Roy Lichtenstein

Samenvatting

Roy Fox Lichtenstein (27 oktober 1923 – 29 september 1997) was een Amerikaans popartkunstenaar. Tijdens de jaren 1960 werd hij, samen met onder anderen Andy Warhol, Jasper Johns en James Rosenquist, een leidende figuur in de nieuwe kunstbeweging. Zijn werk definieerde de premisse van de pop art door middel van parodie. Geïnspireerd door het stripverhaal maakte Lichtenstein precieze composities die documenteerden terwijl ze parodieerden, vaak op een ironische manier. Zijn werk werd beïnvloed door populaire reclame en de stijl van het stripverhaal. Zijn kunstwerken werden beschouwd als “ontwrichtend”. Hij beschreef pop art als “geen ”Amerikaanse” schilderkunst maar eigenlijk industriële schilderkunst”. Zijn schilderijen werden tentoongesteld in de Leo Castelli Gallery in New York City.

Whaam! en Drowning Girl worden algemeen beschouwd als Lichtensteins beroemdste werken. Drowning Girl, Whaam!, en Look Mickey worden beschouwd als zijn meest invloedrijke werken. Zijn duurste werk is Masterpiece, dat in januari 2017 voor 165 miljoen dollar werd verkocht.

Lichtenstein was Joods, hoewel hij “zijn afkomst bagatelliseerde” en “niet vaak sprak over zijn Joods-zijn”. Zijn vader, Milton, was een makelaar in onroerend goed, zijn moeder, Beatrice (Werner), een huisvrouw. Hij groeide op in de Upper West Side van New York City en ging tot zijn twaalfde jaar naar de openbare school. Daarna ging hij naar de New Yorkse Dwight School, waar hij in 1940 afstudeerde. Lichtenstein raakte via school voor het eerst geïnteresseerd in kunst en design, als hobby. Hij was een fervent jazzliefhebber en bezocht vaak concerten in het Apollo Theater in Harlem. Hij tekende vaak portretten van de muzikanten die hun instrumenten bespeelden. In zijn laatste jaar van de middelbare school, 1939, schreef Lichtenstein zich in voor zomercursussen aan de Art Students League of New York, waar hij werkte onder de voogdij van Reginald Marsh.

Lichtenstein verliet New York om te gaan studeren aan de Ohio State University, waar hij studielessen kon volgen en een graad in de schone kunsten kon behalen. Zijn studie werd onderbroken door een verblijf van drie jaar in het leger tijdens en na de Tweede Wereldoorlog tussen 1943 en 1946. Nadat hij een taal-, ingenieurs- en pilotenopleiding had gevolgd, die allemaal werden afgelast, diende hij als ziekenbroeder, tekenaar en kunstenaar.

Lichtenstein keerde terug naar huis om zijn stervende vader te bezoeken en werd ontslagen uit het leger en kwam in aanmerking voor de G.I. Bill. Hij keerde terug naar Ohio om te studeren onder de supervisie van een van zijn leraren, Hoyt L. Sherman, van wie algemeen wordt aangenomen dat hij een belangrijke invloed had op zijn toekomstige werk (Lichtenstein zou later een nieuwe studio die hij aan de OSU financierde, de naam Hoyt L. Sherman Studio Art Center geven).

Lichtenstein ging studeren aan de Ohio State University en werd aangenomen als kunstleraar, een functie die hij de volgende tien jaar af en toe zou bekleden. In 1949 behaalde Lichtenstein een Master of Fine Arts graad aan de Ohio State University.

In 1951 had Lichtenstein zijn eerste solotentoonstelling in de Carlebach Gallery in New York. In datzelfde jaar verhuisde hij naar Cleveland, waar hij zes jaar bleef, hoewel hij regelmatig terugreisde naar New York. In deze periode had hij verschillende banen, van tekenaar tot raamdecorateur, tussen het schilderen door. Zijn werk in deze tijd schommelde tussen kubisme en expressionisme. In 1954 werd zijn eerste zoon, David Hoyt Lichtenstein, nu een songwriter, geboren. Zijn tweede zoon, Mitchell Lichtenstein, werd geboren in 1956.

In 1957 verhuisde hij terug naar het noorden van New York en begon opnieuw les te geven. In deze tijd nam hij de abstract expressionistische stijl over, een late bekeerling tot deze stijl van schilderen. In 1958 begon Lichtenstein les te geven in de staat New York aan de State University of New York in Oswego. Rond deze tijd begon hij verborgen afbeeldingen van stripfiguren zoals Mickey Mouse en Bugs Bunny in zijn abstracte werken te verwerken.

