Salvador Dalí

Samenvatting

Salvador Dalí, geboren in Figueras op 11 mei 1904 en overleden in dezelfde stad op 23 januari 1989, was een Catalaanse schilder, beeldhouwer, graveur, scenarioschrijver en schrijver van Spaanse nationaliteit. Hij wordt beschouwd als een van de belangrijkste vertegenwoordigers van het surrealisme en een van de beroemdste schilders van de 20e eeuw.

Al op jonge leeftijd beïnvloed door het impressionisme, verliet hij Figueras om een academische kunstopleiding te volgen in Madrid, waar hij bevriend raakte met Federico García Lorca en Luis Buñuel en zijn stijl zocht tussen verschillende artistieke stromingen. Op aanraden van Joan Miró verhuisde hij na zijn studie naar Parijs en sloot zich aan bij de surrealistische groep, waar hij zijn vrouw Gala ontmoette. Hij vond zijn eigen stijl vanaf 1929, toen hij een volwaardig surrealist werd en de paranoïde-kritische methode uitvond. Een paar jaar later werd hij uit de groep gezet, leefde tijdens de Spaanse Burgeroorlog in ballingschap in Europa, voordat hij het door oorlog verscheurde Frankrijk verliet voor New York, waar hij acht jaar woonde en zijn fortuin maakte. Bij zijn terugkeer naar Catalonië in 1949 wendde hij zich tot het katholicisme, kwam dichter bij de schilderkunst van de Renaissance en liet zich door de wetenschappelijke ontwikkelingen van zijn tijd inspireren om zijn stijl te ontwikkelen in de richting van wat hij “corpusculaire mystiek” noemde.

Zijn meest voorkomende thema”s waren dromen, seksualiteit, eten, zijn vrouw Gala en religie. De volharding van het geheugen is een van zijn beroemdste surrealistische schilderijen, Christus van Sint Jan van het Kruis is een van zijn belangrijkste schilderijen met een religieus motief. Hij was een zeer fantasierijk kunstenaar, maar vertoonde een opmerkelijke neiging tot narcisme en megalomanie, waardoor hij de aandacht van het publiek trok, maar irriteerde sommigen in de kunstwereld, die dit gedrag zagen als een vorm van publiciteit die soms verder ging dan zijn werk. Tijdens zijn leven werden twee musea aan hem gewijd, het Salvador Dalí Museum en het Dalí Theater-Museum. Dalí zelf creëerde het laatste als een volwaardig surrealistisch werk.

Dalí”s sympathie voor Francisco Franco, zijn excentriciteit en zijn late werken maken de analyse van zijn werk en zijn persoon moeilijk en controversieel.

Kindertijd

Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí i Domènech werd geboren op 20 Monturiol Street. Dit gebied, de Empordà, met de haven van Cadaqués, diende als “decor, steun en toneelgordijn” voor zijn werk. Zijn vader, Salvador Dalí y Cusi (1872-1952) was notaris. Zijn moeder was Felipa Domènech Ferrés y Born (1874-1921). Hij werd geboren negen maanden na de dood van zijn broer, ook Salvador genaamd (1901-1903), die stierf aan een besmettelijke maag-darmontsteking. Toen hij vijf jaar oud was, namen zijn ouders hem mee naar het graf van zijn broer en vertelden hem – naar eigen zeggen – dat hij de reïncarnatie van zijn broer was. Deze scène zou hem een verlangen hebben gegeven om zijn uniciteit in de wereld te bewijzen, een gevoel een kopie van zijn broer te zijn, en een angst voor het graf van zijn broer.

“Ik ben dubbel geboren. Mijn broer, de eerste poging tot mezelf, een extreem en dus niet-levensvatbaar genie, had nog zeven jaar geleefd voordat zijn versnelde hersencircuits vlam vatten”.

Zijn vader wordt beschreven als autoritair of eerder liberaal, afhankelijk van de bron. In ieder geval accepteerde hij zonder al te veel moeite dat zijn zoon een carrière in de kunst begon, aangemoedigd door de artistieke opleving in Catalonië aan het begin van de eeuw. Zijn moeder compenseerde dit autoritaire karakter enigszins door de artistieke belangstelling van haar zoon te steunen, zijn driftbuien, zijn bedplassen, zijn dromen en zijn leugens te tolereren.

Dalí had ook een zus, Ana Maria, die vier jaar jonger was dan hij. In 1949 publiceerde zij een boek over haar broer, Dalí gezien door zijn zus. Tijdens zijn jeugd raakte Dalí bevriend met toekomstige spelers van Barcelona F.C., zoals Emilio Sagi-Barba of Josep Samitier. Tijdens de vakantie speelde het trio voetbal in Cadaqués. In 1916 ontdekte hij de eigentijdse schilderkunst tijdens een familiebezoek aan Cadaqués, waar hij de familie ontmoette van de impressionistische schilder Ramón Pichot, een plaatselijke kunstenaar die regelmatig naar Parijs reisde, de kunsthoofdstad van die tijd.

Op aanraden van Pichot stuurde zijn vader hem naar de gemeentelijke graveerschool om schilderlessen te nemen bij Juan Núñez. Het jaar daarop organiseerde zijn vader een tentoonstelling van zijn potloodtekeningen in het ouderlijk huis. Op veertienjarige leeftijd, in 1919, nam Dalí deel aan een groepstentoonstelling van plaatselijke kunstenaars in de stadsschouwburg van Figueras, waar verscheidene van zijn schilderijen werden opgemerkt door twee beroemde critici: Carlos Costa en Puig Pujades. Hij nam ook deel aan een tweede groepstentoonstelling in Barcelona, gesponsord door de universiteit, waar hij de prijs van de rector ontving. De impressionistische invloed is duidelijk te zien in Dalí”s schilderijen tot 1919. De meeste zijn gemaakt in Cadaqués, geïnspireerd door het dorp en zijn scènes uit het dagelijkse leven.

Aan het einde van de Eerste Wereldoorlog sloot hij zich aan bij een groep anarchisten en richtte hij zijn pijlen op de ontwikkeling van de marxistische revolutie. Het jaar daarop, in 1919, toen hij in zijn laatste jaar aan het Ramón Muntaner Instituut zat, gaf hij met enkele van zijn vrienden een maandblad uit, Studium, met illustraties, poëtische teksten en een reeks artikelen over schilders als Goya, Velázquez en Leonardo da Vinci. In 1921 richtte hij samen met vrienden de socialistische groepering Renovació Social op.

In februari 1921 overleed zijn moeder aan baarmoederkanker. Dalí was toen 16 jaar oud. Hij zei later dat dit “de hardste klap was die ik ooit in mijn leven heb gekregen. Ik aanbad haar. Ik kon mij niet neerleggen bij het verlies van een wezen met wie ik de onvermijdelijke vlekken op mijn ziel onzichtbaar wilde maken”. Vervolgens hertrouwde Dalí”s vader met de zus van de overledene, wat Dalí nooit accepteerde. Hij behaalde zijn baccalaureaat in 1922.

Jongeren in Madrid

In 1922 verhuisde Dalí naar het beroemde studentenhuis in Madrid om zijn studie te beginnen aan de Koninklijke Academie voor Schone Kunsten in San Fernando. Hij trok onmiddellijk de aandacht door zijn excentrieke dandy karakter. Hij droeg lang haar met bakkebaarden, een gabardine, en dikke sokken in Victoriaanse stijl. Het waren echter zijn schilderijen, die Dalí een kubistisch tintje gaf, die de meeste aandacht trokken van zijn medebewoners, vooral van degenen die figuren werden in de Spaanse kunst: Federico García Lorca, Pepín Bello, Pedro Garfias, Eugenio Montes, Luis Buñuel, Rafael Barradas en, meer in het algemeen, de generatie van ”27. In die tijd is het echter mogelijk dat Dalí de kubistische principes niet volledig begreep. Zijn enige bronnen waren artikelen in de pers – L”Esprit Nouveau – en een catalogus die hij van Pichot had gekregen, omdat er op dat moment geen kubistische schilders in Madrid waren. Hoewel zijn leraren openstonden voor het nieuwe, liepen zij achter de leerling aan: zij pasten het Franse impressionisme aan Hispanic thema”s aan, een benadering die Dalí het jaar daarvoor had overtroffen.

Dalí wijdde zich, samen met Lorca en Buñuel, aan de studie van de psychoanalytische teksten van Sigmund Freud. Hij beschouwde de psychoanalyse als een van de belangrijkste ontdekkingen van zijn leven. Ten onrechte beschuldigd van het leiden van een oproer in Catalonië, werd hij in 1923 van de academie verwijderd en van 21 mei tot 11 juni gevangen gezet. De reden voor zijn arrestatie schijnt verband te houden met de aanklacht van verkiezingsfraude die Dalí”s vader had ingediend na de staatsgreep van Primo de Rivera. Dalí keerde het jaar daarop terug naar de Academie.

In 1924, nog onbekend, illustreerde Salvador Dalí voor de eerste keer een boek. Het was een uitgave van het Catalaanse gedicht Les Bruixes de Llers (De heksen van Llers) van een van zijn vrienden in de residentie, de dichter Carles Fages de Climent. Dalí raakte al snel vertrouwd met het dadaïsme, een invloed die hem de rest van zijn leven heeft getekend. In de residentie weigerde hij de amoureuze avances van de jonge Lorca, die verschillende gedichten aan hem opdroeg:

“Hij was homoseksueel, iedereen weet dat, en hij was stapelverliefd op mij. Hij probeerde me een paar keer te benaderen… en ik was erg in verlegenheid gebracht, omdat ik geen homoseksueel was, en ik was niet bereid om toe te geven.

– Salvador Dalí; gesprekken met Alain Bosquet

De twee kunstenaars werden vrienden. Samen met Maruja Mallo en Margarita Manso, ook studenten aan de School voor Schone Kunsten, namen zij deel aan de oprichtingsaflevering van de feministische beweging Las Sinsombrero op de Puerta del Sol, genoemd naar de handeling van het in het openbaar afnemen van de hoed, een handeling die toen in het Madrid van de jaren 1920 voorbehouden was aan mannen. Het is waarschijnlijk dat elk van de jonge mannen in de ander een passie voor esthetische ontdekking vond die overeenkwam met hun eigen verlangens. De verzoeken van de schrijver kwamen op een keerpunt in Dalí”s werk, dat hij zag als een echo van zijn onderzoek naar het onbewuste. Gezien Dalí”s affabulaties, zullen we waarschijnlijk nooit weten wat hun relatie was, ook al portretteerden de twee kunstenaars elkaar “liefdevol”. De schilderijen uit deze periode worden gekenmerkt door het onanisme van de schilder, die beweerde maagd te zijn gebleven vóór zijn ontmoeting met Gala. Dalí kreeg in november 1925 in Cadaqués bezoek van Federico García Lorca, en datzelfde jaar hield Dalí zijn eerste solotentoonstelling in Barcelona in de Dalmau Gallery, waar hij Portret van de vader van de kunstenaar en Jong meisje bij het raam presenteerde.

Eind 1926 toonde dezelfde galerie andere werken van Dalí, waaronder De broodmand, geschilderd in dat jaar. Dit was het eerste schilderij van de kunstenaar dat buiten Spanje te zien was, in 1928, op de Carnegie-tentoonstelling in Pittsburgh. Zijn beheersing van de picturale middelen komt onberispelijk tot uiting in dit realistische werk. De eerste kritieken in Barcelona waren warm. Voor een van hen, als dit “kind van Figueras” zijn gezicht naar Frankrijk wendt, “is het omdat hij het kan, omdat zijn door God gegeven gaven als schilder moeten gisten. Wat maakt het uit of Dalí het potlood van Ingres gebruikt of het dikke hout van Picasso”s kubistische werken om de vlammen aan te wakkeren? Dalí werd vervolgens in oktober 1926, kort voor zijn eindexamens, van de Academie gestuurd, omdat hij had verklaard dat niemand in staat was hem te onderzoeken.

Parijs, bruiloft met Gala

In 1927, waarschijnlijk aan het begin van het jaar, bezocht Dalí voor het eerst Parijs, met twee aanbevelingsbrieven aan Max Jacob en André Breton. Volgens hem werd deze reis “gekenmerkt door drie belangrijke bezoeken: Versailles, het Grévin Museum en Picasso”, die de jonge Dalí zeer bewonderde. Picasso had al gloeiende commentaren over Dalí ontvangen van Joan Miró.

Pablo Picasso was 23 jaar ouder dan hij. Dalí vertelde dat hij hem tijdens deze ontmoeting een van zijn kleine schilderijen liet zien, Het meisje van Figueres, waar Picasso een kwartier lang over nadacht, en Picasso deed vervolgens hetzelfde met veel van zijn eigen schilderijen, zonder een woord te zeggen. Hij voegde eraan toe dat toen het tijd was om te vertrekken, “we op de drempel een blik uitwisselden die zei: ”Begrepen? – Begrepen!”.

