Louise Bourgeois

Samenvatting

Louise Joséphine Bourgeois (25 december 1911 – 31 mei 2010) was een Frans-Amerikaanse kunstenares. Hoewel ze vooral bekend is om haar grootschalige beeldhouw- en installatiekunst, was Bourgeois ook een productief schilder en prentkunstenaar. In de loop van haar lange carrière verkende ze een verscheidenheid aan thema”s, waaronder huiselijkheid en het gezin, seksualiteit en het lichaam, maar ook de dood en het onbewuste. Deze thema”s houden verband met gebeurtenissen uit haar kindertijd die zij als een therapeutisch proces beschouwde. Hoewel Bourgeois exposeerde met de abstract expressionisten en haar werk veel gemeen heeft met het surrealisme en de feministische kunst, was ze formeel niet verbonden met een bepaalde artistieke stroming.

Vroege leven

Bourgeois werd geboren op 25 december 1911 in Parijs, Frankrijk. Zij was het middelste kind van drie kinderen van de ouders Joséphine Fauriaux en Louis Bourgeois. Haar ouders hadden een galerie die voornamelijk handelde in antieke wandtapijten. Enkele jaren na haar geboorte verhuisde haar familie uit Parijs en richtte onder hun appartement in Choisy-le-Roi een atelier op voor het restaureren van wandtapijten, waarvoor Bourgeois de motieven invulde waar ze versleten waren geraakt. Het onderste deel van de wandtapijten was altijd beschadigd, wat meestal het gevolg was van de voeten van de personages en de poten van de dieren.

In 1930 ging Bourgeois naar de Sorbonne om wiskunde en meetkunde te studeren, vakken die zij waardeerde vanwege hun stabiliteit: “Ik kreeg gemoedsrust, alleen door de studie van regels die niemand kon veranderen”.

Haar moeder stierf in 1932, terwijl Bourgeois wiskunde studeerde. De dood van haar moeder inspireerde haar om de wiskunde vaarwel te zeggen en kunst te gaan studeren. Ze zette haar kunststudie voort door deel te nemen aan lessen waar vertalers nodig waren voor Engelssprekende studenten, vooral omdat vertalers geen lesgeld hoefden te betalen. In zo”n klas zag Fernand Léger haar werk en zei haar dat ze beeldhouwer was en geen schilder. Bourgeois nam een baan als docente en leidde rondleidingen in het Musée du Louvre.

Bourgeois studeerde af aan de Sorbonne in 1935. Zij begon kunst te studeren in Parijs, eerst aan de École des Beaux-Arts en École du Louvre, en na 1932 aan de onafhankelijke academies van Montparnasse en Montmartre, zoals Académie Colarossi, Académie Ranson, Académie Julian, Académie de la Grande Chaumière en bij André Lhote, Fernand Léger, Paul Colin en Cassandre. Bourgeois had een verlangen naar ervaring uit de eerste hand en bezocht vaak ateliers in Parijs, waar hij technieken leerde van de kunstenaars en hielp bij tentoonstellingen.

In 1938 opende zij haar eigen galerie in een ruimte naast de tapisserie van haar vader, waar zij het werk toonde van kunstenaars als Eugène Delacroix, Henri Matisse en Suzanne Valadon, en waar zij als klant de Amerikaanse kunstprofessor Robert Goldwater ontmoette. Ze trouwden en verhuisden naar de Verenigde Staten (waar hij lesgaf aan de New York University). Ze kregen drie zonen, waarvan er een werd geadopteerd. Het huwelijk duurde tot de dood van Goldwater in 1973.

Bourgeois vestigde zich in 1938 met haar man in New York City. Ze zette haar opleiding voort aan de Art Students League van New York, waar ze schilderkunst studeerde bij Vaclav Vytlacil en ook beeldhouwwerken en grafiek maakte. “Het eerste schilderij had een raster: het raster is iets heel vredigs, omdat er niets mis kan gaan … alles is compleet. Er is geen ruimte voor angst … alles heeft een plaats, alles is welkom.”