Opkomst tot bekendheid

In 1960 begon hij les te geven aan de Rutgers Universiteit, waar hij sterk werd beïnvloed door Allan Kaprow, die ook docent aan de universiteit was. In 1961 begon Lichtenstein zijn eerste popschilderijen te maken met cartoonafbeeldingen en technieken die afgeleid waren van het uiterlijk van handelsdrukwerk. Deze fase zou voortduren tot 1965, en omvatte het gebruik van reclamebeelden die het consumentisme en het huishouden suggereerden.Zijn eerste werk met het grootschalige gebruik van hard-edge figuren en Ben-Day stippen was Look Mickey (1961, National Gallery of Art, Washington, D.C.). Dit werk kwam voort uit een uitdaging van een van zijn zoons, die naar een Mickey Mouse strip wees en zei: “Ik wed dat je niet zo goed kunt schilderen als dat, hè, pap?” In datzelfde jaar maakte hij nog zes andere werken met herkenbare figuren uit kauwgompapiertjes en tekenfilms.

In 1961 begon Leo Castelli met het tentoonstellen van Lichtensteins werk in zijn galerie in New York. Lichtenstein had zijn eerste solotentoonstelling in de Castelli-galerie in 1962; de hele collectie was al opgekocht door invloedrijke verzamelaars voordat de show zelfs maar geopend was. Een groep schilderijen, gemaakt tussen 1961 en 1962, concentreerde zich op eenzame huishoudelijke voorwerpen, zoals sneakers, hotdogs en golfballen. In september 1963 nam hij verlof op van zijn docentschap aan het Douglass College van Rutgers.

Zijn werken werden geïnspireerd door strips met oorlogsverhalen en romantische verhalen “In die tijd,” vertelde Lichtenstein later, “was ik geïnteresseerd in alles wat ik kon gebruiken als onderwerp dat emotioneel sterk was – meestal liefde, oorlog, of iets dat zeer geladen was en emotioneel onderwerp om tegenover de verwijderde en doelbewuste schildertechnieken te staan”.

Periode van Lichtenstein”s hoogste profiel

Het was in deze tijd dat Lichtenstein bekendheid begon te verwerven, niet alleen in Amerika maar wereldwijd. Hij verhuisde terug naar New York om in het centrum van de kunstscène te staan en nam in 1964 ontslag aan de Rutgers University om zich te concentreren op zijn schilderkunst. Lichtenstein gebruikte olieverf en Magna (vroege acryl) verf in zijn bekendste werken, zoals Drowning Girl (1963), dat werd overgenomen uit het hoofdverhaal in DC Comics” Secret Hearts No. 83. (Drowning Girl hangt nu in het Museum of Modern Art, New York.) Drowning Girl heeft ook dikke contouren, felle kleuren en Ben-Day stippen, alsof ze door fotografische reproductie zijn ontstaan. Over zijn eigen werk zou Lichtenstein zeggen dat de abstract expressionisten “dingen op het doek zetten en reageerden op wat ze hadden gedaan, op de kleurposities en de afmetingen. Mijn stijl ziet er heel anders uit, maar de aard van het neerzetten van lijnen is vrijwel hetzelfde; de mijne zien er alleen niet kalligrafisch uit, zoals die van Pollock of Kline”.

In plaats van te proberen zijn onderwerpen te reproduceren, ging Lichtenstein in zijn werk in op de manier waarop de massamedia hen afbeelden. Hij nam zichzelf echter nooit al te serieus en zei: “Ik denk dat mijn werk anders is dan stripverhalen – maar ik zou het geen transformatie willen noemen; ik denk niet dat wat daarmee bedoeld wordt belangrijk is voor de kunst.” Toen Lichtensteins werk voor het eerst werd tentoongesteld, betwistten veel kunstcritici uit die tijd de originaliteit ervan. Zijn werk werd scherp bekritiseerd als vulgair en leeg. De titel van een artikel in het tijdschrift Life uit 1964 luidde: “Is He the Worst Artist in the U.S.?” Lichtenstein reageerde op dergelijke beweringen met antwoorden als de volgende: “Hoe dichter mijn werk bij het origineel staat, hoe bedreigender en kritischer de inhoud. Mijn werk is echter volledig getransformeerd in die zin dat mijn doel en perceptie totaal verschillend zijn. Ik denk dat mijn schilderijen kritisch getransformeerd zijn, maar het zou moeilijk zijn om dat met enige rationele argumentatie te bewijzen.” Hij besprak het ervaren van deze zware kritiek in een interview met April Bernard en Mimi Thompson in 1986. Hij suggereerde dat het soms moeilijk was om kritiek te krijgen en zei: “Ik twijfel niet als ik echt aan het schilderen ben, het is de kritiek die je doet afvragen, dat wel.”

