Clyfford Still
gigatos | januari 30, 2022
Samenvatting
Clyfford Elmer Still was een Amerikaanse schilder uit het midden van de twintigste eeuw. Hij was een van de grondleggers van het abstract expressionisme in de Verenigde Staten. Hij werd geboren op 30 november 1904 in Grandin, North Dakota, en overleed op 23 juni 1980 in New York. Sinds 2011 is er in Denver (Colorado) een museum aan hem gewijd.
Clyfford Still behoorde samen met Jackson Pollock, Willem de Kooning, Mark Rothko, Barnett Newman, Franz Kline, Philip Guston, Arshile Gorky, Robert Motherwell en Adolph Gottlieb tot de kleine oorspronkelijke groep van Abstract Expressionisten. Hij stond dicht bij Pollock in de eerste generatie van het abstract expressionisme, en ontwikkelde al vroeg een nieuwe benadering van de schilderkunst door middel van abstractie, te beginnen in 1944 met grootschalige werken (waaronder 1944-N No. 2, ook bekend als Red Flash on Black Field, olieverf op doek, 264,8 × 221,6 cm, MoMA, The Sidney and Harriet Janis Collection, 1967). Gedurende zijn hele leven stelde hij zijn schilderijen zelden tentoon of verkocht ze.
Still werd in 1904 geboren in Grandin, North Dakota en bracht zijn jeugd door in het noordwesten van de Verenigde Staten, Spokane, Washington D.C. en Bow Island in het zuiden van Alberta, Canada. In 1925 bezocht hij New York en studeerde kort aan de Art Students League. Hij bezocht de universiteit van Spokane van 1926 tot 1927 en keerde in 1931 terug met een studiebeurs, waar hij in 1933 afstudeerde. In de herfst van 1933 werd hij docent en later lid van de faculteit aan het Washington State College (nu Washington State University), waar hij in 1935 zijn Master of Fine Arts behaalde. Hij gaf daar les tot 1941.
Hij bracht de zomers van 1934 en 1935 door in de Trask (nu Yaddo) Stichting in Saratoga Springs, New York. In 1937 was Still samen met zijn collega Worth Griffin uit Washington medeoprichter van de Nespelem Art Colony (o.a. Untitled (Indian Houses, Nespelem) (1936)), die tijdens de vier zomers van ”37-”40 honderden portretten en landschappen maakte van het leven van de Indianen in het Colville Indianenreservaat (staat Washington). In een documentaire stijl noteerde hij de kleuren van de kleding van de Indianen), en maakte vrijere studies in een palet dat hij zich nog vele jaren zou herinneren.
In 1941 verhuisde hij nog naar de San Francisco Bay Area waar hij in verschillende oorlogsindustrieën werkte terwijl hij zijn schilderkunst voortzette. Hij had zijn eerste solotentoonstelling in het San Francisco Museum of Art (nu het San Francisco Museum of Modern Art) in 1943. Hij doceerde aan het Richmond Professional Institute (RPI), nu Virginia Commonwealth University, van 1943 tot 1945, en daarna in New York City.
In 1944 maakte hij twee schilderijen met sterk gelijkende formele kenmerken: 1944-N nr. 1 en 1944-N nr. 2, grote formaten (het eerste 266 × 233 cm), abstractie, en paletmes in een dik impasto dat een onregelmatige textuur creëert: grote zwarte verfeffecten
1946: Mark Rothko, die Still in 1943 in Californië had ontmoet, stelde hem voor aan Peggy Guggenheim, en zij gaf Still zijn eerste solotentoonstelling in haar galerie, The Art of This Century Gallery, begin 1946. Het jaar daarop sloot Peggy Guggenheim haar galerie en kwam Still, samen met Rothko en andere abstract expressionisten, terecht in de Betty Parsons Gallery. Hij had er drie tentoonstellingen (1947, 1950, 1951). Hij keerde terug naar San Francisco, waar hij een zeer invloedrijke leraar werd aan de California School of Fine Arts (nu San Francisco Art Institute), waar hij van 1946 tot 1950 lesgaf. Hij had een tentoonstelling in het Californische Paleis van het Legioen van Eer, San Francisco (1947). In 1948 legde hij met Rothko de grondslagen van wat de Subjects of the Artist Academy zou worden, een collectieve denktank en kunstenaarsclub die sprekers uitnodigde om lezingen te houden waarover gediscussieerd en gedebatteerd werd. Clyfford Still verhuisde voor twee jaar terug naar San Francisco alvorens terug te keren naar New York.