Bourgeois verwerkte deze autobiografische verwijzingen in haar sculptuur Quarantania I, te zien in de Cullen Sculpture Garden van het Museum of Fine Arts, Houston.

Middelbare jaren

Voor Bourgeois vertegenwoordigden de vroege jaren veertig de moeilijkheden van een overgang naar een nieuw land en de strijd om de tentoonstellingswereld van New York City binnen te komen. Haar werk in deze periode was opgebouwd uit schrootjes en drijfhout die ze gebruikte om rechtopstaande houten sculpturen uit te snijden. De onzuiverheden van het hout werden dan gecamoufleerd met verf, waarna spijkers werden gebruikt om gaten en krassen te verzinnen in een poging om een emotie uit te beelden. De slapende figuur is zo”n voorbeeld dat een oorlogsfiguur voorstelt die door zijn kwetsbaarheid niet in staat is de echte wereld onder ogen te zien. Gedurende haar hele leven ontstond Bourgeois” werk uit het herbeleven van haar eigen onrustige verleden, omdat ze inspiratie en tijdelijke catharsis vond in haar kinderjaren en het misbruik dat ze van haar vader had ondervonden. Langzaam ontwikkelde ze meer artistiek zelfvertrouwen, hoewel haar middelste jaren ondoorzichtiger zijn, wat misschien te wijten is aan het feit dat ze heel weinig aandacht kreeg van de kunstwereld, ondanks het feit dat ze haar eerste solotentoonstelling had in 1945. In 1951 overleed haar vader en werd zij Amerikaans staatsburger.

In 1954 sloot Bourgeois zich aan bij de American Abstract Artists Group, met een aantal tijdgenoten, onder wie Barnett Newman en Ad Reinhardt. In deze tijd raakte ze ook bevriend met de kunstenaars Willem de Kooning, Mark Rothko en Jackson Pollock. Als lid van de American Abstract Artists Group maakte Bourgeois de overstap van hout en rechtopstaande structuren naar marmer, gips en brons en onderzocht ze onderwerpen als angst, kwetsbaarheid en verlies van controle. Deze overgang was een keerpunt. Ze beschreef haar kunst als een serie of opeenvolging die nauw verband hield met dagen en omstandigheden, en beschreef haar vroege werk als de angst om te vallen, die later veranderde in de kunst van het vallen en de uiteindelijke evolutie als de kunst om daar te blijven hangen. Haar conflicten in het echte leven stelden haar in staat haar ervaringen en worstelingen te verifiëren door middel van een unieke kunstvorm. In 1958 verhuisde Bourgeois met haar man naar een rijtjeshuis in West 20th Street, in Chelsea, Manhattan, waar zij de rest van haar leven woonde en werkte.

Ondanks het feit dat zij het idee verwierp dat haar kunst feministisch was, was het onderwerp van Bourgeois het vrouwelijke. Werken als Femme Maison (1946-1947), Torso zelfportret (1963-1964), Arch of Hysteria (1993), beelden allemaal het vrouwelijke lichaam uit. Aan het eind van de jaren zestig werd haar beeldtaal explicieter seksueel en verkende ze de relatie tussen mannen en vrouwen en de emotionele impact van haar moeilijke jeugd. Seksueel expliciete sculpturen zoals Janus Fleuri, (1968) tonen aan dat ze niet bang was om de vrouwelijke vorm op nieuwe manieren te gebruiken. Ze is geciteerd om te zeggen: “Mijn werk gaat over problemen die vóór het geslacht zijn,” schreef ze. “Jaloezie is bijvoorbeeld niet mannelijk of vrouwelijk.” Met de opkomst van het feminisme, vond haar werk een breder publiek. Ondanks deze bewering stond Femme Maison in 1976 op de omslag van Lucy Lippards boek From the Center: Feminist Essays on Women”s Art en werd een icoon van de feministische kunstbeweging.

