Max Beckmann

Samenvatting

Max Carl Friedrich Beckmann († 27 december 1950 in New York City) was een Duits schilder, graficus, beeldhouwer, auteur en universitair docent. Beckmann nam de schilderkunst van de late 19e eeuw en de kunsthistorische traditie over en vormde een stijl met sterke figuren, die hij afzette tegen de opkomende niet-objectiviteit vanaf 1911.

Beckmann was in zijn beginjaren lid van de Berlijnse Secession, maar gaf er daarna de voorkeur aan zich als eenling te profileren. In het bijzonder zette hij zich af tegen Pablo Picasso en het kubisme met een eigenzinnige ruimtelijkheid. Hij ontwikkelde ook een verhalende en mythescheppende schilderstijl, vooral in tien triptieken die hij tussen 1933 en 1950 maakte. Beckmann is vooral van belang als bondig tekenaar, portrettist (waaronder talrijke zelfportretten) en subtiel illustrator. Hij is een van de belangrijkste beeldende kunstenaars van het 20e eeuwse Klassiek Modernisme.

Kinderjaren en jeugd

Max Beckmann werd geboren als derde kind van Antonie en Carl Beckmann. De twee broers en zussen Margarethe en Richard waren veel ouder. De ouders kwamen uit de omgeving van Braunschweig, waar de vader molenaar was geweest. In Leipzig leidde hij een molenbureau. In Falkenburg in Pommeren, het huidige Złocieniec, waar hij in het huis van zijn zuster woonde, ging Max Beckmann naar de lagere school. Van Pasen 1894 tot november 1894 was hij leerling van de Sexta van het Koninklijk gymnasium te Leipzig. Op elfjarige leeftijd verhuisde hij met het gezin naar Braunschweig. Hier stierf zijn vader kort daarna. Max Beckmann vervolgde zijn opleiding in Braunschweig en Königslutter. Zijn eerste overgeleverde zelfportret is gedateerd rond 1898, evenals het schilderij van een landschap van het meer van Thun. Vanaf die tijd was Beckmann enthousiast over vreemde culturen. Hij was een arme leerling, maar toonde al vroeg een grote belangstelling voor kunstgeschiedenis. In 1899 ging hij naar een privé-internaat in een pastorie in Ahlshausen bij Gandersheim. De eerste overgeleverde brieven en tekeningen dateren uit deze tijd. De volgende winter liep hij weg van daar. In 1900 slaagde hij voor het toelatingsexamen aan de Groothertogelijk Saksische Kunstacademie in Weimar, nadat hij zich zonder succes had aangemeld bij de Kunstacademie van Dresden. In Beckmanns vroege bladen komt een anekdotische tekenkunst tot uiting, evenals een zeker gevoel voor vorm en een neiging tot het groteske.

In 1901 kwam Beckmann aan de moderne en liberale kunstacademie van Weimar in de klas van de Noorse portret- en genreschilder Carl Frithjof Smith, die hij zijn leven lang als zijn enige leermeester beschouwde. Van hem nam hij de sterke preliminaire tekening over en behield die zijn hele leven. Hier ontmoette hij ook de Frankfurter schilder Ugi Battenberg in 1902 en de schilderes Minna Tube in 1903, met wie hij een vriendschap voor het leven sloot. Een zelfportret met open mond uit deze periode wordt beschouwd als de eerste bewaard gebleven ets. De prent is expressief en verraadt de invloed van Rembrandt van Rijn en Edvard Munch. Beckmann verliet de academie in 1903 zonder af te studeren en ging voor een paar maanden naar Parijs, waar hij af en toe de particuliere Académie Colarossi bezocht. Hier was hij vooral onder de indruk van de werken van Paul Cézanne. De jonge artiest las en schreef veel. In Parijs maakte hij, na een korte excursie in het pointillisme, de voorstudies voor zijn eerste chef d”œuvre, het olieverfschilderij Jonge mannen bij de zee. Hij reisde naar Amsterdam, Den Haag en Scheveningen, zag vooral werken van Rembrandt, Gerard ter Borch, Frans Hals en Jan Vermeer en schilderde bij voorkeur landschappen. In 1904 vertrok hij voor een reis naar Italië, die echter in Genève eindigde. Hij bezocht Ferdinand Hodler in diens atelier en zag onderweg het toen nog weinig bekende Isenheim-altaarstuk in Colmar. In de landschappen en zeegezichten van de zomer verkende de kunstenaar het overwinnen van de Art Nouveau en het Europese japonisme. Sommige van deze werken vertonen een zelfstandige, fragmentarische compositie. Na zijn verblijf in Parijs en zijn reis naar Italië te hebben onderbroken, richtte Beckmann een atelier in in Berlijn-Schöneberg (het toenmalige Schöneberg bei Berlin).

