Pablo Picasso

Samenvatting

Pablo Ruiz Picasso (Malaga, 25 oktober 1881-Mougins, 8 april 1973) was een Spaanse schilder en beeldhouwer die, samen met Georges Braque, het kubisme creëerde.

Sinds het begin van de 20e eeuw wordt hij beschouwd als een van de grootste schilders die deelnam aan de verschillende artistieke stromingen die zich over de wereld verspreidden en die een grote invloed uitoefende op andere grote kunstenaars van zijn tijd. Zijn werken zijn te vinden in musea en collecties in heel Europa en de rest van de wereld. Hij werkte ook in andere genres, zoals tekenen, graveren, boekillustratie, beeldhouwen, keramiek en decor- en kostuumontwerp voor theaterproducties. Hij heeft ook een kort literair oeuvre.

Politiek gezien verklaarde Picasso zich pacifist en communist. Hij was lid van de Spaanse Communistische Partij en van de Franse Communistische Partij tot aan zijn dood op 8 april 1973 op 91-jarige leeftijd, in zijn huis genaamd “Notre-Dame-de-Vie” in de Franse stad Mougins. Hij ligt begraven in het park van het kasteel van Vauvenargues (Bouches-du-Rhone).

Kindertijd

Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Cipriano de la Santísima Trinidad Ruiz Picasso (volgens zijn geboorteakte) of Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Crispiniano de la Santísima Trinidad Ruiz y Picasso (volgens zijn doopakte), was de eerste zoon van José Ruiz y Blasco en María Picasso López. Hij werd op 25 oktober 1881 geboren in Malaga (Spanje) in een bourgeois familie. Picasso had twee zussen, Dolores (1884-1958) en Concepción (1887-1895). Zijn overgrootvader van moederskant, Tommaso Picasso (geboren in 1787), kwam oorspronkelijk uit de stad Sori in Genua, Italië, en verhuisde rond 1807 naar Spanje.

Het is bekend dat zijn vader kunstenaar wilde worden en tekenleraar was aan de Koninklijke Academie voor Schone Kunsten van San Telmo. Over zijn moeder is weinig bekend; zij was blijkbaar een sterkere persoonlijkheid dan haar man, en Picasso heeft altijd meer respect en tederheid voor haar gehad, wat volgens sommigen te zien is in het portret dat hij in 1923 van haar tekende. Pablo begon al op jonge leeftijd te schilderen; in 1889, op achtjarige leeftijd, schilderde hij, na een stierengevecht en onder leiding van zijn vader, El picador amarillo (“De Gele Picador”), waarvan hij altijd heeft geweigerd afstand te doen.

In 1891 werd de familie gedwongen Malaga te verlaten wegens het gebrek aan economische stabiliteit dat zij genoten. José Ruiz Blasco begon herhaaldelijk te vragen om overplaatsing naar de stad La Coruña, waar een onderwijspost was gecreëerd aan de School voor Schone Kunsten na zijn ontslag als conservator van het Museum voor Schone Kunsten van Malaga in 1888. De verandering was helemaal niet prettig voor zijn familie, zoals blijkt uit Picasso”s herinnering aan zijn vader in deze fase: “Geen Malaga, geen stierengevechten, geen vrienden, niets”, “Alleen voor mij was de verhuizing naar Galicië een feest”. In Galicië werkte Pablo aan zijn tekeningen en toonde hij een sterk vertrouwen in zichzelf en zijn gaven; hij was tien jaar oud. Zijn eerste werken, van een krachtig en bijna woest realisme, toonden al vroeg een voorliefde voor populaire personages. In La Coruña maakte hij zijn eerste tentoonstelling op dertienjarige leeftijd en publiceerde hij karikaturen en tekeningen in de met de hand uitgegeven tijdschriften “La Coruña”, “Azul y Blanco” en “Torre de Hércules”.

Het jaar 1895 was een jaar van belangrijke gebeurtenissen in zijn jeugd; in januari overleed zijn zus Concepción, en in september kreeg zijn vader een leerstoel aan de School voor Schone Kunsten in Barcelona, waar de jonge Pablo als leerling werd toegelaten en twee jaar studeerde, wat hem ertoe bracht, misschien om zijn vader een plezier te doen, een reeks schilderijen te schilderen waarin het sentimentele academisme van de stijl verrassend was na de vitaliteit van de portretten die hij in La Coruña had geschilderd.

Picasso was een briljante en vroegrijpe leerling en slaagde op veertienjarige leeftijd in één dag voor het toelatingsexamen van de Ecole de la Lonja, waarbij hij de eerste twee klassen mocht overslaan. Volgens een van de vele legenden over de kunstenaar zou zijn vader, die het buitengewone talent van zijn zoon onderkende toen hij als kind zijn eerste werken zag, hem zijn penselen en palet hebben gegeven en beloofd hebben nooit van zijn leven meer te schilderen.

In tegenstelling tot muziek, zijn er geen wonderkinderen in de schilderkunst. Wat mensen zien als vroegtijdige genialiteit is de genialiteit van de kindertijd. Het verdwijnt niet geleidelijk naarmate men ouder wordt. Het is mogelijk dat zo”n kind op een dag een echte schilder zal worden, misschien zelfs een groot schilder. Maar hij zou bij het begin moeten beginnen. Dus, wat mij betreft, was ik geen genie. Mijn eerste tekeningen zijn nooit getoond in een tentoonstelling van kindertekeningen. Ik miste de onhandigheid van een kind, de naïviteit van een kind. Ik heb academische tekeningen gemaakt toen ik zeven was, met een precisie die me bang maakt.

Jeugd: zijn vriendschappen in Parijs

In 1912, tijdens zijn verblijf in de stad Parijs, maakte Picasso deel uit van een kring van vooraanstaande vrienden in de wijken Montmartre en Montparnasse, het waren André Breton, de dichter; Guillaume Apollinaire, de schrijver; Alfred Jarry; en Gertrude Stein. Apollinaire werd gearresteerd op verdenking de Mona Lisa uit het Louvre te hebben gestolen, en deel uit te maken van een internationale dievenbende. Apollinaire gaf zijn vriend Picasso, die ook werd verhoord, de schuld, maar beiden werden later vrijgesproken.

Eerste schilderijen

In de winter van 1895 schilderde hij zijn eerste grote academische doek, De eerste communie (Museo Picasso, Barcelona), in Barcelona, waar hij negen jaar woonde, op enkele zomervakanties en min of meer langdurige verblijven in Madrid en Parijs na. In 1897 presenteerde hij het doek Wetenschap en liefdadigheid (Museo Picasso, Barcelona) op de Algemene Tentoonstelling van Schone Kunsten in Madrid. In de zomer bracht hij zijn vakanties opnieuw door in Malaga, waar hij landschappen en stierengevechten schilderde.

In september ging hij naar Madrid om aan de Academie van San Fernando te gaan studeren, maar hij verliet de academie al snel: de intellectuele sfeer van de hoofdstad, ongevoelig voor het Catalaanse modernisme dat Picasso probeerde in te voeren (hij richtte in 1901 een klein tijdschrift op, Arte Joven, dat een vrij kort bestaan beschoren was), kon hem niet overtuigen. Niettemin profiteerde hij van zijn veelvuldige bezoeken aan het Prado Museum om het werk van El Greco beter te leren kennen, dat door kunstenaars en geleerden van het einde van de 19e eeuw werd gelegitimeerd.

Vanaf 1898 signeerde hij zijn werken als “Pablo Ruiz Picasso”, daarna als “Pablo R. Picasso”, en pas vanaf 1901 als “Picasso”. De verandering lijkt geen afwijzing van de vaderfiguur te impliceren; het was eerder te wijten aan Picasso”s verlangen om zich als personage te onderscheiden, op initiatief van zijn Catalaanse vrienden, die hem met de achternaam van zijn moeder begonnen te noemen, die veel minder gebruikelijk was dan die van zijn vader, Ruiz.

Hij keerde in juni 1898 terug naar Barcelona, ziek van roodvonk, en verhuisde naar Horta de Ebro (nu Horta de San Juan), het dorp van zijn vriend Manuel Pallarés, gelegen ten zuiden van de Ebro in de buurt van de stad Gandesa (Tierra Alta, Tarragona). Tijdens dit verblijf herontdekte Picasso de oerwortels van het land en een zekere terugkeer naar de natuur, meer in overeenstemming met de modernistische ideologie, die een van de eerste “primitivistische” episodes van zijn carrière vormde.

Nadat hij zijn voornemen om in Madrid te gaan wonen had laten varen om zich te wijden aan het kopiëren van de grote meesters, was hij in februari 1899 weer terug in Barcelona, waar hij de brouwerij Els Quatre Gats begon te bezoeken, het vlaggenschip van de modernistische bohème en de plaats waar hij zijn eerste eenmanstentoonstelling hield en bevriend raakte met Jaime Sabartés en Carlos Casagemas. Het was in deze omgeving dat Picasso in contact kwam met het anarchistische gedachtegoed, dat in Barcelona was ingeburgerd. De ellende die heerste in de sloppenwijken van Barcelona, de zieke en gewonde soldaten die terugkeerden naar Spanje na de rampzalige Cubaanse oorlog, creëerden een voedingsbodem voor sociaal geweld dat ongetwijfeld Picasso”s gevoeligheid heeft getekend op een individueel en moreel veeleer dan een zuiver politiek niveau, en dat te zien is in bepaalde tekeningen gemaakt tussen 1897 en 1901: De Gevangene, Een Anarchistisch Samenzijn, en De Anarchist.

In oktober 1900 bezocht hij Parijs met Casagemas om de Wereldtentoonstelling bij te wonen, waar een van zijn werken, Laatste momenten, dat nu verloren is gegaan, te zien was. In Parijs nam hij zijn intrek in het atelier van Isidre Nonell, een Catalaanse kunstenaar die Picasso kende van de door het impressionisme beïnvloede groep Els Quatre Gats en die de Catalaanse sociale situatie aan het begin van de eeuw weerspiegelde door middel van portretten van gemarginaliseerde en miserabele mensen. Nonells werk, samen met dat van Toulouse-Lautrec, heeft Picasso”s stijl in deze tijd sterk beïnvloed, wat te zien is in werken als La espera (Margot), Bailarina enana (Dwergdanseres) en El final del número (Het einde van het getal), beide uit 1901. Hij ontmoette ook zijn eerste handelaar, Pere Mañach (die hem 150 francs per maand bood voor al zijn werk gedurende een jaar) en kwam in contact met de galeriehoudster Berthe Weill. Hij keerde terug naar Barcelona op 20 of 23 december (volgens verschillende bronnen) met Casagemas, die Picasso meenam om het einde van het jaar te vieren in Malaga.

Tussen Barcelona en Parijs. De blauwe periode

Picasso”s blauwe periode staat bekend als de periode van ongeveer 1901 tot 1904: deze naam komt van de kleur die het chromatische bereik van zijn schilderijen domineert, en de oorsprong ervan ligt in de zelfmoord van zijn vriend Carlos Casagemas op 17 februari 1901, die hem vol verdriet en droefheid achterliet. Casagemas, nadat hij had geprobeerd zijn minnares Germaine, een danseres in de Moulin Rouge die de kring van Spaanse kunstenaars frequenteerde, te vermoorden, pleegde zelfmoord in Parijs. Gemotiveerd en ontroerd door de dood van zijn vriend, schilderde Picasso een schilderij dat hij De begrafenis van Casagemas noemde, een allegorisch schilderij dat zijn overgang naar de blauwe periode begon te tonen. De verdeling van de ruimte van het schilderij in twee delen, aarde en lucht, lichaam en geest, herinnert aan die van El Greco”s De begrafenis van de graaf van Orgaz.

Andere invloeden op Picasso”s werk in deze periode waren Van Gogh en Gauguin, de eerste vooral op psychologisch niveau, zoals blijkt uit de emotionele intensiteit van de schilderijen uit deze periode, hoewel er ook een vereenvoudiging van volumes en welomlijnde contouren is die herinnert aan Gauguin, van wie hij ook een universele opvatting van sentimentaliteit zou overnemen. Picasso drukte de eenzaamheid van de personages uit door ze af te zonderen in een onnauwkeurige omgeving, met een bijna exclusief gebruik van blauw gedurende een periode van meer dan twee jaar, een feit dat vrijwel ongekend was in de geschiedenis van de kunst. Ook de verlenging van de figuren die in zijn werken werd ingevoerd, deed weer denken aan de stijl van El Greco.

Picasso was een onvermoeibare werker. Eind april 1901 keerde hij terug naar Barcelona, waar hij Vrouw in blauw (Museo Reina Sofía, Madrid) tentoonstelde op de Algemene Tentoonstelling van Schone Kunsten, en in mei keerde hij terug naar Parijs, waar hij zich vestigde aan de Boulevard de Clichy 130, op de plaats waar Casagemas zijn atelier had gehad. Tussen juni en juli van datzelfde jaar hielden Picasso en Iturrino een tentoonstelling in de galerie van Vollard in Parijs. Zonder geld of werk ontmoette hij in juni de dichter Max Jacob, met wie hij een hechte relatie zou onderhouden tot Jacobs dood in 1944. De dichter herinnerde zich later dat hij het werk van Picasso ontdekte en als kunstcriticus zijn bewondering uitsprak voor het talent van de schilder. Kort daarna ontving hij een uitnodiging van Mañach om hem voor te stellen aan de jongeman die hij vertegenwoordigde (ze brachten de hele dag door met het bekijken van het enorme werk van Picasso, die in die tijd één of twee schilderijen per avond schilderde en ze voor 150 francs verkocht in de Rue Laffite. In de herfst schilderde hij De twee Saltimbanquis (Harlekijn en zijn metgezel) (Poesjkinmuseum, Moskou), Harlekijn gesteund (Portret van Jaime Sabartés (Museu Picasso, Barcelona), Portret van Mateu Fernández de Soto (Museu Picasso, Malaga) en Blauw zelfportret (Museu Picasso, Parijs).

Eind januari 1902 verbrak hij zijn overeenkomst met Mañach, en na de overeenkomstige schikking keerde hij naar Barcelona terug. Hij begon te werken in het atelier van Ángel Fernández de Soto op nummer 6, Carrer Nou de la Rambla, waar in de lente de kleur blauw zijn werk begon te overheersen. Met Fernández de Soto bezocht hij de bordelen van Barcelona, wat tot uiting kwam in een reeks erotische tekeningen, waaronder een Zelfportret met een naakt (een inkt- en aquareltekening van Ángel Fernández de Soto met een vrouw) en La macarra (allegorische compositie), in het bezit van het Picasso Museum in Barcelona.

In Parijs organiseerde Mañach een tentoonstelling van schilderijen en pastels in de galerie Berthe Weill van 1 tot 15 april, met werken van Picasso en Lemaire, en nog een in juni in dezelfde galerie met werken van Picasso en Matisse. In Barcelona ontving Picasso een oproep om in oktober in militaire dienst te gaan. Om dat te voorkomen, moest hij tweeduizend peseta”s betalen, een bedrag dat door zijn oom was verstrekt. Kort daarna keerde hij met Sébastien Junyer terug naar Parijs, en toonde zijn blauwe schilderijen voor het eerst van 15 november tot 15 december in een groepstentoonstelling die opnieuw door Mañach was georganiseerd in de galerie Berthe Weill.

