Lucian Freud

Samenvatting

Lucian Freud, geboren op 8 december 1922 in Berlijn en overleden op 20 juli 2011 in Londen, was een Brits figuratief schilder en prentkunstenaar van Duitse afkomst.

Hij wordt beschouwd als een van de belangrijkste figuratieve schilders van de twintigste en eenentwintigste eeuw, de “Ingres van het existentialisme”, zoals de kunsthistoricus Herbert Read het formuleert.

Hij is vooral beroemd omdat hij het portret van koningin Elizabeth II heeft geschilderd voor haar gouden jubileum in 2001, een schilderij dat in Groot-Brittannië voor controverse zorgde.

Lucian werd geboren in Berlijn, als kleinzoon van de arts en grondlegger van de psychoanalyse, Sigmund Freud, en zijn vrouw Martha Bernays. Zijn vader, de architect Ernst L. Freud (en) (1892-1970), was de jongste zoon van Sigmund Freud. Om aan het antisemitisme van de nazi”s te ontsnappen, nam Ernst Freud in 1933 zijn gezin mee naar Londen: zijn vrouw Lucie Brasch en zonen Lucian, Stephen (1921-2015) en Clement (1924-2009). In 1938, na de Anschluss, voegde Sigmund Freud zich bij hen.

Na zijn middelbare schoolopleiding ging Lucian in 1938-1939 naar de Central School of Arts and Crafts in Londen. Van 1939 tot 1941 studeerde hij bij Cedric Morris aan de East Anglian School of Painting and Drawing in Dedham. Daarna werd hij opgeroepen voor de koopvaardij en na drie maanden op zee werd hij gedemobiliseerd. Van 1942 tot 1943 studeerde hij in deeltijd aan het Goldsmith”s College in Londen.

In 1943, illustreerde hij de gedichten van Nicholas Moore. Hij exposeerde voor het eerst in de Lefèvre Gallery in Londen in 1944. Zijn schilderkunst werd beïnvloed door het surrealisme, zoals blijkt uit het raadselachtige schilderij The Painter”s Room. Reeds, “Freuds persoonlijke wereld is vertegenwoordigd: het raam, de plant, het dier, alle elementen van zijn werk zijn op hun plaats”.

In 1946, bezocht Freud Parijs en Griekenland. Hij keerde regelmatig terug naar Parijs om Picasso en Giacometti te bezoeken.

In 1948 trouwde hij met de dochter van de beeldhouwer Jacob Epstein, Kitty Garman, en kreeg twee dochters, Annabel Freud en de dichteres Annie Freud. Hij scheidde van Kitty in 1952 en hertrouwde in 1953 met Lady Caroline Blackwood. In 1952 schilderde hij het schilderij “Hotel Bedroom” in kamer 38 van het Hotel La Louisiane, waarop hij te zien is met Lady Caroline Blackwood. Dit tweede huwelijk was niet gelukkiger en hun scheiding vond plaats in 1958. Hij schilderde prachtige portretten geïnspireerd door zijn echtgenotes Kitty (Meisje met witte hond, 1950-51) en Caroline (Meisje in een groene jurk, 1952). Lucian Freud, die de beperkingen van het gezinsleven niet op prijs stelde, leefde daarna als vrijgezel, met opeenvolgende gezellinnen van wie hij vele kinderen en kleinkinderen kreeg. Er zijn veertien kinderen geïdentificeerd, onder wie de modeontwerpster Bella Freud (geb. 1961), de schrijfster Esther Freud, de kunstenares Jane McAdam Freud (en) (geb. 1958) en Noah Woodman.