Picasso bleef een constante referentie voor Dalí, bewonderd en rivaliserend. In zijn Dalinian Analysis of the Comparative Values of the Great Painters kende hij hem 2020 toe in de categorie “genie”, op gelijke voet met Leonardo da Vinci, Velázquez, Raphael en Vermeer, terwijl hij zichzelf “slechts” 1920 toeschreef. Aan het eind van zijn leven liet hij zich kritischer uit over de schilderkunst van Picasso: “Picasso weigert legitimiteit; hij neemt niet de moeite om te corrigeren, en zijn schilderijen hebben steeds meer benen, al zijn overhaaste berouw toont zich met de tijd; hij vertrouwde op het toeval; het toeval neemt wraak.” Ze bleven hun hele leven contact houden.

Na verloop van tijd ontwikkelde Dalí zijn eigen stijl en werd hij op zijn beurt een referentiepunt en een invloedrijke factor in de schilderkunst van deze schilders. Sommige van de kenmerken van Dalí”s schilderkunst uit deze periode werden de onderscheidende kenmerken van zijn werk. Hij absorbeerde de invloeden van verschillende artistieke stromingen, van het academisme en classicisme tot de avant-garde. Tot zijn klassieke invloeden behoorden Rafaël, Bronzino, Zurbarán, Vermeer en, natuurlijk, Velázquez, wiens kromme snor hij overnam en die emblematisch werd. Hij wisselde traditionele technieken af met eigentijdse methoden, soms in hetzelfde werk. De tentoonstellingen uit deze periode trokken veel aandacht, lokten discussies uit en verdeelden de critici. Zijn jongere zus Anna-Maria diende vaak als model in deze periode, waarbij zij vaak van achteren voor een raam poseerde. In 1927 bereikte Dalí, 23 jaar oud, zijn artistieke rijpheid, zoals blijkt uit zijn werken Honing is zoeter dan bloed en Vlees van een gans, het eerste geïnspireerd door zijn relatie met Lorca en het tweede door zijn eerste intieme ontmoeting met Gala.

Enkele maanden later ging Luis Buñuel naar Figueras, waar de twee vrienden het scenario schreven voor de surrealistische film Un chien andalou, voordat Dalí in 1928 naar Parijs terugkeerde, vergezeld door een andere Catalaan, Joan Miró. Voor Robert Descharnes en Gilles Néret lanceerde de film Dalí en Buñuel “als een raket”. Voor de schilder was het “een dolk in het hart van het spirituele, elegante en gecultiveerde Parijs”, en hij voegde eraan toe dat de film werd toegejuicht door een “dom publiek dat applaudisseert voor alles wat nieuw en vreemd lijkt”.

Na het bezoek van René Magritte en Paul Éluard aan Cadaqués in de zomer van 1929, en op aanraden van Joan Miró, sloot Dalí zich aan bij het surrealisme. Bij zijn terugkeer in Parijs begon hij de surrealistische groep te frequenteren die bestond uit Hans Arp, André Breton, Max Ernst, Yves Tanguy, René Magritte, Man Ray, Tristan Tzara en Paul Éluard en zijn vrouw Helena, bij allen bekend als Gala. Geboren onder de naam Elena Ivanovna Diakonova, was zij een Russische migrante op wie Dalí verliefd werd, en die verleid werd door deze man die tien jaar jonger was dan zij. Hoewel Dalí beweerde volledig impotent en maagd te zijn, weerspiegelt zijn werk zijn seksuele obsessie. In het bijzonder stelde hij het verlangen voor in de vorm van leeuwenkoppen.

Gala was zijn muze. Zij nam de plaats in van zijn familie, organiseerde zijn tentoonstellingen en verkocht zijn schilderijen. In december, vanwege zijn affaire met Gala – een getrouwde vrouw – kreeg Salvador Dalí ruzie met zijn vader en zijn zuster Anna-Maria. De legende van een verkeerd geïnterpreteerde gravure completeert het beeld van een zoon die op gespannen voet staat met zijn familie. De kunstcriticus Eugenio d”Ors berichtte in een krant in Barcelona dat Dalí de surrealistische groep een chromo had laten zien met een afbeelding van het Heilig Hart, waarop geschreven stond “soms spuug ik voor mijn plezier op het portret van mijn moeder”, wat de woede van zijn vader wekte en Dalí dwong te vertrekken. Hij en Gala brachten de jaren 1930 tot 1932 in Parijs door. De eerste maanden waren echter moeilijk, want zijn schilderijen werden slecht verkocht en het echtpaar leefde van heel weinig. Maar de schilder maakte naam in Parijs, waar hij zowel de sociale diners als de surrealistische kringen frequenteerde. In 1930, niet in staat om zich in Cadaqués te vestigen vanwege de vijandigheid van zijn vader, kochten Dalí en Gala een klein vissershuisje op een paar honderd meter van Cadaqués, aan de kust, in de kleine inham van Portlligat. In de loop der jaren veranderde hij, met de hulp van fortuin, zijn eigendom in een weelderige villa, die nu is omgebouwd tot museum. Het landschap in de kleine baai werd een blijvende picturale referentie in het werk van de schilder die zei: “Ik ben alleen hier thuis, overal elders ben ik alleen op doorreis. Gala en Dalí trouwden burgerlijk in 1934, en trouwden daarna religieus in 1958.

In 1931 schilderde Dalí een van zijn beroemdste doeken, De volharding van het geheugen, ook bekend als De zachte horloges, dat volgens sommige theorieën zijn afwijzing illustreert van tijd als een rigide of deterministische entiteit. Dalí, “in een pathetisch verlangen naar eeuwigheid, maakt de tijd van het horloge, dat wil zeggen de mechanische tijd van de beschaving, tot een zacht, kneedbaar materiaal dat ook gegeten kan worden op de manier van een uitgelopen camembert. Dit idee wordt verder uitgewerkt door andere figuren in het werk, zoals het grote landschap of bepaalde zakhorloges die door insecten worden opgegeten. Anderzijds maken insecten deel uit van de Daliniaanse verbeelding als een natuurlijke vernietigende entiteit en, zoals de schilder in zijn memoires uitlegt, doen zij denken aan zijn kindertijd.

Dalí en de surrealistische groep

Dalí bleef regelmatig exposeren en sloot zich officieel aan bij de surrealistische groep in de Parijse wijk Montparnasse. In oktober en november 1933 nam hij met leden van de groep deel aan de 6e Salon des Surindépendants.

In de volgende twee jaar beïnvloedde zijn werk sterk de surrealistische kring, die hem bejubelde als de schepper van de paranoïde-kritische methode, waarvan werd gezegd dat die toegang gaf tot het onderbewuste, waardoor creatieve artistieke energieën vrijkwamen. Het is, volgens de schilder, een “spontane methode van irrationele kennis gebaseerd op de kritische en systematische objectivering van waanassociaties en interpretaties”. Breton bracht hulde aan deze ontdekking, die zojuist had begiftigd

“Het is de paranoïde kritische methode die het surrealisme in staat heeft getoond toe te passen op de schilderkunst, de poëzie, de filmkunst, de constructie van typisch surrealistische voorwerpen, de mode, de beeldhouwkunst, de kunstgeschiedenis en zelfs, indien nodig, op elke vorm van exegese.

– André Breton

.

In deze tijd liet Dalí zijn werk met dubbelzinnige beelden, zoals De Onzichtbare Man, tijdelijk varen, terwijl de figuren van Willem Tell, Lenin, landschappen en antropomorfe figuren, Millet”s Angelus, Vermeer en Hitler stelselmatig in zijn schilderijen opdoken. Een belangrijke activiteit in deze periode was de creatie van surrealistische objecten met de beeldhouwer Giacometti. Volgens Dalí zijn ze begiftigd met een “minimum aan mechanische werking, gebaseerd op de fantasieën en voorstellingen die kunnen worden uitgelokt door de uitvoering van onbewuste handelingen”. Hij bleef ongevoelig voor de problemen van de surrealisten met de politiek, volgens hem een “anekdote van de geschiedenis”. Hij ergerde de groep door systematisch Hitler en “het hakenkruis zo oud als de Chinese zon” te bestuderen.

Als de politieke verschillen André Breton en Louis Aragon geleidelijk uit elkaar dreven, dan waren die veroorzaakt door Dalí niet te vergelijken. Voor André Thirion was Dalí “geen marxist en kon het hem niet schelen”, maar tussen Dalí”s erotische mijmeringen over twaalfjarige meisjes, die zelfs in het Centraal Comité van de Communistische Partij een reactie uitlokten, en zijn obsessie met de figuur van Hitler gedurende twee jaar, werd de schilder in januari 1934 ontboden bij Breton thuis, waar hij verscheen verkleed als zieke, met een trui en een thermometer in zijn mond. Na de aanklacht van Breton las hij zijn pleidooi in striptease voor, waarbij hij in bloemrijke taal beweerde dat hij slechts zijn – bijzondere – dromen aan het overschrijven was en dat, als gevolg van zijn dromen, hij en Breton binnenkort het onderwerp zouden zijn van een homoseksuele voorstelling. Na deze vergadering werd hij geroyeerd. Dalí bleef echter werken met de groep, die hem nodig had, vooral als publiciteitsagent, in Londen in 1936 in een duikerspak, en in Parijs in februari 1938, waar hij zijn Taxi pluvieux toonde, waarin twee etalagepoppen de regen ontvingen tussen salades en Bourgondische slakken.

Eind 1933 exposeerde hun kunsthandelaar Julien Levy 25 werken van Dalí in New York. Dalí stond te popelen om de Verenigde Staten te zien. De werken van Picasso waren daar al te zien, in tegenstelling tot de Franse musea. Hij werd gemakkelijk overgehaald door Caresse Crosby, een rijke Amerikaanse vrouw, om de reis te maken. Dalí en Gala gingen in 1934 voor het eerst naar New York; Picasso betaalde de kaartjes voor. De Amerikanen waren gefascineerd door de excentriciteit van het personage en de vermetelheid van een surrealisme waarmee zij toen vrijwel onbekend waren. Tot Bretons grote wanhoop werd Dalí beschouwd als de enige authentieke surrealist, een feit dat de schilder, triomfantelijk en dronken van megalomanie, op 14 november in New York snel bevestigde: “De critici maken al onderscheid tussen het surrealisme vóór of na Dalí. De tentoonstelling in de Julien Levy Gallery was een groot succes en Dalí begreep dat zijn succes in de Verenigde Staten lag. Zijn schilderkunst begon gewaardeerd te worden. Edward James – petekind van koning Edward VII – werd zijn beschermheer en kocht al zijn werk van 1935 tot 1936. Metamorfose van Narcissus en Kannibalisme van de Herfst behoren tot de beroemdste schilderijen uit deze periode.

Spaanse Burgeroorlog

Terug in Catalonië verlieten Dalí en Gala Portlligat in 1936 om te ontsnappen aan de Spaanse Burgeroorlog en reisden door Europa. Zij woonden een tijdlang in het fascistische Italië, waar hij zich liet inspireren door Romeinse en Florentijnse werken uit de Renaissance, met name om dubbele beelden te creëren, zoals Spanje. Zijn schilderijen Zachte constructie met gekookte bonen (ook bekend als Voorgevoel van de burgeroorlog) en De giraffe in brand waren de meest representatieve van deze periode, waarin deze monsters werden uitgevonden. Deze weerspiegelen zijn visie op oorlog, maar niet zijn politieke houding. Hij stelde de burgeroorlog voor als een natuurlijk historisch verschijnsel, een natuurlijke catastrofe, en niet als een politieke gebeurtenis, zoals Picasso had gedaan met Guernica. Het was in Londen dat hij hoorde van de moord op zijn vriend Federico García Lorca op 19 augustus 1936 in Granada door een Francoïst, waardoor hij in een diepe depressie raakte.

Tijdens zijn tweede reis naar de Verenigde Staten hebben pers en publiek “Mijnheer Surrealisme” een triomfantelijk onthaal gegeven. Het portret van Dalí door de fotograaf Man Ray haalde de voorpagina van Time magazine in december 1936. In februari 1937 ontmoette Dalí de Marx Brothers in Hollywood en schilderde een portret van Harpo Marx, compleet met lepels, harpen en prikkeldraad. De film die ze van plan waren te maken heeft nooit het daglicht gezien. In 1938 ontmoette Dalí, via Edward James en zijn vriend Stefan Zweig, in Londen Sigmund Freud, die hij al lang bewonderde en wiens werk hem had geïnspireerd bij zijn eigen picturale onderzoek naar dromen en het onbewuste.

Volgens Conroy Maddox”s verslag, vertelde de oudere Freud Zweig bij deze gelegenheid over Dalí:

“Ik heb nog nooit een volmaakter exemplaar van de Spanjaarden gezien. Wat een fanaticus!

– Conroy Maddox.

In 1939 publiceerde Dalí een Verklaring van de Onafhankelijkheid van de Verbeelding en van de Rechten van de Mens op zijn Eigen Gekte. Zijn Europese omzwervingen brachten hem vanaf september 1938 voor vijf maanden in ballingschap in de villa van Coco Chanel, La Pausa, waar hij de tentoonstelling in New York in de galerie Julien Levy voorbereidde. Bij die gelegenheid, in 1939, vernietigde hij een werk dat hij had gemaakt en dat zonder zijn toestemming was gewijzigd in een winkel op Fifth Avenue.