Zijn beroemdste beeld is misschien wel Whaam! (1963, Tate Modern, Londen), een van de vroegst bekende voorbeelden van pop art, bewerkt naar een stripverhaal dat Irv Novick tekende in een nummer uit 1962 van DC Comics” All-American Men of War. Het schilderij toont een gevechtsvliegtuig dat een raket afvuurt op een vijandelijk vliegtuig, met een rood-gele explosie. De cartooneske stijl wordt versterkt door het gebruik van het onomatopeeërieke opschrift “Whaam!” en het onderschrift “Ik drukte op de vuurknop … en voor mij schoten raketten door de lucht …” Dit tweeluik is groot van formaat, 1,7 x 4,0 m (5 ft 7 in x 13 ft 4 in). Whaam volgt de op stripverhalen gebaseerde thema”s van sommige van zijn eerdere schilderijen en maakt deel uit van een oeuvre met oorlogsthema”s dat tussen 1962 en 1964 ontstond. Het is een van zijn twee opmerkelijke grote schilderijen met oorlogsthema. Het werd in 1966 aangekocht door de Tate Gallery, na in 1963 te zijn tentoongesteld in de Leo Castelli Gallery, en is (nu in de Tate Modern) sindsdien in hun collectie gebleven. In 1968 verwierf de Darmstadtse ondernemer Karl Ströher verschillende belangrijke werken van Lichtenstein, zoals Nurse (1964), Compositions I (1964), We rose up slowly (1964) en Yellow and Green Brushstrokes (1966). Na enkele jaren in bruikleen te zijn geweest bij het Hessiches Landesmuseum Darmstadt, kon de oprichter-directeur van het Museum für Moderne Kunst Frankfurt, Peter Iden, in 1981 in totaal 87 werken verwerven, voornamelijk Amerikaanse Pop Art en Minimal Art voor het museum in aanbouw tot 1991.

Lichtenstein begon rond 1964 te experimenteren met beeldhouwkunst, waarbij hij blijk gaf van een gave voor de vorm die haaks stond op de indringende vlakheid van zijn schilderijen. Voor Head of Girl (1964) en Head with Red Shadow (1965) werkte hij samen met een keramist die de vorm van het hoofd uit klei boetseerde. Lichtenstein bracht vervolgens een glazuur aan om dezelfde soort grafische motieven te creëren die hij in zijn schilderijen gebruikte; het aanbrengen van zwarte lijnen en Ben-Day stippen op driedimensionale objecten resulteerde in een vervlakking van de vorm.

De meeste van Lichtensteins bekendste werken zijn relatief goede, maar geen exacte kopieën van stripverhalen, een onderwerp dat hij in 1965 grotendeels opgaf, hoewel hij in latere decennia af en toe op verschillende manieren stripverhalen in zijn werk zou verwerken. Deze panelen werden oorspronkelijk getekend door comics tekenaars als Jack Kirby en DC Comics tekenaars Russ Heath, Tony Abruzzo, Irv Novick, en Jerry Grandenetti, die zelden enige credit kregen. Jack Cowart, uitvoerend directeur van de Lichtenstein Foundation, bestrijdt het idee dat Lichtenstein een kopiïst was, door te zeggen: “Roy”s werk was een verwondering over de grafische formules en de codificatie van het sentiment dat door anderen was uitgewerkt. De panelen werden veranderd in schaal, kleur, behandeling, en in hun implicaties. Er is geen exacte kopie.” zijn kritisch geweest over Lichtensteins gebruik van stripbeelden en kunstwerken, vooral omdat dat gebruik werd gezien als een bekrachtiging van een neerbuigende kijk op strips door de kunst mainstream; striptekenaar Art Spiegelman merkte op dat “Lichtenstein niet meer of minder deed voor strips dan Andy Warhol voor soep.”