Later leven

In 1973 begon Bourgeois les te geven aan het Pratt Institute, Cooper Union, Brooklyn College en de New York Studio School of Drawing, Painting and Sculpture. Van 1974 tot 1977 werkte Bourgeois aan de School of Visual Arts in New York waar zij les gaf in grafiek en beeldhouwen. Zij gaf ook vele jaren les op de openbare scholen in Great Neck, Long Island.

In het begin van de jaren 1970 hield Bourgeois bijeenkomsten genaamd “Sunday, bloody Sundays” in haar huis in Chelsea. Deze salons werden gevuld met jonge kunstenaars en studenten wier werk door Bourgeois bekritiseerd werd. Bourgeois” meedogenloosheid in kritiek en haar droge gevoel voor humor leidden tot de naamgeving van deze bijeenkomsten. Bourgeois inspireerde veel jonge studenten tot het maken van kunst die feministisch van aard was. Louise”s oude vriend en assistent, Jerry Gorovoy, heeft echter verklaard dat Louise haar eigen werk als “pre-gender” beschouwde.

Bourgeois sloot zich aan bij activisten en werd lid van de Fight Censorship Group, een feministisch anti-censuur collectief opgericht door collega-kunstenaar Anita Steckel. In de jaren zeventig verdedigde de groep het gebruik van seksuele afbeeldingen in kunstwerken. Steckel stelde: “Als de penis in erectie niet gezond genoeg is om in musea te worden gebruikt, dan zou hij ook niet gezond genoeg moeten zijn om in vrouwen te worden gebruikt”.

In 1978 kreeg Bourgeois de opdracht van de General Services Administration om Facets of the Sun te maken, haar eerste openbare beeldhouwwerk. Het werk werd buiten een federaal gebouw in Manchester, New Hampshire geïnstalleerd.Bourgeois kreeg haar eerste retrospectieve in 1982, door het Museum of Modern Art in New York City. Tot dan toe was ze een randfiguur in de kunst geweest, wier werk meer bewonderd dan geprezen werd. In een interview met Artforum, dat samenviel met de opening van haar retrospectief, onthulde ze dat de beelden in haar sculpturen volledig autobiografisch waren. Ze deelde met de wereld dat ze obsessief via haar kunst het trauma herbeleefde van de ontdekking, als kind, dat haar Engelse gouvernante ook de minnares van haar vader was.

In 1989 maakte Bourgeois een droge ets, Mud Lane, van het huis dat zij bewoonde in Stapleton, Staten Island, en dat zij eerder als een sculpturale omgeving dan als een woonruimte behandelde.

Bourgeois had nog een retrospectieve in 1989 op de Documenta 9 in Kassel, Duitsland. In 1993, toen de Koninklijke Academie van Beeldende Kunsten haar omvangrijke overzicht van Amerikaanse kunst in de 20e eeuw organiseerde, vonden de organisatoren het werk van Bourgeois niet van significant belang om in het overzicht op te nemen. Dit overzicht werd echter bekritiseerd vanwege de vele omissies, waarbij een criticus schreef dat “hele secties van de beste Amerikaanse kunst zijn weggevaagd” en erop wees dat er zeer weinig vrouwen in waren opgenomen. In 2000 werden haar werken geselecteerd om te worden getoond bij de opening van het Tate Modern in Londen. In 2001 toonde zij in het Hermitage Museum.

In 2010, in het laatste jaar van haar leven, gebruikte Bourgeois haar kunst om op te komen voor gelijkheid tussen Lesbiennes, Homo”s, Biseksuelen en Transgenders (LGBT). Ze creëerde het werk I Do, dat twee bloemen voorstelt die uit één stengel groeien, ten bate van de non-profitorganisatie Freedom to Marry. Bourgeois heeft gezegd: “Iedereen zou het recht moeten hebben om te trouwen. Een verbintenis aangaan om voor altijd van iemand te houden is iets prachtigs.” Bourgeois heeft een verleden van activisme voor LGBT gelijkheid, door het maken van kunstwerken voor de AIDS activisten organisatie ACT UP in 1993.