Van die datum dateert een Portret van Germaine dat Acquavella Galleries in 2006 op een veiling van Christie”s voor 18,6 miljoen dollar verwierf. In december 1902 verhuisde hij voor een tijdje naar de flat van Max Jacob op Boulevard Voltaire 87; de kamer had maar één bed, dus werkte Picasso ”s nachts en sliep hij overdag terwijl Jacob werkte. In die tijd kon hij geen doek kopen en moest hij zich beperken tot tekenen.

In januari 1903 keerde Picasso terug naar Barcelona. In de lente begon hij aan het schilderij Het leven (Cleveland Museum of Fine Arts), een van de grootste en meest complexe doeken uit zijn blauwe periode, beschouwd als zijn belangrijkste werk uit deze jaren, een werk met een voor zijn vroege werken ongewoon duistere symboliek en onderhevig aan meerdere academische interpretaties, waarover de kunstenaar zich nooit heeft uitgesproken. Picasso maakte vier voorbereidende schetsen voor het schilderij, waarbij hij de compositie van de figuren minstens twee keer wijzigde; opgemerkt moet worden dat de mannelijke figuur, die begon als een zelfportret, uiteindelijk een voorstelling van zijn vriend Carlos Casagemas werd. Het leven vat de meeste thema”s en de sfeer van de blauwe periode samen: het nihilistische pessimisme dat zich ontwikkelde tijdens zijn vormingsjaren in Barcelona, versterkt door de materiële moeilijkheden waarmee hij in die tijd te kampen had. “De eenzaamheid van kinderen, de ellende van armen, bedelaars en blinden worden vaak afgebeeld in de schilderijen uit die periode: De twee zusters (Hermitage Museum, St. Petersburg), De armen aan de zeekust (National Gallery of Art, Washington D. C.), De oude gitarist (The Old Guitarist, St. C.), De oude blinde gitarist (Art Institute of Chicago), De asceet (Barnes Foundation, Philadelphia), en La Celestina (Carlota Valdivia) (Musée Picasso, Parijs) behoren tot Picasso”s vroege meesterwerken.

Tegen het einde van 1903 begon Picasso te denken dat alleen door zich permanent in Frankrijk te vestigen zijn reputatie de grenzen van Spanje zou overschrijden. Hij verhuisde naar het atelier van de beeldhouwer Pablo Gargallo (1881-1934), die zich toen in Parijs bevond, op Carrer del Comerç 28 in Barcelona, waar hij La Celestina (Carlota Valdivia) voltooide en begon aan een nieuw Portret van Jaime Sabartés (Kunsternes Museum, Oslo), dat hij in het voorjaar van 1904 voltooide.

Parijs, Bateau Lavoir. De roze periode

In april 1904 vestigde Picasso zich in Parijs in het Bateau-Lavoir, gelegen in de wijk Montmartre, in een atelier dat zijn vriend de beeldhouwer Paco Durrio op het punt stond te verlaten. Daar hervatte hij zijn contacten met verschillende Spaanse kunstenaars die ook in het Bateau-Lavoir woonden, met name Ricardo Canals, die hem in september van datzelfde jaar de etstechniek leerde, en zijn vrouw; ook met Manuel Hugué en zijn vrouw Totote, en met Ramon Pichot en Germaine, de danseres voor wie zijn vriend Casagemas zelfmoord had gepleegd. Tijdens de zomer had hij een relatie met “Madeleine”, die voorkomt in verschillende tekeningen en schilderijen, zoals “The Acrobat”s Wife” (Art Institute of Chicago) en het onderwerp vormde van “Harlequin”s Family” (1905). In augustus 1904 ontmoette Picasso zijn eerste sentimentele metgezel: Fernande Olivier (1881-1966), een artiestenmodel en vriendin van Ricardo Canals” vrouw Benedetta, stond onder de Spaanse kolonie van het Bateau-Lavoir bekend als “la belle Fernande”. Fernande, beiden eenentwintig jaar oud, was Picasso”s eerste echte liefde, en werd zijn inspiratiebron tot 1910, hoewel hun relatie pas in 1912 definitief eindigde.

In oktober 1904 ontmoette Picasso de dichter André Salmon, en ook Guillaume Apollinaire, de dichter en schrijver die een voorloper was van het surrealisme, met wie hij een zeer hechte band opbouwde. Picasso werd een vaste gast in het cabaret Lapin Agile (het “Agile Konijn”) en het Cirque Medrano. Vanaf het moment dat hij zich in Montmartre vestigde, begonnen Picasso”s palet en thema”s te veranderen; de armoede en ontberingen van het leven van circusartiesten en acrobaten brachten een nieuwe lyriek in zijn schilderijen toen hij van de blauwe periode overging naar de zogenaamde roze periode. De roze periode onderscheidt zich door pastelkleuren en warme tinten, met zachte, delicate lijnen; met een bijzondere nadruk op lijn en tekening in plaats van op kleur, bleef hij de figuren bewerken met langgerekte proporties die herinneren aan zijn bewondering voor El Greco, zoals in De acteur (MoMA, New York) of in de aquarel De gek (Museo Picasso, Barcelona), een beroep op maniëristische formules waarvan is opgemerkt dat Picasso er gedurende zijn hele carrière voortdurend gebruik van maakte. De thema”s die hij behandelde waren vreugde en existentiële rusteloosheid; net als in de blauwe periode ligt er een vleugje melancholie aan ten grondslag, maar in die tijd overheerste genegenheid, met veel verwijzingen naar de wereld van de dierentuin en het circus. Hij schilderde maskers, harlekijns, trainers en clowns; dit was ook de periode van de roze kraamvrouwen. Representatieve werken uit deze periode zijn Acrobaat met een bal (Meisje met een bal) (Poesjkin Museum, Moskou), Familie van acrobaten (National Gallery of Art, Washington), Acrobaat en jonge harlekijn (Barnes Foundation, Philadelphia) en Familie van acrobaten met een aap (Göteborgs Kunstmuseum, Göteborg).

Van 25 februari tot 6 maart 1905 exposeerde hij zijn eerste roze doeken in de Galerie Sérurier. De critici spraken van de aankondiging van een lichtende transformatie van zijn talent; na het drama van de blauwe periode beschreef Apollinaire in de Revue immoraliste de werken van de roze periode: “Onder het flikkerende klatergoud van zijn acrobaten voelt men werkelijk het medelijden van de mensen, veelzijdig, sluw, listig, arm en leugenaars”. Zoals Fernande Olivier zei, leek Picasso te houden van datgene waarvoor hij niet gemaakt was, wat anders was dan hij: de zigeuners, de stierengevechten, de louche cabarets, de clowns en de circuswereld; hij hield van en dompelde zich met verrukking onder in alles wat een gewelddadige plaatselijke kleur had.

In de lente van datzelfde jaar schilderde hij een van zijn belangrijkste werken van dat jaar, De familie van Saltimbanquis, een duidelijke evolutie naar de roze periode; een kaal, wazig landschap waarin de goed getekende, gestileerde figuren van de poppenspelers, marginale personages waarvan het eenzame leven indruk op Picasso maakte, geïsoleerd zijn ingekaderd. Op een middag, na zijn vertrek uit het Cirque Médrano met Max Jacob, besloot hij zijn hoofd in klei te boetseren en terwijl hij de volgende dagen aan het stuk werkte, voegde hij de hoed en bellen van een nar toe, in de stijl van circusfiguren. Het stuk heette De gek (Harlekijnenkop) (Musée Picasso, Parijs), dat de galeriehouder Ambroise Vollard in brons had laten gieten.

Tijdens de zomer maakte hij een reis naar het noorden van Nederland, waar hij op uitnodiging van de Nederlandse schrijver Tom Schilperoort zes weken in Schoorl verbleef. Tijdens zijn verblijf schilderde hij een naakt, De Hollandse Schoonheid (Queensland Art Gallery, South Brisbane), en De Drie Hollandse Vrouwen (Musée Picasso, Parijs), een persoonlijke versie van het klassieke thema van de drie gratiën. Na een kort verblijf in Parijs bracht hij in augustus een vakantie door met Fernande in Tiana, ten noordoosten van Barcelona. Bij zijn terugkeer in september nam Fernande haar intrek in Picasso”s bescheiden studio op het Bateau-Lavoir; het begin van hun relatie was gelukkig, en Picasso”s schilderijen en tekeningen van Fernande vierden haar schoonheid en persoonlijke nabijheid. Picasso maakte er een gewoonte van de kleine galerijen te bezoeken, en samen met Fernande bezocht hij de populaire vernissages van de officiële salons.

Gertrude Stein en haar broer Leo hadden zich in Parijs gevestigd, en wijdden hun fortuin aan het vergaren van een buitengewone kunstcollectie. Leo Stein kocht Familie van Acrobaten met Apen van de kunsthandelaar Clovis Sagot, via wie Leo en Gertrude het atelier van Picasso bezochten en talrijke werken van hem kochten voor 900 francs. Picasso werd een regelmatige bezoeker van Gertrude Stein”s salon in haar Parijse flat; hij schilderde een portret van Leo en zijn zoon Michael en begon aan de eerste van de tachtig tot negentig passe-partouts van het beroemde Portret van Gertrude Stein (Metropolitan Museum of Art, New York). Gertrude had onlangs Matisse”s Vrouw met een hoed gekocht en besloot dat de twee kunstenaars elkaar moesten ontmoeten.

In 1906, na drie maanden werken aan het Portret van Gertrude Stein, gaf hij het tijdelijk op en maakte hij de eerste schetsen voor Les Demoiselles d”Avignon. Het thema van de harlekijns liet hij varen voor ruiters en jongeren in bucolische landschappen, naar het voorbeeld van Gauguin en Puvis de Chavannes, in een zoektocht naar zowel thematisch als formeel classicisme, wat Picasso naar de studie van oude kunst leidde; in maart ontdekte hij primitieve Spaanse kunst op een tentoonstelling in het Louvre van Iberische beeldhouwwerken gevonden in Osuna en Cerro de los Santos, waaronder de Vrouwe van Elche. De galerie van Ambroise Vollard verwierf de meeste roze doeken ook in maart. In mei ging hij met Fernande Olivier naar Barcelona, waar hij haar voorstelde aan vrienden en familieleden, en vervolgens in de zomer naar Gósol, in Lérida, waar hij opnieuw in aanraking kwam met het essentiële primitivisme van de volkscultuur, en badtaferelen en naakten schilderde vanuit een voortreffelijke beheersing van het rood; dit roodachtige palet van Gósol weerspiegelt een zorg voor de modellering van volumes, en een terugkeer naar de wortels van een archaïsch Middellandse-Zeegebied. Dit inspireerde hem tot een reeks schilderijen met figuren die bepaalde kenmerken van dat primitivisme redden, waarmee hij brak met zijn eerdere stijl. Hoewel de vereenvoudiging van gelaatstrekken en volumes voorlopers zijn van het kubisme, was dit een stadium op zich, dat niet in een erkende stijl kan worden ondergebracht. We kunnen in deze schilderijen zijn eigen gelaatstrekken waarnemen, zelfs bij de vrouwenfiguren, wat te zien is door ze te vergelijken met de zelfportretten in deze serie. Dit verblijf had een belangrijke invloed op Picasso”s werk, want de Gósol-schilderijen markeerden het begin van zijn kubistische revolutie het jaar daarop; jaren later nam Picasso wat de logische koers van deze stijl zou zijn geweest op in zijn neoklassieke periode.

Protocubisme

In augustus 1906, bij zijn terugkeer uit Gósol, nam hij het Portret van Gertrude Stein weer ter hand, werkend vanuit het geheugen (Stein was in Italië) en reduceerde haar gezicht tot een soort Iberisch masker, tegelijk onbewogen en expressief. Picasso zei over het Portret van Gertrude Stein: “Iedereen vindt dat ze in niets op haar portret lijkt, maar dat geeft niet, uiteindelijk zal ze er toch op weten te lijken. “Beïnvloed door de Iberische beeldhouwkunst en de schilderijen van Cézanne, die hij in de salons tentoongesteld zag, onderzocht Picasso vorm en volume, wat te zien is in Self-Portrait with Palette (Philadelphia Museum of Art), een schilderij van een bijna wild archaïsme dat ook vooruitloopt op de invloeden die Picasso sinds 1905 had verzameld.

De Salon d”Automne van 1906 toonde een retrospectieve van Gauguin, die diepe indruk op Picasso maakte en zijn werk sterk beïnvloedde; de Salon omvatte ook tien werken van Cézanne, die rond dezelfde tijd overleed. In de winter schilderde Picasso Twee naakte vrouwen (de monumentaliteit van de figuren en het autonome gebruik van licht en schaduw doen denken aan De grote baadsters van Cézanne). Tegen het einde van het jaar stopte hij met schilderen en begon hij aan een reeks studies en schetsen van naakten voor een compositie met meerdere figuren over het thema van het bordeel, die in 1907 zijn hoogtepunt zou bereiken met de revolutie die werd uitgebeeld door Les Demoiselles d”Avignon.

De eerste reactie van Picasso”s entourage op de eerdere studies van de jongedames was over het algemeen ongunstig: zijn vrienden begrepen deze nieuwe stijl niet helemaal. In een notitieboekje beschreef Apollinaire het als een “wonderbaarlijke taal die geen literatuur kan uitdrukken, omdat onze woorden al geschapen zijn. In de lente van 1907 ontmoette Picasso, via Apollinaire, Georges Braque, die, na een bezoek aan zijn atelier, uiting gaf aan een zekere hang naar grootschalige schilderkunst.

Half mei schilderde hij Zelfportret (Národni Galerie, Praag): de lijn wordt een overheersend structureel element, dat de gelaatstrekken markeert en zelfs de andere delen van het beeld omlijnt, die bijna allemaal vol kleur zijn, en waarvan er maar heel weinig gemodelleerd zijn. Hij liet zelfs delen van het doek onbeschilderd. Hij liet zelfs gedeelten van het doek onbeschilderd. Tegen het einde van mei begon hij aan het laatste doek van De jonge dames van Avignon, en de mannelijke figuren verdwenen: een van hen, een matroos, werd weggewerkt, en een student links werd vervangen door een naakte vrouw die een gordijn vasthield.