Lichtensteins werken, gebaseerd op uitvergrote stripverhalen, leidden tot een wijdverbreid debat over hun verdiensten als kunst. Lichtenstein zelf gaf toe: “Ik kopieer nominaal, maar in werkelijkheid herformuleer ik het gekopieerde in andere bewoordingen. Door dat te doen, krijgt het origineel een totaal andere textuur. Het zijn geen dikke of dunne penseelstreken, het zijn stippen en vlakke kleuren en onwrikbare lijnen.” Eddie Campbell blogde dat “Lichtenstein een piepklein plaatje nam, kleiner dan de palm van de hand, afgedrukt met vierkleureninkt op krantenpapier en dat opblies tot het conventionele formaat waarop ”kunst” wordt gemaakt en tentoongesteld en het afwerkte met verf op doek.” Met betrekking tot Lichtenstein zei Bill Griffith ooit: “Er is hoge kunst en er is lage kunst. En er is hoge kunst die lage kunst kan nemen, het in een hoge kunst context kan brengen, het zich kan toe-eigenen en het kan verheffen tot iets anders.”

Hoewel Lichtensteins op strips gebaseerde werk enige acceptatie verwierf, worden er nog steeds zorgen geuit door critici die zeggen dat Lichtenstein de oorspronkelijke tekenaars of houders van auteursrechten niet heeft gecrediteerd, geen royalty”s heeft betaald en geen toestemming heeft gevraagd. In een interview voor een BBC Four documentaire in 2013, vroeg Alastair Sooke de striptekenaar Dave Gibbons of hij Lichtenstein als een plagiator beschouwde. Gibbons antwoordde: “Ik zou zeggen ”copycat”. In de muziek bijvoorbeeld kun je niet zomaar iemand anders” deuntje fluiten of uitvoeren, hoe slecht ook, zonder op de een of andere manier de originele artiest te crediteren en te betalen. Dat wil zeggen, dit is ”WHAAM! door Roy Lichtenstein, naar Irv Novick”.” Sooke zelf beweert dat “Lichtenstein het kunstwerk van Novick op een aantal subtiele maar cruciale manieren heeft getransformeerd.”

Ernesto Priego, oprichter van het tijdschrift, docent aan de City University London en doctor aan het University College London, merkt op dat Lichtensteins verzuim om de oorspronkelijke makers van zijn stripwerken te vermelden, een weerspiegeling was van het besluit van National Periodical Publications, de voorloper van DC Comics, om hun schrijvers en tekenaars niet te vermelden:

Voorbeelden als Lichtensteins toe-eigening van de woordenschat van strips belichamen niet alleen het culturele vooroordeel tegen strips als vehikel van kunst, maar tonen ook aan hoe belangrijk het is om bij het definiëren van strips rekening te houden met het publicatieformaat, en met de politieke economie die specifieke soorten historische publicaties met zich meebrengen, in dit geval het Amerikaanse mainstream stripboek. In hoeverre was National Periodical Publications (later DC) verantwoordelijk voor de afwijzing van de rol van Kanigher en Novick als volwaardige kunstenaars door hen geen volledig auteursrecht toe te kennen op de publicatie zelf?”

Bovendien merkt Campbell op dat er een tijd was dat striptekenaars vaak geen naamsvermelding voor hun werk wilden.

In een in 1998 gepubliceerd relaas zei Novick dat hij Lichtenstein in 1947 in het leger had ontmoet en dat hij, als zijn meerdere, op Lichtensteins huilerige klachten over de onbeduidende taken die hem waren opgedragen, had gereageerd door hem een betere baan aan te bevelen. Jean-Paul Gabilliet heeft dit relaas in twijfel getrokken en gezegd dat Lichtenstein het leger had verlaten een jaar voor het tijdstip waarop Novick zegt dat het incident plaatsvond. Bart Beaty, die opmerkt dat Lichtenstein zich Novick had toegeëigend voor werken als Whaam! en Okay Hot-Shot, Okay!, zegt dat Novicks verhaal “een poging lijkt te zijn om de bekendere kunstenaar persoonlijk te kleineren”.

In 1966 stapte Lichtenstein over van zijn veelgeprezen beeldtaal uit de vroege jaren zestig en begon hij aan zijn serie Modern Paintings, die meer dan 60 schilderijen en bijbehorende tekeningen omvatte. Gebruikmakend van zijn karakteristieke Ben-Day stippen en geometrische vormen en lijnen, maakte hij ongerijmde, uitdagende beelden van bekende architectonische structuren, aan Art Déco ontleende patronen en andere subtiel suggestieve, vaak opeenvolgende, motieven. De Modern Sculpture serie van 1967-8 verwees naar motieven uit de Art Déco architectuur.

