Renaissance

Samenvatting

Renaissance, renaissance of renaissance-centrisme zijn de termen die worden gebruikt om de periode van de Europese geschiedenis aan te duiden, ruwweg van het midden van de 14e eeuw tot het einde van de 16e eeuw. Geleerden zijn het echter niet eens geworden over deze chronologie, met aanzienlijke variaties in data afhankelijk van de auteur. Hoewel de transformaties duidelijk merkbaar waren in de cultuur, de maatschappij, de economie, de politiek en de religie, de overgang van feodalisme naar kapitalisme kenmerkten en een evolutie betekenden ten opzichte van de middeleeuwse structuren, wordt de term meer gebruikt om de gevolgen voor de kunsten, de filosofie en de wetenschappen te beschrijven.

Zij werd Renaissance genoemd vanwege de intense herwaardering van de referenties van de Klassieke Oudheid, die een geleidelijke verzwakking van de invloed van religieus dogmatisme en mystiek op de cultuur en de samenleving leidde, met een gelijktijdige en groeiende waardering voor rationaliteit, wetenschap en natuur. In dit proces kreeg de mens een nieuwe waardigheid en werd hij in het centrum van de schepping geplaatst, en om die reden kreeg de voornaamste stroming in het denken van deze periode de naam van humanisme.

De beweging manifesteerde zich eerst in de Italiaanse regio Toscane, met als voornaamste centra de steden Florence en Siena, van waaruit zij zich verspreidde naar de rest van het Italiaanse schiereiland en vervolgens naar vrijwel alle landen van West-Europa, gedreven door de ontwikkeling van de pers en de circulatie van kunstenaars en werken. Italië is altijd de plaats gebleven waar de beweging haar meest typische uitdrukking vond, maar ook in Engeland, Frankrijk, Duitsland, Nederland en op het Iberisch schiereiland vonden belangrijke manifestaties van de Renaissance plaats. De internationale verspreiding van Italiaanse referenties leverde over het algemeen een kunst op die sterk afweek van haar modellen, beïnvloed door regionale tradities, die voor velen het best kan worden omschreven als een nieuwe stijl, het maniërisme. De term Renaissance werd voor het eerst gebruikt door Giorgio Vasari in de 16e eeuw, een historicus die ernaar streefde Florence te plaatsen als de hoofdrolspeler van alle belangrijke vernieuwingen, en zijn geschriften hebben een beslissende invloed uitgeoefend op de latere kritiek.

Lange tijd werd deze periode in de Verenigde Staten en Europa gezien als een homogene, samenhangende en altijd vooruitstrevende beweging, als de interessantste en vruchtbaarste periode sinds de Oudheid, en een van haar fasen, de Hoog-Renaissance, werd gewijd als de apotheose van de voorafgaande lange zoektocht naar de meest sublieme uitdrukking en de meest volmaakte nabootsing van de klassieken, en haar artistieke nalatenschap werd beschouwd als een onovertroffen paradigma van kwaliteit. In studies van de laatste decennia zijn deze traditionele opvattingen echter herzien, omdat zij als ongefundeerd of stereotiep werden beschouwd, en werd de periode als veel complexer, diverser, tegenstrijdiger en onvoorspelbaarder beschouwd dan generaties lang werd aangenomen. De nieuwe consensus die is ontstaan, erkent echter de Renaissance als een belangrijke mijlpaal in de Europese geschiedenis, als een fase van snelle en relevante veranderingen op vele gebieden, als een constellatie van culturele tekens en symbolen die veel van wat Europa was tot de Franse Revolutie heeft bepaald, en die zelfs vandaag nog in vele delen van de wereld een grote invloed blijft uitoefenen, zowel in academische kringen als in de populaire cultuur.

Humanisme kan worden aangewezen als de belangrijkste waarde die in de Renaissance werd gecultiveerd, gebaseerd op concepten die een verre oorsprong hadden in de Klassieke Oudheid. Volgens Lorenzo Casini “was een van de grondslagen van de Renaissancebeweging het idee dat de Klassieke Oudheid een voorbeeld van uitmuntendheid van onschatbare waarde vormde, waarnaar de moderne tijd, die zo decadent en onwaardig was, kon kijken om de schade te herstellen die was aangericht sinds de val van het Romeinse Rijk”. Men begreep ook dat God slechts één Waarheid aan de wereld had gegeven, die waaruit het christendom was voortgekomen en die alleen het christendom in haar geheel had bewaard, maar fragmenten ervan waren aan andere culturen toegekend, waaronder de Grieks-Romeinse cultuur, en daarom werd wat van de Oudheid in bibliografie en andere overblijfselen was overgebleven hoog gewaardeerd.

Verscheidene elementen hebben bijgedragen tot het ontstaan in Italië van het humanisme in zijn meest typische vorm. De herinnering aan de glorie van het Romeinse Rijk, bewaard in ruïnes en monumenten, en het voortbestaan van het Latijn als levende taal zijn relevante aspecten. De werken van grammatici, commentatoren, artsen en andere geleerden hielden verwijzingen naar het classicisme in omloop, en de voorbereiding van advocaten, secretarissen, notarissen en andere ambtenaren vereiste in het algemeen de studie van Latijnse retoriek en wetgeving. Het klassieke erfgoed was voor de Italianen nooit helemaal verdwenen, en Toscane werd er sterk mee geassocieerd. Maar ook al was de belangstelling voor de klassieken er blijven bestaan, zij was gering in vergelijking met de belangstelling die de antieke schrijvers in Frankrijk en andere Noordse landen althans sinds de negende eeuw wekten. Toen de classicistische mode aan het eind van de 13e eeuw in Frankrijk begon af te nemen, begon deze in Midden-Italië op te laaien, en het lijkt erop dat dit gedeeltelijk te danken was aan de Franse invloed. Petrarca (1304-1374) wordt traditioneel de grondlegger van het humanisme genoemd, maar gezien het bestaan van verschillende opmerkelijke voorlopers, zoals Giovanni del Virgilio in Bologna, of Albertino Mussato in Padua, is hij niet zozeer een grondlegger, maar wel de eerste grote exponent van de beweging.

Meer dan een filosofie was het humanisme ook een literaire stroming en een leermethode die een breed scala van interesses had, waarin de filosofie niet de enige en misschien zelfs niet de overheersende was. Zij hechtte meer waarde aan het gebruik van de individuele rede en de analyse van empirische bewijzen, in tegenstelling tot de middeleeuwse scholastiek, die zich in wezen beperkte tot het raadplegen van de autoriteiten uit het verleden, voornamelijk Aristoteles en de vroege kerkvaders, en het debatteren over de verschillen tussen auteurs en commentatoren. Het humanisme heeft deze bronnen niet terzijde geschoven, en een niet onaanzienlijk deel van zijn vorming komt voort uit middeleeuwse grondslagen, maar het is begonnen ze opnieuw te onderzoeken in het licht van nieuwe stellingen en een groot aantal andere oude teksten die werden herontdekt. In de Encyclopaedia Britannica beschrijving,

Het humanisme werd geconsolideerd vanaf de 15e eeuw, voornamelijk door de geschriften van Marsilio Ficino, Lorenzo Valla, Leonardo Bruni, Poggio Bracciolini, Erasmus van Rotterdam, Rudolph Agricola, Pico della Mirandola, Petrus Ramus, Juan Luis Vives, Francis Bacon, Michel de Montaigne, Bernardino Telesio, Giordano Bruno, Tommaso Campanella en Thomas More, onder anderen, die verschillende aspecten van de natuurlijke wereld, van de mens, van het goddelijke, van de maatschappij bespraken, van de kunsten en het denken, met een overvloed aan verwijzingen uit de oudheid die in omloop zijn gebracht door middel van voorheen onbekende teksten – Grieks, Latijn, Arabisch, Joods, Byzantijns en van andere oorsprong – die scholen en beginselen vertegenwoordigen zo divers als Neoplatonisme, hedonisme, optimisme, individualisme, scepticisme, stoïcisme, epicurisme, hermetisme, antropocentrisme, rationalisme, gnosticisme, kabbalisme, en vele anderen. Daarnaast heeft de hervatting van de studie van de Griekse taal, die in Italië geheel was opgegeven, het mogelijk gemaakt de oorspronkelijke teksten van Plato, Aristoteles en andere auteurs opnieuw te bestuderen, waarbij nieuwe interpretaties en nauwkeuriger vertalingen ontstonden, die de indruk die men van hun gedachtegoed kreeg, veranderden. Maar ook al was het humanisme opmerkelijk door zijn invloed op het gebied van de ethiek, de logica, de theologie, de rechtspraak, de retorica, de poëtica, de kunsten en de menswetenschappen, door zijn ontdekkingen, exegese, vertaling en verspreiding van klassieke teksten, en door zijn bijdrage aan de filosofie van de Renaissance op het gebied van de moraalfilosofie en de politieke filosofie, toch werd volgens Smith e.a. het grootste deel van het specifiek filosofische werk van die periode verricht door filosofen die opgeleid waren in de oude scholastieke traditie en volgelingen van Aristoteles, en door metafysici die volgelingen waren van Plato.

De schitterende culturele en wetenschappelijke bloei van de Renaissance plaatste de mens en zijn logisch redeneren en wetenschap als de maatstaven en scheidsrechters van het manifeste leven. Dit gaf aanleiding tot gevoelens van optimisme, waarbij de mens positief werd geopend voor het nieuwe en zijn geest van onderzoek werd aangemoedigd. De ontwikkeling van een nieuwe levenshouding liet de overdreven spiritualiteit van de gotiek achter zich en zag de materiële wereld met zijn natuurlijke en culturele schoonheden als een plaats om van te genieten, met de nadruk op de individuele ervaring en de latente mogelijkheden van de mens. De democratische experimenten in Italië, het groeiende prestige van de kunstenaar als geleerde en niet alleen als ambachtsman, en een nieuwe opvatting van onderwijs die de individuele talenten van ieder mens op waarde schatte en ernaar streefde de mens te ontwikkelen tot een volledig en geïntegreerd wezen, met de volledige uitdrukking van zijn geestelijke, morele en lichamelijke vermogens, voedden bovendien nieuwe gevoelens van sociale en individuele vrijheid.

De theorieën over vervolmaakbaarheid en vooruitgang werden besproken, en de voorbereiding die de humanisten voorstonden voor de vorming van de ideale mens, één van lichaam en geest, tegelijk filosoof, wetenschapper en kunstenaar, breidde de middeleeuwse onderwijsstructuur van de trívio en quadrívio uit, en creëerde daarbij nieuwe wetenschappen en disciplines, een nieuw concept van onderwijs en opvoeding en een nieuwe wetenschappelijke methode. In deze periode werden verschillende wetenschappelijke instrumenten uitgevonden, werden verschillende natuurwetten en voorheen onbekende fysische objecten ontdekt, en veranderde voor de Europeanen het aanzien van de planeet zelf na de ontdekkingen van de grote zeevaarders, waardoor de fysica, de wiskunde, de geneeskunde, de astronomie, de filosofie, de ingenieurswetenschappen, de filologie en verschillende andere takken van kennis een ongekend niveau van complexiteit, efficiëntie en nauwkeurigheid bereikten, die elk bijdroegen tot een exponentiële groei van de totale kennis, waardoor de geschiedenis van de mensheid werd opgevat als een voortdurende expansie en altijd ten goede. Deze geest van vertrouwen in het leven en de mens verbindt de Renaissance met de Klassieke Oudheid en bepaalt veel van haar erfenis. De volgende passage uit François Rabelais” Pantagruel (1532) wordt vaak geciteerd om de geest van de Renaissance te illustreren:

Ondanks het idee dat de Renaissance van zichzelf zou kunnen maken, kon de beweging nooit een letterlijke imitatie zijn van de antieke cultuur, want het gebeurde allemaal onder de mantel van het katholicisme, waarvan de waarden en de kosmogonie heel anders waren dan die van het antieke heidendom. In zekere zin was de Renaissance dus een originele en eclectische poging om het heidense neoplatonisme te harmoniseren met de christelijke godsdienst, eros met charitas, samen met oosterse, joodse en Arabische invloeden, en waarbij de studie van magie, astrologie en het occulte een belangrijke rol speelde in de uitwerking van systemen van discipline en morele en spirituele verbetering en van een nieuwe symbolische taal.

Was voorheen het christendom de enige weg naar God, die de hele verklaring van het leven en de wereld grondvestte en de heersende maatschappelijke orde rechtvaardigde, de humanisten zouden laten zien dat er vele andere wegen en mogelijkheden waren, dat zij er niet naar streefden de essentie van het credo te ontkennen – dit zou niet lang vol te houden zijn geweest, alle radicale ontkenningen in die tijd eindigden in gewelddadige onderdrukking – maar dat zij de interpretatie van de dogma”s en hun verhouding tot het leven en de maatschappelijke drama”s veranderden. Dit gaf de godsdienst meer flexibiliteit en aanpassingsvermogen, maar betekende ook een vermindering van zijn prestige en invloed op de samenleving naarmate de mens zich meer van zijn voogdij ontworstelde. Het middeleeuwse denken neigde ertoe de mens te zien als een verachtelijk schepsel, een “massa van verrotting, stof en as”, zoals Petrus Damiaan het in de elfde eeuw uitdrukte. Maar toen Pico della Mirandola in de 15e eeuw verscheen, vertegenwoordigde de mens reeds het centrum van het universum, een mutant, onsterfelijk, autonoom, vrij, creatief en machtig wezen, een echo van de oudere stemmen van Hermes Trismegistus (“Groot wonder is de mens”) en de Arabische Abdala (“Er is niets wonderbaarlijkers dan de mens”).

Enerzijds zagen sommige van deze mannen zichzelf als erfgenamen van een traditie die al duizend jaar verdwenen was, en geloofden zij dat zij in feite een grote oude cultuur deden herleven, en voelden zij zich zelfs een beetje als tijdgenoten van de Romeinen. Maar er waren anderen die hun eigen tijd zagen als onderscheiden van zowel de Middeleeuwen als de Oudheid, met een manier van leven die nooit eerder was gezien, en die vaak werd verkondigd als de vervolmaking der eeuwen. Andere stromingen pleitten voor de opvatting dat de geschiedenis cyclisch is en onvermijdelijke fasen kent van opkomst, hoogtepunt en neergang, en dat de mens een wezen is dat onderworpen is aan krachten die buiten zijn macht liggen en geen volledige beheersing heeft over zijn gedachten, capaciteiten en hartstochten, noch over de duur van zijn eigen leven. En er waren de ontevredenen, die de snelle secularisatie van de maatschappij en de praalzucht van de rijken niet konden waarderen en een terugkeer predikten naar middeleeuwse mystiek en soberheid. Recent onderzoek heeft aangetoond dat de vermenigvuldiging van eclectische werken, idiosyncratische methodologieën, uiteenlopende meningen, het streven naar encyclopedische kennis, en de herdefiniëring van esthetische en filosofische canons en ethische codes, in die tijd zoveel debat hebben gegenereerd dat het duidelijk is geworden dat het denken in de Renaissance veel heterogener was dan tot nu toe werd aangenomen, en dat de periode zo dynamisch en creatief was, onder meer door de omvang van de controverse.

De Renaissance is vaak beschreven als een optimistisch tijdperk – en uit documentatie blijkt dat dit in zijn tijd in invloedrijke kringen ook zo werd gezien – maar geconfronteerd met het leven buiten de boeken hadden de filosofen altijd moeite met de botsing tussen het Edeniaans idealisme dat zij voorstelden als de natuurlijke erfenis van de mens, een wezen dat geschapen is naar de gelijkenis van God, en de wrede hardheid van politieke tirannie, volksopstanden en oorlogen, epidemieën, endemische armoede en honger, en de chronische morele drama”s van de gewone, echte mens.