Aangemoedigd door André Derain bezocht Picasso in 1907 het Museum voor Etnografie in het Trocadero paleis in Parijs. Dit was zijn eerste contact met een groot aantal Afrikaanse en Oceanische stukken, die zowel Derain als Matisse al lang hadden verzameld, maar waaraan Picasso tot dan toe niet veel aandacht had besteed. De ontdekking van niet-westerse kunst gaf een nieuwe impuls aan Les Demoiselles d”Avignon, en oefende ook een aanzienlijke invloed uit op zijn beeldhouwwerk. Picasso wijzigde toen de gezichten van enkele van de dames, de twee meest “kubistisch” ogende van de vijf, lijken op Afrikaanse maskers, terwijl de twee middelste meer verwant zijn aan de stijl van middeleeuwse fresco”s en vroege Iberische beeldhouwwerken; het gezicht van de figuur links heeft ook een profiel dat aan Egyptische schilderijen doet denken. Maar “art négre, connais pas,” was Picasso”s antwoord op een vraag in het tijdschrift Action in 1920; deze proto-kubistische periode, die loopt van 1907 tot 1909, staat ook bekend als Picasso”s Afrikaanse Periode, Zwarte Periode of Donkere Periode; zijn stijl was sterk beïnvloed door Afrikaanse beeldhouwkunst, maar de kunstenaar heeft altijd het tegenovergestelde bedoeld.

Les Demoiselles d”Avignon (MoMA, New York) betekende een nieuwe start voor Picasso, die verwijzingen naar de traditie elimineerde door met het realisme te breken, de canons van ruimtelijke diepte en perspectief en het tot dan toe bestaande ideaal van het vrouwenlichaam los te laten, en het werk terug te brengen tot een reeks hoekige vlakken, zonder een afgebakende achtergrond of ruimtelijk perspectief, waarin de vormen worden gemarkeerd door licht-donkerlijnen. De oker-roodachtige tinten zijn kenmerkend voor zijn zachtere roze periode, maar de rauwheid van het schilderij maakt ze agressief.

Het schilderij kan ook beïnvloed zijn door de langgerekte figuren van El Greco, in het bijzonder door diens Visioen van de Apocalyps, dat Picasso mogelijk die zomer in Parijs heeft gezien; de structuur en de compositie zijn afgeleid van De grote baadsters van Cézanne; Cézannes schilderij maakt van voorwerpen een echte aanwezigheid, met speciale nadruk op volumes en hun gewicht, zonder de atmosferische hartkloppingen van het impressionisme. Volgens Fermigier, 1969, p. 69, was zijn retrospectieve op de Salon d”Automne van 1907 bepalend voor Picasso”s verdere evolutie. Ook Braque, geïnspireerd door Cézanne, begon aan een reeks landschappen die zijn overgang van het fauvisme naar zijn proto-kubistische periode laten zien.

De relatie met Fernande raakte in een crisis en zij besloten in de nazomer van 1907 uit elkaar te gaan, hoewel zij zich eind november verzoenden. Tijdens hun afwezigheid hadden Max Jacob en Apollinaire Picasso overgehaald om opium te roken; Picasso zweefde tussen de zegeningen van de visioenen en de angst om toe te geven aan apathie en vermoeidheid ten opzichte van het werk. Picasso”s palet was gevuld met heldere “Afrikaanse” kleuren: schilderde hij Naakte vrouw (de danseres van Avignon) (privé-verzameling, Lausanne), een naschrift bij De jonge dames van Avignon waarin elementen uit de Iberische en Afrikaanse kunst een nieuwe graad van geometrische vereenvoudiging bereiken; in dezelfde stijl, De dans van de sluiers (naakt met draperie) (Hermitage Museum, St. Petersburg), begonnen in de zomer en gekocht door Gertrude Stein samen met voorbereidende schetsen ervoor; ook Bloemen op een tafel (MoMA, New York). In latere werken werden de vleeskleuren oker en bruin, en Picasso werd meteen geconfronteerd met vele experimenten van breuk in zijn schilderijen: het opgeven van het perspectief; de verovering van de ruimte, het fragmenteren van de vlakken door middel van vlakke tonen met dikke, gedefinieerde contouren; het zoeken naar reliëf, door middel van overdreven blauwe contouren op een bruine achtergrond en dikke arceringen; hiertoe behoren Vriendschap (Hermitage Museum, St. Petersburg) en Naakt met een handdoek (privé-verzameling, Parijs). Picasso”s atelier werd een centrum van discussie en debat, en niet alleen over zijn werk. Braque bracht er zijn eigen werken, Matisse en Picasso wisselden schilderijen uit: Picasso”s Stilleven Kruik, Kom en Citroen (Fondation Beyeler, Riehen, Basel) voor Matisse”s Portret van Marguerite, zijn dochter. Picasso en Matisse”s relatie varieerde van concurrentie tot spot tot intense wederzijdse bewondering; Matisse zei dat niemand naar zijn werk had gekeken zoals Picasso, en dat niemand naar Picasso”s werk had gekeken zoals hij dat had gedaan.

Kubisme

Met Les Demoiselles d”Avignon als uitgangspunt, formuleerden Braque en Picasso uiteindelijk in 1908 het kubisme. Het kubisme was een radicaal keerpunt in de kunstgeschiedenis dat de rest van de artistieke avant-garde inspireerde om het picturale illusionisme te verlaten, waarbij naturalistische beschrijving werd afgewezen ten gunste van composities van vormen die geabstraheerd waren van de conventionele waarneming, waarbij gespeeld werd met driedimensionaliteit en de structuur van oppervlakken. Deze techniek, geïnitieerd door Picasso en Braque, had vele navolgers, zoals Juan Gris, Francis Picabia, Brancusi, Delaunay en Albert Gleizes.

In januari 1908 opende Matisse zijn school, de Academie Matisse. Anderzijds waren Derain en Braque volgelingen van Picasso, wat, samen met hun groeiende vriendschap met Gertrude Stein, Matisse irriteerde. Op de Salon des Indépendants in mei van dat jaar presenteerden Derain en Braque schilderijen geïnspireerd op Picasso”s nieuwe stijl, die veel stof deden opwaaien bij de critici. Picasso was verontwaardigd dat de eerste tentoonstelling van kubistische kunst werd gehouden zonder zijn rol als inspiratiebron te erkennen, vooral Woman (1908), een zeer recent naakt van Braque, dat hij met niemand had besproken, zelfs niet met Picasso. Na de sluiting van de Salon, ging Braque naar L”Estaque tot september. De Afrikaanse elementen maakten in Picasso”s werk geleidelijk plaats voor effecten van Cézanne”s invloed, misschien in verband met het Cezannistische reductivisme van Braque”s landschappen.

Zijn vriend de Duitse schilder Wieghels pleegde zelfmoord in het Bateau-Lavoir, na een avond waarin hij een overdaad aan verschillende drugs had genuttigd; deze tragedie overtuigde Picasso en Fernande om opium te laten staan; Compositie met het hoofd van een dode man (Hermitage Museum, St. Petersburg), voltooid in het late voorjaar, zou een herdenking kunnen zijn van Wieghels” dood.

Tijdens de zomer maakte Braque in L”Estaque een reeks kubistische landschappen waarin de breuk met het gemechaniseerde perspectief van Cézanne door de schilder eerder als een inwijding wordt beschouwd dan als een inspiratiebron. Picasso huurde een boerderij in de Rue des Bois-par-Creil-Verneuil-Oise, 60 kilometer ten noorden van Parijs; Fernande vermeldde dat Picasso met deze retraite de toestand van nerveuze onrust die de dood van Wieghels bij hem teweeg had gebracht, wilde overwinnen. Beide kunstenaars begonnen een gevoel van reliëf weer te geven door de willekeurige toepassing van licht en schaduw ten nadele van naturalistische schaduw; vormen werden tot het uiterste vereenvoudigd, met een grotere en diepere sculpturaliteit in Picasso”s schilderijen, waarvan het palet werd beperkt tot een reeks bruinen, grijzen en groenen. Picasso”s landschappen zijn beïnvloed door Henri Rousseau (1844-1910) en een vroege Cezanne.

Toen Braque zijn landschappen indiende voor de Salon d”Automne in september, wees de jury, waarin ook Matisse zitting had, de werken af. Volgens Apollinaire was Matisse de eerste die de termen “kubist” en “kubisme” gebruikte toen hij de werken van Braque afwees die hij aan de Salon had voorgelegd. Dit verhaal wordt sinds 1912 beschouwd als de officiële oorsprong van de beweging. Josep Palau i Fabre wijst erop dat de herfst van 1908 het begin markeert van wat hij Picasso”s groene periode noemt: de stillevens die hij in die tijd schilderde, vertonen een formele stilering die mogelijk het gevolg is van de toepassing van de Cezaneske postulaten, volgens welke de vormen moesten worden gereduceerd tot kegels, cilinders en bollen. Deze geometrische schematisering brengt geen verlies van lichamelijkheid in de afgebeelde voorwerpen met zich mee, en kan daarom worden omschreven als vlakreliëf. Gedurende de zomer en oktober voltooide hij de definitieve versie van Drie vrouwen (Hermitage Museum, Sint-Petersburg), waarin de Afrikaanse invloeden van de vroege studies van het schilderij zijn verwaterd in de nieuwe stijl van de groene periode.

Na de tentoonstelling van werken van Braque in de galerie van Daniel-Henry Kahnweiler, die door de critici beter werd ontvangen dan zijn werken die op de Salon des Indépendants werden gepresenteerd, organiseerde Picasso een banket in het Bateau-Lavoir ter ere van Rousseau, om te vieren dat hij zojuist een werk van de schilder, Portret van een vrouw, voor vijf francs had gekocht in het antiquariaat van Père Soulier. Tijdens die winter nam de uitwisseling van ideeën tussen Braque en Picasso toe tot een dagelijks niveau, terwijl hun vriendschap sterker werd. Het fruitstilleven, een emblematisch motief van Cézanne, was een van de thema”s die de twee schilders in deze periode deelden: Le compotier (Fruitschaal) (MoMA, New York), Stilleven met vis en flessen (Musée d”Art Moderne de Lille Métropole, Villeneuve d”Ascq). Ook werkte hij in de winter aan Carnaval in de Bistrot (Musée Picasso, Parijs), dat zich begin 1909 kristalliseerde in Brood- en fruitschaal met fruit op een tafel (Musée d”Art Basel).

Picasso begon gewaardeerd te worden door verzamelaars; een vriend van de Steins, die juist zijn Drie vrouwen had gekocht, de Zwitser Hermann Rupf kocht verschillende van zijn werken, en Dutilleul (ook een klant van Braque) begon zijn verzameling. In maart 1909 verscheen in de Mercure de France een artikel van Charles Morice waarin de term kubisme voor het eerst in druk verscheen. In mei gingen Picasso en Fernande naar Barcelona om familie en oude vrienden te bezoeken; hij schilderde een Portret van Manuel Pallarés (The Detroit Institute of Arts) in het atelier van zijn vriend. Daarna verhuisden ze naar Horta de San Juan, elf jaar na hun eerste bezoek, waar hij stillevens en talrijke portretten van Fernande schilderde en tekende, waaronder Naakte vrouw in een leunstoel (privé-verzameling, Frankrijk) en Buste van een vrouw (Fernande) (Hiroshima Museum of Art). De reeks portretten van Fernande, begonnen in Parijs, bereikte een hoogtepunt in Vrouw met peren (Fernande) (MoMA, New York). Hij maakte ook zes grote landschappen, waaronder Het Reservoir (Horta de Ebro) (MoMA, New York); De Hortafabriek (Hermitage Museum, St. Petersburg) en Huizen op de Heuvel (Horta de Ebro) (Nieuwe Nationale Galerie, Berlijn). Dit was het begin van het analytisch kubisme, dat schatplichtig was aan Cézanne”s concepten van reliëf, “omgekeerd perspectief” en modellering.

In de werken die hij in Horta schilderde, werden bomen en natuurlijke vormen weggelaten en werd het oppervlakkig amorfe gesteente geanalyseerd en in vlakken gebroken en vervolgens gereconstrueerd door de vlakken over elkaar heen te leggen; in sommige gevallen strekte de geometrisering zich uit tot aan de hemel, en het geheel bood een strenge compositie met een diepte die het traditionele perspectief niet benijdde. Het gebruik van licht was geheel willekeurig, uitsluitend om contouren te accentueren en reliëfs te verscherpen. Toch was het analytisch kubisme nog steeds eerder een herziening dan een verwerping van de traditie; het schilderij bleef een illusoir venster op een gereconstrueerde wereld. Het synthetisch kubisme vormde een ontkenning van de Europese traditie; de collage doorbrak de onaantastbaarheid van het beeldvlak en de weergave van de werkelijkheid was niet langer het doel van het beeld, maar werd het uitgangspunt ervan.

In september verhuisde hij naar Parijs, naar 11 Boulevard de Clichy. Hij keerde volgeladen met werken in de nieuwe stijl terug en ondanks de afwijzing door het publiek en de critici van de tentoonstelling die Vollard voor hen organiseerde, bleef de selecte groep verzamelaars onder leiding van Gertrude Stein en Sergej Sjtsjoekin ze kopen. Opgesloten in zijn nieuwe atelier werkte hij verder aan de ontwikkeling van het kubisme, dat hij in die tijd niet alleen deelde met Braque, maar ook met een groep kunstenaars uit Montmartre die sterk onder invloed stonden van de nieuwe stijl, waaronder Derain, de Spanjaard Juan Gris en Léger. Het kubisme verspreidde zich over heel Europa, met de Constructivist en Suprematist Malevich in Rusland en Mondriaan in Nederland, hoewel beiden ernstige verschillen vertoonden met Picasso”s stijl: Volgens Penrose leidde hun streven naar een zuivere geometrie van vormen hen weg van het picturale onderwerp in de richting van abstractie, iets wat niet tot Picasso”s instincten behoorde, voor wie het verwijderen van symbolen en poëtische toespelingen uit de schilderkunst een vorm van emasculatie was; het inspireerde ook de futuristen onder leiding van Marinetti in Italië en de vorticisten in Engeland, die hun esthetische theorie baseerden op vorm en mechanische beweging en ritme, in een poging om tijd in de picturale weergave in te voeren. Maar Picasso streefde niet naar de ontwikkeling van theorieën of scholen; zijn behoefte was een breuk met het verleden en om het kunstwerk een eigen innerlijk leven te geven.

In het atelier van Manuel Hugué maakte hij sculpturen zoals Hoofd van een vrouw (Fernande) (Picasso Museum in Barcelona, geïnspireerd op de doeken die hij in Horta schilderde. Fernande voelde zich niet op haar gemak bij de veranderingen die zich in hun omgeving en levensstijl voltrokken, ze verlangde naar de spontaniteit van hun begintijd samen.

Al in 1909 schilderde Picasso een reeks portretten waarin de strengheid van zijn discipline in zijn zoektocht naar een nieuwe opvatting van de ruimte hem ertoe bracht het gebruik van kleur geleidelijk te verminderen; in de Horta-landschappen en in Naaiende vrouw (Collectie Claire B. Zeisler, Chicago), geschilderd tijdens de winter van 1909-1910, was het palet beperkt tot okers, grijzen en groenen, totdat hij deze kleur elimineerde en in een monochroom terechtkwam die nu en dan werd doorbroken met subtiele gradaties van grijzen en okers. In 1910 schilderde hij portretten van o.a. Ambroise Vollard (Poesjkin Museum, Moskou), Wilhelm Uhde (Pulitzer Collection, St. Louis) en Daniel-Henry Kahnweiler (Art Institute of Chicago), waarbij hij, ondanks zijn vooruitstrevende neiging om met het oog van de gedachte te schilderen in plaats van rechtstreeks naar de natuur, in talrijke sessies met de modellen werkte, vergelijkbaar met dat van Gertrude Stein eerder; Ondanks het progressieve proces van analytische segmentatie van ruimte en vorm, legde Picasso de fysionomie van de figuren vast.