Jaren ”50: In 1950 verhuisde hij naar New York en bleef daar het grootste deel van het decennium. Dit was het hoogtepunt van het abstract expressionisme, maar hij vermeed elke associatie met de New York School van het Abstractionisme. Het was in deze tijd dat hij steeds kritischer tegenover de kunstwereld kwam te staan. Hij behoorde tot een groep “irascibles” (bijna allemaal abstract expressionisten) die in 1950 protesteerden (tijdens een bijeenkomst bij Subjects of the Artist) tegen de minachting die zij ondervonden van het Metropolitan Museum of Art, dat zijn eerste tentoonstelling van Amerikaanse kunst aan het voorbereiden was met een jury die blijk gaf van minachting voor de Amerikaanse abstractie. De foto van de “irascibles”, later gepubliceerd in Life, maakte hen universeel beroemd door bekendheid te geven aan het Abstract Expressionisme. In die tijd drong Still, meer dan alle anderen in de groep, aan op de uniciteit van zijn eigen werk binnen de groep, hij toonde ook minachting voor sommige van zijn collega”s, en tenslotte werd hij door zijn groeiende eisen om erkenning uitgesloten van de New Yorkse kunstwereld. In het begin van de jaren vijftig verbrak Still zijn banden met commerciële galeries. Een retrospectieve van Still”s werk werd gehouden in de Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, New York, in 1959.
1961: Hij verhuist naar een boerderij van 22 hectare in de buurt van Westminster, Maryland, trekt zich terug uit de kunstwereld en waar hij in eenzaamheid kan werken. Hij gebruikte altijd een schuur als atelier op het landgoed tijdens de warmere maanden. In 1966 kochten Still en zijn tweede vrouw een huis van een kwart vierkante meter aan de Church Street 312 in New Windsor, Maryland, ongeveer acht mijl van hun boerderij, waar hij tot zijn dood woonde.
In de jaren zestig had hij verschillende solotentoonstellingen (Institute of Contemporary Art, University of Pennsylvania, Philadelphia (1963), en Marlborough-Gerson Gallery, New York (1969-70)). In 1972 ontving hij de Award of Merit for Painting van de American Academy of Arts and Letters, waarvan hij lid werd, en vervolgens de Skowhegan Medal for Painting in 1975. In 1975 werd een groep van zijn schilderijen permanent tentoongesteld in het San Francisco Museum of Modern Art. Tenslotte had hij een tentoonstelling in het Metropolitan Museum of Art in 1980.
Een van de eerste abstract expressionistische schilderijen, July 1945-R (een tijdlang Quicksilver genoemd) doet denken aan een bliksemschicht, een grillige verticale witte lijn op een donkere of zwarte achtergrond. In een brief uit 1950 spreekt hij over een bliksemflits die een “openbaring” in hem teweegbracht, hoewel niet duidelijk is wat voor soort openbaring dit was.
Zijn niet-figuratieve schilderijen worden nog steeds beschouwd als een van de meest prominente schilders van de Color Field painting beweging. Ze zijn ook niet-objectief en houden zich grotendeels bezig met de juxtapositie van verschillende kleuren en oppervlakken in verschillende configuraties. In tegenstelling tot Mark Rothko of Barnett Newman, die hun kleuren op een betrekkelijk eenvoudige manier ordenden (Rothko als nevelige rechthoeken, Newman als fijne lijnen op uitgestrekte vlakke kleurvlakken), zijn de ordeningen van Still minder regelmatig. Zijn grillige kleuruitbarstingen wekken de indruk dat een kleurlaag uit het schilderij is “gescheurd”, waardoor de kleuren eronder zichtbaar worden. Een ander punt van verschil met Newman en Rothko is de manier waarop de verf op het doek is aangebracht; terwijl Rothko en Newman vrij vlakke kleuren en betrekkelijk dunne verf gebruiken, gebruikt Still dik impasto, waardoor een grote verscheidenheid aan subtiele diktes en glinsterende tinten ontstaat, die het werkelijke licht vangen. In 1947 begon hij te werken op het grote formaat dat hij gedurende zijn hele carrière zou uitbreiden en aanpassen – een veld van kleuren, op groot formaat, aangebracht met paletmessen, dat effecten van licht en getextureerde materie zou creëren.
Door deze materiële effecten, met een hoog percentage olie of met een zeer zichtbaar droogkorrelig materiaal, creëert Still met zijn paletmessen “tektonische” oppervlakken, die soms het licht vangen, en elders het volledig absorberen, als zwarte gaten.
In tegenstelling tot de meeste beeldende kunstenaars uit die tijd, maalt en bereidt Still zijn eigen pigmenten, waarmee hij speciale kleuren creëert die hij op zijn enorme doeken aanbrengt.