Hoe dan ook, het optimisme dat althans bij de elites standhield, zou in de zestiende eeuw weer verloren gaan, met het opnieuw opduiken van scepsis, pessimisme, ironie en pragmatisme bij Erasmus, Machiavelli, Rabelais en Montaigne, die de schoonheid van de idealen van het classicisme vereerden, maar helaas vaststelden dat ze in de praktijk niet konden worden toegepast. Terwijl een deel van de kritiek deze verandering van sfeer opvat als de laatste fase van de Renaissance, heeft een ander deel haar omschreven als een van de grondslagen van een afzonderlijke culturele stroming, het Maniërisme.

De Renaissance wordt gewoonlijk verdeeld in drie grote fasen, Trecento, Quattrocento en Cinquecento, die overeenkomen met de 14e, 15e en 16e eeuw, met een korte onderbreking tussen de laatste twee, die de Hoog-Renaissance wordt genoemd.

Trecento

Het Trecento (14e eeuw) vormt de voorbereiding op de Renaissance en is een in hoofdzaak Italiaans verschijnsel, meer bepaald van de regio Toscane, en hoewel er in deze periode in verschillende centra een begin werd gemaakt met een proces van humanisering van het denken en van afstand nemen van de gotiek, zoals in Pisa, Siena, Padua, Venetië, Verona en Milaan, waren in de meeste van deze plaatsen de regeringsregimes te conservatief om belangrijke culturele veranderingen toe te staan. Florence moest de intellectuele voorhoede op zich nemen en de overgang van het middeleeuwse naar het moderne model leiden. Deze centralisatie in Florence zou echter pas echt duidelijk worden aan het eind van de Trecento.

De identificatie van de fundamentele elementen van de Italiaanse Renaissance impliceert noodzakelijkerwijs de bestudering van de Florentijnse economie en politiek en de sociale en culturele gevolgen daarvan, maar er zijn vele onduidelijke aspecten en het gebied is beladen met controverse. Volgens Richard Lindholm bestaat er echter een vrij brede consensus dat de economische dynamiek, de flexibiliteit van de samenleving ten aanzien van uitdagingen, haar vermogen om snel te reageren in tijden van crisis, haar bereidheid om risico”s te aanvaarden en een verhit burgergevoel op grote schaal bepalende factoren waren voor de culturele, architectonische en artistieke bloei die zich voltrok en versterkte.

Het productiesysteem ontwikkelde nieuwe methoden, met een nieuwe arbeidsverdeling en een voortschrijdende mechanisatie. De Florentijnse economie draaide voornamelijk op de productie van en handel in stoffen. Het was een onstabiele maar dynamische economie, die in staat was zich radicaal aan te passen aan onvoorziene gebeurtenissen zoals oorlogen en epidemieën. Rond 1330 brak een gunstige periode aan, en na de pest van 1348 kwam zij vernieuwd en nog krachtiger uit de startblokken, met stoffen en kleding van grote luxe en verfijning.

In de vorige eeuw had zich in Toscane een middenklasse ontwikkeld die zich financieel had geëmancipeerd door zich te organiseren in gilden, beroepsverenigingen die het monopolie hadden op de levering van bepaalde diensten en de productie van bepaalde materialen en kunstvoorwerpen. In Florence werden zij in twee categorieën verdeeld: de grote kunsten (bontwerkers, artsen en apothekers) en de kleine kunsten, die een groot aantal minder prestigieuze en winstgevende beroepen omvatten, zoals de kunsten van vissers, taverneurs, schoenmakers, bakkers, wapenmakers, smeden, enzovoort. De Kunst van de Wol controleerde bijvoorbeeld de produktie, het verven en de handel in geweven stoffen, gordijnen, kleding en wollen garens, met inbegrip van import- en exportoperaties, controleerde de kwaliteit van de produkten, bepaalde de prijzen en weerhield elke concurrentie. De anderen werkten op dezelfde manier. De gilden waren veel dingen: een mengsel van vakbond, broederschap, school voor leerlingen in de ambachten, onderlinge hulpvereniging voor leden en sociale club. De Arts Major werd rijk en machtig, onderhield weelderige kapellen en altaren in de voornaamste kerken en richtte monumenten op. Zij handelden allen in opmerkelijke harmonie, hadden gemeenschappelijke doelstellingen, en beheersten praktisch de openbare aangelegenheden door hun afgevaardigden in burgerraden en magistratuur. De verschillende gilden in elke stad hadden samen bijna de gehele economisch actieve stadsbevolking in dienst, en geen lid zijn van het gilde van je vak was een bijna onoverkomelijke hindernis voor professioneel succes, vanwege de strikte controle die zij uitoefenden op de markten en het aanbod van arbeidskrachten. Aan de andere kant bood het toebehoren duidelijke voordelen voor de arbeider, en het succes van dit model betekende dat de bevolking voor het eerst op grote schaal woningbezit kon verwerven, een ontwikkeling die gepaard ging met een grotere belangstelling voor kunst en architectuur.

Hun leiders bezaten over het algemeen grote particuliere ondernemingen, hadden veel prestige, en stegen ook in sociaal opzicht door het bekleden van openbare ambten, door het verlenen van beschermheerschap aan de kunsten en de Kerk, en door het bouwen van herenhuizen en paleizen om in te wonen, waardoor zij een nieuw patriciaat vormden. De grote zakenlieden hadden vaak parallelle belangen in wisselhuizen, de voorlopers van het bankwezen, en verplaatsten fortuinen door de landgoederen van prinsen, keizers en pausen te financieren of te beheren. Deze mondige bourgeoisie werd een steunpilaar van de regering en een nieuwe markt voor kunst en cultuur. Families uit deze klasse, zoals de Mozzi, Strozzi, Peruzzi en Medici, zouden spoedig tot de adelstand behoren en sommigen zouden zelfs staten regeren.

In deze eeuw kende Florence een hevige klassenstrijd, een min of meer chronische sociaal-economische crisis en een duidelijke achteruitgang van de macht in de loop van de eeuw. Het was een tijd waarin staten een groot deel van hun energie in twee hoofdactiviteiten staken: ofwel vielen zij hun buren aan en plunderden en namen hun grondgebied in, ofwel stonden zij aan de andere kant en probeerden zij de aanvallen te weerstaan. De domeinen van Florence waren al lang bedreigd, de stad was in verschillende oorlogen verwikkeld, meestal met een nederlaag, maar soms ook met schitterende overwinningen; verschillende belangrijke banken gingen failliet; er heersten pestepidemieën; de snelle wisseling van de macht door elkaar bestrijdende facties van Welfen en Ghibellijnen, verwikkeld in bloedige twisten, liet geen sociale rust toe, noch de vaststelling van politiek-bestuurlijke doelstellingen op lange termijn, dit alles verergerd door volksopstanden en de verarming van het platteland, maar daarbij zou de stedelijke bourgeoisie democratische regeringsproeven doen. Ondanks herhaalde moeilijkheden en crisissen zou Florence halverwege de eeuw een machtige stad op het Italiaanse toneel worden; in de vorige eeuw was zij groter geworden, maar zij was nog steeds ondergeschikt aan verscheidene andere steden en onderhield een belangrijke handelsvloot en economische en diplomatieke banden met verscheidene staten ten noorden van de Alpen en rond de Middellandse Zee. Er zij op gewezen dat de democratie van de Florentijnse republiek verschilt van de moderne interpretaties van de term. In 1426 zei Leonardo Bruni dat de wet alle burgers als gelijken erkende, maar in de praktijk hadden alleen de elite en de middenklasse toegang tot openbare ambten en enige echte stem in de besluitvorming. Veel hiervan is te danken aan de bijna voortdurende klassenstrijd van de Renaissance.

Anderzijds hebben de opkomst van het begrip vrije concurrentie en de sterke nadruk op de handel het economisch systeem gestructureerd langs kapitalistische en materialistische lijnen, waarbij de traditie, met inbegrip van de religieuze traditie, werd opgeofferd aan het rationalisme, de financiële speculatie en het utilitarisme. Tegelijkertijd hebben de Florentijnen nooit, zoals in andere streken gebeurde, een moreel vooroordeel ontwikkeld tegen het zakenleven of tegen de rijkdom zelf, die beschouwd werd als een middel om de naaste te helpen en actief deel te nemen aan de maatschappij, en waren zij zich er in feite van bewust dat de intellectuele en artistieke vooruitgang grotendeels afhing van materieel succes, maar omdat gierigheid, trots, hebzucht en woeker als zonden werden beschouwd, sloot de Kerk zich aan bij de belangen van het zakenleven door gewetensconflicten te sussen en een reeks compensatiemechanismen voor misstappen aan te bieden.

Het begrip was opgenomen in de leer dat vergeving van zonden en redding van de ziel ook konden worden verkregen door openbare dienstverlening en verfraaiing van steden en kerken met kunstwerken, naast de beoefening van andere deugdzame handelingen, zoals het opdragen van missen en het sponsoren van geestelijken en broederschappen en hun initiatieven, zaken die even heilzaam waren voor de geest als nuttig voor het verhogen van het prestige van de schenker. Liefdadigheid was immers een belangrijk sociaal cement en een waarborg voor de openbare veiligheid. Behalve voor de verfraaiing van de steden zorgde het ook voor steun aan de armen, ziekenhuizen, krankzinnigengestichten, scholen en de financiering van vele administratieve eisen, waaronder oorlogen, zodat de staten altijd veel belang hadden bij de goede werking van dit systeem. Een pragmatische en seculiere cultuur werd op verschillende manieren versterkt, samen met de inbreng van humanisten, van wie velen adviseurs waren van vorsten of belast waren met hoge burgerlijke magistraturen, die de maatschappij transformeerden en rechtstreeks invloed uitoefenden op de kunstmarkt en zijn vormen van productie, distributie en waardering.

Ook al werd het christendom nooit ernstig in twijfel getrokken, toch brak aan het einde van de eeuw een periode aan van geleidelijke achteruitgang van het prestige van de Kerk en van het vermogen van de godsdienst om de mensen te beheersen en een samenhangend model van cultuur en samenleving te bieden, niet alleen vanwege de seculariserende politieke, economische en sociale context, maar ook omdat wetenschappers en humanisten begonnen te zoeken naar rationele en aantoonbare verklaringen voor de verschijnselen van de natuur, en daarbij vraagtekens zetten bij transcendentale, traditionele of folkloristische verklaringen, waardoor zowel de religieuze canon werd verzwakt als de verhouding tussen God, de mens en de rest van de Schepping werd gewijzigd. Uit deze botsing, die tijdens de Renaissance werd voortgezet en vernieuwd, zou de mens weer goed, mooi, machtig en groot worden, en de wereld zou worden gezien als een goede plaats om te leven.

De Florentijnse democratie, hoe onvolmaakt ook, ging uiteindelijk ten onder in een reeks externe oorlogen en interne onlusten, en tegen de jaren 1370 leek Florence snel op weg naar een nieuw heersersbewind. De mobilisatie van de machtige Albizzi-familie onderbrak dit proces, maar in plaats van het gemeentelijke systeem in stand te houden, nam zij de politieke hegemonie op zich en installeerde een oligarchische republiek, met de steun van bondgenoten uit het hogere burgerlijke patriciaat. Tegelijkertijd vormde zich een oppositie, gecentreerd rond de Medici, die aan hun opmars begonnen. Ondanks de korte duur van deze democratische experimenten en de frustratie van veel van hun ideële doelstellingen, vormde hun opkomst een mijlpaal in de evolutie van het Europese politieke en institutionele denken.

Quattrocento

Nadat Florence momenten van grote glans had gekend, werd de stad aan het einde van de Trecento belegerd door de opmars van het hertogdom Milaan, verloor zij verschillende gebieden en alle vroegere bondgenoten, en werd haar toegang tot de zee afgesneden. Het Quattrocento (15e eeuw) begon met Milanese troepen aan de poorten van Florence, nadat zij in de jaren daarvoor het platteland hadden verwoest. Maar plotseling in 1402 doodde een nieuwe pestepidemie hun generaal, Giangaleazzo Visconti, en voorkwam dat de stad hetzelfde lot beschoren was als een groot deel van Noord- en Noordwest-Italië, waardoor de burgerzin weer opbloeide. Vanaf dat moment begonnen plaatselijke intellectuelen en historici, mede geïnspireerd door het politieke denken van Plato, Plutarch en Aristoteles, het discours te organiseren en te verkondigen dat Florence een “heldhaftig verzet” had getoond en het grootste symbool van de republikeinse vrijheid was geworden, naast de meester van alle Italiaanse cultuur, en noemden het Het Nieuwe Athene.

Door het bereiken van onafhankelijkheid te combineren met het filosofisch humanisme dat in opmars was, kwamen enkele van de belangrijkste elementen samen die ervoor zorgden dat Florence in de politieke, intellectuele en artistieke voorhoede bleef. Tegen de jaren 1420 waren de arbeidersklassen echter beroofd van het grootste deel van de macht die zij hadden verworven, en gaven zij zich over aan een nieuw politiek landschap, dat gedurende de hele eeuw werd gedomineerd door de regering van de Medici, een regering die in naam republikeins was, maar in feite aristocratisch en heerszuchtig. Dit was een teleurstelling voor de bourgeoisie in het algemeen, maar het versterkte de gewoonte van het mecenaat, fundamenteel voor de evolutie van het classicisme. De sociale spanningen werden nooit volledig gesmoord of opgelost, en het lijkt altijd een ander belangrijk gisting te zijn geweest voor de culturele dynamiek van de stad.

De expansie van de plaatselijke produktie van luxestoffen kwam tot stilstand in de jaren 1420, maar de markten herstelden zich en breidden zich halverwege de eeuw weer uit in de handel in Spaanse en Oosterse stoffen en in de produktie van meer populaire opties, en ondanks de gebruikelijke periodieke politieke omwentelingen maakte de stad een nieuwe periode van welvaart door en intensiveerde het artistieke mecenaat, heroverde gebieden en kocht het domein van havensteden om haar internationale handel te herstructureren. Het kreeg het politieke primaat in heel Toscane, hoewel Milaan en Napels constante bedreigingen bleven. De Florentijnse bourgeois-oligarchie monopoliseerde vervolgens het gehele Europese bankwezen en verwierf aristocratische glans en grote cultuur, en vulde haar paleizen en kapellen met classicistische werken. Ostentatie wekte onvrede bij de middenklasse, die tot uiting kwam in een terugkeer naar het mystieke idealisme van de gotische stijl. Deze twee tegengestelde tendensen kenmerkten de eerste helft van deze eeuw, totdat de kleinburgerij haar weerstanden liet varen en een eerste grote esthetische synthese mogelijk maakte, die vanuit Florence zou overvloeien naar bijna het gehele Italiaanse grondgebied, gedefinieerd door het primaat van het rationalisme en de klassieke waarden.

Ondertussen was het humanisme in Europa aan het rijpen en zich aan het verspreiden via Ficino, Rodolphus Agricola, Erasmus van Rotterdam, Mirandola en Thomas More. Leonardo Bruni gaf de aanzet tot de moderne geschiedschrijving en de wetenschap en filosofie gingen vooruit met Luca Pacioli, János Vitéz, Nicolas Chuquet, Regiomontanus, Nicolau de Cusa en Georg von Peuerbach, naast vele anderen. Tegelijkertijd bracht de belangstelling voor de antieke geschiedenis humanisten als Niccolò de” Niccoli en Poggio Bracciolini ertoe de bibliotheken van Europa af te speuren naar verloren gegane boeken van klassieke auteurs. Er werden veel belangrijke documenten gevonden, zoals Vitruvius” De architectura, toespraken van Cicero, Quintilianus” Instituten van de Oratorium, Valerius Flacco”s Argonautica, en Lucretius” De rerum natura. De herovering van het Iberisch schiereiland op de Moren stelde de Europese geleerden ook een grote verzameling teksten van Aristoteles, Euclides, Ptolemaeus en Plotinus ter beschikking, die in Arabische vertalingen bewaard waren gebleven en in Europa onbekend waren, en islamitische werken van Avicenna, Geber en Averroës, die in belangrijke mate bijdroegen tot een nieuwe bloei van de filosofie, de wiskunde, de geneeskunde en andere wetenschappelijke specialismen.