New York

Toen Frankrijk in 1939 in de oorlog kwam, waren Dalí en Gala in Parijs, dat zij verlieten voor Arcachon. Kort voor de Duitse invasie, gingen ze naar Spanje en daarna naar Portugal. Dalí, die een uitstapje had gemaakt naar Figueras om zijn familie te zien, voegde zich bij Gala in Lissabon, vanwaar zij naar New York vertrokken. Zij woonden daar acht jaar, waar ook veel Franse intellectuelen in ballingschap wonen. Dalí integreerde zich perfect in de New Yorkse high society, schilderde talrijke portretten van rijke Amerikanen – Helena Rubinstein – nam actief deel aan het theaterleven met grote muurschilderingen, maakte zijn eerste juwelen en interesseerde zich voor de film, in het bijzonder voor de Marx Brothers, Walt Disney en Alfred Hitchcock. Na deze verhuizing zocht hij ook het katholieke geloof op en wilde hij zijn schilderkunst dichter bij het classicisme brengen, wat hij pas in 1945 deed.

In 1941 stuurde Dalí Jean Gabin een filmscript, Moontide (The Love Boat). Aan het eind van dat jaar werd de eerste retrospectieve Dalí-tentoonstelling gehouden in het Museum of Modern Art, en deze zestig werken – 43 olieverfschilderijen en 17 tekeningen – reisden de twee daaropvolgende jaren door de Verenigde Staten. De acht grootste steden waren gastheer van de tentoonstelling, wat de bekendheid van de schilder verzekerde, en weldra vermenigvuldigden de commerciële voorstellen zich, waardoor hij een stevig fortuin kon vergaren, wat Breton inspireerde tot het felle anagram “Salvador Dalí – Avida Dollars”. Robert en Nicolas Descharnes leggen uit dat “Dalí in deze periode nooit ophield met schrijven”.

In 1942 publiceerde hij zijn autobiografie, Het geheime leven van Salvador Dalí. Hij schreef regelmatig voor de catalogi van zijn tentoonstellingen, zoals die georganiseerd door Knoedler Gallery in 1943. Daarin verklaarde hij: “Het surrealisme zal tenminste gediend hebben om het experimentele bewijs te leveren van de totale steriliteit van pogingen tot automatisering die te ver zijn gegaan en een totalitair systeem hebben voortgebracht. De hedendaagse luiheid en het gebrek aan techniek hebben hun paroxysmen bereikt in de psychologische betekenis van het huidige gebruik van de academische instelling. Hij schreef ook een roman, gepubliceerd in 1944, over een modeshow voor auto”s, die de inspiratie vormde voor een karikatuur van Erdwin Cox voor The Miami Herald, waarin Dalí een auto draagt als feestkostuum. In deze jaren maakte Dalí illustraties voor Engelstalige edities van klassiekers als Don Quichot, de autobiografie van Benvenuto Cellini en de Essays van Michel de Montaigne. Hij ontwierp ook de decors voor Alfred Hitchcocks film Spellbound en nam, samen met Walt Disney, de productie op zich van de onvoltooide tekenfilm Destin, die in 2003 werd uitgegeven, lang na de dood van de auteurs.

Dit was een van de productiefste periodes van zijn leven, maar een die wordt betwist door sommige critici, die menen dat Dalí de grens tussen kunst en consumptiegoederen deed vervagen door de schilderkunst te verlaten om zich te wijden aan design en commerciële artikelen. De schilderijen uit deze periode waren geïnspireerd door herinneringen aan Catalonië in hun kleuren en ruimten, waarbij de schilder onderwerpen uit Amerika voorstelde. In dit opzicht was de schilderkunstige poëzie van Amerika visionair. Het brengt in één werk de zwarte segregatie, de Amerikaanse passie voor rugby, en de inmenging van een merk in een kunstwerk: Coca-Cola. Aan het einde van de Tweede Wereldoorlog keerde hij niet onmiddellijk terug naar Europa. In 1945 wendde hij zich tot het classicisme, zonder zich af te sluiten van de rest van de wereld. De atoombombardementen op Hiroshima en Nagasaki inspireerden hem tot het maken van Atomic and Uranian Idyll en Three Sphinxes in a Bikini. Het verlaten van de “Dalí van de psychoanalyse” voor de “Dalí van de kernfysica” maakte het hem niet mogelijk onmiddellijk de stap naar het katholicisme te zetten. De schilderkunst van deze periode ontleende aan de klassieken de geometrische verhoudingen – de gulden snede of goddelijke proportie. Dit was met name het geval bij Atomic Leda.

Terug naar Catalonië

Vanaf 1949 keerden de Dalis terug naar Catalonië onder de dictatuur van Franco en brachten hun winters door in Parijs, in een suite in Hotel Meurice. Hij vertienvoudigde zijn technische virtuositeit, versterkte zijn belangstelling voor optische effecten en, vooral, keerde terug tot het katholieke geloof. Hij werd op 23 november 1949 op privé-audiëntie ontvangen door Paus Pius XII. Zijn onderzoek naar de klassieke verhoudingen bracht hem ertoe “alle revolutionaire ervaringen van de adolescentie te sublimeren in de grote mystieke en realistische traditie van Spanje”. Deze bekering nam de vorm aan van twee schilderijen, De Madonna van Port Lligat (1949) en Christus van de Heilige Johannes van het Kruis (1951), die werden aangevuld met illustraties voor De Goddelijke Komedie (1952, aquarellen). Tegen die tijd had hij reeds zijn Manifeste mystique gepubliceerd, waarin hij de ins en outs van zijn nucleaire mystiek uiteenzette, en zijn eerste corpusculaire doeken ondertekend, waarvan het schilderij Galatea met bollen een representant is. Hij bracht katholicisme en deeltjesfysica met elkaar in verband door de verheerlijkingen – van de Maagd, van Jezus – te verklaren door de “engelenkracht”, waarvan protonen en neutronen vectoren zouden zijn, engelachtige elementen. Hij verbond de hoorn van de neushoorn met de kuisheid, met de Maagd Maria, in een redenering die de “goddelijke” geometrie van de logaritmische spiraal, de hoorn het dier, en de corpusculaire constructie “van de meest gewelddadige strengheid” van het doek van de Hollandse meester combineerde. Hij schilderde veel onderwerpen samengesteld uit dit aanhangsel.

Op 17 december 1955 zette hij deze ideeën uiteen aan de Sorbonne in zijn lezing “Fenomenologische aspecten van de paranoïde-kritische methode”. Hij reed naar de universiteit in een geel-zwarte Rolls-Royce, gevuld met bloemkolen, die hij uitdeelde als handtekeningen. In zijn presentatie stelde hij Frankrijk en Spanje tegenover elkaar, waarbij eerstgenoemd land het meest rationele land ter wereld was en Spanje het meest irrationele, en demonstreerde hij de uniciteit van de achterhand van de pachyderm met een zonnebloem, waarbij het geheel in verband werd gebracht met de beroemde Dentellière en de corpuscles van de atoomfysica.

In 1959 organiseerde André Breton een tentoonstelling genaamd “Hommage aan het surrealisme” om de veertigste verjaardag van deze beweging te vieren. De tentoonstelling omvatte werken van Dalí, Joan Miró, Enrique Tábara en Eugenio Granell. Breton was fel gekant tegen de opname van Dalí”s Sixtijnse Madonna op de Internationale Surrealistische Tentoonstelling in New York het jaar daarop. Volgens Robert Descharnes was Dalí”s gedrag in deze tijd een reactie op zijn roem om zijn creativiteit te beschermen. Terwijl Picasso om dezelfde redenen zijn toevlucht had gezocht in het kasteel van Vauvenargues, becommentarieerde Dalí, die niet kon zwijgen, de verschijnselen, ontdekkingen en gebeurtenissen van zijn tijd, en de daaruit voortvloeiende mengeling was niet altijd van de beste smaak. De critici in verwarring brengend, liet hij het aan de reguliere media over om zijn snorren te analyseren en zich te concentreren op een paar van zijn schilderijen, zoals Christus van Sint Jan van het Kruis. Deze houding deed Sotheby”s surrealisme expert Andrew Strauss zeggen:

“Dalí werkte aan zijn populariteit op een wereldwijde schaal. Hij ging Andy Warhol voor in deze strategie van de cultus van de sterartiest.”

Dalí was geïnteresseerd in de nieuwe wetenschappelijke ontdekkingen van zijn tijd. Hij was gefascineerd door DNA en de tesseract, een vier-dimensionale hyperkubus. Zijn schilderij Corpus hypercubus (1954) stelt de gekruisigde Jezus Christus voor op het patroon van zo”n hyperfiguur, waarin hij een synthese trachtte te maken van de christelijke iconografie en beelden van desintegratie geïnspireerd door de kernfysica. Dalí, een ervaren kunstenaar, beperkte zich niet tot schilderen. Hij bleef zeer attent voor alle ontwikkelingen in de post-surrealistische schilderkunst, ook voor vormen die er totaal los van stonden. Hij experimenteerde met vele nieuwe of vernieuwende media en procédés, zoals projectieschilderijen of holografie, een techniek die hij als eerste toepaste. Veel van zijn werken bevatten optische illusies, visuele woordspelingen en trompe-l”oeil. Hij experimenteerde ook met pointillisme, halftoon (een netwerk van stippen, vergelijkbaar met die welke in de drukkunst worden gebruikt) en stereoscopische beelden. Hij was een van de eersten die holografie in de kunst gebruikte. Jonge kunstenaars, zoals Andy Warhol, beweerden dat Dalí een belangrijke invloed had op de Pop Art. De stereoscopie, ontdekt op het station van Perpignan, fascineerde Dalí, die aan het eind van zijn carrière op twee schilderijen (rechter- en linkeroog) beelden produceerde die moeilijk reproduceerbaar waren. Vele daarvan zijn te zien in het Dalí Museum in Figueras (Athene brandt!).

Dalí had een glazen vloer in een kamer bij zijn studio. Hij maakte er veel gebruik van om de verkorting te bestuderen, zowel van onderaf als van bovenaf, om zeer expressieve figuren en voorwerpen in zijn schilderijen op te nemen. Hij gebruikte het ook graag om zijn vrienden en gasten te vermaken.

Dalí”s en Gala”s inkomen stelde hen in staat een leven van luxe te leiden. Al in 1960 huurden ze de manager John Peter Moore in. Zijn opvolger, Enrique Sabater, verklaarde dat “Dalí meer verdiende dan de president van de Verenigde Staten”. In deze tijd, begonnen Salvador Dalí en Gala te scheiden. In Parijs ontmoette Dalí Amanda Lear, die toen als transseksueel werd voorgesteld. Amanda Lear nam schilderlessen van Dalí. Een artikel van Julián Ruiz (es) in El Mundo wordt geïllustreerd door een foto uit 1963 van de twee hoofdrolspelers. Zij diende vooral als zijn model en werd zijn muze (bijvoorbeeld met Hypnos (1965) en Bateau Anthotropic), met wie zij een relatie onderhield die vijftien jaar duurde, zoals zij in haar boek over de schilder verhaalt. Vanaf 1965 vergezelde het model Dalí officieel op zijn uitstapjes. Salvador Dalí hielp haar ook haar intrek te nemen in kamer 9 van het Hotel La Louisiane in de rue de Seine. In 1969 kocht Gala Dalí het oude kasteel in Púbol, bij Figueras, dat zij restaureerde en waarin de Gala-Salvador Dalí Stichting is gehuisvest.

Historische en stereoscopische werken

De kleinschalige schilderijen van de jaren daarvoor maakten vanaf 1958 plaats voor monumentale werken over historische onderwerpen, zoals De slag bij Tetouan (1962, 308 × 406 cm). Het schilderij stelt de Spaanse verovering van Tetouan in Marokko in 1860 voor. Dalí schilderde elk jaar een schilderij van groot formaat, zoals De ontdekking van Amerika door Christoffel Columbus (1959). De laatste meesterwerken uit deze periode waren Perpignan Station (1965), The Hallucinogenic Torero (1968-1970) en Tuna Fishing (1966-1967). Van 1966 tot 1973 werkte Dalí aan een opdracht voor een luxe editie van Alice in Wonderland.

Hij was geïnteresseerd in het verbeteren van de weergave van de derde dimensie voorbij het klassieke perspectief. Volgens de schilder vond het meest geruststellende moment in de geschiedenis van de schilderkunst plaats op 17 november 1964, toen hij in het centrum van het station van Perpignan de mogelijkheid ontdekte om de “ware” derde dimensie in olieverf te schilderen met behulp van stereoscopie. De ontdekking van de holografie stelde hem in staat de vierde dimensie (tijd) te benaderen, een techniek die hij vanaf de jaren zeventig gebruikte om de “onsterfelijkheid van de holografisch opgenomen beelden te verkrijgen dankzij het licht van de tijdelijke laser”. In 1969 schilderde hij zijn eerste plafonds en vanaf het volgende jaar legde hij zich toe op stereoscopische beelden. Zijn bekendste holografische schilderijen dateren van 1972. De eerste hologrammen werden getoond in de Knoedler Gallery in New York in april 1972.