Later werk

In het begin van de jaren zestig reproduceerde Lichtenstein meesterwerken van Cézanne, Mondriaan en Picasso voordat hij in 1965 aan de serie Brushstrokes begon. Lichtenstein bleef dit thema later in zijn carrière opnieuw behandelen met werken zoals Bedroom at Arles, dat afgeleid is van Vincent van Goghs Slaapkamer in Arles.

In 1970 kreeg Lichtenstein van het Los Angeles County Museum of Art de opdracht een film te maken (in het kader van het tussen 1967 en 1971 ontwikkelde programma “Kunst en technologie”). Met de hulp van de Universal Film Studios ontwierp en produceerde de kunstenaar Three Landscapes, een film van mariene landschappen die rechtstreeks verband hield met een reeks collages met landschapsthema”s die hij tussen 1964 en 1966 had gemaakt. Hoewel Lichtenstein van plan was 15 korte films te maken, bleek de installatie met drie schermen – gemaakt met de New Yorkse onafhankelijke filmmaker Joel Freedman – de enige poging van de kunstenaar om zich aan het medium te wagen.

Eveneens in 1970 kocht Lichtenstein een voormalig koetshuis in Southampton, Long Island, bouwde er een studio en bracht de rest van de jaren 1970 in relatieve afzondering door. In de jaren 1970 en 1980 begon zijn stijl losser te worden en breidde hij uit wat hij eerder had gedaan. In 1969 begon Lichtenstein aan een serie spiegelschilderijen. In 1970, terwijl hij doorging met de Mirrors serie, begon hij te werken aan het onderwerp van de entablaturen. De Entablaturen bestonden uit een eerste serie schilderijen van 1971 tot 1972, gevolgd door een tweede serie in 1974-76, en de publicatie van een serie reliëfdrukken in 1976. Hij produceerde een serie “Artists Studios” waarin elementen van zijn eerdere werk waren verwerkt. Een opmerkelijk voorbeeld is Artist”s Studio, Look Mickey (1973, Walker Art Center, Minneapolis) waarin vijf andere eerdere werken zijn verwerkt, passend in de scène.

Tijdens een reis naar Los Angeles in 1978 werd Lichtenstein gefascineerd door de verzameling Duitse expressionistische prenten en geïllustreerde boeken van advocaat Robert Rifkind. Hij begon werken te maken waarin hij stijlelementen ontleende aan expressionistische schilderijen. The White Tree (1980) doet denken aan lyrische Der Blaue Reiter landschappen, terwijl Dr. Waldmann (1980) herinnert aan Otto Dix”s Dr. Mayer-Hermann (1926). Kleine kleurpotloodtekeningen werden gebruikt als sjabloon voor houtsneden, een medium waar Emil Nolde en Max Pechstein, maar ook Dix en Ernst Ludwig Kirchner een voorliefde voor hadden. Aan het eind van de jaren 1970 werd Lichtensteins stijl vervangen door meer surrealistische werken, zoals Pow Wow (1979, Ludwig Forum für Internationale Kunst, Aken). Een belangrijke reeks surrealistisch-pop schilderijen van 1979 tot 1981 is gebaseerd op inheemse Amerikaanse thema”s. Deze werken variëren van Amerind Figure (1981), een gestileerde levensgrote sculptuur die doet denken aan een gestroomlijnde totempaal in zwart gepatineerd brons, tot het monumentale wollen wandtapijt Amerind Landscape (1979). De “Indiaanse” werken ontleenden hun thema”s, net als de andere delen van de surrealistische serie, aan hedendaagse kunst en andere bronnen, waaronder boeken over Amerikaans-Indiaans design uit Lichtensteins kleine bibliotheek.

Lichtensteins stillevens, sculpturen en tekeningen, die zich uitstrekken van 1972 tot het begin van de jaren 1980, omvatten een verscheidenheid aan motieven en thema”s, waaronder de meest traditionele zoals fruit, bloemen en vazen. In 1983 maakte Lichtenstein twee anti-apartheid posters, simpelweg getiteld “Against Apartheid”. In zijn Reflection serie, geproduceerd tussen 1988 en 1990, hergebruikte Lichtenstein zijn eigen motieven uit eerdere werken. Interiors (1991-1992) is een serie werken met banale huiselijke omgevingen, geïnspireerd op meubelreclames die de kunstenaar aantrof in telefoonboeken of op reclameborden. Geïnspireerd door de monochrome prenten van Edgar Degas die in 1994 op een tentoonstelling in het Metropolitan Museum of Art in New York te zien waren, worden de motieven van zijn Landscapes in the Chinese Style-serie gevormd door gesimuleerde Benday-stippen en blokcontouren, weergegeven in harde, levendige kleuren, waarbij alle sporen van de hand zijn verwijderd. Het naakt is een terugkerend element in Lichtensteins werk uit de jaren 1990, zoals in Collage for Nude with Red Shirt (1995).