Huwelijk en het stichten van een gezin

Beckmann ontmoette Minna Tube in 1903 op de kunstacademie in Weimar, die zij als een van de eerste vrouwen in de kunst bezocht. In 1906 trouwde het echtpaar, en in 1907 betrokken zij een huis in Berlijn-Hermsdorf, dat Minna zelf had ontworpen in de stijl van het Nieuwe Bouwen, inclusief het interieurontwerp. Hun zoon Peter werd geboren in 1908. Beckmann verliet Minna in 1925 om te trouwen met Mathilde (Quappi) Kaulbach, de dochter van de schilder Friedrich August von Kaulbach. Na hun scheiding bleven Beckmann en Minna Beckmann-Tube hun leven lang met elkaar verbonden, zoals blijkt uit de veelvuldige correspondentie tussen de twee.

Vroeg werk

In de zomer van 1905 werkte Beckmann aan zijn schilderij Jonge mannen aan zee (olieverf op doek, 148 × 235 cm) op de Deense Noordzee. Het schilderij is stilistisch beïnvloed door Luca Signorelli en Hans von Marées, met neigingen naar het neoclassicisme. In 1906 ontving Beckmann voor dit schilderij de Villa Romana Prijs van de Deutscher Künstlerbund, die drie jaar eerder was opgericht. In datzelfde jaar nam hij ook deel aan de 11e tentoonstelling van de Berlijnse Secession met twee werken.

De dood van zijn moeder in 1906 verwerkte hij in twee sterfscènes in de traditie van Edvard Munch. Hij reisde met zijn vrouw Minna naar Parijs en vervolgens voor zes maanden naar Florence met een beurs van de Villa Romana. Daar schilderde hij het portret van mijn vrouw met een roze-paarse grond, een portret van Minna Tube, dat vandaag in de Hamburgse Kunsthalle hangt. Ook zijn Zelfportret Florence (1907) is daar te zien. In 1907 werd Beckmann aanvaard als lid van de Berlijnse Secession.

Hij sloeg de uitnodiging af om lid te worden van de Dresdense kunstenaarsgroep Brücke, maar sloot zich aan bij de Berlijnse Secession. De wil van de jonge kunstenaar om beroemd te worden kwam vooral tot uiting in geforceerde rampscènes; impressionisme en neoclassicisme werden hier gecombineerd tot een bruut actieschilderij. Hij verwierp het expressionisme. In tegenstelling tot zijn schilderijen in groot formaat, cultiveerde Beckmann interieurs en portretten, vooral zelfportretten; deze werken zijn soms ragfijn en atmosferisch subtiel. Reeds in die jaren maakte hij ook handteekeningen van oud-meesterlijke perfectie. Tekenen zou altijd de ruggengraat van Beckmanns kunst blijven.

In 1908 reisde de kunstenaar opnieuw naar Parijs en in de herfst werd hij vader van een zoon, Peter Beckmann, die bekend werd als cardioloog en gerontoloog. Het jaar daarop exposeerde hij voor het eerst in het buitenland en maakte hij op gedenkwaardige wijze kennis met de kunstschrijver Julius Meier-Graefe, die tot aan zijn dood publicist was voor Beckmann. Vanaf 1909 consolideerde de kunstenaar zijn Oude Meester aspiraties meer en meer in een grafisch œuvre. In hetzelfde jaar richtte hij met het dubbelportret Max Beckmann en Minna Beckmann-Tube een monument op voor zijn relatie met zijn collega en echtgenote, in de traditie van de representatieve koppelportretten à la Gainsborough. Met waarheidsgetrouwe massascenario”s in colportage-achtige compositie, zoals in de scène van het zinken van Messina, plaatste hij zich in de Rubens-opvolging, ook al bleven de lay-out en de uitvoering van dergelijke schilderijen bij de jonge Beckmann nog wat onontwikkeld.