Theater-museum

In 1960 begon Dalí te werken aan zijn theater-museum in zijn stad Figueras. Dit was zijn grootste project. Hij wijdde er het grootste deel van zijn energie aan tot 1974. Hij bleef het ontwikkelen tot het midden van de jaren tachtig. Met instemming van de burgemeester, Ramon Guardiola, koos hij de ruïnes van het Figueras theater, afgebrand tijdens de Spaanse Burgeroorlog, waar hij in 1914 zijn eerste tentoonstelling had gehouden. De fondsen voor de renovatie werden in 1970 door de Spaanse staat voorgeschoten. De Byzantijnse glazen koepel werd ontworpen door de architect Emilio Pérez Piñero op verzoek van Dalí, die droomde van een glazen koepel in de stijl van de Amerikaanse architect Buckminster Fuller. Dalí ontwierp zelf een groot deel van het museum, van de monumentale eieren op de muren tot de hoogte van de toiletten. De architect Joaquim Ros de Ramis werkte aan de renovatie, altijd volgens de richtlijnen van de meester. De bouw begon op 13 oktober 1970 en een jaar later begon de schilder met de plafondschilderingen van het theater-museum. In 1971 kreeg hij van het Ministerie van Onderwijs, Cultuur en Sport de Gouden Medaille van Verdienste voor Schone Kunsten. Hij huldigde ook de eerste en grootste kunstgalerij van Spanje in die tijd in, Sala Gaudí Barcelona, samen met andere beroemdheden zoals Gabriel García Márquez.

Laatste jaren

In 1979 hield het Centre Georges Pompidou een grote retrospectieve van Dalí”s werk, waarbij 169 schilderijen en 219 tekeningen, prenten en voorwerpen van de kunstenaar werden tentoongesteld. Een van de bijzonderheden van de tentoonstelling bevond zich in de kelder. Een Citroën werd aan het plafond opgehangen met een botifarra (Catalaanse worst), een 32 meter lange lepel en water dat langs de radiator van de auto naar beneden stroomde.

Het jaar daarop verslechterde Dalí”s gezondheid aanzienlijk. Op 76-jarige leeftijd vertoonde Dalí symptomen van de ziekte van Parkinson en verloor hij definitief zijn artistieke capaciteiten. In 1982 kreeg hij van de koning van Spanje, Juan Carlos, de titel van Marqués de Dalí de Púbol (Markies van Dalí de Púbol). Dalí maakte zijn laatste tekening voor de koning, getiteld Hoofd van Europa.

Gala is overleden op 10 juni 1982, 87 jaar oud. Dalí verhuisde van Figueras naar het kasteel Púbol, waar in 1984 brand uitbrak in zijn slaapkamer, waarvan de oorzaak nooit is opgehelderd. Dalí werd gered en keerde terug naar Figueras, in zijn theater-museum. In november 1988 werd Dalí in het ziekenhuis opgenomen na een hartaanval. Op 5 december 1988 ontving hij een laatste bezoek van de koning van Spanje. De schilder overleed op 23 januari 1989 in Figueras op 84-jarige leeftijd. Hij werd begraven in de crypte van zijn theater-museum.

Zijn turbulente karakter heeft ons soms het artistieke engagement van de schilder doen vergeten. Dalí was echter een nauwgezet en meedogenloos schilder, die zijn doeken over een lange periode concipieerde en ze creëerde met een zorgvuldigheid die hij dicht bij zijn klassieke meesters, Rafaël of Vermeer, wilde hebben. Michel Déon meent dat “Dalí zich van zijn genialiteit bewust is tot op het punt van duizeligheid. Het is, lijkt het, een zeer troostend intiem gevoel”. De eerste schilderijen die bewaard zijn gebleven tonen een echt vroegrijp talent, vanaf de leeftijd van 6 jaar. Zijn eerste portretten van zijn familie in Cadaqués hadden al een verbazingwekkende picturale kracht, met name impressionistisch. Spelend met het materiaal mengde hij een tijdje grind met verf (Vieillard crépusculaire, 1918).

Hij betreurde het gebrek aan theoretische opleiding aan de Academie voor Schone Kunsten in Madrid. Aan het einde van deze Madrileense jaren brak een periode van uiteenlopende invloeden aan. De jonge Dalí verdiepte zich in verschillende technieken, variërend van pointillisme (Mannequin barcelonais, 1927) en Picasso (Venus en een matroos, 1925).

Picturaal werk

Op tienjarige leeftijd zei Dalí dat hij geen tekenleraar wilde omdat hij een impressionistische schilder was. Hoewel deze pertinente uitspraak de lachlust opwekte, werd de schilder inderdaad al op zeer jonge leeftijd beïnvloed door de impressionisten door de nabijheid van de familie Pichot en in het bijzonder van Ramón Pichot. Deze laatste was een van de eerste Catalaanse impressionisten die in 1900 deel uitmaakten van Picasso”s entourage en zijn stijl deed denken aan die van Toulouse-Lautrec. Dalí bewonderde Renoir en Meissonier (“een echte nachtegaal van het penseel”), wiens gebrek aan genialiteit hij bespotte, maar wiens ongelooflijk nauwgezette techniek indruk op hem maakte. Deze invloeden werden rond 1918 aangevuld met een belangstelling voor de “pompier” schilders, zoals Marià Fortuny, door wie hij zich liet inspireren voor De slag bij Tetouan (1962). Picasso was een soort grote broer die hem verwelkomde toen hij in Parijs aankwam. Dalí zocht zijn hele leven de confrontatie met hem, de enige hedendaagse kunstenaar aan wie hij een genie toekende dat minstens gelijk was aan het zijne.

Meer dan enige andere, was de Italiaanse Renaissance voor Dalí een permanente en onmisbare referentie. Hoewel hij zichzelf beschouwde als de beste tekenaar van zijn tijd, erkende hij dat zijn tekeningen “bijna niets waard” waren in vergelijking met de grote meesters van de Renaissance. Als bewonderaar van Leonardo da Vinci – in wie hij de wortels vond van zijn paranoïde methode – had hij lange tijd grote waardering voor Rafaël, die hij beschouwde als de enige tijdgenoot die in staat was hem te begrijpen. Tegen het einde van zijn leven werden Michelangelo”s figuren een belangrijk deel van zijn picturale productie. Hij had ook een levenslange bewondering voor Diego Velázquez, en Vermeer was een ander baken, wiens techniek hij lange tijd trachtte te imiteren – soms met succes.

Dalí maakte aanspraak op een zeer klassieke techniek, in bepaalde perioden zelfs hyperrealistisch, en gedurende zijn hele carrière streefde hij ernaar steeds meer echte virtuositeit aan de dag te leggen, waarbij hij voor bijna al zijn geschilderde werk trouw bleef aan het schilderen met olieverf. Het werk is bijna altijd zeer nauwgezet, waardoor het de geruststellende schijn van academisme heeft, met zeer zorgvuldige voorbereidende tekeningen en een nauwgezette uitvoering, vaak met een vergrootglas. Sommige van de kleine werken tonen een echt talent voor miniaturisme (Eerste portret van Gala, Portret van Gala met twee lamskoteletjes op de schouder). Hij zei dat ultra-academicisme volgens hem een training was die elke schilder zou moeten hebben, “alleen vanuit deze virtuositeit is iets anders, d.w.z. kunst, mogelijk”. Hij haatte Cézanne, die volgens hem “de slechtste Franse schilder” was. Hij verzette zich tegen de moderne schilders als geheel; rationalisatie, scepticisme en abstractie. Matisse was “een van de laatste moderne schilders”, die de laatste gevolgen van de Revolutie en de triomf van de bourgeoisie verbeeldde. In tegenstelling tot zijn bekering tot het katholicisme beweerde hij dat de jonge moderne schilders nergens in geloofden, en dat hij daarom een “modernist” was,

“Het is heel normaal dat als je in niets gelooft, je uiteindelijk bijna niets schildert, wat het geval is met alle moderne schilderkunst.

– Salvador Dalí

Vóór zijn kennismaking met het surrealisme, toen hij nog in Cadaqués woonde, begon Dalí met “duivels gemak in alle technieken”, “trompe-l”oeil foto”s” te maken, zoals hij ze noemde, waarmee hij meer dan 25 jaar vooruitliep op de Amerikaanse hyperrealisten. Tegen het einde van de jaren 1920, vertegenwoordigde hij zijn dromen. Zijn eerste dubbelbeeld was The Invisible Man (1929) en hij behield deze aanpak gedurende het grootste deel van zijn carrière.

De notie van de “dubbelganger” stond centraal bij Dalí, zowel in zijn schilderkunst als in zijn leven. Het ontstond bij de dood van zijn oudere broer Salvador, ging verder met Veermer en de logaritmische spiraal, ging verder met zijn alter ego Gala, en werd een tegenstelling tussen Dentelière en Rhinoceros, in een personage dat tegelijk agnostisch en rooms-katholiek was. Hij verfijnde en diversifieerde zijn techniek van beelden binnen beelden en beelden gebaseerd op kaders en netwerken van stippen (De Sixtijnse Madonna).

Zijn onderzoek naar de derde en vierde dimensie bracht hem ertoe achtereenvolgens te werken aan stereografie en holografie. In 1973 verklaarde hij dat hij “met de hand ingekleurde foto”s maakte van extra-picturale superfijne beelden van concrete irrationaliteit”. Tot het einde toe speelde hij met het oog van de toeschouwer, vooral in zijn laatste werken, Vijftig abstracte beelden die, van twee meter afstand gezien, veranderen in drie als Chinezen vermomde Lenins en van zes meter afstand in de kop van een koninklijke Bengaalse tijger, De hallucinogene Torero of Naakte Gala kijkend naar de zee, die, op een afstand van achttien meter, president Lincoln onthult.

Vanaf dat moment stond zijn werk bol van persoonlijke, vaak cryptische en droomachtige toespelingen, die hij naar believen hergebruikte, zoals de spookachtige figuur van de Grote Masturbator, die hij in 1929 veelvuldig gebruikte (Portret van Paul Éluard en De Grote Masturbator). Hij erkende dat Miró”s schilderkunst “uit hetzelfde bloed” bestond als de zijne en werd beïnvloed door René Magritte, maar verwierf al snel een eigen stijl met zijn schilderijen Honing is zoeter dan bloed (1927) en Cenicitas (1928) en vervolgens met de uitvinding van de paranoïde-kritische methode.

Patrice Schmitt, sprekend over een ontmoeting tussen Dalí en Lacan, merkte op dat “paranoia volgens Dalí de antithese is van hallucinatie in haar actieve karakter. Het is zowel methodisch als kritisch. Het heeft een precieze betekenis en een fenomenologische dimensie en staat tegenover het automatische, waarvan het bekendste voorbeeld het exquise lijk is. Hij trekt een parallel met de theorieën van Lacan en concludeert dat het paranoïde fenomeen van het pseudo-hallucinatoire type is. Nu, de technieken van de dubbele beelden waaraan Dalí sinds Cadaqués werkte, De Onzichtbare Man (een combinatie die Robert Descharnes en Gilles Néret deed zeggen dat Dalí “de enige echte schilder was die totaal surrealistisch was, zoals we kunnen zeggen dat Monet de enige echte schilder is die totaal impressionistisch is, van het begin van zijn werk tot de Nymphéas aan het eind”.

De atoombomexplosies in Hiroshima en Nagasaki deden de schilder “seismisch” schudden en gaven hem een nieuwe inspiratiebron: de kernfysica. Hij verklaarde zichzelf een “ex-surrealist”, hoewel hij, volgens Robert Decharnes en Gilles Néret, er meer dan ooit een is gebleven. De atoomtheorie gaat uit van een fundamentele discontinuïteit van de materie: de kernfysica zegt, door de zaken te vereenvoudigen, dat door een vacuüm gescheiden elementaire deeltjes een evenwicht behouden, terwijl zij op macroscopische schaal een samenhangend geheel vormen. Hij vond in Heisenberg zijn nieuwe vader, en met een logica die altijd onweerlegbaar was, bevestigde hij dat wat natuurkundigen voortbrengen, schilders, die toch al specialisten in engelen zijn, kunnen schilderen. In deze periode verkeerden de door Dalí afgebeelde lichamen en voorwerpen in een toestand van levitatie, een nieuwe benadering die verband hield “zowel met de gulden snede als met de speculaties van de moderne fysica”. Zij weerspiegelden de spirituele evolutie van de schilder, in een constante zorg voor een dubbele gezindheid, agnostisch en rooms-katholiek.

In 1946 keerde hij voor inspiratie terug naar de Renaissance-schilderkunst, waardoor de schilder een synthese kon bereiken van drie onwaarschijnlijke benaderingen: corpusculair, rooms-katholiek en renaissance.