De perfectionering van de pers door Johannes Gutenberg in het midden van de eeuw maakte de verspreiding van kennis onder een groter publiek veel gemakkelijker en goedkoper. Dezelfde belangstelling voor cultuur en wetenschap leidde in Italië tot de oprichting van grote bibliotheken en trachtte het Latijn, dat een veelvormig dialect was geworden, zijn klassieke zuiverheid terug te geven, waardoor het de nieuwe lingua franca van Europa werd. De restauratie van het Latijn vloeide voort uit de praktische noodzaak om deze nieuwe renaissancebibliotheek intellectueel te beheren. Tegelijkertijd veroorzaakte het een revolutie in de pedagogie en leverde het een substantieel nieuw corpus van syntactische structuren en woordenschat op voor gebruik door humanisten en literatoren, die zo hun eigen geschriften met het gezag van de Ouden bekleedden. Belangrijk was ook de belangstelling van de elites voor het verzamelen van antieke kunst, waardoor studies en opgravingen werden gestimuleerd die leidden tot de ontdekking van diverse kunstwerken, waardoor de archeologie zich verder ontwikkelde en de beeldende kunst werd beïnvloed.

Dit proces werd nog versterkt door de Griekse geleerde Manuel Crisoloras, die tussen 1397 en 1415 de studie van de Griekse taal in Italië herintroduceerde, en door het einde van het Byzantijnse Rijk in 1453 door vele andere intellectuelen, zoals Demetrius Calcondilas, George van Trebizonda, Johannes Argirópulo, Theodoor Gaza en Barlaon van Seminara, emigreerden naar het Italiaanse schiereiland en andere delen van Europa, verspreidden klassieke teksten van de filosofie en onderwezen humanisten in de kunst van het exegese. Een groot deel van wat vandaag bekend is van de Grieks-Romeinse literatuur en wetgeving is bewaard gebleven door het Byzantijnse Rijk, en deze nieuwe kennis van de originele klassieke teksten, evenals van hun vertalingen, was, volgens Luiz Marques, “een van de grootste operaties van toe-eigening van de ene cultuur door de andere, in zekere zin vergelijkbaar met die van Griekenland door het Rome van de Scythen in de tweede eeuw v. Chr. In deze grote stroom van ideeën werd de hele structuur van de oude Paideia, een geheel van ethische, sociale, culturele en opvoedkundige beginselen die door de Grieken waren bedacht en bedoeld waren om een modelburger te vormen, opnieuw in Italië geïntroduceerd. De nieuwe informatie en kennis en de daarmee gepaard gaande transformatie op alle gebieden van de cultuur gaven intellectuelen het gevoel dat zij zich midden in een fase van vernieuwing bevonden die vergelijkbaar was met de briljante fasen van oude beschavingen, in tegenstelling tot de voorafgaande Middeleeuwen, die als een tijdperk van obscuriteit en onwetendheid werden beschouwd.

De dood van Lorenzo de Medici in 1492, die bijna dertig jaar over Florence had geheerst en beroemd was geworden als een van de grootste mecenassen van de eeuw, plus de ineenstorting van het aristocratische bewind in 1494, betekenden het einde van de gouden fase van de stad. Gedurende het gehele Quattrocento was Florence het belangrijkste – maar nooit het enige – centrum voor de verspreiding van classicisme en humanisme in Noord- Midden-Italië, en cultiveerde de cultuur die bekend werd als de meest volmaakte uitdrukking van de Renaissance en het model waartegen alle andere uitdrukkingen werden afgezet. Deze lovende traditie werd sterker nadat Vasari in de 16e eeuw zijn Levens van de Kunstenaars publiceerde, de eerste mijlpaal van de moderne kunstgeschiedschrijving, waarin de Florentijnen de duidelijke hoofdrol en de superieure voortreffelijkheid werd toegedicht. Dit werk had brede repercussies en beïnvloedde eeuwenlang de loop van de geschiedschrijving.

Hoog Renaissance

De Hoog-Renaissance omvat chronologisch de laatste jaren van het Quattrocento en de eerste decennia van het Cinquecento, en wordt ruwweg begrensd door de rijpe werken van Leonardo da Vinci (vanaf ca. 1480) en de plundering van Rome in 1527. In deze periode nam Rome de artistieke en intellectuele voorhoede over, Florence op de achtergrond latend. Dit was vooral te danken aan het pauselijk beschermheerschap en een programma van stadsvernieuwing en verfraaiing, waarmee werd beoogd de voormalige keizerlijke hoofdstad nieuw leven in te blazen, juist naar het voorbeeld van de glorie van de Caesars, waarvan de pausen zich de rechtmatige erfgenamen waanden. Tegelijkertijd bevestigde zij, als zetel van het pausdom en platform voor zijn imperialistische pretenties, opnieuw haar status van “Hoofd van de Wereld”.

Dit kwam verder tot uiting in de herschepping van sociale en symbolische praktijken die die uit de oudheid nabootsten, zoals de grote triomfantelijke optochten, weelderige volksfeesten, het slaan van penningen, hoogdravende theatervoorstellingen vol historische, mythologische en allegorische figuren. Rome had tot dan toe geen grote renaissancekunstenaars voortgebracht, en het classicisme was geplant door de tijdelijke aanwezigheid van kunstenaars van elders. Maar toen meesters van het kaliber van Rafaël, Michelangelo en Bramante zich in de stad vestigden, ontstond er een dynamische plaatselijke school, die van de stad de rijkste bewaarplaats van kunst uit de Hoog-Renaissance maakte.

In die tijd was het classicisme de overheersende esthetische stroming in Italië, met vele belangrijke centra van verbouw en verspreiding. Voor het eerst werd de oudheid begrepen als een afgebakende beschaving, met een eigen geest, en niet als een opeenvolging van geïsoleerde gebeurtenissen. Tegelijkertijd werd deze geest geïdentificeerd als zeer dicht bij die van de Renaissance, waardoor kunstenaars en intellectuelen op een bepaalde manier het gevoel kregen dat zij op gelijke voet konden dialogeren met de meesters uit het verleden die zij bewonderden. Zij hadden eindelijk de taal die zij hadden ontvangen, “onder de knie” gekregen en konden die nu met meer vrijheid en begrip gebruiken.

In de loop der eeuwen heeft zich een brede consensus gevormd dat de Hoog-Renaissance de rijping vertegenwoordigde van de meest gekoesterde idealen van de hele vorige Renaissance-generatie, het humanisme, het begrip van de autonomie van de kunst, de transformatie van de kunstenaar in een wetenschapper en een geleerde, het streven naar natuurgetrouwheid, en het begrip genie. Het kreeg de naam “Hoog” vanwege dit vermeende voorbeeldige karakter, van het hoogtepunt van een traject van voortdurende stijging. Niet weinig historici hebben hartstochtelijke getuigenissen opgetekend van bewondering voor de nalatenschap van de kunstenaars uit die periode, die zij een “wonderbaarlijk”, “subliem”, “onvergelijkbaar”, “heroïsch”, “transcendent” tijdperk hebben genoemd, dat door de critici nog lang in een aura van nostalgie en verering zal worden gehuld. Zoals met alle oude consensussen en mythen, heeft de recente kritiek het op zich genomen om meer van deze traditie te deconstrueren en te herinterpreteren, en beschouwt ze het als een enigszins escapistische, esthetische en oppervlakkige visie op een sociale context die, zoals altijd, gekenmerkt wordt door enorme sociale ongelijkheid, tirannie, corruptie, ijdele oorlogen en andere problemen, “een mooie maar uiteindelijk tragische fantasie”, zoals Brian Curran heeft opgemerkt.

Deze overwaardering is ook bekritiseerd omdat zij te zeer gebaseerd zou zijn op het begrip genie, alle relevante bijdragen zou toeschrijven aan een handvol kunstenaars, en omdat zij slechts een bepaalde esthetische stroming als “klassiek” en als “de beste” zou bestempelen, terwijl de herziening van het bewijsmateriaal heeft aangetoond dat zowel de Oudheid als de Hoog-Renaissance veel gevarieerder waren dan de hegemoniale visie beweerde.

Men heeft echter het historisch belang erkend van de Hoog-Renaissance als een historiografisch concept dat meer, maar nog steeds zeer invloedrijk was, en men heeft erkend dat de esthetische normen die met name door Leonardo, Rafaël en Michelangelo werden ingevoerd, een canon opleverden die verschilde van die van hun voorgangers en uiterst succesvol was in de aanvaarding ervan, en die ook gedurende lange tijd referentieel werd. Deze drie meesters worden, ondanks het recente revisionisme en de daaruit voortvloeiende relativering van waarden, nog steeds algemeen beschouwd als de hoogste uitdrukking van die periode en de meest volledige belichaming van het begrip “genie uit de Renaissance”. Hun stijl in deze fase wordt gekenmerkt door een sterk geïdealiseerd en weelderig classicisme, dat een synthese is van uitgelezen elementen uit bijzonder prestigieuze klassieke bronnen, waarbij het realisme dat sommige stromingen uit het Quattrocento nog hanteerden, wordt afgezworen. Volgens Hauser,

Tijdens de ballingschap van de pausen in Avignon was de stad Rome sterk in verval geraakt, maar sinds hun terugkeer in de vorige eeuw hadden de pausen getracht de stad te reorganiseren en nieuw leven in te blazen, door een leger van archeologen, humanisten, antiquaren, architecten en kunstenaars in te zetten om ruïnes en monumenten te bestuderen en te conserveren en om de stad te verfraaien zodat zij haar roemrijke verleden weer waardig zou zijn. Was het volgens Jill Burke voor veel mensen uit de Renaissance een gewoonte geworden om te beweren dat zij in een nieuwe Gouden Eeuw leefden, nooit eerder werd dit met zoveel kracht en engagement bevestigd als door de pausen Julius II en Leo X, de hoofdverantwoordelijken die Rome tot een van de grootste en meest kosmopolitische Europese artistieke centra van hun tijd maakten en de voornaamste verkondigers van het idee dat in hun generatie de eeuwen hun volmaaktheid hadden bereikt.

Het gevolg van de mentaliteitsverandering tussen Quattrocento en Cinquecento is dat in het eerste geval de vorm een doel is en in het tweede geval een begin; terwijl in het eerste geval de natuur de patronen verschafte die de kunst imiteerde, zal in het tweede geval de maatschappij de kunst nodig hebben om te bewijzen dat dergelijke patronen bestaan. De meest prestigieuze kunst werd sterk zelf-referentieel en verwijderd van de alledaagse werkelijkheid, hoewel zij aan het volk werd opgedrongen in de belangrijkste openbare ruimten en in het officiële discours. Rafaël vatte de tegenstellingen samen in zijn beroemde fresco De school van Athene, een van de belangrijkste schilderijen van de hoogrenaissance, waarin de filosofische dialoog tussen Plato en Aristoteles, d.w.z. tussen idealisme en empirisme, opnieuw tot leven werd gewekt.

Het classicisme van deze fase, hoewel rijp en rijk, en in staat om werken van grote kracht te vormen, had een sterk formalistische en retrospectieve lading, en wordt om deze reden door sommige recente critici eerder als een conservatieve dan als een progressieve tendens beschouwd. Het humanisme zelf, in zijn Romeinse versie, verloor zijn burgerlijke en antiklerikale vurigheid en werd gecensureerd en gedomesticeerd door de pausen, die het in wezen omvormden tot een filosofische rechtvaardiging van hun imperialistische programma. De ethische code die in de geïllustreerde kringen werd opgelegd, een abstracte constructie en een sociaal theater in de meest concrete zin van het woord, schreef in alles matigheid, zelfbeheersing, waardigheid en beleefdheid voor. Baldassare Castiglione”s De Hoveling is de theoretische synthese.

Ondanks de ethische code die onder de elites circuleerde, zijn de tegenstrijdigheden en tekortkomingen van de heersende ideologie vandaag de dag overduidelijk voor onderzoekers. Het verfraaiingsprogramma van Rome is bekritiseerd als een destructief in plaats van constructief initiatief dat een aantal werken onvoltooid heeft gelaten en authentieke monumenten en gebouwen uit de oudheid met de grond gelijk heeft gemaakt of onnodig heeft gewijzigd. Deze samenleving bleef autoritair, ongelijk en verdorven, en te oordelen naar sommige bewijzen, schijnt zij abnormaal verdorven te zijn geweest, zozeer zelfs dat haar gelijktijdige critici de plundering van de stad in 1527 als een goddelijke straf beschouwden voor haar misdaden, zonden en schandalen. In die zin is het andere belangrijke “leerboek” van die periode Machiavelli”s De Prins, een handleiding om aan de macht te komen en daar te blijven, waarin hij verklaart dat “er geen goede wetten zijn zonder goede wapens”, zonder onderscheid te maken tussen Macht en Gezag, en waarin hij het gebruik van geweld voor de controle van de burgers legitimeert. Het boek was een belangrijke referentie voor het politieke denken van de Renaissance in zijn eindfase en een belangrijke inspiratiebron voor de moderne staatsfilosofie. Hoewel Machiavelli soms wordt beschuldigd van kilheid, cynisme, berekening en wreedheid, zozeer zelfs dat de uitdrukking “Machiavelliaans” van hem afkomstig is, is het werk een waardevol historisch document als een uitvoerige analyse van de politieke praktijk en de heersende waarden van die tijd.

Gebeurtenissen zoals de ontdekking van Amerika en de protestantse reformatie, en technieken zoals de boekdrukkunst, veranderden de cultuur en het wereldbeeld van de Europeanen, terwijl de aandacht van heel Europa gericht was op Italië en zijn vooruitgang, met de grote mogendheden van Frankrijk, Spanje en Duitsland die het wilden delen en het tot een veld van strijd en plundering maakten. Met de invasies die volgden verspreidde de Italiaanse kunst haar invloed over een uitgestrekt gebied van het continent.

Cinquecento en Italiaans Maniërisme

Het Cinquecento (16e eeuw) is de eindfase van de Renaissance, waarin de beweging wordt getransformeerd en zich uitbreidt naar andere delen van Europa. Na de val van Rome in 1527 en de betwisting van het pauselijk gezag door de protestanten, verschoof het politieke evenwicht op het continent en werd de sociaal-culturele structuur door elkaar geschud. Italië leed onder de ergste gevolgen: het werd niet alleen binnengevallen en geplunderd, maar verloor ook zijn rol als handelscentrum van Europa doordat nieuwe handelsroutes werden geopend door de grote zeevaart. Het hele panorama veranderde, naarmate de katholieke invloed afnam en gevoelens van pessimisme, onzekerheid en vervreemding de kop opstaken, die de sfeer van het maniërisme kenmerkten.