In het begin van de jaren zestig bracht zijn ontmoeting met Francis Bacon, Frank Auerbach, Leon Kossoff en Michael Andrews in een groep onder leiding van R.B. Kitaj een ommekeer in zijn techniek teweeg. Bacon en Auerbach hadden hem ervan overtuigd zijn fijne, lineaire stijl achter zich te laten en zich over te geven aan grote penseelstreken. Zijn schilderij werd dikker en dikker, aangebracht in gedempte tinten beige en grijs, versterkt met wit. Deze groep werd bekend als de “School van Londen” – een groep waaraan in 1998-1999 een tentoonstelling werd gewijd in het Musée Maillol. Deze groep figuratieve schilders was een reactie op de dominante naoorlogse abstracte schilderkunst en eiste een realistische schilderkunst die verder ging dan de schijn om de waarheid van de onderwerpen vast te leggen.

Lucian Freud schilderde zijn familie, zijn moeder Lucie en dochters (Bella en Esther, 1987-1988), zijn vrienden, andere kunstenaars waaronder Frank Auerbach en Francis Bacon, beroemde mensen en vreemden, sommigen poseerden alleen voor een werk, en maakte een groot aantal portretten van de Australische performance artiest Leigh Bowery, en ook Henrietta Moraes, muze voor veel Soho kunstenaars. Een reeks reusachtige naaktportretten uit het midden van de jaren negentig beeldde de zeer lange en rondborstige Sue Tilley, of ”Big Sue”, af. Sommige gebruikten haar functietitel van ”Benefits Supervisor” in de titel van het schilderij. De monumentale Benefits Supervisor Sleeping, 1995, werd in 2008 voor 33,6 miljoen dollar verkocht bij Christie”s in New York, waarmee het verkooprecord voor een levende kunstenaar werd gebroken.

Hij schildert voor levende modellen in de beslotenheid van zijn atelier. De uitzichten op Londen of zijn tuin zijn geschilderd vanuit het anker van het atelier. Hij werkte de hele dag en de poseersessies die hij zijn modellen oplegde waren eindeloos. Zijn schilderij After Cézanne, dat opvalt door zijn ongewone vorm, werd door de National Gallery of Australia aangekocht voor 7,4 miljoen dollar. Het gedeelte linksboven van dit schilderij is “geënt” op het hoofdgedeelte eronder, en bij nadere beschouwing is een horizontale lijn te zien waar deze twee gedeelten zijn samengevoegd.

Aan het einde van zijn leven domineren naaktportretten zijn schilderkunst, die de rauwe intimiteit van zijn modellen onthullen, die van Leigh Bowery, Sue Tilley of zijn trouwe assistent David Dawson (Sunny Morning-Eight Legs, 1997). Maar zelfs geklede modellen onthullen hun naaktheid aan de toeschouwer, de waarheid van het zijn die door alle schijn heen prikt. “Als ik kleren schilder, schilder ik eigenlijk naakte mensen bedekt met kleren”, legt hij uit. Het portret van zijn vriend en rijgezel Andrew Parker Bowles, wiens prachtige uniform met de vele medailles half open ligt en de droefheid van een innerlijke vermoeidheid verraadt, is een goed voorbeeld (The Brigadier, 2003-4). In zijn zelfportretten bekijkt hij zowel zijn eigen gezicht als dat van anderen, zonder welwillendheid. Critici zien in zijn werk een obsessieve zoektocht om de menselijke natuur door het vlees te peilen. Zijn grote, provocerende en compromisloze naakten uit de jaren negentig, afgebeeld in grootschalige doeken, markeren het hoogtepunt van zijn werk.

Lucian Freud was een fervent paarden- en hondenrenner en een onverbeterlijke gokker. Een van zijn grote verzamelaars, Alfie McLean, was een bookmaker uit Noord-Ierland die hem toestond zijn gokschulden af te betalen met schilderijen. Maar in de loop der decennia was de schilder hem zoveel geld schuldig dat de portretten niet meer volstonden om terug te betalen wat hij hem schuldig was. Toen de Amerikaanse handelaar William Acquavella in 1992 de schilder wilde vertegenwoordigen, moest hij eerst Alfie McLean het saldo van zijn gokschulden ten bedrage van 2,7 miljoen pond betalen. Toen Alfie McLean in 2006 overleed, bezat hij 23 werken die op dat moment naar schatting 100 miljoen pond waard waren. Freud schilderde verschillende portretten van de bookmaker, waaronder ”The Big Man (1976-1977)”.