Dood

Bourgeois overleed aan hartfalen op 31 mei 2010, in het Beth Israel Medical Center in Manhattan. Wendy Williams, de directeur van de Louise Bourgeois Studio, maakte haar dood bekend. Ze was doorgegaan met het maken van kunstwerken tot aan haar dood, haar laatste stukken waren de week ervoor afgemaakt.

De New York Times zei dat haar werk “een reeks herhaalde thema”s deelde, gericht op het menselijk lichaam en zijn behoefte aan verzorging en bescherming in een beangstigende wereld”.

Haar echtgenoot, Robert Goldwater, overleed in 1973. Ze werd overleefd door twee zonen, Alain Bourgeois en Jean-Louis Bourgeois. Haar eerste zoon, Michel, overleed in 1990.

Femme Maison

Femme Maison (1946-47) is een serie schilderijen waarin Bourgeois de relatie van de vrouw tot het huis onderzoekt. In de werken zijn de hoofden van vrouwen vervangen door huizen, waardoor hun lichamen van de buitenwereld worden geïsoleerd en hun geest huiselijk blijft. Dit thema gaat samen met de ontmenselijking van de moderne kunst.

Vernietiging van de Vader

Destruction of the Father (1974) is een biografische en een psychologische verkenning van de machtspositie van vader en zijn nageslacht. Het stuk is een vleeskleurige installatie in een zachte en baarmoederachtige ruimte. Destruction of the Father, gemaakt van gips, latex, hout, stof en rood licht, was het eerste werk waarin ze zachte materialen op grote schaal gebruikte. Bij het betreden van de installatie staat de toeschouwer in de nasleep van een misdaad. In een gestileerde eetkamer (met de dubbele impact van een slaapkamer), zijn de abstracte blob-achtige kinderen van een overheersende vader in opstand gekomen, hebben ze hem vermoord en opgegeten.

… en vertelt het publiek hoe geweldig hij is, wat hij allemaal heeft gedaan, en welke slechte mensen hij vandaag heeft neergehaald. Maar dit gaat dag na dag door. Er hangt tragedie in de lucht. Eens te vaak heeft hij zijn zegje gedaan. Hij is ondraaglijk dominant, hoewel hij dat waarschijnlijk zelf niet beseft. Er groeit een soort wrok en op een dag besloten mijn broer en ik: “De tijd is gekomen! We pakten hem, legden hem op tafel en ontleedden hem met onze messen. We haalden hem uit elkaar, we sneden zijn penis eraf. En hij werd voedsel. We aten hem op… hij werd geliquideerd op dezelfde manier als hij de kinderen liquideerde.

Exorcisme in de kunst

In 1982 toonde het Museum of Modern Art in New York City het werk van een onbekende kunstenares, Louise Bourgeois. Ze was 70 jaar oud en een mixed media kunstenaar die werkte op papier, met metaal, marmer en skeletbeenderen van dieren. Familietrauma”s uit haar jeugd “brachten een exorcisme in de kunst teweeg” en ze probeerde wanhopig om haar onrust te zuiveren met haar werk. Ze voelde dat ze in contact kon komen met kwesties van vrouwelijke identiteit, het lichaam, het gebroken gezin, lang voordat de kunstwereld en de maatschappij ze als uitdrukkelijke onderwerpen in de kunst beschouwden. Dit was Bourgeous” manier om haar centrum te vinden en haar emotionele onrust te stabiliseren. De New York Times zei indertijd dat “haar werk geladen is met tederheid en geweld, acceptatie en opstandigheid, ambivalentie en overtuiging”.

Cellen

Toen ze in de tachtig was, produceerde Bourgeois twee series besloten installaties die ze Cells noemde. Veel van deze werken zijn kleine omhulsels waarin de toeschouwer wordt uitgenodigd om naar binnen te kijken naar een opstelling van symbolische voorwerpen; andere zijn kleine kamers waarin de toeschouwer wordt uitgenodigd om binnen te gaan. In de celstukken gebruikt Bourgeois vroegere sculpturale vormen, gevonden voorwerpen en persoonlijke voorwerpen die voor de kunstenares een sterke persoonlijke emotionele lading hadden.