Max Beckmann wilde zich onderscheiden als een neo-conservatief tegenmodel voor de radicale abstractie van schilders als Henri Matisse en Pablo Picasso en het non-representationalisme van Wassily Kandinsky, dat rond 1910 in opkomst was. Net als Max Liebermann of Lovis Corinth, was hij op zoek naar een moderne vorm van figuratieve schilderkunst.

In 1910 werd Beckmann gekozen in het bestuur van de Berlijnse Secession; op 26-jarige leeftijd was hij daar het jongste lid, maar hij nam al spoedig ontslag. Twee jaar eerder was hij er niet in geslaagd een tentoonstellingsorganisatie op te richten die onafhankelijk was van de handelaar Paul Cassirer. Vanaf dat moment nam hij afstand van kunstenaarsverenigingen, maar bleef deelnemen aan de grote DKB-jaartentoonstellingen in Mannheim (waar hij lid was van de toelatingsjury), Keulen (1929), Stuttgart (1930), Essen (1931), Königsberg (1931) en Berlijn (1931).

In maart 1912 formuleerde hij: “… omdat dat het enige nieuwe is (in de kunst) dat bestaat. De wetten van de kunst zijn eeuwig en onveranderlijk, zoals de morele wet in ons.” De zin komt uit een controverse met Franz Marc in het kunsttijdschrift Pan.

De kunsthandelaar Israel Ber Neumann en de uitgever Reinhard Piper droegen bij tot Beckmanns vooroorlogse roem, die een hoogtepunt bereikte rond 1913, het jaar waarin Hans Kaiser de eerste monografie over hem schreef. Nu verliet de 29-jarige schilder de Secessie helemaal en was medeoprichter van de Vrije Secessie in 1914. Hij bleef afstand houden van het expressionisme, maar net als deze laatste was hij in zijn grafische kunst en schilderkunst gefascineerd door de grote stad. Zijn programma stond nu vast: Max Beckmann zou nooit zonder voorwerpen werken. Hij stelde zich veeleer ten doel het erfgoed van de klassieke kunst uit te breiden (ruimte, kleur, traditionele genres, mythologie, symboliek).

De Eerste Wereldoorlog

“Mijn kunst krijgt hier te eten”, merkte Beckmann op tijdens de Eerste Wereldoorlog, die hij als een “nationale rampspoed” beschouwde. De artiest heeft geen enkel schot gelost tijdens de oorlog. “Ik schiet niet op de Fransen, ik heb zoveel van ze geleerd. Ook niet bij de Russen, Dostojevski is mijn vriend.” In 1914 diende hij als vrijwillige hospik aan het Oostfront, en het jaar daarop in Vlaanderen en aan het Keizerlijk Instituut voor Hygiëne in Straatsburg. Zijn tekeningen uit deze periode weerspiegelen de volle hardheid van de oorlog. Ze vestigen Beckmanns nieuwe, harde stijl. De artistieke ommekeer werd geflankeerd door het oorlogsproza van de Brieven in Oorlog, die verschenen terwijl de oorlog nog woedde.

In 1915 kreeg de kunstenaar een zenuwinzinking, werd vrijgesteld van actieve oorlogsdienst als hospik, en vestigde zich kort daarna in Frankfurt-Sachsenhausen. Hier woonde hij in het huis van zijn vriend Ugi Battenberg, in wat nu het Max Beckmann Huis is aan de Schweizer Straße 3, in de onmiddellijke nabijheid van het Städel Museum, zijn latere werkplaats. Het werd nu duidelijk dat zijn persoonlijke inzinking tegelijkertijd een nieuw begin moest zijn. De onverbiddelijke tekenstijl van de oorlog werd overgebracht naar de grafische kunst (vooral de droge naald) en de schilderkunst. In het zelfportret als verpleegster gaat de kunstenaar nu een onverbiddelijke reflectie van zichzelf aan, worstelend voor de uiterste waarachtigheid, net zoals hij in de grafische portfolio”s zoals de litho cyclus Die Hölle (Hel) de realiteit van oorlog en naoorlogs hard en virtuoos in elkaar nestelt en haar inhoud onthult. De christelijke iconografie krijgt nu de taak de menselijke conditie af te beelden; een schilderij als Christus en de zondaar uit 1917 toont de gevallen mens en de Jezus van de praktische ethiek.