Lucian Freud overleed in de nacht van 20 op 21 juli 2011 in zijn huis in Londen. Hij ligt begraven op Highgate Cemetery. Hoewel hij zeer rijk was geworden, leefde de kunstenaar eenvoudig, in een huis met een tuin in de wijk Notting Hill, waar hij zijn ateliers boven had ingericht.

Erkenning

Freuds talent werd in de jaren 1970-1980 erkend met de retrospectieve tentoonstelling van zijn werk in de Hayward Gallery in Londen in 1974, in 1982 gevolgd door de publicatie van de eerste monografie over zijn werk door Lawrence Gowing. De eerste grote reizende tentoonstelling van zijn werk vond plaats in 1987-1988 (Washington, Parijs, Londen, Berlijn). Na de tentoonstelling van de London School volgden in 2002 de tentoonstelling van de Tate Britain, de tentoonstelling van de La Caixa Barcelona Foundation en de tentoonstelling van het Los Angeles Museum of Contemporary Art. In 2005 werd in Venetië een belangrijke retrospectieve van zijn werk gehouden. In 2010 – Lucian Freud is 88 jaar oud – wordt in Parijs in het Centre national d”art et de culture Georges-Pompidou de tentoonstelling “Lucian Freud – L”Atelier” gepresenteerd, meer dan twintig jaar na de eerste retrospectieve die het Centre in 1987 aan hem wijdde.

Het werk van Lucian Freud wordt in verschillende perioden verdeeld: een eerste periode met surrealistische composities; vervolgens een realistische periode die bekend staat als “neo-romantisch”, waarin portretten in een lichte textuur verschijnen; tenslotte de rijpe periode, die de kunstenaar bekendheid heeft gegeven.

Geschilderd in een dikke textuur, in bruine, grijze en witte tinten, lijken de portretten vaak te worden bekeken met een bijzondere scherpzinnigheid die geen enkel detail, vooral van het gezicht, van het onderzochte model wil verbergen. Ter plaatse geschilderd, worden ze vele malen herhaald.

De naaktmodellen zijn te zien in desolate ateliers – in feite de lege flat waar de schilder werkt – op bedden of kapotte sofa”s in ongewone poses en rauwe houdingen. Geen detail is verborgen. De belichting van de scène is vaak elektrisch, en er zijn “witte vlekken” op het vlees van de geschilderde modellen die het gevoel van kunstlicht versterken. Freud spreekt van een “bijzondere vervorming” die hij bereikt door zijn manier van werken en waarnemen.

Men moet ook erkennen dat voor zijn tegenstanders Freuds bijzondere stijl schokkend is vanwege het karikaturale, bijna morbide aspect van sommige van zijn werken.

Freud was ook een schilder en een graveur. Hij maakte een groot aantal zwart-wit gravures in koperplaat die de thema”s van zijn schilderkunst overnemen en herinterpreteren.

Lucian Freud werkte de laatste drie jaar van zijn leven bijna elke dag aan een schilderij getiteld Portret van de hond. Dit schilderij bleef onvoltooid. Het is een portret van zijn vriend David Dawson die ook zijn assistent was.

Hector Obalk”s standpunt

De kunstcriticus Hector Obalk wijdde een aflevering van zijn programma Grand”Art, uitgezonden op Arte in maart 2009, aan Lucian Freud. Hij neemt ons mee op een reis door de wereld van de kunstenaar, van zijn beginperiode tot zijn recente werk, met name aan de hand van een reeks zelfportretten, gaande van zijn schilderijen uit de jaren 1940 tot dat van 2005. Hector Obalk ziet dit als een goede manier om de evolutie van Freud”s techniek te beschrijven. Hij ziet in hen op zijn beurt ook de voorstelling van een aanmatigende schilder, zelfverzekerd, valselijk bezorgd, ten slotte zijn naaktheid en de sporen van de ouderdom opnemend. Zijn laatste zelfportret toont hem naakt, met zijn voeten in open schoenen, met zijn palet in zijn linkerhand en zijn schildersmes in zijn rechter, in de leegte van zijn atelier, “dat hij nooit heeft willen inrichten”, aldus de criticus.