Picasso en Fernande brachten de zomer van 1910 door in Cadaqués (ze huurden een huis bij de zee, en kregen gezelschap van Derain en zijn vrouw. Na de vakantie keerde Picasso terug beladen met onvoltooide werken waarin een opmars naar de nieuwe taal van het kubisme te zien was; in het Portret van Daniel-Henry Kahnweiler, dat hij na de vakantie schilderde, wordt de figuur behandeld als een driedimensionale structuur die zich manifesteert in elementen die in de ruimte ontwricht zijn in een transparant vlechtwerk, vanuit verschillende hoeken gezien en toch een samenhangend geheel vormen, zoals ook het geval is in schilderijen als Nude Woman Standing (Philadelphia Museum of Art).

In de winter van 1910 tot 1911 werkten Picasso en Braque zo nauw samen dat het moeilijk is de oorsprong te achterhalen van de ideeën die zij beiden in gang zetten, en omdat zij hun schilderijen niet signeerden waren er momenten dat zij het moeilijk vonden hun eigen werk van dat van de ander te onderscheiden; naarmate zij vorderden in hun analyse van het object, hadden Picasso en Braque het gevoel dat zij de verwijzing naar de herkenbare werkelijkheid verloren. Het opnemen van elementen uit de werkelijkheid in hun kubistische composities leidde later tot trompe l”œil, en van daaruit tot de uitvinding van de collage, waarmee zij braken met de traditie om niet meer dan één medium voor een werk te gebruiken en de beginselen van de schilderkunst zelf ter discussie stelden.

Picasso reisde in juli 1911 naar Céret, een Frans dorp in de historische streek Roussillon. Fernande Olivier en Braque voegden zich bij hem in augustus, en de twee schilders zetten hun nauwe samenwerking voort bij het definiëren van het kubisme. Ze maakten verschillende schilderijen waarin ze de masttop van de plaatselijke krant in hun werken introduceerden, met een herkenbare gotische typografie, zoals De waaier (”L”Indépendant”) (privécollectie, Ascona, Zwitserland). Op 5 september keerde Picasso terug naar Parijs en op de Salon d”Automne van 1911 presenteerde hij een kubistische zaal, waarin zowel hij als Braque afwezig waren. Dit feit schokte de pers in New York, Madrid en Amsterdam, die verslag deden van het evenement, omdat zij bekend stonden als de grondleggers van de stijl; verschillende artikelen en essays over Picasso en Braque werden in heel Europa gepubliceerd. De relatie met Fernande was verslechterd, en in de herfst van dat jaar ontmoette Picasso Eva Gouel (Marcelle Humbert), tot dan toe de sentimentele partner van de Poolse schilder Louis Markus, die hij in verschillende van zijn schilderijen ma jolie (mijn schoonheid) noemde.

Begin 1912 produceerde Picasso de eerste geconstrueerde sculptuur, Guitar (MoMA, New York), gemaakt van karton, touw en draad. Picasso bracht grotendeels een proces op gang dat leidde tot de bevrijding van de beeldhouwkunst van klassieke begrippen als volume en de vervanging van boetseer- of snijprocédés door allerlei constructieve technieken die een revolutionaire transformatie in de beeldhouwkunst betekenden. Parallel met de kubistische collagetechniek, waarvan het eerste voorbeeld het Stilleven met gevlochten stoel (Musée Picasso, Parijs) is, gemaakt in de lente van 1912, werden vormen gereduceerd tot vlakken die vrij konden worden gearticuleerd. De begrippen assemblage en constructie maakten het mogelijk nieuwe technieken en materialen te introduceren; de ontleding van het volume bracht nieuwe perspectieven, de waardering van leegte en licht als sculpturale elementen die even belangrijk zijn als massa.

Tussen 1912 en 1915 ontwikkelden Picasso en Braque de tweede fase van het kubisme, waarin zij in hun werk een equivalent terugbrachten van de traditionele concepten die zij in de vorige fase hadden gebroken of geëlimineerd; vormen, voorwerpen en woorden werden herkenbaar terwijl het oppervlak opnieuw werd samengesteld; zij maakten opnieuw gebruik van een meer solide en briljante chromatiek, vlakken werden duidelijk omlijnd en afgebakend, overlapten en leken gestructureerde oppervlakken en decoratieve patronen te omvatten.

Tussen april en mei 1912 werd in de Galeria Dalmau in Barcelona een kubistische tentoonstelling gehouden zonder werken van Picasso of Braque. De relatie met Fernande eindigde; Picasso schreef aan Braque: “Fernande heeft me verlaten voor een futurist”. Op 18 mei komt hij met Eva aan in Céret, waar hij enkele tekeningen maakt waarop hij 19de-eeuws behangpapier en dagboekrestjes aanbrengt. Wanneer Picasso in juni verneemt dat Fernande van plan is om de zomer met Pitxot en zijn vrouw naar Céret te gaan, schrijft hij Kahnweiler om hem te zeggen dat hij niets van hem hoeft te verwachten, dat hij blij zou zijn als hij haar nooit meer zou zien, terwijl hij zijn liefde voor Eva opnieuw bevestigt en aangeeft dat hij die in zijn schilderijen zal schrijven. Waarschijnlijk werkte hij tussen juni en september aan Vrouwelijk naakt (”J”aime Eva”) (een lichter, kleurrijker werk, met accenten van zure kleuren, waarin de constructie van de vrouwenfiguur voortkomt uit de collagetechniek die hij in zijn tekeningen toepaste). Op 25 juni verhuisde hij, ontsnapt aan het bezoek van Fernande, naar de Villa des Clochettes, in Sorgues-sur-L”ouvèze. Braque was onder de indruk van Céret”s schilderijen, en Picasso vroeg hem om zijn mening over Viool (”Jolie Eva”) (Nieuwe Staatsgalerie Stuttgart), waarin hij oppervlakken schilderde die toevoegingen van hout en geschreven papier imiteerden, of over De amateur (Le torero) (Kunstmuseum Basel). Braque verhuisde in augustus naar Sorgues, waar ze hun werk hervatten en hun artistieke concepten verder uitwerkten.

In september 1912 was hij een paar weken in Parijs om zijn verhuizing naar een nieuw atelier aan de Boulevard Raspail 242 te organiseren, maar keerde terug naar Sorgues, waar hij werkte aan De amateur (Le Torero) en De dichter (Basel Museum of Art). De verharding en vervlakking van de vormen kenmerken het Hermetisch kubisme, dat het begin markeert van de overgang naar het Synthetisch kubisme. Eind september keert hij met Eva terug naar Parijs om zijn spullen op te halen en de nieuwe studio te betrekken, waar zij op 1 oktober intrekken. Half november begint hij aan de eerste reeks papiers collés, als reactie op Braque”s werk in dit medium, waarbij hij de technieken van assemblage en verwerking van materialen toepast in Guitar, Score, Glass (McNay Art Museum, San Antonio, Texas): op een achtergrond van beschilderd papier plakt Picasso fragmenten van papier waaronder een krantenkop uit Le Journal waarop hij de woorden La bataille s”est engagé (De strijd is begonnen) bewaart.

Half december keerde hij terug naar Céret, vanwaar hij in de kerstvakantie met Eva naar Barcelona reisde. Op 21 januari 1913 keerde hij terug naar Parijs, waar hij begon aan Viool aan de muur (Musée des Beaux-Arts, Bern), waarin hij het gebruik van zand aan de verf toevoegde en in een dubbele imitatie het collage-effect simuleerde door middel van vlakken die deden denken aan de papierknipsels (die op hun beurt een houten textuur imiteerden) die Braque en Picasso gebruikten in hun collages, Tegelijkertijd maakte hij een tweede serie papiers collés waarin hij eigentijdse kranten uit Parijs gebruikte (in verschillende daarvan gebruikte hij Le Figaro) of uit Céret, waarin een toename van abstractie en meer kleur te zien is.

Eind februari werd de eerste Picasso retrospectieve gehouden in Duitsland, in de Moderne Galerie Heinrich Thannhauser in München; acht werken van Picasso en drie van Braque werden ook opgenomen in de Internationale Tentoonstelling van Moderne Kunst (de Armory Show) in New York, in de 69e Regiment Armory, die later naar Chicago en Boston reisde, een van de meest invloedrijke gebeurtenissen in de geschiedenis van de Amerikaanse kunst, waar ook Marcel Duchamps beroemde Nude Descending a Staircase te zien was.

Picasso en Eva keerden in maart 1913 terug naar Céret, hoewel hij nog verschillende keren naar Barcelona zou reizen. Zijn vader stierf begin mei en Picasso woonde zijn begrafenis bij. Eva”s gezondheid was ook niet goed, en verslechterde in het late voorjaar. In juni keerde Picasso terug naar Parijs, maar hij werd tegelijkertijd ziek door angina of bronchitis (waarvan hij eind juli herstelde), evenals Eva, die blijkbaar nooit helemaal hersteld is. In augustus keerden zij terug naar Céret, waar hij Man met gitaar (MoMA, New York) voltooide, dat het ontwikkelde synthetische kubisme laat zien: gefragmenteerde motieven van het analytische kubisme gesynthetiseerd tot grote, platte vormen die “tekens” van objecten zijn. Na een kort verblijf keerden zij op 19 augustus terug naar Parijs, waar zij begonnen met de verhuizing naar een nieuw atelier in 5bis rue Schoelcher, aan de boulevard Raspail, met uitzicht op het kerkhof van Montparnasse. Dit markeerde het begin van de periode die bekend staat als het Poëtisch Kubisme.

Rond de tijd van de Salon d”Automne schilderde Picasso twee belangrijke werken, de Kaartspeler (MoMA, New York), die veel elementen van trompe l”oeil collage bevat, en Vrouw in een hemd zittend in een leunstoel (privé-verzameling, New York), die de kleur van het analytische kubisme combineert met de schematische patronen van het synthetische kubisme. Hij bleef ook zijn assemblages ontwikkelen; tegen het eind van het jaar bezocht de Rus Vladimir Tatlin, die zijn werk kende uit de Shchukin-collectie in Moskou, Parijs om Picasso en zijn atelier te zien, waar hij de constructies van de laatste bekeek. Bij zijn terugkeer in Moskou maakte Tatlin zijn eerste constructies.

In 1914 maakte Picasso een derde serie papiers collés. Op 14 januari publiceerde Kahnweiler De belegering van Jeruzalem van Max Jacob, geïllustreerd door Picasso. Hij werkte ook aan zijn constructies, waaronder The Glass of Absinthe (MoMA, New York), waarvan zijn handelaar Kahnweiler zes exemplaren in brons bestelde, op verschillende manieren beschilderd, sommige sterk gekleurd, andere met een zanderige textuur.

Eind juni verhuisden Picasso en Eva naar Avignon, in de buurt van Derain, die in Montfavet verbleef, en Braque in Sorgues. De aanslag in Sarajevo waarbij aartshertog Franz Ferdinand van Oostenrijk en zijn vrouw werden vermoord, was de aanleiding tot het uitbreken van de Eerste Wereldoorlog. Apollinaire vroeg het Franse staatsburgerschap aan om zich als vrijwilliger aan te melden; Braque en Derain werden gemobiliseerd; Picasso nam afscheid van hen op het station van Avignon op 2 augustus 1914. In de herfst, nog steeds in Avignon, openden Cards, Glasses, Bottle of Rum (Vive la France) (Collectie Leigh B. Bloch, Chicago) de periode van het pointillistisch kubisme. Hij werkte aan reeksen tekeningen van mannen die leunden op een balustrade, een tafel of een stoel, in stijlen variërend van naturalisme tot kubisme; het onvoltooide doek De kunstenaar en zijn model (Musée Picasso, Parijs), vermoedelijk Eva, toont een tendens om terug te keren naar de figuratie die later weer zou opduiken.

Toen hij half november naar Parijs terugkeerde, werden zijn enigszins ambivalente houding tegenover de oorlog en zijn relatie met zijn Duitse opdrachtgevers Kahnweiler en Thannhauser, samen met het feit dat de meeste jonge mannen aan het front waren, ervoor gezorgd dat Picasso met argusogen werd bekeken. In de winter schilderde hij het olieverfschilderij Stilleven: Gitaar, Krant, Glas en Klaveraas (Musée Picasso, Parijs), dat de periode inluidde die bekend staat als het Koud Kubisme, waarin de compositie werd uitgewerkt in koude kleuren, met een overheersend blauw.

In januari 1915 maakte hij de potloodtekening Portret van Max Jacob (Musée Picasso, Parijs), in een naturalistische stijl. Eva”s gezondheid ging verder achteruit en ze onderging een operatie; in mei, terwijl ze in een sanatorium lag, had Picasso een verhouding met Gabrielle Depeyre, met wie hij datzelfde jaar een geheime reis naar Saint-Tropez maakte. In augustus maakte hij nog een tekening, Portret van Ambroise Vollard (Metropolitan Museum of Art, New York), met een klassieke techniek en een bijna fotografische gelijkenis. Tekeningen van dit type waren nog eigentijds met de kubistische schilderijen, zoals Harlekijn (MoMA, New York), een sobere compositie van grote monochrome geometrische vlakken op een zwarte achtergrond, deel van een lange reeks over dat thema, die kan worden opgevat als een allegorie van verlies, met name de fatale ziekte van Eva, die in november naar het Auteil-ziekenhuis werd overgebracht. Picasso had het erg moeilijk, “mijn leven is een hel”, schreef hij aan Gertude Stein. Eva stierf op 14 december 1915.

Tijdens de oorlog concentreerde zijn werk zich op kubistische stillevens en portretten in een naturalistische stijl; kubisme, pointillisme, maniërisme en neoclassicisme kwamen vanaf 1917 in zijn werk naast elkaar voor. Aan het eind van de oorlog, hoewel hij gelijktijdig in deze verschillende stijlen bleef werken, neigde Picasso geleidelijk naar een neoklassieke stijl, die in 1920 volledig tot ontwikkeling kwam en zijn belangstelling tot 1924 voortzette.

De Ballets Russes

In 1916 had hij een verhouding met twee vrouwen: Gabrielle Lespinasse, een showmeisje uit Montparnasse met wie hij zonder gevolgen een verhouding had, en Elvira Paladini, sensueel en sybaritisch, wier aanwezigheid een zeker voorgevoel van Italië in Picasso”s werk stimuleerde. In maart keerde Apollinaire gewond terug van het front en Picasso maakte in de volgende drie maanden verschillende tekeningen waarin hij werd geportretteerd, zoals Portret van Apollinaire (privé-collectie), ook in een realistische stijl. In juni begon hij te verhuizen naar Rue Victor-Hugo 22 in de wijk Montrouge. Hij schilderde verschillende portretten van Elvira Paladini en Apollinaire, in een realistische stijl, en verschillende tekeningen van harlekijnen die doen denken aan de roze periode. De eerste openbare tentoonstelling van Les Demoiselles d”Avignon werd in juli gehouden in de Salon d”Automne, georganiseerd door André Salmon. Zoals het geval was met het kubisme, waren de critici nogal hard voor een werk dat zij niet konden begrijpen.