Naast schilderijen en beeldhouwwerken maakte Lichtenstein ook meer dan 300 prenten, meestal in zeefdruk.

Commissies

In 1969 kreeg Lichtenstein van Gunter Sachs de opdracht Composition en Leda and the Swan te maken, voor de Pop Art-slaapkamersuite van de verzamelaar in het Palace Hotel in St. Aan het eind van de jaren 1970 en in de loop van de jaren 1980 kreeg Lichtenstein belangrijke opdrachten voor werken in openbare ruimten: de sculpturen Lamp (de 26 voet hoge Brushstrokes in Flight (de vijf verdiepingen hoge Mural with Blue Brushstroke) en El Cap de Barcelona (1992) in Barcelona. In 1994 maakte Lichtenstein de 53 voet lange, geëmailleerde op-metalen Times Square Mural in het metrostation Times Square. In 1977 kreeg hij de opdracht van BMW om een Group 5 Racing Version van de BMW 320i te beschilderen voor de derde aflevering van het BMW Art Car Project. Het DreamWorks Records logo was zijn laatste voltooide project. “Ik doe zoiets niet (een bedrijfslogo) en ik ben ook niet van plan het nog eens te doen,” zegt Lichtenstein. “Maar ik ken Mo Ostin en David Geffen en het leek me interessant.”

Erkenning

Lichtenstein ontving talrijke eredoctoraten van o.a. de George Washington University (1996), Bard College, Royal College of Art (1993), Ohio State University (1987), Southampton College (1980) en het California Institute of the Arts (1977). Hij was ook lid van de raad van bestuur van de Brooklyn Academy of Music.

In 1949 trouwde Lichtenstein met Isabel Wilson, die eerder getrouwd was geweest met de kunstenaar Michael Sarisky uit Ohio. De strenge winters in de Upstate eisten echter hun tol van Lichtenstein en zijn vrouw, nadat hij in 1958 les was gaan geven aan de State University of New York in Oswego. Het echtpaar verkocht het ouderlijk huis in Highland Park, New Jersey, in 1963 en scheidde in 1965.

Lichtenstein trouwde met zijn tweede vrouw, Dorothy Herzka, in 1968. In 1966 huurden ze een huis in Southampton, New York, dat Larry Rivers om de hoek van zijn eigen huis had gekocht. Drie jaar later kochten ze een koetshuis uit 1910 met uitzicht op de oceaan op Gin Lane. Vanaf 1970 tot aan zijn dood verdeelde Lichtenstein zijn tijd tussen Manhattan en Southampton. Hij had ook een huis op Captiva Island.

In 1991 begon Lichtenstein een verhouding met zangeres Erica Wexler, die de muze werd voor zijn Nudeseries, waaronder de “Nudes with Beach Ball” uit 1994. Zij was 22 en hij was 68. De affaire duurde tot 1994 en was voorbij toen Wexler naar Engeland ging met toekomstige echtgenoot Andy Partridge van XTC. Volgens Wexler hadden Lichtenstein en zijn vrouw Dorothy een verstandhouding en hadden ze beiden naast hun huwelijk nog belangrijke anderen.

Lichtenstein stierf aan longontsteking op 29 september 1997 in het New York University Medical Center, waar hij enkele weken in het ziekenhuis had gelegen, vier weken voor zijn 74ste verjaardag. Hij werd overleefd door zijn tweede vrouw, Dorothy Herzka, en door zijn zonen, David en Mitchell, uit zijn eerste huwelijk.

Pop art blijft de 21e eeuw beïnvloeden. Lichtenstein en Andy Warhol werden gebruikt in U2”s PopMart Tour in 1997 en 1998 en in een tentoonstelling in 2007 in de Britse National Portrait Gallery.

Naast vele andere kunstwerken die verloren gingen bij de aanslagen op het World Trade Center op 11 september 2001, werd een schilderij uit Lichtensteins The Entablature Series verwoest in de daaropvolgende brand.

Zijn werk Crying Girl was een van de kunstwerken die tot leven kwamen in Night at the Museum: Battle of the Smithsonian.