Picturale thema”s

De baai van Portlligat, maar ook de vissershaven of de voorgevel van het huis van de schilder, komen voor op veel van zijn schilderijen uit de tijd dat het echtpaar er in 1930 naartoe verhuisde. Het gebied rond Cap de Creus was voor Dalí “het meest concrete landschap ter wereld”. De scherpgerande, vreemd gevormde rotsen zijn welbekend bij de wandelaars in Cadaqués. Dalí gebruikte ze vaak in zijn schilderijen (Napoleon”s Neus getransformeerd tot een zwangere vrouw die met haar schaduw tussen de oorspronkelijke ruïnes loopt, 1945). Het samengestelde en raadselachtig aandoende beeld van de Grote Masturbator verscheen in 1929, in het Portret van Paul Éluard. Het is samengesteld uit verschillende elementen, soms variabel: oogleden, wimpers, alles rustend op een neus in profiel. Een sprinkhaan wordt vaak ondersteboven afgebeeld, dicht bij de plaats van de mond. Dit element was zeer aanwezig van 1929 tot 1931 (La Persistance de la mémoire, 1931). Afgezien van de eigen symboliek van de auteur, is het algemene uiterlijk dat van de rotsen waarmee Dalí vertrouwd was.

Verschillende dieren krijgen voor hem een morbide karakter. Dit is bijvoorbeeld het geval met de mieren, die zeer aanwezig zijn sinds Portret van Paul Éluard (1929). Volgens hem hebben ze te maken met een jeugdscène waarin de jonge Salvador, nadat hij een gewonde kleine vleermuis had opgevangen, het dier de volgende ochtend stervend aantrof: “De vleermuis, overdekt met verwoede mieren, kreunt, zijn mond open, waardoor de tanden van een kleine oude dame zichtbaar worden. De rotte ezel maakt ook deel uit van deze voorstellingen. Het kwam voor in de film Un chien andalou (1929), en in verschillende schilderijen uit dezelfde periode – Honing is zoeter dan bloed (1927), Cenicitas (1928), De rottende ezel (1928) – evenals verschillende rottende dierenlijken. Volgens de schilder deden deze beelden hem denken aan het traumatische tafereel van het kadaver van zijn getemde egel, overvallen door een leger wormen: “De stekelige rug golfde over een ongehoorde zwerm uitzinnige wormen”.

De sprinkhanen verwijzen ook naar scènes uit zijn kindertijd en zijn terreur voor sprinkhanen, die zijn klasgenoten hem soms in de klas toestuurden. Sprinkhanen waren zeer aanwezig in zijn werken uit de jaren 1920 en 1930, en ze werden vaak geassocieerd met de Grote Masturbator.

De neushoorn – en vooral zijn hoorn – was daarentegen een goddelijk instrument in verband met zijn nucleaire mystiek, maar ook een duidelijk fallisch aanhangsel (de jonge maagd zelf-sodomiseert door de hoorns van haar eigen kuisheid). Dalí gebruikte het al in 1951 (Versplinterd Raphaëls hoofd) en dan vooral rond 1955 (Paranoïde studie van de kantwerkster van Vermeer). Hij legde uit dat “The Lacemaker een maximum aan biologische dynamiek bereikt dankzij de logaritmische krommingen van de neushoornhoorns”.

Van vliegen daarentegen wordt gezegd dat ze geassocieerd worden met een positief gevoel. Dalí zei dat hij dol was op deze insecten en dat hij in Portlligat de gewoonte had zich door hen te laten bedekken. Hij beschouwde ze als “de feeën van de Middellandse Zee”. Michel Déon vertelt ons dat hij L”Éloge de la mouche van Lucien de Samosate met veel plezier las.

Net als zijn vader, die zich verborg om ze te eten, at Dalí graag de zee-egels die hem uit de nabijgelegen zee werden gebracht. Hij gebruikte ze in zijn schilderijen (De Madonna van Port Lligat 1950), in de fotografie, en zelfs als kunstenaar, door een rietje in hun mond te steken, waarvan de bewegingen vormen tekenden op een scherm. Dit was waarschijnlijk het eerste gebruik van een stekelhuidje als tekenaar.

In 1954 signeerde hij zes keramieken “De Rode Sterre der Zee”, geïnspireerd door Maurice Duchin, Spaans minister.

Voedsel, en de handeling van het eten, hebben een centrale plaats in Dalí”s werk en denken, voor wie “schoonheid eetbaar zal zijn of het zal het niet zijn, brood was zeer aanwezig vanaf 1926 (De broodmand). De zeer klassieke Bread Basket, Rather Death Than Filth (1945) kreeg van Dalí een ereplaats in het museum van Figueras, waarmee hij uitdrukking gaf aan het belang van dit schilderij. Met een stokbrood van 2 meter lang kwam hij voor het eerst aan in de Verenigde Staten, en met een stokbrood van 12 meter lang, gedragen door verschillende bakkers, presenteerde hij zich in 1959 op een conferentie in Parijs. De symboliek ervan leek voor Dalí heel belangrijk: “Brood is een van de vroegste fetisjthema”s en obsessies van mijn werk geweest, het eerste, waaraan ik het meest trouw ben gebleven.”

Het spiegelei zonder gerecht komt regelmatig terug in zijn werk. Het zou de schilder hebben doen denken aan de fosfenen die verschijnen wanneer de oogbollen worden samengeknepen en die hij associeert met een intra-uteriene herinnering. Misschien wel Dalí”s bekendste picturale creatie is de Montres Molles. Zij vloeien als een camembert: “Zachte horloges zijn als kaas, en vooral als camembert wanneer die volledig rijp is, d.w.z. wanneer hij de neiging heeft te gaan druipen. Dus wat heeft kaas met mystiek te maken? Ruggen en billen van vrouwen waren al heel vroeg in zijn werk aanwezig, vooral in de portretten van zijn zuster Anna-Maria in Cadaqués (Personage bij een raam, 1925, Jong meisje met haar rug (Anna Maria), 1926). Later, in een explicieter schilderij, Jonge maagd zelf gesodomiseerd door de hoorns van haar eigen kuisheid (1954), kwam de erotische betekenis van deze poses duidelijk naar voren. Ze bleven aanwezig in het hele werk van de schilder.

Gala verscheen in 1931 in een piepklein werkje (Eerste portret van Gala), een echte miniaturistische krachttoer, tentoongesteld in het Teatre-Museu Gala Salvador Dalí; een vergrootglas is beschikbaar om de details beter te kunnen waarderen. Haar portretten waren vervolgens zeer talrijk en haar gezicht en karakteristieke haardracht maakten haar gemakkelijk herkenbaar. Zij verscheen van voren (Gala”s Angelus, 1935) of van achteren (Mijn vrouw, naakt, kijkend naar haar eigen lichaam in wording, drie wervels van een zuil, hemel en architectuur, 1945), naakt (Leda Atomica, 1949), als de Maagd Maria (De Madonna van Port Lligat, 1950), met een naakte borst (Galarina, 1945).

De ontdekking van een paar krukken, achtergelaten op de zolder van zijn vaders huis, was een openbaring. Hij definieert het als “een houten steun die is afgeleid van de Cartesiaanse filosofie. Over het algemeen gebruikt om de tederheid van zachte structuren te ondersteunen”. Het werd onmiddellijk een fetisjobject dat woekert in zijn werk, vaak om een zacht aanhangsel te ondersteunen. Daarin kunnen we de angst van de impotentie bespeuren die Dalí beheerste voor zijn seksuele ontmoeting met Gala. In 1929 veroorzaakte de aanwezigheid op het schilderij Jeu lugubre van een man met een besmeurde broek een schandaal in de surrealistische kring. Gala werd met een delegatie meegestuurd om zich ervan te vergewissen dat de jonge Catalaan geen coprofagische neigingen had, hetgeen de surrealisten met afschuw vervulde. Gala wist hen gerust te stellen, maar waarschuwde Dalí tegelijkertijd voor de zeer “kleinburgerlijke” geestesgesteldheid van een groep kunstenaars die beweerden volkomen oprecht te zijn.

Millet”s Angelus werd een echte obsessie voor Dalí. Haar figuren kwamen voor in een groot aantal van zijn schilderijen, van Monument imperial à la femme-enfant, Gala – Fantaisie utopique (1929) tot La Gare de Perpignan, in 1965. Dalí gaf vaak uitleg over de erotiek van het schilderij, en ook over zijn overtuiging dat het echtpaar aan het bidden was rond de kist van hun dode kind. Verrassend genoeg onthult een röntgenfoto in het Louvre een donkere, rechthoekige ruimte onder de grond tussen de twee figuren.

De Venus van Milo was een incidentele verwijzing. Zij verscheen eerst in een gekaapt beeldhouwwerk met zijn vriend Marcel Duchamp, en daarna als een beeld dat metamorfoseerde in een stierenvechter in Le Torero hallucinogène.

De dood is overal in het werk aanwezig, vanaf de vroegste surrealistische schilderijen, zelfs in de eerste portretten van oude mannen. De dood verschijnt eerst in zijn meest weerzinwekkende fysieke aspect, dat van rottende lijken. Later werd het discreter, maar het was altijd aanwezig, zelfs in de christelijke schilderijen – voornamelijk kruisigingen. Het is opmerkelijk in Portrait of My Dead Brother (1963), Tuna Fishing (1967), The Hallucinogenic Torero (1970).

Het liefdesalfabet is geboren uit Dalí”s passie voor grafische kunsten en voor zijn muze Gala. Uit hun initialen, “S”, “D” en “G”, en een kroon, bedacht hij acht abstracte tekens als symbool van hun liefde. Het alfabet werd bekend in de jaren 1970 toen hij Lancel een handtas liet maken als geschenk voor Gala.

Deze tas is een klein model met zijvouwtjes en een handvat met fietsketting. Het leder is versierd met een opdruk van het type Toile Dalígram, met de letters van het liefdesalfabet.

Beeldhouwwerk

De beeldhouwkunst bleef lange tijd anekdotisch in Dalí”s werk, met zeldzame uitzonderingen zoals het Scatologisch object met symbolische functie (1931) of de Rhinocerontische buste van de kantwerkster van Vermeer (1955). Hij keerde terug naar driedimensionale creatie in de jaren 1960, en vooral in 1970, met de creatie van het Teatre-Museu Gala Salvador Dalí: Buste van Dante (1964), Stoel met Giervleugels (1960), Lilith. Hommage à Raymond Roussel (1966), Begrafenismasker van Napoleon dat als deksel voor een neushoorn kan dienen (1970).

Salvador Dalí zei dat hij als kind de Venus van Milo boetseerde omdat die op zijn potlooddoos stond: dit was zijn eerste poging tot beeldhouwen. Vanaf de jaren 1930 probeerde Dalí de derde dimensie uit met surrealistische objecten. Samen met Giacometti creëerde hij objecten met een symbolische functie, Retrospective Woman”s Bust. Borstbeeld: Brood en inktpot, door een beschilderde porseleinen hoedenmarmot samen te voegen met verschillende andere gerecycleerde voorwerpen (1933). In 1936 werkten Marcel Duchamp en Salvador Dalí samen aan de Venus van Milo met laden.

Uit deze periode stammen bronzen beelden, gebaseerd op zijn beroemdste schilderijen, zoals La Persistance de la mémoire, Le Profil du temps, La Noblesse du temps, Venus à la girafe, Le Toréador hallucinogène, La Vénus spatiale, Alice au pays des Merveilles, L”Éléphant spatial, die de expressieve kracht van zijn surrealistische iconografische beelden op uiterst krachtige wijze demonstreren.

Dalí maakte zijn eerste juwelen na de Tweede Wereldoorlog in New York: The Eye of Time (1949), Ruby Lips (1950), The Royal Heart (1953).

Tussen 1969 en 1979 maakte Salvador Dalí een collectie van 44 bronzen beelden, waarvan er slechts 4 zijn gemaakt: Collection Clot de Dalí.

Architectuur

In 1939 creëerde hij het paviljoen Dream of Venus voor de New York International Fair. Het was een surrealistische kermisattractie met o.a. een door liefdeskoorts bevangen Venus op een bed van rood satijn, zeemeerminnen en giraffen. Van dit huis zijn alleen nog de herinneringen, een veertigtal foto”s van Eric Schaal, een film van acht minuten en de weelderige vierluik met zachte horloges, bewaard in Japan, overgebleven. De schilder had het surrealisme tot levenskunst verheven.

In Portlligat richtte hij zijn huis in op zijn eigen manier, “als een vorst van kitsch, ironie en spot”. Zijn bibliotheek was opzettelijk ontoegankelijk, met rijen boeken hoog aan de muur, zodat niemand erbij kon. In de as van de fallische poel stond een tempel met een grote altaartafel, waar hij beschutting zocht tegen de zon en zijn vrienden ontving. De bodem van zijn zwembad was bekleed met zee-egels; dit was een opdracht van de meester aan de beeldhouwer César, die een polyester gietstuk had gemaakt om “op de zee-egels te lopen zoals Christus op de wateren liep”. De patio had de vorm van een vrouwensilhouet uit Millet”s Angelus. De bank is gemaakt van een afgietsel van Mae West”s lippen. De achtermuur, de “Pirelli-muur” genoemd, was versierd met grote bandenreclames.

In het begin van de jaren zeventig kreeg het project voor het theater-museum in Figueras eindelijk gestalte. Dalí nam het ontwerp van dit naar zijn glorie gebouwde museum ter harte: “Ik wil dat mijn museum één blok is, een labyrint, een groot surrealistisch object. Het wordt een Theatraal Museum. De bezoeker zal de zaal verlaten met het gevoel dat hij een theatrale droom heeft gehad.