Na een paar eerdere bezoeken nodigde Jean Cocteau, die hij in december van het jaar daarvoor had ontmoet, hem op 1 mei uit om het decor te ontwerpen voor het Ballets Russes-gezelschap onder leiding van Sergéi Diágilev, met een libretto van Cocteau zelf en muziek van Erik Satie; tijdens het bezoek moest hij een realistisch portret van de schrijver maken. Eind mei nam Cocteau Diágilev mee naar zijn studio, waar ze de plannen voor het ballet Parade bespraken. In augustus 1916 stemde hij er eindelijk mee in om aan het ballet Parade te werken. Picasso bracht verschillende veranderingen aan in het werk, ideeën die Satie beter bevielen dan Cocteau. Uiteindelijk kwamen zij in september tot overeenstemming, en in januari 1917 bekrachtigde hij met Diágilev de overeenkomst om de decors en kostuums voor het ballet te maken voor de som van 5000 francs, met een extra 1000 francs indien hij naar Rome moest gaan. Tussen februari en maart werkte hij aan het gordijn voor het ballet Parade (Musée National d”Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Parijs).

Op 19 februari arriveerde hij met Cocteau in Rome om zich bij Diagilev en de Ballets Russes te voegen. Hij verbleef acht weken in het Grand Hôtel de Russie, op de hoek van de Via del Babuino en de Piazza del Popolo, waar hij vanuit zijn raam vele tekeningen maakte van de Villa Medici. Hij maakte vele schetsen voor de kostuums en decoraties voor het ballet in een gehuurd atelier in Via Margutta 53b. Als hij niet werkte ging hij om met Diagilev, de choreograaf van het toneelstuk Léonide Massine, de decorontwerper Léon Bakst, Cocteau en Igor Stravinsky, van wie hij snel portretten en karikaturen maakte. Hij ontmoette ook de Italiaanse futuristische kunstenaars en bezocht met hen de beroemde plaatsen van de stad, de Sixtijnse Kapel, de Rafaëlkamers en de beeldhouwkunstmusea van het Vaticaan. Zijn verblijf in Rome wekte zijn belangstelling voor de academische stijl van Ingres, wiens invloed in de volgende jaren in zijn werk zou doorklinken. In deze periode ontmoette hij de danseres Olga Jojlova, lid van Diagilev”s gezelschap, met wie hij uiteindelijk trouwde.

In maart 1917 nam Diagilev Picasso, Stravinsky, Cocteau en Massine mee op een reis naar Napels, van waaruit ze de ruïnes van Herculaneum en Pompeï bezochten. In die tijd verscheen in Parijs het avant-gardistische literaire tijdschrift Nord-Sud, dat tijdens zijn korte bestaan een krachtig forum was voor avant-gardistische discussie over het kubisme, en dat probeerde de Parijse centra van traditionele en avant-gardistische literatuur, Montmartre en Montparnasse, samen te brengen. Onder de medewerkers bevonden zich veel schrijvers die het surrealisme vorm zouden geven: Apollinaire (die de term rond deze tijd bedacht), André Breton, Louis Aragon en Tristan Tzara, onder anderen. In april keerde Cocteau terug naar Parijs en Picasso sloot zich aan bij het gezelschap van de Ballets Russes op hun reis naar Italië om in de buurt van Olga te zijn, via Florence (waar hij de Medici kapel bezocht, met de graftombes van Michelangelo) en Venetië.

Na de tournee door Italië trok het gezelschap eind april naar Parijs, waar op 18 mei 1917 de eerste opvoering van Parade plaatsvond in het Théâtre du Châtelet. De combinatie van avant-gardistische stijlen in kunst, muziek en choreografie, in een periode die in het teken stond van de oorlog in Europa, maakte het werk tot het schandaal waarop Diágilev had gehoopt, en het werd gebrandmerkt als “beledigend anti-Frans”. Apollinaire merkte in zijn essay voor het programma van het ballet op dat de synthese van Picasso”s ontwerpen en Massine”s choreografie voor het eerst een soort “surrealisme” bereikte waarin ik het beginpunt zie van een reeks manifestaties van deze Nieuwe Geest”. De persberichten waren daarentegen verschrikkelijk. Tussen mei en juni maakte hij een realistisch Zelfportret (Musée Picasso, Parijs) en De ogen van de kunstenaar (Musée Picasso, Malaga).

Verliefd op Olga, vergezelde Picasso de Ballets Russes naar Madrid, waar ze optraden gedurende de maand juni; beïnvloed door Olga en zijn contact met het gezelschap, frequenteerde Picasso de hoge kringen van Madrid. Op 23 juni kwamen ze aan in Barcelona, waar de Ballets Russes Las Meninas opvoerden in het Teatro del Liceo. Aan het eind van de maand vertrok het gezelschap naar Zuid-Amerika, terwijl Olga en Picasso, die al verloofd waren, vier maanden in Barcelona verbleven, waar zijn Catalaanse kunstenaarsvrienden Miguel Utrillo, Ángel Fernández de Soto, Ramón Reventós, Pallarés, Ricardo Canals, de gebroeders Vidal en Francisco Iturrino hem in juli een welkomstbanket gaven in de Galerías Layetanes. Hij schilderde de naturalistische Harlekijn van Barcelona (Picasso Museum, Barcelona) en Olga Jojlova met Mantilla (Picasso Museum, Malaga); Vrouw in Spaanse Jurk (La Salchichona) (Picasso Museum, Barcelona), in een divisionistische techniek; in een kubistische stijl, Vrouw zittend in een leunstoel (Personage) (Picasso Museum, Barcelona) en Fruitschaal (Picasso Museum, Barcelona). Hij maakte ook talrijke tekeningen van stierengevechten en portretten en tekeningen van Olga.

In november keerden de Ballets Russes terug naar Spanje; zij traden op met Parade in Barcelona, op een lauwe ontvangst; tijdens de voorstelling stelden Picasso”s zuster Lola en haar man hem voor aan de toenmalige kunststudent Joan Miró. Eind november bereiden Olga en Picasso zich voor op hun terugkeer naar Parijs.

1918 markeert het begin van wat Max Jacob aanduidde als de Hertogin-periode, die rond 1923 eindigde. Van 23 januari tot 15 februari 1918 exposeerde Picasso een reeks proto-kubistische schilderijen met Matisse in de galerie van Paul Guillaume. In een klimaat dat nog vijandig stond tegenover het kubisme, trok de tentoonstelling veel perscommentaar; het is mogelijk dat Les Demoiselles d”Avignon deel uitmaakte van de tentoonstelling. Hij voltooide een Portret van Olga in een leunstoel (Olga stond erop dat haar portretten herkenbaar waren.

Tussen april en mei verhuisde hij met Olga naar Hotel Lutetia, een chic eersteklas hotel aan de Boulevard Raspail; zijn levensstijl veranderde, hij frequenteerde de kring van de Ballets Russes en bewoog zich tussen de high society. Op 12 juli trouwde hij met Olga, eerst in de vereiste wettelijke plechtigheid en daarna in een drie uur durende mis in de Russisch-orthodoxe kerk aan de Rue Daru in Parijs. Hun families waren niet aanwezig, en Picasso vroeg Jean Cocteau, Max Jacob en Apollinaire om als getuigen op te treden. Na het huwelijk weigerde Olga naar Montrouge te gaan en zei dat zij nooit meer zou terugkeren naar dat huis “dat naar te veel vrouwen stonk”. Op 30 juli kwamen zij in Biarritz aan voor hun huwelijksreis; zij logeerden in de Villa La Mimoseraie, eigendom van hun Chileense vriendin Eugenia Errázuriz. Daar ontwikkelde hij maritieme thema”s, zoals De baadsters (Musée Picasso, Parijs), in een maniëristische stijl die doet denken aan zijn langgerekte figuren geïnspireerd op de stijl van El Greco. Zijn gastvrouw stelde hem voor aan de kunsthandelaars Georges Wildenstein en Paul Rosenberg; Rosenberg, in naam van Wildenstein, sloot een contract met Picasso. Hij maakte enkele portretten in de neoklassieke stijl van Ingres van zijn vrouwen en de gegoede societybezoekers.

Eind september keerde hij met Olga terug naar Montrouge. Paul Rosenberg werd Picasso”s officiële dealer, die alleen een mondelinge overeenkomst met Picasso accepteerde, waardoor de dealer de eerste keus had uit het werk van de kunstenaar; Daniel-Henry Kahnweiler was zijn dealer geweest van 1907 totdat de Duits-Franse oorlog uitbrak en hij gedwongen werd naar Zwitserland te vertrekken. Op 8 oktober huurde Picasso een grote flat in de rue de La Boëtie. Waarschijnlijk heeft hij in die tijd Louis Aragon ontmoet, en via hem en Apollinaire, André Breton. Kort daarna, op 9 november 1918, twee dagen voor de ondertekening van de wapenstilstand van Rethondes die een einde maakte aan de Eerste Wereldoorlog, stierf Apollinaire aan de Spaanse griep in zijn flat aan de boulevard Saint-Germain. Vanaf dat moment bezocht Picasso elk jaar op die datum het graf van zijn vriend op het kerkhof Père-Lachaise.

In 1919 werkte hij verder aan kubistische en realistische werken tegelijk. Hij maakte enkele realistische werken, waarin een zekere monumentaliteit en sculpturaal gewicht in de figuren te zien is, zoals Stilleven met kruik en appels (Musée Picasso, Parijs) in de robuuste, klassieke stijl van de late Ingres, een sculpturaal karakter en massieve uitstraling in de figuren die duidelijk zouden worden in zijn neoklassieke werken van 1920.

De komst van de Ballets Russes naar Londen na de oorlog viel samen met een tijd waarin belangstelling voor kunst, vooral avant-garde kunst, in zwang was, en ballet maakte een combinatie mogelijk van het prestige van grote dansers en het schandaal van jonge revolutionaire kunstenaars, wat zowel snobs behaagde als intellectuelen aantrok. Ballet maakte het mogelijk het prestige van grote dansers te combineren met het schandaal van jonge revolutionaire kunstenaars, wat zowel snobs beviel als intellectuelen aantrok. In mei arriveerde Picasso in Londen, waar Diagilev bezig was met de voorbereidingen voor een nieuw ballet met muziek van Manuel de Falla, El sombrero de tres picos, gebaseerd op de gelijknamige roman van Pedro Antonio de Alarcón. Picasso was enthousiast over het verhaal, dat zich afspeelt in Zuid-Italië in de 18e eeuw, en over de mogelijkheid om opnieuw met Massine te werken en voor het eerst met Falla. Gedurende zijn drie maanden in Londen maakte hij talrijke schetsen, tekeningen en aquarellen voor de decors, kostuums en gordijnen, die hij persoonlijk schilderde, bijgestaan door Vladimir Poloenin en diens vrouw Elizabeth. Als ze niet bezig waren met de balletrepetities en -proeven, gingen ze om met de Engelse samenleving, waar Picasso veel kunstenaars en schrijvers ontmoette.

De première van El sombrero de tres picos in het Alhambra Theatre op 22 juli 1919 was een groot succes dat al snel leidde tot de opening van Spaanse dansscholen in Londen. Massine had zich de ritmes van de flamenco eigen gemaakt en paste die toe op de choreografie van de dansers, waarvan de kostuums aan de actie waren aangepast. Picasso had instinctief bochten en zigzaggen gebruikt, motieven die kenmerkend zijn voor Spaanse boerenkarren, ritmes die waarschijnlijk afstammen van Arabische kalligrafische arabesken. Het contrast van groen, roze, rood en zwart riep ook Spanje op. De criticus Jean Bernier schreef: “alle kostuums zijn, zonder uitzondering, vol warmte en kracht, getemperd door een smaak voor waardigheid die zeer Andalusisch is”.

Het succes van het ballet ging gepaard met een sociaal leven; Picasso en Olga werden, tot Olga”s vreugde, uitgenodigd voor een reeks van high society feesten. Picasso bestelde pakken bij de beste kleermakers en verscheen onberispelijk gekleed op de modieuze recepties. In augustus keerden Olga en Picasso terug naar Parijs, en van daaruit gingen ze naar Saint-Raphaël aan de Côte d”Azur; het is waarschijnlijk dat Picasso tijdens de treinreis het oogsttafereel heeft geobserveerd dat hij in De siësta heeft afgebeeld. Het thema van de ramen in Saint-Raphaël, waaraan hij die zomer werkte in vele aquarellen en tekeningen, bleef in Picasso”s werk na zijn terugkeer in Parijs in de herfst tot het begin van de jaren twintig.

Picasso vestigde zich in zijn flat in de rue de la Boëtie en nam geleidelijk afstand van de bohemienachtige levensstijl die hij voor de oorlog had gevolgd; zijn persoonlijke leven was rustiger, hoewel hij elegant gekleed kon worden gezien op cocktailparty”s of uit eten met Olga, gekleed in Chanel. Zijn associatie met de Ballets Russes en de kunsthandelaars Léonce en Paul Rosenberg bracht hem gunstiger kritische aandacht en zichtbaarheid.

In december 1919 nodigde Diágilev, terug in Parijs na het Londense seizoen, hem uit om mee te werken aan een nieuw ballet geïnspireerd op de Commedia dell”Arte, Pulcinella, met muziek van Stravinsky. Diágilev verwierp de eerste schetsen als te modern en te sierlijk, en Picasso vereenvoudigde ze later. Diagilev verwierp de eerste schetsen als te modern en te sierlijk; Picasso vereenvoudigde ze later. In het begin van de jaren twintig ontwikkelde hij een groot aantal schetsen en studies voor Pulcinella.

Op 23 januari 1920 werd De driekantige hoed opgevoerd in het Théâtre National de l”Opéra in Parijs, waarvoor hij zijn vriend Max Jacob uitnodigde, die hij minder vaak zag. Op weg naar het theater werd Jacob aangereden door een auto en in het ziekenhuis opgenomen; Picasso bezocht hem vaak in het ziekenhuis, maar daarna zagen ze elkaar steeds minder, omdat Jacob een minder rumoerig en openbaar sociaal leven zocht.

Massine”s idee voor het ballet kwam voort uit de straatvoorstellingen die ze zagen tijdens hun reis naar Napels in 1917. Samen met Diagilev ontwikkelden zij het libretto op basis van oude Napolitaanse teksten; Stravinsky”s muziek is een bewerking op muziek van Giovanni Battista Pergolesi, een 18e-eeuwse Italiaanse componist. Picasso”s eerste schetsen waren in een pseudo-Rococo-stijl die hij, na de aanvankelijke afwijzing door Diagilev, vereenvoudigde tot een kubistisch aandoende stijl met grote platte vlakken in blauw, grijs en wit, waarboven de kostuums van de personages, gebaseerd op de stijl van de traditionele personages van de Commedia dell”Arte, uitstaken. Pulcinella ging op 15 mei 1920 in première in het Théâtre National de l”Opéra in Parijs.