De cellen omsluiten psychologische en intellectuele toestanden, voornamelijk gevoelens van angst en pijn. Bourgeois verklaarde dat de cellen “verschillende soorten pijn vertegenwoordigen; fysieke, emotionele en psychologische, mentale en intellectuele … Elke cel gaat over een angst. Angst is pijn … Elke Cell gaat over het plezier van de voyeur, de sensatie van kijken en bekeken worden.”

Maman

Eind jaren negentig begon Bourgeois de spin als centraal beeld in haar kunst te gebruiken. Maman, die meer dan negen meter hoog is, is een sculptuur van staal en marmer waarvan vervolgens een oplage van zes bronzen exemplaren is gegoten. Het maakte voor het eerst deel uit van Bourgeois” opdracht voor The Unilever Series voor de Turbine Hall van Tate Modern in 2000, en onlangs werd het beeld geïnstalleerd in het Qatar National Convention Centre in Doha, Qatar. Haar grootste spinnensculptuur, getiteld Maman, is meer dan 30 voet (9,1 m) hoog en is op talloze plaatsen ter wereld geïnstalleerd. Het is de grootste spinnensculptuur die Bourgeois ooit heeft gemaakt. Bovendien zinspeelt Maman op de kracht van haar moeder, met metaforen van spinnen, weven, voeden en beschermen. Het veelvuldig voorkomen van het spinnenmotief in haar werk heeft geleid tot haar bijnaam Spiderwoman.

De spin is een ode aan mijn moeder. Zij was mijn beste vriendin. Net als een spin, was mijn moeder een weefster. Mijn familie zat in de restauratie van wandtapijten, en mijn moeder had de leiding over het atelier. Net als spinnen, was mijn moeder erg slim. Spinnen zijn vriendelijke wezens die muggen eten. We weten dat muggen ziektes verspreiden en daarom ongewenst zijn. Spinnen zijn dus behulpzaam en beschermend, net als mijn moeder.

Maisons fragiles

Bourgeois” Maisons fragiles

Printen

Bourgeois” prentkunst bloeide tijdens de vroege en late fasen van haar carrière: in de jaren 1930 en 1940, toen zij voor het eerst vanuit Parijs naar New York kwam, en opnieuw vanaf de jaren 1980, toen haar werk brede erkenning begon te krijgen. In het begin maakte ze thuis prints op een kleine pers, of in het gerenommeerde atelier Atelier 17. Die periode werd gevolgd door een lange onderbreking, toen Bourgeois zich volledig op de beeldhouwkunst richtte. Pas op haar zeventigste begon zij weer prenten te maken, eerst aangemoedigd door uitgevers van prenten. Ze richtte haar oude pers op en voegde er een tweede aan toe, terwijl ze ook nauw samenwerkte met drukkers die bij haar thuis kwamen om samen te werken. Er volgde een zeer actieve fase van prentkunst, die duurde tot aan de dood van de kunstenares. In de loop van haar leven maakte Bourgeois ongeveer 1500 gedrukte composities.

In 1990 besloot Bourgeois het volledige archief van haar gedrukte werk aan The Museum of Modern Art te schenken. In 2013 lanceerde het museum de online catalogue raisonné, “Louise Bourgeois: The Complete Prints & Books.” De site richt zich op het creatieve proces van de kunstenaar en plaatst Bourgeois” prenten en geïllustreerde boeken binnen de context van haar totale productie door verwante werken in andere media op te nemen die dezelfde thema”s en beeldtaal behandelen.