De 1918

Weimar Republiek

Tijdens de Weimar Republiek groeide Beckmanns politieke belangstelling, en tegelijkertijd bestudeerde hij geheime leerstellingen zoals de theosofie, die veel kunstenaars sinds de eeuwwisseling bezighielden. Hij keek scherp naar de fysionomieën van zijn tijd, maar streefde hier niet naar realisme, maar naar wat hij transcendentale objectiviteit noemde. Beroemde foto”s van Frankfurt, zoals dat van de Börneplatz Synagoge of de Eiserner Steg met ijs dat op de Main drijft, werden in deze periode gemaakt. Beckmann was nauw betrokken bij het intellectuele leven van zijn tijd door zijn vriendschappen met de schrijver Benno Reifenberg, met Heinrich Simon, de hoofdredacteur van de Frankfurter Zeitung, door zijn connecties met de kunsthandelaar Günther Franke, de acteur Heinrich George en collega-kunstenaars als Alfred Kubin. Hij schreef drama”s en gedichten die na zijn dood de moeite waard bleken om opgevoerd en gelezen te worden. Naast zijn uitgebreide grafische werk maakte hij opnieuw zelfportretten die van de geportretteerde niet alleen een kroniekschrijver van zichzelf maakten, maar ook van zijn tijdperk.

Vanaf 1922 werd Beckmann gesponsord door Lilly von Mallinckrodt-Schnitzler, die zijn schilderijen verzamelde en hem meer sociale bekendheid gaf. In 1924 ontmoette Beckmann in Wenen de jonge Mathilde Kaulbach, dochter van Friedrich August von Kaulbach. Hij scheidde van Minna Tube en maakte van zijn nieuwe vrouw, onder haar Weense bijnaam Quappi, een van de meest geschilderde en getekende vrouwen uit de kunstgeschiedenis. Reizen naar Italië, Nice en Parijs, diepgaande studies van gnostische, oude Indische en theosofische leringen maakten zijn artistieke stijl losser en breder. Tegelijkertijd nam de kleurigheid van zijn schilderijen toe. Vanaf 1925 leidde hij een meesteratelier aan de kunstacademie van het Städel Museum in Frankfurt. Tot zijn leerlingen behoorden Theo Garve, Léo Maillet en Marie-Louise von Motesiczky. Schilderijen als Dubbelportret Carnaval of Italiaanse Fantasie weerspiegelen zowel de kalmerende politieke omstandigheden als de boze voorgevoelens van een naderend einde van de Gouden Eeuw. In het spectaculaire schilderij Galleria Umberto voorspelt de kunstenaar al in 1925 de dood van Mussolini. Beckmanns biograaf Stephan Reimertz spreekt over de “vooruitziende blik” van de kunstenaar. Op het hoogtepunt van de Weimarrepubliek presenteerde Beckmann zich opnieuw als een Stresemann-Duitser op een manier die bij de staat paste. In 1927 schilderde hij een zelfportret in een smoking en schreef hij een essay getiteld Der Künstler im Staat (De kunstenaar in de staat). Beckmanns uitgesproken zelfvertrouwen was algemeen bekend.