De val van Rome betekende dat er niet langer “één” centrum was dat esthetiek en cultuur dicteerde. In Florence, Ferrara, Napels, Milaan, Venetië en vele andere plaatsen ontstonden duidelijk verschillende regionale scholen, en de Renaissance verspreidde zich vervolgens definitief over heel Europa, waarbij zij diepgaand veranderde en diversifieerde terwijl zij een gevarieerd geheel van regionale invloeden incorporeerde. De kunst van eenlingen als Michelangelo en Titiaan legde in stijl de overgang vast van een tijdperk van zekerheid en helderheid naar een tijdperk van twijfel en dramatiek. De intellectuele en artistieke verworvenheden van de hoog-renaissance waren nog vers en konden niet gemakkelijk worden vergeten, ook al kon hun filosofische onderbouw niet langer geldig blijven ten aanzien van nieuwe politieke, religieuze en sociale feiten. De nieuwe kunst en architectuur die ontstond, waarbij namen als Parmigianino, Pontormo, Tintoretto, Rosso Fiorentino, Vasari, Palladio, Vignola, Romano, Cellini, Bronzino, Giambologna, Beccafumi, hoewel geïnspireerd door de Oudheid, de systemen van proportie en ruimtelijke weergave en de symbolische waarden ervan reorganiseerden en vertaalden in rusteloze, vervormde, ambivalente en kostbare werken.

Deze verandering was al enige tijd in de maak. In de jaren 1520 was het pausdom in zoveel internationale conflicten verwikkeld geraakt en was de druk om het pausdom heen zo groot geworden, dat nog maar weinigen eraan twijfelden dat Rome ten dode was opgeschreven en dat de val ervan slechts een kwestie van tijd was. Al lang voor de ramp van 1527 had Rafaël zelf, die traditioneel wordt gezien als een van de zuiverste vertegenwoordigers van de gematigdheid en evenwichtigheid die als typerend voor de Hoog-Renaissance worden beschouwd, in verschillende belangrijke werken de taferelen met zulke sterke contrasten, de groepen met zoveel beweging, de figuren met zo”n hartstochtelijke expressie bedacht, en in zulke onnatuurlijke en retorische posities, dat hij volgens Frederick Hartt niet alleen als een voorloper van het maniërisme kan worden beschouwd, maar ook van de barok, en als hij langer had geleefd zou hij ongetwijfeld Michelangelo en anderen hebben vergezeld bij de volledige overgang naar een stijl die zich consequent onderscheidde van die van het begin van de eeuw.

Vasari, een van de belangrijkste geleerden van het Cinquecento, zag geen radicale oplossing van continuïteit tussen de Hoog-Renaissance en de daaropvolgende periode waarin hij zelf leefde, hij beschouwde zichzelf nog steeds als een Renaissancemens en bij het verklaren van de duidelijke verschillen tussen de kunst van de twee perioden, zei hij dat de opvolgers van Leonardo, Michelangelo en Rafaël werkten in een “moderne stijl”, een “nieuwe manier”, die trachtte enkele van de belangrijkste werken uit de oudheid die zij kenden te imiteren. Hij doelde vooral op de in 1506 herontdekte Laocoongroep, die in Romeinse artistieke kringen grote opschudding veroorzaakte, en op de Belvedere Torso, die in diezelfde tijd beroemd en veel bestudeerd begon te worden. Deze werken oefenden een grote invloed uit op de vroege maniëristen, waaronder Michelangelo, maar toch behoren zij niet tot de Klassieke periode maar tot de Hellenistische, die in veel opzichten een antiklassieke school was. Evenmin verstonden de Renaissancers onder het begrip “klassiek” de uitdrukking van een ideaal van zuiverheid, majesteit, volmaaktheid, evenwicht, harmonie en emotionele matiging, de synthese van al wat goed, nuttig en mooi was, dat zij in het oude Griekenland tussen de 5e en 4e eeuw v.C. aantroffen. Het is moeilijk te bepalen hoe de Renaissance de verschillen zag tussen de contrasterende esthetische stromingen van de Grieks-Romeinse cultuur als geheel (de “Oudheid”), bijna alle werken uit de Oudheid waartoe zij in die tijd toegang hadden, waren Hellenistische en Romeinse herlezingen van verloren gegane Griekse modellen, een zeer eclectisch formeel repertoire dat meerdere referentiepunten bevatte uit bijna duizend jaar Grieks-Romeinse geschiedenis, een periode waarin zich verschillende en dramatische veranderingen voordeden in smaak en stijl. Zij lijken de Oudheid meer te hebben gezien als een monolithische cultuurperiode, of tenminste als een periode waaruit zij naar believen elementen konden putten om een “bruikbare Oudheid” te creëren, aangepast aan de eisen van de tijd. De criticus Ascanio Condivi vermeldt een voorbeeld van deze houding bij Michelangelo: wanneer de meester een ideale vorm wilde scheppen, stelde hij zich niet tevreden met het observeren van slechts één model, maar zocht hij er vele uit en haalde uit elk de beste kenmerken. Raphael, Bramante en anderen zouden dezelfde aanpak hebben gebruikt.

Na de 17e eeuw werd het maniërisme echter lange tijd gezien als een degeneratie van authentieke klassieke idealen, ontwikkeld door kunstenaars die gestoord waren of zich meer bezighielden met de grillen van een morbide en futiele virtuositeit. Veel latere critici schreven de dramatiek en asymmetrie van de werken uit die periode toe aan een overdreven imitatie van de stijl van Michelangelo en Giulio Romano, maar deze trekken werden ook geïnterpreteerd als een weerspiegeling van een onrustige en gedesillusioneerde tijd. Hartt wees op de invloed van kerkelijke hervormingsbewegingen op de mentaliteitsverandering. In de recente kritiek wordt begrepen dat culturele bewegingen altijd het resultaat zijn van meerdere factoren, en het Italiaanse maniërisme vormt daarop geen uitzondering, maar men is van mening dat het in wezen het product was van conservatieve hoofse milieus, complex ceremonieelisme en eclectische, ultra-verfijnde cultuur, en niet zozeer van een opzettelijk anti-klassieke beweging.

In ieder geval had de polemiek tot gevolg dat de maniëristische geleerden in twee grote stromingen uiteenvielen. Voor sommigen bracht de verspreiding van de Italiaanse invloed over Europa in het Cinquecento plastische uitingen voort die zo polymorf waren en zich zo onderscheidden van die van het Quattrocento en de Hoog-Renaissance, dat het een probleem werd om ze te beschrijven als deel uitmakend van het oorspronkelijke fenomeen, dat voor hen in veel opzichten een antithese leek te vormen van de klassieke principes die door eerdere fasen zo gewaardeerd werden en die de “echte” Renaissance zouden definiëren. Aldus vestigden zij het maniërisme als een onafhankelijke stroming, die zij erkenden als een voortreffelijke, fantasierijke en krachtige vorm van expressie, een belang dat nog werd vergroot door het feit dat het de eerste school van moderne kunst was. De andere kritische tak analyseert het echter als een verdieping en verrijking van de klassieke vooronderstellingen en als een legitieme afsluiting van de Renaissance-cyclus; niet zozeer een ontkenning of verdraaiing van die beginselen, maar een bezinning op hun praktische toepasbaarheid op dat historische moment en een aanpassing – soms pijnlijk, maar over het algemeen creatief en succesvol – aan de omstandigheden van de tijd. Om het beeld nog ingewikkelder te maken, is de identificatie van de karakteristieke kenmerken van het maniërisme, alsmede de chronologie en de toepasbaarheid op andere streken en gebieden dan de beeldende kunsten, het middelpunt geweest van een andere monumentale controverse, die door velen als onoplosbaar wordt beschouwd.

Naast de culturele veranderingen als gevolg van de politieke herschikking van het continent, werd de 16e eeuw gekenmerkt door een andere grote crisis, de protestantse Reformatie, die het oude universele gezag van de Roomse Kerk voorgoed omver wierp. Een van de belangrijkste gevolgen van de Reformatie voor de kunst van de Renaissance was de veroordeling van de heilige beelden, waardoor de noordelijke tempels ontdaan werden van picturale en sculpturale voorstellingen van heiligen en goddelijke personages, en veel kunstwerken werden vernietigd in golven van iconoclastische woede. Daarmee wendden de representatieve kunsten onder reformistische invloed zich tot profane personages en de natuur. Het pausdom besefte echter al spoedig dat kunst een doeltreffend wapen kon zijn tegen de protestanten, dat kon bijdragen tot een bredere evangelisatie en verleidelijker kon zijn voor de grote massa van het volk. Tijdens de Contrareformatie werden nieuwe voorschriften uitgevaardigd die in detail bepaalden hoe de kunstenaar werken met een religieus thema moest creëren, waarbij hij de nadruk trachtte te leggen op emotie en beweging, die werden beschouwd als de meest begrijpelijke en aantrekkelijke middelen om de eenvoudige toewijding van het volk te winnen en zo de overwinning op de protestanten te verzekeren. Maar als enerzijds de Contrareformatie aanleiding gaf tot meer opdrachten voor gewijde kunst, verdween de vroegere vrijheid van artistieke expressie die men in vroegere fasen had gezien, een vrijheid die Michelangelo in staat had gesteld zijn reusachtige paneel van het Laatste Oordeel, geschilderd in het hart van het Vaticaan, te versieren met een veelheid van naakte lichamen van grote zinnelijkheid, ook al bleef het profane veld weinig aangetast door de censuur.

De Cinquecento was ook het tijdperk van de oprichting van de eerste kunstacademies, zoals de Academie voor de Kunst van het Ontwerpen in Florence en de Academie van Sint-Lucas in Rome, een evolutie van de kunstenaarsgilden die het Academisme vestigde als een systeem van hoger onderwijs en een culturele beweging, die het leren normaliseerde, het theoretische debat stimuleerde en diende als een instrument van regeringen voor de verspreiding en inwijding van niet alleen esthetische, maar ook politieke en sociale ideologieën. De maniëristische kunsttheoretici verdiepten de debatten die door de vorige generatie waren aangezwengeld, benadrukten de banden van het menselijk intellect met de goddelijke creativiteit, en gaven prestige aan de verscheidenheid. Voor Pierre Bourdieu betekende het ontstaan van het academisch systeem de formulering van een theorie waarin de kunst een belichaming was van de principes van Schoonheid, Waarheid en Goedheid, een natuurlijke uitbreiding van de ideologie van de Hoog-Renaissance, maar de Maniëristen stonden open voor het bestaan van verschillende geldige normen, die de scheppers in verschillende opzichten een grote vrijheid lieten, vooral in de profane kunst, vrij van de controle van de Kerk. De nadruk die in de academies werd gelegd op technische verbetering en de voortdurende verwijzing naar gevestigde antieke modellen dienden er ook toe een deel van de belangstelling te verschuiven van het zeggen van iets naar het laten zien hoe goed iets was gezegd, waarbij de kunstenaar als een geleerde werd gepresenteerd. De invloed van de academies zou nog enige tijd op zich laten wachten, maar tijdens de barok en het neoclassicisme gingen zij het hele Europese kunstsysteem domineren.

De Renaissance werd historisch veel geprezen als de opening van een nieuw tijdperk, een tijdperk verlicht door de Rede waarin de mens, geschapen naar het beeld van het Goddelijke, de profetie zou vervullen dat hij met wijsheid over de wereld zou heersen, en wiens wonderbaarlijke werken hem in het gezelschap van helden, patriarchen, heiligen en engelen zouden plaatsen. Vandaag begrijpt men dat de sociale realiteit niet de hoge idealen weerspiegelde die in de kunst tot uitdrukking kwamen, en dat dit verheven ufanisme dat de beweging omringde grotendeels het werk was van de Renaissance zelf, wier intellectuele output, die hen zelf voorstelde als de stichters van een nieuwe Gouden Eeuw, en die Florence in het centrum van alles plaatste, veel van de richting van de latere kritiek bepaalde. Zelfs latere antiklassieke stromingen, zoals de barok, erkenden in de klassieken en hun renaissance-erfgenamen waardevolle waarden.

Tegen het midden van de negentiende eeuw was de periode een van de belangrijkste gebieden van wetenschappelijk onderzoek geworden, en de publicatie in 1860 van de klassieker De geschiedenis van de Renaissance in Italië, door Jacob Burckhardt, was de bekroning van vijf eeuwen historiografische traditie die de Renaissance als de eerste mijlpaal van de moderniteit plaatste, door haar te vergelijken met de verwijdering van een sluier over de ogen van de mensheid, waardoor deze in staat werd gesteld helder te zien. Maar het werk van Burckhardt verscheen toen een revisionistische tendens van deze traditie reeds voelbaar was, en de repercussie die het veroorzaakte accentueerde de polemiek alleen maar. Sindsdien heeft een groot aantal nieuwe studies een omwenteling teweeggebracht in de wijze waarop de oude kunst werd bestudeerd en begrepen.

Traditie en autoriteit werden terzijde geschoven ten gunste van de voorkeur voor het bestuderen van primaire bronnen en meer kritische, genuanceerde, gecontextualiseerde en inclusieve analyses; men realiseerde zich dat er onder de Renaissance zelf veel meer meningsverschillen bestonden dan gedacht, en dat veel aan deze verscheidenheid te danken is aan de dynamiek en originaliteit van de periode; de snelle vooruitgang van de wetenschappelijke daterings- en restauratietechnieken en van de fysisch-chemische analyse van de materialen heeft het mogelijk gemaakt talrijke traditionele toeschrijvingen van het auteurschap te consolideren en vele andere definitief op te geven, waardoor de kaart van de artistieke productie aanzienlijk is herschikt; er zijn nieuwe chronologieën vastgesteld en artistieke individualiteiten en hun bijdragen zijn geherdefinieerd; er zijn nieuwe wegen van verspreiding en invloed gevonden, en vele belangrijke werken zijn herontdekt. In dit proces werden een aantal historiografische canons omvergeworpen, en de traditie zelf van het indelen van de geschiedenis in afgebakende perioden (“Renaissance”, “Barok”, “Neoclassicisme”), werd gezien als een kunstmatige constructie die het begrip van een voortdurend maatschappelijk proces vertekent en inconsistente conceptuele stereotypen schept. Bovendien is en wordt de studie van de gehele historische, politieke en sociale context sterk verdiept, waardoor cultuuruitingen tegen een gewaardeerde achtergrond worden geplaatst op een wijze die steeds wordt bijgewerkt en pluriformer wordt.

Zo begonnen veel historici te concluderen dat de Renaissance was belast met een al te positieve waardering, en dat dit automatisch, en zonder degelijke rechtvaardiging, de Middeleeuwen en andere perioden devalueerde. Een groot deel van het moderne debat heeft getracht vast te stellen of het inderdaad een verbetering was ten opzichte van de vroegere periode. Er is op gewezen dat veel van de negatieve sociale factoren die gewoonlijk met de Middeleeuwen worden geassocieerd – armoede, corruptie, religieuze en politieke vervolging – lijken te zijn verergerd. Veel mensen die de Renaissance meemaakten, beschouwden deze niet als een “Gouden Eeuw”, maar waren zich bewust van ernstige sociale en morele problemen, zoals Savonarola, die aan het eind van de 15e eeuw een dramatische religieuze opleving ontketende die de vernietiging van talrijke kunstwerken veroorzaakte en uiteindelijk leidde tot zijn dood op de brandstapel. Johan Huizinga betoogde dat de Renaissance in bepaalde opzichten een periode van neergang was ten opzichte van de Middeleeuwen, waarin veel dingen die belangrijk waren, teniet werden gedaan. Het Latijn bijvoorbeeld was erin geslaagd zich te ontwikkelen en behoorlijk in leven te blijven tegen die tijd, maar de obsessie met klassieke zuiverheid onderbrak dit natuurlijke proces en zorgde ervoor dat het terugviel in zijn klassieke vorm. Voor Jacques Le Goff en anderen van zijn school was de Renaissance een periode waarin continuïteiten ten opzichte van de Middeleeuwen belangrijker waren dan breuken – met inbegrip van de bestendigheid van het concept van het goddelijk recht van koningen en de rituelen van de heilige monarchie, de technische grondslagen van de materiële produktie, de opvatting van de geschiedenis, van het zoeken naar gezag bij de ouden, van het denken over de grondslagen van de maatschappij en haar verdeling in drie ordes, en van de dominante rol van de Kerk -, en wees erop dat het idee van een renaissance en het verlangen naar een terugkeer naar een geïdealiseerde Gouden Eeuw die zich in de oudheid bevond, de Europese cultuur tot na de Franse Revolutie doordrong; Voor en na de Italiaanse renaissance hebben inderdaad verschillende “renaissances” plaatsgevonden, met name de Karolingische, de Ottoonse en de Neoklassieke. Veel geleerden hebben erop gewezen dat in deze fase economische recessie de overhand had boven welvarende perioden, maar anderen stellen daar tegenover dat dit een Europees verschijnsel schijnt te zijn geweest en niet specifiek Italiaans of Florentijns, terwijl Eugenio Garin, Lynn Thorndike en verscheidene anderen van mening zijn dat de geboekte wetenschappelijke vooruitgang misschien wel veel minder origineel was dan wordt verondersteld.