Thema”s

Een thema in Bourgeois” werk is dat van jeugdtrauma”s en verborgen emoties. Nadat Louises moeder griep had gekregen, begon haar vader affaires te hebben met andere vrouwen, vooral met Sadie, Louises Engelse lerares. Hij nam minnaressen mee naar huis en was ontrouw voor de ogen van z”n gezin. Louise was zeer waakzaam en zich bewust van de situatie. Dit was het begin van de betrokkenheid van de kunstenaar met dubbele normen met betrekking tot geslacht en seksualiteit, die tot uiting kwam in veel van haar werk. Ze herinnert zich dat haar vader herhaaldelijk “Ik hou van je” tegen haar moeder zei, ondanks ontrouw. “Hij was de wolf en zij was de rationele haas, die hem vergaf en accepteerde zoals hij was.” Haar werk Cell: You Better Grow Up uit 1993, onderdeel van haar Cell-serie, spreekt rechtstreeks over Louises jeugdtrauma en de onzekerheid die haar omringde. Give or Take uit 2002 wordt gekenmerkt door verborgen emotie en stelt het intense dilemma voor waarmee mensen in hun leven worden geconfronteerd als ze proberen een evenwicht te vinden tussen geven en nemen. Dit dilemma komt niet alleen tot uiting in de vorm van de sculptuur, maar ook in de zwaarte van het materiaal waarvan het werk is gemaakt.

Moederschap is een ander terugkerend thema in het werk van Bourgeois. Het was haar moeder die Bourgeois aanmoedigde om te tekenen en die haar betrok bij het tapijtwerkbedrijf. Bourgeois beschouwde haar moeder als intellectueel en methodisch; het voortdurende motief van de spin in haar werk vertegenwoordigt vaak haar moeder. Het idee van een spin die haar web spint en weeft is een directe verwijzing naar het wandtapijtbedrijf van haar ouders en kan ook worden gezien als een metafoor voor haar moeder, die dingen repareert.

Bourgeois heeft het concept vrouwelijkheid onderzocht door de patriarchale normen uit te dagen en kunstwerken over moederschap te maken in plaats van vrouwen als muzen of idealen te tonen. Ze is wel omschreven als de ”onwillige held van de feministische kunst”. Louise Bourgeois had een feministische benadering van haar werk, vergelijkbaar met collega-kunstenaars als Agnes Martin en Eva Hesse, die minder door het politieke werden gedreven maar eerder werk maakten dat voortborduurde op hun ervaringen met gender en seksualiteit, waardoor ze zich op natuurlijke wijze met vrouwenkwesties bezighield.

Seksualiteit is zonder twijfel een van de belangrijkste thema”s in het werk van Louise Bourgeois. Ook het verband tussen seksualiteit en breekbaarheid of onzekerheid is krachtig. Er is wel beweerd dat dit voortkomt uit haar jeugdherinneringen en de affaires van haar vader. Spiral Woman uit 1952 combineert Louises focus op vrouwelijke seksualiteit en marteling. De buigende been- en armspieren geven aan dat de Spiraalvormige Vrouw nog steeds boven is, ook al wordt ze verstikt en opgehangen. In and Out uit 1995 gebruikt koude metalen materialen om seksualiteit te koppelen aan woede en misschien zelfs gevangenschap.

De spiraal in haar werk toont de gevaarlijke zoektocht naar precair evenwicht, ongevalvrije permanente verandering, wanorde, duizeling, wervelwind. Daar ligt het tegelijk positieve en negatieve, zowel toekomst als verleden, breuk en terugkeer, hoop en ijdelheid, plan en herinnering.

Het werk van Louise Bourgeois wordt gevoed door bekentenissen, zelfportretten, herinneringen, fantasieën van een rusteloos wezen dat via haar beeldhouwwerk op zoek is naar een rust en een orde die gedurende haar hele jeugd ontbraken.