Literatuur

Dalí”s geschriften vormen een belangrijk corpus dat alleen in zijn geheel in het Spaans is gepubliceerd. Hij schreef, althans sinds zijn adolescentie (Studium), gedichten, enkele literaire teksten en een dagboek dat in 2006 werd gepubliceerd. Hij publiceerde talrijke teksten waarin hij zijn ideeën en zijn opvatting van de schilderkunst uiteenzette en biografische elementen aanreikte die ons in staat stellen de ontstaansgeschiedenis van sommige van zijn schilderijen te begrijpen. Oui zet zijn theoretische opvattingen uiteen in twee belangrijke teksten: “De paranoïde-kritische revolutie” en “Wetenschappelijk aartsgeloof”.

Dalí”s twee beroemdste autobiografische teksten, geschreven in een zeer persoonlijke stijl, zijn Het geheime leven van Salvador Dalí, dat biografische details geeft over zijn jeugd, zijn problematische relatie met zijn vader en de van kindsbeen af verworven overtuiging dat hij een genie was, en Dagboek van een genie, dat handelt over de jaren 1952 tot 1963. Dalí schreef een enkele roman tijdens de oorlog, Verborgen gezichten. Hierin portretteerde hij de Franse aristocratie tijdens de oorlog, en in het bijzonder de liefdesrelatie van twee personages, de hertog van Grandsailles en Solange de Cléda. Dit laatste is een illustratie van wat hij zelf het clédalisme noemde, dat tot doel had “de trilogie van de hartstocht, begonnen door de Markies de Sade” te voltooien, waarvan de eerste twee elementen sadisme en masochisme zijn.

In 1938 schreef hij ook een paranoïde-kritische interpretatie van een van zijn naslagwerken, in Millet”s Tragische Mythe van het Angelus, gepubliceerd in 1963. Hij illustreerde Fantastische herinneringen (1945), La Maison sans fenêtre, Le Labyrinthe (1949) en La Limite (1951) van Maurice Sandoz, die hij in het begin van de jaren veertig in New York had leren kennen.

Cinema

Dalí”s jeugd viel samen met de gouden eeuw van de stomme film. Hij ontmoette Luis Buñuel in het studentenhuis in Madrid – hij maakte hem het onderwerp van een van zijn eerste schilderijen. Deze vriendschap leidde tot een samenwerking die zich ontwikkelde in de context van het surrealisme. In medeplichtigheid met hem schreef hij mee aan twee emblematische films van de surrealistische cinema. De eerste, Un chien andalou (1929), is een zestien minuten durende korte film. Het werd gefinancierd door de burggraaf en burggravin van Noailles, naar aanleiding van een tentoonstelling in Parijs. Na een brutaal inleidend beeld, bedoeld om de scheiding tussen de echte wereld en de surrealistische wereld beter aan te geven, volgen verschillende droomachtige scènes elkaar op, slechts begiftigd met de logica van dromen. De film veroorzaakte een schandaal in Parijse intellectuele kringen. Volgens Robert Descharnes wilden Dalí en Buñuel echter iets maken dat “anders was dan alles wat eerder was gemaakt”. Met dit in het achterhoofd werd in 1930 de tweede film, L”Âge d”or (De Gouden Eeuw), gemaakt. Ondanks een gemeenschappelijk programma stonden de twee auteurs lijnrecht tegenover elkaar; Dalí wilde liefde, schepping en katholieke mythen uitbeelden in de setting van Cap de Creus. Wat voor Dalí een subtiele, verfijnde en diepgaande heiligschennis had moeten zijn, werd door Buñuel omgevormd tot een primair antiklerikalisme. De één uur durende film veroorzaakte publieke onrust tussen royalisten en surrealisten. In die tijd werd het brutaal gevonden en tot 1981 verboden.

Dalí werkte mee aan verschillende films die niet werden voltooid. In 1941 schreef hij de eerste droomscène voor Fritz Langs film Moontide, die echter niet werd opgenomen omdat de Verenigde Staten in de oorlog waren beland. In 1945 begon Dalí met Walt Disney de tekenfilm Destino te regisseren, die na een paar maanden werd stopgezet wegens financiële problemen in verband met de oorlog. Dalí en Disney waren zeer op elkaar gesteld, en Dalí beschouwde de filmmaker als een “grote Amerikaanse surrealist”, op gelijke voet met de Marx Brothers en Cecil B. DeMille.

Hij schreef een scenario voor de Marx Brothers, Giraffes on Horseback Salad, dat in kladversie is gebleven. In 1945 ontwierp hij het decor voor de betoverende scène in Alfred Hitchcock”s film The House of Dr Edwardes. In deze scène ziet Gregory Peck, psychoanalyse van Ingrid Bergman, een gordijn van wijd opengesperde ogen – een idee overgenomen uit de film Un chien andalou – en enorme scharen die oogleden en netvliezen uitknippen.

Dalí zelf produceerde een aantal experimentele surrealistische korte films waarin hij zichzelf op de planken bracht. In de jaren vijftig maakte hij L”Aventure prodigieuse de la Dentellière et du rhinocéros, geregisseerd door Robert Descharnes, waarin beelden en voorwerpen met elkaar in verband worden gebracht door de logaritmische curve en de gulden snede. In 1975 was het Impressions de la Haute Mongolie (Hommage aan Raymond Roussel). In deze film, die eruit ziet als een nepdocumentaire, vertelt Salvador Dalí het verhaal van een verdwenen volk waarvan hij de sporen vond tijdens een reis naar “Boven-Mongolië”. Het verhaal is volledig verzonnen. Dalí had op de ring van een pen geplast en wachtte tot de corrosie effect had. Hij filmde de effecten op macro- en microscopische afstand, met een “historicus” als commentaar.

Met Jean-Christophe Averty en Robert Descharnes regisseerde hij L”Autoportrait mou de Salvador Dalí (1967), een reclame voor Lanvin chocolade in 1968. Alejandro Jodorowsky had Dalí gevraagd om de rol van keizer Shaddam IV te spelen in zijn afgeblazen filmproject voor de roman Dune. Dalí eiste onder meer het astronomische tarief van 100.000 dollar per uur betaald te krijgen en stelde een troon van scatologische inspiratie voor.

Theater

Dalí nam deel aan verschillende theater-gerelateerde projecten. In 1927 werkte hij samen met Federico García Lorca aan het toneelstuk Marina Pineda en schreef hij het libretto voor Bacchanal, geïnspireerd op Tannhäuser van Richard Wagner. Tijdens zijn verblijf in New York creëerde Dalí verschillende achtergronden, decors en kostuums voor balletten, Labyrinth (1941), Helena (1942), Romeo en Julia (1942), Café de Cinitas (1943) en Tristan Fou (1944).

Modewereld

Gedurende zijn hele leven en werk bleef Dalí in symbiose met de polymorfe wereld van de mode. In zijn onverzadigbaar verlangen om de grenzeloze creativiteit die hem kenmerkt te materialiseren, verkende hij de meest heterogene creatieve registers van de modesector. Zijn modellen waren bij voorkeur vrouwen met prominente heupen – stuitbeentjes – en onbehaarde oksels, zoals Greta Garbo. Tot zijn meest opmerkelijke prestaties behoren vele stofpatronen en decoratieve ontwerpen voor kleding. Hij werkte samen met Coco Chanel aan de kostuums en decorontwerpen voor het toneelstuk Bacchanal, “paranoid-kinetic”, werkte mee aan enkele hoedenontwerpen waaronder een beroemd schoenvormig exemplaar en ontwierp samen met de couturier Elsa Schiaparelli de “kreeft”-jurk (jaren 1930) in opdracht van Edward James voor zijn vriendin de actrice Ruth Ford. In 1950 ontwierp hij samen met Christian Dior het “1945 pak” met lades. Salvador Dalí creëerde het Dalígram Canvas in de late jaren 1960, gebaseerd op een Louis Vuitton koffer. In 1970 werd een handtas van Lancel versierd met zijn liefdesalfabet, terwijl het handvat werd gevormd door een fietsketting. Hij ontwierp badpakken voor vrouwen die de borsten samendrukten en zo een engelachtig uiterlijk gaven; een afrodisiacum-dinerjack bedekt met borrelglaasjes gevuld met pepermunt; stropdassen; het haarontwerp van zijn metamorfe snor-antennes; parfumflesjes.

Veel van zijn ontwerpen zijn als model blijven staan zonder ooit te zijn gerealiseerd. Daartoe behoorden jurken met nep-scheidingen en gevuld met nep-anatomie; holle wangmake-up om schaduwen onder de ogen weg te werken; caleidoscopische brillen voor autoritten; nepnagels bestaande uit kleine spiegeltjes waarin men zichzelf kon beschouwen.

Fotografie

Dalí toonde een echte belangstelling voor fotografie, waaraan hij in zijn werk een belangrijke plaats gaf. Hij heeft de decors en de foto”s op elkaar afgestemd zoals een schilder zijn doek bewerkt met zijn penselen. Dalí de fotograaf was de onthulling van een belangrijk en weinig bekend deel van de Daliniaanse schepping. Hij werkte samen met fotografen als Man Ray, Brassaï, Cecil Beaton en Philippe Halsman. Met deze laatste creëerde hij de beroemde Dalí Atomicus serie. Het was ongetwijfeld Robert Descharnes, zijn vriend en medewerker-fotograaf gedurende 40 jaar, die de meeste foto”s nam van Dalí, de man en zijn werk.

De fotograaf en journalist Enrique Sabater ontmoette Dalí in de zomer van 1968, toen hij van het Amerikaanse agentschap Radical Press de opdracht had gekregen om de schilder in zijn huis in Portlligat te interviewen. Er ontstond een vriendschap tussen hen en de fotograaf bleef twaalf jaar bij Dalí als zijn secretaris, rechterhand en vertrouweling. Enrique nam duizenden foto”s van Dalí en Gala. In 1972, toen Elvis Presley hem bezocht, was Dalí zo onder de indruk van zijn country shirt met geborduurde motieven en parelmoeren knopen dat de zanger het hem cadeau deed. Daarna droeg hij het om Dalí te maken met Elvis” hemd. Tegen Marc Lacroix, die de foto nam, zei de meester : “Toen Elvis Presley mij in mijn atelier kwam opzoeken, merkte hij onmiddellijk dat ik gefascineerd was door zijn country shirt. Toen hij wegging zei hij tegen me: “Vind je mijn shirt mooi? Ja. Heel erg zelfs. Zonder een woord te zeggen maakte hij de knopen los en vertrok hemdloos. Sindsdien laat ik het nooit meer zitten om te schilderen.

Met Marc Lacroix, een modefotograaf, poseerde Dalí in 1970 voor een reeks portretten waarin hij zichzelf op scène zette, in uitzinnige foto”s: Dalí met een spinnenkroon, Dalí met een bloemenoor, Avida Dollars. Deze laatste foto is genomen boven een bord van de Banque de France, omringd door bankbiljetten in zijn beeltenis. Nog steeds bij Marc Lacroix, probeerde hij een experiment uit waar hij al lang aan dacht. Hij maakte een driedimensionaal schilderij, Eight Pupils, waarbij hij gebruik maakte van een stereoscopisch prototype camera om diepte weer te geven.

Dalí had een vriendschappelijke relatie met de zanger van de hard rock band Alice Cooper, Vincent Furnier. De twee kunstenaars bewonderden elkaar; Alice Cooper gebruikte een schilderij van Dalí om zijn album DaDa in 1983 te illustreren, nadat laatstgenoemde tien jaar eerder een hologram aan hem had opgedragen, getiteld First Cylinder. Portret van het brein van Alice Cooper. Een van de opvallendste foto”s is die van de schilder met een hoge hoed op, aan de zijkanten waarvan hij Mona Lisa maskers had geplaatst. Volgens Thérèse Lacroix creëerde hij het voor zijn deelname aan een bal dat gegeven werd door de Barones Rothschild. Slechts de helft van Dalí”s gezicht verschijnt te midden van raadselachtige, bevroren glimlachen.

De Broodmand

Het Broodmandje (31,5 × 31,5 cm), (Salvador Dali Museum), is een olieverf op hout gemaakt in 1926. Het was het eerste werk van Dalí dat buiten Spanje werd tentoongesteld, op de Internationale Tentoonstelling in het Carnegie Instituut in Pittsburgh in 1928. Dit vroege werk werd gemaakt kort nadat hij zijn kunststudie in Madrid had voltooid, toen hij de Hollandse meesters bestudeerde. Daarin toonde Dalí op tweeëntwintigjarige leeftijd het volle bezit van zijn schilderkunstige bekwaamheden.

Op een zeer realistische manier afgebeeld in een zeer klassiek clair-obscur, wordt een rieten broodmandje gepresenteerd met vier sneetjes brood, waarvan één met boter. Het geheel wordt op een wit tafelkleed met vele voluten gelegd. In het midden is de achterkant van het tafelkleed te zien, waardoor de details van de stof heel duidelijk zichtbaar worden. De achtergrond is donker, zelfs zwart. Het harde witte licht lijkt de scène te verglazen.