In 1964 werd Lichtenstein de eerste Amerikaan die exposeerde in de Tate Gallery in Londen, ter gelegenheid van de tentoonstelling “”54-”64: Painting and Sculpture of a Decade.” In 1967 vond zijn eerste museale retrospectieve tentoonstelling plaats in het Pasadena Art Museum in Californië. In datzelfde jaar vond zijn eerste solotentoonstelling in Europa plaats in musea in Amsterdam, Londen, Bern en Hannover. Later nam Lichtenstein deel aan documentas IV (1968) en VI in (1977). Lichtenstein had zijn eerste retrospectieve in het Guggenheim Museum in 1969, georganiseerd door Diane Waldman. Het Guggenheim presenteerde een tweede Lichtenstein retrospectief in 1994. Lichtenstein werd de eerste levende kunstenaar die een solo tekeningententoonstelling had in het Museum of Modern Art van maart – juni 1987. Recente retrospectieve overzichten omvatten de tentoonstelling “All About Art” in 2003 in het Louisiana Museum of Modern Art in Denemarken (die verder reisde naar de Hayward Gallery in Londen, het Museo Reina Sofia in Madrid en het San Francisco Museum of Modern Art tot 2005); en “Classic of the New”, Kunsthaus Bregenz (2005), “Roy Lichtenstein: Meditations on Art” Museo Triennale, Milaan (2010, reisde naar het Museum Ludwig, Keulen). Eind 2010 toonde The Morgan Library & Museum Roy Lichtenstein: The Black-and-White Drawings, 1961-1968. Een andere grote overzichtstentoonstelling opende in mei 2012 in het Art Institute of Chicago en ging in 2013 naar de National Gallery of Art in Washington, Tate Modern in Londen, en het Centre Pompidou in Parijs. 2013: Roy Lichtenstein, Olyvia Fine Art. 2014: Roy Lichtenstein: Intimate Sculptures, The FLAG Art Foundation. Roy Lichtenstein: Opera Prima, Civic Gallery of Modern and Contemporary Arts, Turijn. 2018: Tentoonstelling in The Tate Liverpool, Merseyside, Verenigd Koninkrijk.

In 1996 werd de National Gallery of Art in Washington, D.C. de grootste bewaarplaats van het werk van de kunstenaar toen Lichtenstein 154 prenten en 2 boeken schonk. Het Art Institute of Chicago heeft verschillende belangrijke werken van Lichtenstein in zijn permanente collectie, waaronder Brushstroke with Spatter (1966) en Mirror No. 3 (Six Panels) (1971). De persoonlijke bezittingen van Lichtensteins weduwe, Dorothy Lichtenstein, en van de Roy Lichtenstein Foundation lopen in de honderden. In Europa heeft het Museum Ludwig in Keulen een van de meest uitgebreide Lichtenstein-collecties met Takka Takka (1962), Nurse (1964), Compositions I (1964), naast het Museum für Moderne Kunst in Frankfurt met We rise up slowly (1964) en Yellow and Green Brushstrokes (1966). Buiten de Verenigde Staten en Europa bezit de Kenneth Tyler Collection van de National Gallery of Australia een uitgebreide collectie prenten van Lichtenstein, meer dan 300 werken. In totaal zouden er ongeveer 4.500 werken in omloop zijn.

Na de dood van de kunstenaar in 1997 werd in 1999 de Roy Lichtenstein Foundation opgericht. In 2011 besloot het bestuur van de stichting dat de voordelen van authenticatie niet opwogen tegen de risico”s van aanslepende rechtszaken.

Eind 2006 stuurde de stichting een vakantiekaart met een afbeelding van Electric Cord (1961), een schilderij dat sinds 1970 vermist was nadat het door de Leo Castelli Gallery naar kunstrestaurateur Daniel Goldreyer was gestuurd. De kaart riep het publiek op om informatie over de verblijfplaats van het schilderij te melden. In 2012 heeft de stichting het stuk geauthenticeerd toen het opdook in een pakhuis in New York City.

Tussen 2008 en 2012, na het overlijden van fotograaf Harry Shunk in 2006, verwierf de Lichtenstein Foundation de collectie fotomateriaal van Shunk en zijn János Kender, alsook de auteursrechten van de fotografen. In 2013 schonk de stichting de Shunk-Kender-trove aan vijf instellingen – Getty Research Institute in Los Angeles; het Museum of Modern Art in New York; de National Gallery of Art in Washington; het Centre Pompidou in Parijs; en de Tate in Londen – waardoor elk museum toegang krijgt tot het aandeel van de anderen.