Deze stijl van de decors van Pulcinella werd doorgetrokken in Picasso”s schilderwerk, zoals te zien is in Pulcinella met een gitaar voor een gordijn (Massine groet); de kleuren zijn levendig maar niet fel, en het geschilderde oppervlak werd volkomen vlak. Tijdens de zomer in Juan-les-Pins ontwikkelde hij deze stijl en dit onderwerp verder in een reeks kleurrijke, geometrische en vlakke gouaches over de Commedia dell”Arte, zoals Pierrot en Harlekijn (National Gallery of Art, Washington). In september, nog steeds in Juan-les-Pins, maakte hij een serie tekeningen en aquarellen over een thema uit de mediterrane oudheid, een episode over de poging tot ontvoering van Deyanira, de vrouw van Hercules, door de centaur Nessus, geïnspireerd door de fresco”s uit Pompeï die hij tijdens zijn reis naar Napels in 1917 had gezien.

Op 4 februari 1921 werd zijn eerste zoon, Pablo, geboren. In de lente begon hij aan de studies voor Cuadro Flamenco, een ander ballet van Diagilev, die ditmaal een groep van acht Andalusische dansers en zangers inhuurde voor wie Falla populaire muziek arrangeerde. Het was oorspronkelijk besteld door Juan Gris, ook een Spanjaard, maar Picasso, met als argument dat Gris ziek was en geen tijd zou hebben om het project op zo”n korte termijn te ontwikkelen, was hem voor door het idee voor te stellen dat hij in Pulcinella had laten varen, namelijk een gordijn met rococo ornamenten en prosceniums met paartjes die naar de voorstelling kijken, zoals te zien is in Proyecto de decorado para Cuadro flamenco (Museo Picasso, Parijs). De relatie met Gris bekoelde hierdoor, een situatie die voortduurde tot aan zijn dood in 1927. Op 22 mei ging het werk in première in het Théâtre de la Gaîté-Lyrique. De omslag van het programma was geïllustreerd met vier naakten op het strand in een neoklassieke stijl, vergelijkbaar met andere werken uit dezelfde periode. Bij zijn terugkeer in Parijs ging hij verder met werken in de monumentale neoklassieke stijl.

In de zomer, om de hitte van het zuiden van Frankrijk te vermijden, verhuisde hij met Olga en Pablo naar Fontainebleau. De zomer in Fontainebleau was vruchtbaar, met een meerderheid van werken in de neoklassieke beeldhouwstijl. De belangrijkste onderwerpen zijn moeder en kind en vrouwen bij een fontein; deze zijn te zien in Mother and Child at the Seashore (Art Institute of Chicago), en Three Women at the Fountain (Musée de l”Orangerie, Parijs), met Grieks-Romeinse kleding en kapsels. Hij maakte ook twee meesterwerken in de synthetische kubistische stijl: Musicians with Masks (MoMA, New York) en Musicians with Masks (Three Musicians) (Philadelphia Museum of Art); het onderwerp herinnert aan zijn samenwerking met de Ballets Russes, met name enkele van de studies voor harlekijnen en pierrots uit Pulcinella.

In 1922 begon Breton, de kunstadviseur van Jacques Doucet, hem te overtuigen van het belang om belangrijke werken van Picasso aan zijn verzameling moderne kunst toe te voegen, hetgeen in 1924 leidde tot de aankoop van Les Demoiselles d”Avignon. In juni, tijdens een bezoek aan Dinard (Bretagne), schilderde hij Twee vrouwen rennen op het strand (De race) (Musée Picasso, Parijs), een idealisering van de monumentale figuren die hij in 1921 schilderde met een nieuw element, de behandeling van de beweging, die later model stond voor het decor van Diagilev”s Le Train Bleu in 1924. Hij maakte ook enkele schetsen van zijn zoon en van zijn vrouw en zoon samen, zoals te zien is in Family by the Sea (Musée Picasso, Parijs). Op 20 december 1922 ging Jean Cocteau”s gemoderniseerde bewerking van Sophocles” Antigone in première in het Théâtre de l”Atelier in Montmartre (Parijs). Het stuk had decors van Picasso, kostuums van Coco Chanel en muziek van Arthur Honegger.

In 1923 ging Picasso verder met het harlekijn-thema; hij schilderde verschillende portretten van Jacint Salvadó vermomd als harlekijn in een minder monumentale en meer lyrische stijl, evenals portretten van zijn zoon Pablo en diens vrouw Olga, en Portret van Doña Maria (de moeder van de kunstenaar) (privé-collectie). Hij schilderde ook portretten van zijn zoon Pablo en diens vrouw Olga; en het Portret van Doña Maria (de moeder van de kunstenaar) (privé-collectie). Die zomer keerde hij terug naar de Riviera en vestigde zich met Olga en Pablo in Antibes. Hij maakte de Fluit van Pan (Musée Picasso, Parijs), evenals verschillende tekeningen en schetsen over hetzelfde thema. In Antibes bezocht hij veel society-vakantiegangers, zoals de schilder Gerald Murphy en zijn vrouw Sarah. (Beaumont vroeg hem het decor en de kostuums te ontwerpen voor Mercure, dat in de zomer van 1924 zou worden geopend.

Choreograaf Léonide Massine had het Ballets Russes verlaten om in de zomer van 1924 een ballet te produceren voor graaf Étienne de Beaumont in een reeks privé-voorstellingen die bekend stonden als Les Soirées de Paris, om zo de Russische aristocratie te helpen. Met muziek van Erik Satie en decors en kostuums van Picasso maakte Massine Mercure, het vreemdste en origineelste ballet sinds Parade. De hoekige vlakken en rechte lijnen van Parade werden vervangen door gebogen en golvende lijnen, golvende silhouetten in het decor- en kostuumontwerp. De première van Mercure op 18 juni in het Théâtre de la Cigale werd door critici en publiek slecht ontvangen. Sommige surrealisten hadden kritiek op Picasso”s betrokkenheid bij een burgerlijk project ten gunste van de aristocratie, maar Breton verdedigde Picasso”s artistieke werk en verklaarde in zijn essay Hommage à Picasso: “Wat mij betreft beschouw ik Picasso”s medewerking aan Mercure als de belangrijkste artistieke gebeurtenis van de laatste jaren.

Twee dagen later werd Le train bleu, de laatste samenwerking met de Ballets Russes van Sergei Diagilev, opgevoerd in het Théâtre des Champs-Elysées. Het gordijn werd geschilderd door de toneelschilder Alexander Shervashidze, naar Picasso”s gouache Twee vrouwen rennen op het strand (De wedloop). Picasso zelf signeerde het gordijn “Opgedragen aan Diágilev Picasso 24”.

In de zomer van 1924 verhuisde hij naar de Villa La Vigie in Juan-les-Pins. Picasso ontwikkelde in een schetsboek een reeks pre-surrealistische tekeningen, constellaties van lijnen en stippen, die jaren later gebruikt werden voor een geïllustreerde uitgave door Ambroise Vollard van Honoré de Balzac”s Le Chef-d”œuvre Inconnu; om de verjaardag van zijn zoon te vieren, schilderde Picasso elk jaar portretten van de jongen; in 1924 schilderde hij Pablo de harlekijn (Musée Picasso, Parijs).

De controverse rond de Soirées de Paris groeide in de loop van de zomer en veroorzaakte een schisma onder de ex-Adadas, waarbij de groep van Breton tegenover een andere groep kwam te staan, die rond Ivan Goll draaide. In oktober publiceerde Breton het Surrealistisch Manifest, waarin hij de artistieke gevolgen schetste van Sigmund Freuds theorie over psychoanalyse en de interpretatie van dromen. De term surrealisme, bedacht door Apollinaire in 1917, werd door Breton overgenomen als de naam van zijn groep. Hoewel Picasso zich nooit officieel bij de surrealistische beweging heeft aangesloten, werd zijn werk zeer bewonderd door Breton, net als dat van Tristan Tzara en de dadaïsten. Picasso”s werk is afgebeeld in acht van de elf nummers van La Révolution Surréaliste, gepubliceerd tussen 1924 en 1929.

Surrealisme

Sinds zijn huwelijk met Olga en de geboorte van hun eerste zoon, Pablo, had Picasso een gelukkig gezinsleven gehad; hij leidde een zeer actief sociaal leven, afwisselend met de Parijse aristocratie en intelligentsia; avant-garde critici prezen zijn artistieke prestaties, hoewel zij zich concentreerden op de formele aspecten, en de intuïtieve en psychologische elementen van zijn werk negeerden. Picasso werd door de maatschappij en de critici aanvaard en werd gezien als een deel van de Franse traditie die boven de capriolen van de nieuwe generatie antiburgerlijke Dadaïsten stond, die verdrongen begonnen te worden door de groep die bekend zou worden als de Surrealisten.

In 1925 schilderde hij Pablo de pierrot (De zoon van de kunstenaar) (Musée Picasso, Parijs) voor de vierde verjaardag van zijn zoon, in een naturalistische stijl die lijkt op het harlekijnportret dat hij het jaar daarvoor schilderde. Hij schilderde ook De dans (Tate Modern, Londen), een cruciaal moment in Picasso”s ontwikkeling, na een periode waarin hij zowel in een decoratieve vorm van synthetisch kubisme als in een neoklassieke figuratieve stijl werkte. De dans is schatplichtig aan beide stijlen, maar zijn belang ligt in het feit dat hij een breuk markeert met een serene, klassieke fase en het begin van een nieuwe periode van emotioneel geweld en expressionistische vervorming.

Dans markeerde het begin van Picasso”s surrealistische periode tussen 1925 en 1938. Als tegenpool van zijn klassieke tekeningen van de dans symboliseerde het expressionistische karakter van het schilderij Picasso”s groeiende irritatie jegens Olga en vrouwen in het algemeen; gekwetst door de dood van zijn vriend Ramon Pichot geloofde hij dat diens vrouw Germaine, die de oorzaak was geweest van Casagemas” dood, zijn vriend vernietigde zoals Olga hem vernietigde. Het verdriet om de dood van Pichot werd nog verergerd door dat om de dood van de musicus Erik Satie in juli, en in de zomer schilderde hij De kus (Musée Picasso, Parijs) in Juan-les-Pins, nog agressiever van geest dan De dans. Het motief van de boven elkaar geplaatste hoofden, dat in de figuur van de vrouw voorkomt en niet in het beeldhouwwerk, zou een continuïteit vinden in zijn latere werk. De irrationele kwaliteiten van deze serie werken, evenals die van de eerste kubistische werken, vond Breton analoog aan de theorie van het automatisme die door de surrealistische kunstenaars werd beoefend.

In het essay “Surrealisme en schilderkunst”, in juli 1925 gepubliceerd in nummer 4 van La Révolution Surréaliste, verklaarde Breton Picasso tot modelschilder en beweerde hij dat hij een surrealist was, terwijl hij wees op de onmogelijkheid om een etiket te plakken dat zijn werk zou inperken: “Het etiket ”kubist” heeft die fout heel erg gemaakt. In november vond de “Exposition: La Peinture Surréaliste” plaats in de Galerie Pierre in Parijs, waar twee van Picasso”s vroege kubistische schilderijen te zien waren, evenals werken van Hans Arp, Giorgio de Chirico, Max Ernst, Paul Klee, André Masson, Joan Miró, Man Ray en Pierre Roy; Breton en Robert Desnos schreven het voorwoord voor de catalogus. Maurice Raynal schreef over de tentoonstelling in L”intransigeant: “De “vader van het kubisme” is de geadopteerde zoon van de surrealisten geworden! In november vergezelde Picasso zijn moeder, die de vakantie bij hen aan de kust had doorgebracht, naar Barcelona. Daar ontmoette hij Dalí, en bezocht zijn eerste solotentoonstelling in de Dalmau Gallery.

In 1926 werkte hij in een stijl die wordt aangeduid als Curvilinear Cubism, een combinatie van de golvende oppervlakken van het decoratieve kubisme, de superpositie van hoofden op figuren en de gebogen vervormingen onderzocht in de tekeningen van constellaties, toegepast op een kubistisch raster. Dit is te zien in De kleermakers (De kleermakerswerkplaats) (Musée National d”Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Parijs) en De schilder en zijn model (Musée Picasso, Parijs), monochrome werken geschilderd in grijs, zwart, wit en kaneeloker. Hij maakte ook verschillende portretten met een zekere gelijkenis met Marie-Thérèse Walter, een jong tienermeisje dat hij volgens sommige auteurs voor het eerst ontmoette in het begin van 1925 op het Gare Saint-Lazare in Parijs. Hij werkte ook verder aan het motief van de op elkaar gestapelde hoofden.

In april kreeg hij in zijn atelier bezoek van Dalí; ondanks hun wederzijdse bewondering werden de twee kunstenaars geen hechte vrienden. Zijn aanbeveling aan Diagilev om samen te werken met Miró en Max Ernst aan de decors en kostuums voor zijn Romeo en Julia leidde ertoe dat laatstgenoemde werd bedreigd met uitzetting uit de surrealistische groep, die zich verzette tegen samenwerking met “een bourgeois productie voor de hoge maatschappij”.

In januari 1927 ontmoette hij Marie-Thérèse Walter, een zeventienjarige blondine, voor de Galeries Lafayette in Parijs (hoewel sommige auteurs de datum twee jaar eerder plaatsen). Binnen zes maanden werden ze minnaars. Hoewel zij hun relatie geheim hielden tot de geboorte van hun dochter Maya in 1935, verschenen er al snel na zijn ontmoeting verwijzingen naar Marie-Thérèse in zijn werk. De echtelijke spanning met Olga groeide, zijn leven werd zeer gecompliceerd omdat hij probeerde hun relatie geheim te houden. Hij bracht een ongelukkige zomer door in Cannes, waar hij heimwee had naar Marie-Thérèse, terwijl Olga het haar kwalijk nam dat Picasso nooit aanwezig was op de sociale bijeenkomsten die hij organiseerde.

In de nazomer maakte hij een tekeningenalbum, Carnet des Métamorphoses, waarin hij de biomorfe baadsters van olifantachtige sculpturale vormen voorzag, met seksuele attributen die monumentale proporties aannamen, zoals te zien is in Baadster in de kuip (Vrouwelijke figuur) (Musée Picasso, Parijs). Hoewel dit waarschijnlijk studies zijn voor een monument voor Apollinaire, schreef Christian Zervos in 1929 dat Picasso ze voorstelde als monumenten voor de Croisette, de elegante promenade die het strand scheidt van de grote hotels in Cannes. Eind 1927, terug in Parijs, werkte hij met drukker Louis Fort aan een serie van dertien etsen, in opdracht van Vollard, met als thema “de kunstenaar en het model” voor het boek Le Chef-d”œuvre Inconnu, dat hij in 1931 zou publiceren.

In januari 1928 maakte hij een grote collage, De Minotaurus (Musée National d”Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Parijs), bestaande uit twee benen die uit een stierenkop komen, de eerste verschijning in zijn werk van het mythologische thema van de Minotaurus, half mens, half stier, dat zijn hoogtepunt vond in Guernica in 1937. Hij bleef ook werken rond het thema van de biomorfe baadsters en van de schilder en zijn model.