Metamorfose van Narcissus

The Metamorphosis of Narcissus (Tate Gallery, 50,8 × 78,3 cm) werd geschilderd in 1936-37, toen de schilder midden in zijn surrealistische periode zat. Het is een mythologische scène waarvan het meest gedetailleerde verhaal wordt verteld in Ovidius” Metamorphosen.

Volgens Ovidius werd Narcissus, zoon van de nimf Liriope en de rivier Cephis, na een ontmoeting met de nimf Echo, die hem niet kon verleiden, door Nemesis, de godin van de wraak, gedwongen helder water te drinken. Maar “verliefd op zijn beeld, dat hij in het water ziet, leent hij een lichaam aan de ijdele schaduw die hem in de ban houdt: in extase voor zichzelf, blijft hij staan, zijn gezicht onbeweeglijk als een marmeren beeld van Paros”. Narcissus werd verliefd op zijn spiegelbeeld, maar omdat hij zich niet van zijn lichaam kon losmaken, begon hij te wenen. Zijn tranen verstoorden het beeld, dat verdween. Narcissus sloeg in wanhoop toe en toen het water weer kalm was, overpeinsde hij zijn gehavende spiegelbeeld. Hij liet zich sterven, weeklagend met een “helaas”, dat Echo onvermoeibaar herhaalde tot een laatste “vaarwel”, waarop ook de nimf antwoordde. Bij zijn begrafenis wordt “slechts een gele bloem, gekroond met witte bladeren in het midden van zijn stengel, op zijn plaats gevonden”.

Dalí presenteerde met zijn schilderij een “paranoïde gedicht” met dezelfde naam en hetzelfde onderwerp, voorafgegaan door een metatekst, een gebruiksaanwijzing. Volgens de schilder was dit het eerste werk, schilderij en gedicht, dat geheel volgens de kritische paranoïde methode was geconcipieerd. Hoewel in het gedicht staat dat de sneeuwgod aanwezig is in de bergen op de achtergrond, speelt de scène zich af in de lente, het seizoen van de narcissen. De schilder maakt gebruik van een dubbelbeeld, ontleend aan zijn kritische paranoïde methode, door links de toestand vóór Narcissus” gedaanteverwisseling en rechts zijn gedaanteverwisseling af te beelden, gebruik makend van de Latijnse leesrichting. Links wordt de figuur met zijn onnauwkeurige contouren weerspiegeld in het water. Hij is voorovergebogen en zijn hoofd rust op zijn knieën, in afwachting van de dood. Rechts is het dubbele van het beeld na transformatie. De figuur wordt een dunne, steenachtige hand die uit de aarde oprijst. Op zijn drie samengevoegde vingers draagt hij een reusachtig ei waaruit een narcis ontspringt. Zowel de nagel als het ei zijn gebroken en de groep is afgebeeld in een stenig, kadaverachtig grijs, waarop mieren, symbolen van rotting, opstijgen.

Op de achtergrond en in het midden is afgebeeld wat Dalí in het gedicht omschrijft als een “heteroseksuele groep in staat van wachten”. Het is een groep van acht naakte mannen en vrouwen die door Narcissus zijn afgewezen, waaronder volgens Dalí een Hindoe, een Catalaan, een Duitser, een Rus, een Amerikaan, een Zweedse vrouw en een Engelse vrouw. Een andere interpretatie wordt gegeven door Shnyder die de tegenovergestelde transformatie beschouwt. De hand rechts is de begintoestand; links, verschoven door de vertaling, is de schilder Dalí, in een dubbelganger van dit beeld. Deze groep metamorfoseert in een zittende, voorovergebogen figuur die reflecteert in bevroren water, een figuur als de Narcissus uit de mythe van Ovidius. De kleuren zijn warm, goudkleurig en zacht. Dalí zegt over de figuur van Narcissus in zijn begintoestand dat “als je hem indringend bekijkt, hij ook versmelt met de rode en gouden rotsen”.

Voorgevoel van burgeroorlog

Zoals veel van Dalí”s schilderijen heeft ook dit schilderij een dubbele titel: Zachte constructies met gekookte bonen. Voorgevoel van de Burgeroorlog. Het is een olieverf op doek, meet 100 × 99 cm, en wordt bewaard in het Philadelphia Museum of Art. Het begon in Parijs in 1936, toen de toenemende gewapende onlusten in Spanje weinig twijfel lieten bestaan over de nabije toekomst van het land, over “de nadering van het grote gewapende kannibalisme van onze geschiedenis, die van onze komende burgeroorlog”. In Het geheime leven van Salvador Dalí vertelt de schilder hoe hij in 1934, toen de Catalaanse republiek werd uitgeroepen, samen met Gala uit Barcelona naar Parijs vluchtte, tussen anarchistische blokkades en het uitroepen van de Catalaanse onafhankelijkheid. Hun chauffeur werd op de terugweg vermoord.

Op de achtergrond wordt het grootste deel van het doek in beslag genomen door de lucht. Op de aardse, zonnige grond ligt een reusachtig wezen met een grijnzend gezicht en een absurde anatomie. Het hele beeld wordt gezien vanuit een lage hoek. In dit schilderij bereikt Dalí een vorm van decompositie, dissectie en recompositie van een reus in een monster. Het is, volgens Jean-Louis Ferrier, een doek waarop “een gigantisch menselijk lichaam zichzelf verscheurt, opensplijt, wurgt, grimassen trekt van pijn en waanzin”. Eén hand ligt op de grond in het stof, terwijl de andere, naar de hemel geheven, een borst vasthoudt. Ze zijn beide samengetrokken en kadaverachtig grijs van kleur. De armen vormen een hoek en lopen uit in een soort been dat verbonden is met een bekken. Op het bekken vormen een ontbindende voet en het rechtopstaande been, samen met de bovengenoemde delen, een reusachtig trapezium, waarvan de lange zijde wordt bekroond door een grimassenkop die naar de hemel is opgeheven. Het geheel wordt ondersteund door een ziekelijk afgehakte voet en een piepklein nachtkastje, die beide liggen tussen gekookte bonen die over de vloer verspreid liggen. Op de wastafel, rechts van de voet, ligt een drol.

Dalí zelf becommentarieerde de aanwezigheid van deze bonen, wat de eerste titel van het werk rechtvaardigt: “De zachte structuur van deze enorme vleesmassa in de Burgeroorlog, heb ik gegarneerd met gekookte bonen, omdat men zich niet kan voorstellen al dit ongevoelige vlees door te slikken zonder de begeleiding, zelfs banaal, van een of andere melancholische en melige groente.

De associatie van oorlog, voedsel en liefde is het centrale thema van een ander van zijn schilderijen over hetzelfde thema: Kannibalisme in de Herfst.

De verleiding van de heilige Antonius

De verzoeking van de heilige Antonius werd geschilderd in 1946. Het is een surrealistische olieverf op doek van 90 × 119,5 cm en wordt bewaard in Brussel in het Koninklijk Museum voor Schone Kunsten. Het schilderij werd in 1946 in New York gemaakt en is representatief voor de periode waarin het surrealisme geleidelijk plaats maakte voor religie. Dalí was inmiddels betrokken geraakt bij de cinema en maakte dit werk tijdens een wedstrijd die was uitgeschreven voor een verfilming van Guy de Maupassant”s roman Bel-Ami. De wedstrijd werd gewonnen door Max Ernst en Dalí”s schilderij werd niet geaccepteerd. Voor Gilles Néret speelt het schilderij op de tegenstelling religieus-erotisch.

“Alchemie van angsten en verlangens, De verzoeking van de heilige Antonius is een subtiele synthese van de klassieke schilderkunst en het scherpe gevoel voor spiritualiteit van de auteur.

– Gilles Néret

Het schilderij toont de heilige Antonius in de woestijn, knielend en een kruis dragend om zich te beschermen tegen de verleidingen die hem overvallen in een gebaar van exorcisme. Deze verleidingen nemen de vorm aan van een reusachtig paard en een rij olifanten met enorme en groteske “spinnenpoten”. De heilige Antonius is afgebeeld als bedelaar, terwijl elk dier een bekoring op zijn rug heeft, een van de meest voorkomende onder de mensen. Triomf wordt voorgesteld door het paard met vuile en versleten hoeven; rechts van hem biedt een naakte vrouw die haar borsten bedekt haar wulps lichaam aan. Zij vertegenwoordigt de seksualiteit. Daarna komt de rijkdom. Dit is een gouden obelisk op de volgende olifant, geïnspireerd op Bernini”s obelisk in Rome. Dit wordt gevolgd door een naakte vrouw die gevangen zit in een gouden huis. Dit wordt bekroond door de trompetten van de roem. Op de achtergrond draagt een laatste olifant een reusachtige fallische monoliet en steekt uit een wolk waarop een kasteel is afgebeeld. Midden in het verlaten landschap, onder de olifanten, maken twee mannen ruzie. De ene is gekleed in een rode cape en draagt een kruis. De andere is grijs en leunt voorover. Een witte engel vliegt over de woestijn.

Christus van Sint Jan van het Kruis

Christus van Sint Jan van het Kruis is een van de beroemdste schilderijen van de schilder. Het is een olieverf op doek, gemaakt in 1951, van 205 × 116 cm, en wordt bewaard in het Kelvingrove Museum in Glasgow. De originaliteit van het perspectief en de technische vaardigheid maakten het schilderij zeer beroemd, zozeer zelfs dat in 1961 een fanaticus het probeerde te vernielen, met weinig succes. In de jaren vijftig heeft de kunstenaar de kruisigingsscène verschillende keren uitgebeeld, zoals in Corpus hypercubus, geschilderd in 1945. Voor dit schilderij baseerde Dalí zich op de theorieën van het Vertoog over de kubische vorm van Juan de Herrera, die in de 16e eeuw aan het hoofd stond van het klooster van San Lorenzo de El Escorial.

Dalí werd geïnspireerd door een mystieke tekening van de heilige Johannes van het Kruis die bewaard werd in het Klooster van de Menswording in Ávila, en door een beeld dat hij naar eigen zeggen had gedroomd van een cirkel in een driehoek. Deze figuur, waarvan hij zei dat hij leek op de kern van een atoom, leek op het ontwerp in het klooster en hij besloot het te gebruiken voor zijn schilderij. Het schilderij toont de gekruisigde Jezus, vanuit vogelperspectief en gezien van boven het hoofd. Het hoofd kijkt naar beneden en is het middelpunt van het schilderij. Het onderste deel van het schilderij toont een onbewogen landschap, gevormd door de baai van Port Lligat. In de rechter benedenhoek zijn twee vissers bezig met een boot. Zij zijn geïnspireerd op een tekening van Velázquez voor De overgave van Breda en een schilderij van Le Nain. Tussen de Gekruisigde en de baai bevinden zich mystieke en mysterieuze wolken, verlicht door het licht dat van Jezus” lichaam uitgaat. Het krachtige clair-obscur dat wordt gebruikt om de figuur van Jezus te benadrukken, creëert een dramatisch effect.

Christus wordt op een menselijke en eenvoudige manier afgebeeld. Hij heeft kort haar – in tegenstelling tot de klassieke voorstellingen – en zit ontspannen. Het teken boven op het kruis is een vel papier met de initialen INRI erop. In tegenstelling tot de klassieke voorstellingen is Christus niet gewond, niet aan het kruis genageld, heeft hij geen snijwonden, heel weinig bloed en geen van de klassieke attributen van de kruisiging – spijkers, doornenkroon, etc. Hij lijkt te zweven naast het kruis. Het lijkt te zweven naast het kruis. Dalí rechtvaardigde dit door uit te leggen dat hij in een droom zijn aanvankelijke plan om bloemen, anjers en jasmijn, in de wonden van Christus te stoppen, had veranderd, “misschien vanwege een Spaans spreekwoord dat zegt A mal Cristo, demasiada sangre”. Sommige commentatoren beweren dat dit het meest menselijke en nederige werk is over het thema van de Kruisiging.

Belangrijkste picturale werken

Salvador Dalí schilderde 1.640 schilderijen, voornamelijk olieverf op doek. De titels en data zijn overgenomen uit het boek van Gilles Néret en Robert Descharnes.

Een groot aantal werken van Salvador Dalí wordt tentoongesteld in de Fondacion Gala-Salvador Dalí in Figueras, in het Dalí Theater-Museum, dat hij zelf omschreef als “het grootste van de surrealistische objecten in de wereld”.

Belangrijkste musea

Salvador Dalí was, samen met Pablo Picasso, een van de twee kunstenaars voor wie tijdens zijn leven twee musea werden opgericht die uitsluitend aan zijn werk waren gewijd. De eerste die werd geopend was door de verzamelaars A. Reynolds Morse en Eleanor Morse, die in de loop der jaren een enorme collectie hadden opgebouwd. In 1971 werd het eerste museum, gevestigd in Beachwood (Cleveland), geopend door Salvador Dalí zelf. In de jaren tachtig liet het echtpaar de werken na aan de stad St. Petersburg in Florida, die in 1982 een nieuw Salvador Dalí Museum opende. Zesennegentig schilderijen van Dalí zijn er ondergebracht, samen met meer dan 100 aquarellen en tekeningen, meer dan 1300 foto”s, beeldhouwwerken, juwelen en talrijke archieven. In 2011 werd een nieuw orkaanbestendig gebouw geopend. Het tweede museum dat werd geopend was het Dalí Theater-Museum. Het bevindt zich in zijn geboortestad Figueras in Catalonië en werd gebouwd op de ruïnes van een oud theater dat tijdens de Spaanse burgeroorlog door brand werd verwoest. Het werd in de jaren 1970 door de schilder omgevormd tot een museum en gaf de stad een nieuwe toeristische attractie. Het werd geopend in 1974.