Het museum in Denver, dat geheel aan hem is gewijd, heeft het mogelijk gemaakt bepaalde aspecten van het creatieve proces te belichten, door middel van een vergelijkende studie van varianten, of replica”s van meer dan 50 schilderijen. Zo blijkt dat dit werk kan worden beschouwd als een “gebarenschilderij”, aangezien de gebaren van de kunstenaar perfect zichtbaar zijn wanneer men naar het schilderij kijkt, en met grote kracht al was het maar door de omvang van de verfapplicaties met een paletmes. Anderzijds duiden de vergelijkingen op een geleidelijk proces en niet op een volkomen spontaan, onmiddellijk ontstaan. Hoewel er slechts enkele schilderijen zijn die volledig opnieuw zijn uitgevonden, zijn de veranderingen in de meeste gevallen subtieler; een verandering in het medium, een andere methode om de verf aan te brengen, of een andere textuur, of het is het spel van licht op het oppervlak van de verf dat niet langer hetzelfde is, door de reflecterende eigenschappen van de verf te manipuleren. Zo zijn er vele aanpassingen, in sterk verschillende formaten, met de wens om in het volgende schilderij te overtreffen wat in de eerste versie was opgebouwd: “Hoewel de weinige replica”s die ik maak over het algemeen dicht bij het origineel staan of een uitbreiding zijn, heeft elk exemplaar zijn eigen leven en is het geen kopie. Het huidige werk heeft bepaalde factoren verduidelijkt en staat, paradoxaal genoeg in dit geval, dichter bij mijn oorspronkelijke concept dan het eerste, dat de sporen draagt van de krachten die met elkaar in botsing zijn gekomen.
De verwantschap tussen Pollock en Still is bestudeerd door David Anfam. Still ontdekte Pollocks schilderij The Moon Woman (1942) tijdens de tentoonstelling in Peggy Guggenheim”s galerie The Art of This Century (en), in november 43. En van drie van Still”s schilderijen wordt gezegd dat het “meditaties” zijn, waaronder PH-242, uit 1943-44. Deze vriendschap kwam vooral tot uiting in 1943, toen Pollock een muurschildering maakte voor Peggy Guggenheim in een gang van haar flat. Het immense doek lijkt, door zijn ruimte en zijn lege horror, in feite het Amerikaanse Westen op te roepen, als we een zin van Pollock uit 1944 in aanmerking nemen. De vriendschap tussen Still en Pollock duurde tot 1955, ook al bereikte Still”s onstuimige karakter een bijzonder scherp hoogtepunt in de jaren vijftig.
Beiden hadden het idee dat schilderen bovenal het werk van een ”man” is. Met duidelijk genoegen verwees hij naar Pollocks laatste tentoonstelling in de Sidney Janis Gallery in 1955 en stuurde Pollock een briefje met de zin: “Het was dat hier een man aan het werk was geweest, aan het diepste werk dat een mens kan doen, geconfronteerd met wat hij is en waarnaar hij streeft”. En omgekeerd zegt Pollock in 1955 ”Still makes the rest of us look academic”. Elders zegt Pollock dat “zij beiden (Still en hij, in sommige versies “alle drie” – met Rothko) de aard van de schilderkunst hebben veranderd”. Volgens David Anfam is het schilderij The Deep (Centre Georges Pompidou) uit 1953 “onmiskenbaar” een eerbetoon aan Still.
Hoewel Still er nooit mee heeft ingestemd om een showroom met anderen te delen, koos hij er negen maanden voor de opening van zijn grote retrospectieve in het Metropolitan Museum in 1979 voor om zijn reusachtige schilderij PH-929 (1974) naast Pollocks Automn Rythmn (1950) te hangen.
Critici hebben de zuivere materialiteit van zijn schilderkunst geprezen, de monumentale en dynamische aanwezigheid, de sublieme geest van zijn abstracte beelden. Zijn houding tegenover zijn collega”s en tegenover de schilderkunst werd beschouwd als provocerend en compromisloos, net als die van David Smith, een vriend van Still en Pollock.
David Anfam, een specialist in abstract expressionisme, zei hierover: “Zijn werk heeft een viscerale impact, de schilderijen staren terug naar mij en de kijker. Ik ken niet veel andere artiesten die eenzelfde soort elektrische lading opwekken – een echte frisson. Maar het is niet alleen dit soort hoogspanningsdrama dat me aangrijpt, wat ik ook opmerkelijk vind is dat Still erin slaagt om deze intensiteit te combineren met een zeldzame mate van subtiliteit en delicatesse. (Zijn werk geeft een viscerale schok, de schilderijen staren naar mij en naar elke toeschouwer. Ik ken niet veel andere artiesten die eenzelfde soort elektrische schok teweegbrengen – een echte sensatie. Toch is het niet alleen dit soort drama onder hoogspanning dat mij aantrekt, maar wat ik ook opmerkelijk vind is dat Still erin geslaagd is deze intensiteit te combineren met subtiliteit en delicatesse in een mate die zelden bereikt wordt).
Lees ook: biografieen – Marc Chagall
Bibliografie en verwijzingen van het internet
Lees ook: beschavingen – Triple Entente
Externe links
Bronnen