In maart 1928 hervatte hij zijn vriendschap met de beeldhouwer Julio González, wiens atelier in de Rue de Médéah hij regelmatig bezocht om zich verder in de lastechniek te bekwamen. In juni maakte hij zijn eerste driedimensionale beeldhouwwerk sinds 1914, de bronzen Metamorfose I (Baadster) (Musée Picasso, Parijs), gebaseerd op tekeningen van Marie-Thérèse uit 1927.

In de zomer verhuisde hij met Olga en Pablo naar Dinard in Bretagne, Frankrijk; hij ontving Marie-Thérèse in het geheim in een nabijgelegen zomerkamp voor kinderen, en wijdde haar in in zijn favoriete sadomasochistische seksuele praktijken. Hij bleef werken aan het thema van biomorfe baadsters in schilderijen en tekeningen, zoals Bather and Cabin (MoMA, New York), en een reeks studies over constructies in gelast metaal, langs de lijnen van constellaties van stippen verbonden door een netwerk van lijnen, ter voorbereiding van een toekomstig monument voor Apollinaire. Terug in Parijs werkte hij in de herfst met Gonzalez aan dit project in een reeks maquettes van ijzeren staven, die Kahnweiler omschreef als “tekeningen in de ruimte”. De modellen werden door het comité dat met het monument belast was, afgewezen als te radicaal en ongeschikt.

In het voorjaar van 1929 maakte hij in het atelier van González de gelaste en beschilderde ijzeren sculptuur Vrouw in de tuin (Musée Picasso, Parijs). Hij begon ook aan de eerste studies voor De kruisiging (Musée Picasso, Parijs), die hij in 1930 voltooide. De spanning van zijn huwelijk met Olga kwam tot uiting in werken als Buste van een vrouw en Zelfportret (privé-collectie), waarin een woest vrouwenhoofd met opengesperde kaken zich opdringt aan een klassiek profiel van hemzelf. Ook in Large Nude in a Red Armchair (Musée Picasso, Parijs), waar de vrouwenfiguur is vervormd tot een schreeuw, worden verontrustende elementen uit het onderbewustzijn van de kunstenaar onthuld. Het surrealistische karakter van dit schilderij komt ook in veel andere werken naar voren.

In januari 1930 schilderde hij Bader Seated by the Sea (MoMA, New York), een vrouw opgevat als een benige structuur, een dreigend wezen in contrast met de serene sfeer van het strand, wier hoofd lijkt op dat van een bidsprinkhaan, een van de favoriete symbolen van de surrealisten (de bidsprinkhaan verslindt zijn partner tijdens de geslachtsgemeenschap). Verschillende vroegere en latere werken van Picasso hebben hetzelfde type hoofd, en sommige hebben ook een zogenaamde vagina dentata, die de “angst voor psychoseksuele castratie” oproept, die de surrealisten symboliseerden door middel van de bidsprinkhaan.

Boisgeloup

Zijn werken waren voor het eerst te zien in het Museum of Modern Art in New York (MoMA), dat het jaar daarvoor was opgericht, als onderdeel van de tentoonstelling “Painting in Paris”. In juni kocht hij het kasteel van Boisgeloup, zeventig kilometer ten noordwesten van Parijs. Boisgeloup werd een toevluchtsoord waar hij met Marie-Thérèse naar toe kon vluchten; hij bouwde de stallen om tot een beeldhouwatelier waar zijn verlangen om weer in klei of gips te boetseren en de inspiratie van zijn jonge geliefde hem aanzetten tot het maken van grote bustes in gips, waarvan sommige ongetwijfeld een sexueel karakter hadden. In de herfst van 1930 maakte hij een reeks beeldhouwwerken, de meeste gesneden in hout en later gegoten in brons, klein van formaat en sterk gestileerd. Rond deze tijd verhuisde Marie-Thérèse naar de rue Boétie 44, tegenover de flat waar Picasso met Olga woonde. Tijdens deze eerste jaren van de jaren 1930 werd Picasso verscheurd tussen zijn tegenzin om zijn relatie met Olga te verbreken en zijn obsessie voor Marie-Thérèse, die de belangrijkste inspiratiebron was voor de sensuele en suggestieve vrouwenfiguren in zijn werk.

In september 1930 begon hij aan de serie van honderd etsen die de Vollard Suite zou vormen; Picasso werkte aan deze serie van 1930 tot 1937, hoewel het grootste deel van het werk tussen 1933 (eenenzestig etsen) en 1934 (vierentwintig etsen) werd gemaakt. Hans Bollinger onderscheidde zeven thematische groepen in de Vollard Suite: ((en (vii) de Blinde Minotaurus. “De kunstenaar en het model” is een algemeen thema dat voorkomt in de gravures van de Vollard Suite, vooral in die welke gewijd zijn aan het atelier van de beeldhouwer. Picasso kon zichzelf dus “onschuldig” afbeelden met Marie-Thérèse, vaak naakt. Het is een thema dat Picasso de hele jaren 1930 gebruikte; het verdween uit zijn werk tijdens de Spaanse Burgeroorlog en de Duitse bezetting van Frankrijk, hoewel hij het in zijn laatste jaren terugvond.

In januari 1931 voltooide hij Figuren aan zee (Musée Picasso, Parijs), een liefdesscène op het strand waarin de lichamen, gereduceerd tot ronde, sculpturale vormen, in de omhelzing zo vermengd zijn dat niet te onderscheiden is welk deel van het lichaam toebehoort aan de man of aan de vrouw, de rechterfiguur, identificeerbaar als Marie-Thérèse door de vorm van haar hoofd. Picasso benadrukte dus de tweeledige aard van de menselijke seksualiteit door de tegenstelling tussen de schijnbare tederheid van de omhelzing en de steenachtige aanwezigheid van de figuren en hun scherpe, agressieve tongen. De hoofden van de figuren doen denken aan De kus (twee hoofden) (Musée Picasso, Parijs) van dezelfde datum, waar de twee hoofden die elkaar verslinden het conflict met Olga weerspiegelen. Parallel aan de schilderijen van monolithische vormen maakte hij een reeks stillevens in een decoratieve, felgekleurde, kromlijnige kubistische stijl; bijzonder opmerkelijk is het Grote stilleven met kandelaar (Musée Picasso, Parijs), waar, in een van zijn meest lyrische en seksueel symbolische stillevens, de organische vormen de torso van Marie-Thérèse suggereren. Het schilderij bleef in Picasso”s persoonlijke collectie tot aan zijn dood, toen het samen met honderden andere werken aan het Musée Picasso in Parijs werd geschonken, in plaats van successierechten te betalen.

In april organiseerde de Londense galerie Alex Reid & Lefevre een overzichtstentoonstelling van zevenendertig schilderijen, Thirty Years of Pablo Picasso. In mei nam hij eindelijk bezit van het kasteel van Boisgeloup, waar hij met Gonzalez verder in metaal werkte en echte voorwerpen in zijn beeldhouwwerk verwerkte. Zijn beeldhouwwerken uit 1930, assemblages van gesneden en gelaste metalen elementen, zoals Vrouw in de tuin (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid), kunnen worden opgevat als “poëtische objecten, soms met een surrealistisch tintje”. Hij keerde ook terug naar het boetseren in klei of gips. Hij maakte verschillende bustes en reliëfs die Marie-Thérèse uitbeeldden, zoals Buste van een vrouw (Marie-Thérèse) (Musée Picasso, Parijs). De ronde vormen en reliëfs hebben een zekere seksuele kwaliteit en de gelaatstrekken lijken soms op geslachtsorganen (de neus als fallus, de mond als vagina), die doen denken aan neolithische en Afrikaanse beeldhouwkunst. Tijdens de zomervakantie in Juan-les-Pins voltooide hij een reeks lyrische en erotische tekeningen en gravures, die de basis vormden voor de etsen in de afdeling “Het beeldhouwersatelier” in de Vollard Suite. Hij schilderde ook verschillende kleine olieverfschilderijen van de Villa Chêne-Roc, waar hij verbleef. In de herfst keerde hij terug naar zijn beeldhouwwerk.

De politieke polarisatie breidde zich uit over Europa; in Spanje werd de Tweede Republiek uitgeroepen, waarvan de grondwet, ondanks de verworven vrijheden, er niet in slaagde op belangrijke gebieden overeenstemming te bereiken met conservatief rechts, dat diep geworteld was in de plattelandsgebieden, en met de katholieke kerk, die van scholen en overheidssubsidies werd beroofd; in de rest van Europa was er de opkomst van totalitaire regeringen, met name het fascisme in Duitsland en Italië en het stalinisme in de Sovjet-Unie. Dit alles tegen de achtergrond van een wereldwijde economische depressie.

Op 25 oktober 1931 werd Picasso vijftig en publiceerde hij de Metamorfosen van Ovidius voor Albert Skira in Lausanne, in totaal vijftien etsen van een volledige bladzijde en vijftien etsen van een halve bladzijde, waaraan hij sinds het jaar daarvoor had gewerkt. In deze serie gravures verwijst Picasso naar de eenvoud van de klassieke tekening, waarbij hij voorwerpen en wezens duidelijk afbeeldt, zoals hij deed in Lysistrata van Aristophanes, gepubliceerd in 1934. Op 12 november publiceert Ambroise Vollard Het onbekende meesterwerk van Balzac, met dertien etsen van Picasso, waarin hij de nadruk legt op het thema van de kunstenaar en het model. In de roman stelt Balzac het conflict van de kunstenaar aan de orde tussen het voltooien van het werk en het bereiken van perfectie, dat weerspiegeld wordt in de ets in de serie getiteld Schilder en model breien, waarin de schilder het prozaïsche motief omvormt tot een elegante kromlijnige kalligrafie.

In december 1931 schilderde hij De beeldhouwer (Musée Picasso, Parijs) met als thema de kunstenaar en het model, waaruit de aard van de relatie tussen Picasso en Marie-Thérèse blijkt; de beeldhouwer beschouwt de buste die hij heeft gemaakt, met het karakteristieke klassieke profiel, terwijl het model op de achtergrond zit, ondergeschikt aan de kunstenaar en het gemaakte werk. Hij begon ook aan een serie portretten van Marie-Thérèse op een sofa, waar haar jonge minnaar uit de marge opduikt om een centrale positie in te nemen van “onverstoorbare grootsheid en geborgenheid”. Hij schilderde ook Vrouw met stiletto (Dood van Marat), dat, naar de historische bron, de groeiende wrok tegen Olga”s jaloezie en bezitsdrang weergeeft.

In maart 1932 voltooide hij de serie slapende vrouwen met Jonge vrouw voor de spiegel (MoMA, New York), waarin de zwarte contouren en organische vormen van de grote stillevens uit 1931 werden gecombineerd in een van de meest symbolische en “multi-evocatieve” afbeeldingen van Marie-Thérèse die Picasso heeft gemaakt.

In juni werd een retrospectieve gepresenteerd in de Galeries Georges Petit in Parijs, met tweehonderdvijfentwintig schilderijen, zeven beeldhouwwerken en zes geïllustreerde boeken, geselecteerd door Picasso zelf, variërend van de Blauwe Periode tot zijn laatste portretten uit 1932. De kritische reacties waren niet positief, variërend van voorzichtig tot negatief. Het schijnt dat Olga tijdens deze tentoonstelling het bestaan van Marie-Thérèse ontdekte, wat bij haar “gloeiende scènes” van jaloezie veroorzaakte, hoewel de door Picasso gevreesde confrontatie tussen de twee vrouwen niet plaatsvond. De tentoonstelling werd in september herhaald in het Kunsthaus Zürich.

Terwijl Olga en Pablo de zomer doorbrachten in Juan-les-Pins, bracht Picasso de zomer door in Boisgeloup met Marie-Thérèse, waar hij verder werkte aan slapende naakten, strandtaferelen en enkele kleine beeldhouwwerken. Hij maakte ook verschillende tekeningen uit Grünewalds Kruisigingsreeks. Bij zijn terugkeer in Parijs in de herfst ging hij verder met de portretten van Marie-Thérèse op een bank en de tekeningen van de Kruisiging van Grünewald. In oktober is Christian Zervos begonnen met de publicatie van een catalogue raisonné (tussen 1932 en 1974 zijn achtentwintig delen verschenen, die meer dan 16.000 werken omvatten).

Hoewel Picasso het thema al had behandeld in een collage uit 1928, was de periode tussen 1933 en 1938 Picasso”s Minotaurus-periode, waarin deze mythische figuur herhaaldelijk in zijn werk opdook, samen met andere klassieke thema”s. Picasso vond in de vrouwelijke stierenvechter een picturale manier om zijn conflicten met Marie-Thérèse en Olga weer te geven, en in de Minotaurus, het beest dat zich bewust is van zijn beestachtigheid, een personificatie van zijn eigen conflict over die situatie, zijn spagaat tussen verlangen en morele verantwoordelijkheid. Het eerste nummer van de Minotaurus, met een omslag van Picasso, verscheen in mei 1933. De zomervakantie van 1933 bracht hij door in Cannes met Olga en Pablo. In september schilderde hij De dood van een stierenvechter in Boisgeloup.

Van juni tot september 1934 maakte hij een reeks schilderijen, tekeningen en gravures van stierengevechten. In augustus reisde hij met Olga en Pablo naar Spanje, en ging naar de stierengevechten in Burgos en Madrid. Hij bezocht het Museum van Catalaanse Kunst in Barcelona. Hij maakte de sculpturen Femme au feuillage en Femme à l”orange. In het voorjaar van 1935 werden de papiers collés tentoongesteld in de expositieruimte van Pierre. Hij graveerde Minotauromaquia. Hij scheidde van Olga in juni en in oktober werd Maya Picasso, zijn dochter met Marie-Therese Walter, geboren.

Hij maakte de watertekeningen en andere over het thema van de Minotaurus. In datzelfde jaar, bij het uitbreken van de Spaanse burgeroorlog, werd hij benoemd tot directeur van het Prado Museum in Madrid. Begin augustus vertrok Picasso naar Mougins en ontmoette er Dora Maar.

Guernica en pacifisme

In januari 1937 vroeg de Catalaanse architect Josep Lluís Sert hem om mee te werken aan een grote muurschildering voor het paviljoen van de Tweede Spaanse Republiek op de Internationale Tentoonstelling in Parijs. De verkozen regering van het land stond voor een mogelijke nederlaag tijdens de Spaanse burgeroorlog door de militaire rebellen van Franco, gesteund door Nazi-Duitsland en Fascistisch Italië. De republiek hoopte de wereld te tonen dat zij het waren die het Spaanse volk en zijn verwezenlijkingen vertegenwoordigden. Picasso, die in 1936 was ingegaan op een uitnodiging van de toenmalige president van de republiek Manuel Azaña om eredirecteur van het Prado Museum in Madrid te worden, was aanvankelijk terughoudend, zowel vanwege de omvang van het project als omdat hij nooit eerder een opdracht van propagandistische aard had aanvaard. In februari vond Dora Maar een zeer groot atelier in de Rue des Grands-Augustins 7, waar Picasso het project kon uitvoeren.

