, potem w Pirenejach, a następnie wrócili do Paryża, gdzie spędzili całą wojnę w pracowni zbudowanej przez Auguste”a Perreta przy rue du Douanier. W 1940 r. malarz niewiele tworzył. Dopiero od 1941 roku stworzył dwa imponujące cykle, surowe płótna o tematyce kuchennej i łazienkowej: Stół kuchenny z grillem, Kuchenka, Toaleta z zielonymi kafelkami oraz ogromny Grand intérieur à la palette. Ale ta oszczędność nie trwała długo. Od 1946 roku, wraz z Tournesols, Braque pozwolił kolorowi eksplodować.
Ostatnie lata kariery malarza, od końca wojny do wieczora śmierci, były według Johna Goldinga najbardziej błyskotliwe. Wielu angielskich krytyków sztuki owacją na stojąco nagrodziło jego serię Bilard, potem serię Ateliers, a także pejzaże wykonane w rozciągniętych i wąskich formatach, wystawione w Royal Academy w Londynie w 1997 roku, Braque, The Late Works. Wystawa była następnie prezentowana w Menil Collection, która wydała katalog. We Francji niewiele mówiło się o tym wydarzeniu, jak pokazuje krótki artykuł w L”Express. Ostatnie lata życia malarza to także lata poezji – litografie ilustrują cenne książki, takie jak L”Ordre des Oiseaux (1962) Saint-John Perse”a. Głównym tematem tych ostatnich lat były z pewnością ptaki, których apoteozę stanowią bardzo duże Czarne Ptaki. Mimo pozornej prostoty i zuchwałości, seria ptaków wymyka się opisowi i analizie. Braque powiedział:
„Zdefiniować coś to zastąpić definicję rzeczą. Jest tylko jedna rzecz, która jest naprawdę wartościowa w sztuce, a mianowicie to, czego nie da się wytłumaczyć. Braque, Notatnik Braque”a, cytowany przez Johna Goldinga .
Przeczytaj także: biografie-pl – Sigmund Freud
Les Bijoux de Braque (1961-1963)
„W 1961 roku, coraz gorzej się czując i nie mogąc długo pracować nad swoimi obrazami, Braque zgodził się przejąć rysunki, które miały być wykorzystane jako modele do biżuterii, w szczególności kamei z onyksu oprawionych w pierścienie. Jeden z nich podarował swojej żonie, przedstawiający profil Hekate Reprodukcja Hekate w broszy, Gwasz i reprodukcja Hekate w broszy, a sam nosił jeden jako sygnet w ostatnim roku życia: La Métamorphose d”Eos, oiseau blanc przedstawiający świt.
Przeczytaj także: biografie-pl – El Greco
Rzeźby, gobeliny, grawerowane gipsoryty
Ostatnią pracą z Metamorfoz jest gwasz wykonany przez malarza w 1963 roku (38 × 33 cm), w hołdzie i na znak przyjaźni dla Pabla Picassa, zatytułowany Les Oiseaux bleus (hołd dla Picassa). Praca ta została wykorzystana po śmierci malarza. Wykonany jako gobelin (195 × 255 cm), ręcznie wykonany w 6 egzemplarzach, przez fabrykę Roberta Four, został sprzedany na aukcji przez dom Millon, w którym wyraźnie zaznaczono „After Georges Braque”. Ten sam gwasz został wykonany jako rzeźba z brązu z niebiesko-czarną cieniowaną patyną, wyprodukowana w 8 egzemplarzach (58 × 255 cm) i sprzedana na aukcji w domu aukcyjnym w Cannes oraz w paryskim Millon.
Przez czterdzieści lat Georges Braque nie miał we Francji retrospektywy, aż do tej w latach 2013-2014, w Grand Palais. Jest to bardzo duża wystawa, na którą składa się około 236 referencji, w tym rysunki, rzeźby i fotografie. Całość prac trudno zebrać w jednym miejscu, zwłaszcza, że Grand Palais nadal poświęca biżuterii Cartier retrospektywę od 4 grudnia 2013 do 6 lutego 2014.
Wystawy uzupełniające są hołdem dla innych dzieł Braque”a, w tym samym okresie 2013-2014. Klejnoty z gwaszy stworzonych przez artystę, od 1961 do 1963 roku, były wystawiane w Muzeum Georges-Braque w Saint-Dié-des-Vosges, od 29 czerwca do 15 września 2013 roku, grafiki i ryciny artysty są obecnie prezentowane w Centrum Sztuki La Malmaison w Cannes, od 4 grudnia 2013 roku do 26 stycznia 2014 roku, Château-Musée de Dieppe poświęca wystawę grafikom Braque”a od 25 listopada 2013 roku do 5 stycznia 2014 roku.
To właśnie na podstawie podwójnej wystawy Braque, the Late Years, 1997, Londyn i Houston, angielski historyk sztuki John Golding stworzył katalog raisonné dzieł Braque”a. Jego prace nie znalazły się w katalogach wydawanych przez Maeght, który zaprzestał wydawania ich w 1957 roku, ku wielkiemu oburzeniu Alexa Dancheva.
W 2008 r. w Wiedniu odbyła się retrospektywa 80 dzieł Braque”a w Bank Austria Kunstforum, centrum sztuki mieszczącym się w dawnym budynku Banku Austria, który jest głównym sponsorem.
Przeczytaj także: biografie-pl – Maksymilian I Habsburg
Bibliografia
Dokument wykorzystany jako źródło dla tego artykułu.
Źródła