In het midden van de jaren negentig werden in Spanje nog twee andere musea geopend. Het eerste is het kasteel van Púbol, dat de residentie was van zijn vrouw Gala. Na haar dood in 1982 diende het kasteel twee jaar lang als residentie van Salvador Dalí, tot er in 1984 brand uitbrak in de kamer. Ook zijn huis in Portlligat in de haven van Cadaqués is omgevormd tot een openbaar museum. In Frankrijk presenteert Dalí Parijs de collectie van meer dan vijftien originele beeldhouwwerken, waarmee deze tentoonstelling de status van de belangrijkste collectie in Frankrijk heeft gekregen. In Duitsland brengt het Dalí-museum op het Leipzigplein in Berlijn meer dan 400 werken van de Catalaanse kunstenaar bijeen.

Cinema over Dalí

Dalí”s relatie met de cinema was het onderwerp van een documentaire getiteld Cinema Dalí in 2004, en een retrospectieve door de Tate Modern in Londen in 2007. In 2009 werd in de film Little Ashes, geregisseerd door Paul Morrison, Dalí”s jeugd in Madrid opnieuw beschreven. Robert Pattinson speelt de rol van Salvador Dalí.

In 2011 vertelt een komedie van Woody Allen, Midnight in Paris, het verhaal van twee jonge Amerikanen in het milieu van kunstenaars in het Parijs van de jaren 1920. Ze ontmoeten Salvador Dalí, gespeeld door Adrien Brody. De film won de Oscar voor Beste Originele Scenario in 2012.

Het karakter

De figuur blijft controversieel onder kunstcritici en historici. Bij de honderdste geboortedag van Dalí heeft de literatuurcriticus Peter Bürger er in Die Zeit op gewezen dat Dalí over het algemeen niet voorkomt in de classificaties van moderne kunstenaars die vanaf 1955 zijn opgesteld, in tegenstelling tot andere surrealistische schilders als André Masson, Joan Miró en Max Ernst. Vanaf de jaren 1940 was Dalí in de Verenigde Staten het mikpunt van kritiek wegens zijn werk voor haute couture, juwelen en, meer algemeen, design. Hij werd beschuldigd van het vervagen van de grens tussen kunst en consumptie. Aan deze houding van de critici kwam pas een einde met de komst van de popart, die deze verwarring volledig overnam. Zijn obsessie voor Hitler was ook controversieel.

De kunsthistoricus Michael Peppiatt schreef in dit verband dat “Dalí van de subversieve schittering van zijn jeugd overging naar een groeiende leegheid en lonend exhibitionisme”, aldus Jean Dutourd, van de Franse Academie:

“Salvador Dalí, die zeer intelligent was, begreep een aantal dingen die kunstenaars over het algemeen niet begrijpen, het eerste is dat talent (of genie) een kermiskraam is. Om klanten aan te trekken moet men een goed spel praten, een scherpe tong hebben, capriolen uithalen op een podium. Dit is waar Dalí vanaf het begin in uitblonk. Hij beschouwde zichzelf als de grootste schilder van de 20ste eeuw, d.w.z. een klassiek kunstenaar die de pech had in een dieptepunt van zijn kunst terecht te komen. De Trissotijnen van de westerse intelligentsia en de bourgeoisie die hen volgde, maakten de wet, dat wil zeggen de mening.

“Er zijn twee manieren om deze mensen, van wie reputaties afhangen, te verzoenen; de eerste is even ernstig te zijn als zij, even vol waardigheid. Ze herkennen onmiddellijk een lid van de stam en weten hoe ze dat moeten tonen. De enige andere uitweg was provocatie, dat wil zeggen extravagantie en het onverwachte zowel in gedachten als in woorden, brutale oprechtheid, een voorliefde voor facetimen, iconoclasme ten opzichte van alles wat modieus en dus onaantastbaar is.

Dalí gebruikte het academisme en de negentiende-eeuwse salonschilderkunst echter op een totaal onverwachte manier, wat sommige critici ertoe heeft gedwongen hun oordeel over zijn kunst meer recentelijk te herzien. Dit was vooral het geval na de retrospectieven van het Dalinische surrealisme in Parijs en Düsseldorf. Volgens Peter Bürger “heeft Dalí, die in 1989 overleed, zijn plaats in de kunst van de 20ste eeuw nog niet gevonden”.

In zijn voorwoord bij Dagboek van een genie vat Michel Déon de originaliteit van de schilder samen: “Wat Dalí het meest beminnelijk maakt, zijn zijn wortels en zijn voelsprieten. Wortels die diep in de aarde zijn gedoken, waar ze op zoek gaan naar alles wat de mens in veertig eeuwen schilderkunst, architectuur en beeldhouwkunst heeft weten voort te brengen dat sappig is (volgens een van zijn drie lievelingswoorden). Antennes gericht op de toekomst, die zij bliksemsnel ruiken, voorzien en begrijpen. Het kan niet genoeg gezegd worden dat Dalí een geest van onverzadigbare nieuwsgierigheid is”. Thérèse Lacroix, de echtgenote en medewerkster van Marc Lacroix, die Salvador en Gala gedurende tien jaar herhaaldelijk bezocht, merkt op dat Dalí “indrukwekkend was in zijn uiterlijk en in de manier waarop hij zijn hoofd droeg. Hij was hooghartig maar amusant, nam zichzelf niet serieus”.

Politieke standpunten

Dalí”s relatie met de politiek was vaak dubbelzinnig en onbegrepen. Zij hebben echter wel een belangrijke rol gespeeld in zijn artistieke loopbaan. Als tiener “neigde Dalí naar radicaal anarcho-syndicalisme”, volgde hij hartstochtelijk de Russische revolutie en de vorderingen van Trotski”s Rode Leger, en definieerde hij zichzelf in die tijd als socialist. Hij werd gearresteerd en voor enkele weken gevangen gezet in Girona wegens revolutionaire agitatie. Maar zijn politieke visie evolueerde geleidelijk naar een “gewelddadig anti-sociaal anarchisme” en vervolgens naar een provocerend apolitisme. Zijn viscerale individualisme zou op lange termijn waarschijnlijk niet opgewassen zijn tegen een volksbeweging. In 1934 wekte hij de woede van de surrealisten op door Willem Tell af te beelden in de gedaante van Lenin, wat André Breton beschouwde als een “antirevolutionaire daad”. De breuk was compleet toen Dalí zijn werk concentreerde op Hitler, tegenover wie hij aan het eind van de jaren dertig dubbelzinnige opmerkingen maakte, totdat Breton de schilder definitief uitsloot. Dalí ontvluchtte Spanje net op tijd voor het uitbreken van de Burgeroorlog.

Voor Robert Descharnes en Gilles Néret beleefde Dalí deze Spaanse oorlog met onbegrip. Zij noteren de woorden van de schilder: “Ik had niet de ziel of de historische vezels. Hoe meer de gebeurtenissen zich ontvouwden, hoe meer ik me apolitiek en een vijand van de geschiedenis voelde”. Hij was verbijsterd door de “schande” van de moord op zijn vriend Lorca, “de meest apolitieke schilder ter wereld”. Onder druk gezet om te kiezen tussen Hitler en Stalin “door de hyena van de publieke opinie”, koos hij ervoor om zichzelf te blijven. Hij had dezelfde houding tijdens de Tweede Wereldoorlog, toen hij Frankrijk ontvluchtte in oorlogstijd, en kreeg daar veel kritiek voor, bijvoorbeeld van George Orwell: “Toen de oorlog in Europa naderde, had hij maar één preoccupatie: een plek vinden waar goed te eten was en van waaruit hij snel kon vluchten in geval van gevaar”, waaraan hij in zijn biografie toevoegde dat Dalí een uitzonderlijk tekenaar was en een walgelijke kerel.

Na zijn terugkeer naar Cadaqués in 1948, gaf Dalí blijk van een bijna mystiek monarchisme. Jean-Louis Gaillemin noteert de woorden van de schilder:

“Absolute Monarchie, volmaakte esthetische koepel van de ziel, homogeniteit, eenheid, opperste erfelijke biologische continuïteit, dit alles op de top, verheven dicht bij de koepel van de hemel. Beneden, zwermende en supergelatineuze anarchie, stroperige heterogeniteit, sierlijke verscheidenheid van onwaardige zachte structuren, samengeperst en het laatste sap afgevend van hun ultieme vormen van reactie”.

Deze houding werd ofwel geïnterpreteerd als een toenadering tot het Francoïsme – met name door André Breton – ofwel als een manier om dat regime niet rechtstreeks te steunen, dat niettemin gebruik maakte van sommige uitspraken van de schilder en hem in 1964 het Grootkruis van de Orde van Isabel de Katholieke toekende. Zijn houding bleef dubbelzinnig. Afgezien van surrealistische overwegingen, hoewel Dalí enerzijds Lorca”s dood door toedoen van Franco”s milities niet vergaf en de censuur op het werk van zijn dichter-vriend tot het einde toe aan de kaak stelde, ontmoette hij Franco persoonlijk in 1953 en schilderde hij een portret van diens kleindochter in 1974.

Voor Robert Descharnes stond Dalí vooral dicht bij de Spaanse monarchistische traditie, die een aanvulling vormde op andere aspecten van zijn traditionalistische wending naar het rooms-katholicisme en de schilderkunst van de Renaissance. Dalí claimde zijn steun aan de monarchie, die hij voorstond als een verraad aan de bourgeoisie, zijn oorspronkelijke sociale klasse. Begonnen aan extreem links, verschoof zijn politieke carrière naar rechts. In Frankrijk werd Dalí in de jaren 1950 en 1960 vooral gesteund door rechtse intellectuelen zoals Louis Pauwels, maar toen hij in 1970 verklaarde “anarcho-monarchist” te zijn, opende hij de deur voor speculaties over deze politieke oriëntatie, die zeker een minderheid was.

Volgens Vicente Navarro feliciteerde Dalí in 1975, kort voor zijn dood, de oude generaal Franco met zijn acties om “Spanje te zuiveren van destructieve krachten”, nadat hij het bevel had ondertekend om vier ETA gevangenen te executeren. Terwijl velen Dalí zagen als iemand die de rol van Franco”s “hofnar” speelde, wezen anderen, zoals de architect Óscar Tusquets in zijn boek Dalí y otros amigos, erop dat de extreme overdrijving van deze felicitaties aan een dictator aan de voordeur van de dood ironisch moet worden geïnterpreteerd, aangezien de voortdurende provocaties van de schilder bedoeld waren om een surrealistische publieke figuur op te bouwen.

De schilderijen van Salvador Dalí zijn zeer gewild bij kunstverzamelaars. De olieverf op hout Mijn naakte vrouw kijkend naar haar eigen lichaam wordt stappen, Drie wervels van een kolom, 1945, werd verkocht bij Sotheby”s in Londen op 4 december 2000 voor £2,600,000 of EUR 4,274,140. De olieverf op doek, Nostalgic Echo, van 96,5 × 96,5 cm, werd op 2 november 2005 bij Sotheby”s in Londen verkocht voor $ 2.368.000 (EUR 2.028.665).

Het gerucht gaat dat Dalí door zijn entourage werd gedwongen blanco doeken te signeren, zodat ze door anderen konden worden beschilderd en na zijn dood als originelen konden worden verkocht, waardoor de verdenking werd gevoed en de late werken van de meester werden gedevalueerd.Wat zijn litho”s met vlinders betreft, knipte Salvador Dalí foto”s van deze insecten uit tijdschriften, plakte ze op een vel papier en liet ze door de lithograaf Jean Vuillermoz namaken. Deze litho”s werden gedrukt op vellen die al door Dali waren voorgesigneerd.

In 2017 beweerde een waarzegster, Pilar Abel, zijn dochter te zijn. Om vast te stellen of de schilder inderdaad de biologische vader was, gelastte de rechtbank van Madrid dat zijn lichaam op 26 juni zou worden opgegraven “om monsters van zijn stoffelijk overschot te nemen”. De opgraving vond plaats op 20 juli in het Dalí-museum in Figueras, waar de schilder in een crypte begraven lag. Op 6 september 2017 onthulde de Dalí Foundation dat de DNA-resultaten bewijzen dat de Spaanse kunstenaar niet de vader is van Pilar Abel.

Salvador Dalí is een secundair personage in de animatiefilm Buñuel na de Gouden Eeuw (2018): hij wordt meerdere malen genoemd en zijn stem (gespeeld door Salvador Simó, de regisseur) is te horen in een scène waarin Luis Buñuel met hem telefoneert.

Externe links

Bronnen

  1. Salvador Dalí
  2. Salvador Dalí
Ads Blocker Image Powered by Code Help Pro

Ads Blocker Detected!!!

We have detected that you are using extensions to block ads. Please support us by disabling these ads blocker.