Datzelfde jaar produceerde hij Franco”s droom en leugen, twee gravures in een formaat dat lijkt op stripverhalen of Spaanse halleluja”s, met in totaal achttien scènes, bedoeld om te worden gereproduceerd als prent of ansichtkaart, waarin hij de fascistische staatsgreep aan de kaak stelde en wees op de misdaden van de oorlog, waarbij hij Franco afbeeldde als een kwaadaardige en groteske figuur. Picasso begon op 8 januari met het graveren van deze beelden, wat betekende dat hij ze op eigen initiatief kon bedenken voordat hij de opdracht voor Guernica kreeg. Hij voltooide de platen in juni, en de set werd gepubliceerd ten bate van de Republiek, samen met een gedicht dat hij schreef (Fandango de lechuzas).

Op 26 april 1937 bombardeerde het Duitse Condor Legioen Guernica op Franco”s verzoek. Picasso, die tot dan toe niet erg duidelijk was geweest over het onderwerp van het schilderij, werd door deze gebeurtenis geïnspireerd om de muurschildering voor het paviljoen van de Tweede Republiek te ontwikkelen, en begon op 1 mei aan de creatie van een van zijn beroemdste werken: Guernica (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid), dat uiteindelijk werd tentoongesteld in het Spaanse paviljoen op de Internationale Tentoonstelling. Dora Maar fotografeerde het proces en de verschillende stadia van het schilderij, dat Picasso begin juni voltooide. Het schilderij symboliseert de volledige verschrikking van de oorlog en de tragedie van de dood van vele onschuldige slachtoffers.

Eveneens tegen de oorlog schilderde hij in 1949 de beroemde Vredesduif ter gelegenheid van zijn lidmaatschap van de Wereldvredesraad. In 1955 werd hem de Internationale Vredesprijs toegekend.

Van oktober tot december 1937 schilderde hij De wenende vrouw (Parijs, Musée Picasso). Vervolgens maakte hij in 1938 een grote collage, Les Femmes à leur toilette (Parijs, Musee National d”Art Moderne). In juli 1938 ging hij met Dora Maar naar Mougins. In juli 1939 ging hij met Dora Maar bij Man Ray in Antibes wonen, waar hij Pêche de nuit à Antibes maakte (Museum of Modern Art, New York). Van september 1939 tot begin 1940 schilderde hij Séquence de femmes au chapeau in Royan.

In 1941 schreef hij een toneelstuk in surrealistische stijl, Desire Caught by the Tail, waarvan hij in maart 1944 een lezing gaf ten huize van Michel Leiris met o.a. zijn vrienden Simone de Beauvoir, Jean-Paul Sartre, Albert Camus, Louise Leiris en Pierre Reverdy. Het stuk ging uiteindelijk in première in juli 1967. Hij schreef ook twee andere literaire werken: De vier kleine meisjes en De begrafenis van graaf Orgaz.

Tussen 1942 en 1943 maakte hij de assemblage, Bull”s Head (Parijs, Musée Picasso), La Aubade (Parijs, Musee National d”Art Moderne), L”Homme au mouton (Parijs, Musée Picasso) en ontmoette Françoise Gilot in mei 1943.

Verbintenis aan de Communistische Partij

Na het einde van de Tweede Wereldoorlog werden zijn schilderijen optimistischer, vrolijker, en toonden, zoals de titel van een serie uit 1946, The joie de vivre uit die tijd. Picasso woonde bij Marie-Therese tijdens de Parijse opstand in augustus 1944. Hij sloot zich in oktober aan bij de Franse Communistische Partij en opende ook in oktober de Salon d”Automne en de Picasso retrospectieve. The Ossuary (New York, Museum of Modern Art) werd geschilderd in april en mei 1945, gebaseerd op de herinnering aan de ontdekking in december 1944 van het lichaam van zijn geëxecuteerde vriend, de jonge surrealistische dichter Robert Rius.

Picasso vertrok in juli met Dora Maar naar Cap d”Antibes, en op 26 november keerde Françoise terug om bij Picasso te wonen. Na de oorlog bestond Picasso”s vriendenkring uit communistische kunstenaars en intellectuelen, wat in zekere zin althans een deel van zijn werk tussen 1946 en 1953 kenmerkte.

Vallauris periode

In 1946 gingen Picasso en Françoise in Golfe-Juan wonen, en hij bezocht Matisse in Nice. Begin juli ging hij met Françoise naar Ménerbes (Vaucluse), naar het huis dat hij aan Dora Maar had gegeven. Hij kreeg dagelijks brieven van Marie-Thérèse. Françoise was ongelukkig en vertrok na drie weken om met vrienden naar Marseille te liften; Picasso kwam haar onderweg tegen en vroeg haar terug te komen, met het voorstel dat ze een kind zouden krijgen. Ze bezochten Vallauris, waar ze drie stukken aardewerk boetseerde in het Madoura aardewerkatelier van Georges Ramié. Toen ze in augustus naar Golfe-Juan terugkeerden, bleek Françoise zwanger te zijn. Picasso had Romual Dor de la Souchère, conservator van het Musée d”Antibes, ontmoet in het Grimaldi Paleis, maar hij gaf er de voorkeur aan het museum te decoreren; tussen september en oktober schilderde hij voor het paleis, het latere Musée Picasso in Antibes, tweeëntwintig panelen met maritieme thema”s en mythologische composities. De studies van faunen en klassieke figuren culmineerden in de triptiek La joie de vivre (Pastorale) (Musée Picasso, Antibes), een titel die hij ontleende aan zijn vriend Matisse, voor een schilderij dat het geluk weerspiegelt dat hij in die tijd met Françoise deelde. In oktober ontmoette hij Breton, die net was teruggekeerd uit ballingschap in de Verenigde Staten, op het eerste filmfestival van Cannes. Breton, die in augustus geweigerd had hem te begroeten toen zij elkaar ontmoetten in Golfe-Juan, wees Picasso opnieuw af vanwege zijn lidmaatschap van de Communistische Partij; zij zagen elkaar nooit meer. Dit gebaar was een voorbode van de gewelddadige breuk tussen de surrealisten en het communisme vanaf 1947.

In 1947 werkte hij aan stillevens met als thema Uil op een stoel, en gravures van faunen, centauren en bacchanten, naar het thema van de zomer in Antibes; eind januari voltooide hij het olieverfmonument Monument voor de Spaanse doden voor Frankrijk (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid), waaraan hij eind 1945 was begonnen. In februari begon hij aan de reeks van eenenveertig etsen en aquatinten voor de uitgave van Luis de Góngora y Argote: Vingt Poèmes (Twintig gedichten), in 1949 te Parijs uitgegeven door Les Grands; eind maart maakte hij enkele litho”s over de David en Bathseba van Lucas Cranach de Oude (1472-1553); op 15 mei werd in Parijs zijn zoon Claude geboren, door Françoise gekozen als naam ter ere van Claude Gillot, Watteau”s leermeester. Het echtpaar bracht steeds minder tijd door in het Parijse atelier en steeds meer in Golfe-Juan, waar zij eind juni met het kind naartoe verhuisden; in augustus bezocht hij opnieuw het keramiekatelier van Georges Ramié in Vallauris en begon een intense produktie, ongeveer tweeduizend stuks tussen oktober 1947 en 1948, waarbij hij formele, technische en coloristische vernieuwingen introduceerde die leidden tot een opleving van de keramiekindustrie van de stad, die sinds de Eerste Wereldoorlog in verval was geraakt. In de schilder- en graveerkunst produceerde hij slechts enkele werken tot het einde van het jaar; hij werkte verder aan de gravures voor de Vingt Poèmes de Góngora, enkele portretten van Françoise en stillevens. In december deed hij de decors voor Sophocles” Oedipus Rex, geregisseerd door Pierre Blanchar.

In de lente van 1948 verlieten Picasso en Françoise hun flat in Golfe-Juan, en in mei begon Picasso te werken aan een serie van achtendertig etsen en vier aquatinten ter illustratie van Prospero Mérimée”s Carmen (Parijs, La Bibliothèque Française), die hij in november voltooide. In de zomer verhuisden ze naar een klein huis, La Galloise, in de heuvels rond Vallauris. Françoise knoopte een open artistieke dialoog aan met Matisse, via correspondentie en bezoeken aan de kunstenaar. Picasso voltooide het zes-actige gedicht Les Quatre Petites Filles, waaraan hij in november 1947 begon te schrijven. Op 25 augustus ging Picasso naar het Congres van Intellectuelen voor de Vrede in Wroclaw. Half september keerde hij terug naar Vallauris. In oktober keerde hij terug naar zijn atelier in Parijs, waar Françoise weer zwanger was. Hij begon te werken rond het thema van de vrouw-bloem en verschillende stillevens. Hij schilderde twee versies van La Cuisine (De keuken), één in het Musée Picasso in Parijs en de andere in het MoMA in New York, lineaire composities opgebouwd uit ritmes en sterke lijnen, met weinig gebruik van kleur. In december schilderde hij verschillende portretten van zijn zoon Claude, en drukte zevenentwintig modellen af van Femme assise dans un fauteuil, een serie waarin Françoise een jas draagt die Picasso voor haar meebracht uit Polen, die werd voortgezet in januari 1949. Hij werkte ook verder aan stillevens met schaaldieren; Nature morte au poron (Stilleven met een porron, Galerie Fabien Boulakia), Le grand homard rouge (De grote rode kreeft, privé-verzameling).

In februari 1949 ging Louis Aragon naar Picasso”s Parijse atelier om een tekening uit te kiezen voor de affiche van het Wereldcongres van Partizanen voor de Vrede dat in april van dat jaar in Parijs zou worden gehouden. De colombe, een blauwe potloodtekening op papier, was het door Aragon gekozen motief, en de afbeelding werd al snel bekend als De vredesduif.

In maart begon hij aan een serie schilderijen van Françoise in zittende houding, getiteld Femme assise (Zittende vrouw). In het voorjaar keerde hij kort terug naar Vallauris en kocht een verlaten essencefabriek om als atelier te gebruiken, en gebruikte enkele kamers om zijn keramische werk in op te slaan. Hij begon ook voorwerpen en rommel te verzamelen, die hij later in verschillende stukken zou hergebruiken. Hij intensiveerde zijn werk in de beeldhouwkunst, dat hij het jaar daarvoor had hervat: Femme enceinte (Zwangere vrouw) beeldt een vrouwelijke vorm uit een lange metalen staaf, waaraan hij twee armen boven en twee benen onder toevoegde, en een gezwollen buik met twee kleine borsten in het midden. Hij maakte opnieuw een reeks werken geïnspireerd op schilderijen van Lucas Cranach de Oudere: de litho”s Vénus et l”Amour (Jeune fille inspirée par Cranach (Meisje geïnspireerd door Cranach), in het bezit van Christie”s, en David et Bethsabée (Cranach) VII (David en Bathsheba (Cranach) VII), in het Musée Picasso, Parijs. Picasso”s variaties op Cranachs David en Bathseba ontstonden uit een zwart-wit reproductie van de catalogus van een tentoonstelling over de kunstenaar in Berlijn in 1937, die hij van Kahnweiler had gekregen.

Op 19 april 1949 werd haar tweede dochter geboren, op de openingsdag van het Vredescongres, en zij besloot haar Paloma te noemen, naar het symbool dat zij had ontworpen voor de affiches die overal in de straten van Parijs te zien waren. Na de geboorte hervatte Françoise haar werk als schilderes, en Kahnweiler bood haar een contract aan om zijn exclusieve kunsthandelaar te worden. In de herfst keerde het gezin terug naar Vallauris en Picasso, die zijn belangstelling voor keramiek enigszins verloren had, keerde meer geconcentreerd terug naar de schilder- en beeldhouwkunst en produceerde verschillende bronzen beelden, sommige met Afrikaanse motieven. Gedurende het volgende jaar nam beeldhouwen het grootste deel van zijn tijd in beslag.

Op 6 augustus 1950 opende Laurent Casanova de tentoonstelling L”Homme au mouton in Vallauris. Picasso schilderde De geit, Vrouw met kinderwagen en Meisje dat touwtje springt. Op 15 januari 1951, schilderde hij Massacre in Korea. In 1952 tekende hij Oorlog en Vrede om de kapel in Vallauris te versieren, hij schreef een tweede toneelstuk: Les Quatre Petites Filles.

In april 1954 schilderde hij portretten van Sylvette David. In december begon hij aan de reeks variaties op De vrouwen van Algiers van Delacroix. In mei 1955 trok hij in bij Jacqueline Roque in de villa La California in Cannes. In juni werd een retrospectieve gehouden in het Musée des Arts Décoratifs. Tijdens de zomer werkte hij samen met Henri-Georges Clouzot aan de film Picasso Mystère.

In 1956 maakte hij De baadsters, houtsculpturen (Stuttgart, Staatsgalerie) die later in brons werden gebeeldhouwd. Hij schilderde de California Workshop. Op 17 augustus 1957 begon hij te werken aan een serie van 58 interpretaties van Las Meninas (Barcelona, Museo Picasso). Op 29 maart 1958 presenteerde hij de onderscheiding voor Unesco: De val van Icarus. In september kocht Picasso het Château de Vauvenargues en schilderde er De baai van Cannes.

Hij trouwde Jacqueline in Vallauris op 2 maart 1961, en verhuisde in juni naar Notre-Dame-de-Vie in Mougins (bij Cannes). Hij schilderde: La Femme aux bras écartés, La silla, La mujer y los niños, Los Futbolistas. In november 1962 schilderde hij De verkrachting van de Sabijnse vrouwen, waarvan een versie zich bevindt in het Musée National d”Art Moderne in Parijs. De opening van de retrospectieve in het Grand Palais en het Petit Palais vond plaats op 19 november 1966.

In januari 1970 ontving het Picasso-museum in Barcelona een schenking van de werken die door zijn familie werden bewaard. Van mei tot oktober werd een tentoonstelling van zijn werk gehouden in het Palais des Papes in Avignon. In april 1971 exposeerde de Louise Leiris Galerij 194 tekeningen gemaakt tussen 15 december 1969 en 12 januari 1971. Een nieuwe tentoonstelling in de Louise Leiris Galerij in januari 1973, met 156 etsen gemaakt tussen eind 1970 en maart 1972.

Dood

In 1973, op de leeftijd van eenennegentig jaar, overleed hij aan longoedeem in zijn huis in Mougins, Frankrijk. De plaatselijke autoriteiten stonden echter niet toe dat hij in het landhuis werd begraven en zijn vrouw Jacqueline besloot hem te begraven in het kasteel van Vauvenargues, ook eigendom van Picasso, waar zij jaren later ook zou worden begraven.

Andere interessante links

Bronnen

  1. Pablo Picasso
  2. Pablo Picasso
Ads Blocker Image Powered by Code Help Pro

Ads Blocker Detected!!!

We have detected that you are using extensions to block ads. Please support us by disabling these ads blocker.