In 1928 bereikte zijn roem in Duitsland zijn hoogtepunt met de Reichsehrenpreis Deutscher Kunst en een eerste grote overzichtstentoonstelling van Beckmann in de Kunsthalle Mannheim. Zijn kunst vertoont nu een grandioze perfectie van vorm; zij verraadt ook de verfijnde eroticus die Beckmann altijd had willen zijn. Deze rol is een van de vele maskers waarachter de angstige en gevoelige kunstenaar zich schuilhield. Op de jubileumtentoonstelling van de DKB (25 jaar Deutscher Künstlerbund) in 1929 in het Keulse Staatenhaus am Rheinpark, waren vijf olieverfschilderijen van Max Beckmann te zien. In 1930 toonde de Biënnale van Venetië zes schilderijen van Beckmann, die dat jaar ook vertegenwoordigd was op de jaarlijkse tentoonstelling van de Praagse Secession. Tegelijkertijd werd de kunstenaar hevig aangevallen door de nationaal-socialistische pers. In Parijs trok hij kortstondig de aandacht van intellectuelen die zich wilden losmaken van het surrealisme en van de dominantie van Henri Matisse en Pablo Picasso. In 1932 richtte de Berlijnse Nationale Galerie een Beckmann-zaal in, de zogenaamde Nieuwe Afdeling van de Nationale Galerie Berlijn in het Kronprinzenpalais. De kunstenaar begon dat jaar aan de eerste van tien triptieken. Begonnen onder de naam Departure, voltooide hij het jaren later als Vertrek.

Nationaal Socialisme en Emigratie

In april 1933 werd Beckmann op staande voet ontslagen van zijn professoraat aan de Städelschule in Frankfurt. Zijn leerlingen, maar ook andere jonge kunstenaars die door Beckmann waren beïnvloed, zoals de schilder Joseph Mader, hadden geen mogelijkheden meer om artistiek actief te zijn; later sprak men van een verloren generatie. Sommige van hun werken werden door de nazi”s verbrand op de Römerberg. De Beckmannzaal in het Kronprinzenpalais werd voor andere doeleinden gebruikt. Max Beckmann was een van de meest gehate kunstenaars voor de nazi”s. Hij was prominent vertegenwoordigd op de tentoonstellingen van “Ontaarde Kunst” die door heel Duitsland toerden.

Beckmann verliet Frankfurt en woonde tot zijn emigratie in Berlijn. Hij ontmoette de schrijver Stephan Lackner, die een trouwe vriend, verzamelaar en vertolker bleef. In deze periode schilderde Beckmann ook veel anekdotische schilderijen zoals Ochsenstall en Reise auf dem Fisch, zelfportretten zoals dat met de zwarte pet of met de glazen bol, die de onzekerheid van zijn situatie weerspiegelden en trachtten te maskeren. Hij begon nu ook met beeldhouwwerk en maakte in 1934 de bronzen Man in het Donker, waarin zijn positie als ongewenst kunstenaar tot uitdrukking komt, en Adam en Eva in 1936, waarin Adam een kleine Eva in zijn rechterhand houdt. De originele versie in gips bevindt zich in de Hamburgse Kunsthalle. In totaal heeft hij acht beeldhouwwerken gemaakt.

Tot de sluiting van de laatste DKB-jaartentoonstelling in 1936 in de Hamburgse Kunstverein – zijn tentoonstellingsbijdrage Die Kaimauer (1936, olieverf op doek, 41 × 80,5 cm) is nu in het bezit van het Städel Museum in Frankfurt – was Beckmann lid van de Deutscher Künstlerbund, waar hij al in 1906 lid van was geworden. 21 van Beckmanns werken werden in 1937 getoond op de tentoonstelling “Ontaarde Kunst” in de Hofarkaden in München en meer dan 650 “ontaarde” werken van Beckmann werden uit Duitse musea geconfisqueerd, waaronder het verloren gewaande schilderij Der Strand (Am Lido) uit 1927.

Na de radio-uitzending van Hitlers toespraak bij de opening van de gelijktijdige Grote Duitse Kunsttentoonstelling in München, verliet Max Beckmann Duitsland voorgoed. In zelfverkozen ballingschap in Amsterdam schilderde hij zelfportretten zoals De bevrijde, waarin hij ketenen verbreekt. Diep raadselachtige schilderijen en verdere drieluiken met deels mythologische thema”s kenmerken zijn ballingswerk.