Marxistische historici hebben er de voorkeur aan gegeven de Renaissance in materialistische termen te beschrijven, door te stellen dat de veranderingen in kunst, literatuur en filosofie slechts deel uitmaakten van de algemene tendens van een feodale maatschappij naar kapitalisme, die resulteerde in de opkomst van een burgerlijke klasse die de tijd en het geld had om aan de kunsten te besteden. Ook wordt betoogd dat een beroep op klassieke verwijzingen in die tijd vaak een voorwendsel was om de doeleinden van de elite te legitimeren, en dat inspiratie in het republikeinse Rome en vooral in het keizerlijke Rome aanleiding zou hebben gegeven tot de vorming van een geest van concurrentie en huurlingenschap, die door de arriviste werd gebruikt voor een vaak gewetenloze sociale beklimming.

Beginnend met de opkomst van de moderne avant-garde in het begin van de twintigste eeuw, en vervolgens in verschillende opeenvolgende golven van heropvoeding, heeft de recente kritiek de betrekkingen van de culturele renaissance uitgebreid tot vrijwel elk aspect van het leven van die periode, en heeft zij haar erfenis op zo verschillende manieren geïnterpreteerd dat de oude consensussen over vele specifieke onderwerpen zijn afgebrokkeld. De definitieve indruk is echter bewaard gebleven dat de periode op vele gebieden vruchtbaar was van meesterlijke en vernieuwende prestaties en dat zij nog lange tijd een diepe stempel heeft gedrukt op de cultuur en de samenleving van het Westen.

Hoewel de recente kritiek het traditionele prestige van de Renaissance, waarbij alle perioden gelijk werden gewaardeerd en om hun eigenheid werden gewaardeerd, sterk heeft aangetast, heeft dit tegelijkertijd een buitengewone verrijking en verbreding mogelijk gemaakt van het begrip dat wij er vandaag de dag van hebben, maar dat prestige is nooit ernstig bedreigd geweest, voornamelijk omdat de Renaissance op onbetwistbare wijze een van de grondslagen en een essentieel onderdeel van de moderne westerse beschaving vormde, en een referentie is die vandaag de dag nog springlevend is. Enkele van zijn belangrijkste werken zijn ook iconen van de populaire cultuur geworden, zoals Michelangelo”s David en De schepping en Da Vinci”s Mona Lisa. Het aantal studies over het onderwerp, dat met de dag toeneemt, en de voortdurende controverse over talrijke aspecten, tonen aan dat de Renaissance rijk genoeg is om de aandacht van critici en publiek te blijven trekken.

Hoewel de meningen over bepaalde aspecten sterk uiteenlopen, schijnt men het er thans over eens te zijn dat de Renaissance een periode was waarin vele diepgewortelde overtuigingen die als waar werden beschouwd, ter discussie werden gesteld en werden getoetst aan de hand van wetenschappelijke onderzoeksmethoden, waarmee een fase werd ingeluid waarin de overheersende rol van de godsdienst en zijn dogma”s niet langer absoluut waren en de weg werd gebaand voor de ontwikkeling van wetenschap en technologie zoals wij die thans kennen. Het latere politieke denken zou niet tot stand zijn gekomen zonder de humanistische grondslagen die in de Renaissance werden geconsolideerd, toen filosofen naar de Oudheid keken voor precedenten ter verdediging van het republikeinse regime en de menselijke vrijheid, en ideeën bijwerkten die een beslissende invloed hadden op de jurisprudentie, de constitutionele theorie en de vorming van moderne staten.

Op het gebied van de beeldende kunsten werden middelen ontwikkeld die een enorme sprong voorwaarts mogelijk maakten ten opzichte van de Middeleeuwen wat betreft het vermogen om ruimte, natuur en het menselijk lichaam weer te geven, door technieken die sinds de oudheid verloren waren gegaan nieuw leven in te blazen en vanaf dat moment nieuwe technieken te creëren. De architectonische taal van paleizen, kerken en grote monumenten die uit het klassieke erfgoed stamt, is ook vandaag nog geldig en wordt gebruikt wanneer men aan moderne bouwwerken waardigheid en belang wil verlenen. In de literatuur werden de volkstalen waardig om cultuur en kennis over te brengen en de studie van de teksten van de Grieks-Romeinse filosofen verspreidde stelregels die ook vandaag nog in de volksmond aanwezig zijn en die hoge waarden aanmoedigen zoals heldendom, gemeenschapszin en altruïsme, die fundamentele bouwstenen zijn voor de opbouw van een rechtvaardigere en vrijere samenleving voor allen. De verering voor het klassieke verleden en zijn beste waarden creëerde een nieuwe kijk op de geschiedenis en legde de grondslag voor de moderne geschiedschrijving, en vormde de basis voor de vorming van een onderwijssysteem dat in die tijd verder reikte dan de elites en ook nu nog het schoolprogramma van een groot deel van het Westen structureert en de grondslag vormt voor de sociale orde en de regeringsstelsels. Tenslotte blijft de omvangrijke artistieke produktie die in zoveel landen van Europa is overgebleven, mensen uit alle delen van de wereld aantrekken en vormt zij een belangrijk deel van de definitie zelf van de westerse cultuur.

Met zoveel associaties, hoe hard geleerden ook proberen licht te werpen op het onderwerp, het blijft doorspekt met legenden, stereotypen en passie, vooral in de populaire kijk. In de woorden van John Jeffries Martin, hoofd van de afdeling Geschiedenis aan de Duke University en redacteur van een groot volume kritische essays dat in 2003 werd gepubliceerd en waarin hij de evolutie van de historiografie en de tendensen in de meer recente kritiek samenvatte,

Beeldende kunst

Op het gebied van de kunsten werd de Renaissance in zeer algemene zin gekenmerkt door inspiratie bij de oude Grieken en Romeinen en door de opvatting van kunst als imitatie van de natuur, waarbij de mens een bevoorrechte plaats in dit panorama innam. Maar meer dan een imitatie moest de natuur, om goed te worden weergegeven, een vertaling ondergaan die haar onder een rationele en mathematische optiek plaatste, als een spiegel van een goddelijke orde die de kunst moest onthullen en uitdrukken, in een periode die gekenmerkt werd door een grote intellectuele nieuwsgierigheid, een analytische en ordenende geest en een mathematisering en verwetenschappelijking van alle natuurverschijnselen. Het was een tijd van grandioze aspiraties, de kunstenaar kwam dichter bij de wetenschapper en de filosoof, en de humanisten streefden naar encyclopedische kennis; er verschenen belangrijke normatieve verhandelingen en uiteenlopende essays over kunst en architectuur, die de basis legden voor een nieuwe geschiedschrijving en een nieuwe benadering van het scheppingsproces. Alle kunsten profiteerden van de wetenschappelijke vooruitgang, waardoor op verschillende gebieden verbeteringen in technieken en materialen werden ingevoerd. Hoogtepunten zijn bijvoorbeeld de herwinning van de verloren-was giettechniek, waardoor monumenten konden worden gemaakt op een schaal die niet te vergelijken was met die van middeleeuws brons, en de popularisering van optische en mechanische mechanismen als hulpmiddelen bij schilder- en beeldhouwkunst. Anderzijds profiteerde de wetenschap van de kunst door de nauwkeurigheid en het realisme van de illustraties in wetenschappelijke verhandelingen en in de iconografie van historische figuren te verhogen, en profiteerde zij van de door kunstenaars gelanceerde ideeën over geometrie en ruimte en van de impuls om de natuurlijke wereld te onderzoeken en te observeren.

De Grieks-Romeinse canon van verhoudingen bepaalde opnieuw de bouw van de menselijke figuur; ook de cultivering van de typisch klassieke schoonheid keerde terug. De studie van de menselijke anatomie, de toenemende assimilatie van de Grieks-Romeinse mythologie in het visuele discours en de terugkeer van het naakt, vrij van de taboes waarin dit thema in de Middeleeuwen was gehuld, hebben de iconografie van de schilder- en beeldhouwkunst van die periode grondig vernieuwd, en hebben grote nieuwe gebieden van formeel en symbolisch onderzoek ontsloten, de verkenning van verschillende emoties en gemoedstoestanden bevorderde, de mode en de omgangsvormen beïnvloedde, het verzamelaarschap, het antiquariaat en de archeologie stimuleerde en een nieuwe visuele traditie van blijvende invloed schiep, terwijl het burgerlijk en particulier mecenaat de middelen verschafte voor een buitengewone bloei van de profane kunst. De belangstelling voor de weergave van het natuurlijke herleefde ook de traditie van de portretschilderkunst, die na de val van het Romeinse Rijk grotendeels was opgegeven.

Het productiesysteem

De kunstenaar in de Renaissance was een professional. Tot in de 16e eeuw zijn gedocumenteerde voorbeelden van werken die buiten het opdrachtsysteem tot stand zijn gekomen uiterst zeldzaam, en de overgrote meerderheid van de vaklieden was verbonden aan een gilde. De Florentijnse schilders behoorden tot één van de Grote Kunsten, interessant genoeg, die van de Geneesheren en Apothekers. Bronzen beeldhouwers waren ook een voorname klasse, behorend tot de Kunst van Zijde. De anderen, daarentegen, behoorden tot de Mindere Kunsten, zoals steen- en houtkunstenaars. Zij werden allen beschouwd als vaklui in de mechanische kunsten, die in de prestige-schaal van die tijd onder de vrije kunsten stonden, de enige waarin de adel zich zonder schande beroepsmatig kon bezighouden. De gilden organiseerden het stelsel van productie en handel en namen deel aan de verdeling van de bestellingen over de verschillende particuliere werkplaatsen die door meesters werden onderhouden, waar vele helpers in dienst waren en waar leerlingen werden toegelaten en voorbereid in het vak. De familie van de postulanten betaalde het grootste deel van hun opleiding, maar zij kregen enige hulp van de meester toen zij in staat werden hun taken goed uit te voeren en doeltreffend mee te werken aan de commerciële activiteiten van de werkplaats. Vrouwen werden niet toegelaten. Het leerlingschap was uitputtend, streng gedisciplineerd en duurde vele jaren, de leerlingen studeerden niet alleen de technieken van de ambachten, maar waren ook bedienden voor taken als schoonmaken en het organiseren van het atelier en andere naar goeddunken van de meester, zij werkten mee aan de opleiding van jongere leerlingen, en voordat de opleiding was voltooid en men was toegelaten tot het gilde, kon geen enkele leerling in zijn naam opdrachten ontvangen. Er waren kunstenaars die geen permanent atelier aanhielden en op tijdelijke basis door verschillende steden trokken, waarbij zij zich aansloten bij reeds georganiseerde groepen of helpers rekruteerden in de stad zelf waar het werk moest worden uitgevoerd, maar zij waren in de minderheid. Het behoud van een vaste basis belette de ateliers echter niet om opdrachten uit andere plaatsen te ontvangen, vooral als hun meesters gerenommeerd waren.

De bijdrage van de renaissancekunstenaars wordt het best herinnerd door de grote altaren, monumenten, beeldhouwwerken en schilderijen, maar de kunstateliers waren ondernemingen met een zeer gevarieerde afzetmarkt. Naast grote werken voor kerken, paleizen en openbare gebouwen, beantwoordden zij ook aan kleinere en meer populaire opdrachten: zij versierden privé-, burgerlijke en religieuze feesten en evenementen, creëerden theaterdecors en -kostuums, luxueuze kleding, juwelen en schilderden wapenschilden en emblemen, Zij maakten harnassen, wapens, monturen en versierde huishoudelijke gebruiksvoorwerpen, en een hele reeks andere artikelen, en vele hielden permanent winkels open voor het publiek, waar zij een uitstalraam van de huisspecialiteiten uitstalden.

Kunstenaars in het algemeen werden slecht betaald, er zijn veel berichten over armoede, en alleen de meesters en hun voornaamste helpers bereikten een comfortabele situatie, sommige meesters werden zelfs rijk, maar hun inkomen was altijd onderhevig aan een zeer fluctuerende markt. Gedurende de gehele Renaissance hebben de humanisten en de leidende kunstenaars systematisch gewerkt aan de emancipatie van de artistieke klasse uit de mechanische kunsten en haar ondergebracht bij de liberalen, met groot maar niet volledig succes. De gewoonte om het superieure talent van een kunstenaar te erkennen bestond al eerder; Giotto, Verrocchio, Donatello en vele anderen werden enthousiast en alom geprezen door hun tijdgenoten, maar tot de komst van Michelangelo, Rafaël en Leonardo was geen enkele kunstenaar in zo”n hoge mate het voorwerp geweest van vleierij van de machtigen, waardoor de gezagsverhouding tussen werknemer en werkgever, en tussen de elite en het plebs bijna werd omgekeerd, en dit was evenzeer te danken aan de verandering in het begrip van de rol van de kunst als aan het feit dat deze kunstenaars zich bewust waren van hun waarde en hun vastberadenheid om die te laten erkennen.

De grootste bijdrage van de renaissanceschilderkunst was haar nieuwe manier om de natuur weer te geven, door een zodanige beheersing van de picturale techniek en het centrumperspectief dat zij in staat was een efficiënte illusie van driedimensionale ruimte op een plat vlak te creëren. Een dergelijke prestatie betekende een radicaal afscheid van het middeleeuwse systeem van voorstelling, met zijn staticiteit, zijn diepteloze ruimte, zijn figuratief schematisme en zijn symbolisch systeem van verhoudingen, waarin de belangrijkste personages groter van formaat waren. De nieuwe vastgestelde parameter had een wiskundige en natuurkundige grondslag, het resultaat was “realistisch” (in de zin van het scheppen van een illusie van efficiënte ruimte), en de organisatie ervan was gericht op het gezichtspunt van de waarnemer. Daarin zien we een weerspiegeling van de popularisering van de beginselen van rationalisme, antropocentrisme en humanisme. De beeldtaal die door de schilders van de Renaissance werd geformuleerd, was zo succesvol dat zij ook vandaag nog geldig is en door velen wordt beschouwd als de meest natuurlijke manier om ruimte weer te geven.

Renaissanceschilderkunst is in wezen lineair; tekenen werd nu beschouwd als de basis van alle beeldende kunsten en de beheersing ervan als een eerste vereiste voor elke kunstenaar. Daarbij was de studie van de beeldhouwwerken en reliëfs uit de oudheid van groot nut, die de basis vormde voor de ontwikkeling van een groot repertoire van thema”s en van lichaamsgebaren en -houdingen, maar ook de directe observatie van de natuur was een belangrijk element. In de constructie van de schilderkunst vormde de lijn traditioneel het demonstratieve en logische element, en kleur gaf affectieve toestanden of specifieke kwaliteiten aan. Een ander verschil met de kunst van de Middeleeuwen was de invoering van een grotere dynamiek in scènes en gebaren, en de ontdekking van schaduw, of clair-obscur, als een plastisch en mimetisch middel.