Samenwerking

Deze samenwerking vond plaats over een periode van twee jaar met de Britse kunstenares Tracey Emin. Het werk werd in Londen tentoongesteld maanden na de dood van Bourgeois in 2010. Het onderwerp bestaat uit mannelijke en vrouwelijke beelden. Hoewel ze seksueel lijken, toont het een kleine vrouwenfiguur die eer bewijst aan een reusachtige mannenfiguur, als een God. Louise Bourgeois maakte de aquarellen en Tracey Emin maakte de tekening erbovenop. Het kostte Emin twee jaar om uit te zoeken wat ze zou bijdragen aan de samenwerking. Toen ze eenmaal wist wat ze moest doen, heeft ze alle tekeningen in één dag afgemaakt en is ze van mening dat elke tekening perfect is gelukt. I Lost You gaat over het verliezen van kinderen, het verliezen van het leven. Bourgeois heeft als ouder haar zoon moeten begraven. Verlating gaat voor haar niet alleen over het verlies van haar moeder, maar ook over het verlies van haar zoon. Ondanks het leeftijdsverschil tussen de twee kunstenaars en de verschillen in hun werk, verliep de samenwerking soepel en gemakkelijk.

Tentoonstellingen

Belangrijke bezittingen van haar werk zijn o.a. de National Gallery of Art in Washington, D.C.; het Museum of Modern Art in New York het San Francisco Museum of Modern Art; Tate in Londen; Gedurende haar hele carrière kende Bourgeois veel van haar belangrijkste verzamelaars, zoals Ginny Williams, Agnes Gund, Ydessa Hendeles en Ursula Hauser. Andere privécollecties met opmerkelijke Bourgeois stukken omvatten de Goetz Collectie in München.

Bourgeois begon te werken met galeriehoudster Paule Anglim in San Francisco in 1987, Karsten Greve in Parijs in 1990, en Hauser & Wirth in 1997. Hauser & Wirth is de voornaamste galerie voor haar nalatenschap geweest. Andere galeries, zoals Kukje Gallery in Seoul en Xavier Hufkens in Brussel, houden zich nog steeds bezig met haar werk.

In 2011 werd een van Bourgeois” werken, getiteld Spider, verkocht voor $10,7 miljoen, een nieuwe recordprijs voor de kunstenaar op een veiling, en de hoogste prijs die op dat moment werd betaald voor een werk van een vrouw. Eind 2015 werd het werk op een andere veiling van Christie”s verkocht voor $28,2 miljoen.

Louise Bourgeois in het Museum of Fine Arts, Houston: https:

Bronnen

  1. Louise Bourgeois
  2. Louise Bourgeois
  3. ^ Christiane., Weidemann (2008). 50 women artists you should know. Larass, Petra., Klier, Melanie, 1970–. Munich: Prestel. ISBN 978-3-7913-3956-6. OCLC 195744889.
  4. ^ “The Spider”s Web”. The New Yorker. 28 January 2002. Retrieved 4 February 2002.
  5. ^ a b c d McNay, Michael (31 May 2010). “Louise Bourgeois obituary”. The Guardian. London. Retrieved 12 June 2010.
  6. ^ Greenberg, J (2003) Runaway Girl: The Artist Louise Bourgeois. Harry N. Abrams, Inc p. 30. ISBN 978-0-8109-4237-0
  7. Elle a acquis la nationalité américaine en 1955[3]
  8. The truth is that Freud did nothing for artists, or for the artist’s problem, the artist’s torment – to be an artist involves some suffering. That’s why artists repeat themselves – because they have no access to a cure
  9. https://www.findagrave.com/cgi-bin/fg.cgi?page=gr&GRid=53102684
  10. Louise Bourgeois – Video bei Youtube (französisch)
  11. Rachel Cooke: She”ll put a spell on you. In: The Guardian. 14. Oktober 2007. (englisch)
  12. Lisa Zeitz: Sie ist die Bienenkönigin. Die Künstlerin Louise Bourgeois lebt im New Yorker Stadtteil Chelsea. Sonntags ist Salon für geladene Gäste. In: Frankfurter Allgemeine Sonntagszeitung. Nr. 32, 10. August 2003, Kunstmarkt, S. 50.
  13. Tate Modern: Louise Bourgeois Maman 1999