Op 21 juni 1938 hield Beckmann in de New Burlington Galleries in Londen een programmatische rede getiteld “On My Painting”:

Sinds 1939 vroeg Beckmann een visum aan voor de Verenigde Staten. Zijn pogingen om het land te verlaten mislukten echter, zodat hij gedurende de gehele oorlog in Amsterdam moest blijven. In mei 1940 vond de bezetting van Nederland door de Duitse Wehrmacht plaats. Als gevolg daarvan verbrandde hij zijn dagboeken vanaf 1925. Beckmann moest in 1942 een medisch onderzoek ondergaan door de Duitse Wehrmacht, maar hij werd ongeschikt verklaard, wat leidde tot zijn ondergang. Hij onderhield contacten met Duitse verzetskringen, onder meer rond Gisèle van Waterschoot van der Gracht en Wolfgang Frommel in Amsterdam.

Laatste jaren

Pas in de zomer van 1947 kregen Max en Mathilde Beckmann een visum voor de VS. Vanaf eind september geeft de kunstenaar les aan de kunstacademie van de Washington University in St. Louis. Tot zijn Amerikaanse leerlingen behoorden Walter Barker en Jack Bice. In mei 1948 toonde het Saint Louis Art Museum een grote overzichtstentoonstelling van Beckmann, bij de opening waarvan hij zelf aanwezig was. De verzamelaar Morton D. May (1914-1983) begon in datzelfde jaar met de opbouw van zijn Beckmann-collectie, die nu de omvangrijkste ter wereld is, nadat hij een tentoonstelling in de Buchholz Gallery van Curt Valentin had bijgewoond. Hij legateerde de collectie aan het Saint Louis Art Museum.

Naast reizen door de Verenigde Staten en lesgeven in Boulder (Colorado) en Carmel (Californië), aanvaardde Max Beckmann eind 1949 een hoogleraarschap voor schilderen en tekenen aan de kunstacademie van het Brooklyn Museum in New York. Hij vond het steeds moeilijker om zijn kunst te laten gelden tegenover de niet-objectieve schilderkunst, die intussen populair was geworden. Op 27 december 1950 overleed Max Beckmann aan een hartaanval midden op straat in Manhattan (Central Park West, 61st St.). Het negende drieluik Argonauten had hij enkele uren voor zijn dood voltooid, zijn tiende drieluik Balletrepetitie bleef onvoltooid.

Max Beckmann maakte in vijf decennia ongeveer 850 (843 volgens de in 2021 gepubliceerde catalogus raisonné van de Hamburger Kunsthalle) olieverfschilderijen, honderden tekeningen, illustraties, schetsen en ontwerpen. Sinds de Eerste Wereldoorlog maakte hij bijna 400 litho”s, etsen en houtsneden, en vanaf het midden van de jaren dertig tot het laatste jaar van zijn leven, acht bronzen beelden.

Max Beckmann op de kunstmarkt

De werken van Max Beckmann brengen zeer hoge prijzen op. In 2001 werd zijn Zelfportret met hoorn uit de privé-collectie van Stephan Lackner in New York geveild voor 45 miljoen mark. Ronald Lauder kocht het voor zijn New Gallery New York.Zijn schilderij Gezicht op voorsteden aan zee bij Marseille uit 1937 werd in november 2009 geveild voor 2,6 miljoen euro; het was daarmee het duurste Duitse schilderij van het economisch moeilijke veilingjaar 2009.In 2017 werd zijn schilderij Hel van de vogels geveild voor 40,8 miljoen euro. Nog nooit is er zoveel betaald voor een werk van Duitse expressionistische kunst. Beckmanns vrouwenkop in blauw en grijs (dit is het hoogste bedrag dat ooit op een veiling in Duitsland voor een kunstwerk is geboden.

Getuigenissen van hedendaagse kunstenaars

In Weltkunst nr. 179 van januari 2021 worden meningen over het werk van Beckmann beschreven door bijvoorbeeld Elvira Bach, Cecily Brown, Markus Lüpertz en Neo Rauch. De aanleiding hiervoor was de publicatie van de digitale catalogus raisonné van de Hamburger Kunsthalle. Elvira Bach legde uit dat slechts enkele kunstenaars haar hadden geïnspireerd, maar dat Max Beckmann er één van was geweest. “Vooral zijn sterke contouren beïnvloedden mijn kunst in de jaren tachtig.” Cecily Brown zei dat Beckmann altijd belangrijk voor haar is geweest. “De vrijmoedigheid van zijn visie en de verwezenlijking ervan is bijna ongeëvenaard in de kunst van de 20e eeuw. Ik heb alles in zijn werk goed bekeken en ik ben net zo beïnvloed door zijn tekeningen en prenten als door zijn schilderijen.” Markus Lüpertz citeerde een gedicht uit zijn boek Two Candles Shine. Voor Max Beckmann uit 2006. Neo Rauch formuleerde: “Zijn werk heeft zo”n overweldigend effect omdat hij de nachtkant van het menselijk bestaan, de sfeer van de dromen, diep liet doordringen in het leven van alledag.”