Giotto, handelend tussen de 13de en de 14de eeuw, was de grootste schilder van de vroege Italiaanse Renaissance en de belangrijkste wegbereider van de naturalisten in de schilderkunst. Zijn revolutionaire werk, in tegenstelling tot dat van laatgotische meesters als Cimabue en Duccio, maakte grote indruk op zijn tijdgenoten en zou alle Italiaanse schilderkunst van de Trecento domineren door zijn logica, eenvoud, precisie en natuurgetrouwheid. Ambrogio Lorenzetti en Taddeo Gaddi zetten de lijn van Giotto voort zonder te vernieuwen, hoewel in andere werken vooruitstrevende kenmerken vermengd werden met elementen van de nog sterke gotiek, zoals te zien is in het werk van Simone Martini en Orcagna. Giotto”s naturalistische en expressieve stijl vertegenwoordigde echter de voorhoede in de visualiteit van deze fase, en verspreidde zich naar Siena, dat Florence een tijdlang voorging in artistieke vooruitgang. Van daaruit verspreidde het zich naar Noord-Italië.

In het Quattrocento kregen de voorstellingen van de menselijke figuur stevigheid, majesteit en kracht, en weerspiegelden zij het gevoel van zelfvertrouwen van een maatschappij die zeer rijk en complex werd, en een veelzijdig paneel vormde van trends en invloeden. Maar gedurende het grootste deel van de eeuw zou de kunst de botsing laten zien tussen de ultieme echo”s van de spirituele en abstracte gotiek, geïllustreerd door Fra Angelico, Paolo Uccello, Benozzo Gozzoli en Lorenzo Monaco, en de nieuwe organiserende, naturalistische en rationele krachten van het classicisme, vertegenwoordigd door Botticelli, Pollaiuolo, Piero della Francesca en Ghirlandaio.

In die zin was, na Giotto, Masaccio de volgende evolutionaire mijlpaal, in wiens werken de mens een duidelijk veredeld aspect heeft en wiens visuele aanwezigheid onmiskenbaar concreet is, met een efficiënt gebruik van de effecten van volume en driedimensionale ruimte. Hij leverde een belangrijke bijdrage aan de verwoording van de moderne beeldtaal in het Westen; alle belangrijke Florentijnse schilders van de volgende generatie werden door hem beïnvloed, en toen zijn werk werd “herontdekt” door Leonardo da Vinci, Michelangelo en Rafaël, kreeg het een nog grotere waardering en bleef het zes eeuwen lang in zwang. Voor veel critici is hij de ware grondlegger van de Renaissance in de schilderkunst, en er is over hem gezegd dat hij “de eerste was die wist hoe je mensen schildert die werkelijk met hun voeten op de aarde staan”.

In Venetië, een ander centrum van groot belang en misschien wel de belangrijkste rivaal van Florence in deze eeuw, was er een groep illustere kunstenaars, zoals Jacopo Bellini, Giovanni Bellini, Vittore Carpaccio, Mauro Codussi en Antonello da Messina. Siena, dat in vroegere jaren tot de avant-garde had behoord, aarzelde nu tussen de spirituele aantrekkingskracht van de gotiek en de profane allure van het classicisme, en verloor aan kracht. Intussen begon ook in andere streken van Noord-Italië het classicisme zich te versterken, via Perugino in Perugia; Cosimo Tura in Ferrara, Pinturicchio, Melozzo da Forli en Mantegna in Padua en Mantua. Pisanello was actief in een groot aantal steden.

Men mag ook de vernieuwende invloed niet vergeten die de olieverftechniek, die in de Quattrocento in de Nederlanden werd ontwikkeld en een hoog niveau van verfijning had bereikt, op de Italiaanse schilders uitoefende, waardoor het mogelijk werd veel preciezere en scherpere beelden te maken en met een veel subtielere arcering dan die welke met fresco, encaustiek en tempera werd bereikt, een nieuwigheid die een belangrijke invloed had op de portretschilderkunst en de landschapsschilderkunst. Vlaamse doeken werden in Italië juist om deze kwaliteiten zeer gewaardeerd, en een groot aantal ervan werd door de Italianen ingevoerd, gekopieerd of nagevolgd.

Later, in de Hoog-Renaissance, drong Leonardo da Vinci door tot het terrein van de dubbelzinnige en mysterieuze atmosferen met een verfijnde olieverftechniek, waarbij kunst en wetenschap sterk werden gecombineerd. Met Rafaël bereikte het classicistische voorstellingssysteem een grandioze schaal, waarbij imposante illusionistische architectuur en landschappen werden geschapen, maar hij vertaalde in zijn madonna”s ook een tot dan toe ongekende lieflijkheid die al snel zeer populair werd. In Venetië steekt Titiaan er met kop en schouders bovenuit en verkent hij nieuwe chromatische verhoudingen en een vrijere, meer gebarende schildertechniek. Michelangelo, die het proces van de verheffing van de mens bekroonde, bracht het in de Sixtijnse Kapel tot een opgeblazen uitdrukking van het mythische, het sublieme, het heroïsche en het pathetische. Vele anderen hebben belangrijke bijdragen nagelaten, zoals Correggio, Sebastiano del Piombo, Andrea del Sarto, Jacopo Palma, Giorgione en Pontormo.

Maar deze fase, met een groot formeel evenwicht, duurde niet lang en zou spoedig grondig veranderen en plaats maken voor het maniërisme. Bij de maniëristen werd de hele opvatting van ruimte veranderd, het perspectief werd versnipperd in meerdere gezichtspunten en de verhoudingen van de menselijke figuur werden vervormd voor expressieve of esthetische doeleinden, waardoor een meer dynamische, levendige, subjectieve, dramatische, kostbare, intellectualistische en verfijnde beeldtaal ontstond.

In de beeldhouwkunst zijn de tekenen van een herwaardering van een classicistische esthetiek oud. Nicola Pisano vervaardigde rond 1260 een preekstoel voor het Baptisterium van Pisa, die wordt beschouwd als de voorbode van de Renaissance in de beeldhouwkunst, waarin hij een groot mannelijk naakt plaatste dat de deugd van de standvastigheid voorstelde, en het lijkt duidelijk dat zijn belangrijkste inspiratie kwam van het observeren van Romeinse sarcofagen versierd met reliëfs die op het kerkhof van Pisa bestonden. Zijn bijdrage, hoewel beperkt tot zeer weinig werken, wordt even relevant geacht voor de geschiedenis van de beeldhouwkunst als die van Giotto voor de schilderkunst. In feite is de kunst van Giotto grotendeels te danken aan het onderzoek van Nicola Pisano.

Zijn zoon Giovanni Pisano en andere belangrijke volgelingen, zoals Arnolfo di Cambio en Lapo di Ricevuto, zouden waardevolle lessen trekken uit hun contact met het classicisme, maar hun stijl vordert in dit opzicht ongelijkmatig. Giovanni zou later de scène in Florence, Pisa en Siena in het begin van de veertiende eeuw domineren, hij creëerde andere belangrijke naakten, waaronder een vrouwelijke die het klassieke model van de Venus pudica reproduceert, en hij zou een van de introduceerders van een nieuw genre zijn, dat van de pijnlijke kruisbeelden, van grote dramatiek en grote invloed, tot dan toe ongewoon in Toscane. Zijn veelzijdig talent zou aanleiding geven tot werken van zuivere, pure lijnen, zoals het portret van Enrico Scrovegni. Zijn Madonnas, reliëfs en de preekstoel van de kathedraal van Pisa zijn daarentegen veel aangrijpender en dramatischer.

In het midden van de eeuw verwierf Andrea Pisano bekendheid als de maker van de reliëfs op de zuiddeur van het baptisterium in Florence en als architect van de kathedraal van Orvieto. Hij was de meester van Orcagna, wiens tabernakel in Orsanmichele een van de meesterwerken van die periode is, en van Giovanni di Balduccio, auteur van een prachtig en complex grafmonument in de Milanese Portinari kapel. Zijn generatie werd gedomineerd door de invloed van Giotto”s schilderkunst. Ondanks de vooruitgang die door een aantal actieve meesters werd bevorderd, weerspiegelt hun werk nog steeds een kruising van stromingen die typerend zou zijn voor de gehele Trecento, en zijn gotische elementen nog steeds overheersend of belangrijk in al deze werken.

Tegen het einde van de Trecento verscheen de figuur van Lorenzo Ghiberti in Florence, auteur van reliëfs in de doopkapel van Sint-Jan, waar de klassieke modellen stevig waren verankerd. Donatello leidde toen de vooruitgang op verschillende fronten en oefende een grote invloed uit. Tot zijn belangrijkste werken behoren beelden van profeten uit het Oude Testament, waarvan Habakkuk en Jeremia tot de indrukwekkendste behoren. Hij vernieuwde ook het ruiterstandbeeld met het Gattamelata-monument, het belangrijkste in zijn soort sinds dat van Marcus Aurelius in de tweede eeuw. Tenslotte is zijn koperen, houten boetvaardige Magdalena van 1453 een beeld van pijn, soberheid en transfiguratie dat in zijn tijd zijn gelijke niet kende, en dat een aangrijpend gevoel van drama en realiteit in de beeldhouwkunst introduceerde dat alleen in het hellenisme te zien was geweest.

In de volgende generatie valt Verrocchio op door de theatraliteit en dynamiek van zijn composities. Hij was schilder, beeldhouwer, scenograaf en decorateur, een van de voornaamste lievelingen van de Medici. Zijn Christus en Sint Thomas heeft een groot realisme en poëzie. Hij componeerde een Kind met een dolfijn voor de Neptunusfontein in Florence, dat het prototype is van de serpentinefiguur, die het meest prestigieuze vormmodel in maniërisme en barok zou worden, en met zijn Dame met een bos bloemen presenteerde hij een nieuw buste-model, inclusief de armen en de helft van het lichaam, dat populair werd. Zijn grootste werk, het ruitermonument voor Bartolomeo Colleoni in Venetië, is een expressie van kracht en sterkte die intenser is dan de Gattamelata. Verrocchio oefende invloed uit op vele schilders en beeldhouwers van de 15e eeuw, waaronder Leonardo, Perugino en Rafaël, en wordt beschouwd als een van de grootste kunstenaars van de eeuw.

Andere opmerkelijke namen zijn Luca della Robbia en zijn familie, een dynastie van pottenbakkers, scheppers van een nieuwe techniek van glazuren en verglazen van keramiek. Een soortgelijke techniek, majolica, was al eeuwen bekend, maar Luca ontwikkelde een variant en paste die met succes toe op grootschalige sculpturen en decoratieve decors. Zijn uitvinding vergrootte de duurzaamheid en de sterkte van de stukken, hield de levendige kleuren in stand en maakte installatie buitenshuis mogelijk. Luca was ook een bekend beeldhouwer in marmer, en Leon Battista Alberti plaatste hem onder de leiders van de Florentijnse avant-garde, samen met Masaccio en Donatello. De grote popularisatoren van de keramische techniek waren echter zijn neef Andrea della Robbia en zijn zoon Giovanni della Robbia, die de afmetingen van de assemblages hebben vergroot, het kleurenpalet hebben verrijkt en de afwerking hebben verfijnd. De techniek werd lange tijd geheim gehouden.

Florence bleef het centrum van de avant-garde tot de verschijning van Michelangelo, die werkte voor de Medici en in Rome voor de pausen, en was de meest invloedrijke naam in de beeldhouwkunst van de Hoge Renaissance tot het midden van de vijftigste eeuw. Zijn werk evolueerde van het pure classicisme van David en Bacchus naar het maniërisme, dat tot uiting kwam in heftige en dramatische werken zoals de Slaven, de Mozes en de naakten in de Medici kapel in Florence. Kunstenaars als Desiderio da Settignano, Antonio Rosselino, Agostino di Duccio en Tullio Lombardo lieten ook werken na van groot meesterschap en belang, zoals Lombardo”s Adam, het eerste naakt op ware grootte dat sinds de oudheid bekend is.

De Renaissance-cyclus wordt afgesloten met o.a. Giambologna, Baccio Bandinelli, Francesco da Sangallo, Jacopo Sansovino en Benvenuto Cellini, met een stijl van grote dynamiek en expressiviteit, getypeerd in Giambologna”s Ontvoering uit de Sabijnen. Uitmuntende kunstenaars uit andere Europese landen begonnen al te werken volgens duidelijk Italiaanse lijnen, zoals Adriaen de Vries en Germain Pilon, waardoor de Italiaanse smaak zich over een groot geografisch gebied verspreidde en aanleiding gaf tot diverse syncretische formuleringen met regionale scholen.

Beeldhouwkunst was overal aanwezig, in de straten als monumenten en ornamenten van gebouwen, in de zalen van de adel, in kerken, en in het eenvoudigste huis was er altijd wel een devotiebeeld te vinden. Vazen, meubels en alledaagse gebruiksvoorwerpen van de elite hadden vaak gegraveerde of gebeeldhouwde details, en ook miniaturen zoals herdenkingsmedailles kunnen tot dit gebied worden gerekend. In deze periode werden technische middelen ontwikkeld die een enorme sprong voorwaarts mogelijk maakten ten opzichte van de Middeleeuwen wat betreft het vermogen om vrije vormen in de ruimte te creëren en de natuur en het menselijk lichaam weer te geven, en de publicatie van verschillende verhandelingen en commentaren over deze kunst introduceerde methodologieën en theorieën die het begrip van het gebied verbreedden en het een meer wetenschappelijke conceptualisering verschaften, waardoor een invloedrijke kritische traditie ontstond. De verbetering van de beeldhouwtechnieken maakte de creatie van werken mogelijk op een schaal die alleen in de oudheid bekend was, en de burgerzin van de Florentijnen stimuleerde de uitvinding van nieuwe modellen van openbare monumenten, een typologie die samenhing met een ander begrip van het voorstellingsvermogen van de mens als een sociale en opvoedkundige praktijk.

Muziek

In het algemeen biedt de muziek van de Renaissance geen panorama van abrupte onderbrekingen in de continuïteit, en de hele lange periode kan worden beschouwd als het terrein van de langzame transformatie van een modaal naar een tonaal universum, en van horizontale polyfonie naar verticale harmonie. De Renaissance was ook een periode van grote vernieuwing in de behandeling van de stem en in de orkestratie, in de instrumentale en in de consolidatie van zuiver instrumentale genres en vormen met de danssuites voor bals, omdat er een grote vraag was naar muzikale omlijsting bij elk feest of ceremonie, openbaar of privé.

In de compositietechniek wordt de melismatische polyfonie van de organons, rechtstreeks ontleend aan het gregoriaans, verlaten ten gunste van een slankere schrijfwijze, waarbij de stemmen op een steeds evenwichtiger manier worden behandeld. In het begin van de periode wordt de parallelle beweging spaarzaam gebruikt, accidentalen zijn zeldzaam, maar harde dissonanten zijn gebruikelijk. Verderop begint het schrijven in drie stemmen met drieklanken, die een indruk van tonaliteit geven. Voor het eerst wordt beschrijvende of programmatische muziek geprobeerd, rigide ritmische modi maken plaats voor isoritmiek en vrijere, meer dynamische vormen zoals de ballade, het chanson en het madrigaal. In de gewijde muziek werd de misvorm het meest prestigieus. De notatie evolueert naar het aannemen van lagere waarde noten, en tegen het einde van de periode wordt het tertsinterval aanvaard als consonantie, terwijl voorheen alleen de kwint, het octaaf en de unisono dat waren.