Zijn portretten gaan over “gewone” mensen, mensen die dicht bij de schilder staan. Soms vormen ze een reeks, zoals die van de Ierse industrieel, zijn hond en zijn zoon, die van zijn dochter of zijn assistent David Dawson. Door bepaalde elementen van het licht zo getrouw mogelijk weer te geven en andere kenmerken te overdrijven, kon Lucian Freud het karakter van zijn personages overbrengen.

Zijn niet-geanimeerde onderwerpen worden meestal geïntegreerd als elementen van het portret, of het nu details zijn (horlogeoproller of riem van de industrieel, de stropdas van de zoon van de industrieel weergegeven in de weerspiegelingen van de kamer) of belangrijkere (rommel op de stoel naast zijn assistent). Enkele werken richten zich echter uitsluitend op decoratieve elementen, zoals twee voorstellingen van de wastafel in zijn atelier.

Vanuit technisch oogpunt bemerkte Hector Obalk in het begin van zijn werk een gehechtheid aan weerspiegelingen in de ogen, bepaalde overdrijvingen die bijna aan karikatuur grenzen en, altijd, een obsessief zoeken naar de weergave van het licht. In zijn latere jaren tekende Freud helemaal niet meer, maar bracht hij getinte huidtinten aan en tekende hij gezichten die soms bedekt waren met een dikke laag verf. Voor Obalk was dit echter niet altijd een succes…

De laatste merkt drie veranderingen op in Freud”s schildertechniek. Eerst, een verandering van gereedschap, een hardere borstel. Ten tweede schakelde hij over op een wit dat meer loodoxide bevatte, waardoor hij lichtcontrasten nog beter kon weergeven. Tenslotte heeft hij, nadat hij zijn techniek onder de knie had gekregen, door een totale heroverweging van zijn techniek, zoals gezegd, de tekening van de vormen verlaten voor het aanbrengen van kleurtoetsen, een heroverweging waartoe tot dan toe alleen Titiaan in staat was geweest, een risico dat mogelijk werd gemaakt door het grote technische meesterschap, maar ook door de eerbiedwaardige leeftijd die de twee schilders hadden bereikt.

” Ik denk dat een groot portret te maken heeft met de manier waarop het benaderd wordt. {…} Dus ik denk dat portretkunst een houding is. “

– Lucian Freud

Het portret is een houding. Wat een goed portret maakt, is de manier waarop het wordt bedacht, hoe het wordt opgezet. Lucian Freud sprak over impulsen bij het kiezen van zijn modellen. Deze impulsen – of woedende verlangens, volgens de vertaling – zijn een eerste aanwijzing van de nauwe band tussen hem en zijn beelden. Daarom heeft hij zijn werk altijd autobiografisch genoemd. “Alles is autobiografisch”, schreef Martin Gayford over Freud in de uitgave van zijn schetsboeken. In de inleiding van Sarah Howgate”s boek wordt uitgelegd dat de Arts Council of England aan de National Portrait Gallery ”dit fascinerende corpus aan materiaal heeft nagelaten, waaronder 47 schetsboeken (…) en 35 brieven”. Zij vond het belangrijk om brieven op te nemen als een integraal onderdeel van haar artistieke praktijk. Net zoals veel van haar schetsboeken en tekeningen bezaaid zijn met geschriften, memo”s, gsm-nummers, afspraken en schetsen van liefdesbrieven, is de band tussen leven en kunst onlosmakelijk verbonden.