Digitale catalogus van de Hamburger Kunsthalle

In december 2020, in het 70ste jaar van Beckmanns dood, verwierf de Kunsthalle Hamburg zijn Zelfportret Florence (1907), dat zij al sinds 1991 in bruikleen had, voor 4 miljoen euro uit de nalatenschap. Er werd gezegd dat het het duurste schilderij was dat de Kunsthalle ooit had aangekocht. Het museum herbergt een van de belangrijkste collecties Max Beckmann ter wereld, met ongeveer 25 schilderijen en beeldhouwwerken, alsmede 250 werken op papier. De aanleiding was de tentoonstelling Max Beckmann. man-vrouw van het museum, die toen gesloten was wegens de Coronapandemie, maar verlengd werd tot 14 maart. In januari 2021 stelde de Kunsthalle zijn volledige catalogus raisonné gratis online beschikbaar voor iedereen die erin geïnteresseerd is. In opdracht van de Kaldewei Kulturstiftung heeft Anja Tiedemann de catalogue raisonné van Erhard en Barbara Göpel uit 1976 uitgebreid, geactualiseerd en aangevuld.

Max Beckmann in het Städel Museum

Het Städelsches Kunstinstitut in Frankfurt am Main heeft ook een uitgebreide Beckmann-collectie. In oktober 2020 kon het voor een onbekend bedrag het Zelfportret met champagneglas (1919) verwerven, dat het reeds in bruikleen had. Het maakt deel uit van de tentoonstelling Städel”s Beckmann. Beckmanns Städel, dat zich richt op de Beckmann-collectie van het museum. In deze speciale presentatie wijdt het Städel een selectie schilderijen, werken op papier en documentatiemateriaal aan zijn Beckmann-collectie en aan de Frankfurter jaren van de kunstenaar. De focus ligt op het Zelfportret met Champagne glas. In verband met de Corona-pandemie is de tentoonstelling verlengd tot 29 augustus 2021. Aangezien de werken van Beckmann vanaf begin 2021 niet meer auteursrechtelijk beschermd zijn, stelt het museum de werken in zijn collectie ter beschikking voor vrij kopiëren; ook commercieel gebruik is toegestaan. Het gratis gebruik geldt voor alle werken van het museum die tot het publieke domein behoren, aldus een persbericht van 20 augustus 2020.

Schwabing Kunstvondst

Beckmanns gouache Löwenbändiger (leeuwentemmer) uit 1930 werd bekend in verband met de Schwabing Art Find 2012. In de nazomer van 2011 liet Cornelius Gurlitt het als erfgenaam van zijn vader, de kunsthandelaar Hildebrand Gurlitt, veilen door het veilinghuis Lempertz in Keulen; het werd verkocht voor € 871.200. Vóór de veiling werd vastgesteld dat het schilderij afkomstig was uit de nalatenschap van de joodse kunsthandelaar en verzamelaar Alfred Flechtheim. Cornelius Gurlitt trof eerder een schikking met Flechtheim”s erfgenamen om restitutie eisen te voorkomen. Aangenomen wordt dat hij de helft van de verkoopprijs aan de erfgenamen heeft nagelaten.

Monografieën over de complete werken

gerangschikt naar jaar van uitgave

Monografieën van afzonderlijke werken, cycli en groepen werken

Tentoonstellingscatalogi

Bronnen

  1. Max Beckmann
  2. Max Beckmann
Ads Blocker Image Powered by Code Help Pro

Ads Blocker Detected!!!

We have detected that you are using extensions to block ads. Please support us by disabling these ads blocker.