Sinds de jaren vijftig is Lichtensteins werk tentoongesteld in New York en elders bij Leo Castelli in zijn galerie en bij Castelli Graphics, alsook bij Ileana Sonnabend in haar galerie in Parijs, en bij de Ferus Gallery, Pace Gallery, Gagosian Gallery, Mitchell-Innes & Nash, Mary Boone, Brooke Alexander Gallery, Carlebach, Rosa Esman, Marilyn Pearl, James Goodman, John Heller, Blum Helman, Hirschl & Adler, Phyllis Kind, Getler Pall, Condon Riley, 65 Thompson Street, Holly Solomon, en Sperone Westwater Galleries onder anderen. Leo Castelli Gallery vertegenwoordigde Lichtenstein exclusief sinds 1962, toen een solotentoonstelling van de kunstenaar uitverkocht was voor de opening.

Vanaf 1962 hield de Leo Castelli Gallery in New York regelmatig tentoonstellingen van het werk van de kunstenaar. Gagosian Gallery exposeert werk van Lichtenstein sinds 1996.

Big Painting No. 6 (1965) werd het hoogst geprijsde werk van Lichtenstein in 1970. Zoals de hele Brushstrokes serie is het onderwerp van het schilderij het proces van abstract expressionistisch schilderen via vegen penseelstreken en druppels, maar het resultaat van Lichtensteins vereenvoudiging die gebruik maakt van een Ben-Day stippen achtergrond is een weergave van het mechanische

Lichtenstein”s schilderij Torpedo … Los! (1963) werd in 1989 bij Christie”s verkocht voor $ 5,5 miljoen, destijds een recordbedrag, waarmee hij een van de slechts drie levende kunstenaars is die zulke enorme bedragen hebben weten aan te trekken. In 2005 werd In the Car verkocht voor een toenmalig recordbedrag van $16,2 miljoen (£10m).

In 2010 werd zijn cartooneske schilderij Ohhh…Alright… uit 1964, dat eerder in het bezit was van Steve Martin en later van Steve Wynn, verkocht voor een recordbedrag van 42,6 miljoen dollar (26,7 miljoen pond) op een veiling bij Christie”s in New York.

Gebaseerd op een tekening van William Overgard uit 1961 voor een stripverhaal van Steve Roper, toont Lichtensteins I Can See the Whole Room… and There”s Nobody in It! (1961) toont een man die door een gat in een deur kijkt. Het werd in 2011 door verzamelaar Courtney Sale Ross bij Christie”s in New York City verkocht voor 43 miljoen dollar, het dubbele van de schatting; de echtgenoot van de verkoper, Steve Ross, had het in 1988 op een veiling gekocht voor 2,1 miljoen dollar. Het schilderij meet vier voet bij vier voet en is geschilderd in grafiet en olieverf.

Het komische schilderij Sleeping Girl (1964) uit de collectie van Beatrice en Phillip Gersh vestigde in 2012 een nieuw Lichtenstein-record van 44,8 miljoen dollar bij Sotheby”s.

In oktober 2012 werd zijn schilderij Electric Cord (1962) teruggegeven aan Leo Castelli”s weduwe Barbara Bertozzi Castelli, na 42 jaar vermist te zijn geweest. Castelli had het schilderij in januari 1970 naar een kunstrestaurateur gestuurd om het te laten reinigen, maar kreeg het nooit meer terug. Hij overleed in 1999. In 2006 publiceerde de Roy Lichtenstein Foundation een afbeelding van het schilderij op haar feestwenskaart en vroeg de kunstgemeenschap te helpen het terug te vinden. Het schilderij werd teruggevonden in een pakhuis in New York, nadat het was tentoongesteld in Bogota, Colombia.

In 2013 vestigde het schilderij Vrouw met gebloemde hoed met 56,1 miljoen dollar nog een record toen het door de Britse juwelier Laurence Graff werd gekocht van de Amerikaanse investeerder Ronald O. Perelman.

Deze werd in 2015 overtroffen door de verkoop van Nurse voor 95,4 miljoen dollar op een veiling van Christie”s.

In januari 2017 werd Masterpiece verkocht voor 165 miljoen dollar. De opbrengst van deze verkoop zal worden gebruikt om een fonds op te richten voor de hervorming van het strafrecht.

Bibliografie

Biografisch:

Werkt:

Andere:

Bronnen

  1. Roy Lichtenstein
  2. Roy Lichtenstein
Ads Blocker Image Powered by Code Help Pro

Ads Blocker Detected!!!

We have detected that you are using extensions to block ads. Please support us by disabling these ads blocker.