De schilderijen die hij maakte zijn weergaven van degenen die hem het meest na stonden. Van z”n vrienden tot z”n kinderen, z”n vrouwen, z”n assistente, z”n whippet. Ook al weigert Freud categorisch zijn gevoelens te tonen in zijn schilderijen, toch kan men niet volledig neutraal blijven tegenover de precisie en de waarheid van de afgebeelde mensen. Alles wordt getoond, de spieren die door de pose worden opgerekt, het vet en de uitstulpingen, de botstructuur. De nauwkeurigheid van de weergave toont de nauwkeurige waarneming van wat geschilderd is, de grote zorg die hij besteedt aan de weergave van zijn dierbaren en de getrouwheid van het detail.

De plaats is gesloten, altijd dezelfde: het atelier van de schilder. Een persoonlijke, lege plaats, alles aanwezig heeft maar één doel, zijn schilderij te dienen. Banken, sofa”s, lakens en lappen, matrassen, een wastafel, een paar planten, en verder niets. De muren zijn leeg, bedekt met kleur, het spoor van een snel gebaar om het op zijn penselen aanwezige picturale materiaal te verwijderen.

Sebastian Smee zal in Beholding the animal de term “naakt portret” gebruiken, in tegenstelling tot het traditionele woord “naakt”. Robert Hughes gaat in deze trant verder met de toevoeging “Met behoud van respect”.

Naaktheid speelt een precieze rol in het werk van Freud, en het komt precies daar aan waar intimiteit ophoudt, op het niveau van het geproduceerde beeld. Het dient zijn doel op het biologische niveau der dingen: zoals hij dieren en planten schildert, wordt het naakte menselijke lichaam gezien als een beest in ruste. Er worden geen gevoelens getoond of moeten aanwezig zijn op het ogenblik van het schilderen, met het risico dat het onvoltooid blijft, zoals gebeurde in 1977 met zijn Laatste Portret, een olieverf op doek dat onvoltooid bleef, maar niettemin aan het publiek werd tentoongesteld met de suggestieve titel “Het Laatste Portret”.

De reeks portretten van zijn moeder zou ook een verband tussen de twee personen kunnen suggereren, maar de reden daarvoor is veel minder sentimenteel. In 1970, na de dood van Lucian”s vader Ernest, deed zijn moeder een zelfmoordpoging en raakte vervolgens in een depressie toen ze weer tot leven werd gewekt door zijn zus die langsliep. Freud zal zeggen: ”Ze had haar interesse in alles verloren, ook in mij”. Het feit dat zij haar belangstelling voor hem had verloren, maakte haar tot een ideaal model, en hij schilderde haar onafgebroken gedurende vijftien jaar, voordat zij uitdoofde.

Om zijn punt duidelijk te maken, nam Freud als model de mensen die hij het meest intiem kende, zijn kinderen. Hij maakte verschillende portretten van zijn dochters, kinderen, daarna jongvolwassenen en tenslotte zwangere vrouwen, naakt, armen en benen gespreid voor de schilder. Op die manier verbrak hij elk verband met de erotiek die in zijn werk te zien was, en baseerde hij zijn onderwerpen op de waarneming van het lichaam als een materieel iets, net als zijn whippet. Zelf zei hij: “Als ik het vreemd had gevonden om ze te schilderen, zou ik het nooit hebben gedaan.

Ondanks een creatief proces dat doordrenkt is van intimiteit en verbondenheid met zijn geliefden. De scène van zijn lege atelier, met niemand anders daar, omdat zelfs David Dawson, die vele jaren zijn assistent was, moest vertrekken toen Freud begon te schilderen, en dan de naaktheid. Lucian Freud was volledig ongevoelig voor zijn gevoelens in zijn werk. Hij legde zichzelf hierover duidelijk uit: “Het is nooit een erotische situatie, het model en ik maken een schilderij, geen liefde”.

Externe links

Bronnen

  1. Lucian Freud
  2. Lucian Freud
Ads Blocker Image Powered by Code Help Pro

Ads Blocker Detected!!!

We have detected that you are using extensions to block ads. Please support us by disabling these ads blocker.