De voorlopers van deze transformatie waren geen Italianen, maar Fransen zoals Guillaume de Machaut, auteur van de grootste muzikale prestatie van de Trecento in heel Europa, de Mis van de Notre Dame, en Philippe de Vitry, veel geprezen door Petrarca. Van de Italiaanse muziek van deze vroege fase is zeer weinig overgeleverd, hoewel bekend is dat de activiteit intens was en vrijwel geheel in het profane domein lag, met als voornaamste bronnen van partituren de Codex Rossi, de Codex Squarcialupi en de Codex Panciatichi. Onder zijn vertegenwoordigers waren Matteo da Perugia, Donato da Cascia, Johannes Ciconia en bovenal Francesco Landini. Pas in het Cinquecento begon de Italiaanse muziek haar eigen, originele kenmerken te ontwikkelen, terwijl zij tot dan toe sterk afhankelijk was van de Frans-Vlaamse school.

Het overwicht van de noordelijke invloeden betekent niet dat de Italiaanse belangstelling voor muziek gering was. Bij gebrek aan muzikale voorbeelden uit de oudheid om na te volgen, wendden Italiaanse filosofen als Ficino zich tot klassieke teksten van Plato en Aristoteles voor referenties, zodat muziek kon worden gemaakt die de ouden waardig was. In dit proces werd een belangrijke rol gespeeld door Lorenzo de” Medici in Florence, die een muziekacademie stichtte en verscheidene Europese musici aantrok, en door Isabella d”Este, wier kleine maar briljante hof in Mantua dichters aantrok die eenvoudige gedichten in het Italiaans schreven om op muziek te zetten, en daar werd de voordracht van poëzie, zoals in andere Italiaanse centra, gewoonlijk door muziek begeleid. Het genre dat de voorkeur genoot was de frottola, die reeds een goed gedefinieerde tonale harmonische structuur vertoonde en zou bijdragen tot de vernieuwing van het madrigaal, met zijn typische trouw aan tekst en affecten. Andere polyfone genres, zoals de mis en het motet, maken inmiddels ten volle gebruik van imitatie tussen de stemmen en worden alle op soortgelijke wijze behandeld.

Belangrijke Vlaamse componisten werken in Italië, zoals Adriaen Willaert en Jacob Arcadelt, maar de beroemdste figuren van de eeuw zijn Giovanni da Palestrina, Italiaan, en Orlando de Lasso, Vlaming, die een standaard voor koormuziek zetten die in het hele continent navolging zou vinden, met een melodieuze en rijke schriftuur, van groot formeel evenwicht en nobele expressiviteit, met behoud van de verstaanbaarheid van de tekst, een aspect dat in de voorafgaande periode vaak secundair was en verloren ging in de ingewikkelde complexiteit van het contrapunt. De indruk van zijn muziek past bij de idealistische grandeur van de Hoog-Renaissance, die bloeide in een fase waarin het maniërisme al sterk tot uiting kwam in andere kunsten, zoals schilder- en beeldhouwkunst. Aan het eind van de eeuw verschenen drie grote figuren, Carlo Gesualdo, Giovanni Gabrieli en Claudio Monteverdi, die de harmonische vooruitgang zouden inluiden en een gevoel voor kleur en timbre zouden introduceren die de muziek zou verrijken door haar een maniëristische expressiviteit en dramatiek te geven en haar voor te bereiden op de barok. Monteverdi in het bijzonder is belangrijk omdat hij de eerste grote operazanger in de geschiedenis was, en zijn opera”s L”Orfeo (1607) en L”Arianna (1608, verloren gegaan, slechts één beroemde aria is overgebleven, de Klaagzang) vertegenwoordigen de nobele zonsondergang van de Renaissance muziek en de eerste grote mijlpalen van de muzikale Barok.

Architectuur

De blijvende aanwezigheid van vele sporen van het oude Rome in de Italiaanse bodem heeft nooit opgehouden de plaatselijke bouwkunst te beïnvloeden, of het nu gaat om het gebruik van structuurelementen of materialen die door de Romeinen werden gebruikt, of om het levend houden van de herinnering aan klassieke vormen. Toch bleef in de Trecento de gotiek de dominante stijl en zou het classicisme pas in de volgende eeuw sterk opkomen, te midden van een nieuwe belangstelling voor de grote verwezenlijkingen van het verleden. Deze belangstelling werd gestimuleerd door de herontdekking van verloren gewaande klassieke bibliografieën, zoals Vitruvius” De Architectura, die in 1414 of 1415 in de bibliotheek van de abdij van Monte Cassino werd gevonden. Daarin verheerlijkte de auteur de cirkel als de volmaakte vorm, en ging hij in op de ideale verhoudingen van het gebouw en van de menselijke figuur, en op symmetrie en de relatie van de architectuur tot de mens. Zijn ideeën zouden vervolgens worden uitgewerkt door andere architecten, zoals de eerste grote exponent van het architectonisch classicisme, Filippo Brunelleschi, die zijn inspiratie eveneens putte uit de ruïnes die hij in Rome had bestudeerd. Hij was de eerste die de moderne architectonische ordes op een coherente manier toepaste en een nieuw systeem van verhoudingen vaststelde, gebaseerd op de menselijke schaal. Hij was ook verantwoordelijk voor het gebruik van het perspectief voor de illusionistische weergave van de driedimensionale ruimte op een tweedimensionaal vlak, een techniek die in de komende eeuwen sterk zou worden ontwikkeld en de hele stijl van de toekomstige kunst zou bepalen, en een vruchtbare band tussen kunst en wetenschap zou inluiden. Leon Battista Alberti is een andere architect van groot belang, die beschouwd wordt als een perfect voorbeeld van de “universele man” uit de Renaissance, veelzijdig in verschillende specialismen. Hij was de auteur van het traktaat De re aedificatoria, dat canoniek zou worden. Andere architecten, kunstenaars en filosofen voegden zich bij de discussie, zoals Luca Pacioli in zijn De Divina Proportione, Leonardo met zijn ontwerpen van gecentreerde kerken en Francesco di Giorgio met het Trattato di architettura, ingegneria e arte militare.

Een van de meest opvallende kenmerken van de renaissance-architectuur is de terugkeer van het gecentraliseerde tempelmodel, ontworpen op basis van een Grieks kruis en bekroond door een koepel, als afspiegeling van de popularisering van concepten uit de neoplatonische kosmologie en met de daarmee gepaard gaande inspiratie van relikwieën als het Pantheon in Rome. Het eerste in zijn soort dat in de Renaissance werd gebouwd, was wellicht San Sebastiano in Mantua, een werk van Alberti uit 1460, dat echter onvoltooid is gebleven. Het model was gebaseerd op een meer menselijke schaal, waarbij het intense verticalisme van de gotische kerken werd losgelaten en de koepel de bekroning vormde van een compositie die uitblonk in verstaanbaarheid. Vooral wat de structuur en de constructietechnieken van de koepel betreft, werden in de renaissance grote prestaties geleverd, maar het was een late toevoeging aan het schema, omdat de voorkeur werd gegeven aan houten daken. Tot de belangrijkste behoren de achthoekige koepel van de Dom van Florence van Brunelleschi, die bij de bouw geen steigers of beton gebruikte, en die van de Sint-Pietersbasiliek in Rome van Michelangelo, reeds uit de 16e eeuw.

Vóór de Cinquecento bestond er geen woord om architecten aan te duiden in de betekenis waarin zij thans worden begrepen, en werden zij bouwmeesters genoemd. Architectuur was de meest prestigieuze kunst van de Renaissance, maar de meeste grote meesters uit die tijd waren, toen zij hun praktijk in de bouwkunst begonnen, reeds gereputeerde kunstenaars, maar hadden geen opleiding op dit gebied genoten en kwamen uit de beeldhouw- of schilderkunst. Op hen werd een beroep gedaan voor de grote projecten van openbare gebouwen, paleizen en kerken, terwijl de volksarchitectuur werd toevertrouwd aan kleine bouwers. In tegenstelling tot de middeleeuwse praktijk, die werd gekenmerkt door functionaliteit en onregelmatigheid, vatten de meesters gebouwen op als kunstwerken, zaten zij vol ideeën over goddelijke geometrieën, symmetrieën en perfecte verhoudingen, wilden zij graag Romeinse gebouwen imiteren en maakten zij gedetailleerde tekeningen en een houten model op kleine schaal van het gebouw, dat als blauwdruk diende voor de bouwers. Deze ontwerpen waren constructief en plastisch vernieuwend, maar besteedden weinig aandacht aan de praktische uitvoerbaarheid en de behoeften van het dagelijks gebruik, met name bij de verdeling van de ruimten. Het waren de bouwers die de technische problemen moesten oplossen die zich tijdens de werkzaamheden voordeden, waarbij zij probeerden het oorspronkelijke ontwerp te handhaven, maar onderweg vaak belangrijke aanpassingen en veranderingen aanbrachten als het ontwerp of een deel ervan onpraktisch bleek. Volgens Hartt waren de bouwers er bij de aanvang van grote en complexe werken zoals kerken zelden zeker van dat zij het tot het einde zouden halen. Sommige meesters werkten er echter lange jaren aan en werden grote kenners van het onderwerp, waarbij zij belangrijke technische, structurele en functionele nieuwigheden introduceerden. Zij ontwierpen ook vestingwerken, bruggen, kanalen en andere bouwwerken, alsmede grootschalige stadsplanning. De meeste van de vele stadsplannen uit de Renaissance zijn nooit uitgevoerd, en van de stadsplannen die wel zijn begonnen is er niet veel terechtgekomen, maar sindsdien zijn zij een bron van inspiratie geweest voor stadsplanners van alle generaties.

Aan de profane kant verzekerden aristocraten als de Medici, de Strozzi, de Pazzi, zich van hun status door opdracht te geven tot de bouw van paleizen van grote grandeur en originaliteit, zoals het Palazzo Pitti (Brunelleschi), het Palazzo Medici Riccardi (Michelozzo), het Palazzo Rucellai (Alberti) en het Palazzo Strozzi (Maiano), alle transformeren ze hetzelfde model van de Italiaanse middeleeuwse paleizen, met een min of meer kubusvormig corpus, verdiepingen met hoge plafonds, gestructureerd rond een binnenplaats, met een rustieke voorgevel en bekroond door een grote kroonlijst, wat ze een aspect van degelijkheid en onoverwinnelijkheid geeft. Meer zuiver klassieke vormen zijn te zien in Giuliano da Sangallo”s Villa Medici. Interessante variaties van dit model worden aangetroffen in Venetië, gezien de overstroomde kenmerken van het terrein.

Na Donato Bramante, de leider van de hoogrenaissance, die het centrum van de architectonische belangstelling van Florence naar Rome bracht en de auteur was van een van de meest modelachtige sacrale bouwwerken van zijn generatie, de Tempietto, vinden we Michelangelo zelf, beschouwd als de uitvinder van de kolossale orde en een tijdlang architect van de werken van de Sint-Pietersbasiliek. Michelangelo was, in de ogen van zijn tijdgenoten, de eerste die de tot dan toe gevestigde regels van de classicistische architectuur ter discussie stelde en een persoonlijke stijl ontwikkelde, want hij was, volgens Vasari, de eerste die zich openstelde voor echte creatieve vrijheid. Hij vertegenwoordigt dus het einde van het “collectieve classicisme”, dat tamelijk homogeen is in zijn oplossingen, en het begin van een fase van individualisering en vermenigvuldiging van architectonische talen. Door het immense prestige dat hij onder de zijnen genoot, opende hij voor de nieuwe generatie scheppers de weg om talloze experimenten uit de klassieke canon van de architectuur uit te voeren, waardoor deze kunst onafhankelijk werd van de oude – hoewel grotendeels schatplichtig aan hen. Enkele van de meest opmerkelijke namen uit deze tijd waren Della Porta, Sansovino, Palladio, Fontana, Peruzzi en Vignola. Tot de wijzigingen die door deze groep werden ingevoerd, behoorden de versoepeling van de structuur van de voorgevel en de opheffing van de hiërarchieën van de oude ordes, met een grote vrijheid voor het gebruik van onorthodoxe oplossingen en de ontwikkeling van een smaak voor een zuiver plastisch spel met vormen, waardoor de binnenruimten en de gevels veel meer dynamiek kregen. Van alle laat-renaissancisten was Palladio de invloedrijkste, en tot op de dag van vandaag is hij de meest bestudeerde architect ter wereld. Hij was de schepper van een vruchtbare school, die Palladianisme werd genoemd en die, met ups en downs, tot in de twintigste eeuw heeft standgehouden.

Met de groeiende beweging van kunstenaars, humanisten en leraren tussen de steden ten noorden van de Alpen en het Italiaanse schiereiland, en met de grote verspreiding van gedrukte teksten en kunstwerken door reproducties in gravure, begon het Italiaanse classicisme in het midden van de 15e eeuw aan een fase van verspreiding over het continent. Frans I van Frankrijk en Karel V, keizer van het Heilige Roomse Rijk, zagen al snel de mogelijkheden in van het prestige van de Italiaanse kunst om hun koninklijke afbeeldingen te promoten, en waren doorslaggevende agenten voor de intensieve verspreiding ervan buiten de Alpen. Maar dit was aan het begin van de 16e eeuw, toen de renaissancecyclus in Italië al minstens tweehonderd jaar aan het rijpen was en zich al in de maniëristische fase bevond.

Er zij dus op gewezen dat er in de rest van Europa geen Quattrocento of Hoog-Renaissance is geweest. In de Cinquecento, de periode waarin de Europese italianisering een hoogtepunt bereikte, waren de regionale tradities, ook al waren zij tot op zekere hoogte doordrongen van het classicisme, nog sterk doordrenkt van stijlen die in Italië al achterhaald waren, zoals de romaanse en de gotische stijl. Het resultaat was zeer heterogeen en rijkelijk hybride, leidde tot het openen van meerdere wegen, en de analyse ervan is vervuld van controverse, waarbij de enige grote consensus die is gevormd de nadruk legt op de diversiteit van de beweging, haar brede uitstraling en de moeilijkheid van een samenhangende generalistische beschrijving voor haar manifestaties, in het perspectief van het bestaan van regionale en nationale scholen met een sterke eigenheid, elk met een specifieke geschiedenis en waarden.

Frankrijk

De invloed van de Renaissance via Vlaanderen en Bourgondië bestond al sinds de 15e eeuw, zoals blijkt uit de output van Jean Fouquet, maar de Honderdjarige Oorlog en pestepidemieën vertraagden de bloei, die pas optrad vanaf de Franse invasie in Italië door Karel VIII in 1494. De periode loopt tot ongeveer 1610, maar het einde ervan is tumultueus met de godsdienstoorlogen tussen katholieken en hugenoten, die het land verwoestten en verzwakten. Tijdens zijn ambtstermijn begint Frankrijk met de ontwikkeling van het absolutisme en breidt het uit over zee om Amerika te verkennen. Het zwaartepunt lag in Fontainebleau, de zetel van het hof, en daar ontstond de School van Fontainebleau, geïntegreerd door Fransen, Vlamingen en Italianen als Rosso Fiorentino, Antoine Caron, Francesco Primaticcio, Niccolò dell”Abbate en Toussaint Dubreuil, die een referentie was voor anderen als François Clouet, Jean Clouet, Jean Goujon, Germain Pilon en Pierre Lescot. Leonardo was daar ook aanwezig. Desondanks kende de schilderkunst een betrekkelijk zwakke en weinig vernieuwende ontwikkeling, meer gericht op kostbaar detail en virtuositeit, geen enkele Franse kunstenaar uit deze periode verwierf een continentale faam zoals zoveel Italianen bereikten, en het classicisme is alleen waarneembaar door de maniëristische filter. Aan de andere kant ontstond een versieringsstijl die al snel op grote schaal in Europa werd nagevolgd en waarin schilderingen, reliëfstucwerk en gesneden houten elementen werden gecombineerd.

De architectuur was een van de meest originele Franse renaissancekunsten, en in heel Europa buiten Italië verschenen geen gebouwen die vergelijkbaar waren met de grote Franse paleizen zoals die van Fontainebleau, Tuileries, Chambord, Louvre en Anet, de meeste met grote formele tuinen, waarbij de architecten Pierre Lescot en Philibert de l”Orme opvielen, sterk beïnvloed door het werk van Vignola en Palladio, voorstanders van een zuiver classicisme, en organisatoren van symmetrische gevels en plattegronden. In ieder geval was hun classicisme niet zuiver: zij reorganiseerden de klassieke orden op verschillende manieren, creëerden varianten, dynamiseerden de plattegronden en de volumes en legden een grote nadruk op weelderige en grillige versieringen, in strijd met de beginselen van rationaliteit, eenvoud en vormeconomie van het meer typische classicisme, en met behoud van plaatselijke tradities die kenmerkend waren voor de gotiek.

In de muziek was er een enorme bloei door de Bourgondische School, die het Europese muziekleven in de 15e eeuw domineerde en die aanleiding zou geven tot de Frans-Vlaamse School, die meesters zou voortbrengen als Josquin des Prez, Clément Janequin en Claude Le Jeune. Het Franse chanson van de 16e eeuw zou een rol spelen bij de vorming van de Italiaanse canzona, en zijn Musique mesurée zou een patroon van declamatorische vocale schriftuur tot stand brengen in een poging om de muziek van het Griekse theater te herscheppen, en zou de evolutie naar volledige tonaliteit bevorderen. Er verscheen ook een genre van gewijde muziek dat zich onderscheidde van zijn Italiaanse voorbeelden, bekend als het chanson spirituelle. In de literatuur onderscheidden zich Rabelais, een voorloper van het fantastische genre, Montaigne, popularisator van het genre van het essay, waarvan hij vandaag de dag nog steeds een van de grootste namen is, en de groep die de Pleiaden vormde, met Pierre de Ronsard, Joachim du Bellay en Jean-Antoine de Baïf. Zij streefden naar een vernaculaire actualisering van de Grieks-Romeinse literatuur, de navolging van specifieke vormen en de creatie van neologismen op basis van het Latijn en het Grieks.

Nederland en Duitsland

De Vlamingen stonden al sinds de 15e eeuw in contact met Italië, maar pas in de 16e eeuw verandert de context en wordt deze gekenmerkt als renaissance, die een relatief korte levensduur heeft. In deze fase wordt de regio rijker, de protestantse reformatie wordt een beslissende kracht, tegen de katholieke overheersing van Karel V, wat leidt tot ernstige conflicten die het gebied zouden verdelen. De handelssteden Brussel, Gent en Brugge ontwikkelden nauwere contacten met Noord-Italië en gaven werken in opdracht of trokken Italiaanse kunstenaars aan, zoals de architecten Tommaso Vincidor en Alessandro Pasqualini, die er het grootste deel van hun leven doorbrachten. De liefde voor de graveerkunst bracht talrijke reproducties van Italiaanse werken naar de streek, Dürer liet op zijn doorreis een onuitwisbaar spoor na, Erasmus hield het humanisme levend en Rafaël liet in Brussel wandtapijten vervaardigen. Vesalius boekte belangrijke vooruitgang in de anatomie, Mercator in de cartografie en de nieuwe pers vond in Antwerpen en Leuven de voorwaarden voor de oprichting van invloedrijke uitgeverijen.

In de muziek wordt Nederland, samen met het noordwesten van Frankrijk, het belangrijkste centrum voor heel Europa door de Frans-Vlaamse School. In de schilderkunst ontwikkelde zij een originele school, die het schilderen met olieverf populariseerde en enorme aandacht besteedde aan detail en lijn, zeer trouw bleef aan sacrale onderwerpen en haar gotische traditie integreerde in Italiaanse maniëristische vernieuwingen. Jan van Eyck, Rogier van der Weyden en Jheronimus Bosch waren de voorlopers in de 15e eeuw, en al snel zou de regio zijn eigen bijdrage leveren aan de Europese kunst, met de consolidatie van de landschapsschilderkunst met Joachim Patinir en de genreschilderkunst met Pieter Brueghel de Oudere en Pieter Aertsen. Andere opmerkelijke namen zijn Mabuse, Maarten van Heemskerck, Quentin Matsys, Lucas van Leyden, Frans Floris, Adriaen Isenbrandt en Joos van Cleve.

Duitsland versterkte zijn Renaissance door zijn rijke gotische verleden te versmelten met Italiaanse en Vlaamse elementen. Een van de eerste meesters was Konrad Witz, gevolgd door Albrecht Altdorfer en Albrecht Dürer, die twee keer in Venetië was en er diep werd beïnvloed, en het betreurde dat hij naar het noorden moest terugkeren. Samen met de geleerde Johann Reuchlin was Dürer een van de belangrijkste invloeden voor de verbreiding van de Renaissance in Midden-Europa en ook in de Nederlanden, waar zijn beroemde gravures zeer werden geprezen door Erasmus, die hem “de Apeles van de zwarte lijnen” noemde. De Romeinse school was een belangrijk element in de vorming van de stijl van Hans Burgkmair en Hans Holbein, beiden uit Augsburg, die door Titiaan werd bezocht. Op muziekgebied volstaat het Orlando de Lasso te vermelden, een lid van de Frans-Vlaamse School die zich in München vestigde en die de beroemdste componist van Europa in zijn generatie zou worden, zozeer zelfs dat hij door keizer Maximiliaan II tot ridder werd geslagen en door paus Gregorius XIII tot ridder werd geslagen, iets wat uiterst zeldzaam is voor een musicus.

Portugal

De invloed van de Renaissance in Portugal strekt zich uit van het midden van de 15e tot het einde van de 16e eeuw. Hoewel de Italiaanse Renaissance een bescheiden invloed had op de kunst, waren de Portugezen invloedrijk in het verbreden van het wereldbeeld van de Europeanen, en stimuleerden zij de humanistische nieuwsgierigheid.

Als pionier van de Europese ontdekkingsreizen bloeide Portugal aan het einde van de 15e eeuw op met zijn zeevaarten naar het Oosten, waarbij enorme winsten werden behaald die de commerciële bourgeoisie stimuleerden en de adel verrijkten, waardoor luxe en het cultiveren van de geest mogelijk werden. Het contact met de Renaissance kwam door de invloed van rijke Italiaanse en Vlaamse kooplieden die in de zeehandel investeerden. De handelscontacten met Frankrijk, Spanje en Engeland waren zeer intensief, en de culturele uitwisseling werd geïntensiveerd.

Als belangrijke zeemacht trok het specialisten aan in wiskunde, astronomie en marinetechnologie, zoals Pedro Nunes en Abraão Zacuto; cartografen Pedro Reinel, Lopo Homem, Estevão Gomes en Diogo Ribeiro, die cruciale vooruitgang boekten bij het in kaart brengen van de wereld. En afgezanten naar het Oosten, zoals de apotheker Tomé Pires en de arts Garcia de Orta, verzamelden en publiceerden werken over de nieuwe plaatselijke planten en geneesmiddelen.

In de architectuur financierden de winsten uit de specerijenhandel in de eerste decennia van de 16e eeuw een weelderige overgangsstijl, die maritieme elementen vermengt met gotiek, manuelijn. Het Jerónimosklooster, de Toren van Belém en het raam van het Kapittel van het Christusklooster in Tomar zijn de bekendste, Diogo Boitaca en Francisco de Arruda waren de architecten. In de schilderkunst vallen Nuno Gonçalves, Gregório Lopes en Vasco Fernandes op. In de muziek, Pedro de Escobar en Duarte Lobo, alsmede vier liedboeken, waaronder het Cancioneiro de Elvas en het Cancioneiro de Paris.

In de literatuur introduceerde Sá de Miranda Italiaanse versvormen; Garcia de Resende stelde in 1516 het Cancioneiro Geral samen en Bernardim Ribeiro was de wegbereider van het bucolicisme. Gil Vicente versmolt ze met de volkscultuur en verhaalde over de veranderende tijden, en Luís de Camões legde de prestaties van de Portugezen vast in het epische gedicht Os Lusíadas. Vooral de reisliteratuur bloeide op: João de Barros, Castanheda, António Galvão, Gaspar Correia, Duarte Barbosa, Fernão Mendes Pinto, e.a. beschreven nieuwe landen en werden door de nieuwe pers vertaald en verspreid. Na te hebben deelgenomen aan de Portugese verkenning van Brazilië, in 1500, bedacht Amerigo Vespucci, agent van de Medici, de term Nieuwe Wereld.

De intense internationale uitwisseling bracht verschillende humanistische en kosmopolitische geleerden voort: Francisco de Holanda, André de Resende en Damião de Góis, vriend van Erasmus, die met zeldzame onafhankelijkheid schreven tijdens het bewind van Manuel I; Diogo en André de Gouveia, die via Frankrijk belangrijke hervormingen in het onderwijs doorvoerden. Exotische berichten en producten in de Portugese handelspost van Antwerpen trokken de belangstelling van Thomas More en Durer naar de wijde wereld. In Antwerpen droegen de Portugese winsten en kennis bij tot de Renaissance en de Gouden Eeuw van de Nederlanden, vooral na de komst van de beschaafde en rijke Joodse gemeenschap die uit Portugal was verdreven.

Spanje

In Spanje waren de omstandigheden op verschillende punten vergelijkbaar. De herovering van Spaans grondgebied op de Arabieren en de fantastische toevloed van rijkdom uit de Amerikaanse koloniën, met de daarmee gepaard gaande intense commerciële en culturele uitwisseling, lagen aan de basis van een fase van ongekende expansie en verrijking van de plaatselijke kunst. Kunstenaars als Alonso Berruguete, Diego de Siloé, Tomás Luis de Vitoria, El Greco, Pedro Machuca, Juan Bautista de Toledo, Cristóbal de Morales, Garcilaso de la Vega, Juan de Herrera, Miguel de Cervantes en vele anderen lieten opmerkelijke werken na in klassieke of maniëristische stijl, dramatischer dan hun Italiaanse voorbeelden, omdat de geest van de Contrareformatie daar een bolwerk had en, in heilige schrijvers als Teresa van Avila, Ignatius van Loyola en Johannes van het Kruis, grote vertegenwoordigers. Vooral in de architectuur werd de weelderige versiering typerend voor de stijl die bekend staat als platereske, een unieke synthese van gotische, Moorse en renaissance-invloeden. De Universiteit van Salamanca, waarvan het onderwijs humanistische trekken vertoonde, en de vestiging van Italianen als Pellegrino Tibaldi, Leone Leoni en Pompeo Leoni zorgden voor extra kracht in het proces.

De latere Renaissance stak zelfs de oceaan over en schoot wortel in Amerika en het Oosten, waar vele kloosters en kerken die door de Spaanse kolonisatoren in de centra van Mexico en Peru werden gesticht, en door de Portugezen in Brazilië, Macao en Goa, waarvan sommige nu op de Werelderfgoedlijst staan, nog steeds bestaan.

Engeland

In Engeland viel de Renaissance samen met het zogenaamde Elizabethaanse tijdperk, van grote maritieme expansie en relatieve binnenlandse stabiliteit na de verwoestingen van de lange War of the Roses, toen het mogelijk werd om na te denken over cultuur en kunst. Zoals in de meeste andere landen van Europa vermengt het nog levende gotische erfgoed zich met verwijzingen uit de late Renaissance, maar het onderscheidt zich door het overwicht van literatuur en muziek boven de andere kunsten, en de geldigheid tot ongeveer 1620. Dichters als John Donne en John Milton onderzoeken nieuwe manieren om het christelijk geloof te begrijpen, en toneelschrijvers als Shakespeare en Marlowe bewegen zich behendig tussen thema”s die centraal staan in het menselijk leven – verraad, transcendentie, eer, liefde de dood – in beroemde tragedies als Romeo en Julia, Macbeth, Othello, de Moor van Venetië (Shakespeare), en Dokter Faustus (Marlowe), maar ook op hun meer prozaïsche en luchthartige aspecten in charmante fabels als Een midzomernachtsdroom (Shakespeare). Filosofen als Francis Bacon stippelden nieuwe grenzen uit voor het abstracte denken en dachten na over een ideale samenleving, en in de muziek werd de Italiaanse madrigaleske school geassimileerd door Thomas Morley, Thomas Weelkes, Orlando Gibbons en vele anderen, kreeg zij een onmiskenbaar lokaal tintje en schiep zij een traditie die ook vandaag nog levend is, naast grote polyfonisten als John Taverner, William Byrd en Thomas Tallis. De laatste liet het beroemde motet Spem in alium na, voor veertig stemmen verdeeld in acht koren, een compositie die in zijn tijd ongeëvenaard was door zijn meesterschap in het beheer van grote vocale massa”s. In de architectuur vielen Robert Smythson en de Palladianisten Richard Boyle, Edward Lovett Pearce en Inigo Jones op, wier werk zelfs zijn weerslag had in Noord-Amerika, waar zij discipelen maakten in George Berkeley, James Hoban, Peter Harrison en Thomas Jefferson. In de schilderkunst werd de Renaissance vooral door Duitsland en de Nederlanden ontvangen, met als grote figuur Hans Holbein, later opbloeiend met William Segar, William Scrots, Nicholas Hilliard en verscheidene andere meesters van de Tudor School.

Geschiedenis, filosofie en esthetiek

Kunsten en wetenschappen

Bronnen

  1. Renascimento
  2. Renaissance
  3. a b c Schmitt, Charles B. et al. (eds.). The Cambridge History of Renaissance Philosophy. Cambridge University Press, 1988, pp. 127-135
  4. a b c d e “Renaissance”. In: Encyclopædia Britannica online.
  5. a b c “Western Philosophy: Renaissance Philosophy”. In: Encyclopadedia Britannica online, consulta em 17/10/2017
  6. a b c d e f g h Heller, Ágnes. Renaissance Man. Routledge, 2015, pp. 1-25
  7. a b c Brotton, Jerry. The Renaissance: A Very Short Introduction. Oxford University Press, 2006, s/pp.
  8. ^ French: [ʁənɛsɑ̃s] (listen), meaning ”re-birth”, from renaître ”to be born again”; Italian: Rinascimento [rinaʃʃiˈmento], from rinascere, with the same meanings.[2]
  9. ^ So Europe in 1300 was considerably more similar to Europe in 1520 than it was in (say) 800, even though 800 and 1300 are both considered to be in the Middle Ages, and conversely, Europe in 1700 was more similar to Europe in 1520 than it was in (say) 1900, even though 1700 and 1900 are both considered to be in the modern period.
  10. ^ It is thought that Leonardo da Vinci may have painted the rhombicuboctahedron.[66]
  11. ^ Joseph Ben-David wrote: Rapid accumulation of knowledge, which has characterized the development of science since the 17th century, had never occurred before that time. The new kind of scientific activity emerged only in a few countries of Western Europe, and it was restricted to that small area for about two hundred years. (Since the 19th century, scientific knowledge has been assimilated by the rest of the world).
  12. «Renacimiento». Oxford University Press. Consultado el 8 de marzo de 2022.
  13. «La falacia de convertir en verdad histórica lo que es historiografía». Reinventar la Antigüedad. Consultado el 1 de agosto de 2018.
  14. Le Moyen Âge se termine en 1453 ou 1492 selon les auteurs, mais la Renaissance a commencé bien plus tôt en Italie
Ads Blocker Image Powered by Code Help Pro

Ads Blocker Detected!!!

We have detected that you are using extensions to block ads. Please support us by disabling these ads blocker.